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Nº19 - Junio 2017 nº 19
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EL CHAMBERLIN 19

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El Chamberlin DIRECTOR: www.elchamberlin.info nº 19
Fernando Fernández Palacios
Pero volvamos a la música, esta mastodóntica Fusioon
suite que ocupa la cara A del LP transcurre entre Minorisa (1975)
PÁGINA WEB: Ariola – 88.863-1
el caos y el orden; entre la magia y la frustra-
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ción, con multitud de pasajes que se intercalan
en un collage musical no apto para todos los
MAQUETACIÓN Y PORTADA:
momentos pues dependiendo del día resulta
www.universosparalelos.org
maravilloso seguir esos quiebros musicales que
ofrece la pieza pero otros días acabas perdiéndo-
COLABORAN EN EL PRESENTE NÚMERO:
te en el caos de requiebros de la pieza. Los pri-
Victorio Calvo
meros minutos nos muestran aromas de Gentle
Chema Chacón
Giant y ELP hasta que aparece una recitativa
Federico Luis Clauss Klamp
voz que desemboca en una desolada sección que
Fernando Fernández Palacios
nos lleva a una de las mejores partes del tema
Carlos de la Fuente
que bruscamente se ve interrumpida quedándo-
Eduardo García Salueña
nos con unos segundos de ruidos urbanos. La
Francisco Lozano
vuelta de la música con la primera aparición
Francisco Macías
clara de la guitarra en dialogo con los teclados
Paul Martín Simón
nos devuelve a los momentos mágicos y todo
Rogelio Pereira
esto sucede durante la primera mitad del tema. Ebusus (Suite) 18:50
Philippe Renaud
La segunda parte de la suite sigue la misma Minorisa (Suite) 10:57
Carlos Romeo
línea con la aparición de melodías aparentemen- Llaves Del Subconsciente 8:06
te más de origen tradicional y los ya menciona- I Parte: Mente
Bienvenidos a bordo de un nuevo viaje musical II Parte: Cerebro
dos cambios de ritmos, cadencias y sonoridades,
————————————————
podríamos seguir describiendo el tema, pero
El Chamberlin está amparado por el portal Universos Paralelos Jordi Camp: bajo y voz.
difícilmente podríamos reflejarlo de forma preci-
(www.universosparalelos.org), que acoge, entre otros, los siguientes proyectos: Santi Arisa: batería, voz y flauta.
sa. El final del tema llega abruptamente, casi sin Marti Brunet: guitarra, voz y sinteti-
Radio Mirage aunciarse. zador.
Radio independiente digital en apoyo de las músicas poco escuchadas en las radios La segunda cara se abre con Minorisa, otra suite Manuel Camp: piano, piano eléctrico,
comerciales (Rock Progresivo, Art Rock, Jazz, Folk…) en este caso mas corta aunque con bastantes voz, Moog, órgano y Mellotron.
(http:www.radiomirage.org.es) similitudes compositivas, ahora centrada en la
Letras: Jordi Camp
población de Manresa. En los créditos de la re-
Revista literaria Pélago edición en CD se aclaraba la influencia en la mis-
(http://revistapelago.blogspot.com.es) ma de tres temas populares adaptados, Marxa de la llum y Goig de la llum, sobre la
fiesta tradicional de la luz de Manresa surgida a raíz de una aparición mariana en
Revista Oro Molido 1345 y el tema utilizado en las procesiones de Semana Santa Marxa dels armants.
Publicación de improvisación libre, arte sonoro y nuevas músicas El resultado es una nueva pieza con grandes momentos y constantes cambios, que
(www.oromolido.com) según el oyente puede nuevamente resultar magnífica o deslavazada.
El cierre lo hace el tema, dividido en dos parte, Llaves del subconsciente aparente-
Los contenidos están bajo una licencia
mente improvisado y de origen netamente electrónico y planeador donde Marti
Creative Commons si no se indica lo contrario.
Brunet juguetea con los sintetizadores en un adelanto de sus nuevas inquietudes
http://es.creativecommons.org/licencia/
musicales,
El disco surgió cuando en Barcelona estalló la movida de Zeleste y Fusioon quiso
integrarse en ella y busco la complicidad con el sello Edigsa pero su director Clau-
dio Martí, según Santi Arisa les diría que su música era imperialista. Quedarse
fuera de Zeleste sería el desencadenante de la separación. Manel Camp y Santi
Arisa se convertirían en personajes claves del Rock Layetano y volverían a grabar
juntos pero eso podría ser parte de otro Náufragos en el Mar de los Metales.

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que era un extracto del tema final del disco, Concerto
Grosso. EDITORIAL
Volviendo al LP, este se publicaría nuevamente sin títu-
lo, como ya hicieron el primero, y pasaría en el acervo El 13 de enero pasado El Chamberlin publicaba en su cuenta de Facebook que tras
popular a ser conocido como Fusioon II o El del Cocodri- siete años llegaba el momento de pasar a otra cosa, por lo que la revista cerraba, y
lo. Musicalmente mantienen la mezcla de sinfonismo, en dicha cuenta la despedida final era: “Hasta la próxima aventura”. La noticia, bre-
psicodelia y progresivo donde sigue destacando la sec- ve y escueta, produjo sin embargo un auténtico terremoto en el reducido mundo de
ción rítmica de Arisa y Jordi Camp, los ágiles fraseos su actividad (¡no, la noticia no llegó a televisión!) y en seguida se alzaron voces de
de Brunet y el virtuosismo de Manel Camp, espectacu- todo tipo reclamando que el proyecto siguiera adelante. Sin embargo, la situación
lar con el órgano incorporando temas cantados y arre- parecía tan firme que desde Subterranea incluso se dedicó un programa al adiós de
glos vocales. Nos encontramos ante una de las obras la publicación, el cual contó con la presencia del fundador de la revista y alma de
maestras de los 70 y no solo en el ámbito nacional. Sin ella, Carlos de la Fuente.
duda nos hallaremos, y con Me consta que desde varios lugares el intrépido responsable de 19 números de El
mucha razón, con muchos Chamberlin (18 más el nº 0) recibió respuestas variadas de ayuda para que la
aficionados que consideran publicación no desapareciera, entre ellas la nuestra, y ante la negativa suya decidi-
este disco la cumbre artística mos realizar una propuesta radical: hacernos cargo del fanzine. Carlos de la Fuen-
de Fusioon. te no puso obstáculo alguno e incluso fuimos testigos de sus dudas sobre lo acerta-
La banda se decide a apos- do o no de haber dejado la revista (recuerdo, por ejemplo, su conversación conmigo
tarlo todo por Fusioon, rele- el 4 de febrero con ocasión de la asistencia de ambos al concierto de Asfalto en La
gando otras ocupaciones en Riviera, donde el grupo madrileño celebró su 45º aniversario de vida). En este senti-
pos de hacer más conciertos do, desde el primer momento -y a la hora de escribir las presentas líneas el compro-
y centrarse exclusivamente miso se mantiene firme- nuestra intención al hacernos cargo de la revista es la de
en el grupo. Ellos se sienten dejar la puerta abierta a Carlos de la Fuente para que, si en algún momento del
en un gran momento, tanto futuro lo considera oportuno, se haga de nuevo con las riendas de la publicación.
individual como colectiva- La proverbial generosidad de Carlos de la Fuente y nuestra insistencia han logrado
mente, con un gran disco del que a la hora de la edición del presente número él haya colaborado muy activamen-
que se siente orgullosos. te en su realización. Suya es la maquetación, suya es la portada, de su pluma ha
Nuevamente volvería a for- salido uno de los artículos que se publican y gracias a él muchas otras cosas del nº
mar parte de un festival 19 de El Chamberlin han podido llegar a buen puerto. No obstante, parece que a
mítico como fue el Canet partir del siguiente número nos dejará un poco más huérfanos o quién sabe si será
Rock de 1975 que se celebró que quiere que alcancemos la mayoría de edad y andemos por nuestros propios
los días 26 y 27 de julio. medios. Esto enlaza con el final del mensaje de Facebook con el que comenzaba
Manel Camp es por entonces un notable arreglista y como músico resulta especta- este Editorial: “Hasta la próxima aventura”, y es que por la cabeza de Carlos de la
cular tanto en el órgano como con los sintetizadores, Santi Arisa lleva un par de Fuente viene rondando desde hace un tiempo la idea de fundar otra publicación
años siendo elegido el mejor batería del país en las típicas encuestas anuales de la cuyas características me parece que no tiene del todo perfiladas pero que en cual-
prensa y Martí Brunet poco a poco se ha ido convirtiendo en un experto en electró- quier caso, de materializarse, será por supuesto bien recibida. Y si El Chamberlin,
nica incorporando un montón de aparatitos al sonido del grupo. en su segunda época como Orchestron (nombre, por cierto, propuesto por nuestro
Todo parece ir sobre ruedas cuando fichan por Ariola de cara a grabar su tercer dis- habitual colaborador Carlos Romeo), llegara a sentirse en algún momento redun-
co, que en esta ocasión lo harán en Madrid en los prestigiosos estudios Kirios de dante con respecto a la futurible publicación, no nos temblaría el pulso a la hora de
Madrid con Enrique Rielo ejerciendo de ingeniero de sonido. poner el punto y final.
El disco resultará el más ambicioso de la discografía de Fusioon facturando nueva- El nº 19 de El Chamberlin (nos cuesta todavía llamarle Orchestron), que tiene el
mente una obra maestra conformada por tres extensos temas con multitud de desa- lector en sus manos, se nutre en parte de textos que habían llegado a la Redacción
rrollos instrumentales e intrincados pasajes, para muchos muy superior al ya magní- antes de que se anunciara la suspensión de la revista. Todos han contado con el
fico disco de El Cocodrilo, aunque no exento de voces discordantes que lo tachan de plácet de sus responsables para que fueran acogidos en esta nueva etapa. Global-
excesivamente pretencioso y deslavazado, más enfocado al ejercicio vacuo de vir- mente, los contenidos tienen una evidente continuidad con los aparecidos en ante-
tuosismo que al resultado compositivo. Sin duda, cuestión de gustos. En mi opinión riores números, incluso prácticamente todos los autores son ya conocidos de los
es un excelente disco digno de este Náufragos en el Mar de los Metales. lectores habituales. Carlos Romeo, por ejemplo, no sólo rinde su particular home-
El LP se abre con el extenso tema Ebusus, que ocupa toda la cara A del vinilo. Uno naje a Greg Lake con un artículo dedicado a su papel en el inicio de King Crimson
de los antiguos nombres de la isla de Ibiza, que posiblemente debe su elección a sino que también nos habla de Cassix, un fugaz grupo que duró ¡cinco días!;
reminiscencias vivenciales de aquellos veranos como banda residente de la discoteca además, trata también acerca de tres discos publicados en 2016 por autores del
Playboy. Ebusus, Ibsoum, Yebish, Pitiusa, Eivissa, Ebisos o Aivis son algunos de los norte Europa en el sello ECM y, finalmente, nos cuenta cosas del excelente guitarris-
nombres conocidos que han recibido en la historia las islas de Ibiza y Formentera y ta Diego de Morón, quien -aunque no lo parezca para algunos- sigue vivo y cole-
que aparecerán de forma insistente a lo largo del tema como un mantra vocal. ando.
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Francisco Macías, por su parte, nos hace una crónica del concierto dado por el gresiva de Granollers celebrado los días 22 y 23 de mayo de 1971. Este festival ya
Led Bib-Royal Northern College of Music el 17 de febrero del presente año en ha salido varias veces en esta sección de náufragos ya que reunió a lo más destaca-
Manchester y también nos habla del grupo malagueño Frutería Toñi a propósito de do del momento en más de 20 horas de conciertos empezando el sábado a las 18
su nuevo disco, Tengo mis Días Buenos. Federico Luis Clauss Klamp, que hasta horas con el grupo Sexto Sentido y acabando a primeras horas de la tarde del do-
el momento no se había prodigado mucho en El Chamberlin, ha acudido a la cita mingo. En ese periplo musical, los segundos en subirse al escenario fueron los Fu-
con nada menos que cinco artículos más o menos breves que ha dedicado a John sioon, que interpretaron sólo cinco canciones pero que según las crónicas a la post-
Wetton, Bruce Springsteen, Phill Collins, Tony Banks y Peter Gabriel. En el re serían de los destacados del concierto, a pesar de ser desconocidos, sobre todo
caso de Paul Martín Simón, nos hace una nueva entrega de su “Rock´n´Roll Fic- gracias a su versión del tema Take Five de Paul Desmond que alargaron hasta casi
tion” con la siguiente inquietante pregunta como frontispicio: “¿Existió el trío Bru- los 15 minutos.
ford, Wakeman & Wetton?”. Chema Chacón, director de Oro Molido y colabora- A pesar de la calidad reflejada, tardarían aún un año en tener la oportunidad de
dor fiel de El Chamberlin, nos presenta una traducción de un texto de Philippe debutar discográficamente y lo harían gracias a Pepe Ortiz, responsable de los es-
Renaud sobre Recommended Records, sello creado por Chris Cutler en 1978. Ro- tudios Gema, donde empezaron a grabar lo que a la postre sería su primer LP, que
gelio Pereira nos trae una entrevista realizada a Guillem Roma, el percusionista les presentaría a Casas Augé, director artístico del sello Belter.
de los barceloneses Herba d´Hamelí, a quienes califica como herederos del rock El disco contiene ocho magníficas reinterpretaciones
layetano. instrumentales de tema clásicos y populares españoles
Otros contenidos del presente número son una oportuna revisión, realizada por el pasados por el tamiz del grupo y los modismos sinfóni-
mexicano Victorio Calvo, del legado del grupo asturiano Senogul, incluyendo los cos de la época, destacando la tremenda sección rítmica
proyectos realizados por miembros de dicha banda en solitario, y enlazando temáti- encabezada por Santi Arisa y los virtuosos teclados de
camente con esto presentamos también una entrevista de Francisco Lozano a Manel Camp. Las comparaciones con Ekseption, Nice
Eduardo G. Salueña, teclista de la mencionada formación. De Eduardo G. Salue- o Collegium Musicum se hacen inevitables a pesar de
ña publicamos asimismo la traducción al español por obra de Rogelio Pereira de la original propuesta de Fusioon.
un conocido texto que vio la luz inicialmente como número 5 de los Cuadernos Aunque no se puede obviar la calidad del disco y el
Progresivos de Gouveia y que lleva por título “Localismos y extranjerismos en el magnífico trabajo que contiene, la banda no acaba de
rock progresivo”. Queda por mencionar una nueva entrega de “Náufragos en el Mar explotar, pero sí le sirve para empezar a tocar por toda
de los Metales”, sección de Carlos de la Fuente que se ha centrado en esta ocasión España. Si años atrás Smash y Máquina! se hicieron
en el análisis del disco Minorisa, publicado en 1975 y obra del excelente grupo ca- imprescindibles en todo festival que se preciara, ahora serán Storm y Fusioon los
talán Fusioon, y finalmente una extensa reseña a cargo de Fernando Fernández que tomen el relevo.
Palacios del libro de Julio Castejón titulado Asfalto. Manual de uso, publicación Del disco se publicaría un single con los temas que abrían cada una de las caras:
que salió a la calle en octubre de 2015. Danza del Molinero y Negra Sombra.
El número está dedicado no solo a tres músicos recientemente fallecidos que han Para seguir dando presencia a la banda, Belter editaría dos nuevo singles, esta vez
sido clave en la historia del llamado rock progresivo: John Wetton, Greg Lake y con temas que no aparecerían en ningún LP. El primero contenía los temas No Hay
Chris Square, sino también y sobre todo a nuestra compañera chamberlinera y Habitación Para... y Ciclos, editado aún en 1972, y el segundo ya en 1973 con los
amiga Julia, fallecida debido a una larga enfermedad cuando el número se hallaba temas Rapsodia Para Un Violín y Tocata Y Fuga que durante mucho tiempo fueron
muy avanzado, que nos deja en nuestro corazón y en nuestras mentes el recuerdo una auténtica rareza
de su simpatía, preocupación por todos y entrañable amor por su marido, nuestro hasta que en 2011
también compañero chamberlinero y amigo Miguel Ángel, al que enviamos un ca- fueron publicados en
luroso abrazo. Los tres músicos mencionados y Julia son los protagonistas de la el disco, de dudosa
portada. Descansen en paz. legalidad, Absolute
Fusion.
Sin embargo el nivel
de ventas y de con-
ciertos no funciona
como se esperaba,
la banda se ve obli-
gada a trabajar en la discoteca Playboy de Ibiza durante los meses de verano y en
el club Las Vegas de Barcelona en invierno, todo esto mientras cada vez más a me-
nudo actúan como músicos de sesión.
A pesar de este ínterin, la banda saca tiempo para grabar un segundo LP, esta vez
en los estudios Belter, con un nivel aún superior al de su debut, ahora con temas
propios a excepción de un arreglo de Tchaikowski. La banda sigue con la misma
formación y en LP presentarán en esta ocasión 5 temas, en general de mayor minu-
taje. Grabado en 1973, el disco se retrasaría en publicarse hasta el año siguiente
saliendo un adelanto en single con los temas Farsa Del Buen Vivir y Rondo Y Final,

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Página 6. Con Greg Lake se dio inicio a King

Crimson (Carlos Romeo)
Página 11. ¡No te olvidamos, John! (Federico Luis
Clauss Klamp)
Página 13. Cassix, un grupo breve (Carlos Romeo)
Página 15. Eduardo G. Salueña, de Senogul a
S.A.L.U.E.N.A. (Francisco Lozano)
Página 22. Cuadernos Progresivos de Gouveia nº5.
Localismos y estranjerismos en el rock progresivo
(Eduardo García Salueña)
Página 33. Bruce Springsteen: Born to run:
ormados en Manresa en 1970, Fusioon fueron uno de los grupos españoles

F
autobiografía (Federico Luis Clauss Klamp)
más completos musicalmente y navegaron en las aguas de las principales
bandas sinfónicas internacionales de la época, creando largos temas instru-
Página 35. Autobiografía de Phil Collins: Aún no
mentales en los que en muchos momentos incluían variaciones de temas estoy muerto (Federico Luis Clauss Klamp)
clásicos y populares. Página 38. Led Bid-Royal Northern College of
El grupo nace de las inquietudes de Santi Arisa (batería) y Manel Camp Music, Manchester, 17 de febrero de 2017
(teclados), quienes ya se conocían desde la adolescencia cuando al principio de los
60 habían creado un grupo de rock’n’roll. Tras unos años militando en orquestas
(Francisco Macías)
Arisa empieza a barajar la idea de armar un grupo de corte progresivo, volviendo Página 40. Tres discos desde el norte de Europa
para ello a contactar con Manel Camp, que llevaba varios años estudiando en el (Carlos Romeo)
conservatorio y completando la formación los guitarristas Martí Brunet y Alfred Página 44. Recommended Records (1ª parte)
Pla y Paco Chacón al bajo. En junio de
1970 empiezan a funcionar como ban-
(Philippe Renaud. Traducción de Chema Chacón)
da, pero enseguida se marchan Chacón Página 60. Herederos del Rock Layetano. Herba
y Pla, encargándose entonces el her- d'Hamelí (Rogelio Pereira)
mano de Manel, Jordi Camp, del bajo. Página 66. Tony Banks nos habla de su propuesta
Cabe destacar que Brunet y Arisa lle-
vaban años moviéndose por los circuitos
musical, un Box-Set llamado A Chord Too Far
de rock y de orquestas. (2015). “Un acorde que viaja demasiado
Su primera oportunidad les llegaría casi lejos” (Federico Luis Clauss Klamp)
un año después con su participación en Página 70: Frutería Toñi: Tengo Mis Días Buenos
el Festival Internacional de Música Pro-
(Francisco Macías)
Página 73: ¿Qué Fue de Senogul? (Victorio Calvo)
Página 78: Diego de Morón (Carlos Romeo)
Página 81: Asfalto. Manual de uso. Julio Castejón
(Fernando Fernández Palacios)
Página 95. 40 años de Peter Gabriel I (Federico Luis
Clauss Klamp)
Página 96. Rock'n'Roll Fiction. ¿Existió el trío
Bruford, Wakeman & Wetton? (Paul Simón)
Página 98. Náufragos en el mar de los metales.
Minorisa de Fusioon (Carlos de la Fuente)

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Gregory Stuart Lake

Dorset, Inglaterra
10/11/1947 - 07/12/2016

Texto: Carlos Romeo

Fotos: www.greglake.com
Tras la separación de King Crimson en 1974,
John Wetton es considerado uno de los me-
jores bajistas del rock, así como un notable
vocalista.
Es una etapa donde empezó un periplo musi-
cal como “bajista de alquiler” muy cotizado
tocando con Roxy Music con Bryan Ferry de
vocalista o Uriah Heep. Pero Wetton aspira
a liderar su propio proyecto y junto a su ami-
go en King Crimson, Bill Bruford, a la ba-
tería comienza a dar forma a un supergrupo
junto al que fuera compañero de Bruford en
Yes, el virtuoso teclista Rick Wakeman.
A mediados de 1976, tras la decepcionante
aventura de Wetton en Uriah Heep comien-
zan a ensayar en un formato de trío con para-

L o inolvidable, la justa fama de Greg Lake, proviene de haber sido uno de los
tres miembros de Emerson, Lake & Palmer. Su papel como cantante, bajista,
guitarrista, compositor y productor del trío no puede desestimarse, sobre todo
en los primeros discos del grupo. Además hizo más cosas, en solitario o en compa-
ñía de otros.
lelismos con E,L&P. Pese que a musicalmente, lo que ha trascendido es que parecía
funcionar, la compañía de Wakeman, A&M Records, no ve con buenos ojos que una
de sus grandes estrellas, que para entonces estaba en proceso de grabar el disco
No Earthly Connection, aparque su carrera en solitario, y pone todas las trabas
posibles. Cuando en octubre de 1976 el prestigioso periódico musical Melody Ma-
Debido a la pérdida de Keith Emerson se ha escrito largo y tendido sobre ELP y ker anuncia el grupo, apenas un par de meses antes de la edición del disco de Wa-
por ello nuestro propósito con este texto no es hacer una revisión ni biográfica ni keman, A&M Records veta, precipitadamente, su participación en el grupo.
discográfica del músico. En cambio, vamos a escribir sobre su paso por King Crim- Pocos meses más tarde nos volveríamos a encontrar con Wetton y Bruford enton-
son, un periodo breve pero fértil. ces junto al jovencísimo teclista Eddie Jobson y el guitarrista Alan Holdsworth
Si se pregunta a los diferentes miembros de la formación original del grupo sobre la formando el supergurpo U.K.
fecha de su nacimiento la respuesta no queda clara. Peter Sinfield te dirá que fue No sabemos cómo sonarían estos B.W&W pero John Wetton relata en el libro My
cuando Ian McDonald cogió la letra de la canción In the Court of the Crimson King Own Time: The
y escribió una nueva música para ésta (ya que hubo una primera versión de la mis- Authorized Bio-
ma escrita por Sinfield para su grupo Infinity). La otra interpretación de la histo- graphy of John
ria, la más difundida, es que el grupo fue concebido en la cocina de la casa que ocu- Wetton (1997) de
paban Giles, Giles & Fripp la noche del quince de noviembre de 1968, tras la única Kim Dancha que
actuación televisiva del grupo. Esa noche Michael Giles y Robert Fripp perfilaron llegaron a ensayar
lo que iba a ser el nuevo grupo. Al día siguiente, Fripp obligó a sus compañeros a temas como Thirty
tomar una decisión al informarles que Greg Lake podría sustituir en la banda o bien Years, que apare-
a él mismo o a Peter Giles, por lo cual la solución quedó en manos del resto del cería publicado en
grupo. La misma fracción que trece meses más tarde tomaría la medida de salir de el disco de debut
éste. El resultado fue el conocido y Greg Lake se trasladó a Londres el dos de di- de U.K. o Beelze-
ciembre para sustituir a Peter Giles. bub que lo haría en
Fripp le conocía de antes, ya que provenían de la misma zona, tuvieron el mismo Feels Good to Me
profesor de guitarra y habían colaborado (Fripp tocó su punzante guitarra solista en (1978) del grupo
una pieza de uno de los temas que grabó uno de los primeros grupos de Lake, The Bruford.
Shylimbs). Durante el tiempo en que Lake fue miembro del grupo los dos músicos
compartieron apartamento. Sin embargo, y pese al traslado de Lake, los ensayos de Paul Martín
King Crimson no dieron comienzo hasta el día trece de enero de 1969. Simón

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Humphries (New Musical Express). El cambio de un músico por otro fue crucial. Si escuchamos las grabaciones de Gi-
“Era una oportunidad de hacer cosas diferentes. Quería alejarme de mi pasado. les, Giles & Fripp recogidas en The Brondesbury Tapes podemos discernir que
Había canciones sencillas, algo de blues y una variedad en sonidos y en muchas de las piezas escritas por McDonald y Fripp con letras de Sinfield, y
arreglos” (Peter Gabriel). ejecutadas por ellos junto a los hermanos Giles, casi está ahí King Crimson. Aque-
Este disco marca un punto de inflexión en su carrera. Peter es el dueño de su llo era un obvio antecedente de la banda e incluso parte de esas canciones acabaron
destino. Un artista y/o compositor que debía ser respetado. siendo una fracción del repertorio del nuevo grupo, pero faltaba un elemento crucial,
“Me llevó tres discos descubrir lo que me hacía diferente de otras personas, de otros Greg Lake. Si se quieren ejemplos para ilustrar esto baste con comparar las tomas
músicos. Y este primer disco marca un primer intento” (Peter Gabriel). de I Talk to the Wind grabadas por Giles, Giles & Fripp y por King Crimson.
“Elegí a Bob Ezrin para producir el disco. Bob tenía su centro de trabajo en Toronto Ya en enero de 1969 los primeros ensayos debieron ser muy complicados ya que
(Canadá). Estuvimos trabajando allí, con una selección de músicos que él nos tuvieron que consolidar una banda por un lado y empezar a construir un repertorio
recomendó y otros que yo aporté. Fue algo interesante ver cómo se podía trabajar. por el otro. Se sabe que entre las primeras piezas ensayadas figuraban versiones,
Solía ir en bicicleta para conocer Toronto. En esa época Tony Levin tenía pelo, lo como la de Lucy in the Sky with Diamonds. Es menos conocido pero tocaron algún
cual puede ser difícil de creer” (Peter Gabriel). tema de Giles, Giles and Fripp, como Erudite Eyes, e incluso la bien conocida pos-
“La carátula del disco fue hecha por Hipgnosis, con quienes había trabajado al final teriormente y escrita por Lake Lucky Man. No, no hay grabaciones de nada de esto,
de la época de Genesis, particularmente Storm (Thorgerson) y Peter lo cual es realmente una lástima.
(Christopherson). Storm tenía un seco sentido del humor, que provocaba humor y El resto es historia. Sobre la base del repertorio construido en estos ensayos el gru-
alegría a su alrededor. Me gustaba trabajar con él. Es su coche el que aparece en la po provocó una reacción impresionante con sus primeras actuaciones en directo,
portada del álbum. Me gustaba la idea del agua, del blanco y negro, y del color que cimentaron una fama bien merecida. Greg Lake se desenvolvía como un per-
azul...” (Peter Gabriel). fecto líder para el directo, un músico cuyo lugar natural para tocar era la primera
“La primera vez que salí a la carretera con otro grupo, distinto a aquel con el que línea del escenario, el foco de atención del grupo para el público. Era joven, pero
había crecido e ido a la escuela (Genesis), fue una experiencia muy diferente. con autoridad a la
Algunos de los músicos profesionales debían viajar/volar a Nueva York entre las voz y el bajo; y
actuaciones para grabar anuncios publicitarios. Otros llegaron de ambientes con carisma, en-
similares al mío” (Peter Gabriel). canto y capacidad
“Había mucha alegría. Recuerdo al percusionista Jimmy Maelen tristemente de seducción.
fallecido, un gran músico. Usaba dos enormes gongs detrás de su kit de percusión, Luego llegó el
que trataba con esmero” (Peter Gabriel). primer álbum,
“El vídeo para Modern Love fue realizado con el director Peter Medak (yo había sobre el cual no
visto la película The Ruling Class con Peter O´Toole). Se grabó en Shepherds vamos a comentar
Bush. Había escaleras mecánicas que nos trasladaban al futuro” (Peter Gabriel). nada porque
“Posteriormente grabamos el vídeo de Solsbury Hill con un amigo pintor llamado hacerlo desvir-
Graham Dean. Desafortunadamente no contábamos con muchos medios para tuaría este artícu-
hacer un vídeo en aquella época” (Peter Gabriel). lo y ésta es una
Aunque muchos grupos y artistas de los años 80 siguen en activo, U2, Depeche obra bien conoci-
Mode, Bruce Springsteen, Mike Oldfield, por citar sólo algunos ejemplos, viene da. Sin embargo,
bien revisar sus comienzos para captar en ellos sonidos diversos y también para ver y éste es un
cómo han evolucionado. hecho poco publi-
Peter Gabriel I, aunque ha citado, aquellos
salido en vinilo, no lleva que habían visto a
añadidos de tomas extras, King Crimson en
demos, aunque s hubiera directo se sintie-
venido bien la edición de un ron un tanto de-
directo de aquella época con fraudados con su
el grupo que compuso PG edición al darse
II. La intención de Peter cuenta de que
Gabriel no es hacer caja. algunas de las
Imagino que el próximo año piezas más im-
tendremos la revisión de PG pactantes del di-
II, si el maestro distraído, recto no se habían
como yo le llamo, no edita grabado para el
un nuevo disco de canciones disco. Cierto es
originales, aunque con que no estaba
Peter nunca se sabe. Mars. Se han adu- Robert Fripp, McDonald, Giles y Lake
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cido dos razones para ello. La primera, la falta de permisos de los herederos de
Gustav Holst. La otra, la de que no querían incluir una versión en su disco de de-
but. Sea como fuere, la ausencia de esta pieza hizo que incluir Mantra y Travel Wea-
ry Capricorn careciera de sentido. Con relación a Lake, en el álbum éste brilla como
cantante en todos los temas y sobre todo en Epitaph. Ésta fue una interpretación
memorable de una canción que nació a partir de una idea suya. Encontramos que el
sonido de su bajo está algo mitigado, ya que hemos podido comprobar en grabacio-
nes de archivo como Epitaph que su instrumento tenía mucha más presencia en Federico Luis Clauss Klamp

S
directo. En cualquier caso, tanto la edición del material de archivo citado como otras
ediciones físicas o digitales que DGM ha ido facilitando ayudan a perfilar tanto el e cumplen 40 años
papel de Lake en el grupo como el repertorio que o bien no entró en el álbum o se del que fue el primer
estaba creando para el futuro. disco de Peter
La gira americana de finales de 1969 fue determinante para el devenir tanto de Gabriel en solitario. Tras su
King Crimson como de ELP. Pese a la presentación de material nuevo -A Man, a salida del grupo Genesis era
City (germen de Pictures of a City)-, las tensiones propias de la gira y el extraña- una incógnita la nueva
miento afectivo provocado por la misma desembocaron en la resolución de la salida producción del ex-vocalista.
de Ian McDonald y Michael Giles del grupo, pese al ofrecimiento de Fripp de irse Recuerdo que en los años
él para mantenerlo unido. Básicamente, King Crimson se partió por la mitad. 80, cuando contaba con 16
Cuando afrontaron los conciertos finales del grupo en el Fillmore West, en diciem- años tuve contacto con la
bre, todos ellos (incluido Greg Lake) sabían que aquello era el final de una era. Fue música de Peter Gabriel.
en esta época, ya que The Nice también tocaba en el mismo escenario, cuando Desde un punto de vista
Keith Emerson y Greg Lake tocaron juntos por primera vez haciendo una jam en personal PG III fue un
una prueba de sonido. Por lo que sabemos aquello funcionó lo bastante bien como proyecto rompedor,
para que fuera clara la posibilidad de hacer algo más juntos. Los dos músicos ya se diferente. A sus dos
habían conocido anteriormente, al menos en el festival de Plumpton, pero ésta fue primeros discos no les presté
la ocasión que hizo historia. atención, ni a CAR (PG I), ni
En entrevistas posteriores Lake comentó que si sólo se hubiera ido uno de los músi- tampoco a PG II con
cos, McDonald o Giles, él no se habría ido de King Crimson. Él optó por la salida producción de Robert Fripp.
ya que en la siguiente fase del grupo nada pasaría sin la aprobación final de Robert CAR (P G I) inc luía
Fripp y a él no le inte- canciones muy buenas que
resaba esa dinámica de han estado en el repertorio
trabajo. En cambio, de sus numerosas
con Keith Emerson se actuaciones y giras. Solsbury Hill, Here Comes The Flood, etc.
abría un mundo nuevo “Este álbum fue mi primer paso como artista en solitario. El primer movimiento
lleno de posibilidades. fuera de Genesis. Yo no estaba seguro de lo que saldría, pero ahí estaban los
Así que Lake optó por músicos que eligió el productor Bob Ezrin y que incluían a Tony Levin, Robert
este futuro. Cuando Fripp o Larry Fast. Aunque fue grabado durante varias semanas nevadas en
cada uno de ellos ter- Toronto (Canadá), recuerdo que las sesiones en el estudio eran excitantes. Muchas
minara con sus com- canciones las hicimos en vivo con una grabadora de 16 pistas. Fue agradable,
promisos con bandas intenso, con sobresaltos, pero contábamos con un gran grupo que hizo la gira
previas el nuevo trío se conmigo” (Peter Gabriel).
pondría en marcha. Peter estaba meditando cuál sería su futuro en la música tras la salida de Genesis.
Por el lado de King En principio se llamó Peter Gabriel, para luego recibir los nombres de PGI o CAR.
Crimson hubo incluso Como dijo el crítico Allan Jones en el Melody Maker, “no te dejes llevar por ideas
fotos promocionales de previas, y piensa sólo en disfrutarlo”.
King Crimson con El entorno musical del rock sinfónico pensaba que Peter Gabriel había salido de
Fripp, Lake y Sinfield Genesis para cuidar el jardín o para tener un bebé; sin embargo el disco mostraba
antes de la decisión a un compositor, a un escritor de canciones que se alejaba de la dinámica de un
final. Nada más volver grupo.
a Inglaterra empezó a “Había algo a la vez extraño y accesible en este disco. Lo extraño eran canciones
grabarse el segundo como Moribund the Burgermeister. Solsbury Hill, más accesible, un tema de este
álbum del grupo, don- disco que Peter Gabriel ha mantenido en todas sus giras desde entonces. Como en
de participaron tanto Fripp, Pete Sinfield y Greg Lake la vida, hay lo bueno y lo malo, pero siempre pesa más lo bueno”, según Patrick

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El Chamberlin www.elchamberlin.info nº 19
la ciudad de Madrid” tal vez se inspiraron en películas como West Side Story (p.
169).
Un tercer asunto puntual es el reconocimiento de The Allman Brothers y Wishbo-
ne Ash como “influencias primerizas” (p. 171) y el idéntico calificativo que reciben
dos artistas tan dispares como Joan Manuel Serrat y Miguel Ríos: ambos para
Julio Castejón son grandes (pp. 90 y 156, respectivamente). Por el contrario, la
llamada Movida sale malparada ya que para él se trata del “ejemplo y paradigma de
la fuerza que pueden llegar a tener los medios (algunos medios) puestos a engran-
decer algo que no lo era” (p. 97).
Finalmente, un último aspecto que me gustaría traer a colación es el referente al
carácter y la personalidad del autor del libro, y relacionado con esto sus ideas sobre
la sociedad en que vivimos, etc. Acerca de su personalidad dice en su otro libro que
“[s]in duda, la perseverancia me trajo al mundo. Puede que sea esa la génesis que
incorpora a mi carácter tal rasgo: el de ser perseverante” (Ahora…, p. 36). Este ras-
go sale a la superficie en el propio libro que comentamos en alguna que otra oca-
sión, así por ejemplo cuando habla de perseverar “con voluntad firme” (p. 176).
Acerca de la nostalgia, una de las claves de buena parte de sus letras y música,
señala que no hay nada malo en ella: “Sí que me parece más peligrosa la melancol-
ía, esa es patológica” (pp. 208-9). Por otro lado, en su mente siguen anidando ideas
de revolución, pero esta tiene en su mente un modus operandi distinto del que le Top Of The Pops, 25 de marzo de 1970
guio durante sus años juveniles: ahora aboga por una “revolución individual” (p.
239), opinando que “[c]ada vez más gente emprende su propia revolución convenci- Greg Lake como Michael Giles a título de colaboradores. El primero aportó sólo su
da que (sic), en el plano colectivo, nada o poco cabe esperar cara a revertir el mo- voz a todas las canciones del disco salvo a Cadence and Cascade, donde lo hizo
delo” (pp. 230-1). Además esa revolución individual por la que aboga debe ser de Gordon Haskell. En cualquier caso existe una versión de este tema la voz de Lake
carácter intelectual: “[E]se cambio de rumbo sólo se hará posible partiendo de una de referencia y que ha aparecido en los últimos años. Lo primero que se editó fue el
revolución intelectual de carácter individual” (p. 187). sencillo Cat Food y Lake apareció con una extraña configuración del grupo para
grabar el playback de la canción para el programa de la BBC Top of the Pops. Con
esta aparición y con estas grabaciones (cuyo pago fue parte del equipo de la banda)
finalizó su relación con el grupo. En los primeros ensayos de ELP se trabajó con una
versión de 21st Century Schizoid Man, pero pasaron muchos años antes de que este
tema se grabara por el trío o se tocara alguna vez en directo por éste. Del mismo
modo, Mars sería recuperado por el trío en la época del álbum y grupo Emerson,
Lake & Powell, pero su versión fue mucho más próxima a la del compositor Gus-
tav Holst que a la de King Crimson.
Fripp y Lake se fueron distanciando. En un primer momento Fripp sintió que el
inminente Emerson, Lake & Palmer podría cumplir las aspiraciones del primer
King Crimson y le pidió a Greg Lake que sondeara la posibilidad de incorporarse al
proyecto, cosa que no sucedió, como es sabido. Hubiera sido curioso un grupo lla-
mado Emerson, Fripp, Lake, Palmer & Sinfield; pero esto no estaba destinado a
existir, pese a que al final Peter Sinfield trabajó para ELP más adelante e incluso
el bajista y cantante tuvo un papel destacado en el único álbum del letrista, Still.
Fripp y Lake habían compartido muchas cosas y habían tenido esa “intimidad que
tienen los hombres jóvenes con guitarras” –en palabras del guitarrista de King
Crimson–, pero todo esto se fue enfriando. Famosa es la frase de Fripp sobre ELP:
“Pueden parecer eléctricos pero son mecánicos”. Por su parte Lake cuestionó la
autenticidad de King Crimson tras 1969, aduciendo que Robert Fripp no había
sido el motor del grupo y mencionando el papel de Ian McDonald. En su opinión
Fripp se había apropiado del nombre de la banda para hacer otra cosa. También
cuestionó el modus operandi de la era Fripp-Sinfield aduciendo que los artistas no
pueden ser “alquilados”. No obstante, fue Lake el que sugirió a Andy McCulloch
como sustituto de Michael Giles (habían tocado juntos en The Shylimbs) y Keith
Emerson quien sugirió a Ian Wallace después. En 1970 la relación siguió siendo
buena y la rarefacción de la misma apareció más tarde. No obstante, es sabido que

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El Chamberlin www.elchamberlin.info nº 19
Fripp ha logrado recu- 28
“Aún” por “Aun” (p. 12), “Bad Finger” por Badfinger” (p. 17), “folckie” por “folkie” (p. 19), “acerbo”
perar una buena rela- por “acervo” (p. 25), “que hay de cada uno” por “qué hay de cada uno” (p. 28), “aún así la hacen suya”
por “aun así la hacen suya” (p. 31), “quienes eran los dueños de la calle” por “quiénes eran los dueños
ción con casi todos los de la calle” (p. 32), “Don Quijote” por “don Quijote” (p. 36), “aún así” por “aun así” (p. 37, p. 43, p. 53,
miembros pasados del p. 121, p. 157, p. 192, p. 197), “Aún así” por “Aun así” (p. 54, p. 73, p. 87, p. 94, p. 95, p. 98, p. 159,
grupo. Lake le dijo que p. 199, p. 206, p. 230), “esnob” por “esnob” (p. 43), “leeds por leads” (p. 48), “como jugábamos” por
deberían volver a tocar “cómo jugábamos” (p. 49), “Aún hoy” por “Aun hoy” (p. 49), “equalizada” por “ecualizada” (p. 50),
“jamás supe cual” por “jamás supe cuál” (p. 57), “provocar en mi” por “provocar en mí” (p. 58), “de
juntos alguna vez, pero
cómo se escucha” por “de como se escucha” (p. 59), “no sabe que dirección tomar” por “no sabe qué
suponemos que como dirección tomar” (p. 61), “con que canciones” por “con qué canciones” (p. 69), “cuales pasarían” por
un acto privado, no un “cuáles pasarían” (p. 69), “quien sabe por qué” por “quién sabe por qué” (p. 70), “cual de los dos” por
proyecto profesional. “cuál de los dos” (p. 75), “para según que cosas” por “para según qué cosas” (p. 76), “Lewis Carrol” por
¿Hubo influencia de “Lewis Carroll” (p. 77), “Diamons” por “Diamonds” (p. 77), “de donde viene” por “de dónde viene” (p.
78), “pensar quienes éramos” por “pensar quiénes éramos” (p. 81), “en el estribillos” por “en el estribi-
King Crimson en el llo” (p. 85), “de verás que no” por “de veras que no” (p. 86), “porque no decirlo” por “por qué no decir-
trío? ¿Qué aportó Greg lo” (p. 87), “Hasta cuando” por “Hasta cuándo” (p. 88), “visito” por “visitó” (p. 89), “éste enorme músi-
Lake a ELP? Vamos co” por “este enorme músico” (p. 89), “Green Peace” por “Greenpeace” (p. 92), “Paris” por “París” (p.
con las respuestas a 95), “como se vivió aquí” por “cómo se vivió aquí” (p. 95), “Organo” por Órgano” (p. 101 y ss.),
“paterno-filial” por “paternofilial” (p. 105), “está” por “esta” (p. 111), “super divertido” por “super-
esta pregunta doble. No divertido” (p. 112)"manager" por "mánager" (p. 116), “lo qué” por “lo que” (p. 116), “super rockero”
e n c o n t r a m o s por “superrockero” (p. 118), “una riff de guitarra” por “un riff de guitarra” (p. 118), “como quedó” por
“crimsonismos” obvios “cómo quedó” (p. 118), “está pieza” por “esta pieza” (p. 118), “Desparecido” por “Desaparecido” (p.
en ELP. Pero está Lake 120), “que se ira” por “que se irá” (p. 126), “pero si” por “pero sí” (p. 128), “quien era yo” por “quién
y éste influyó mucho en era yo” (p. 129), “opera” por “ópera” (p. 132), “cuando exactamente” por “cuándo exactamente” (p.
133), “hacia las funciones” por “hacía las funciones” (p. 137), “Me levante” por “Me levanté” (p. 138),
el King Crimson de “pereció” por “pareció” (p. 140), “siento como que si” por “siento como si” (p. 144), “de lo qué se ha”
1969. Su aportación al por “de lo que se ha” (p. 145), “de lo qué no” por “de lo que no” (p. 145), “estás cosas” por “estas
nuevo grupo fue la mis- cosas” (p. 145), “cuales irían” por “cuáles irían” (p. 146), “A penas” por “apenas” (p. 148), “del por
ma que al anterior, sus qué” por “del porqué” (p. 150), “estremecedor como” por “estremecedor cómo” (p. 155), “es dónde
vivo yo, dónde” por “es donde vivo yo, donde” (p. 155), “de el” por “del” (p. 156), “quienes somos” por
propias capacidades y quiénes somos” (p. 157), “bunker” por “búnker” (p. 157), “cuanto necesita” por “cuánto necesita” (p.
creatividad. En King 158), “como sonaba” por “cómo sonaba” (p. 159), “sé como presentarlo” por “sé cómo presentarlo” (p.
Crimson todo estaba 160), “Jimémez” por “Jiménez” (p. 161), “Quien les va” por “Quién les va” (p. 162), “Recuerdo como”
más amalgamado que por “Recuerdo cómo” (p. 167), “como encajamos” por “cómo encajamos” (p. 172), “comics” por
“cómics” (p. 173), “como lo hacía” por “cómo lo hacía” (p. 174), “de como somos” por “de cómo so-
en ELP, donde es más
mos” (p. 175), “aún cambiando” por “aun cambiando” (p. 177), “Danny Laine” por “Denny Laine” (p.
discernible el aporte 178), “barón” por “varón” (p. 181), “vimos como” por “vimos cómo” (p. 183), “cuanto tiempo” por
individual. No obstante, “cuánto tiempo” (p. 183), “que pensaría” por “qué pensaría” (p. 186), “de quién” por “de quien” (p.
el autor de la sección 188), “crítica” por “critica” (p. 188), “Que difícil” por “Qué difícil” (p. 188), “Cuantas letras” por “Cuán-
tas letras” (p. 188), “de donde venimos” por “de dónde venimos” (p. 190), “donde estamos” por “dónde
Battlefield de Tarkus
estamos” (p. 190), “por que” por “porque” (p. 191), “Expres” por “Exprés” (p. 193), “como vivimos” por
viene de crear y tocar Greg Lake y Robert Fripp “cómo vivimos” (p. 194), “republicados” por “republicanos” (p. 196), “del por qué” por “del porqué” (p.
Epitaph. No nos extraña 197), “de cual era” por “de cuál era” (p. 199), “que se contiene” por “qué se contiene” (p. 200), “No sé
que llegara a citar su estribillo en directo antes de que el trío acometiera Aquatar- que pensaría” por “No sé qué pensaría” (p. 201), “cachet” por “caché” (p. 204), “en que momento” por
kus. The Sage hubiera podido ser una buena base para una canción de King Crim- “en qué momento” (p. 207), “aún siendo de” por “aun siendo de” (p. 207), “de quien somos” por “de
quién somos” (p. 208), “quien hemos sido” por “quién hemos sido” (p. 208), “de donde venimos” por
son, hablamos de sensaciones nada más. El germen de Take a Pebble es ante- “de dónde venimos” (p. 208), “quienes realmente somos” por “quiénes realmente somos” (p. 208), “por
rior a King Crimson pero es una canción que este grupo no podría haber interpre- que” por “porque” (p. 209), “Bíblico” por bíblico” (p. 209), “de cómo” por “de como” (p. 211), “no se si
tado, con esa larga sección protagonizada por el piano. fue” por “no sé si fue” (p. 211), “Ob La Di, Ob La Da” por “Ob-La-Di, Ob-La-Da” (p. 213), “como era
El resultado final fue que hemos podido disfrutar de dos grandes grupos. Sólo pode- Papá” por “cómo era Papá” (p. 214), “maquetes” por “maquetas” (p. 214), “según que frases” por
“según qué frases” (p. 218), “como hacerlo” por “cómo hacerlo” (p. 221), “atmosfera” por “atmós-
mos especular qué hubiera podido pasar si McDonald y Giles no hubieran decidido
fera” (p. 228), “convencida que” por “convencida de que” (p. 230), “de motu propio” por “motu pro-
irse, si King Crimson hubiera sido un verdadero grupo en lugar de la dictadura prio” (p. 231), “así mismos” por “a sí mismos” (p. 233), “por donde resolverlo” por “por dónde resolver-
benevolente de Robert Fripp. La primera época de ELP fue brillante, espléndida y lo” (p. 236), “guión” por “guion” (p. 237), “quienes fueron” por “quiénes fueron” (p. 237), “que temas”
llena de logros. Es decir, Greg Lake, en cuya memoria redactamos este texto, fue por “qué temas” (p. 238), “cuales son” por “cuáles son” (p. 238), “Se que” por “Sé que” (p. 240), “la
una figura clave entre 1969 y 1974, incluso esencial para el nacimiento, consolida- historia continua” por “la historia continúa” (p. 243), “en base a” por “basándose en” (p. 246),
“Minimmog” por Minimoog” (p. 246),”flexible” por “flexibles” (p. 246), “él mismo creo” por “él mismo
ción y desarrollo del rock progresivo, llamado sinfónico en España en aquella época. creó” (p. 247), “se mezclaran” por “se mezclarán” (p. 250).
Lake creó más música con posterioridad, pero lo mejor ya lo había dado en aquellos 29
Otros errores o erratas advertidos son “que le preceden” por “que le siguen” (p. 34), “resulta ser es
cinco años. El mejor tributo que se le puede hacer es escuchar su música, que resul- una forma” (p. 34), la utilización reiterada de la mayúscula después de los dos puntos, la falta de pun-
ta ser un legado imperecedero. tos (pp. 34, 44, 65) y la de concordancia de número (“los set list”, p. 127), y el uso de formas diferen-
tes para referirse a un mismo instrumento (“mellotrón” y “Mellotron”, pp. 94 y 95, respectivamente).

Artículo publicado originalmente en República Progresiva Fanzine (https://www.facebook.com/Repprog/),

reproducido con permiso del autor con algunas correcciones de tipo formal

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El Chamberlin www.elchamberlin.info nº 19
olvido”, p. 216), en el otoño de 2012 se publicó otro disco de Asfalto con el título
de Inédito que recogió “piezas que en su día se desecharon, temas que en algunos
casos son simples maquetas de ideas desestimadas” (p. 206). Entre ellos está ¡NO TE
“Pregunta a mamá”, compuesto en la época de Corredor de fondo y que habría
tenido buena cabida en dicho LP.
OLVIDAMOS,
En junio de 2012 abandonaron Asfalto Raúl Santana y Carlos Parra (Viti Ilarra- JOHN!
za había dejado el grupo en septiembre de 2010 y había sido sustituido por Marcos
Parra). El último disco de Asfalto en fue El color de lo invisible, comenzado a
gestarse a fines de 2012 y publicado el 11 de septiembre de 2014 bajo la produc- Federico Luis Clauss
ción de Paul Castejón, hijo de Julio y otro miembro más de Asfalto en estos mo- Klamp
mentos, en cuyo contenido domina “el universo emocional del individuo” (p. 221). A
estas alturas en la plantilla de Asfalto “todos somos fijos discontinuos, en espera de Han pasado varios días
un mejor contrato laboral” (p. 222). El disco contiene un tema, “Lleno de rabia”, desde que se nos ha ido
ajeno al tono general del álbum y en el que no participa Julio Castejón. John Wetton, bajista y
Finalmente, el último disco de Asfalto hasta el momento ha salido a la calle en fe- cantante excepcional
brero de 2017 (en el libro se decía: "[Y]a están hechas las maquetas de lo que de- perteneciente al ámbito del
berá ser otro nuevo álbum", p. 221) y se ha titulado Crónicas de un Tiempo Raro. rock progresivo. En el año
Como celebración de los 45 años de existencia del grupo se está realizando una gira 1982 se publicó un disco de
que ofreció el 4 de febrero un concierto en la madrileña sala La Riviera que ha sido un supergrupo llamado Asia,
grabado para su edición en CD y DVD y cuya aparición es inminente. Se titulará que tuvo un éxito enorme con
Sold Out. temas como Heat of The
La primera conclusión importante que saca uno de la lectura del libro (y de Ahora...) Moment, Only Time Will Tell,
es que Julio Castejón ha recurrido a las “resurrecciones” de Asfalto generalmente Sole Survivor, One Step Closer,
cuando las cosas le venían mal dadas desde el punto de vista económico. Esto no Wildest Dreams. Asia estaba
supone ningún menosprecio, en cierto sentido incluso es de alabar la actitud de con- formado por el batería Carl Palmer
tinua apuesta por la música del grupo, que evidentemente es su pasión. En el libro (ELP), Steve Howe a las guitarras
confiesa que se siente “más cómodo escribiendo música que textos” (p. 87). (Yes), Geoffrey Downes (voces y teclados),
Desde el punto formal curiosamente aunque no se trata de un libro mal escrito des- así como JOHN WETTON (bajista y voz principal).
de el punto de vista estilístico27, contiene numerosísimas erratas, errores ortográfi- Asia surgió por la inquietud de unos músicos del rock progresivo que encontraron
cos, etc. En nota doy una lista que no quiere ser completa aun cuando es bastante
vida más allá de los 70. Por ejemplo, Geoffrey Downes procedía del grupo The
exhaustiva en lo referente a cuestiones sobre todo ortográficas28 por si se produce
Buggles, donde había trabajado con Trevor Horn. De Yes venía Steve Howe, y de
una segunda edición y se quiere tener en cuenta.
ELP, su batería. Le dieron otro aire al sinfonismo, a la música progresiva.
En todas las canciones del primer LP se da como fecha de publicación abril de 1972,
lo que evidentemente se trata de una errata por abril de 197829.
Hay diversas cosas puntuales que me han llamado la atención a lo largo de la lectu- ¿Pero dónde inició su carrera John Wetton?
ra del libro y que quisiera señalar aquí. Una de ellas es la admiración que transpira a
lo largo de sus páginas por José Luis Jiménez, para Julio Castejón una especie Empezó en el grupo Family (1971), y luego fue llamado por Robert Fripp, para
de ídolo cercano y de carne y hueso desde su juventud hasta nuestros días a pesar una primera etapa con King Crimson, participando en 4 discos: Larks Tongues in
de los encontronazos habidos con él como consecuencia, sobre todo, del “carácter, a Aspic, Red, Starless and Bible Black y USA.
veces cambiante” de aquel (p. 178). El reconocimiento al antiguo miembro de As- En esta época trabajó con Brian Eno, Phil Manzanera o Brian Ferry,
falto estaba ya presente en Ahora…: “[Jiménez,] de quien tanto aprendí” (p. 94), y incorporándose al grupo Roxy Music
tiene su raíz indudablemente en el respeto que Jiménez le causó como líder de para una gira durante el año 1975.
Tickets cuando Castejón empezaba con su grupo Hándicap. Era, pensamos, el Formó parte de Uriah Heep,
espejo en donde mirarse, el líder a seguir e imitar. Otra cosa que quiero tratar es la trabajando con Bill Bruford y Rick
sorprendente referencia que hace Julio Castejón a West Side Story como “la co- Wakeman (Yes), y con Bruford
media romántica urbana por excelencia” (p. 32). ¡Si West Side Story es una come- formó el grupo UK.
dia, que venga Dios y lo vea, que yo me he quedado ciego! Hay otra referencia en el Es en 1980 cuando publica su primer
libro a West Side Story cuando dice que las pandillas juveniles “que surgieron en larga duración en solitario y en 1982 se
une a Palmer, Howe y Downes para
27
A pesar de que hay en ocasiones una incorrecta utilización de los puntos y coma (por ejemplo formar Asia. Participó en su disco
en las pp. 87, 89, p. 95) , o una mala sintaxis (véase a modo de botón de muestra la primera
homónimo, y en Alpha, Astra y Aria
frase del último parágrafo de la p. 110), el uso de la construcción “en base a”, siendo preferible
“con base en”, o expresiones chocantes como "una sónica diferente" (p. 40) o "parte climática entre otros. Su producción discográfica
central" (p. 42). es muy extensa con más discos en
Palmer, Wetton, Bruford y Howe
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solitario: Jacknife, Voice Mail o Arkangel. Continuó colaborando con Phil Utopía, compuesto y producido por Julio Castejón, se abre con el tema homóni-
Manzanera y Carl Palmer formando el grupo Qango en el año 2000, e incluso con mo, una suite de casi doce minutos de carácter progresivo, e incluye “Gente como
Steve Hackett (Genesis). tú”, el corte más vapuleado por crítica y aficionados sobre el que Castejón intenta
construir un cortafuegos al señalar que se equivocó al decidir que el estribillo se
John Wetton en la última etapa de Asia cantase a coro (p. 189). El siguiente reto fue la grabación de un disco en directo, lo
cual se llevó a cabo el 3 de julio de 2009 y se publicó con el nombre de Al fin vi-
Es en el año 2007 cuando se reactiva la antigua formación de Asia, es decir vos. Dice Castejón: “Fue una noche maravillosa, equiparable a la de aquellos
Palmer, Downes, Wetton y Howe. Con esta banda realizan los siguientes discos: fantásticos conciertos en el teatro Monumental de la capital finalizando los años 70”,
Phoenyx, Omega y XXX. pero “los medios generalistas prácticamente no se hicieron eco de ello” (p. 203). Se
Aunque estos discos no tienen el éxito de su primer Asia, son dignos representantes tocó un tema inédito, “Luz de atardecer”24. Un año después comenzaron a escasear
del rock progresivo. Sus giras y directos han sido muchos y buenos al cabo de los las actuaciones. Castejón propuso hacer otro disco pero descubrió “que algunos de
años. Dentro del rock sinfónico eran el estandarte de una generación de músicos mis compañeros no estaban muy por la labor de invertir esfuerzos en Asfalto” (p.
que compartían sus ideas como vasos comunicantes, salían de un grupo para entrar 204) y decidió hacerlo por su cuenta. Se publicó en 2011 y se tituló Vía cortada al
en otro. paraíso, su tercer trabajo en solitario25. Por encargo de la compañía26 en abril de
Pero vayamos a las canciones. De Phoenyx (2008) destacan Never Again y Alibis. 2011 se publicó un EP de Asfalto, Music, con cuatro temas que no “tuvo mayor
En Omega (2010), Wetton-Downe s escriben todas las canciones; en XXX, trascendencia pero sirvió, en todo caso, para apuntalar temporalmente una situa-
llamado así por cumplirse 30 años de la publicación de Asia (1982), incluye temas ción que se resquebrajaba por momentos” (p. 206). Asimismo, por iniciativa de Jor-
tan fantásticos como Face On The Bridge. En 2014 sale publicado Gravitas, donde ge García Banegas (Julio Castejón opina que el material “debió permanecer en el
Wetton-Downes llevan la composición de los temas, pero Steve Howe es
sustituido por el guitarrista Sam Coulson. La conexión con Yes es evidente. El
artista gráfico Roger Dean es el autor de las portadas de sus discos.
La desaparición de Greg Lake (ELP) y ahora de John Wetton (Asia), son unas
bajas muy importantes. Se trata de músicos que en la esfera del rock progresivo o
sinfónico habían sabido elevar la categoría de este estilo. ¡NOS HAN DEJADO UN
GRAN LEGADO: SU MÚSICA!
No quiero terminar sin destacar algunas de las palabras que le han dedicado dos de
sus grandes amigos, Carl Palmer, “el mundo pierde a un Gigante de la Música; una
persona amable creadora de melodías y letras que forman parte del acervo de la
música popular. Era bravo e innovador, y llevó a Asia a alcanzar altas cotas
musicales. Para aquellos que hemos trabajado con él su lucha contra el cáncer es
todo un ejemplo. Hemos perdido su talento y su sonrisa”.
Geoff Downes afirma: “[P]erdemos a un amigo, a un hermano, a un miembro del
grupo, a un gran colaborador en lo musical. Será recordado por su talento. Era es-
pecial por su forma de tocar el bajo; por su voz y por sus composiciones; por su
sentido de la melodía y de la armonía; dotado de una gran inteligencia y un buen
sentido del humor. Mucho de su vida personal ha sido reflejado en sus letras. Su
corazón era la música. Personalmente era amable y generoso. Teníamos muchas
cosas en común: el fútbol, la música de catedrales, la comedia, las novelas.
Compusimos mucha música juntos, hasta hoy en día, empezando en el año 1982.
John Wetton ha tenido que luchar mucho, contra el alcohol, en sus operaciones de
corazón y ahora contra el cáncer.
Fuiste una gran fuente de inspiración. Estábamos planeando otro disco juntos, pero
no pudimos acabarlo. John Wetton pensaba que era uno de nuestros mejores
trabajos. Tengo esperanza de poder terminarlo, como un legado de lo que sentirse Jorge García Banegas y Julio Castejón. Concierto 30º Aniversario de “Déjalo
orgulloso…”. así”. Viernes 6 de mayo de 2011, sala Live! Foto: www.thesentinel.es
La vida no será la misma sin ti. No hay palabras para describir tu pérdida. Eras 24
Intentó que participaran músicos que formaron de una u otra forma parte de la historia del
apreciado en todo el mundo. Es el final de una época para todos nosotros. Pero sí
grupo pero sólo consiguió que acudiera Jorge García Banegas (Ahora..., pp. 233-4).
tengo claro: la música de John Wetton debe ser escuchada alto y claro. 25
Otra versión de los hechos en Ahora..., p. 235: “Acabando el verano de 2010, Viti Ilarraza
¡Descansa en Paz, Hermano! abandonó la banda. Se nos fue un gran batería pero entró otro equiparable: Marcos Parra.
Tocaba adaptarlo y nos tomamos un tiempo para hacerlo. Tiempo que he dedicado a grabar el
que es mi tercer disco al margen del grupo, que lleva por título: Vía Cortada al Paraíso”.
26
Ahora..., p. 235: “The Fish Factory nos sugirió que grabáramos algo para entretener a los
medios, es decir, para no dejar mucho tiempo sin generar noticias”.

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José Luis Jiménez, Lele Laina, Enrique Cajide y Julio Castejón juntos. Sema-
nas después se anunció una gira de retorno de Asfalto, la ReTour 93, con estos
últimos músicos mencionados, aunque los integrantes tuvieran ocupaciones profe-
sionales aparte del grupo, y se pensó en grabar un nuevo disco en La Factoría con
temas que en muchos casos habían sido probados en directo. Enrique Cajide su-
pervisó el proceso de grabación de la batería pero fueron otros músicos los que to-
caron dicho instrumento. El resultado, con el nombre de El planeta de los locos,
salió a la calle el 4 de julio de 1994 para gozo de la crítica, los fans y los propios

H
músicos, que pensaban que Asfalto “volvería a situarse en la cima del rock nacio-
nal” (p. 183)19. Sin embargo, la gira que siguió a la publicación del álbum fue una ay conjuntos de música que tienen una carrera larga durante la cual han
ruina (sobre todo por falta de vías de promoción del disco, Ahora..., p. 212-3), reinó conseguido editar una serie de álbumes. Otros son grupos que solo logran
el desánimo y el último concierto, sin Enrique Cajide ya, lo dieron en septiembre publicar uno o dos álbumes antes de desaparecer. Otros ni siquiera graba-
de 1995. Piensa Castejón con el paso de los años que tenían que haber seguido ron. En el caso de Cassix nos referimos a un grupo que existió sólo entre el veinti-
perseverando, como hicieron otros grupos. cinco y el veintinueve de julio de 1983, que nada más dio un recital y que adquirió
De nuevo la música pasó a un segundo plano y Castejón, dedicado entonces a su un nombre sólo cuando Chris Cutler lo bautizó en 1986 con la primera edición de
productora, pensó que “había llegado el momento de aparcar Asfalto, dejarlo dig- parte de su obra.
namente en paz con toda su obra y su his- ¿Tiene algún tipo de sentido escribir sobre este grupo? Creemos que sí, en tanto en
toria” (p. 184). Al cabo de los años consi- cuanto es una demostración palmaria de que basta con una voluntad de trabajo
guió sacar un disco en solitario, ¿Hay al- para llevar adelante proyectos y hacer música nueva. Además, es parte de la histo-
guien ahí? (año 2001, casi dos años des- ria de la música RIO y del rock italiano al mismo tiempo.
pués de su grabación), con un trío llamado El saber quiénes fueron se resuelve con la etimología del nombre. Cutler juntó las
Los Trípodes, y realizar la gira correspon- primeras letras de Cassiber y las últimas de Stormy Six, generando así Cassix,
diente “jugando en una liga inferior” (p. tan sencillo como esto. Los integrantes de este conjunto fueron Chris Cutler
185)20, incluso publicó a principios de 2004 (batería, percusión), Franco Fabbri (guitarra), Umberto Fiori (voz), Heiner
El corazón de la manzana, su segundo Goebbels (teclados, acordeón), Alfred Harth (vientos) y Pino Martini (bajo).
disco en solitario con Los Trípodes, enton- ¿Cómo se llegó a esto? Cassix existió en el contexto de un festival de música con-
ces en formato de quinteto21. A través de temporánea fundado por Hans Wener Henze denominado Cantiere Internazionale
internet comprobó que el interés por Asfal- D’Arte y que tuvo lugar en el castillo de Montepulciano, en la Toscana. Luca Lom-
to continuaba estando presente en la calle bardi, el programador del evento, le pidió alguna sugerencia a Franco Fabbri. Éste
y en el otoño de 2007 retomó el nombre de le propuso el empleo del estudio de grabación como laboratorio en un contexto de
Asfalto para un disco que había grabado composición musical. La idea se concretó en un plan para conseguir un estudio
con nuevos músicos bajo un proyecto de- móvil de la RAI para que un conjunto de músicos grabara durante una semana. La
nominado Arihan22, pensando que “un organización estuvo de acuerdo con la condición de que el grupo tocara ante los
Asfalto para el siglo XXI podría tener sen- alumnos un recital con todas las nuevas composiciones.
tido” (p. 185). Esto produjo en el respeta- La idea original de Fabbri al contactar con Cutler era formar una suerte de Art
ble división de opiniones, pero de cualquier Bears italianizado con ellos dos junto a Fred Frith y Umberto Fiori. Finalmente la
forma el disco, Utopía, salió a la calle en formación se concretó en el sexteto ya mencionado y sin Frith, ya que éste no pudo
enero23 de 2008 con el nombre de Asfalto asistir.
Julio y Paco Benítez de Los y formato de quinteto tras más de un año Se pusieron a trabajar inmediatamente con una idea clara, se dividirían por parejas
Trípodes, 2 de mayo de 2003. de grabación discontinua en la casa de en todas las combinaciones posibles para crear las bases de una serie de temas.
Foto: www.thesentinel.es Castejón. Habían pasado doce años desde Una vez hechas éstas se las pasarían al resto de los músicos para que las termina-
la publicación de El planeta de los locos. ran por su cuenta. Se escribieron de esta manera unos quince temas. Estaban en el
19
En Ahora..., p. 212 se menciona un proyecto fallido de grabar un documental sobre la biogra- proceso de la creación cuando la organización del evento expresó cierta preocupa-
fía del grupo. Oñate se negó a participar y Guny pidió una contraprestación económica por ción acerca del concierto. Esto hizo reflexionar al grupo, que dejó de trabajar en las
aparecer. piezas dejándolas con el grado de desarrollo conseguido hasta ese momento, y se
20
A pesar de lo cual y como Julio Castejón estaba en el mundo de los negocios hispanoameri- pusieron manos a la obra con los ensayos de estas piezas de cara al recital. Pronto
canos pudo publicarlo también en Colombia y distribuirlo por países aledaños (Ahora..., pp. 222- quedó claro que no tenían suficiente música, así que añadieron composiciones del
3) repertorio de Stormy Six [canciones de Al Volo], Cassiber, Art Bears y
21
Sobre los avatares del disco véase Ahora..., pp. 224-7.
22 Goebbels & Harth. De esta manera, ni siquiera los alumnos del curso pudieron
Véase Ahora..., pp. 229-31. En la p. 231 dice Castejón que lo primero que le hizo pensar en
la resucitación de Asfalto fue la opinión de Nano Hervás, bajista de Casablanca, al que le atender el aspecto de taller de la composición de la música. Finalmente se dio el
puso el máster de Arihan y obtuvo como respuesta que “tenía la sensación de que acababa de recital a nombre de Goebbels, Harth, Cutler, Fiori, Fabbri, Martini; y fue graba-
escuchar un disco de Asfalto”. do.
23
Febrero en Ahora..., p. 232. El dieciocho de octubre del mismo año, 1983, RAI 3 emitió a través de su programa

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de radio Un certo discorso y presentado por Pasquale Santolini todas las piezas perteneciente al
elaboradas durante el taller. Al día siguiente, en el mismo programa, se emitió el repertorio del grupo
concierto. Éstas son las fuentes de las grabaciones no oficiales que existen anterior a la graba-
de Cassix y que son localizables en la red. Señalemos aquí que Un certo discorso ción del primer LP17.
realizó un taller con Robert Wyatt en 1981, el cual fue Las colaboraciones
publicado en 2009. Fred Frith también apareció en con algunos de es-
aquel programa en un momento dado. tos músicos, de una
Hubo que esperar hasta el seis de enero de 1986 para forma u otra, se
ver algo de todo esto editado y fue a través de Recom- prolongaron a lo
mended Records con el elepé más revista Rē Records largo de 1988 y
Quarterly Vol. 1 No. 3, publicación que en su parte parte de 1989 y
sonora incluía colaboraciones de The Big Guns (con dieron lugar a La
Cutler y Peter Blegvad), Biota, Robert Wyatt, Ro- Rockorquesta
ger Tuner, Kontroll Csoport, Adrian Mitchell, Sport Club (véase
Cassix y los mexicanos Nazca. Lo que se incluyó de Ahora..., pp. 193-6)
Cassix fueron siete de las canciones creadas en el ta- y posteriormente,
ller. Rē Records Quarterly en 1990, a un nue-
Ya en 1991 Recommended Records incluyó cinco de es- Vol. 1 No. 3 vo disco de Asfalto,
tas piezas en el disco compacto ReR Quarterly Vol 1 – Sólo por dinero, Fotograma del videoclip “Maldito Gato”
Selections, que contó con material de John Oswald, que dejó de contar
Duck & Cover [interesante confluencia de Art Bears, con Jorge García Banegas, Enrique Cajide y Guny.
Cassiber y Skeleton Crew], Steve Moore, Cassix, La grabación de Sólo por dinero dio comienzo en el otoño de 1989 y se concluyó
5UU's y Biota. en abril de 1990, saliendo a la calle el 4 de junio de ese año a través de una nueva
La última aparición discográfica de Cassix ha sido en el productora casera, Libélula Records, que tomó el testigo de la difunta Snif. Por pri-
CD Collaborations de la caja de Cassiber 1982-1992 mera vez un disco de Asfalto salió a la calle también en formato CD. Los pads de la
editada el veintidós de noviembre de 2013, y en la que batería de Terry Barrios, en opinión de Castejón, confieren al conjunto del álbum
se recuperan las mismas siete piezas de aquel Rē Re- “una personalidad que evidentemente le aleja bastante de los discos anteriores”, y
cords Quarterly Vol. 1 No. 3. las críticas recibidas por ello las considera “respetables” pero “injustas” (p. 149). El
Nos queda claro que este grupo, pese a ser una suerte álbum, en palabras del propio Castejón, se alejó “un tanto de los atributos más
de nota a pie de página en la historia del RIO y del rock rockeros que la banda había exhibido a lo largo de su historia” (p. 152) y sirvió pa-
italiano, merece una edición legal y en condiciones del ra, con “Maldito gato”, grabar el primer videoclip de la historia del grupo18. Además,
material emitido en su día por la RAI, como ha sido el ReR Quarterly Vol 1 “El lado oscuro de la calle” constituyó la última canción que Terry Barrios grabó
caso con Robert Wyatt. Selections para un disco, la cual sorprendentemente señala Castejón que se trata “de uno de
Quizá no esté claro a qué sonaba Cassix. los mejores temas que he tenido la suerte de grabar” (p. 156) y que la letra, de
Quizá lo mejor es imaginarse la mezcla que José Luis Jiménez, es una de las mejores “que nunca se hayan escrito” (p. 155).
implica su nombre, es decir la Incluyeron en el álbum una versión española de “The letter”, la primera vez que
suma de Cassiber y Asfalto situaba en un disco un tema ajeno, el cual remite a los albores de Asfalto
Stormy Six para dar como músicos.
lugar, sobre todo Terry Barrios, enfermo del
en el recital, a hígado, tuvo que abandonar
esa especie la gira de conciertos de 1990
de Art Be- -1 y finalmente falleció el 14
ars italiano de septiembre de 1992 con
que fue la 38 años de edad. En diciem-
primera bre se organizó un concierto
intención en su memoria y tocaron
de Franco juntos Guny, Jorge García
Fabbri. Banegas, Enrique Cajide y
Busquen Julio Castejón por vez pri-
esta músi- mera desde 1987(Ahora...,
ca y dis- p. 209). También actuaron
frútenla. 18
Habían grabado en 1983 un vídeo LP (Más que una intención) bajo la dirección de Alfonso
Arteseros (Ahora..., p. 212) que apenas tuvo comercialización.
Artículo publicado originalmente en República Progresiva Fanzine (https://www.facebook.com/Repprog/),
14 87
reproducido con permiso del autor con algunas correcciones de tipo formal
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Ante la modesta gira de 1984 (40 conciertos) un “nuevo cierto desencanto” volvió a
instalarse en el grupo, y a los desacuerdos “normales” se sumó “un elevado nivel de
intransigencia” y disidencia (p. 131). Se rompió con Aristos, la agencia de manage-
ment, a primeros de 1985, lo que con el paso del tiempo Castejón considera un
error. Siguieron grabando maquetas con un Miguel Oñate con el que se hacía difícil
la convivencia14.
A mediados de 1985, temiendo la salida del grupo de Miguel Oñate, Castejón pro-
puso a los demás un proyecto de ópera rock llamado Psicópata, pero la salida de
Oñate se hizo efectiva a fines del verano “de una forma desleal” (p. 132)15. Su sus-
tituto fue Richie Benítez16, un argentino antiguo miembro de Express cuya inclu-
sión le parecía a Castejón “una contradicción esperpéntica con alto riesgo de fraca- El 18 de diciembre de 2016, Francisco Lozano
so” (p. 132). Se dieron a la tarea de realizar otro álbum, Corredor de fondo, para entrevistaba a Eduardo G. Salueña en directo para
el que rescataron maquetas y compusieron nuevas piezas. Ante la escasez de dinero el programa Músicas sin Prejuicios de Radio PRA
se grabó en el propio local de ensayo, al que bautizaron con el nombre de La Facto- centrándose en las composiciones externas a los
ría, y se publicó en junio de 1986 editado por Snif, que había obtenido para enton- discos de Senogul y adelantándonos los próximos
ces un cierto respiro económico (Ahora..., p. 186). Incluyó “Halley”, una canción en proyectos. Este es el resultado de la entrevista
la que coincido con Julio Castejón cuando señala que es buena y bella (p. 141), y Francisco Lozano. Empezamos, por poner un punto de partida, con tu participación en 2010
la emotiva “Parque Sur”. en el proyecto de Colossus Project. Colossus había pasado de ser una revista de rock finlan-
El 5 de octubre de 1986, en un pueblo de la provin-
desa a funcionar como discográfica elaborando discos conceptuales con artistas internacio-
cia de Ávila, se cerró un ciclo de la historia de Asfal-
to con el último concierto con Richie de cantante. El nales de rock progresivo, y concretamente participas en el doble CD titulado Iliad: A Grand
22 de julio había nacido Paul, el tercer hijo de Julio Piano Extravaganza que incluía exclusivamente música de piano y en el que se incluyen dos
Castejón, quien contaba entonces con 35 años piezas tuyas.
(nació el 9 de junio de 1951). Considera Julio que el Eduardo G. Salueña. Pues sí, esa era mi tercera
grupo entonces era un proyecto “desestabilizado por colaboración directa con ese colectivo que tan bien has
la concurrencia en él de músicos que para nada sin- definido de Colossus Project y concretamente este
tieron a Asfalto como algo suyo”, apuntando direc- proyecto trataba de recrear el poema homérico de La
tamente a Richie (p. 147). Sin embargo no se Ilíada a través de distintas composiciones para piano.
pensó en la posibilidad de volver a ser un cuarteto. Cada pianista se encargaba de componer e interpretar
Juan Carlos del Palacio y Julio Castejón trasla- una pieza que representase uno de los cantos de La
daron el estudio a una casa de El Molar (Madrid) y lo Ilíada. En mi caso me tocaron dos cantos porque yo
convirtieron en profesional, dedicándose a realizar llegué al final y no pude elegir, tocándome dos que eran
producciones por encargo. de los más activos y belicosos con ataques de troyanos,
Julio pensaba en realizar un álbum bajo su nombre, ayudas de los dioses a guerreros, etc. con lo cual me
pero finalmente en Snif se planteó la idea de home- tenía que enfrentar a componer dos piezas que tuvieran
najear el 15º aniversario de la fundación de la banda mucha violencia y épica en el piano.
con nuevas versiones de los temas más populares ¿Cómo se puede conseguir?
del grupo. Las grabaciones arrancaron en mayo de Estos discos están distribuidos por un sello discográfico bastante conocido como es
1987 con José Luis Jiménez, Lele Laina, Terry Musea Records, por lo que se puede encontrar en muchas tiendas especializadas de
Barrios, Jorge García Banegas y Guny dispuestos toda Europa, pero fundamentalmente en la página web del sello,
y dieron lugar a Asfalto 1972-1987... 15 años de www.musearecords.com, están todos los discos del catálogo de Colossus.
música, publicado a comienzos del verano y donde ¿Cómo empezó tu relación con este megalómano y excelso proyecto de Colossus?
se incluyó un tema inédito, “El teatro de la vida”, Recuerdo que mi primer contacto con Colossus Project fue a través de un gran ami-
go, que es Carlos Plaza, que es el compositor líder de la banda Kotebel y recuerdo
14
A todo esto se unieron problemas económicos que se detallan en Ahora..., pp. 179-81. que ellos habían iniciado ya su colaboración con estos proyectos, entonces me pasa-
15
Esto se narra también en Ahora..., p. 183-4, aunque se dice que Oñate anunció su marcha ron el contacto de Marco Bernard que es el productor y un poco el artífice de todo
para fin de año en el mes de mayo pero sólo aguantó hasta el final de septiembre. Para Cas-
esto y entramos en contacto para un primer proyecto en el que yo le hablé de Se-
tejón “es de lo más duro que he soportado a lo largo de la historia de Asfalto” (Ahora..., p.
184). nogul, que estábamos en un punto que queríamos explorar nuevos terrenos a nivel
16
Tras probar con David Saylor, un cantante británico que respondió a un anuncio que Asfalto de composición y precisamente el primer encargo que nos surgió fue acerca de
puso en El País (Ahora..., p. 185). música para cine.
17
En 1986 se había producido un acercamiento entre José Luis Jiménez y Julio Castejón que Vamos a intentar ordenarlo cronológicamente para que los lectores se sitúen. Tu bautizo de
dio como fruto principal la producción de éste de Ciudad de músicos, disco de Topo editado
colaboraciones con el proyecto Colossus fue integrando la banda Senogul aportando compo-
por Snif (Ahora..., p. 188).

86 15
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siciones en el disco Cani Arrabbiati. Opening Themes ... A el grupo a ser un
Tribute (Musea Records, 2010). Este es un disco doble con quinteto (el primer
arreglos y adaptaciones del universo cinematográfico italiano concierto con
Oñate lo dieron
de los años 60 y 70.
en noviembre de
Realmente los proyectos Colossus que nosotros conocí- 1982 según Aho-
amos a nivel de oyentes eran todos familiarizados con ra..., p. 174), y se
el rock progresivo. A mí me llamó mucho la atención grabó Más que
que como primer encargo no hiciesen uno que tuviese una intención
relación con la música del cine italiano de esos años. En durante tres se-
este punto tengo que comentarte una anécdota, yo manas de marzo
entendí mal ese encargo, el tema de los idiomas a ve- de 1983, el quinto
ces es confuso. Yo entendí que lo que querían era una única pieza que contuviera disco de la banda,
cuatro temas diferentes de cuatro películas, cuando en realidad querían cuatro pie- sin productor algu-
zas. Así que fijaos, primer encargo mal entendido y voy y envío una suite, que final- no y con un nuevo
mente fue lo que publicaron, porque hay que decir que les gustó mucho. Hicimos mánager: Aristos,
una suite donde había un composición de Ennio Morricone, en concreto el tema la oficina de Jesús
principal de La Muerte Tenía un Precio (1965), muy conocido y que nosotros lleva- Caja, que llevaba
mos a un terreno más experimental, seguía con una pieza de Nino Rota de la pelí- entonces también el management de Barón Rojo. El trabajo se presentó pública-
cula Casanova (1976) de Fellini, que era así como un poquito psicodélico. Luego mente en mayo del antedicho año10 y se dieron muchos conciertos exitosos junto a
hicimos un giro hacia una composición de Armando Trovaioli, en concreto la que los barones11.
abría la serie de telefilmes dedicados a Antonio Ligabue, un pintor un poco ex- Sobre la incorporación de Miguel Oñate, destaco cuando señala Julio Castejón
céntrico, y cerrábamos con el tema principal de El Gato de Nueve Colas (Dario Ar- que no llegó “a presentarnos una sola idea musical, ni tan siquiera a nivel de esbo-
gento, 1971), también de Ennio Morricone. Este fue nuestro primer contacto con
zo” (p. 107)12. El siguiente álbum de Asfalto, Cronophobia, se grabó en marzo de
Colossus.
1984, un año después que el anterior y en condiciones muy similares. Sorprende
Luego siguió The Tales Of Edgar Allan Poe. A SyNphonic Collection (Musea Records, que Julio Castejón pensara que el disco iba a ser mejor recibido incluso que el
2010). Un doble disco dedicado a la obra de Poe donde vuelve a colaborar Senogul. anterior y que hasta el día de hoy no haya sido capaz de encontrar explicación al
Exactamente, además en ese año estábamos trabajando ya en lo que iba a ser hecho de que no cosechara los resultados de Más que una intención, si acaso que
nuestro tercer disco. Pero al poco de grabar nuestra primera colaboración, de la que las segundas partes pierden el efecto sorpresa (p. 116). Claro que se comprende
acabamos de hablar, surgió la idea de hacer una segunda. Precisamente dentro de mejor dicho punto de vista si, por ejemplo, se repara en que opina que “Nada, na-
die, nunca” “poseía una frescura y una dinámica perfecta” (p. 118). El disco ofrece
la primera composición musi-
cal de Guny publicada por
Asfalto, “Contrarreloj”, y
pioneros experimentos con
batería electrónica. A pesar
de sus expectativas Julio
Castejón reconoce defectos
al menos en “El regreso” y
en “Que siga el show”. Real-
mente su opinión con res-
pecto a Cronophobia es un
tanto excéntrica: no piensa
que fracasara por no gustarle
a la gente, ni siquiera que
llegara a fracasar (p. 131)13.
10
Tras madurar el show en una discoteca de Palma de Mallorca durante quince días, Ahora..., p.
177.
11
Asfalto ofreció 68 conciertos en 1983 (Ahora..., p. 179).
12
Tan sólo la letra de “La paz es verde” está firmada por Miguel Oñate (Ahora..., p. 176). En la
p. 177 Julio Castejón señala que las radiofórmulas obviaron Más que una intención, pero yo
recuerdo que “Richi, estrella del rock” sonó en emisoras muy conocidas de ámbito nacional.
13
Sobre Cronophobia habla en similar sentido en Ahora..., pp. 178-81.

16 85
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punto de “insatisfacción” (p. 54) y es que habían suavizado “los aspectos más pro- un libro dedicado al mundo de los relatos de Edgar
gresivos del repertorio en aras de conseguir temas más asequibles para su difusión Allan Poe que precisamente a nivel literario era algo
en los medios” (p. 58)5. Por el contrario, Déjalo así, el siguiente LP (y además do- que a nosotros nos llamaba mucho la atención. En este
ble) del grupo, resultó ser el más ecléctico de todos sin que hubiera premeditación caso sí que pudimos elegir un relato en que basarnos, y
(p. 70), consiguiéndose ello exprimiendo la creatividad a través de la exploración de elegimos El Gato Negro y entonces me acuerdo que
diversas fórmulas (p. 83). En “Nada que decir”, uno de los temas de Déjalo así, todo el grupo lo leímos, hicimos una especie de puesta
participó Lele Laina. en común, estructuramos las partes, al final creo recor-
Piensa Julio Castejón que quizá las ventas dar que encontramos como 12 partes diferentes y en-
por debajo de lo que el departamento comer- tonces lo que hicimos fue cada uno componer algunas
cial esperaba de Lo Mejor de Asfalto, recopi- de esas partes. Por eso también el tema refleja un cier-
latorio publicado en 1980 con sólo tres LPs en to eclecticismo porque en realidad todos fuimos compo-
el mercado, pudo hacer que la compañía de sitores aunque luego entre Pablo Canalís, bajista de
discos considerara que había pasado el tiempo Senogul, y yo fuimos los que le dimos un poquito “barniz” y coherencia a la pieza.
de Asfalto (p. 97)6. Como consecuencia, du- Pero me acuerdo que hicimos un tema concreto para el gato, otro para la muerte,
rante la gira del Déjalo así (42 conciertos en etc. y ahora recuerdo que Pablo, que es un amante de encontrar sonidos de formas
el año 1981 según Ahora..., p. 169) e inmedia- muy poquito convencionales, consiguió clavar el efecto del maullido del gato con su
tamente después Julio Castejón señala que bajo a través de un pedal y que aparece por ahí reflejado en algunas partes de la
percibió que “comenzábamos a dejar de ser un pieza.
grupo de criterio homogéneo. Se constataban Después llegaríamos ya a la obra con la que hemos abierto esta entrevista, Iliad: A Grand
algunas diferencias”, aunque la relación entre Piano Extravaganza (Musea Records, 2010), también un doble álbum que incluía música ex-
los componentes seguía siendo buena (p. 98). clusivamente de piano y que ya hemos comentado al principio de la entrevista el origen de las
A Asfalto le faltaba por contrato entregar un
dos piezas que incluiste. Así que vamos a pasar directamente a lo último de estas colabora-
disco más a la compañía y ésta pidió por vez
primera escuchar las maquetas antes de autorizar su grabación. El grupo grabó te- ciones con Colossus, que es una serie de colecciones de discos cuádruples inspirados en la
mas “definitivamente alejados del sonido progresivo que nos identificaba y del perfil novela Decamerón de Boccaccio, en las que en las dos primeras entregas participaste con
que seguíamos mostrando en los conciertos” (p. 98), “material de desecho” (pp. 215 Senogul, en el 2011 y 2014 respectivamente, mientras que en la última del 2016 lo haces
-6) (ejemplos son “La carrera ilegal”, “El futuro no está aquí”, “Tengo vida” y “Un como compositor e intérprete de tu actual proyecto S.A.L.U.E.N.A. Pero vamos a empezar
buzo en el jardín”, publicados posteriormente en Inédito)7 y el resultado fue del por el primero: Decameron: Ten Days In 100 Novellas (Part 1) (Musea Records, 2011), en
desagrado de la compañía de discos8. El 27 de septiembre de 1982 Asfalto conse- el cual como Senogul firmáis el tema Sixth Tale.
guía la libertad a cambio de renunciar de por vida a los derechos sobre las grabacio-
El título hace referencia a que es el sexto cuento del segundo día, de los diez días en
nes de los primeros cuatro álbumes (en 2015 Sony reintegró esos derechos al gru-
que se ambienta el recitado de cuentos del Decamerón. Decir que esta fue la última
po).
pieza que grabamos con Eva Díaz Toca a la batería, luego ya cambiamos y entró
Sin ninguna oferta discográfica, se decidió crear un sello propio llamado Snif
Rafa Yugueros a la batería, y es una de las piezas más sinfónicas, próxima al pro-
(Sociedad Fono-
gresivo más contemporáneo, a diferencia de alguna de las evoluciones previas de
gráfica de los In-
Senogul que nos habían llevado a experimentar más con otros instrumentos y otros
cluseros Fonográfi-
registros, habiéndonos separado un poquito del rock. En este caso, la serie Decame-
cos) cuyos artífices
ron es una de las más destacadas, quizás, de Colossus Project, son tres discos cuá-
fueron Enrique
druples y decir que si tiene el oyente la oportunidad de ver uno de estos discos co-
Cajide y el propio
mo objeto físico, la verdad es que es algo increíble ver todo el diseño artístico que
Castejón. Se com-
tienen estos discos, obra de Ed Unitsky, que es un diseñador gráfico impresionan-
pusieron temas
te, y luego los libretos que llegan a tener 80 páginas, siendo verdaderas obras de
nuevos, más roc-
keros, se decidió
contratar a un can-
ta nte (Migu el
Oñate)9, pasando
6
En Ahora..., p. 168 piensa que es posible que la retirada de Vicente Romero de la producción
del disco “tuviera directa o indirectamente mucho que ver en el cambio de actitud que la Com-
pañía tuvo para con Asfalto”.
7
Sin embargo de aquellos tiempos data “El hijo de Lindbergh”, que apareció en Más que una
intención, véase Ahora..., p. 176, y cuya gestación se remonta al verano de 1974.
8
Esto se narra también en Ahora..., p. 172-3 y 176.
9
Procedente del grupo Trafalgar, su entrada se narra en Ahora..., pp. 173-4.

84 17
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arte. mismo año con la incorporación de Lele Lai-
Por último retornando a la composición apuntar que el germen de esta pieza, porque na. En octubre se casaron tanto Julio Cas-
se supone que la música va un poquito supeditada al texto en cuanto a la inspira- tejón como José Luis Jiménez, naciéndole
ción que tenemos que tener los compositores, y en este caso trata de la separación el primogénito a Castejón un año más tarde
de una familia que por circunstancias trágicas, se piensa que el padre se le cree (esto lo sabemos por Ahora..., pp. 127 y
muerto, los hijos son secuestrados pero al final después de una serie de peripecias, 134).
que son las que marcan la historia, hay un reencuentro y eso al escuchar la pieza Las cuatro primeras canciones editadas con
queda un poquito claro cuando el tema que sale al principio de alguna manera vuel- el nombre de Asfalto y recogidas en los dos
ve otra vez al final con unas connotaciones un poquito felices. singles ya mencionados se grabaron por
Pues si continuamos con esta serie de colaboraciones, tendríamos una nueva colaboración en parte de un trío de bajo (José Luis Jimé-
Decameron: Ten Days In 100 Novellas (Part 2) (Musea Records, 2014), nuevamente con nez), guitarra (Mario del Olmo) y batería
Senogul en el tema Ninth Tale 5 , y finalmente el año pasado ya con tu proyecto que tienes (Pancho Company) que contó como músico
invitado con Lele Laina (y un anónimo pia-
entre manos S.A.L.U.E.N.A. participas en Decameron: Ten Days In 100 Novellas (Part
nista en la última de ellas), es decir, que la
3) (Musea Records, 2016). mitad del Asfalto del primer LP (José Luis
Bueno, la serie Decameron ya finalizó. Anteriormente ya habían hecho otra con La Jiménez y Lele Laina) ya se encontraba en
Divina Comedia que también les llevó como seis años y en esta de Decameron en esos surcos.
el caso de nuestra segunda colaboración, la que mencionabas del año 2014, que Decidido Julio Castejón a ser músico profe-
para esa ocasión fue el cuento noveno, el Ninth Tale del día quinto rescatamos Se- sional desde septiembre de 1976 (Ahora...,
nogul una pieza que habíamos compuesto para una formación que se llamó Habi- p. 137) y superando en 1977 más de 100
tat, que tuvo una pequeña vida mientras grabamos el segundo disco de Senogul, y actuaciones (Ahora..., p. 141), en noviembre
era una formación que tenía un poquito de músicas del mundo y afrocubana en una de dicho año se comenzó la grabación del
etapa en que experimentamos un poco con otras músicas, también hacíamos cosas primer LP de Asfalto, la cual llegó “justo
con danza oriental. Entonces cogimos esa pieza y la adaptamos al cuento con el que cuando estábamos trabajando en una obra conceptual, una ópera rock” (p. 28) idea
teníamos que trabajar, donde además curiosamente en la historia tenía mucho pro- de José Luis Jiménez (Ahora..., pp. 143-6) de la cual “Quiero Irme-La Huida”
tagonismo un halcón, por lo que buscamos hacer una pieza, al contrario de la épica constituía la obertura. Julio Castejón piensa que se equivocaron al abandonar la
de otras piezas Colossus, que tuviese mucho componente muy tribal, muy orgánico, idea de la ópera rock (en la que se incluía también “Rocinante” y “La Isla del Amor”,
muy ritual, y entonces dejamos que todos esos componentes que estaban tan ex- todas recogidas en el primer LP), y que es una pena que se “desestimara la finaliza-
puestos en Habitat salieran en Senogul. ción de la obra”, opinando que
A Habitat no los conocía yo, cuéntanos algo de esa etapa. habría sido más coherente
Habitat tuvo una vida corta, pero nos sirvió para experimentar con otros géneros, “aparcarla y terminarla grabando
con danza, dimos bastantes conciertos, ya ahí tenían cabida desde versiones muy más adelante en otro álbum” (p.
alargadas del Miles Davies más eléctrico hasta composiciones como ésta que res- 34).
catamos que tenía un poquito de influencias del Santana más percusivo, de Her- Sobre la decisión de José Luis
meto Pascoal, etc., ese tipo de compositores. Jiménez y Lele Laina de aban-
De todo esto que estamos hablando, ¿nos podrías decir cómo conseguirlo, ya sea en formato donar el grupo en la primavera de
físico o digital? 1978 (narrada en Ahora..., pp.
Bueno pues sí, concretamente en España nosotros solemos trabajar mucho con una 146-9) Julio Castejón confiesa
tienda que distribuye discos de rock progresivo y este tipo de material que se llama que fue para él un hecho “triste”
Discos Pat, que es una tienda de Málaga y que todo buen amante y coleccionista de que no quiere olvidar (p. 39)3. Un
discos de los años 70 un poquito alternativos pero siempre en onda progresiva co- año, 1978, en el que Asfalto pu-
nocen que tiene página web, que es discospat.net, pero para no hacer una excep- blicó dos LPs (Asfalto y Al otro
ción o hablar de una única tienda, decir que en la red todos los canales que distribu- lado) y ofreció casi cien concier-
yan a la discográfica Musea Records, que es en bastantes tiendas electrónicas, se tos, como señala el autor en la p.
4
puede encontrar, y si no la más directa es www.musearecords.com, que es la disco- Primera aparición de Asfalto en TV. Aplauso 53 . Siguiendo con las confesio-
gráfica. 27/08/1978 haciendo playback del tema nes, Castejón reconoce que al
Perfecto, cuéntanos lo de tu nuevo y excitante proyecto S.A.L.U.E.N.A. ¿Cuándo nació y “Capitán Trueno” escuchar en estudio el tercer LP,
lo más importante, cuándo podremos oír algo de lo que estás cocinando? Ahora!!, de 1979, se le quedó un
Realmente S.A.L.U.E.N.A. es un proyecto de estudio ahora mismo porque esta de- 3
En Ahora..., p. 148 Julio habla de “desleal proceder”.
4
nominación surgió para firmar la última colaboración que realicé con la serie Deca- En lo personal nació Alejandro, el segundo hijo de Julio Castejón, el 19 de agosto de 1978
meron, puesto que ya Senogul no seguíamos funcionando, y yo tenía una compo- (Ahora..., p. 153).
5
En Ahora..., p. 160 dice que “hacía algunas concesiones y entregaba algunos temas con un
sición que quería adaptar para esta serie discográfica. Entonces, como era una com-
formato más radiofónico”.

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La leyenda del heavy metal español, libros publicados en 2011 y 2013 respecti- posición mía, lo que hice fue configurar una formación ex profeso para grabar la
vamente y de los que es autor Mariano Muniesa. Incluso ha visto la luz una mono- pieza donde hubo desde músicos asturianos a músicos americanos, finlandeses, etc.
grafía dedicada al rock urbano: La calle no calla!! Una historia del rock urbano y entonces utilizamos este nombre para que de alguna manera se vinculase a mí
en España, de Chema Granados, que salió a la venta en 2009. como compositor. Mis proyectos actuales me tienen a mí, por supuesto, como com-
El Manual de uso que nos brinda Julio Castejón está compuesto por trece capítu- positor, porque tengo ahora mismo mucha música escrita que quiero poner en esce-
los, aparte del prólogo, el glosario y el índice alfabético de canciones. Cada capítulo na pero todavía tengo que hacer la selección de músicos, trabajarlo, ensayar… lo
consta de una introducción que nos aproxima al ambiente y circunstancias en que único que puedo adelantar es que tiene un formato parecido a la ópera rock, que es
surgieron las canciones y los discos que seguidamente se comentan. La ordenación de las última cosas en las que he estado trabajando, y espero que a lo largo de
fundamental del libro, sin embargo, la constituye la numeración correlativa (de 001 2017 esta música pueda ponerse en escena y grabarse con alto contenido en direc-
a 123) de las composiciones protagonistas, ordenadas por orden de publicación, to.
composiciones que se incluyen en sus correspondientes capítulos. De esta manera, Qué bien, ya me estoy frotando las manos. Pero todo esto lo tienes un poco parado con otro
por ejemplo, el primer capítulo, “La Prehistoria”, incluye el comentario de las cuatro proyecto que te tiene absolutamente absorbido, ¿no es cierto?
primeras canciones (editadas en dos singles) que salieron con el nombre de la ban- Sí, en este caso también es música, pero se trata de escritura musical, puesto que
da, todas anteriores a la llegada de Julio Castejón al grupo, y que reciben la nu- yo defendí hace dos años una tesis doctoral como musicólogo sobre rock progresivo.
meración de 001 a 004. El autor ha procurado ser escrupuloso a la hora de ofrecer En concreto yo me dediqué a analizar gran parte de la producción que se había lle-
informaciones concretas sobre fechas, lugares, etc., y cuando no desciende a esos vado a cabo en la España de la Transición, en concreto en la segunda mitad de los
detalles generalmente es porque, como dice él mismo, algunos datos “son algo casi 70, primeros años 80 y sobre todo situado en tres comunidades autónomas, Galicia,
imposible de conseguir”, recurriendo entonces a un “ejercicio de memoria pura” (p. Asturias y Cantabria. Esta tesis, que defendí en septiembre de 2014, ahora hace
12). unos meses se ha convertido en realidad a través del proyecto de poder editarla en
En las siguientes líneas reconstruiré someramente la historia del grupo utilizando no libro acompañado de un CD, por lo cual he estado estos últimos meses trabajando y
sólo material del propio libro reseñado sino también de Ahora que me acuerdo ultimando la revisión de textos, la edición completa. Espero también que 2017 sea
(Ahora... en lo que sigue), ya mencionado. Por lo tanto, es una historia del grupo el año en que vea la luz.
desde el punto de vista de Julio Castejón, algo que no por evidente conviene re-
cordar. Es una lástima que el libro objeto de comentario no haga referencias a Aho-
ra..., lo que dificulta la comparación de datos contenidos en uno y otro volumen,
salidos ambos en definitiva de la pluma de Julio Castejón, dificultad aumentada
por la ausencia de índices específicos en ambas obras.
Cronológicamente el recorrido del libro va de otoño de 1972, fecha de la aparición
en Discos Acción del primer single con el nombre del grupo (“Jenny”/“Razones”), al
11 de septiembre de 2014, cuando vio la luz el disco El Color de lo Invisible a
través de Imagine Music. Por lo tan-
to, estamos hablando de un período
de 42 años, ahí es nada. Según na-
rra el autor en el capítulo 1, antes
del otoño de 1972 lo que después
fue Asfalto se llamaba Tickets y
había logrado sacar por mediación
de Columbia un single (“El Rigor de
las Desdichas”/”Someone Like You”)
en 1969-70. Castejón conoció a
Tickets a fines de los años 60 cuan-
do él comenzaba a tocar con un
grupo llamado Hándicap1. Por su
parte, el Asfalto que dio origen al
primer LP de la banda no se formó
hasta octubre de 1974 tras la unión
de Enrique Cajide, Julio Castejón
y José Luis Jiménez el mes de
mayo anterior2, y la formación defi-
nitiva sólo se completó al acabar ese

1
Los orígenes de Hándicap se narran en Ahora..., pp. 96-103. En el número 15 de El Chamberlin, Rogelio Pereira realizaba una entrevis-
2
La llamada de José Luis Jiménez a Julio Castejón se recoge en Ahora..., pp. 125-6 ta a Eduardo García Salueña a propósito de esta tesis doctoral

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¿El libro cómo se va a titular?

El libro tiene el título de la tesis, que digamos que es un título que como normal-
mente sucede en el marco académico, Nuevas tecnologías experimentación y proce-
sos de fusión en la España de la transición. La zona norte, es muy largo, pero yo
también he escogido un título que es de Música para la Libertad, que hace alusión al
último LP que publicó Bloque, que es una de las bandas destacadas de las que
hablo bastante profusamente, que eran de Cantabria y que sirve como idea de cómo
se cocía la música en los años de la Transición, por lo cual el título que a mí me gus-
ta dar es ese de Música para la Libertad.
A lo largo de los últimos años los esfuerzos musicales de Asfalto, uno de
los grupos más queridos del llamado rock urbano español, han sido glo-
sados, narrados, historiados y recreados en varias publicaciones mono-
gráficas. Por orden cronológico de aparición me parece que la primera de dichas
publicaciones fue la de Jorge García Banegas, antiguo teclista de Asfalto, que
Ya sabemos de tus proyectos, y nos has hablado de dónde comprar estas colaboraciones que editó primero en 2009 de forma casera sin depósito legal y luego ya de manera re-
hemos presentado, pero sobre ti, ¿existe en Internet o redes sociales vídeos, música, algún gular un libro acompañado de CD con el título de Anecdotarium (2014) en el que
canal para seguirte y que puedan conocer en profundidad tus proyectos? recogía sus vivencias en el mundo de la música, entre ellas algunas de las pasadas
La verdad, confieso, que tengo mis proyectos muy desperdigados, no tengo una en el seno del grupo. La segunda publicación provino del alma del grupo, Julio Cas-
página web como tal, ahora mismo estoy trabajando en tener una página donde se tejón, quien en 2012 vio salir a la luz en Quarentena Ediciones su libro Ahora que
aglutinen todos mis proyectos tanto musicales como musicológicos, también espero me acuerdo (reseñado en El Chamberlin 7, julio de 2012, pp. 41-2 por parte de
que para 2017. Oye son muchos deseos para 2017, espero que se cumplan todos. Luis Peñafiel). La tercera publicación fue la del bilbaíno Josemi Valle, quien a
De momento intento divulgar y acercar todo lo que estoy haciendo a través de mi través de la leridana Editorial Milenio dio a la luz en 2013 un libro llamado El libro
facebook, que se me puede encontrar muy fácilmente buscando Eduardo García de Asfalto + Topo. Finalmente, Julio Castejón nos ha ofrecido en octubre de 2015
Salueña, ahí aparezco con una foto de un personaje de Charly Brown que a mí me la obra que reseño, Asfalto. Manual de uso, que “pretende ordenar toda la obra
gusta mucho tocando el piano, y también en YouTube intento divulgar algunos de de Asfalto para así poder ser consultada a voluntad de quien quiera recoger una
los vídeos en los que estoy un poco más cercano a la figura de productor. En este información precisa y puntual” (p. 12). Su aparición coincidió prácticamente con la
medio mi canal es Saluedu1. edición de un recopilatorio doble de música de Asfalto que bajo el título de Antolo-
Bueno, Eduardo, pues vamos a tener que ir acabando, es una pena porque es muy interesante gía casual ha reunido 32 temas de la banda remasterizados. A estas fuentes de
información yo añadiría, a pesar de no tratarse de un libro, la edición “Deluxe” de
todos los proyectos que nos cuentas, pero para cerrar la entrevista vamos a hacerlo volvien-
Cierta noche en Madrid (2011), de Topo, compuesta por 2 DVDs y 2 CDs, en par-
do con tu última colaboración para Colossus en Decameron: Ten Days In 100 Novellas ticular por el contenido extra referente a una larga entrevista con Lele Laina y José
(Part 3) como S.A.L.U.E.N.A., proyecto del que deseamos tener noticias pronto y donde Luis Jiménez que aparece en el DVD 2.
participas con el tema Ahead of Fortune. Para despedirnos cuéntanos algo sobre este tema. La plasmación en libros de las venturas y desventuras de grupos que musicalmente
Pues este tema incluye la letra de un músico americano con el que ya he colaborado se relacionan de una u otra forma con Asfalto es también una afortunada realidad
en otro proyecto que se llama The Samurai of Prog que también está de alguna de unos años a esta parte. Como ejemplos, ahí están Maneras de vivir. Leño y el
manera relacionado con Colossus Project. Me refiero a Steve Unruh y la verdad que origen del rock urbano, obra de Kike Suárez publicada en 2013, o Barón Rojo,
es un multiinstrumentista compositor, vocalista, guitarrista, violinista, la verdad es la biografía definitiva del grupo más grande del rock español y Barón Rojo.

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Editado por Fonomusic en que es una persona impresionante y con un ánimo increíble. Esta pieza se llama
1977, fue reeditado por Ahead of Fortune y sintetiza también una historia que tiene lugar el último día de los
Dro East West en 2005. En diez en que se ambienta el Decamerón, es el primer cuento que abre el día diez y
su día se editó un disco como algo destacado decir que en S.A.L.U.E.N.A. en este caso somos dos músicos
sencillo con ‘Aire fresco’ y asturianos, me acompaña Rubén Álvarez, guitarrista muy conocido y laureado en
‘Sueños rotos’. No tuvo el Asturias que es miembro de Dixebra, toca también con Tejedor, la verdad es que
éxito de la rumba de Paco es un guitarrista fuera de serie y un gran profesional. Y la formación se completa
de Lucía, Entre dos con Steve Unruh a la voz y violín, este músico americano que comentaba, y des-
aguas de 1973. De haber- pués la sección rítmica son dos músicos finlandeses, Kimmo Pörsti y Jan-Olof
lo tenido, ¿quién sabe? Strandberg, que también son dos instrumentistas que están muy vinculados a Co-
Los arreglos que crearon lossus Project. Como último dato, decir que yo tuve la suerte de poder grabar mis
Jesús de la Rosa y Tele teclados en los estudios Acme, en Avilés, que regenta Miguel Herrero, donde
Palacios son más un tem- además hay una auténtico arsenal de teclados vintage que la verdad que son una
po que aquellos en los que gozada y una maravilla para todos los amantes de los sonidos añejos, con lo cual
trabajó Granada, que son poder tocar en un órgano Hammond auténtico, en un piano Rhodes, en algunos sin-
más ambientales y melódi- tetizadores analógicos de la época ha sido un autentico privilegio y era una cosa que
cos, por decirlo de una buscaba también reflejar en esta pieza, que sonasen teclados de aquellos de los
forma comparativa. En años 70.
concreto el arreglo de ‘Despertar’ es de Carlos Cárcamo. Con tus palabras, el que no se quede con ganas de oír tu música es para matarlo, muchas
‘Aire fresco’ es una buen pieza para abrir el disco, pegadiza y rítmica, podemos es- gracias Eduardo.
cuchar al tocaor doblándose con dos guitarras. El papel de Tele Palacios fue funda-
mental al introducir la batería en un palo con un compás tan complicado como son
las bulerías. Nota de la Redacción. La entrevista se realizó en el programa 123 de Música sin
Para nosotros ‘Despertar’ es la joya del disco, nunca nos sonó el sintetizador de una Prejuicios de Radio PRA. Se puede escuchar el programa en el ivoox del mismo
manera más “jonda” que aquí, es lo que pensamos. Encontramos una plena integra- en http://www.ivoox.com/podcast-podcast-musicas-sin-
ción de flamenco y rock sinfónico. De haber sido nosotros los productores hubiéra- prejuicios_sq_f161047_1.html
mos puesto esta pieza para abrir el álbum.
No podemos olvidarnos tampoco de ‘Recuerdos de Julia’. Ella la novia de Diego y
murió ahogada en el mes julio de 1976, cuando socorrió a un niño que se ahogaba
en la playa. El niño sobrevivió pero ella murió. La pieza es muy emotiva.
Diego de Morón es una antiestrella. Por lo que sabemos su discografía es corta y
no muy fácil de encontrar. Ahora tiene setenta años pero sigue en la brecha ya que
su última grabación fue del año 2016. Pese a que no volvió a insistir en esta línea de
trabajo, este álbum singular merece mucho la pena. Lo recomendamos sin reservas
a todos los interesados por las músicas progresivas. Suponemos que a los más pu-
ristas del flamenco no debió gustar nada esta experiencia. Cuando Camarón de la
Isla publicó su importantísimo álbum La Leyenda del Tiempo muchos que lo com-
praron lo devolvieron indignados. No tenemos noticias de que con Diego de Morón
pasara lo mismo.

A continuación añadimos unos enlaces de interés:

Sobre Diego de Morón:
http://www.elartedevivirelflamenco.com/guitarristas164.html
Dos entrevistas a Diego de Morón:
http://deflamencoporgranada.es/diego-de-moron-considero.../
http://www.agenda-atalaya.com/entrevista-con-diego-de-moron/
Vídeos:
‘Despertar’: https://www.youtube.com/watch?v=8cwYlK_a9VE
‘Aire fresco’: https://www.youtube.com/watch?v=lz39vtfQRYE

Artículo publicado originalmente en República Progresiva Fanzine (https://www.facebook.com/Repprog/),

reproducido con permiso del autor con algunas correcciones de tipo formal

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En el anterior número de El Chamber- mayor conocimiento musical como por ejemplo ampliando el lenguaje armónico;
lin recogimos uno de los cuadernos también se empezó a improvisar en las partes puramente instrumentales (cuando
progresivos editados por el festival Art antes las “falsetas” siempre eran escritas) y fue ampliándose la instrumentación de
Rock de Gouveia. Ahora volvemos a los conjuntos (incorporándose cajón, flauta y bajo eléctrico entre otros que se su-
hacer lo mismo con el correspondiente maron a la voz, las guitarras y las palmas).
al artículo que firmó Eduardo García El flamenco utiliza como formas los así llamados “palos”. Recogemos aquí la defini-
Salueña. Nacido en Gijón en 1982, ción de la Wikipedia en nuestro idioma: “Se conoce como palo a ‘cada una de las
además de su experiencia y formación variedades tradicionales del cante flamenco’. Cada palo tiene su propio nombre,
como músico hay que acreditar su titu- unas características musicales únicas que se llaman ‘claves’ o ‘modos’, una progre-
lación como musicólogo colaborando sión armónica determinada y unos esquemas rítmicos llamados ‘compás’. Los palos
con diversas instituciones culturales y pueden clasificarse siguiendo varios criterios: según sea su compás, su jondura, su
participando en varios congresos de carácter serio o festero, su origen geográfico, etc.”. Esto puede recordar en cierta
musicología, además de la publicación forma a la música clásica hindú con sus ragas y talas, pero no olvidemos que ésta
de numerosos artículos en diversos es música popular.
medios, habiéndose doctorado en la (Más información sobre los palos flamencos: https://es.wikipedia.org/wiki/
Universidad de Oviedo. Flamenco#La_fusi.C3.B3n_flamenca).
El artículo aquí recogido fue escrito
dentro del proyecto de investigación Diego de Morón nació en 1947 en Morón
HAR2009-10865, Música y cultura en la de la Frontera. Es sobrino (y heredero
España del sigo XX, coordinado por la artístico) del tocaor Diego del Gastor
Universidad de Oviedo, siendo parte (que ya se animó a improvisar tras cono-
del programa de Formación del Profe- cer las músicas de la base norteamericana
sorado Universitario FPU-MICINN, que de Morón de la Frontera) e hijo del
cuenta con la participación del autor, cantaor Joselero. A su vez es tío del to-
siendo cofinanciado por el Fondo Social caor Paco de Amparo.
Europeo. El disco sobre el que vamos a tratar a
partir de ahora es un disco de flamenco,
pero es muy especial. No recuerdo el por-
qué de nuestra adquisición del vinilo, allá
en 1977. Quizá fue por la presencia del
CUADERNOS PROGRESIVOS DE GOUVEIA Nº 5 grupo Granada o de miembros de Tria-
na. Pero da igual, nuestra fascinación tras
la primera escucha fue inmediata.
LOCALISMOS Y EXTRANJERISMOS EN EL ROCK Los temas del disco son (entre paréntesis
los palos correspondientes):
PROGRESIVO 1. Aire fresco (bulerías) *. Basado en un
tema de Atahualpa Yupanqui.
Eduardo García Salueña 2. Recuerdo de Julia (soleá) **
3. Te hubiera entregado todo (alegrías) **
4. Sin descanso (tangos) *
5. Despertar (rondeña) **

C
uando hablamos de rock estamos aludiendo a uno de los más influyentes
lenguajes de la música popular urbana del siglo XX. Esa que desde sus 6. Serena Calma (tarantas) *
principios tiene revelada una extraordinaria capacidad de incorporar y 7. Recovecos (bulerías) *
fusionar varias tendencias estéticas, más allá de otras características de 8. Sueños rotos (media granaína) **
índole sociológico (como la casi indisoluble relación entre la música y la representa- En los temas con asterisco (*) aparecen Jesús de la Rosa (teclados), J.J Palacios
ción de los ideales de la juventud). Durante la segunda mitad de los años 60, los (batería y percusión), dos tercios de Triana y al bajo Enrique Carmona.
progresos tecnológicos ocurridos en la grabación sonora y la aparición de nuevos En los temas con doble asterisco (**) tocan Miguel Ángel Bullido (batería y percu-
instrumentos musicales contribuyeron al desarrollo de la creatividad y al impacto de sión), Chicho Hipólito (bajo), Gustavo González y Carlos Cárcamo (teclados),
este lenguaje, convirtiendo al rock en una de las manifestaciones artísticas más sig- todos ellos miembros del grupo Granada en aquel momento.
nificativas de su tiempo. A partir de ahora asistimos a un proceso contradictorio, en El disco fue grabado en los Estudios Sonoland, entre diciembre de 1976 y enero de
el cual las propuestas son cada vez más personalizadas y diversificadas, aunque en 1977, siendo el ingeniero de sonido Santiago Coello.
la mayoría de los casos se pueden encontrar muchos recursos estilísticos. Las fotos y el diseño correspondieron a Máximo Moreno.
En el estante ecléctico que habitualmente asociamos al rock progresivo (afirmación Producido por Gonzalo García-Pelayo.

22 79
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1
que a su vez no es muy compartida ) la mayoría de las etiquetas que allí encontra-
mos están determinadas por parámetros formales o por interrelaciones estilísticas,
como es el caso del rock sinfónico2 (confluencia entre los diversos niveles del rock y
la música académica), el metal progresivo (entendiendo aquí el término “progresivo”
más bien como una referencia formal de la estética rock cultivada en los años 70,
que de una actitud experimental y rebelde, en la cual podría estar representada3), o
también al jazz rock4 (a partir de un énfasis dado a los elementos comunes de las
dos categorías); también se pueden referir a un posicionamiento ideológico (como el
Rock in Opposition5, término acuñado por la banda Henry Cow en 1978, lo cual
implica un tono de crítica relativo al mercado y al canon anglosajón) o a su localiza-
ción geográfica. Este último criterio es aquel que está más relacionado con el tema
que estamos tratando.
Siguiendo este raciocinio, podemos encontrar dos países y una ciudad que han sido
capaces de constituir una identidad musical propia y diferenciadora del sonido

L
patrón procedente del Reino Unido (es cierto que aquí también aparece una referen-
cia a una localización geográfica, si bien en este caso es asumida como la visión
musical internacionalizada). Nos estamos refiriendo a Alemania, Italia y a la ciudad
a guitarra se siente contenta, inglesa de Canterbury (en la cual se formó una escuela/movimiento musical caracte-
de tener a grandes maestros, rizado por una mezcla peculiar de elementos jazzísticos y psicodélicos, lo cual cons-
como a Diego de Morón. tituye una referencia en sí misma). Así analizaremos detalladamente cómo lo que es
Todos ellos con sus dedos, propio y ajeno aparece en las “pautas progresivas” durante la década de los años 70
la supieron elevar a la cima en algunas de las localizaciones geográficas mencionadas, bien sea por ser prolíficas
como el mejor monumento. en artistas, o por revelar mayores riesgos de autenticidad musical.
La guitarra llora y ríe o se lamenta
según se lo transmitan sus maestros. Relatos del Mediterráneo
La guitarra es la reina mora
cautiva del arte de las caricias. ¿A qué nos referimos cuando estamos hablando de rock o de jazz con sabor medi-
(José María Ruiz Fuentes) terráneo? Las atribuciones del término van más allá de la mera aproximación con el
Mare Nostrum. Casi siempre tienden a sobresalir el calor y el lirismo melódico, las
En los años setenta, como espectadores externos, vimos cómo una generación de referencias a los ritmos de la danza y los cantos populares de procedencia hispánica
músicos jóvenes empezaron a revolucionar el mundo del flamenco. A la inversa o italiana, y otras características extramusicales como son la nostalgia o la melan-
también sucedió algo importante ya que desde otros ámbitos de la música hubo un colía. Todo ello constituye un reduccionismo muy abstracto, pero que sirve para
acercamiento, desde el jazz, por ejemplo. Desde el punto de vista del rock sinfónico poder establecer ciertas categorías y observar algunas tendencias.
o progresivo convendría matizar que el rock andaluz, una de las diversas versiones La rica escena musical italiana es una de las más reconocidas en el panorama de la
del “rock con raíces” que hubo en España, no es rock aflamencado aunque tenga crítica internacional (en cuanto al gran número de grupos y a la calidad de los discos
influencias claras de la música popular andaluza junto a rasgos flamencos. Más ade- que producen) y también una de las más destacadas (por las características propias
lante, en los años ochenta, surgió el fenómeno del Nuevo Flamenco, pero éste está
alejado del flamenco clásico, ya que se ha construido con cantes acancionados a 1
En el folleto Rock progresivo – una definición equivocada (Cuadernos Progresivos nº 2,
partir de una estética gitana moderna. Gouveia, 2006), el compositor Carlos Plaza reflexiona sobre la relevancia y funcionalidad de
Con el paso del tiempo hemos visto diversos ejemplos de fusión, que siempre han esta denominación.
2
funcionado mejor cuando se dan desde el flamenco en lugar de hacia el mismo. Ha El periodista José Manuel López hace referencia a las relaciones entre el rock y la sinfonía,
realzando que esta no es la forma más utilizada por el rock (siendo para él la suite), en Los
sido así con el jazz (el sexteto de Paco de Lucía y los tres guitarristas), música
Sonidos de Discópolis: rock, ideología y utopía, Camar / RNE 3, Madrid, 2003, p. 98.
clásica hindú (los discos de Gualberto con Ricardo Miño, con sitar y guitarra fla- 3
Sobre las diferentes extrapolaciones etimológicas del término “progresivo” véase mi comunica-
menca), música arábigo-andaluza (Encuentros, el álbum de El Lebrijano con la do Rock progresivo e identidades culturales: el caso de Asturcón (presentada al el VII
Orquesta Andalusí de Tánger) y algunas cosas más en las que se incluye el rock Congreso de la Sociedad Española de Musicología, realizado en Cáceres, 2008, y esperando su
progresivo, como es el caso que nos ocupa con este disco. publicación en las Actas oficiales).
4
Hablábamos de evolución. Existió el ascenso de los guitarristas. En el Olimpo fla- John Covach analiza estas relaciones, dando como ejemplos los discursos de las bandas nor-
menco el orden estaba muy claro: cante, baile y toque. El “tocaor” se abrió paso teamericanas Dixie Dregs y Happy The Man, en su artículo Jazz Rock? Rock Jazz? Stylistic
crossover in late 1070s American Progressive Rock, incluido en Expression in Pop Rock mu-
hacia la primera fila del escenario adjudicándose un papel que bien merecía. No es
sic, critical and analytical essays, editado por Walter Everett, Routledge, Nueva York, 2008,
que no hubiera grandes guitarristas previos, pero el ambiente era así. El mediador pp. 93-110.
entre el arte y el público, el que lograba la comunicación emocional rozando el cielo 5
Una apreciación más detallada sobre este subgénero puede leerse en la obra de Chris Cutler
era el “cantaor”. (miembro de Henry Cow desde 1971), File under popular. Theoretical and critical wri-
En la evolución no se trató sólo de asumir un rol protagonista sino que se incluyó un tings on music, November Books, Londres, 1985, pp. 157-161.

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Poema Sinfónico para Orquesta de Gaitas,
Quinteto Instrumental y Recitador

Un ejercicio muy fresco de Eduardo G.

Salueña junto con un conjunto de gaite-
ros asturianos recitando en bable, com-
puesto a lo largo de un largo período de
tres años, editado para marcar los veinte
años la Banda Gaites Noega de la ciu-
dad de Gijón, celebrando un concierto en
la Plaza Mayor de esta ciudad en agosto
de 2011. En el libreto se nombran todos
los temas tradicionales que sirvieron de
base para los arreglos así como los poe-
mas que fueron escritos por Luis Xabel
Álvarez. En este disco interviene también
Eva. D. Toca en la batería.

Folklores Imaginarios

Otro ejercicio fresco que demuestra el

talento de Pablo Canalís tocando todos los instrumentos del disco. La presentación
es hermosísima, un libro donde se explica el origen de cada pieza y los instrumentos
que se usan en cada una junto con una profusa descripción de sus fuentes. Es inte-
resante leer por ejemplo cómo llegó a la conclusión de que la melódica es un instru-
mento muy adecuado para tocar reggae, lo cual se puede escuchar en ‘Oba-ye’, o
en ‘El Bosque del Fauno’ donde combina una ka-
limba con gongs birmanos tocando secuencias
características del gamelán. Y todo esto deriva en
Patrick Djivas (Premiata Forneria Marconi, ex-Area), Gouveia Art Rock el sonido del didgeridoo que abre ‘Mohorovicic’.
2009. Foto Lutz Diehl Esto por solo dar un ejemplo pues en las siguien-
tes se escuchan todo tipo de percusiones, flautas,
que presenta). Evitando caer en generalidades y teniendo en cuenta la diversidad de reclamos, fagot (en ‘Yes una Máquina!’, a cargo
las propuestas clasificadas como progresivo italiano (Premiata Forneria Marconi, una vez más de John Falcone), guitarras eléc-
Area, Stormy Six, o los primeros trabajos de Franco Battiato representan algu- tricas, palos de agua, charango, etc.
nas de las líneas divergentes que poseen puntos de unión entre ellos), podríamos El disco más reciente relacionado con estos músi-
asimilar algunos de los rasgos más distintivos de estas bandas: cos es el CD triple del grupo The Last Knight,
• Incursiones por registros vocales próximos de la tradición italiana de la “canción” Talk to the Moon, con composiciones del músi-
popular, o el policoralismo veneciano del “bel canto”, todo él asumido desde la co español José Manuel Medina donde intervie-
perspectiva de un rock teatralizado. nen Eduardo G. Salueña, Israel Sánchez y
Rafa Yugueros. Un proyecto al estilo de los
• Incorporación de instrumentos propios de la tradición medieval y renacentista co-
grandes grupos sinfónicos de los setentas, no en
mo el laúd, la espineta o el bandolín.
vano participa por ejemplo David Rohl de Man-
• Frecuencia de las secciones con alto contenido melódico y gran carga expresiva, dalaband en la producción. Para no ser reiterati-
en las cuales los teclados tienen un elevado protagonismo (sobre todo para refor- vo se puede leer una reseña muy completa en el
zar la armonía y la textura, a la manera de las arias operísticas). siguiente blog:
Lógicamente estas características no son exclusivas de Italia. El uso de la lengua http://rocktelegram.com/la-ultima-sinfonia-de-
vernácula y la influencia tanto de los cantos populares tradicionales (en el caso del last-knight/
“yodeling” alpino cantado por Thijs Van Leer, de Focus) como de la instrumenta-
ción medieval/renacentista (por ejemplo la utilización del “krumhorn” por el grupo
Gryphon), o de los repertorios clásicos por antonomasia (entre los siglos XVII y Artículo publicado originalmente en República Progresiva Fanzine (https://www.facebook.com/Repprog/),
XIX) será algo muy común en la práctica del rock sinfónico, a pesar de que, en cada
reproducido con permiso del autor con algunas correcciones de tipo formal.

24 77
El Chamberlin www.elchamberlin.info nº 19
buen gusto y sentido del humor, sin ser pop ni tampoco ser estrictamente vanguar-
distas son todas muy disfrutables, además entre ellas hay pequeñas joyas como
‘This Bucarest Water’ y la que da título al álbum. Este es uno de esos discos que se
pasan como agua cuando se le escucha.

Cuac!: Cuac!

Prensado con la referencia Fake105, fue el

primer y único disco del grupo Cuac!, un
grupo de pop inteligente con letras indes-
cifrables que contaba con Eduardo G.
Salueña y Pedro Menchaca además de
la fenomenal cantante Laura Pire, quien
había participado en el segundo disco de
Senogul, en las piezas ‘Terra-terreiro’ y
‘Lughnassad’, y el baterista Luis Miguel
García Con. Un disco muy fresco donde
se nota a leguas que los músicos se están Premiata Forneria Marconi, Area,
divirtiendo en grande. A un mismo tiempo Per un Amico Arbeit Macht Frei
se pueden escuchar pasajes de guitarra (Dischi Numero Uno, 1972) (Cramps, 1973)
que recuerdan a Sunday All Over the
World, junto con vocales que recuerdan a
Olé Olé en un idioma extraño como en
‘Anika Pistophen’ o ‘Voleybol Para Adultos’
o a algo parecido a inglés como en ‘No Te
Conocía Ese Jersey” y ‘Ex Beach It’, o simplemente vocalizando como en ‘Corredor
en el Filo’ junto con piezas instrumentales de gran brillantez como ‘Heliocentrismo’ y
‘¡Que Alguien Haga Algo!’.

Melange: Melange
Con la referencia Fake111 este es un pro-
yecto del acordeonista Alejandro Martí-
nez Ares, quien había colaborado en los
tres discos de Senogul, aquí acompañado
por Pablo Canalís. Las piezas son una
mezcla de composiciones de ambos junto
con algunas versiones como la de ‘People
Are Strange’ de The Doors y la de Franco Battiato, Stormy Six,
‘Asturias’ de Albéniz. Pero en la primera, Pollution Macchina Maccheronica
‘Reggae Melange’, participan también (Bla Bla, 1973) (L’Orchestra, 1980)
Eduardo G. Salueña e Israel Sánchez
junto con Chema Fombona e Iris
caso, cada país se alimente de los elementos que están más próximos de su tradi-
Cárcaba, músicos que también se han
ción. Y es innegable que Italia tiene una gran importancia en la historia de la músi-
mencionado anteriormente. Como en los
ca.
discos de Senogul, hay piezas reminis-
En el caso de España6, el paradigma podía ser otro, si tuviéramos en cuenta cuáles
centes de música brasileña también como
de estos elementos son o no característicos de los países mediterráneos. También
‘Santoneiro’ y ‘Tempero de Amor’, esta
aquí nos volvemos a encontrar con casos muy diferentes y una búsqueda consciente
vez compuestas por Alejandro M. Ares.
6
Para profundizar sobre esta materia, consúltese el artículo del mismo autor Rock progresivo
español de los 70: análisis e interpretación de sus parámetros musicales (Cuadernos de Música
Iberoamericana, vol. 18, 2ª época, ICCMU / Fundación Autor, Madrid, 2009, pp. 187-208).

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de encontrar algunos elementos autóctonos. La melancolía y la nostalgia anterior- Senogul III
mente mencionadas encuentran su hueco en el llamado “rock con raíces”, cultivado
en la España de los años 70, hasta la dictadura del General Franco, una apuesta en En 2010, un año después, se publicó el
la reivindicación de valores musicales locales mezclados con el rock y el jazz proce- tercer disco con el título Senogul III. Posi-
dentes del Reino Unido (para el cual contribuyeron decididamente las editoras disco- blemente el más maduro de los tres,
gráficas Gong o Chapa). Estas referencias se transmiten por diferentes vías: quizás con tantas influencias como los dos
• Nombres de bandas, haciendo alusión a topónimos, hechos históricos o símbolos anteriores pero ensambladas en una obra
culturales representativos (Ibio, Imán Califato Independiente o Asturcón más coherente si cabe. Este fue el único
constituyen algunos ejemplos) álbum de Senogul editado por Disconso-
• Iconografía de los trabajos discográficos publicados adoptando motivos de temáti- nancia, distribuido por Musea y Azafrán
Records y contó con importantes colabora-
ciones como la de Theodisii Spassov
tocando el kaval, Marcos Mantero en los
sintetizadores y el legendario Luis Cobo
“Manglis” en las guitarras. Este disco es
como la suma de los dos anteriores, co-
menzando con el aire misterioso de ‘The
Nightstalker’ que abre paso a ‘Pijamas’
que bien podía estar en el álbum de de-
but, con cierto aire a Henry Cow que le
da el fagot de John Falcone, para seguir con ‘Paraná’, que podía equipararse a
‘Imaratacá’ del segundo, con los cantos de Pablo Canalís y un corto pero brillante
solo de guitarra de Israel Sánchez y los sintetizadores de Marcos Mantero. ‘The
Black Cat’ es una pieza que fue también incluida en la compilación The Tales of
Edgar Allan Poe - A Symphonic collection de Colossus Project que publicó Musea
en 2010. Luego viene ‘La Serpiente de Jade’, donde los invitados son Alejandro M.
Ares al acordeón e Iris Cárcaba en los violines. Y a continuación la novedad de las
percusiones electrónicas ‘Abotronics’ a cargo del invitado Abelardo Freitas y los
Companyia Elèctrica Dharma, Ibio, aires andaluces de Sopa Colorá’ con las percusiones de Chema Fombona y las gui-
L’Oucomballa Cuevas de Altamira tarras del Manglis y notables pasajes de piano a cargo de Eduardo G. Salueña.
(Zeleste, 1976) (Gong, 1978) En 2013 se presentaron en el Festival Rock in Opposition de Carmaux con un nuevo
cambio en la batería, esta vez a cargo de Rafa Yungueros. Mientras tanto Seno-
gul apareció también en cuatro compilaciones del proyecto Colossus, una dedicada
al cine italiano (Cani Arrabbiati), la ya mencionada de Edgar Allan Poe y los dos
volúmenes de Decameron: Ten days in 100 Novellas. Durante más o menos el
mismo período los músicos de Senogul
colaboraron en muchos otros proyectos,
incluso participaron en la nueva disquera
Disconsonancia, que publicó varios álbu-
mes a través de Miedito Records que vale
la pena reseñar.

Pedro Menchaca: Arco Iris de

Lluvia Ácida

Este fue un disco editado como descarga

en línea, aunque algunas copias se distri-
buyeron en CD-R. Las canciones aunque
sencillas y con poca instrumentación, prin-
Guadalquivir, Imán Califato Independiente, cipalmente guitarras a veces usando afi-
Guadalquivir Imán Califato Independiente naciones peculiares como en Muselina o
(Emi, 1978) (Columbia, 1978) Waverley St., están llenas de imaginación,

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ñeiro y Rocío Fernández Bañiela. ca regional.
Los componentes oficiales del grupo en ese entonces eran: • Incorporación de instrumentación tradicional (destacándose el uso de instrumen-
Pedro A. Menchaca: guitarra & e-bow. Pablo Canalís: bajo eléctrico, congas, tos de viento procedentes de las “coblas de la sardana”, danza popular catalana,
sanza, moxeño, gralla catalana, cencerrada, reclamos y ruidos de animales, voces como la “tenora”, el “flabiol” o la “gralla”, por el grupo catalán Companyia Elèc-
rituales, guimbarda, gongs, caxixis, silbatos, vibraslap y otras percusiones. Eduar- trica Dharma).
do García Salueña: teclados, melódica, sonidos de ambiente, voces. Israel • Reinterpretación de elementos rítmicos, melódicos o texturales provenientes de
Sánchez: guitarra solista, saxo tenor, efectos sonoros, palmas y jaleos. Alex Va- diferentes tradiciones (como en el caso de los “palos flamencos” en Andalucía).
lero “Danda”: batería
El álbum tuvo un discreto éxito y un buen número de críticas entusiastas, como por
El rock vanguardista en Alemania
ejemplo la aparecida en el foro de web de la República Progresiva, desaparecido
hace mucho, pero dicha crítica aún puede leerse en este enlace: http://
El panorama musical alemán es unos de los más controvertidos y difíciles de anali-
sinfomusic.es/cgi-bin/yabb/YaBB.pl?num=1161803602/143#143 dio pie a varias
zar, debido, sobre todo, a la amplitud y variedad de proyectos, todos bajo el epígra-
presentaciones, dos de ellas en Madrid, y a una re-edición en vinilo por parte de
fe de krautrock, una denominación cargada de connotaciones peyorativas, en la
Discos Pat en 2008.
cual, si en el inicio de su utilización, designaba indiscriminadamente cualquier pro-
puesta rock venida de los países germánicos en los años 70, posteriormente se
Senogul II transformó en una corriente estética con denominación de origen propia7. Todavía
en ese momento, en la propia Alemania, se comenzaron a utilizar otros términos
Fue publicado en 2009 como Concierto para definir gran parte de la música que se hacía en aquellos años, y que presenta-
de Evocación Sonora para Ensamble ba unas influencias originales de psicodelismo (con especial atención a los patrones
Instrumental y editado esta vez por repetitivos), del free jazz (con gran apertura a la improvisación) y de experimenta-
Margen Records. Si las fuentes del primer ción próxima de la llamada “escuela de Darmstadt”, en alusión a los encuentros de
disco eran muy diversas en el segundo compositores poserialistas, realizados cada verano, desde 1946, en aquella ciudad
las referencias culturales son aún más del estado de Hesse. El término más popular de entonces era Kosmiche Musik, utili-
amplias, tanto en lo musical como en los zado entre otros por Edgar Froese, miembro fundador de la banda Tangerine
títulos de las composiciones, y además el Dream.
alcance es mucho más ambicioso, tal co- Comparándose la trayectoria de algunas bandas oriundas de este mismo país, como
mo lo tratan de explicar en el libreto de la Can, Amon Düül II, Passport, Annexus Quam, Tangerine Dream, Triumvirat,
edición en CD. Hay pasajes que suenan a
música brasileña (‘Itamaracá’, con ese
aire a forró que le da el acordeón), algu-
nos de ellos parecidos a esos discos de
Nana Vasconcelos en ECM (‘Mae
Floresta’), otros a música árabe (‘La natu-
raleza de la vida’ y ‘Swaranjali’ con la voz
de Dhana Lakshimi) y otros a música
hindú, incluso con un sitar que toca Israel Sánchez en la misma ‘Swaranjali
(Sangama Mantra)’. Esta vez en los créditos no se hace distinción entre colaborado-
res y miembros del grupo. Entre los que aparecen por primera vez está Eva D. To-
ca a la batería en sustitución de Álex Valero. Se vuelven a escuchar gaitas
(Quique Suárez Ramos) y saxos (Guzmán Argüello) pero en un contexto distinto
al del primer disco. Por ejemplo, en ‘La Senda Verde’ suena entre reclamos de aves
y ruidos de percusiones diversos y algunos otros sonidos atonales el saxo como el
de Paul McCandless en Oregon. Las piezas más que de relatos tienen estructura
como de guion cinematográfico, ofreciendo imágenes que avanzan de una escena a
otra, aunque sin concretar en una historia determinada. De principio a fin este disco
es como un viaje, como si uno quisiera describir los distintos paisajes solo por los Can, Amon Düül II,
sonidos que escucha, de ahí el papel destacado de Pablo Canalís produciendo gran Monster Movie Vive la Trance
cantidad de sonidos, casi todos extraídos de instrumentos tradicionales de diversas (Liberty Records, 1969) (United Artists, 1973)
partes del mundo, como en ‘Siete Lunas (La Canción del Nómada)’ donde produce
casi todos los sonidos y da pie al resto de los integrantes del grupo al principio de la 7
Vidal Romero Carmona reflexiona acerca de los orígenes del término “Kraut”, utilizado por
siguiente ‘De Nooijer’ a hacer algo similar con loops y guitarra retroalimentada. los ingleses durante la IIª Guerra Mundial para referirse a los soldados alemanes, en el artículo
Autopista cósmica. El krautrock en Alemania (incluido en el libro Más allá del rock, editado por
Julián Ruesga Bono y Norberto Cambiasso, INAEM, Madrid, 2008, pp. 107-132).

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Annexus Quam,
Osmose
(Ohr, 1970)
Triumvirat,
Mediterranean Tales
(Ariola, 1972)
H an pasado años desde las últimas noticias del grupo Senogul, uno de los
grupos más prometedores de la escena española durante la pasada déca-
da y aunque los integrantes siguen activos con sus propios proyectos
parece un buen momento para recapitular lo que ha sido publicado hasta ahora. La
obra principal consta de tres álbumes y otros cuatro tracks editados en compilacio-
nes del proyecto Colossus, pero siguiendo la trayectoria de los músicos relacionados
uno encuentra una veta casi inagotable.
Senogul se dio a conocer con un disco
homónimo publicado en 2006, aunque
para entonces ya tenían otros dos publi-
cados, Cosecha años 70’s, un disco de
versiones, y Tránsitos, una especie de EP
autoproducido con composiciones que
luego aparecerían en este primer álbum
de estudio. Lleno de ideas diversas, cada
pieza tiene la estructura de un pequeño
relato, con una presentación, desarrollo,
ideas musicales que derivan en nuevas
ideas y desarrollos para llegar a una con-
clusión. Cada nueva idea va siendo expre-
sada con diferente instrumentación, por
ejemplo, la que abre el álbum, ‘Dr. Gull’,
Passport, pieza que además se repite con variacio-
Tangerine Dream,
Hand Made nes en todo el disco al principio, en el
Rubycon
(Atlantic, 1973) medio y al final, en la primera parte la
(Virgin, 1975)
melodía está apoyada por un coro mixto de 14 voces, el coro Melsos, del mismo
Embryo o Kraftwerk, se notan muchas diferencias entre ellas, a pesar de que to- modo que ‘Agua, Fuego & Porexpán’ lo es por una sección de metales; ‘Tango
das llevan la misma etiqueta. Nuevamente intentaremos proponer una resolución Mango’ va apoyada por el acordeonista Alejandro Martínez Ares, de quien habla-
abstracta de lo que podrían ser los elementos más característicos del modelo musi- remos más adelante; ‘La Verbena Hermética’ por Quique Suárez Ramos a la gaita
cal germánico, aquellos patrones que aparecen más reiteradamente (aunque no asturiana, cuya melodía es luego replicada por un minimoog; ‘Microcosmos Blues’
sean ni exclusivos, ni determinantes): por Guzmán Argüello primero en la flauta, un pasaje prolongado que curiosamente
• Frecuente uso de “ostinatos” (repetición de motivos breves que sirven como base deriva en otro con todo el grupo a ritmo de reggae, y posteriormente con el saxo
rítmica), lo que se refiere a través del uso de recursos como secuenciadores soprano en ‘Dr. Gull 2’. Además los miembros del grupo tocan una gran cantidad de
electrónicos o ritmos motorik8, con referencias que van desde la música tribal a la instrumentos distintos que le da un sabor único a cada pieza, como en ‘Gotas de
Cristal en Tu Vaso de Lluvia’ y ‘La Maha Vishnuda’ en las que el peso dramático re-
8
Para más información sobre el ritmo motorik, consultar Vidal Romero Carmona, Auto- cae en los teclados y las guitarras además de la gran cantidad de percusiones y
pista..., Op. Cit., pp. 118-120. flautas/sonidos ambientales de otras dos colaboradoras: Verónica Rodríguez Pi-

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dinámica sección rítmica, al que le sigue industrial.
una gran melodía de clarinete y un solo de • Refuerzo de valores texturales9 a partir de la proliferación de sintetizadores, que
guitarra de Ramón Aranda, con aires pro- adquieran el papel de solista en composiciones de alguna de estas bandas.
pios del Rock Andaluz. Un bonito solo de • Énfasis en los registros menos convencionales de los instrumentos y en la manipu-
saxo tenor marca el final y nos deja en el lación mediante dispositivos electrónicos, profundizando la disonancia y el “arte
territorio de ‘Hablar Con Las del ruido” como recursos expresivos.
Estatuas’ (6:29), una composición intimista,
con aires jazzeros, cuya letra, escrita por
Juan Miguel González, cantada genial-
mente por Salva y combinada con el piano,
el clarinete y los coros, nos llena de nostal-
gia y nos traslada a la infancia. Los interlu-
dios sinfónicos de mellotron, piano, clarine-
te y violín son absolutamente geniales y
refuerzan esa belleza abrumadora que des-
prende la composición.
‘La Órbita de Venus’ (5:06) sigue una línea
elegante, destacando el estribillo y los momentos de clarinete y coros, con apoyo del
violín. Si en algún momento algo os recuerda a Pink Floyd y no sabéis por qué, es
debido a que algunas estrofas vocales se parecen a ‘Comfortably Numb’, aunque el
estilo es totalmente diferente al de la banda británica. El siguiente tema, ‘Más Que
Black’ (7:31) es el más rockero del disco, con potentes riffs de guitarra, un gran
trabajo del saxo tenor y buenas partes instrumentales, alguna adornada por una
excelente improvisación vocal de Carlos Moratalla y un corto solo de guitarra de
Miguel Olmedo. La música del mítico juego Super Mario Bros., en una versión se-
mifunky, introduce ‘El Monstruo de La Pantalla Final’ (5:35), con un pegadizo riff de
saxo, que da paso a la preciosa parte atmosférica con mellotron, piano y clarinete,
hasta llegar a una bonita parte vocal que tiene su momento más emotivo en el ma-
ravilloso estribillo, con coros de toda la banda, acompañados de Carlos Moratalla y
Eva Montiel. Como curiosidad, destacar los efectos de sonido de Manolo Toro y
las frases habladas en japonés del violinista Victor Rodríguez.
La última parte del disco comienza con una hermosa miniatura compuesta alrededor
de un poema de Jacinto Pariente, ‘Maullidos De Gigante’ (2:19), con el piano y la
voz como protagonistas junto al oboe de Nick Harcourt-Smith y una sobria base
rítmica. Sin pausa, el clarinete y el violín dan paso al impresionante tema instru-
mental que cierra el álbum, ‘FTV-1 Elevado a Ñ’ (15:52). Dividido en cinco partes,
cuatro de ellas instrumentales, y con títulos divertidos, como ‘Do You Amsterdam
Me?’, ‘Bier Vom Fass Über Alles’ (‘Cerveza de Barril Sobre Todo’), ‘Gnawa Con Gas’ o
Amon Düül II, Gouveia Art Rock 2006: John Weinzierl, Lothar Meid,
‘Naturalia Irata Est Valde Panthera’, es sin duda la pieza más “progresiva” que han
Renate Knaup-Krötenschwanz, Chris Karrer. Foto de José Félix da Costa
compuesto e interpretado. Fantásticas melodías, cambios de ritmo, combinación de
partes de gran belleza melódica con otras más oscuras, con ciertas reminiscencias
crimsonianas, y aires tribales. Los músicos están soberbios en la interpretación pero Al contrario de lo que sucede con los países mediterráneos antes mencionados, el
lo mejor de todo llega al final. Para que de un tema de casi de 16 minutos de dura- mirar de Alemania hacia su tradición musical se realiza a través del discurso hecho
ción, prácticamente instrumental, la parte que más me guste sea la vocal, ya tiene por la vanguardia académica desde la primera mitad del siglo XX, con figuras tan
que ser especial. ‘Zoroastro Huye a Comprar Tabaco’ son los cuatro minutos que influyentes como Karlheinz Stockhausen y Herbert Elmert. Esta fue una forma
más me emocionan de todo el disco. La letra es maravillosa, la melodía excepcional, más de absorber su propia perspectiva musical, personalizando un discurso que no
y la forma de cantarla de Salva, al más puro estilo Robert Wyatt, con el piano queda exento de influencias internacionales, pero que tendría un balance ciertamen-
acompañándolo es irrepetible. Los arreglos de clarinete, violín y coros, junto a la te bastante diferente si sucediese en otro país.
contenida sección rítmica no hacen más que enriquecerla. No creo que haya mejor
manera de finalizar un disco.
Tengo Mis Días Buenos nos demuestra que Frutería Toñi es una de las mejores 9
Este es uno de los valores estéticos a analizar en la música, de acuerdo con Lewis Rowell en
bandas de nuestro país, y eso, con la música que en estos caminos poco transitados Introducción a la filosofía de la música. Antecedentes históricos y problemas estéticos, Gedisa,
se está haciendo en España en la actualidad, es ser realmente buenos. Barcelona, 2005 ( 4ª reimpresión), pp. 155-158.

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ción un universo en
Expresar lo propio a través de lo ajeno sí mismo, algo que
me recuerda a ban-
Además de la áreas geográficas que habitualmente se reflejan en categorías estilísti- das como Gentle
cas per se, existen otras regiones que pueden ayudarnos a ilustrar y observar cómo Giant, que en 5, 6 o
los elementos autóctonos marcarán el sonido globalizado del rock progresivo de los 7 minutos eran ca-
años 70. paces de condensar
Uno de estos casos es el del rock progresivo de los países americanos de lengua tantos elementos
castellana. Se trata de una corriente a tener en cuenta, sobre todo debido al eleva- como otras en pie-
do número de países incluidos y la consolidación de un número creciente de infraes- zas de 20 minutos
tructuras que promueven la difusión del género a través de la organización de festi- de duración. En esto
vales dedicados a ello o de sellos discográficos que trabajan en la edición de nuevos influye también la
álbumes nacionales, así como en la reedición de otros. El género Latinoamericano altísima calidad de
tiene bastantes puntos en común con el estilo forjado en España. Aparte de una los arreglos musica-
base lingüística común, la incorporación de ritmos de danzas populares (como el les, responsabilidad
tango en el caso de los argentinos Alas y el del candomblé en el de los uruguayos
Opa), el uso de instrumentos locales como el charango y la quena (en el caso de la del quinteto al completo, y la colaboración de gente
banda chilena Los Jaivas o el cuatro en las producciones del compositor venezolano como el propio Manolo Toro y Eva Montiel en las per-
Vytas Brenner) y las referencias culturales en los nombres de las propias bandas o cusiones y los coros, el formidable vocalista Carlos Mo-
en los temas que producen (un buen ejemplo podría ser el álbum de Los Jaivas ratalla, los guitarrista Miguel Olmedo y Ramón Aran-
Alturas del Machu Picchu, de 1981, inspirado en la obra poética del autor chileno da, o el oboísta Nick Harcourt-Smith. Por otro lado,
Pablo Neruda, especialmente en la obra Canto General). las letras continúan desarrollándose entre lo absurdo, lo
El link de ProgArchives (http://www.progarchives.com) es una de las bases de datos friky, la denuncia social o lo puramente estético, escritas
en la red más exhaustivas que se puede encontrar en relación al género, que incluye por Salva Marina y Curro García, y con la colabora-
ción de poetas como Jacinto Pariente o Juan Miguel
González. Además, todo esto viene en un maravilloso
envoltorio, diseñado por Isabel Farfán, responsable
también de los formidables dibujos del libreto y la
“impactante” portada. •Tengo Mis Días Buenos
Un violín de corte clásico y unos pasos nos adentran en (7:16)
la pieza que da título al álbum, ‘Tengo Mis Días •La Tostá (7:41)
Buenos’ (7:16). Piano y violín de base, preciosos deta-
•Hablar Con Las Estatuas
lles de clarinete y coros y una melodía vocal excepcio-
(6:29)
nal. La sección instrumental se revela variada y rica en
matices, con los cinco músicos destacando en algún
•La Órbita de Venus
momento, llegándome con especial fuerza el “duelo” de (5:06)Más Que Black
clarinete y teclado, con una llamativa línea de bajo y (7:31)
batería reforzándolo, y sobre todo la romántica melodía •El Monstruo de La Panta-
final, una de las mejores del disco, en la que percibimos lla Final (5:35)
la melancolía y belleza que desprende la combinación de •Maullidos De Gigante
instrumentos como el piano, el clarinete y el violín, seña (2:19)
de identidad de la banda. Los buenos arreglos de saxo •FTV-1 Elevado a Ñ
Vitas Brenner, Los Jaivas, tenor y coros no hacen más que mejorar la pieza. Conti- (15:52)
Ofrenda Alturas de Macchu Picchu nuamos con ‘La Tostá’ (7:41), con un potente inicio de
(Dischi Numero Uno, 1976) (CBS, 1981) órgano, guitarra y violín que enseguida nos trae a la Salva Marina: voz, pia-
mente a la banda norteamericana Kansas. Entra el pe- no, teclados, guitarra y
una amplia referencia analítica de músicos, cronologías y publicaciones discográfi- gadizo riff de saxo tenor y comienza la parte vocal, con coros
cas, que hacen referencia a una categoría tan interesante como desconcertante, la un excelente fondo de piano eléctrico y detalles de Curro García: bajo, gui-
cual trata (aunque de modo indirecto) el tema que nos ocupa. Se trata del “Indo violín, seguida de un precioso estribillo. El teclado, la tarra y coros
Prog/Raga Rock”. En la descripción que hace Philippe Blache de esta tendencia10, guitarra española y unas notas de bajo inauguran la Jesús Sánchez: clarinete
sección instrumental, creando un inquietante paisaje y saxo tenor
10
Puede consultarse la entrada completa de este subgénero, escrita por Philippe Blache, en la
sonoro, que va ganando intensidad hasta desembocar Víctor Rodríguez: violín
dirección web: http://www.progarchives.com/subgenere.asp?style=35 en un corto pero magnífico solo de violín, sobre una Jeimi Montes: batería

30 71
El Chamberlin www.elchamberlin.info nº 19
se menciona un componente místico transmitido a través de la música, incluyendo
patrones formales provenientes del raga hindú, como la instrumentación (tabla,
cítara y tampura) o las células rítmicas más frecuentes (cuyas métricas irregulares
coinciden frecuentemente con los principios formales del progresivo). No obstante,
estas características no atribuyen una marca distintiva de producción local (en reali-
dad ninguna de las bandas citadas de esta etiqueta procede de la India), ahora bien,
ellas hacen referencia a una tradición musical con un origen geográfico bastante
concreto. Por otro lado, también se puede entender este componente “indo” como
un factor más coyuntural ya incorporado en la visión global del progresivo de los
años 60 y 70. Al final, la influencia de la tradición hindú ya fue asumida por los paí-
ses occidentales en la evolución académica y unida al rock y al jazz sin ese carácter
localista. Y fueron muchos los artistas (de todas las disciplinas) que sintieron la ne-
cesidad de realizar un viaje de iniciación y de búsqueda personal en la India. Los
textos de Maharishi Mahesh Yogi o de Hermann Hesse también contribuyeron
mucho en la transmisión de estos elementos.
Por otro lado, en la propia idiosincrasia del rock progresivo reside una tendencia
hacia el mestizaje, hacia la fusión de elementos y una amplia visión motivada por la
eliminación de barreras11, por lo que el intercambio cultural estaba a la orden del
día, algo que también se observó de forma paralela en el jazz de finales de los años
60 (y que dio origen al término “fusión”, precisamente por ese carácter de hibrida-
ción). De hecho, un subgénero como el jazz-rock sirve de puente entre ambos mos-
trando varios recursos comunes, como demostró John Covach12. Gran parte de
esos devaneos e influencias fueron absorbidos por los cánones de la fusión propia-
mente dicha, por lo que las referencias a Brasil y a África Central o hasta al flamen-
co no constituyen necesariamente una reivindicación de valores culturales propios
(especialmente cuando es llevada a cabo por artistas que no están ligados al país de
origen de esa raíz musical). Tal vez en otros casos eso esté más claro.
En el rock progresivo de los años 70 convivieron bandas con un lenguaje pronuncia-
No es fácil ser uno mismo. En ocasiones nuestro discurso está tan influenciado por damente anglosajón en su concepción, junto con otras que intentaban incorporar y
las ideas de otros que al final resulta ser una simple mezcla de tópicos. Ocurre en hacer realzar su propio patrimonio. Esto contribuyó a crear pequeñas audiencias
todos los campos del arte y el pensamiento. Por eso resulta tan especial encontrar a locales. Fuera del progresivo, estas bandas fueron consideradas precursoras –en
gente que, asimilando diversas influencias exteriores, es capaz de crear un lenguaje muchos casos– de la articulación de un rock regionalista (incorporando un lenguaje
único y diferenciable. Es el caso de la banda malagueña Frutería Toñi. No resulta vernáculo y evidenciando la influencia del folklore) que se fue desenvolviendo poste-
sencillo definir su música, y eso es, en cierta medida, esperanzador. Para algunos su riormente siguiendo las modas musicales que iban surgiendo en el mercado, como
música puede encuadrarse en el “Rock Progresivo” o en el “Rock Sinfónico”, para ocurrió con el rock progresivo durante la segunda mitad de los años 60 y la primera
otros son una banda de rock que hace buenas canciones, con profundas raíces ma- mitad de los 70, encontrando muy pocos apoyos mediáticos y económicos para sub-
lagueñas y andaluzas, acompañadas de una excelente base musical, y para mí es sistir). Este gusto por la búsqueda del elemento autóctono en el progresivo de ese
sencillamente una banda que no piensa en hacer ningún tipo de música en concreto, tiempo como dinámica generalizada es una idea más contemporánea que propia de
sino que se limita a expresarse de una manera singular, confiando que los oyentes su época, no tanto en términos de composición e interpretación (como vimos an-
seamos capaces de romper las cadenas creadas por las etiquetas musicales, que tes), sino en términos de su recepción y valorización como un precepto propio de la
aunque necesarias en algunos momentos, pueden llegar a atenazar nuestras men- época. Gracias al renovado interés por parte de las editoras discográficas especiali-
tes. Los oídos de nuestros protagonistas están repletos de músicas diversas. Fla- zadas en este tipo de estilos y a los medios digitales de comunicación que permiten
menco, rock progresivo, jazz, blues, folk, clásica, rock duro… son algunos de los la clasificación, difusión y teorización de esta información, hoy estamos en condicio-
estilos que devoran y digieren, para luego ser filtrados por sus creativas y enfermi- nes de apreciar este fenómeno en un modo más crítico y objetivo. Al tener acceso a
zas mentes y regresar al exterior en forma de canciones frescas, originales y llenas discos como Zalmoxe de los rumanos Sfinx, The Man from the East del percusio-
de vida. nista japonés Stomu Yamash’ta, Maltid de los suecos Samla Mammas Manna o
Lo primero que llama la atención al poner el CD es cómo ha mejorado el sonido con Ezekiel de los vascos Itoiz, ya no es solamente escuchar a bandas que constituyen
10
respecto a Mellotron En Almíbar. La producción está mucho más cuidada y el gran Puede consultarse la entrada completa de este subgénero, escrita por Philippe Blache, en la
trabajo de Manolo Toro de Puerto Records nos hace intuir el grado de implicación dirección web http://www.progarchives.com/subgenere.asp?style=35
11
que ha tenido en el proceso de grabación, edición, mezclado y masterización del Así se definen Sergio Guillén Barrantes y Andrés Puente Gómez en su libro Radiografía
del rock experimental: de la psicodelia a la actualidad del rock progresivo, ed. Castellar-
disco. Pero no solo es el sonido. Las composiciones de Salva Marina y Curro Gar-
te, Castellar de la Frontera, 2006, p.17.
cía son más maduras, más complejas y están repletas de detalles, siendo cada can- 12
John Covach, Jazz Rock?... Op. Cit..

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CD 2
Charity Balls (Strictly Inc.) – 4:40
An Island in the Darkness (Strictly Inc.) – 17:22
The Border (Bankstatement) – 5:54
Lucky Me (A Curious Feeling) – 4:27
Another Murder of a Day (Still) – 9:05
Moving Under (The Fugitive) – 5:59
Still It Takes Me by Surprise (Still) – 6:28
Red Day on Blue Street (Still) - 5:49
After the Lie (A Curious Feeling) – 4:51
Redwing (Soundtracks) – 5:50

CD 3
Queen of Darkness (Bankstatement) – 4:35
A Piece of You (Strictly Inc.) – 4:48
Big Man (Bankstatement) – 4:15
Angel Face (Still) – 5:19
Stomu Yamash’ta, Sfinx, This Is Love (The Fugitive) – 5:09
The Man from the East Zalmoxe I’ll Be Waiting (Bankstatement) – 5:56
(Island, 1973) (Electrecord, 1978) Back to Back (Still) – 4:33
For a While (A Curious Feeling) - 3:40
Throwback (Bankstatement) – 4:34
You Call This Victory (Soundtracks) – 4:32
And the Wheels Keep Turning (The Fugitive) – 4:46
You (A Curious Feeling) – 6:32
The Final Curtain (Still) – 4:57

CD 4
Blade (Six Pieces for Orchestra, 2012) – 10:20
Black Down (Seven: A Suite for Orchestra, 2004) – 9:47
Siren (Six Pieces for Orchestra) - 8:48
Earthlight (Seven: A Suite for Orchestra) – 4:43
From the Undertow (A Curious Feeling) – 2:47
Spring Tide (Demo version original de Seven: A Suite for Orchestra) – 9:39
Neap Tide (Demo version original de Seven: A Suite for Orchestra) – 4:10
City of Gold (Demo version
original de Six Pieces for
Orchestra) – 11:54
The Chase (The Wicked
Samla Mammas Manna, Itoiz,
Lady banda sonora,
Zalmoxe Ezekiel
1983) – 3:29
(Silence, 1973) (Elkar, 1980)
Kit (The Wicked Lady
banda sonora) – 3:04
parte de los exponentes musicales internos de una región específica, es también Poppet (Inédita, 2015;
considerarlos como parte de un legado cultural que puede ser apreciado por perso- originalmente escrita para
nas de diversos puntos del globo. Esto ayuda, en cierta forma, a definir y perfilar un Still) – 4:04
fenómeno creativo que ocurrió, en lineas generales, de forma semejante en lugares The Wicked Lady (The
muy distantes entre sí. Wicked Lady banda
sonora) – 3:48
Eduardo García Salueña, 3 de marzo de 2010

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voces femeninas”, nos dice Tony.
Vocalistas que ha utilizado Tony Banks para sus discos en solitario:
En A Curious Feeling (1979) participa Kim Beacon; en Still (1991) aportan sus
voces Fish (vocalista de Marillion), Nik Kershaw, Andy Taylor (guitarrista de Bruce Springsteen:
Duran Duran) y Jayney Klimek (vocalista nacida en Australia). En Soundtracks
(1986) aparecen Fish, Jim Diamond (líder del trío Ph.D.) y Toyah Wilcox.
BORN TO RUN:
Cuando Mike & The Mechanics empiezan a tener éxito, Tony Banks decide crear AUTOBIOGRAFÍA
Bankstatement (1989), donde asume labores vocales el propio Tony en una
canción, además de Alistair Gordon y Jayney Klimek. Finalmente, en Strictly
Inc. (1995) hace las voces Jack Huess, que formó en los años 80 la banda Wang Federico Luis Clauss Klamp
Chun.
Como ya mencionamos con anterioridad Tony Banks, tras el fracaso de Calling All En estos primeros días de 2017 he
Stations (1997) decide optar por la música orquestal y publica dos álbumes con el tenido tiempo para leer la biografía de
sello Naxos: Seven: A Suite For Orchestra (2004) y Six Pieces For Orchestra Bruce Springsteen. No hace mucho
(2012). hice para ROCK THE BEST MUSIC una
Tras estos dos discos le encargaron una pieza para el festival de música clásica de reseña de la autobiografía de Phil
Cheltenham. Tony Banks escribió una pieza de 15 minutos. “He escrito dos piezas Collins Todavía no Estoy Muerto, que
más y está en camino una tercera”. me pareció muy humana y entrañable
Otro proyecto en el que ha estado trabajando ha sido el siguiente. Un intérprete de (véase en este número de El Chamber-
clásica, John Potter, le propuso musicar unos textos del siglo XVII pertenecientes lin las pp. 35-37). Y esta no le va a la
al poeta Thomas Campion. Han quedado recogidos en un disco donde colaboran zaga. Hoy en día, cuando asistimos a la
también John Paul Jones (Led Zeppelin) y Sting. El álbum se llama Amores resurrección de músicos de los años
Pasados. setenta como Mike Oldfield, que con su
Con el documental Sum of the Parts se reunió la formación original de Genesis. Return to Ommadawn está viviendo
Este junto al recopilatorio R-Kive Box Set hizo pensar a muchos fans que podía una nueva juventud, alcanzando las
existir alguna reunión a la vista. cotas más altas de las listas de éxitos,
Acerca de si los miembros de Genesis se suelen ver con frecuencia, Tony afirma me encuentro cara a cara con Born to
que tiene contacto con Mike (Rutherford) y Peter (Gabriel), ya que fueron Run /Nacido para Correr.
amigos cuando eran jóvenes. No están tan cerca ahora pero se ven una o dos veces No creo que a Bruce se le deba otorgar un Premio Literario, como se ha hecho con
al año. Se ha visto con Steve Hackett y con Anthony Phillips, el guitarrista Bob Dylan, pero puedo decir que Born to Run es un gran libro, que remueve tus
original. Una de las razones que hacen difícil la reunión es que Phil (Collins) no entrañas. Springsteen nos cuenta sus orígenes como un chico de barrio al que
puede tocar como antes. Probablemente se volverían locos. Collins y Gabriel siempre le gustó la música. Procedente de clase baja, y con un padre muy ajeno a
tienen sus carreras en solitario y es difícil cuadrar las agendas. Añadir a alguien más su música muy distante de él, que sólo le visita cuando va a nacer su primer hijo.
no sería buena idea. Es mejor mantener en nuestra memoria que Genesis son los Springsteen nos narra con fluidez y energía sus inicios, sus primeros grupos, sus
Genesis de siempre, antes y después de la marcha de Peter Gabriel. primeros bolos. Nos habla desde el corazón, a flor de piel, de lo que era su vida.
Para terminar con esta retrospectiva de Banks en solitario, ahí van los temas que Bruce siempre ha estado atormentado por la figura de su padre, y ha hecho terapia
aparecen en A Chord Too Far (2015): durante mucho tiempo. Ha padecido fuertes depresiones. El contrapeso a la figura
de su padre han sido su madre y su mujer Patty.
CD 1 Me ha impactado su encuentro con los miembros de la E Street Band, a los que
Rebirth (Soundtracks, 1986) – 1:23 considera antes que músicos, amigos. Quizás esa sea la razón por la que han
At the Edge of Night (The Fugitive, 1983) – 6:01 permanecido unidos tantos años, a pesar de bajas tan importantes como Clarence
Walls of Sound (Strictly Inc., 1995) – 5:08 Clemons (el gran saxofonista de color) y Danni Federici (teclista). Otra parte del
Lion of Symmetry (Soundtracks) – 7:13 negocio son dos personas que llevaban sus negocios, Mike Apple y Jon Landau,
The More I Hide I (Bankstatement, 1989) – 4:29 que es narrada con mucha sinceridad.
Shortcut to Somewhere (intérprete Fish; Soundtracks) – 3:40 Bruce Springsteen, al contrario que músicos como U2, a los que aprecia, no se ha
The Waters of Lethe (A Curious Feeling, 1979) – 6:33 vendido al dolar; ha seguido siendo el mismo al cabo del tiempo. Da lo máximo en
I Wanna Change the Score (Still, 1991 (United Kingdom)/1992 (U.S.)) – 4:30 sus conciertos y éstos pueden superar las 3 horas. Esta es otra de las razones por la
Water Out of Wine (Still) – 4:39 que gusta tanto. Se exprime en cada actuación.
Something to Live For (Strictly Inc.) – 5:18 Springsteen no tiene enemigos; descubre el amor en Patti Scialffa, su
By You (The Fugitive) – 4:31 compañera; una relación que no ha sido un camino de rosas. El nacimiento de sus
Never Let Me Know (Strictly Inc.) – 6:21 hij@s es contado como un acontecimiento que le llena de orgullo. Bruce es música,
Thirty Three’s (The Fugitive) – 4:41 pero cuando mujer e hijos llegan a su vida, su carrera cobra un nuevo aliento. Hay
muchos y buenos sonidos en estas páginas, pero no desligado de la vida. Son las

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dos caras de una misma moneda.
Gran admirador de Elvis, Frank Sinatra o Roy Orbison, Bruce ha encontrado un
camino único y personal, en el que ha sabido mantenerse firme a pesar de
temporales y vaivenes. En su música hay rock, soul, pop, folk, country, e incluso
ramalazos étnicos (The Rising), con un estilo inconfundible.
Reconozco que hay música de Bruce que no he escuchado, sobre todo los discos del
principio, que necesitarían mi atención, y que están muy bien abordados en esta
autobiografía: Greetings from Asbury Park, N.J., The Wild, the Innocent & the
E Street Shuffle y Darkness on the Edge of Town.
Born to Run (1975) y The River (1980) son dos cimas en su carrera. Y hay Follow You, Follow Me llegó Turn It On Again. Su forma de
canciones que le (nos) han marcado como American Skin, dedicada a un joven trabajar era diferente cuando lo hacía en solitario. “Una cosa es
negro asesinado por la Policía de Los Ángeles. Born in the USA (1984) es un disco escuchar lo que hacían Mike & Phil y otra muy diferente oír
completísimo con el aroma de la E Street Band funcionando como un perfecto mis trabajos en solitario”, señala Tony.
engranaje musical. Con Tony Banks ha pasado algo curioso. Se le considera un
Las letras de Bruce Springsteen siempre han estado pegadas a la vida. Bruce nos gran teclista y compositor, pero luego no se le ha valorado en
habla del policía que te espera en un cruce, del motorista que recorre las calles en su justa medida. De lo que está más orgulloso es de canciones
una noche de invierno, del padre de familia preocupado por la educación de sus que no fueron hits, por ejemplo Supper´s Ready y Duchess.
hijos, del bombero que ha quedado impactado por la tragedia de las Torres Cada disco que hacía era un poco peor que el anterior. Se
Gemelas, es decir, de la gente que puebla la América de clase media. The Rising sentía orgulloso de Strictly Inc. (1995), era un buen álbum.
(2002), por ejemplo, está dedicado al 11-S. Tras este disco Genesis hicieron Calling All Stations, que no
Tan perfeccionista como el que más, Bruce ha necesitado a veces evadirse de las tuvo el éxito de antes y donde las labores vocales las ejerció
giras mastodónticas y hacer discos/conciertos en formato reducido, como sucedió Ray Wilson. El rock progresivo no le llamaba mucho la
con Tunnel of Love (1987), un disco acústico, que fue un gran éxito. atención así que decidió abrir un nuevo camino tras haber
Ha visitado España en varias-muchas ocasiones. Es muy querido por el público trabajado en la banda sonora de The Wicked Lady.
español. Ha actuado en Barcelona, San Sebastián, Granada, Sevilla, Gijón, Madrid, En los años 90 se para su carrera en el mundo del rock, y
etc. y cada actuación es un derroche de energía. surge su interés por la música clásica. “Trabajar en una
Bruce nos cuenta que empezó a escribir esta Biografía hace unos 7 años entre orquesta va bastante bien cuando los coros son interesantes.
canción y canción, entre gira y gira. Fue rellenando cuadernos de vida a espuertas. No hay una única forma. Puedes hacerlo de diversas maneras”,
Las páginas dedicadas a su gran amigo Clarence Clemons son soberbias, por lo opina Tony.
humanas que son. Emociona escuchar cómo fue la despedida de su gran amigo De su trabajo en solitario Banks está muy contento de A Cu-
saxofonista. rious Feeling, que considera como una pieza con identidad
Bruce pasa de puntillas por sus últimos discos: Magic (2007), Wrecking Ball propia. Él tenía muchas esperanzas en Still, que iría bien en la
(2012) o High Hopes (2014), aunque estén poblados de magníficas canciones. radio, pero no fue así.
Cada año que pasa esperamos un nuevo proyecto y una nueva gira. Parece que este De sus cualidades como cantante Tony Banks nos dice que
que se anuncia es íntimo y personal pero aún no tiene fecha de salida, ¿2017? puede sostener una melodía, pero no se considera cantante.
He disfrutado (mucho) con la lectura de su autobiografía. Amena, interesante, ágil, “Cuando eres intérprete tienes que liderar el proyecto, hacer
muy bien contada, por alguien que no es escritor pero que tiene un gran aliento los vídeos, trabajar en algo que no es reconfortante para mí”.
narrativo y que sabe bien cómo llegar al lector. No “He trabajado con Peter y Phil, quienes han llegado a ser
te defrauda. buenos cantantes. Peter era un chico tímido cuando empezó
Ahora que no pintan nada bien las cosas en pero encontró la forma de hacer frente a su modo de cantar, y
los EEUU es cuando más echamos de menos lo hace realmente bien. He perdido el objetivo de ser un
a Bruce Springsteen. Sus letras, sus cantante. Me gusta ser escritor de canciones y permanecer
canciones, sus discos... detrás de la escena”.
Bruce Springsteen, en referencia a las “Mike Rutherford era un poco grosero acerca de mi voz. Él
políticas de Donald Trump, afirmó en hizo su propio álbum y cantó en él” (Acting Very Strange,
Adelaida el 30 de enero: “América es una 1982). “Pero no estaba contento y luego formó Mike & The
nación de inmigrantes y ésto nos parece Mechanics”.
anti-democrático y fundamentalmente En sus trabajos en solitario Tony Banks ha podido colaborar
anti-americano”. con otros músicos más allá de Genesis. “Phil Collins es un
cantante muy versátil y podía haber cantado temas que yo he
escrito para otra gente. Peter Gabriel es diferente, tiene su
propia manera de cantar, y ha conseguido un tono fantástico.
Cuando he trabajado aparte de Genesis, he usado a veces

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AUTOBIOGRAFÍA
de Phil Collins:
“AÚN NO ESTOY
MUERTO”
Federico Luis Clauss Klamp

Sinceramente, Phil Collins es uno de

mis músicos de cabecera. Soy de los
que opinan que Phil Collins le dio un
nuevo aire a Genesis, lo hizo más
pop, cuando la trayectoria de Peter
TONY BANKS nos habla de su propuesta musical, Gabriel en el grupo llegaba a su fin.
No soy de los que cree (a diferencia de
un BOX-SET llamado A Chord Too Far (2015) muchos) que la época de Peter Ga-
briel en Genesis es la más importan-
te.
“Un acorde que viaja demasiado lejos” Yo me quedo con discos como Duke,
F.L. Clauss Klamp Abacab, Genesis, Invisible Touch,
Three Sides Live o We Can’t Dance,
por ejemplo. Es cuestión de gustos.

T
Quizás sea que yo tenía 16 años
ony Banks siempre ha sido mucho menos conocido dentro del grupo Gene- cuando se publicó Duke en 1980.
sis que Phil Collins, Mike Rutherford, Peter Gabriel o Steve Hackett. No se narra el desencuentro del grupo
Phil Collins con su vuelta a los escenarios, Mike Rutherford trabajando con Anthony Phillips, que fue
con sus mecánicos que vuelven en 2017 con Learn to Fly, Peter Gabriel, muy guitarrista en los inicios de Genesis,
distraído en labores diversas, o Steve Hackett que continúa su gira con los temas ni la salida de Steve Hackett.
de Genesis de su primera época y realizando discos en solitario, como The Night Esta autobiografía hace un recorrido por la carrera de Collins. Sus inicios como
Siren. Estos apuntes nos hablan de que el mundo de Genesis siempre está en batería en grupos variados, la llamada de Genesis, su trayectoria en el grupo, el
movimiento. cambio en la formación ante la salida de Peter Gabriel, o el desarrollo de su
Cuatro meses antes de que se publicara el LP Genesis, con temas tan emblemáticos carrera como solista.
como Mama o That´s All, Tony Banks, teclista y miembro fundador del grupo Está escrita en un estilo directo, espontáneo, narrando infinidad de detalles, en los
publicó The Fugitive, su segundo disco de estudio, que apenas llegó al top 50 en el que te preguntas cómo es que los recuerda con tanta claridad. Relata su vida
Reino Unido, siendo el vocalista principal, y que acabó marchitándose en la personal y familiar, que no ha sido un camino de rosas. Ahí están sus hijos Simon
oscuridad. Collins, también cantante en solitario y en grupo sinfónico (Sound of Contact); su
Banks, que ahora debe rondar los 67 ha pasado la mayor parte de su carrera en la hija la actriz Lilly Collins, su hijo Nicholas, que en 2017 hará de batería en su
cuerda floja. Ha trabajado con Genesis junto al dinámico Phil Collins y junto a vuelta a los escenarios, ya que por problemas de espalda Collins no puede coger
Peter Gabriel, o sea que conoce muy bien el engranaje que es/era Genesis, sin las baquetas salvo en contadas ocasiones.
embargo su trayectoria en solitario permanece en el olvido. No sólo recorre su faceta como cantante de un grupo de rock progresivo, sino
El material que aparece en A Chord Too Far ha sido recopilado por el propio también como músico de sesión y productor de otros artistas (John Martyn, Eric
músico y muestra sus diversas facetas, desde el romántico rock progresivo de 1979 Clapton, Anni-Frid (ABBA) o Philip Bailey. Ha sido compositor de bandas
de A Curious Feeling) hasta la música clásica de Six Pieces For Orchestra, de sonoras de la factoría Disney (Tarzán, Hermano Oso); componente de una big
2012. band: The Phil Collins Big Band, trabajando/tocando con Tony Bennett y ha
Tony se propuso hacer este trabajo al terminar el recopilatorio K-Five. Hay una participado en los conciertos multitudinarios que se sucedieron en la década de los
discográfica llamada Esoteric Records que se lo planteó. La idea era hacer una años 80 -Live Aid-. Además ha acompañado como músico de sesión a Robert Plant
retrospectiva de su carrera en un par de CDs, sin embargo al final salieron 4 discos. (Led Zeppelin) y ha girado en numerosas ocasiones.
Están agrupados por épocas ya que pasaron 15 años entre los tres primeros discos. La prensa le ha tratado con desprecio en muchos casos, lo que considero injusto a
Banks le dio más importancia a temas que no fueron singles en su momento. Es todas luces; ha hecho carnaza de él en muchas ocasiones. Incluso las redes sociales
una forma de unir luces y sombras, como afirma Banks. le han tratado con desprecio.
Banks no ha trabajado en sus proyectos en solitario igual que en Genesis. Tras

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A priori pensé que se trataría de una autobiografía ligera, con poca sustancia, pero GUILLEM ROMA. Alguna vez lo hemos comentado pero de momento no nos hemos
me he encontrado con un magnífico libro, entretenido y dinámico. animado porque tampoco sabemos cómo irían las ventas. No obstante sería muy
Tenía ilusión adolescente de que Genesis volverían como quinteto: Peter, Tony, interesante para poder ofrecer este producto a los seguidores del grupo más
Mike, Steve y Phil, pero cada vez lo veo más difícil, aunque con Genesis nunca se melómanos que podrían apreciar mejor todos los trabajos gráficos.
sabe. Una de las anécdotas que salpica el libro es la de la posible reunión de 2005. EL CHAMBERLIN. ¿Qué nos depararán las nuevas composiciones de Herba d’Hamelí en los
El proyecto era volver a hacer The Lamb Lies Down on Broadway en el 2006/7, próximos años?
pero con la tecnología actual. Peter Gabriel se desmarcó de la propuesta, y con él GUILLEM ROMA. Pues no te sabría decir concretamente, lo que sí te puedo
Steve Hackett. De Peter Gabriel dice: “[S]e ha pasado 30 años intentando olvidar asegurar es que estamos haciendo la música que nos apetece hacer en ese
que fue el cantante de Genesis y reinventándose a sí mismo, un proceso en el cual momento, no estamos ligados a nada y lo hacemos porque disfrutamos, es nuestra
pasión. Espero que podamos ofrecer nuevos temas muy pronto y que te lo podamos
contar en una futura entrevista ya que medios especializados como El Chamberlin
son muy necesarios para dar a conocer a bandas como Herba d'Hamelí.
Muchas gracias por la entrevista y un saludo a todos los lectores.

Web: http://herbahameli.blogspot.com.es

aún está inmerso”.

¿Habéis pensado como sería hacer The Lamb Lies Down on Broadway en la
actualidad? La idea era magnífica, sin embargo se empezaron a poner trabas al
proyecto: financiación, logística del espectáculo, rentabilidad y aparte cuadrar las
agendas de todos los músicos.
A pesar de todo los integrantes de Genesis se llevan de maravilla. Son buenos
compañeros de clase que un día formaron un grupo de música.
La salida de Collins de Genesis está contada con sencillez. Phil estaba cansado de
giras interminables, en Europa, en América, en Australia y deseaba bajar el ritmo;
descansar. Con Mike (Rutherford) y con Tony (Banks) siempre había un buen
rollo. Con un sincero me marcho o lo dejo ante su productor Tony Smith pone fin a
sus años en Genesis.
Según sus propias palabras, de su discos en solitario, aparte de Face Value, donde
nos cuenta el famoso golpe de batería-reverberación de compuerta que aparecería
en Intruder de Peter Gabriel (III) -tercer disco en solitario de Peter Gabriel-,
considera que Both Sides es uno de los más personales: compuesto y escrito todo
en casa. Un disco no valorado por muchos
También nos cuenta sus problemas de oído, que suceden de forma súbita, pero que
sobrelleva bastante bien. ¿Cómo es posible que un músico de su valía haya tocado
tantas y tan buenas canciones con problemas de audición?

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instrumentos al Y así llegamos a 2002 cuando publica Testify, con temas como Come With Me,
grupo, creo que dedicado a su hijo Nick. Después de 2012 su trayectoria se hace más irregular
hemos llegado a una (narrada en la parte final del libro). Ya no hace giras, The Final Fast Farewell Tour es
estabilidad en cuanto de 2004. Su vida personal sigue siendo un vaivén y parece que se retira. Sin
a músicos y los que embargo, durante el pasado año reedita sus discos en solitario con atractivos
estamos nos añadidos de directos y bonus tracks y unas portadas actualizadas. Participa en algún
compenetramos bolo de una Fundación que dirige con Orianne, su mujer (The Dream Foundation),
bien. Cuando con alguna recaída y se plantea volver no con Genesis, sino con algunas
componemos lo actuaciones que ya tienen sus entradas agotadas para 2017. La gira lleva por
hacemos sin haber nombre Not Dead Yet Tour, en junio de 2017. Le acompaña el siguiente grupo:
pensado antes hacia Phil Collins: voces y batería.
dónde queremos ir, Nicholas Collins: batería.
hacemos lo que nos Luis Conte: percusión.
sale de dentro sin Leland Sklar: bajo.
reflexionar al Daryl Stuermer: guitarras.
respecto. Lo que sí Ronnie Carl: guitarra rítmica.
tenemos claro es que Brad Cole: teclados.
trabajamos para que Arnold McCuller, Amy Keys, Bill Cantos, Lamont Van Hook y Bridgette
las nuevas composiciones sean mejores que las anteriores y nos sintamos orgullosos Bryant: coros.
de ellas. Harry Kim y Dan Fornero: trompeta.
EL CHAMBERLIN. ¿Os sentís identificados con el rock progresivo sinfónico? ¿Cuáles son George Shelby: saxo.
desde vuestro punto de vista los esquemas que definen estar integrados en uno u otro cajón Luis Diego Bonilla: trombón.
de música? Se trata de una gira corta, Londres en el Royal Albert Hall, París en el Accor Hotels
Arena, Colonia en Lanxess Arena y de vuelta a Londres en verano al Hyde Park. Se
GUILLEM ROMA. Efectivamente, nos sentimos identificados con este género
han añadido nuevas fechas. España no está en sus planes. Coincidiendo con la
porque es el que nos gusta y el que intentamos tocar lo mejor que podemos sin
salida de su Autobiografía se ha publicado un recopilatorio de su carrera en solitario:
tampoco querer encasillarnos en ningún cajón; también escuchamos otros géneros
The Singles.
como el jazz, jazz-rock, música clásica... Eso sí, lo que más nos gusta del rock
Solo añadir que Mike & The Mechanics, donde participa el mismísimo ex Genesis
progresivo es la no restricción a nivel de instrumentación ni de composición, tanto
Mike Rutherford, harán de teloneros de Phil Collins en el concierto de junio de
en estructuras como en longitud del tema.
2017 de Hyde Park.
EL CHAMBERLIN. Cada vez son más numerosas las bandas del país que se adentran en el
área del rock progresivo. Sin embargo, quizá tendría que cambiar la manera de gestionar los
conciertos. ¿Cómo creéis que se podrían llevar a cabo conciertos de rock progresivo o
músicas afines con músicos del país?
GUILLEM ROMA. Tiene difícil respuesta… Es verdad que nos encontramos en una
época en la que florecen muchos grupos de progresivo o estilos afines aunque la
audiencia no va en la misma proporción. A pesar de que hay muchos grupos,
seguimos siendo un género minoritario y cuesta mucho movilizar a un público que si
no se trata de una "vieja gloria" difícilmente irán a vernos. Aun así hay que destacar
la labor que hacen algunas personas para promover este género. Por ejemplo,
nosotros tocaremos en uno de los conciertos del festival Totum Revolutum, que se
hace en Barcelona, junto con Regna y Numen el 20 de mayo. Aun así cuesta
mucho hacerse un hueco en otros festivales similares.
Dicho esto, a nosotros nos gusta personalmente hacer conciertos de pequeño
formato con el público sentado y muy cerca nuestro. Conciertos donde puedes tener
una interacción muy directa con el público, el sonido es fresco y directo sin tener
necesidad de usar monitores ni de poner micros a la batería.
EL CHAMBERLIN. Desde que empezasteis a grabar discos habéis optado por la
autoproducción como única forma de poder gestionar la edición y distribución de vuestros
discos en formato físico y digital. En este sentido, las bandcamps han propiciado que el
oyente escuche el producto antes de comprar. Esto y los conciertos en vivo suponen las
únicas vías para dar a conocer vuestra música. ¿Habéis pensado en la idea de editar vinilos?

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impactaron y que pasaron en Barcelona donde hubo por error una carga policial en
un pasacalles de cultura popular con niños que, por suerte, no tuvo graves
consecuencias.
EL CHAMBERLIN. Interiors marca un avance en cuanto a producción y composición, así
como un compromiso en esa proyección a la que estáis expuestos para subir escalones en el
mundo del progresivo. No solo por el hecho de que vuestro trabajo empiece a ser
reconocido, sino por haber llegado a encontrar un sonido característico. La melodía es un
factor que debe ser considerado, en el buen sentido, como un elemento mediante el cual se
pueden hacer buenas canciones, sin caer en el cajón de sastre. Las armonías de las voces e
instrumentos sirven para crear ambientes de una frescura y plenitud brillante. Desde esta
perspectiva, el germen de las composiciones está mas acorde con el rock progresivo de los
70. Aunque se aprecia un aire aventurero, también asimilo cierta melancolía que no debe
dejar indiferente a ninguno de vuestros seguidores. En ese diálogo con el oyente-
espectador, ¿qué baza juegan las melodías que entran a la primera escucha?
GUILLEM ROMA. Interiors es nuestro trabajo más maduro, consideramos que
tanto en composición como en arreglos es nuestro mejor disco hasta la fecha, fruto
de una larga evolución como grupo y de las aportaciones de los miembros más
recientes. A nosotros nos gusta hacer composiciones muy cambiantes, a lo largo de
la pieza se pasa, por momentos mas enérgicos y/o duros como por momentos más
melódicos y bucólicos. Respecto de las melodías, no sabemos si las nuestras entran
a la primera, lo que sí sabemos es que nos gusta trabajarlas mucho para que sean
agradables al oyente al mismo tiempo que no sean evidentes. Por ejemplo, en
nuestro tema Viatge existen pasajes muy melódicos y otros muy intrincados, de
esta forma buscamos diferentes estados de ánimo dando a la pieza un sentido
orgánico.
Poco tuvimos que pensarnos el viajar a Manchester cuando nos enteramos de que EL CHAMBERLIN. Llegados a este momento de la entrevista me gustaría hacerte algunas
iba a ser una de las ciudades en las que el quinteto británico Led Bib iba a presen- preguntas en torno a lo que estáis creando en el momento actual. ¿Vais a continuar
tar su último trabajo, Umbrella Weather (Rare Noise Records, 2017). Se trata del desarrollando vuestro estilo, o estáis tratando de seguir progresando en busca de un sonido
sexto disco en estudio de la banda, y en mi opinión es también un valioso documen- más camerístico, incorporando instrumentos de cuerda y viento?
to que no sólo nos hace disfrutar de la música que contiene, sino que nos demuestra GUILLEM ROMA. De momento no tenemos planeada la incorporación de nuevos
cómo estos músicos van creciendo año tras año como intérpretes y compositores.
El acto se celebró en el Royal Northern College Of Music, el conservatorio de la ciu-
dad, en una sala con una buena acústica y bastante cómoda. Como teloneros, salie-
ron al escenario Flightless Birds, un trío de estudiantes del centro formado por el
guitarrista Alex Dineeen, el bajista Dan Peate y el baterista John Needham, que
también se encargaba de la
electrónica. Su música, total-
mente instrumental, puede
encuadrarse en el jazz rock,
con algunos momentos cerca-
nos al post rock. Su actua-
ción, de 40 minutos de dura-
ción, fue digna, aunque se les
notaba bastante verdes to-
davía.
Tras un pequeño descanso,
Led Bib hizo su aparición. La
actuación fue sobresaliente.
Me cuesta compararla con las
anteriores que he visto de
Flightless Birds ellos, así que no lo haré. El

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repertorio estuvo compuesto al completo por pie-
zas de su último disco, y las interpretaciones y
variaciones que de ellas hicieron fueron brillantes.
La sección rítmica formada por el baterista Mark
Holub y el bajista Liran Donin es extremadamen-
te sólida e imaginativa a la vez, alcanzando en
directo un protagonismo que a veces raya lo exce-
sivo, creando unas bases formidables para el desa-
rrollo de las melodías, los juegos y los solos de los
dos saxofonistas, Pete Grogan y Chris Williams,
y cómo no, para el teclista Toby McLaren, que
además de las fantásticas líneas de piano eléctrico
La Dansa de les Rates Cançons de Casa i Sons l'Aplec dels Bojos
y acústico, utilizó con acierto un ARP Odissey para
(2002) de Carrer (2004) (2006)
crear preciosos efectos y pasajes fantasmagóricos.
Con las inconfundibles notas de piano eléctrico y la
pegadiza melodía de saxo de Insect Invasion co-
menzó la actuación, que dio paso a la brutal On
The Roundabout, repleta de ritmos formidables,
misteriosos pasajes de percusión, bajo y efectos de
Pete Grogan, Mark Holub,
teclado y algo muy característico de la banda, el
Chris Williams
amor por crear un ambiente relajado e ir subiendo
la intensidad hasta llegar a momentos en los que
los cinco músicos lo dan todo. Después le tocó el
turno a Fields Of Forgetfulness, que comienza con
una preciosa melodía de los dos saxos de corte
clásico. A destacar el maravilloso y sensible solo de
Inversa Visual Girafes A Sibèria Interiors bajo de Liran Donin y el de saxo de Pete Gro-
(2009) (2011) (2011) gan, además del buen trabajo de McLaren al pia-
no acústico, que por desgracia no se escuchó de-
musicalmente. Ateniéndonos a esta circunstancia, ¿cómo asumís la tendencia regionalista en masiado ni en esta ocasión ni en las otras dos o
las piezas que componéis? tres que eligió utilizarlo. Aquí pudimos disfrutar de
GUILLEM ROMA. En ningún caso nuestra música está ligada a nuestro origen y otro de esos “crescendos” de la banda.
este concepto de tendencia regionalista nos suena extraño, pensamos en un Tras tres piezas compuestas por el baterista Mark
concepto global. El rock progresivo es un género que gusta tanto en Europa, como Holub, principal compositor del grupo (aunque
en Japón o América. Al fin y al cabo nuestra música está ligada a nuestro gusto y a ellos mismos nos comentaron que este disco es en
nuestras preferencias musicales, que tanto pueden ser la música layetana como el el que más han colaborado todos los músicos a la
rock Canterbury, el jazz-fusión europeo y americano, el progresivo nórdico, el prog hora de escribir las piezas), le tocó el turno a
italiano o muchos más. La música no entiende de fronteras. Al final la música que Women’s Power, obra de Liran Donin, que me
acabas haciendo viene muy marcada por las personas con las que interactúas. parece maravillosa, con un riff de bajo alucinante,
EL CHAMBERLIN. En vuestro siguiente disco, Girafes a Sibèria, dais la misma prioridad a muy distorsionado, un ritmo de batería buenísimo,
Liran Donin
los textos que a la música, siendo todas las piezas que componen el álbum cantadas. Aunque, efectos de teclado y un bonito juego de saxos.
eso sí, conservando unos arreglos dignos de una banda que interpreta rock progresivo Continuaron con la hipnótica The Boot, de aires “zornianos”, y una composición de
Pete Grogan, Skeleton Key To The City, que fue de lo mejor de la noche. Una pieza
clásico, con aditamentos locales del rock layetano. El sonido está muy cuidado y la portada
intensa, repleta de fuerza y sentimiento, con todas las características que hacen de
del disco, así como los textos, nos abren la mente hacia un mundo lleno de esperanzas. ¿Qué Led Bib una de las mejores banda de jazz contemporáneo actual.
mensaje queréis transmitir? Para terminar la actuación, la banda eligió la breve pero intensa Too Many Cooks y
GUILLEM ROMA. Las letras de Girafes a Sibèria están hechas por el cantante que cómo no, la composición de McLaren Ceasefire, uno de los mejores temas del disco
teníamos en aquella época que era Ricard Rius excepto Avui Pollastre que la hice en el que destaca el saxo de Chris Williams. Todos nos quedamos con ganas de
yo mismo. Con las letras no pretendemos dar ningún mensaje en concreto como más, así que los músicos regresaron para interpretar, si no recuerdo mal, Marching
grupo que somos, son letras a inspiración de quien las hace, tanto Ricard (antes) Orders, otro temazo.
como Claudio tienen libertad absoluta a la hora de escribir una letra. Tras el concierto tuvimos la suerte de poder pasar un rato con los músicos y tomar
Yo personalmente te puedo hablar un poco sobre la letra de Avui Pollastre, donde algo. Una noche estupenda gracias a esta banda que no hace más que crecer.
hay una parte de la misma que, de forma indirecta, hablo de unos sucesos que me

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otros como Música Urbana, Orquesta Mirasol o Barcelona Traction lo que
apreciamos es el trabajo que hay detrás de cada composición, la variedad de
tonalidades y los cambios de ritmo dentro de un mismo tema para generar
diferentes sonoridades y sensaciones.
EL CHAMBERLIN. Si bien es cierto que estabais tratando de definir un estilo, las salidas y
entradas de músicos os hacían dudar de la consistencia de poder establecer una banda con
miembros permanentes. A pesar de esa circunstancia, tú y Dani fuisteis optimistas desde el
primer momento en vuestra constancia de no desvincularos del proyecto de banda que fue
desde el principio Herba, y seguir componiendo contra viento y marea. ¿Qué factores
fueron determinantes para llegar a estructurar las piezas hasta el momento presente?
GUILLEM ROMA. El factor clave fue la incorporación al grupo de nuevos músicos
que compartían y comparten con nosotros la afición por el rock progresivo y las
músicas afines. Inicialmente Herba tenía miembros a los que les gustaba el folk y
otros a los que les gustaba más el rock progresivo, con la marcha sucesiva de los
miembros más orientados al folk los que nos quedamos (Dani, Carles y yo mismo)
decidimos apostar por el estilo que siempre nos gustó, el rock progresivo, e
incorporamos músicos afines a este género. A día de hoy somos un grupo de rock
progresivo con mucha estabilidad a nivel de miembros. También es importante el
hecho de que nos llevamos muy bien y somos como una gran familia, somos amigos
que compartimos la pasión por el rock progresivo.
El sello ECM Records editó en 2016 EL CHAMBERLIN. Fue precisamente a partir de la grabación del disco Inversa Visual
tres discos que nos emocionaron en cuando empezáis a creer en el futuro de la banda desde una perspectiva más profesional.
grado sumo. Los tres son obras de Este trabajo distribuido por el sello Musea, de Francia, os abriría las posibilidades de ser
músicos vivos del norte de Europa: conocidos más allá de los Pirineos. Aunque intentáis dejar a un lado el pasado, la
Estonia, Finlandia y Noruega.
pieza Felacions del Mediterrani viene siendo un claro homenaje a la música del grupo
Además, comparten rasgos que les
hace aparecer vinculados de acuer- Iceberg. La denominada música layetana os continúa tirando hacia la tierra. Supongo que es
do a como los hemos percibido ya un factor que incorporáis, y de muy buen gusto para dar al oyente pistas de dónde procedéis
que hay cuestiones obvias como la
pertenencia a un mismo sello, ámbi-
to cultural y una cierta religiosidad.
Por todo lo demás, son obras muy
diferentes entre sí ya que represen-
tan tres maneras distintas de hacer
música: jazz (bajo la forma del
Third Stream), música clásico-
contemporánea y música de raíz
(pese a tener elementos de las dos
anteriores maneras apuntadas). Eso
sí, no hay rock en estos discos, cuya
música tiende a lo contemplativo en
más de una ocasión. Hemos pensa-
do sobre la pertinencia de estos
comentarios en este medio. Nuestra
respuesta es afirmativa dado que se
trata de buena música a la que creo
que se le puede dar una oportuni-
dad si no se la conoce. Escribiremos
sobre rock progresivo de nuevo, más adelante.

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Iro Haarla – Ante Lucem for Symphony Orchestra and Jazz
Quintet (ECM 2457 / 2016)

Ante todo, los antecedentes. Cono-

cemos a Iro Haarla (compositora,
pianista y arpista finlandesa) desde
su trabajo con su difunta pareja, el
gran Edward Vesala. Primero bajo
la sombra del finado y luego por su
cuenta ha realizado su propia ca-
rrera con discos editados dentro y
fuera de ECM. Lo que hemos visto
desarrollarse es su faceta de com-
positora. Para nuestra sorpresa
inicial, sus obras han demostrado
una valía en esta faceta compara-
ble a la de Edward Vesala. Noso-
tros conocimos esta grabación an-
tes de que se publicara merced a
un blog donde se encuentran gra-

A unque sus inicios como grupo datan de principios de septiembre del año
2001, no sería hasta el año 2007 cuando Herba d’Hamelí empiezan a ser
reconocidos como una banda adherida a la corriente del rock progresivo.
Conservando claras influencias del rock layetano de la Cataluña de los años 70, los
miembros de Herba también se sienten identificados con aquella pléyade de bandas
baciones de conciertos de jazz. Lo
escuchamos e inmediatamente nos
sedujo. El pensamiento fue: “Con
este material el sello ECM haría un
gran disco”. Más tarde, al conocer esta edición, el que nuestro deseo se hubiera
provenientes de lugares como Inglaterra, Italia o Francia, en las que se generó el materializado nos regocijó. Es el mismo concierto que conocíamos, grabado en octu-
rock progresivo que tanto sirven de inspiración a los grupos actuales. bre de 2012 en el festival de jazz de Umeå (Suecia). Sí, han pasado cuatro años
En sus composiciones se tejen melodías dinámicas sobre estructuras muy hasta que esta obra se ha publicado.
elaboradas. Pilares sobre los que se asienta una música en constante El álbum consta de cuatro piezas instrumentales ligadas entre sí de manera sutil
transformación. describiendo la lucha entre la luz y la oscuridad. Así, la primera está dedicada a su
Inversa Visual (2009); Girafes a Sibèria (2011) e Interiors (2015) nos ofrecen madre, recientemente fallecida; la segunda nos muestra el largo invierno del norte y
un soplo de aire fresco y renovado, con una sinergia propia del rock creativo. La en la tercera la luz vencerá a la oscuridad y el frío se ira. Sólo la cuarta pieza tiene
escucha de estos tres discos se convierte en una aventura donde no falta el riesgo y una connotación religiosa ya que trata de la pasión de Cristo entre lo sucedido en el
la emoción. Náufragos del tiempo en busca de sentimientos olvidados. Ganas de jardín de Getsemaní el Jueves Santo y el Domingo de Resurrección. No se trata de
avanzar y amarrarse al salvavidas que nos ayude a alcanzar nuestras metas. un concierto para quinteto de jazz y orquesta, no existe ese tipo de diálogo entre
En la actualidad el proyecto mantiene la formación de su último disco, como sexteto dos entes diferenciados. Al revés, pese a que hay pasajes para cada uno de los gru-
con Carles Pinós (teclados, xilofón y voz), Dani Fabre (bajo y voz), Claudio pos durante la mayor parte de la obra, orquesta y grupo tocan al mismo tiempo,
Truillén (voz y guitarra acústica), Joseph Tardío (flauta y teclados), Valentí también durante las improvisaciones de los solistas, que incluyen partes de piano o
Pinós (guitarra eléctrica) y Guillem Roma (batería, percusiones y FX’s). arpa de la compositora. Durante la última sección nos parece escuchar el eco de
Precisamente, con este último he tenido ocasión de realizar una entrevista por himnos luteranos en la música, cosa que también hemos discernido en alguna oca-
email a finales del mes de febrero de 2017. sión en la música del noruego Christian Wallumrød.
EL CHAMBERLIN. Es curioso comprobar cómo habéis ido progresando en el tiempo. La NorrlandsOperans Symfoniorkester fue dirigida por Jukka Lisakkila. El
Comenzasteis a realizar música motivados por vuestra devoción por bandas como Jethro quinteto de Iro Haarla se completó con Hyaden Powell (trompeta), Trygve Seim
Tull, Camel o King Crimson, a lo que se sumaban las adaptaciones de piezas ambientadas en (saxos), Ulf Krokfors (contrabajo) y Mika Kallio (batería y percusión).
Así es este disco, jazz y música orquestal en un viaje impresionista de la oscuridad a
la Cataluña de los años 70. Una época muy fructífera para la música de fusión en la ciudad
la luz.
de Barcelona. Me estoy refiriendo a formaciones como la Companyia Elèctrica Dharma o
Iceberg, entre otras. ¿Qué le debéis al legado de la música progresiva catalana de los años
70? Arvo Pärt – The Deer’s Cry [Vox Clamantis]
GUILLEM ROMA. Le debemos mucho. Una gran parte de la música progresiva que (ECM New Series 2466 / 2016)
se hizo dentro y fuera de Catalunya nos ha influenciado mucho y nos ha marcado, y
eso se nota en nuestras composiciones. De todos estos grupos que me comentas y Después de que en 2015 Manfred Eicher (productor y alma del sello ECM) recopi-
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lara la antología Musica Selecta mediato. Una noche, tarde, Slapp Happy vino a vernos a Ladbroke Grove, con
ésta ha sido la primera edición de muchas botellas de Barcardí, y nos propusieron juntarnos con ellos para lo que
Arvo Pärt en el sello tras aquella podría convertirse eventualmente en Desperate Straight. Tocar en este álbum fue
publicación. En este caso se trata tan divertido que nosotros decidimos reunir los dos grupos para grabar juntos In
de interpretaciones de música coral Praise of Learning. Habíamos iniciado los ensayos para conciertos en un aula sin
realizadas por sus compatriotas calefacción a mediados de invierno, y al final los dos grupos decidieron separarse….
Vox Clamantis, conjunto del que Pero Dagmar quiso quedarse con nosotros”.
tenemos algún disco más Pequeña excepción: Slapp Happy sacará un single bajo su propio sello, Half Cat
(incluyendo en uno de ellos al Records, que podrá ser encargado a RèR, pero no formará parte del catálogo. La
Weekend Guitar Trio con el gui- cara A hace pensar en éxitos de los años 80 o en determinados títulos de Richard
tarrista Robert Jürjendal). Seis Gotainer, por los gimmicks [trucos / efectos], la voz monótona de Dagmar más
de las trece piezas fueron interpre- bien recitada (véase el título) (3) con el apoyo de voces masculinas respondiendo.
tadas por un coro mixto a capella, La cara B está más en el espíritu del grupo, voz clara como los ojos azules de
cuatro de ellas por coro y solistas a “William”, el título, con un bajo, ella también recita y hay percusiones más sombrí-
capella y en tres de ellas se combi- as. Dos preguntas esenciales en la portada: “¿Cómo puedes estar a dieta y seguir
naron voces con diversos instru- bebiendo cerveza?” Respuesta: “Escucha a mis hijos y lo comprenderás”... Y: “¿Qué
mentos. El repertorio incluye piezas hizo Frank Kafka para quedarse tan delgado?”. Respuesta: “Se comía a sí mismo por
que en algún caso ya habían sido dentro”... Os dejo reflexionar, hasta la próxima (previsto: Cassiber).
grabadas en discos previos para el
mismo sello. Esto no importa en la
PHILIPPE RENAUD. Traducción de Chema Chacón
medida en que los intérpretes son
Publicado originalmente en francés en IMPROJAZZ #230 (Noviembre-Diciembre
distintos y se aproximan a las obras con su propia visión.
2016), #231 (Enero 2017), #232 (Febrero 2017),
Arvo Pärt, él mismo y su obra, tienen una relación muy estrecha con el sello ECM.
cuenta con la autorización de su autor.
No es que no tuviera ediciones previas, pero fue la publicación en 1984 por este
https://sites.google.com/site/improjazzmag/home/extrait4
sello del álbum instrumental Tabula Rasa lo que desencadenó el “fenómeno” Pärt,
https://sites.google.com/site/improjazzmag/home/extrait9
que le ha convertido en el compositor vivo más interpretado en este momento.
https://sites.google.com/site/improjazzmag/recrecords3
Conviene aclarar tópicos, como lo del minimalismo sacro. Pärt no es un músico mi-
nimalista, en todo caso lo encontramos muy austero, pero no utiliza en ningún mo-
mento los métodos y procedimientos de los compositores minimalistas. ¿Sacro? Aquí Notas:
hay bastante más razón, como prueba el disco sobre el que escribimos. (1) “When all treasures are tried”.
La mayoría de las composiciones son de tipo religioso. El título suele dar la clave, TRUTH IS BEST” (original en LP) (Nota del Traductor).
aunque hay una excepción al tratarse de un texto en alemán que parece un poema. (2) El grupo Cassiber (1982-1992) estaba formado por Alfred Harth, Heiner Goeb-
Las lenguas de los textos son inglés, eslavo litúrgico [eso nos parece], castellano, bels, Christoph Anders y Chris Cutler. Ver próxima entrega (N. del T.).
latín y alemán. Una de las composiciones se llama “Virgencita” y sí, es una oración a (3) “Everybody´s Slimmin´- Even Men and Women!”/ “Blue-Eyed William” (N. del
la Virgen de Guadalupe. Algo en lo que mis amigos mexicanos estarán de acuerdo T.).
conmigo es que quizá convendría asesorar al estonio sobre la dicción de nuestro
idioma. Esto no empaña la pieza, en cualquier caso.
Así pues, tenemos un disco de música coral contemporánea que suena perfectamen-
te atemporal, ya que la música de Pärt se mezcla bien con música antigua o moder-
na, con Perotin y John Cage, con William Byrd y Stockhausen. Escribimos
siempre con ciertas piezas de los contemporáneos en la mente. Es una serie de
composiciones de enorme belleza. Nunca he encontrado una versión de “Summa”
que no me haya conmovido y aquí hay una más.
Estas piezas fueron interpretadas por Vox Clamantis bajo la dirección de Jan-Eik
Tulve. Se grabaron en Tallin durante el mes de septiembre de 2013 y 2014, salvo
“Vini Creator”, registrada en Haapsalu en junio de 2007.
Un álbum de belleza austera y atemporal.

Sinikka Langeland – The Magical Forest (ECM 2448/ 2016)

De los tres discos de este artículo éste es el de grabación más reciente ya que fue
efectuada en Oslo en septiembre de 2015. Para lo que acostumbra el sello ECM ésta

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“Me & Paravati”, las dos primeras canciones de la cara A. El sello sacará una segun- ha sido una edición rápida.
da edición, titulada Acnalbasac Noom, esta vez conforme al disco original respe- En lo musical reúne elementos que
tando el orden de las canciones y los textos impresos en el interior de la portada. encontramos en los dos discos pre-
“Casablanca Moon” se puede considerar como el “hit” de Slapp Happy, incluso aun- vios junto a nuevos ingredientes.
que esta noción de comercialidad no puede ser evocado para semejante grupo. Di- Hay un grupo de jazz, bastante
gamos que la voz de Dagmar significa mucho, como para la mayoría de los títulos particular, que trabaja junto a un
del álbum, en los diferentes contextos musicales que recorren el disco. Ambiente trío coral sobre una música folclóri-
años 30 con “Half-Way There” y su piano charanga, nuevo aspecto Shadows de ca nórdica. Es música de raíz que
“Charlie’n’Charlie”, esta vez cantada, la cantinela country´n´western de “Slow contiene referencias tanto a la reli-
Moons Rose”, el rock a la vez en desuso y original de “Michelangelo”, el más refor- giosidad cristiana como a la pagana
zado con esos riffs de guitarra de “The Drum”; la referencia a Kevin Ayers y su anterior, es decir al mundo mítico
pasión por las islas para- de los pueblos que habitan los bos-
disíacas de “A Little So- ques septentrionales de Eurasia. Lo
mething”. Un álbum en- que llamamos la taiga permite un
cantador por completo y viaje sin solución de continuidad
agradable para escuchar desde Noruega hasta Siberia. Y en
todavía en nuestros días. este disco incluso se hace referen-
En 1975 Virgin sacará el cia a los Ainus de Japón. La crea-
álbum Desperate dora de la música que crece sobre
Straight, contribución este suelo fértil es la cantante no-
común entre Slapp ruega Sinikka Langeland, que
Happy y Henry Cow también es la intérprete de kantele (una citara de mesa que es el instrumento na-
(Virgin 2024). El personal cional finlandés). Las canciones están cantadas en noruego, salvo la primera, “Puun
se estableció así: Dagmar Krause (voz, Wurlitzer en un tema), Peter Blegvad Loitsu”, cuya letra es en finés. Dos canciones más tienen títulos en finés pero se
(guitarra, voz), Anthony Moore (piano), John Greaves (bajo, piano en un tema), cantan en noruego (“Sammas” y “Karsikko”). Nos estremece encontrar en ellas al
Chris Cutler (batería, etc.), Tim Holdgkinson (clarinete, piano en un tema), Fred Señor del bosque, Tapio, llamado por su nombre finés en una canción noruega. Es
Frith (guitarra, violín) y algunos invitados según las canciones: Geoff Leigh, Pie- que es uno de los dioses de los antepasados paganos de nuestra madre. Todo esto
rre Moerlen, Mont Campbell, Mongezi Feza, Nick Evans y Lindsay Cooper. El nos remueve en lo más profundo del interior y lo hace no sólo por esto sino porque
álbum será reeditado por Recommended Records bajo el número RR12. El álbum es música bellísima. El contexto no importa más que la música, puede predisponer-
contiene ya algunos clásicos que serán desarrollados más tarde por Henry Cow nos pero no necesariamente satisfacernos. Aquí los dos aspectos se han aunado
solo, a quien Dagmar se junta. para nosotros.
Chris Cutler: Henry Cow escuchó Slapp Happy por primera vez cuando Uwe El conjunto de jazz se completa con el singular Arve Henriksen a la trompeta (que
Nettelbeck envió su segundo álbum con Faust a Virgin, como maqueta. Jumbo ha tocado entre otros con el citado Christian Wallumrød), que es una voz que
Verhoeven nos lo había dado a escuchar. Nos gustó. En su gran sabiduría, Virgin merece ser escuchada, Trygve Seim a los saxos (también presente en el disco
había decidido grabarlo sin Zappi (Neumeier) ni Jean-Hervé (¡), pues el grupo Ante Lucem de Iro Haarla), Anders Jormin al contrabajo y Markku Ounasakri
había venido a Londres para grabar. Nos habíamos encontrado con Peter primero a la batería. Las voces de Anna María Friman, Berit Opheim y Linn Andrea Fu-
porque había hecho una gira con Faust, durante su primera gira en compañía de giseth conforman el Trio Mediaeval.
Henry Cow. Encontramos a los demás poco tiempo después, y éramos todos como La música se desenvuelve a través de los siguientes parámetros. Langeland canta
una familia. Toqué en el primer single, “Casablanca Moon”, pero fui reemplazado las canciones de una manera fiel a su esencia folclórica tocando el kantele (que es
antes que el disco se realizara porque Virgin pensaba que mi forma de tocar no era un instrumento más dulce que el zither bávaro), que toma el lugar que ocuparía un
compatible con lo que podía convertirse en un hit... Después de la gira con Captain piano en un grupo de jazz. El resto del quinteto se desenvuelve como los jazzmen
Beefheart, Henry Cow que son, improvisando en este marco. Obviamente, los arreglos para las voces
cortó las giras, sin pers- están muy trabajados y sus partes son espectaculares creando aquello que hace a
pectiva para el futuro in- este disco algo especial y diferente a posibles otros proyectos etnojazzísticos.
Está claro que recomendamos estos tres discos someramente analizados, pero el
más cercano a nuestro corazón es The Magical Forest.

Artículo publicado originalmente en República Progresiva Fanzine (https://www.facebook.com/Repprog/),

reproducido con permiso del autor con algunas correcciones de tipo formal

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revancha, regreso a la marca
RECOMMENDED de fábrica del grupo con
“Heading for Kyoto” y sus

RECORDS “chou bidou bidou” lanzados

por Dagmar sobre una ba-
Elogio de la ciencia y/o lección de impoder tería somera y una línea de
(1ª parte) bajo martilleada con ganas,
PHILIPPE RENAUD. Traducción de sin contar con que la guitarra
distorsiona. Un bonito final
Chema Chacón.
de un álbum extravagante si
se sitúa en la época, pero
que se escucha muy decente-
mente aún hoy.
El sello dependía en la época
de suscripción, los afortuna-
dos y pacientes compradores
de Sort Of se vieron obse-
quiados con una cara de 45 revoluciones, el dorso estaba magníficamente decorado
con racimos de uva, puesto que la pieza se titulaba “Alcohol”. Una mención especial
impresa en la carpeta interior indicaba que de alguna manera no era necesario tra-
tar de tocar esta zona…
El título está firmado por
Peter Blegvad, grabado
Retorno a una de las aventuras esenciales que pronto cumplirá 40 años y
como demo para el álbum
que continúa produciendo discos de artistas que han marcado esta cuaren-
“Desperate Straight” en
tena. El catálogo estando sumamente surtido -esta retrospectiva se hará en
1974 por Blegvad y An-
varios capítulos con el fín de intentar ser lo más exhaustivo posible-, no se
thony Moore (RR 5.75 –
olvida de todas estas experiencias sonoras y estos resultados que han
1980).
construido que esta utopía se convierta en realidad....
El segundo álbum de Slapp
Happy aparecerá en Virgin
en 1974. Se trataba de
hecho de una nueva versión
regrabada en Manor, en
Londres, el antro del novísimo sello de Richard Branson. Este disco había sido gra-
bado con algunos miembros de Faust y el mismo productor, Uwe Nettelbeck para
Polydor, pero nunca editado. Con relación al original, la primera reedición RèR
(tendrá una segunda) se titula Slapp Happy or Slapphappy, modifica el orden de
las canciones y reemplaza “Haiku” por “Charlie´n´Charlie”, canción inédita, y ofrece
las letras de las canciones en un inserto, así como una réplica de “Amateur”, un
pliego A4 plegado en cuatro realizado por Peter Blegvad (nº 1, octubre 1977, Nue-
va York). Para recuerdo, Virgin editará un 45 revoluciones con “Casablanca Moon” y

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hayan aceptado. Di el dinero a la rama de la mina de hulla Betteshanger, justo en la Una de las principales redes de música alternativa (o travesaños, si se prefiere) que
esquina de la calle donde mis padres vivieron en Kent”. se desarrolla en el curso de los años 70 (más bien hacia el final, a partir de 1978) se
creó con la iniciativa del baterista del grupo Henry Cow, Chris Cutler.
¿Por qué razones en una época donde la venta de discos conocían su pleno apogeo,
SLAPP HAPPY sobre todo para las mayores compañías, Chris Cutler se compromete en una elec-
El trío formado por Dagmar Krause ción tan diferente?
(voz), Anthony Moore (teclados) y CHRIS CUTLER.- Inicié Recommended Records porque Henry Cow había viajado
Peter Blegvad (voz) estrenó su dis- a todas partes en Europa y se había encontrado y tocado con docenas de excelentes
cografía con un álbum grabado con los grupos donde la música quedaba confinada en su propio país, las compañías de dis-
miembros de Faust (ver capítulo ante- cos británicas y estadounidenses no estaban interesadas; además, estas compañías
rior). Este álbum, grabado en 1972, en controlaban más o menos la prensa musical y todas las redes de distribución. Inclu-
Polydor (2310 204), había desapareci- so si quisieras tú mismo hacer tus propios discos, no llegarían a un gran público. Y si
do rápidamente de la circulación, así encima tu música era experimental o poco conocida, no tenías ninguna posibilidad
como los álbumes en “solo” de Antho- de distribución. Por tanto, hay dos razones principales en la creación de lo que se va
ny Moore, igualmente en Polydor, a convertir Recommended: en primer lugar, crear una plataforma sólida y visible
sobre todo Pieces From the Cloud- para la música experimental e innovadora, y en segundo lugar, atraer la atención de
land Ballroom y Secrets of the Blue un público interesado pero mal comunicado con esta música europea. En paralelo,
Bag. En consecuencia, y persiguiendo comencé el sello discográfico Ré Records para producir los proyectos discográficos
su trabajo de reedición, el sello RèR en los cuales yo estaba implicado, el primero fue Art Bears en 1978. Recommended
produjo en 1981 este álbum bajo el Records llegó justo después, como un remanso para las demás músicas que yo pen-
título Sort Of en tirada limitada (350 ejemplares) y numerada (RR 5.5). El sello saba importantes o interesantes. Se comenzó con la reedición de los dos primeros
justificaba así su elección: “Para los fans del grupo que no han podido encontrar ese álbumes de Faust, Faust y Faust So Far. Todo esto llegó al inicio de 1978, y muy
álbum en ninguna parte después de siete años, con excepción de determinadas tien- rápidamente recibí el refuerzo de Nick Hobbs, antiguamente el organizador de
das especializadas o listas de venta donde este álbum había alcanzado precios ab- Henry Cow, quien también había distribuido discos para los grupos del movimiento
surdos. Sin embargo, nosotros lo distribuimos únicamente por correspondencia y a RIO (Rock in Opposition), durante el festival RIO en Londres. Nick y yo llevamos
través de nuestras ramas internacionales”. Se acompañaba de una lista de direccio- Recommended durante dos años antes de que él lo dejara para ocuparse de otros
nes donde comprar estos discos. Para Francia, en la época, fue el sello AYAA en proyectos.
Reims quien se encargó, asociación con origen en la creación de la revista Notes. EL CHAMBERLIN.- ¿Cuál fue el encaminamiento político para llegar a crear este
Todos los títulos del LP están cofirmados por Anthony Moore y Peter Blegvad, sello?
quienes tocaban por igual todas las guitarras acompañados por la voz de Daggi C.C..- El método de control favorito de la industria musical era simplemente no dar
(Dagmar Krause). Los demás músicos presentes son miembros de Faust, a saber: a conocer lo que uno no tenía; por tanto, poniendo en su lugar una red de distribu-
Jean-Hervé Péron, Werner “Zappi” Diermaier y Günther Wüsthoff. Peter ción independiente y de sellos, se hacía posible contestar a su hegemonía de igno-
Blegvad dirá de este álbum que cuenta con un “Rock naíf, el sonido del Aduanero rancia de estos sellos. Esto, por su naturaleza, era un acto político. retomar el con-
Rousseau”. Se puede añadir que la voz luminosa de Dagmar combina perfecta- trol, no lamentarse de lo que los demás no hacían, simplemente organizarse y
mente con el ritmo binario impuesto por el baterista de Faust y el acompañamiento hacerlo uno mismo.
lineal de las guitarras, con esas palabras pronunciadas en voz baja por los elemen- EL CHAMBERLIN.- En esta época (finales de los años 70), ¿es cuando entras en
tos masculinos del grupo (“Just A Conversation”). Este título anuncia ya la voz que contacto con otros sellos independientes en otros países, para intercambiar las ideas
ella tomará más tarde con Henry Cow. El rock no es tan naíf como aquel, en de cómo hacer las cosas? ¿O hacías las cosas por tí mismo?
“Paradise Express”. Digamos más bien primario. El caótico “I Got Evil” desemboca C.C..- Encontré algunos sellos discográficos independientes, como Saturn (Sun Ra)
en “Little Girl´s World”, canción a dos voces interrumpida por un break [cambio] a o Gate V, el sello de Harry Partch por ejemplo, pero no había una red conocida en
7/4. “Tutankhamun” con riff de bajo hipnótico deja el sitio a “Mono Plane”, una can- el momento que creé Recommended. Por tanto, lo hice y he seguido. Para el sello
ción en el estilo de los Doors (época L.A. Woman), con acentos a lo Cap- (Ré), es el primer LP de Art Bears quien sirvió de modelo. He tenido la oportunidad,
tain Beefheart o cercano al Kevin Coyne del principio (contemporáneo del grupo, debido a nuestro trabajo –el de Dagmar, Fred (Frith) y yo dentro de Henry Cow-,
pues). La magnífica “Blue Flower” abre la segunda cara. Dagmar alcanza la perfec- de saber cómo convencer a un gran distribuidor británico de hacer un primer encar-
ción, una expresión posada en lo más alto y muy clara en un discurso límpido soste- go substancial que cubriera la integridad del prensaje. También envié un catálogo
nido por una aguda guitarra. La influencia de la Velvet Underground no está lejos. completamente hecho a mano a todos aquellos que habían escrito a Henry Cow,
Siguen dos baladas, “I´m All Alone” y “Who´s Gonna Help Me Now”, dos llamadas correo que decía esencialmente: “si te gustase lo que a mi me gusta, te gustarían
de socorro tentadas de una profunda melancolía. El piano con sonido trapicheado de probablemente estos discos”, mucho más eficaz que esas listas colgadas en la pared
“Small Hands of Stone” y el saxo discreto sosteniendo las dos voces, femenina y de la tienda Rough Trade en Londres, o los aficionados recomendando discos de
masculina, que navegan sobre una línea melódica depurada repitiéndose hasta la otros aficionados. Para la distribución, ahí también tuve la oportunidad porque éra-
extinción. “Sort Of” parece sacada directamente de un álbum de los Shadows. In- mos los únicos en importar a los Residents y Pere Ubu en Europa, que muy rápi-
cluso el sonido de guitarra, además del tempo, también la melodía; además la voz damente acapararon la atención de la prensa y de un público de new wave. Noso-
está totalmente ausente durante los 2 minutos 15 segundos de la canción. Como tros éramos el único importador que no solamente dábamos acceso a las tiendas y a

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los exportadores, sino que acrecentó de manera exponencial su credibilidad. En defi- siempre en 2000 de Faust y So Far.
nitiva, he decidido hacer de la calidad nuestra firma desde el comienzo. Utilizamos el Unas palabras simplemente para describir la caja The Wümme Years que no hace
mejor prensaje (Nimbus), con vinilo virgen y una muy alta definición de impresión sino recuperar 5 CDs del grupo aparecidos ya en Recommended Records, a saber,
de las portadas, muy a menudo hechas a mano sobre tela de seda, para unos mis- Faust, So Far, The Faust Tapes, 71 Minutes y BBC Sessions+. Sin embargo, el
mos logros de diseño y minuciosamente documentadas. Y he especificado mucho libreto de 40 páginas que acompaña a esta caja es indispensable (textos, entrevis-
también que Recommended no iba a convertirse tanto en un negocio como en un tas en inglés, fotos).
servicio cultural. Que nosotros no queríamos almacenar aquello que pensábamos En cuanto a 71 Minutes Of (CD original), comprende el LP Munic & Elsewhere /
que venderíamos mucho, sino almacenar aquello que nos parecía bueno. Y como Return Of A Legend más The Unreleased LP Faust Party Three donde una par-
nadie trabajaba esta música, nuestro campo estaba totalmente abierto. te aparecería en los 45 revoluciones en edición limitada y reservada a los suscripto-
EL CHAMBERLIN.- ¿Cómo puede aparecer una red semejante y ampliarse? res.
C.C..- A partir del momento que Recommended existió, llegaron peticiones de otras Pequeña alteración en el orden de salida cronológica con un pequeño salto adelante
personas en otros países, pidiendo si ellos podían crear su propia rama utilizando el para hablar de este maxi 45 revoluciones aparecido en 1984, The Last Nightinga-
nombre Recommended, y en menos de un año, teníamos compañeros en Suiza, le.
Italia, Bélgica, Francia, Alemania y Japón. Un poco más tarde Polonia y Checoeslo- Hubert: “Nos encontramos en este disco frente a músicos bien conocidos de los
vaquia se unieron a nosotros, y así nos convertimos, de hecho, en una red. Bastaba fanáticos de IntraMusiques: una mezcla de Henry Cow, de Art Bears y The Work.
que cualquiera diera el ejemplo para que el resto siguiera. De todas maneras, la Tres composiciones instrumentales furiosamente desesperadas, a veces muy duras
independiencia estaba en el aire en ese momento allí; lo mismo llegaría al mundo con, además, esa fantástica voz de Robert Wyatt; otros dos textos recitados por
del Punk y de la New Wave. Los Sex Pistols habían cortejado la industria, pero Adrian Mitchell. Lo más excitante me pareció ser la calidad de las grabaciones:
decenas de pequeños sellos que se crearon a su alrededor no pudieron. Hacerlo uno testimonian un lirismo y una generosidad especial. Chris Cutler y su manera tan
mismo se convertió rápidamente en una parte importante del fenómeno new wave. particular de tocar la batería, Lindsay Cooper y sus instrumentos de viento desga-
rrados, pasando por Fred Frith, Bill Gilonis, Tim Hodgkinson. Como siempre, ¡un
disco evidentemente que se encontrará también con facilidad por todas partes!
ART BEARS (Intra-Musiques nº 12, 1985).
EL CHAMBERLIN.- Si recuerdo bien, este disco fue producido en beneficio de los
mineros británicos en huelga contra la política de Thatcher. ¿Cómo reuniste a los
ART BEARS músicos, y especialmente a Robert?
ART BEARS: Hopes And Fears C.C..- Sí, yo quería recaudar dinero para la National Union of Miners [Unión Nacional
Re 2188 LP (1978)- ABCD2 (1992) de Mineros]. Simplemente se lo pedí a cada uno. Escribí a Ralph Stedman, y tele-
Chris Cutler, Fred Frith, Dagmar Krause + Lindsay Coo- foneé a Robert y Adrian Mitchell. Todos dijeron que sí inmediatamente. Lo mismo
per, Tim Hodgkinson, Georgie Born que Sally Pot-
3 portadas diferentes en función de las estampaciones ter, Lindsay
británicas (original y reedición LP) e italiano (Orchestra Cooper y Tim
OLPS 55003) Hodgkinson.
Era un momen-
to político muy
importante;
“El Fénix renace siempre de sus cenizas, puesto que la verdad es inmarcesible, todo el mundo
incluso si se hace múltiple, hasta esporádica.... Henry Cow muerto, después de estaba dispues-
diez años de trabajo, de un trabajo encarnizado, persistente, excepcional, to a ayudar.
pero Art Bears nace el mismo día de su muerte... Entendámonos: Art Bears no es Con Robert fue
Henry Cow. O más bien, Art fácil, puesto
Bears es la suma de todas que yo le co-
las identidades de Henry nocía, Ralph y
Cow más una, imperceptible, Adrian estaban
en la ejecución de la diferen- más intimida-
cia y del ensayo... (Jean dos, ellos eran
Baptiste Barrièrre, Atem nº muy conocidos
1 nueva serie, 1978). y yo hubiera
“La satisfacción es imposible, podido ser no
la inquietud va por delan- importa quién,
te” (Art Bears, “Maze”). por eso ha sido
“Y cuando no hay nada que más impresio-
perder, la iniciativa y el nante que ellos
Postal de Robert Wyatt (correspondencia privada)
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su obra había quedado disponible en el comercio, y es todavía él quien desentierra heroismo están ahí esperando a los suyos” (Chris Cutler, a propósito de “The Divi-
hoy estos grupos. Algunos son de época, otros realizados después de la desaparición ding Line”-Art Bears)
del grupo, más listo será quien pueda distinguir los unos de los otros... Tomemos “On Suicide” está adaptada de Brecht / Eisler que, considerado el hecho que esta
este álbum póstumo tal como es: un capítulo más en la historia de Faust”. pieza abre el disco, nos informa bastante bien sobre lo que son los desarrollos ulte-
Pascal Bussy, siempre en riores; tan bien como a nivel del carácter de los textos y de la música. En este disco
Atem nº 1, nueva serie, sería estéril intentar ver, descifrar, costase lo que costase, un itinerario, una progre-
habla de The Faust Ta- sión sistemática; sin embargo, es innegable que, más que una ruta, es una serie de
pes en la etapa publicada indicaciones lo que nos ofrece. En primer lugar un gran número de textos, trece en
en Virgin (2004 o VC501 total (...) cosa excepcional que no existía con Henry Cow, da un carácter fragmen-
para el prensaje británico, tario al grupo. Esta fragmentación es necesariamente deliberada, es de la que pro-
Barclay 840.019 para el cede el discurso, en exposiciones de cuadros / climas de los cuales se extraen poco
prensaje francés): “Faust a poco las tensiones, el malestar, y al mismo tiempo la necesidad, por defecto, de
Tapes salió en la prima- actuar. Es lo que experimentan las últimas palabras del disco: “Cuando se han pro-
vera de 1973 y sirve a bado todos los tesoros, la verdad es el mejor” (“Piers”) (1). Ahí se encuentra, en el
Virgin de operación publi- último momento, el punto de origen, la herencia de Brecht (y a través de él, el de
citaria de inicio, puesto Marx, seguro) puesto que la referencia traduce una profunda aspiración cercana al
que publicado únicamente en Inglaterra y con tirada limitada, ¡el álbum se vende al didactismo ilustrado (J.B. Barrière, id.).
precio de un 45 revoluciones! Es preciso señalar que el disco no ha sido grabado
Notas preliminares sobre el mapa de trabajo, extractos de Hopes and Fears
como una entidad con el objeto de una publicación, sino que no es más que un co-
booklet, por Chris Cutler.
llage de cintas que el grupo poseía en sus archivos; esto aumenta el atractivo de
este LP que es con So Far lo mejor de Faust”.
Faust Tapes se inicia en un fracaso que se manifiesta en una melodía al texto ab-
surdo (o bien ultrasignificante, como prefieras...) en una rítmica ultracarrera. Des-
pués, un intermedio electroacústico, y es el tengo dolor de muelas, me duelen los
pies también.... que es dicho, redicho y repetido hasta el paroxismo de lo absurdo,
hechizo grotesco sobre un ritmo despojado al estilo de Neu!, luego un montaje
(reloj parlante/ruidos de pasos/voz) sostenido por un riff funky con el bajo que va
degenerando, el tipo de collage faustiano con las vibraciones, las voces ralentizadas
o hiperaceleradas que uno no se aburre nunca de escuchar. El fin de la cara 1 es
una especie de apoteosis, una imitación de Yes o Pink Floyd, expuesta antes de
ser destrozada con los cuchillos sintéticos de la mezcla”.
Bussy termina su artículo así (estamos en diciembre de 1978): “Hay incluso músi-
cos que les reconocen explícitamente como una de sus grandes influencias (el cuar-
teto inglés Metabolist). Pues aunque Faust ha llegado muy poco a demostrar y a
justificar sus creaciones en un escenario, nos tranquilizamos: no es un muerto mal-
dito, puesto que ha sido el pìonero de este rock desviacionista que llega hoy a nues-
tros oídos. Esto no es una casualidad si el grupo alemán, el más a la vanguardia de
su época, sirve de `cabeza de cartel´ al cuadro consagrado a las nuevas orquestas
inglesas y americanas, Chrome, Debris, Devo, Throbbing Gristle, This Heat y
otros Residents son sus hijos legítimos: ¡Mefistófeles ha fallado su golpe!”.
A partir de 1989 y el paso al CD, Faust llenará de nuevo los estantes con 71 Minu-
tes Of (RERF1CD –1989),
después 71 Minutes
(RERF1 - 2000), The
Faust Tapes (RERF2CD-
A1/ Las leyes del pensamiento son las reglas que nos permiten trazar conclusiones
1990, a continuación
a partir de la práctica –es el único mapa del que fiarse.
RERF2 – 2000), You
A2/ ¡Un mapa que no revela el paisaje es un mapa que no se puede verificar!
Know FaUSt (RERF4CD –
A3/ El saber procede necesariamente de hechos inquebrantables así que no puede
1997), BBC Sessions+
tenerse como principio de partida. El mapa debe de ser empírico: ¿te conducirá de
(RERF5 – 2000), The
A a B al mismo sitio? ¿La manera en que determinas la similitud entre el sitio y el
Wümme Years (Faust
mapa te da todas las informaciones necesarias? Eso debe concluir.
box RERFB1- 2000) así
A4/ Establecer el trazado de conexiones, y este es un terreno pantanoso, ¿hay gra-
como las reediciones

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dos y escalas? ¡Que la continuidad y la contigüidad sean vuestras contraseñas! Chris Cutler lo explica en un correo enviado a los suscriptores. En primer lugar, la
A5/ La macro-topología se queda idéntica más allá de periodos cortos–las monta- demora en la producción se alarga sobre todo por el hecho que el responsable del
ñas, los ríos, los valles, etc.- y la tinta seca, fijada en la página. ¿Las dos son inter- prensaje del disco So Far corrigió sin avisar sus tarifas al alza, reajustando al pre-
cambiables? ¿Rehacer el mismo mapa? ¿Trazar un itinerario y encontrar todo allí supuesto inicial la suma de 1500 ₤, esto en su momento hizo que fuese necesario
donde habías previsto que estuviera? Está bien, pero ¡no basta! encontrar otro grabador. Luego Polydor Alemania no reunió todos los films para el
B1/ El terreno está cambiando y es también propenso a las artimañas del Hombre. libreto. Después de muchas llamadas de teléfono, llega una segunda partida de
Esto ha cambiado en un efecto de lo que sabemos de él, también nosotros traza- films, ¡pero también está incompleta! Cuando llegaron los LPs, el vinilo transparente
mos, construimos, geometrizamos y encauzamos, nosotros cultivamos y urbaniza- contenía defectos.... entonces llegaron los libretos. el impresor habiendo perdido el
mos y eso cambia el mundo, cambiando nuestras inter-relaciones con el mundo. modelo, reprodujo en el inserto el logo y el número de catálogo de Polydor... incluso
Así, nosotros tenemos necesidad de un mapa para entender los deseos entre estos la demora para los 45 revoluciones se retrasó 6 meses.... duro aprendizaje, ¡pero
cambios, y para demostrar no solamente esto, pues el género humano tiene necesi- que más tarde puede ser que permitiera una mayor prudencia y reserva en el sello!
dad de sobrevivir y de mejorar las relaciones sociales, sino también cómo debemos
preservar, comprendiéndole y controlándole, el mundo natural del cual formamos
parte.
Este es el mapa de todos los mapas.
C/ Todos los enunciados son teorías. La mejor teoría es un mapa que muestre todo,
que os dé las condiciones que determinen el cambio. Este mapa está allí donde el
explorador comienza. CHRIS CUTLER.

ART BEARS
WINTER SONGS
RE 0618
Fred Frith, Chris Cutler, Dagmar Krause

El segundo disco del sello discográfico será igualmente

un disco de Art Bears, Winter Songs (1979), que
saldrá simultáneamente en Ralph Records en los Esta-
dos Unidos. Como ha precisado Chris Cutler más arri-
ba, la calidad
tanto a nivel de prensaje como de la porta-
da es muchísima: libreto de 50 páginas,
inserto de 4 páginas en el formato de 33
revoluciones con las letras y las ilustracio-
nes de un cierto número de elementos Faust sacará a continuación varios vinilos en Recommended, a saber: The Faust
simbólicos tomados de los bajo-relieves del Tapes (LP-RR6- 1980), Extracts II & VI (7´´ - RR6.5, 1980), Extract 5 From
estilóbato de la catedral de Amiens, con la Faust Party, Faust, Blegvad, R. Stevie Moore The Recommended Records
excepción del “baño de las estrellas” [“The Sampler (7´´- RR 8.9- 1982), Munic & Elsewhere (LP- RR 25- 1986), The Last
Bath of Stars”] (Notre Dame, París) y de LP (LP – RR 36- 1988), BBC Sessions (maxi 12´´, ReR3 – 1996).
“Force”, proveniente de la tumba de Fran- A propósito de Munic & Elsewhere, Bernard Gueffier en Notes escribirá: “El
çois II, Duque de Bretaña, que se puede mito está de vuelta: des-
ver en la catedral de Nantes. pués de haber producido
“... Una música de una increíble tensión al principio de los años 70
para poner un motivo tan abstracto. Art algunos de los álbumes
Bears consiguió aquí una proeza que solo más sorprendentes de la
hasta el presente la extraordinaria Third época, dando voz a toda
Ear Band ha realizado con su música para una serie de corrientes
el Macbeth de Polanski: manifestar con los ruidistas, entre ellas la
medios más modernos, tanto en la escritu- música industrial, Faust
ra como en la instrumentación, el aura había disparado sin dejar
místico (o dramático) de una época pasada. señas. Gracias a los es-
Nada de medievalismo aquí, sino el corres- fuerzos de Chris Cutler,

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Faust no será nunca desmentida, hasta su separación en 1973 y las disensiones pondiente musical de lo que ha podido dirigirse a la erección de las catedrales. Un
internas que no tienen espacio en este artículo. gran disco que se corresponde con lo inaudito, con la voz y la entonación siempre
PHILIPPE PARINGAUX: “ ... Ninguna influencia, en realidad, se evidencia aquí y únicas de Dagmar Krause, la loca inventiva de Chris Cutler en las percusiones y
es preciso aguzar el oído para percibir de aquí y de allá lo que Zappa o los Soft la omnipresencia de Fred Frith sonando alternativamente como un Robert Fripp
Machine no hubieran negado. El álbum se cierra con un diálogo a dos voces, recita- desbaratado (el solo de guitarra al final de “The Slave”), un violinista de campo o un
ción a la manera de la Velvet U.... una extraordinaria abundancia sonora barroca, alquimista de la música contemporánea” (Jean Marc Bailleux, Rock´n´Folk, ma-
grandiosa, chirriante y armoniosa, largas piezas compartidas entre el furor de los yo 1980).
instrumentos desencadenados, liberados y los instantes de respiración tenue, melo- “Un disco que impresiona de sencillez que desentona con el enbrutecimiento de toda
diosa” (Rock´n´ Folk, febrero 1972) la producción ambiente... Winter Songs es un grupo de catorce canciones que tie-
Para Pascal Bussy (Atem nº 1 nueva serie), “en lo que se refiere a la música, el nen cada una su ambiente y su clima propios. Mis preferidas son “The Hermit”, un
resultado puede aparecer como un borrador de las futuras realizaciones del grupo, corto poema rodeado de una música densa y ascética; “Rats & Monkeys”, descrip-
pero es necesario precisar que toda la segunda cara (“Miss Fortune”) ha sido graba- ción infernal de una ciudad devastada, sostenido por una rítmica terrible; y
da directamente en el estudio, sin los artíficios de la regrabación y del montaje”. “Winter / War”, mini-cuadro donde los instrumentos rebotan y se reenvían citas de
Una sesión de improvisación, por decirlo así... “La cara 1 contiene dos piezas, “Why una melodía que queda siempre inacabada....” (Pascal Bussy).
Don´t You Eat Carrots” y “Meadow Meal”, se abre en un collage donde se le recono- La discografía de Art Bears se completa con un tercer álbum, titulado The World
ce trocitos del “Satisfaction” de los Rolling Stones... y del “All You Need Is Love” As It Is Today, editado en 1981. La portada contiene igualmente un libreto, con un
de los Beatles, homenaje irrisorio pero, a pesar de todo, una referencia próxima a formato más pequeño que los precedentes, con las letras, y se precisa que el álbum
la broma y lo irrespetuoso”. debe ser puesto a 45 revoluciones.... la música refleja un pensamiento político muy
“Este disco completamente negro viene a confirmar en una óptica más abordable, marcado por la izquierda (la izquierda de la época, precisémoslo, que no tiene nada
todas las promesas del anterior, totalmente transparente. Faust es el más avanza- que ver con la actual), y los textos, muy concisos, son como otros tantos golpes de
do de los grupos alemanes, su música es inquietante, además de absurda, además martillo llevados sobre un capitalismo que, sobre todo en Gran Bretaña con That-
de grotesca, además de paródica, además de delirante, además.... hasta el infinito. cher, iría a competir con los movimientos obreros por “necesidad de enderezar la
Mientras que el primer álbum parecía más rico en búsqueda sonora, éste se deja economía” (sic). Art Bears asesta en algunas líneas y en una música casi salvaje un
llevar por una emoción más tradicional, sin perder sin embargo excesivamente su discurso muy virulento y a veces lleno de esperanza (“Peace”, “Albion Awake!”).
profunda originalidad. Música de contradicciones supremas, rock europeo de los
‘70s, la música de Faust merece una gran atención”. (Referencia perdida,
Rock´n´Folk).
En cuanto a Paul Alessandrini que escribía siempre en Rock´n´Folk (fecha y
número perdidos): “Se ha dado aquí total importancia al primer álbum de Faust:
presentaba, con todo, un trabajo a partir del rock (sobre el rock) más que una ten-
tativa de crear la música de rock. Por otra parte podría dar una impresión de artifi-
cialidad: búsquedas sonoras, grabado en estudio, sobre un material que, sí, es muy
vivo. Pero desde la portada transparente al contenido experimental, el disco no pue-
de dejar indiferente. Lo que difiere del primer álbum con Faust So Far es ese paso
“necesario” dado por el grupo hacia el rock: es decir una música no tan eficaz como
referente sino que se vuelve en la finalidad del trabajo efectuado sobre los sonidos.
La obra alcanza lo sublime”. Alessandrini hablará en la continuación de su artículo
de las referencias, ya sea la Velvet (“It´s A Rainy Day, Sunshine Girl”), o Zappa
(“I´ve Got My Car And My TV”), el Zappa de Lumpy Gravy y We Are Only In It
For The Money.
A esta doble reedición es necesario añadir el 45 revoluciones Extracts I & IV de
bonificación para los suscriptores. Tirada limitada (600 ejemplares numerados), este
45 revoluciones comprende los dos extractos de una duración de, respectivamente,
9:44 y 4:14, un libreto de cuatro páginas grapadas con fotos, la portada realizada
por Chris Cutler y Graham Keatley.
Pascal Bussy de nuevo, a propósito de las reediciones RèR (Stéréoplay, abril
1980): “Faust ha dejado de existir hace más de siete años, y no obstante estos dos
discos nos interpelan más que nunca, puesto que representan la quintaesencia de
todo un aspecto del rock que han ilustrado alternativamente la Velvet Under-
ground, el Frank Zappa de los principios, Iggy Pop o Johnny Rotten: el desvia-
cionismo y la desmesura. Los músicos de Faust de aquel entonces rebasan su pro-
pio mito del tal modo que su música es efectiva y cercana a nosotros”.
La realización de estos dos LPs no llegará a ser fácil para el nuevo sello discográfico.

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Dos 45 revoluciones completarán esta discografía (“Coda to Man and Boy”- 1978, y trumentos tocados.
“Rats & Monkeys / Collapse”-1979), pero sobre todo Ré Records sacará una super- EL CHAMBERLIN.- Chris, ¿por qué razones has decidido reeditar en su formato
caja de 6 CD´s (LC 02677) que retomará la integridad de la obra de Art Bears, así original estos dos álbumes? ¿Es solamente porque piensas que su música era estéti-
como un doble CD de revisiones por algunos grupos o artistas que han estado fuer- camente cercana a la tuya?
temente influenciados por el trío, o que están presentes en el catálogo RèR. Se en- CHRIS CUTLER.-
cuentran así en desorden Jon Rose, Ossatura, Otomo Yoshihide, Ground Zero, Conozco el grupo
los Residents, Martin Archer, Bob Drake, Biota Continued, Kalahari Surfers, Faust desde que
Christian Marclay, John Oswald, y otros menos conocidos como Massimo Simo- Henry Cow hizo
nini, Lars Pedersen, Herb Heinz, Jocelyn Robert, Vítor Rua, Anne Gosfeld, una gira con ellos
Thomas Dimuzio, y por supuesto Fred Frith (una pieza) y Chris Cutler (dos pie- en 1973. Los dos
zas). estábamos en
Fred Frith y Chris Cutler produjeron en 1983 un álbum en dúo (Live in Prague & Virgin en la épo-
Washington – Re 1729) así como un 45 revoluciones (Live EP - Re Duo). Pierre ca. Dos de los
Durr, en Intra-Musiques 7- 3er. trimestre 1983, describe así el disco: “Un álbum miembros del
querido para mi. Me devuelve tres años y medio atrás, a la época del primer con- grupo [Faust] no
cierto organizado por Intra-Musiques, el dúo Fred Frith / Chris Cutler. El pre- pudieron estar,
sente LP fue grabado en la misma época, tanto en Praga (por lo esencial) el 25 ma- fueron Peter
yo 1979, como en Washington el 20 diciembre del mismo año. Disco asombroso en Blegvad y Uli
el cual las búsquedas sonoras de Fred casan admirablemente con la forma de tocar Trepte quienes
exuberante e inventiva de Chris, creando un clima que hechiza, tenso a veces, pero les reemplazaron,
donde ni el lirismo, ni los pasajes más apaciguados fal- únicamente para
tan. Una magistral lección de improvisación creativa...”. esta gira. Yo ha-
Otro comentario (anónimo, referencia perdida...): “De bía escuchado
músico disciplinado, hecho a la técnica y hecho a la par- mucho sus dos
ticipación en un grupo (Henry Cow), Fred Frith está primeros álbumes cuando se publicaron, y siempre pensé que son clásicos. Ningún
liberado, resplandeciente; recorriendo los continentes al otro grupo alemán fue tan radical, y nadie ha tenido tiempo como para ocuparse de
reencuentro de músicos de todo tipo, se encontró invita- estos discos. Polydor les había prestado una casa y un estudio en el campo, así co-
do al festival de jazz de Praga en mayo 1979, al lado del mo un ingeniero de sonido profesional, Kurt Graupner, y esto durante un año, sin
fundador de Rec Rec y baterista fabuloso Chris Cutler. contrapartida. Su mánager, Uwe Nettelbeck, estaba más interesado en el arte que
Lo mismo os lo digo todo de golpe, nunca escucharéis en el éxito comercial, aunque él pensara que los dos no fueran forzosamente exclu-
un exceso sonoro como este; pero atención, no lo explí- sivos entre sí: había prometido a Polydor que Faust serían los Beatles alemanes....
cito, sino la implicidad, lo que cubre, camufla las posibi- Él, Faust, Graupner y toda esa época contribuyeron a crear una excelente combi-
lidades reales presentes en sombras chinescas de cualquier tipo. Esto vale sobre nación y produjo fantásticos resultados. Cuando los LP´s se agotaron y descubrí que
todo para las guitarras de Fred, las percusiones de Chris crean un incesante au- Polydor ya no tenía ningún interés, pedí una licencia por los dos y los di a conocer
mento de volumen (1ª parte, 1ª cara). Y está solo, ¡recordaréis la escucha! La 2ª en el sello Recommended. Un debut perfecto para lo que nos habíamos fijado como
parte hace sitio al silencio y a una caliente y felina deriva de Fred, seguida de un objetivo: arte y calidad. Esa fue la razón.
desenfrenado redespegue”. EL CHAMBERLIN.- ¿Cuál fue vuestra relación con el grupo?
Hablaremos más tarde del álbum del dúo aparecido en 2010 “Golden State” (LP). C.C..- Después de esta gira, Faust explotó. Mantuve contacto principalmente con
Jean-Hervé Péron, pero tuve igualmente entre las manos todo el material inédito
de Faust grabado por Uwe Nettlebeck un par de años más tarde, incluso The Mu-
FAUST nich Tapes que el grupo había realizado después de su separación y que nadie ha-
Para completar su catálogo, Recommended Records decide reeditar los dos primeros bía publicado. Recuerdo que durante un concierto de Cassiber en Hamburgo Zappi
LPs de Faust, Faust (Werner Diermaier), que vivía allí, entró precipitadamente en su casa buscando su
(Polydor Alemania) y So batería que él montó mientras que nosotros disfrutábamos y nos reunimos al acabar
Far. Estos discos se con- el concierto (1). Después de haber reeditado los álbumes de Faust, el grupo se vol-
virtieron rápidamente en vió a juntar y toqué con ellos una o dos veces. Jean-Hervé y yo hemos hecho dife-
piezas de colección, sin rentes cosas juntos durante años, y los dos formamos parte de Jump for Joy! (con
duda porque las informa- Zappi, Geraldine Swayne, Geoff Leigh y Yumi Hara).
ciones sobre el personal Lo menos que se puede decir es que este primer disco, portada y vinilo transparen-
eran misteriosas, y la le- tes con la única ilustración de portada de una radiografía de un antebrazo elevado
yenda se construyó rápi- con el puño cerrado, intrigará y desarrollará una polémica en cuanto a su originali-
damente alrededor única- dad. Pero gracias a la obstinación de algunos periodistas de revistas especializadas,
mente de nombres e ins- Philippe Paringaux (Rock´n´Folk) o Pascal Bussy, la importancia del grupo

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