ARTE GRIEGO

1. Introducción. Los órdenes.

2. El templo griego: el Partenón.
3. La escultura: El kuros. Los grandes maestros de los siglos V y IV. Policleto
y Fidias. Praxitetes y Scopas. Lisipo y su canon.
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4. El periodo helenistico.

1. Introducción.

1.1. Contexto histórico.

La cultura griega se desarrolla en el Mediterráneo oriental. Los orígenes se
encuentran en Creta, en la cultura minoica (3000-1600 a.C.) y en el mundo micénico en la
península Balcánica (1600-1150 a.C.), este pueblo llamado aqueo es considerado como los
primeros griegos. A partir de 1100 a.C. otro pueblo, el dorio, domina esta zona.
La civilización griega ocupó parte de la Península de los Balcanes, las islas del
Egeo, la zona costera de Asia Menor y Creta, por lo que el Mediterráneo se convirtió en el
medio de relación; el clima templado y estable favoreció una actitud orientada al aire libre
y a la vida comunitaria.
La civilizació n griega crea una NUEVA CULTURA, base de nuestra cultura europea
occidental por sus modelos y formas arti ́sticas, su organización poli ́tica (democracia) y por
su pensamiento y su método de investigación empi ́rica.
En Grecia nace la filosofi ́a (Platón y Aristóteles), la fi ́sica (Arqui ́medes), la historia
(Herodoto, Tuci ́dides y Estrabón), el teatro (Esquilo, Sófocles y Euri ́pides) y la poesi ́a
(Homero, autor de la Iliada y la Odisea).
El mundo griego careció de unidad política, se organizaron en ciudades-estado
independientes llamadas POLIS, aunque conservaron una conciencia unitaria reforzada
por la misma lengua, la misma cultura y los mismos dioses. El sentimiento religioso
inspiraba toda su vida. Las primeras polis eran aristocráticas, es decir, que el poder lo
teni ́a un reducido grupo de grandes propietarios (Oligarqui ́a), pero con el tiempo hay una
evolución hacia polis democráticas en las que el poder era ejercido por los ciudadanos
libres. La primera polis democrática del mundo fue Atenas, cuya hegemoni ́a se extendió
por toda Grecia y gran parte del Mediterráneo (colonias).
La RELIGIÓ N griega era politei ́sta. Sus dioses eran inmortales y posei ́an poderes
extraordinarios. Eran antropomorfos, se pareci ́an fi ́sica y psi ́quicamente a los seres
humanos y como éstos comi ́an, amaban, rei ́an, lloraban, luchaban... Habitaban en el

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Olimpo, el monte sagrado y Zeus era considerado el padre de todos los dioses. Otros
dioses eran Hera (familia), Hestia (hogar), Poseidón (mar), Hades (infierno), Deméter
(cultivos), Ares (guerra), Artemisa (caza), Apolo (belleza), Atenea (sabiduri ́a), Hermes (el
mensajero), Dionisio (vino), Afrodita (del amor y la belleza)...
Cada polis rendi ́a culto a un dios en especial (por ejemplo, Olimpia a Zeus, Atenas a
Atenea, Delfos a Apolo...), aunque habi ́a templos dedicados a diferentes dioses cada uno.
También existi ́an santuarios nacionales, donde se reuni ́an todos los griegos a celebrar
algún culto o celebración, como los Juegos Oli ́mpicos en Olimpia. Los griegos creen que
toda su vida está dirigida por los dioses, sin embargo, humaniza a los dioses, los encuentra
cercanos e incluso a veces se enfrenta a ellos. La mitologi ́a es el conjunto de leyendas
sobre los dioses del Olimpo y su relación con los hombres. Esta religiosidad tiene gran
importancia en el arte: templos y santuarios llenan el suelo griego; las procesiones
marcarán la realización de estatuas, relieves... y exigirán una determinada disposición de
los edificios.
Todas las polis contaban con edificios pú blicos y amplios espacios para celebrar sus
reuniones y otras actividades urbanas: el Á GORA, plaza principal donde se reuni ́a el
pueblo para solemnidades, cuestiones administrativas y poli ́ticas, pero con el tiempo se
convierte en lugar de mercado, comercio y negocios. La STOA, pó rtico cubierto que rodea
a las ágoras y a otros lugares de recreo público, para proteger a la gente alli ́ reunida.
Calles con columnatas o SOPORTALES, para proteger del calor, fri ́o, lluvia... También habrá
GIMNASIOS, PALESTRA (escuela de lucha), TEATROS (para espectáculos de comedias y
tragedias), edificios para reuniones poli ́ticas como BULETERIO, ECLESIASTERIO..., y, por
supuesto, TEMPLOS dedicados a distintas divinidades.
Atenas, en el siglo V a.C. se convirtió en una gran polis y quiso demostrar la
superioridad de su sistema poli ́tico y social embelleciendo su ciudad. Junto a la ciudad, en
un colina construyeron la ACRÓ POLIS, recinto amurallado que albergaba los principales
templos de la ciudad: el Partenón, el Erecteion, templo de Artemisa, templo de Atenea
Niké... Será la parte defensiva y espiritual de la ciudad.

El “milagro griego” consiste en el logro de un EQUILIBRIO perfecto entre la RAZÓ N,

la REALIDAD y el SENTIMIENTO, un equilibrio entre el individuo y la sociedad. Igualmente,
en sus manifestaciones culturales encontramos un EQUILIBRIO entre los dioses y el ser
humano: la cultura griega es antropocéntrica, es decir, el ser humano es el centro del
universo. Esto marcará decisivamente el arte griego considerando al ser humano como la
medida de todas las cosas. Asi ́ la arquitectura no será monumental ni colosal, como en
Egipto, sino a la medida del ser humano, armoniosa y proporcionada. Igualmente, en la
escultura buscarán representar las proporciones ideales del cuerpo humano (canon) y
representarán las figuras buscando la belleza ideal y el movimiento. La belleza está en la

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armoni ́a de las medidas y proporciones, en la simetri ́a, siendo el cuerpo humano el
fundamento esencial de toda belleza y toda proporción. Aunque es un arte que se apoya
en la naturaleza, la trasciende, tendiendo a la creación de un mundo idealizado.

Las ETAPAS en las que se desarrolla la historia y las manifestaciones arti ́sticas griegas son:

 Periodo arcaico: siglo XI al siglo VI a.C.

 Periodo clásico: siglos V y IV a.C. Momento de máximo esplendor de Atenas.
 Periodo helenístico: del siglo IV a.C. a partir del reinado de Alejandro Magno hasta
la conquista de Grecia por Roma en el año 146 a.C.

El concepto CLÁSICO es todo lo que se refiere o pertenece a la civilización greco-

romana. Lo clásico actúa conforme a las normas canónicas: mesura en la composición,
armonía de desarrollo y equilibrio entre lo ideal y la realidad. Servirá de modelo para
movimientos culturales posteriores (Renacimiento, Neoclásico...)

́
1.2. Los órdenes. Caracteristicas generales de la arquitectura griega.
Notas definitorias de la arquitectura griega son las siguientes:

- Bú squeda de la belleza, basada en la proporció n y medida, a partir de la mimesis o

imitación de la naturaleza, pero buscando su perfección de acuerdo a la razón.

- Es un arte que se centra en el ser humano, antropocentrista. Desde el punto de vista

filosófico “el hombre es la medida de todas las cosas” (Protágoras). Todo tiene medida
humana: los estados, la religió n, la escultura, los templos... Desaparece el colosalismo.

-Como material se usó primera la piedra arenisca, la madera y a partir del s.V el mármol.

- Es una arquitectura arquitrabada o adintelada, que ignora el arco y la bóveda, buscando

en las li ́neas rectas la sensación de solidez y de estatismo.

- Buscan y se obsesionan por la perfecció n técnica, tanto en el perfecto acabado de los

muros como en el resultado visual de la construcción. Para conseguir una edificación
perfecta introdujeron reajustes ópticos:
o Arquean los arquitrabes y estilóbatos, ya que el ojo humano tiende a combar las
li ́neas horizontales.

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 o Distancia desigual de los intercolumnios. Las columnas de los extremos se acercan
más a sus compañ eras, ya que la luz les resta nitidez.
o Éntasis o abultamiento de las columnas para evitar efectos de concavidad.

- El elemento básico de la arquitectura griega es la columna como elemento sustentante

principal y decorativo. La columna es una estructura vertical de secció n circular cuyas
partes esenciales son el fuste y el capitel. A veces bajo el fuste, se añ ade una pieza que lo
separa de la superficie del suelo llamada basa. (Fuste: pie de la columna. Capitel:
elemento decorativo sobre el fuste de la columna que sostiene el arquitrabe, dintel o el
arco).

- El entablamento es el conjunto de elementos horizontales sostenidos por columnas y

pilares, que forman el remate de algo. Está integrado por el arquitrabe, el friso y la
cornisa. (Arquitrabe: elemento horizontal que apoya en la columna, parte baja del
entablamento, dintel. Friso: faja decorativa de desarrollo horizontal entre el arquitrabe y
la cornisa. Cornisa: moldura que remata la parte superior de un entablamento, su interior
triangular se llama frontón).

- La arquitectura griega busca la armoniá en la proporció n, nú mero y equilibrio. El canon

nace del diámetro de la columna en su parte más baja y determina las relaciones entre las
partes (longitud, anchura, altura, no de columnas...). Todo él deberá ser euri ́tmico (la
euritmia es la justa proporción entre las partes). De ahi ́ surgen los ó rdenes clásicos
(dó rico, jó nico y corintio), que son soluciones armónicas entre lo arquitectónico y lo
decorativo. Se llama orden al conjunto formado por la columna y el entablamento
dispuestos según cánones más o menos fijos. Canon son las relaciones armónicas entre las
diversas partes de una obra.

A) El Orden Dó rico

Es el más antiguo de todos. Nace hacia el siglo VII a,C. en el Peloponeso. Su origen está
en los templos de madera. Hacia el año 600 a.C. aparecen en piedra por influencia egipcia.
Destaca por su austeridad, carácter severo, recio y robusto. Partes:

 La columna carece de basa, levantándose directamente sobre el estilóbato o

último escalón.
El fuste, formado por piezas cilíndricas llamadas tambores y recorrido por estri ́as o
acanalado de arista viva; con éntasis, ensanchamiento central para corregir
deformaciones ópticas por la perspectiva (que parezca recta en lugar de cóncava
que es como se ve), y disminuye el diámetro de abajo arriba.

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 El capitel, formado por: collarino a veces (moldura fina), equino (núcleo curvo y
almohadillado) y ábaco (losa cuadrada).

 El entablamento consta de:

o Arquitrabe liso sobre las columnas (dintel horizontal)
o Friso con alternancia de triglifos y metopas. Triglifos: pequeñ os pilares
espaciados regularmente. Metopas: cada parte del friso entre dos triglifos,
de superficie cuadrada y casi siempre con decoración en relieve.
o Cornisa: saliente de remate.
 Remata la estructura el frontón, estructura triangular que se forma en los frentes
menores del tejado a dos aguas. Su interior, generalmente decorado o esculpido,
́
se llama timpano. Los vértices del frontón se adornan con acró teras (ornamento
en forma de palmeta generalmente).

Ejemplos de edificios dó ricos: Templo de Hera en Paestum del siglo VI a.C., y del
siglo V a.C. los Propileos y el Partenó n en Atenas.

B) El Orden Jó nico

Nace en el siglo VI a.C. en territorio de Jonia (Egeo y Asia Menor), es más esbelto y más
ornamental, tiene mayores dimensiones y monumentalidad, más elegante. Partes:

 Su columna tiene basa circular compuesta por tres elementos: Plinto o

paralelepi ́pedo, dos Toros o molduras convexas, y una Escocia o moldura cóncava
entre los dos toros.
Fuste acanalado, con mayor número de estri ́as, sin éntasis.
 El capitel es de volutas, decorado de ovas.
 Mayor altura: ocho veces la longitude del diámetro.
 El entablamento jó nico presenta arquitrabe dividido en tres bandas; friso con
decoración corrida (no tiene triglifos ni metopas).

Ejemplos de templos jónicos: templos de Atenea Niké y el Erecteion, ambos del siglo
V a.C. en la Acrópolis de Atenas.

C) El Orden Corintio
Es el ú ltimo en aparecer, deriva claramente del jónico, más rico. Aparece en la primera
mitad del siglo IV a.C. Sus diferencias con el jónico se encuentran en el capitel. El capitel
corintio se desarrolla a partir de la imitació n de la naturaleza. En comparación con el
jónico se diferencia por:

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  el capitel: decorado con dos filas de hojas de acanto superpuestas, de donde
arrancan cuatro largos tallos en espiral llamados cauli ́culos.
 Tiene mayor altura: diez veces la longitud del diámetro.
 Será el utilizado en época heleni ́stica y el más imitado (romanos, renacimiento)

Ejemplo de templo corintio: Olimpeió n de Atenas dedicado a Zeus (siglo II a.C.)

D) Las cariátides y los atlantes (o telamones)

Otro tipo de soporte utilizado en Grecia. Las cariátides son esculturas femeninas
que sustituyen a las columnas, generalmente cuando soportan entablamentos jónicos. Si
las esculturas son masculinas se denominan atlantes.

2. El templo griego: el Partenón.

De todas las construcciones griegas de la antigüedad, el templo es el edificio

principal. Contrariamente al concepto que se tiene de la arquitectura como arte de
construcción de espacios, los templos griegos están concebidos para ser vistos desde
fuera, importando menos el interior. Se dice por ello que “es una arquitectura de valores
escultóricos”.

- Funció n: su finalidad es conservar la imagen del dios, no hay ninguna liturgia o

ceremonia en su interior, por lo que es más importante su decoración y estructura
exterior que la creación espacios interiores, por eso son edificios más bien pequeñ os.
Alrededor del templo se realizaban los rituales colectivos (ej. la procesión de las
Panateneas) y los sacrificios en un altar, donde actuaban los sacerdotes, alli ́ se colocaban
estatuas conmemorativas, mientras en el interior solo entran los sacerdotes o
sacerdotisas. El exterior del templo es el que se reserva para el goce humano. El mármol,
las columnas, los entablamentos y todos los elementos decorativos tienen por objeto
deleitar la vista a quien contempla este edificio escultórico. Para su mejor exposición se
levanta sobre una grada.

- El material. Aunque los primeros templos fueron construidos de ladrillo y madera. El

material más utilizado fue el mármol, en piezas de sillares, bien labrados, esta es la causa
fundamental de su excelente conservació n. Los tejados eran de tejas de terracota.

- Su estructura: la planta de los templos es rectangular y consta de diversas partes:

o Pronaos o pórtico: vesti ́bulo de entrada, orientado al este para que la primera luz

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 del di ́a entrara hasta la estatua de dios.
o Naos o cella: capilla del dios donde se halla la estatua de culto.
o Puede contar con opistodomos, pó rtico trasero no comunicado con la cella, lugar
más sagrado donde estaba el tesoro con exvotos o donaciones.

- El alzado: se caracteriza por ser una arquitectura adintelada, destacando entre todos los
elementos que lo componen las columnas. Ellas son la medida que proporciona las
dimensiones del edificio y el principal elemento decorativo. La decoración de la columna
sirve para clasificar a un templo según alguno de los tres órdenes establecidos e
inmutables: el dórico, el jónico y el corintio.

- Tipos de templos: según el número de columnas que tenga en su frente, el templo

puede ser denominado in antis (si sólo tiene dos en su fachada y los muros de la cella),
tetrástilo (cuatro), hexástilo (seis), octástilo (ocho) y decástilo (diez). Si sólo tiene un
pórtico en la parte delantera es pró stilo, y si lo tiene tambié n en la parte posterior es
́
anfipró stilo. Asimismo, es periptero cuando las columnas exentas rodean la cella; dipteró
cuando son dos las filas de columnas. Tholos si es circular y rodeado de columnas.
- Evolució n del templo:
o Etapa arcaica (s. VII y VI a. C.): Templos de Hera y Poseidó n en Paestum.
o Etapa clásica (siglo V y IV a. C.): Partenó n de Atenas. Atenea Nike de Atenas.
Erecteion de Atenas. Tholos de Apolo en Delfos. Templo de Zeus en Olimpia.
o Etapa heleni ́stica (siglo III y siglo II a. C.): Altar de Zeus y Atenea en Pérgamo.
Olimpeió n o templo de Zeus en Atenas.

EL PARTENÓ N. Es el templo griego más importante de todos.

Análisis del Partenó n:

a) TIPO DE OBRA: Arquitectura.
b) TI ́TULO: Partenó n. Templo de Atenea Parthenos.
́
c) AUTORES: Ictinos y Calicrates, con la supervisió n de Fidias.
d) FECHA: 447- 432 a.C.
e) LOCALIZACIÓ N: Acrópolis de Atenas, Grecia.
f) ESTILO: arquitectura griega de época clásica. Estilo dó rico.

Contexto histó rico:

El Partenó n se edifica durante el periodo denominado "plena época clásica", que
se desarrolla tras la finalización de la Segunda Guerra Médica contra los persas (480-479

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a.C.). Durante su transcurso, los atenienses se vieron obligados a evacuar la ciudad, la cual
acabó siendo saqueada por las tropas de Jerjes, el rey persa. No obstante, la victoria final
correspondió a los griegos, quedando consolidada durante unos añ os la hegemoni ́a de
Atenas. En esta polis se abordó un proceso de reconstrucción de edificios arruinados por
los persas. Las actuaciones fueron especialmente intensas en la Acrópolis, donde el
Partenón vino a sustituir a otro templo que se estaba levantando en el mismo lugar
cuando se produjo la invasión. La construcció n del Partenó n viene a coincidir en gran
parte con el gobierno de Pericles (443-429), durante el cual se consolida el sistema
democrático y la ciudad vive unos añ os de esplendor, paz y prosperidad.

Análisis formal:
El Partenó n es uno de los ejemplos más significativos del orden dó rico griego. Es
una construcció n realizada mediante sillares de mármol pentélico. Es una obra
arquitectó nica de planta rectangular con cubierta de madera a dos aguas, que ya ha
desaparecido.
Se trata de un templo octástilo (8 columnas en cada fachada) y peri ́ptero (las
columnas rodean todo el edificio, siendo 17 en cada uno de los lados mayores). Todo el
conjunto se asienta sobre una plataforma. Siendo una obra de estilo dó rico, las columnas
carecen de basa y descansan sobre el estiló bato y su fuste tiene estri ́as de arista viva.
Hacia el centro del fuste se produce un leve ensanchamiento o éntasis, mediante el cual
los arquitectos trataron de corregir los efectos de proporción que acusari ́a el ojo humano
a la vista del edificio. Por el mismo motivo, las columnas aparecen levemente inclinadas
hacia el interior. Los fustes rematan en una moldura cóncava, el collarino, sobre la cual se
asienta el capitel, de apariencia geométrica y compuesto por dos elementos: el equino y el
ábaco.
El entablamento está dividido en tres partes: la primera es un arquitrabe liso, la
segunda es el friso, constituido por una sucesió n alternante de triglifos (formados por
estri ́as verticales) y metopas (que presentan decoración escultó rica de Fidias). Remata el
conjunto una cornisa, saliente respecto a los elementos anteriores.
El empleo de una cubierta a dos aguas genera en cada uno de los lados menores
un amplio espacio triangular, el frontón, de modo que el espacio interior o ti ́mpano fue
decorado por Fidias con esculturas.
Tras la fachada octástila se accede al pronaos. Este conjunto da paso a la cella o
capilla, aislada del resto del edificio mediante un muro de sillares. En esta estancia se
alojaba la estatua crisoelefantina de la diosa Atenea Parthenos, a quien estaba
consagrado el templo. En la parte trasera un nuevo pórtico da paso al opistodomos, que
servi ́a para custodiar el tesoro del templo y objetos del culto a la diosa.

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Análisis simbó lico:
Este templo, como lugar de culto de Atenea, viene a simbolizar a la propia diosa,
sobre todo en su consideración de divinidad protectora por antonomasia de la polis
ateniense. Destaca especialmente la decoració n escultó rica que originariamente
presentaba el edificio: los dos frontones del templo reproduci ́an los temas del nacimiento
de Atenea de la cabeza de Zeus y el combate entre esta diosa y Poseidón. Las metopas
del friso exterior se representan cuatro temas diferentes: la Amazonomaquia, la
Gigantomaquia, la Centauromaquia y la Guerra de Troya. Todo este conjunto simboliza
la capacidad de la polis de Atenas para vencer a sus enemigos. Finalmente, a lo largo del
muro de la cella, corre un friso en el que se representa una procesió n que cada cuatro
añ os teni ́a lugar en Atenas. Se trata del Friso de las Panateneas, en la que un amplio
cortejo acudi ́a a entregar a la diosa un peplo bordado por las jóvenes de la ciudad. Todo
ello es un reflejo de la propia polis ateniense y de sus valores ci ́vicos, de su organización y
de sus costumbres.
En todo este programa escultórico, asi ́ como en el diseñ o de las trazas generales
del templo, se ha crei ́do ver la mano de Fidias, el más destacado de los artistas atenienses
del siglo V a.C. Sin embargo, las diferencias estili ́sticas dentro del conjunto son tan
marcadas que puede darse por segura la participación de varios artistas para rematar tan
amplia obra.
La historia posterior del Partenó n ha sido muy variada. Al principio el edificio se
conservó casi intacto, siendo primero iglesia bizantina y luego iglesia cristiana,
añ adiéndose un campanario, que pasó a ser alminar cuando los turcos lo utilizaron como
mezquita. Pero en el siglo XVII una bomba veneciana hizo estallar el polvori ́n que los
turcos habi ́an instalado en su interior, destruyéndose totalmente la cella y algunas de sus
columnas. En el siglo XIX el imperialismo inglés despojó al templo de buena parte de sus
esculturas, guardadas desde entonces en el Museo Británico. En el siglo XX se llevó a cabo
su reconstrucció n. Sin embargo, hoy el edificio se enfrenta a un nuevo enemigo: la
contaminación atmosférica. A pesar de estos ataques, el Partenón sigue ahi ́, desafiando al
tiempo, en una lección de sobriedad y belleza difi ́cilmente superables

Otros templos clásicos de la Acró polis son El Erecteion, de orden jó nico que
destaca su tribuna de las Cariátides. El otro templo también de orden jónico es el de
Antenea Niké.

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3. La escultura: El kuros. Los grandes maestros de los siglos V y IV a.C.
Policleto y Fidias. Praxitetes y Scopas. Lisipo y su canon.

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Las principales caracteristicas de la escultura griega son:

- Se busca un ideal de belleza físico. La representación de la figura humana se tiene como

encarnación de la belleza física y el equilibrio espiritual. La belleza se concibe como
medida, proporción entre las partes. De esta concepción surge la necesidad de elaborar
un “canon anatómico”. La anatomía humana se representa de forma armoniosa e
idealizada. Estamos, por tanto, ante la plasmación del ideal de belleza antropomórfica. La
representación del cuerpo humano desnudo se convierte en el eje temático de gran parte
de la estatuaria griega.

- Se descubre el poder de la contemplación estética. Pretenden reproducir la realidad

pero idealizándola. No se trata de reproducir a un hombre concreto sino a la especie
humana.

- El artista griego busca la expresión, entendida como la exteriorización de los

sentimientos; en la expresión se funde la dimensión espiritual del hombre con su cuerpo.
Pero se trata, también, de una expresividad idealizada, donde sólo cabe la quietud y la
serenidad de ánimo, el equilibrio perfecto entre la belleza física y la belleza espiritual.
Será en la época helenística cuando el artista plasme los sentimientos humanos de forma
realista y menos idealizada.

- Tratarán de representar el movimiento. Los escultores griegos ensayarán todas las

posibilidades plásticas del dinamismo: figuras que se doblan para adaptarse al marco
arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos donde las figuras se relacionan de forma
dinámica; representación de la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros, la
agilidad, etc. . Un rasgo habitual es el uso del contraposto, alternancia de miembros en
reposo y miembros en tensión que, unida a la inclinación de la cadera, otorga una suave
curva al cuerpo humano.

- El artista griego se mostrará profundamente preocupado por la representación del

volumen. Pronto romperán con la frontalidad egipcia. Concebirán la escultura como una
forma que debe ser contemplada desde todos los ángulos y puntos de vista posibles. Esta
conquista de la redondez y del cuidado de todas las perspectivas se realizará en un largo
proceso que parte de los koúroi y korai arcaicos. En el periodo clásico se hace corriente el
empleo de la diartrosis: se acentúa la división entre el tronco y las extremidades, y se
resaltan los pectorales, la cintura y el pliegue inguinal.

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- Materiales utilizados: mármol (del Penté lico o de Paros), bronce y excepcionalmente
técnica crisoelefantina (gruesas láminas de oro y planchas de marfil, para los dioses).

- Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.

Etapas en la evolució n de la escultura griega:

a) ESCULTURA ARCAICA (SIGLOS VII Y VI A.C.): EL KURÓS.

Las primeras esculturas realizadas en piedra, eran fundamentalmente dos tipos muy
caracteri ́sticos:
 Los kouroi o efebos (kouró s en singular) son figuras de atletas desnudos, de pie,
policromados, y con marcada ley de frontalidad. Ejemplos: koúros de Anavysos,
Moscóforo, efebo Critios.
 Las korai o muchachas (koré en singular), vestidas con peplos dó rico o jitó n jónico
con ofrenda en la mano, ri ́gidas, policromadas y con sonrisa arcaica. Ejemplos:
dama de Auxerre, Hera de Samos, doncellas de la Acrópolis de Atenas.
Ambos tipos estaban dedicados a distintas divinidades y no eran retratos, sino estatuas
votivas y conmemorativas idealizadas. La influencia egipcia en ellos es notable: rigidez,
hieratismo, frontalidad, pierna adelantada, arcaísmos –ojos almendrados, pelo y pliegues
geometrizados-, aunque se consiguen diversas posturas o un intento de expresión (sonrisa
arcaica).
Además, destaca la escultura monumental tanto en frisos como en frontones. Aqui ́
encontramos el problema de adaptar la escena a la forma triangular del ti ́mpano. En los
ángulos de los frontones, los artistas aprenden a doblar las figuras o a relacionar
dinámicamente a los grupos, rompiendo con la rigidez del kurós. Desde finales del siglo VI
a.C. se percibe una evolución hacia un mayor naturalismo.

b) ESCULTURA CLÁ SICA (SIGLOS V Y IV A.C.)

La primera mitad del siglo V a.C. es de la una etapa de transición. La representación
anatómica natural se ha logrado al final del periodo arcaico. Ya se domina el movimiento
potencial: los personajes se nos muestran en el trance de realizar una acción, como el
Auriga de Delfos y los guerreros hallados en Riace. Es interesante también el llamado
Trono Ludovisi, gran bloque de mármol con la representación del nacimiento de Venus,
con uno de los primeros desnudos femeninos de la escultura griega.
A partir de mediados del siglo V a.C. y durante siglo IV a C la escultura griega llega a
su culminación, creando en esta época obras que han quedado como modelos de belleza y
perfección plástica.

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Los grandes maestros del siglo V a.C.: Mirón , Policleto y Fidias.

- MIRÓN. Su obra principal es el Discóbolo (solo lo conocemos por copias romanas): es un

atleta en el momento previo al lanzamiento, que refleja una actitud tensa y concentrada.
Recoge un instante fugaz de la acción, una instantánea, en la que el escultor parece
detener tiempo y movimiento. Es una composición geométrica extraordinaria, de
equilibrio inestable, donde el cuerpo describe un arco ideal. Muestra la admiración de la
cultura griega por el ideal de un cuerpo atlético que alberga una inteligencia humana.

- POLICLETO. Pensaba, como otros muchos artistas griegos, que el arte debía estar regido
por principios matemáticos. Esta convicción y su afán didáctico le llevaron a escribir un
tratado (Kanon) en el que establecía las relaciones matemáticas entre las partes del
cuerpo y sus proporciones ideales (por ejemplo, la cabeza respecto al cuerpo debía tener
una relación 1:7).
Su mayor interés estuvo en el cuerpo masculino desnudo, al que trató de
representar en sus proporciones perfectas. Partió para ello del concepto de simetría, que
era la relación armónica de las partes entre sí y con el conjunto.
Su obra clave es el Doríforo (llamada también Kanon por el autor), ejemplo de todas sus
teorías sobre el cuerpo humano. Representa a un joven desnudo que lleva en su mano
izquierda una lanza. Su trascendencia radica en la muy meditada disposición de las
distintas partes del cuerpo para sugerir con gran vivacidad el esfuerzo de los músculos y el
movimiento resultante. Es lo que se denomina contraposto (contraposición,
contrabalanceo): el brazo izquierdo que sostiene la lanza y la pierna derecha bien apoyada
en el suelo, se contraponen entre si. El brazo derecho cae relajado, y se corresponde con
la pierna izquierda que aparece flexionada en actitud de iniciar el paso. El rostro, girado a
la derecha, aparece sereno y armonioso (equilibrio psicológico), como corresponde a un
héroe superior. Rompe la ley de frontalidad. Es además un perfecto estudio anatómico,
que sigue perfectamente el canon de siete cabezas.

Del mismo tipo es su otra obra clave, el Diadúmeno, posible representación del
dios Apolo ciñéndose la cinta de los campeones.

- FIDIAS. Representa la plenitud del clasicismo en una época en la que Atenas estaba en su
momento de máximo esplendor.
Aparte de la perfección de las proporciones que, a estas alturas, era algo
completamente aceptado, Fidias se preocupó por expresar en su obra el sentimiento
religioso y cívico que, a su juicio, iba ligado a la belleza.
Dirigió la decoración del Partenón, que centró en sus metopas, frisos y frontones, en
los cuales desarrollaría un programa escultórico para exaltar la grandeza de la diosa
Atenea y de la propia ciudad:
 En las 92 metopas del Partenón, se narraban cuatro luchas mitológicas: la

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 Centauromaquia, la Gigantomaquia, la Amazonomaquia y la guerra de Troya.
 El friso del muro exterior de la cella se reservó para representar la Procesión de las
Panateneas, un acontecimiento festivo y religioso que congregaba cada año a
miles de personas para llevar a la diosa el peplo sagrado, tejido por las doncellas
de la ciudad.
 El frontón oriental mostraba el Nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus ante la
mirada de los dioses.
 El frontón occidental narraba la Disputa entre Poseidón y Palas Atenea por el
dominio del Ática.
Todas estas composiciones están perfectamente adaptadas a la arquitectura del
edificio. Se estructuran en grupos y se caracterizan por:
o Movimiento
o Riqueza plástica de los ropajes, con telas finas y numerosos pliegues que dejan
traslucir la anatomía femenina (técnica de los paños mojados).
o Parte del dinamismo y ritmo de las composiciones viene también del tratamiento
de las ropas, que se arremolinan en curvas y espirales.

Fidias esculpió también la gigantesca estatua (12 metros) de la diosa Atenea para el
interior del Partenón (Atenea Parthenos), realizada en oro y marfil (crisoelefantina), así
como la estatua de Zeus en Olimpia, la Atenea Prómachos y la Atenea Lemnia.

Los grandes maestros del siglo IV a.C.: Práxiteles, Scopas y Lisipo.

Atenas, derrotada por Esparta en la Guerra del Peloponeso, termina su periodo de

esplendor, a pesar de lo cual, siguió manteniendo la supremaci ́a arti ́stica en Grecia.
Se producen cambios respecto al siglo anterior: dioses y atletas siguen siendo los
protagonistas, pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y los atletas
en actitudes menos heróicas, más cotidianas; las figuras se hacen más libres, menos
majestuosas; el canon estético se estiliza; se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes,
los rostros comienzan a reflejar el “pathos” (su expresión emocional y estado ani ́mico); e
inicia su aparició n el desnudo femenino.

- PRAXÍTELES: Es el escultor de la delicadeza, la elegancia, la belleza, y de las superficies

suaves. Sus creaciones tienen siempre un aire sensual y lánguido, que se consigue
acentuando la tradicional postura clásica (el contraposto) inclinando aún más la cadera: la
“curva praxiteliana”. Entre sus obras destacan: Hermes y el niño Dionisios, que muestra el
momento en que Hermes le ofrece un racimo de uvas a Dionisios niño en una escena llena
de gracia, en la que los personajes divinos se muestran comunicativos y sonrientes ; el

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Apolo Sauróctono; y la Afrodita de Cnido, la primera representación desnuda de una
diosa, lo que se justifica al encontrarse en el momento de salir del baño. Con la mano
izquierda recoge el paño para secarse, que descansaba sobre la hydra o vaso de perfumes
Con la mano derecha se cubre púdicamente el cuerpo al sentirse observada.

- SCOPAS: Escultor del "pathos", de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del
alma (angustia agitada). Atrai ́do por temas trágicos o patéticos, busca la forma violenta
mediante el fruncido de cejas, la distorsión del cuerpo y la curva dolorosa de los labios. Su
obra más conocida es la Ménade Danzante: una bacante (seguidora del dios Dionisios)
con el cuerpo agitado por movimientos convulsivos, con el torso retorcido, girando el
cuello hacia atrás, y la cabellera desordenada y revuelta, que anuncia ya la escultura
helenística.

- LISIPO: El último de los clásicos. En su tiempo surge una nueva aplicación para la
escultura: el retrato, hasta entonces inexistente. Junto con el pintor Apeles, fue el
retratista oficial de Alejandro Magno. Aparecen por tanto aspectos hasta ahora no
representados: arrugas, fealdad..., aunque con frecuencia acompañados de una belleza
interior, como en el Sócrates, cuyo original se le atribuye. Creará un nuevo canon,
caracterizado por un mayor alargamiento de los miembros y la reducción de la cabeza,
que pasa a ser 1/8 del cuerpo.

Entre sus obras destacan el Apoxiomeno (atleta limpiándose después de la

carrera), el Ares Ludovisi y el Heracles Farnesio, que muestra al héroe -de exagerada
musculatura- reposando después del esfuerzo: a su espalda esconde la manzana de las
Hespérides.

́
4. El periodo helenistico

Se llama época helenística al periodo de la historia de Grecia que abarca desde el

323 a. C. en que muere Alejandro Magno y desaparece el imperio que había creado en
pocos años, hasta finales del siglo II a.C. en que los territorios griegos pasan a ser
conquistados por Roma.
Lo más importante de este periodo, desde el punto de vista artístico, es la
extensión de los conceptos del arte griego a todo el Mediterráneo oriental. Se creó una
especie de cultura común a la que se llamó koiné (“comunidad”). Esta cultura suponía una
integración de lo griego, como elemento dominante, con elementos propios de cada lugar
(Egipto, Mesopotamia, Siria, etc.),
Se trata de un periodo de florecimiento artístico que tiene como centro, además

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de a Atenas, a las capitales de los nuevos reinos helenísticos: Antioquía, Alejandría,
Pérgamo, Rodas, etc. A este florecimiento contribuyeron dos factores: el mecenazgo de
los reyes y la aparición de un mercado privado de arte cada vez más amplio, que daría
lugar al coleccionismo.

4.1 La arquitectura helenística

Utiliza los mismos elementos de la arquitectura clásica pero dotándolos de un
espíritu diferente: el equilibrio y la medida son sustituidos por la teatralidad, la
monumentalidad y el deseo de impresionar. Ya no es una arquitectura cívica que refleja
los valores colectivos de la polis, sino que trata de mostrar el poder y la gloria de los
nuevos reyes helenísticos. Ejemplo de esta monumentalidad y barroquismo son el
Mausoleo de Halicarnaso; el Altar de Zeus en Pérgamo (reconstruido hoy en un museo de
Berlín), del siglo II a.C. edificación conmemorativa de las victorias militares sobre los
gálatas del rey Eumenes II; y el Teatro de Epidauro (los teatros se haci ́an en las laderas de
las montañ as para facilitar la visión y la audición).

́
4.2. La escultura helenistica
Supone esta etapa la culminación de la evolución de la escultura griega, desde la
abstracción del periodo arcaico, el idealismo clásico, el naturalismo posclásico se llega al
realismo amargo de este periodo.
La escultura se caracteriza en general por la acentuación de la expresividad de los
rostros y de las actitudes. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las
serenas posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos, la
fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica, así mismo se enriquecen
los puntos de vista, aumenta la monumentalidad y la variedad temática, en definitiva, se
tiende a la barroquización de la escultura. Frente a la escultura individual aparecen
composiciones en grupo de figuras humanas desnudas que muestran unos cuerpos
hinchados, musculosos. Son composiciones abiertas, con múltiples puntos de vista, con
movimientos exagerados. Se representan las distintas edades del ser humano.

Las escuelas más destacadas son:

- La ESCUELA DE ATENAS, que se especializa en copiar estatuas arcaicas y clásicas para los
romanos. Algunas obras originales son: el Torso de Belvedere, canon de musculatura
hercúlea, que influirá en Miguel Á ngel; el Niño de la Espina; el Pugilista sentado; y la
conocida como Venus de Milo (Afrodita de Melos), descubierta en 1820. De un clasicismo
todavía patente, los artistas del Neoclásico la tomaron como modelo, al considerarla un
ideal de belleza.

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- La ESCUELA DE RODAS se caracteriza por su gusto por lo colosal y gigantesco, por el
movimiento contorsionado y por la expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los
rostros. Destacan:
o la Victoria de Samotracia. Erigida en el Santuario de los Grandes Dioses de
Samotracia en agradecimiento por una victoria naval. Estaba colocada sobre un
pedestal con forma de proa de barco. Con las alas extendidas irrumpe en la proa,
mientras el viento agita y moja sus ropas, que dejan traslucir sus formas
femeninas. El conjunto es de un gran dinamismo y destacan en el mismo los
efectos de claroscuro.
o el Toro Farnesio es una monumental composición piramidal que representa el
castigo de Dirce condenada a ser atada a un toro salvaje
o la obra cumbre es el Laocoonte que, hallado en el subsuelo de Roma en 1506,
influyó considerablemente en la escultura renacentista y barroca. Representa el
castigo de la diosa Atenea al sacerdote troyano Laoconte y a sus hijos, por recelar
aquel del famoso caballo de madera. Unas serpientes salidas del mar se enroscan
en los tres cuerpos, que vislumbramos retorcidos por el dolor y la agoni ́a. Todo
está supeditado a la expresión de un gran dolor fi ́sico y moral (el del padre que ve
morir a sus hijos).

- La ESCUELA DE PÉRGAMO (Asia Menor). Son famosas sus grandes composiciones,

heroicas, de fuerza patética y gran intensidad emotiva. Ejemplos son los numerosos
gálatas: Galo moribundo, Galo suicida... que se esculpen de bulto redondo, rindiendo
homenaje a unos enemigos a los que costó mucho vencer, tienen numerosos efectos
barrocos: mú ltiples puntos de vista; captació n de un instante, el de la muerte; contrastes
de luces y sombras… Destacan también los altorrelieves del Altar de Zeus en Pérgamo,
que narran una Gigantomaquia: situado sobre un podio de siete metros de altura, el muro
principal estaba decorado con un friso escultórico (100 metros de largo por 2.5 de alto).
Las figuras tenían un tamaño superior al natural y eran casi de bulto redondo para
aumentar la expresividad; algunas, incluso se salen del friso y apoyan sus manos y rodillas
en los escalones por donde subían los fieles.

- La ESCUELA DE ALEJANDRIA ́ (Egipto) fue uno de los núcleos arti ́sticos más importantes
en esta etapa. Destacan el gusto por las alegori ́as en obras como la Alegoriá del Nilo, en la
que el ri ́o es humanizado. Pero esta Escuela tiene también gran interés por lo grotesco: se
conservan representaciones de personajes contrahechos, enanos, viejas borrachas, etc.

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