HISTORIA DEL TEATRO, por Miguel Ángel Fernández
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HISTORIA VIVA
Historia del Teatro
por Miguel Ángel Fernández
INTRODUCCIÓN
El teatro es un género literario creado para ser representado. Es el arte de componer
obras dramáticas. Las artes escénicas tratan todo lo relativo a la escritura, la
interpretación, la producción, los vestuarios y los escenarios. Drama tiene origen griego y
significa "hacer", y se asocia a la idea de acción. Se entiende por drama la historia que
narra los acontecimientos de unos personajes.
Tiene su origen en las danzas realizadas por el hombre primitivo alrededor del fuego.
Estas escenas tuvieron repercusión en China, Japón e India. En la coronación de los
faraones se hacían representaciones teatrales simbólicas. En Grecia nació el edificio
público destinado a la representación.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como medio
para divulgar ideas políticas, para difundir propaganda, como entretenimiento y como
arte. También se conoce como teatro el edificio donde se representan las obras
dramáticas.
ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
Una representación consta de dos elementos esenciales: actores y público. La
representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje. Los personajes no tienen que ser
siempre seres humanos. Los títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la
historia. Se puede realzar una representación mediante el vestuario, el maquillaje, los
decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales. Estos
elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes
diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de
la experiencia cotidiana.
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NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los atenienses
celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas
ceremonias rituales acaban evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los
principales logros culturales de los griegos. Cada una de las ciudades y colonias contó
con un teatro.
El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la orquesta,
el lugar para los espectadores y la escena. Los primeros teatros griegos constaban de
dos formas: un espacio circular donde se alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo
para los espectadores. Se accedía a través de dos callejones. Las gradas tenían forma
de semicírculo.
Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero construyeron
gradas en los lugares donde no existían colinas.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el
mimo. Las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, mientras que las dos
últimas se asociaban con lo primitivo.
Los actores iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la
visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.
LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que
tiene un desenlace funesto. Destacaron los escritores ESQUILO, SÓFOCLES y
EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas-
b) Las historias están basadas en mitos o antiguos relatos.
c) Eran obras de poca acción.
Aristóteles decía que la tragedia debe estar lo más que se pueda bajo un mismo periodo
de sol o excederlo un poco. En poco más de un siglo los griegos crearon dramas y
comedias que aún interesan y conmueven.
Esquilo ha sido llamado el padre del drama griego porque contribuyó a que las
representaciones teatrales se transformaran en espectáculos. Sus obras más conocidas
son Prometeo encadenado y Antígona.
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Sófocles era instruido, amable y tolerante y gozó de gran simpatía y popularidad. Sus
principales obras Antígona y Edipo Rey se siguen llevando a escena.
Eurípides tenía fama de huraño. Sus principales obras son Electra y Orestes, Efigenia en
Aulida y Efigenia en Taurida.
Los grandes trágicos griegos establecieron las características del teatro que se ha
convertido en el género literario que todos conocemos.
LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V Antes de Cristo. Las comedias más
antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy
cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una
mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas. Para el siglo IV Antes de Cristo,
la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO,
el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o
situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares.
TEATRO ROMANO
El teatro romano no se desarrolló hasta el siglo III Antes de Cristo. Al principio se
asociaba con festivales religiosos, pero la naturaleza espiritual se perdió pronto. Al
incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. No es
de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El periodo de creación dramática
romano empezó en el siglo II Antes de Cristo, y estuvo dominado por las comedias de
PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras
se basaban en una intriga de carácter local.
Este primer período se denomina clásico, porque comprende el teatro de las
civilizaciones clásicas, Grecia y Roma, y las obras están escritas en griego o latín.
Alrededor del final del siglo II Después de Cristo, el teatro literario entra en declive y es
sustituido por otros espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana
atacó el teatro romano y contribuyó al declive del teatro así como a considerar a las
personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del Imperio romano en el
476 Después de Cristo, el teatro clásico decayó en Occidente y no resurgió hasta 500
años más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores,
sobrevivieron y proporcionaron un nexo de continuidad.
TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, al igual que el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, es
en sí misma un drama, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán
los clérigos los que creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que
escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones, se
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fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso
que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos
profanos y cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro,
terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las
iglesias y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos
estudiosos creen que los ciclos surgieron de forma independiente. Eran producidos por
toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían durar de
dos días a un mes.
Como los intérpretes eran aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de
copla de fácil memorización.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales y persistían
varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos
durante el siglo XV. Los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se
trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales
como los trovadores y juglares.
TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante supuso el fin del teatro religioso en el siglo XVI, y el teatro
profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos parezcan estar muy lejos de los
dramas de Shakespeare y Moliére, los temas de la baja edad media, el giro hacia temas
más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco
contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. La participación de actores profesionales
en las obras fue sustituyendo a los entusiastas aficionados.
TEATRO NEOCLÁSICO
El teatro del renacimiento tomó una forma nueva con visos de clasicismo. Esta fórmula
es conocida como neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras
obras son en latín, pero acaban escribiéndose en lengua vernácula y estaban basadas
en modelos clásicos. Este teatro no fue una evolución de las formas religiosas. Se
trataba de un proceso académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque fuera
por varios lectores y en público, y con fines didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
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Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, y los
continuos intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a
finales del siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado,
la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo
grandes teatros de la ópera en Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público
en general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en
la improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este
fenómeno dificultó el establecimiento del drama renacentista. En aquel tiempo no
existían en París edificios dedicados al teatro, utilizándose recintos destinados al juego
de pelota. La influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que
fueron denominados ballets.
Moliére está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de
costumbres reciben en su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero
van más allá de su objetivo específico y pueden considerarse como observaciones sobre
las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras están imbuidas de
una cierta amargura.
Sus principales obras son El tartufo, El avaro, El enfermo imaginario y Las preciosas
ridículas.
Moliére fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo
de alterar el estilo histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo
XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que
se representaban en las universidades. La mayoría de los poetas isabelinos tendían a
ignorar el neoclasicismo o, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro
continental, el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en
las exigencias del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire
libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento,
así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd, Ben Jonson y
Christopher Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin
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cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande genio del teatro
inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
Christopher Marlowe se hizo famoso por las obras El judío de Malta y El doctor Fausto.
Ben Johnson destaca por Volpone o el zorro.
Obras de William Shakespeare como Hamlet, Macbeth, Romeo y Julieta, Julio César, El
rey Lear, Otelo o El sueño de una noche de verano, se siguen representando con la
misma viveza que cuando fueron escritas.
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este Acota uno de los periodos
más fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época
ha sido conflictiva de unos países a otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran
gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral
moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías. El teatro deja de ser un
acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes
de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el nacimiento y
desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven
para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y
LOPE DE VEGA, pero también debemos de citar a CALDERÓN DE LA BARCA Y TIRSO
DE MOLINA.
Lope de Vega dio forma definitiva a la comedia española convirtiéndola en género
nacional. Escribió cerca de 2000 obras que Menéndez Pelayo clasificó en religiosas,
mitológicas, legendarias, pastoriles, caballerescas, novelescas, de costumbres y
enredos. Sus principales obras son El mejor alcalde el rey, Peribañez y el Comendador
de Ocaña, Fuenteovejuna o Porfiriar hasta morir.
Miguel de Cervantes legó una obra fecundísima entre las que podemos destacar La
dama boba, El caballero de Olmedo, La niña de plata y El castigo sin venganza.
Calderón de la Barca llevó a la perfección la técnica de la escena y se teatro barroco
llegó a representarse ante la corte. Sus obras más conocidas son El alcalde de Zalamea,
La vida es sueño, El mayor monstruo, Los celos, El príncipe constante y El mágico
prodigioso.
Tirso de Molina es el creador del tipo de Don Juan en El burlador de Sevilla. Otras obras
suyas son El vergonzoso en palacio, Don Gil de las calzas verdes y El condenado por
desconfiado.
TEATRO DEL SIGLO XVIII
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El teatro del siglo XVIII era en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba
dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo Estos
actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus
características. Las obras de Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser
reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los
ideales neoclásicos.
Destacamos a Goethe y Schiller los más importantes representantes del teatro alemán.
Goethe destaca por Las penas del joven Werhter. Goetz van Berlichingen, Egmont,
Wilheim Meister y Fausto.
Schiller escribió dramas clásicos de la cultura alemana como Los bandidos, Don Carlos,
Guillermo Tell y Wallestein.
TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente
acabaron fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado
romanticismo.
Uno de los principales renovadores del teatro en este siglo es el noruego Henrik Ibsen,
fundador del teatro de ideas en oposición al teatro, de acción propiamente dicha. Analiza
en sus obras las relaciones sociales y humanas del siglo XIX.
Destacamos entre sus obras Casa de muñecas, Espectros, Hedda, Gabler y Peer Gynt.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo
XVIII. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de
Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un
héroe individual dominado por las pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del
teatro del Siglo de Oro. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico
español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del
burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace
que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra
ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.
MELODRAMA
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias
formas populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más
arraigado en el siglo XIX. El melodrama como literatura es a menudo ignorado o
ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de
villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.
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TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la
impresión de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes
con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas
de los personajes, la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en
el teatro. Acudiendo a la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el
objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los
dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo
real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director
teatral moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron
organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto,
crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción,
es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del
matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero
también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.
TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un
realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a
finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo
de la escena.
En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas, simbólicas,
realistas, impresionistas y neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine.
En los comienzos de siglo destacamos en España a Jacinto Benavente y Ramón María
del Valle Inclán.
La producción de Jacinto Benavente alcanzó las 130 obras. Destacamos La noche del
sábado, gente conocida, Campo de arnillo, Rosas de otoño, Pepa Doncell. Recibió el
premio Nobel de Literatura en 1922.
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Ramón María del Valle Inclán se sitúa en la corriente modernista e impone lirismo a su
prosa. Se caracteriza por la suntuosidad de su estilo. Sus principales obras son Águila de
blasón, Romance de lobos, Cara de plata, Divinas palabras y Luces de Bohemia.
Federico García Lorca destaca por el lenguaje lleno de metáforas y por inusitadas figuras
renovadoras. Se nutre de lo más genuino y popular de la tierra española. Sus obras más
destacadas son Mariana Pineda, Doña Rosita la soltera, La zapatera prodigiosa, Bodas
de sangre, Yerma y La Casa de Bernarda Alba.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralizació" del teatro, que se traducía en
desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX,
sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los
textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias.
El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX,
principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la
mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de
vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un
uso sugerente de la luz y la sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de
teatro durante la década de 1960.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, que carece de lógica, lo que
de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto
escénico.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. El
objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos
dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias
sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos
similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado
para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
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En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma
de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que
algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un
grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta forma en la
década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado
el musical para convertirse en algo más serio. A finales de la década siguiente,
posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y económicos, volvieron
los musicales bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el
baile y la comedia fácil.
EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas nociones de cómo pudieron ser las manifestaciones escénicas de los
pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos.
Existe un único texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el
combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla
ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el
vestuario, la música, la danza y la expresión corporal. A partir de la época colonial, el
teatro se basa en los modelos procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta
personalidad, al tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del
espectador a quien va destinado. Se caracteriza por su notable vigor. Surge el teatro
social.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para
obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria
se han preocupado por realizar un teatro que sirva como medio de discusión de la
realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y estético del drama.
EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general tiene ciertas características en común que lo distinguen del
teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de
representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes
países varían, son obras integradoras de las diversas artes que mezclan literatura,
danza, música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas estaban estructuradas
sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de
las obras eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración
laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos de cada
parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificados. Las
marionetas y el teatro danzado, han sido muy apreciados en varios momentos de la
historia de la India.
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En el Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el
wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son
tan apreciadas que los actores estudian sus movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía
convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, ha sido dominado por la ópera de Pekín.
En ella se da una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las
acrobacias más que al texto literario. La representación puede describirse como una
colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición
acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los
actores. El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente
necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es
elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática
ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII Después de Cristo y es el más complejo de
Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro
clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente
controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia.
Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El
kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros
dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de
marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario
manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se
apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en
valores opuestos a los del teatro occidental.
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