Unidad 1. La música en la Edad Media (s. V-VI pero musicalmente empieza en el s.

IX hasta el
[Link]) y en el Renacimiento ([Link]-XVI)
​CANTO GREGORIANO es la música medieval de género religiosa y culta, que está en latín (como toda la música
religiosa católica hasta el siglo XIX), solamente vocal a capela (sin acompañamiento instrumental) donde una voz
solista masculina o un coro de voces masculinas al unísono (todos cantan lo mismo a la vez), cantan una misma
melodía y por tanto tiene textura musical monódica. (27/09)

Monofonía o Textura Monódica(30/09)

La textura monofónica o textura monódica está formada por una sola línea melódica sin acompañamiento alguno
donde todas las voces e instrumentos que intervengan cantan o tocan simultáneamente la misma melodía.
*Audiciones de música de textura monódica y género culto y religioso (Canto Gregoriano)
Traducción del latín: VER AL MAESTRO LLORANDO
Traducción del latín: EL NIÑO HA NACIDO
Traducción del latín: KYRIE* ES UNA FUENTE DE BONDAD
*El Kyrie es la parte que se canta de las misas actuales, con el siguiente texto: "Señor ten piedad, Cristo ten piedad,
Señor ten piedad"

VENI CREATOR SPIRITUS ( Viene el espíritu creador) es un Himno gregoriano de género religioso y culto, anónimo y
de textura monódica a cappella.
La música gregoriana utiliza una notación o escritura musical concreta denominada NOTACIÓN CUADRADA que se
escribe en tetragramas.(30/09)

La escritura musical, por tanto, se denomina notación.

Como su nombre lo indica, en la notación cuadrada, las notas tienen principalmente una forma cuadrada. Esta
tipografía se emplea para imprimir canto llano o gregoriano (monodia) y se encuentra principalmente en libros
litúrgicos.

A comienzos de la Edad Media no existía ninguna notación sólida. Las melodías se aprendían mediante la
repetición, por transmisión oral. Sin embargo, los monjes medievales tenían que entonar un gran número de rezos
durante el día, y estos cambiaban cada día, por lo que llegaron a ser cientos de melodías las que debían aprender
de memoria. Esto les obligó a inventar un sistema para recordarlas: escribir la música en partituras.

Alrededor del siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con más exactitud la altura de las notas. Al
principio, una línea roja trazada sobre el pergamino señalaba el sonido Fa y servía como referencia para los demás
sonidos. Luego se añadió una segunda línea de color amarillo que representaba un DO.

ORIGEN DEL TETRAGRAMA (27/09)

En el siglo XI, el monje benedictino Guido d’Arezzo amplió el sistema de líneas de altura para escribir notas, hasta
las cuatro líneas denominándose tetragrama. La escritura musical conoció una importante evolución al sustituir la
caña por la pluma de ave, que dejará un trazo cuadrado sustituyendo el sistema de neumas anterior. Es la notación
cuadrada, llamada así por la forma cuadrada de las cabezas de las notas.

NOMBRE DE LAS NOTAS MUSICALES(30/09)

Las notas musicales proceden del Himno gregoriano dedicado a Sancte Ioannes (San Juan Bautista) de donde
Guido d'Arezzo sacó el nombre gramatical de las notas musicales que tenemos hoy en día salvo el nombre de la
nota UT que posteriormente se cambió por DO.
Este Himno gregoriano es por tanto música de género religioso y culto, anónima y de textura monódica a cappella
escrito con notación cuadrada.
Las notas se llamaron Ut (primera palabra del himno), re (viene de la primera sílaba de la palabra resonare), mi,
(primera sílaba de la palabra mira) fa ( primera sílaba de la palabra famulituorum),sol (primera sílaba dela palabra
solve),la (primera sílaba de la palabra labireatum),si (de la S de Sancte y de la I de Ioannes , es decir de San Juan)

Si transcribimos la partitura gregoriana del tetragrama al pentagrama, es decir, de la notación cuadrada a la

notación musical actual, la partitura del Himno de San Juan, quedaría así:

No hay duraciones, sólo cabezas de notas porque en el gregoeriano el ritmo es libre y por tanto no podemos
transcribir la notación cuadrada con duraciones.

(6/10)
Guido de Arezzo, en italiano, Guido D'Arezzo, (Arezzo, c. 991/992 – 1050) fue un monje benedictino y teórico
musical italiano que constituye una de las figuras centrales de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840
– c. 930). Su fama como pedagogo fue legendaria en la Edad Media y hoy se le recuerda por el desarrollo de un
sistema de notación que precisa la altura del sonido mediante líneas y espacios, así como por la difusión de un
método de canto a primera vista basado en las sílabas ut, re, mi, fa, sol, la.
Asimismo, ideó un sistema de aprendizaje de los sonidos, intervalos y escalas que se hizo famoso y fue usado
durante muchísimos años, conocido como la mano guidoniana.

TEXTURA MONÓDICA-HETEROFÓNICA O HETEROFONÍA (4/10)

La textura heterofónica es un tipo o variedad de textura monódica caracterizada por la variación simultánea de una
sola línea melódica, bien porque haya dos timbres distintos interpretándola de forma sucesiva o simultánea ( es
decir voces e instrumentos cantan y tocan una sola y misma melodía de forma simultánea o sucesiva), bien porque
la melodía sólo sea acompañada por instrumentos que tocan una o dos notas que no generan otra melodía distinta
o porque sea acompañada por instrumentos de percuasión indeterminada que por tanto no tienen notas concretas
ni generan melodías.

Es la textura específica y propia de la música medieval monódica profana o civil, de trovadores y juglares.

Audición de música de textura heterofónica (monódica con acompañamiento instrumental), de género profano o
civil, en lengua vernácula (provenzal), con ritmo medido y pulso reconocible.
Es una danza.

Traducción: Calendario Maya

Polifonía o textura polifónica(30/09)

En la textura polifónica suenan simultáneamente múltiples voces melódicas o melodías, que son en gran medida
independientes o imitativas entre sí, de importancia similar y ritmos diversos.
​ udición de música de género religioso ( latín), textura polifónica en el inicio (con la palabra Sederunt ) y luego
A
textura monódica (con la palabra príncipes.....y lo que sigue)
Traducción del latín: LOS PRÍNCIPES SE SENTARON
CANCIONES DE TROVADOR/A (de textura heterofónica)(4/10)
TEXTURA HETEROFÓNICA O HETEROFONÍA (sonidos/timbres diferentes para una misma melodía)

La textura heterofónica es un tipo o variedad de textura monódica caracterizada por la variación simultánea de una
sola línea melódica, bien porque haya dos timbres distintos interpretándola de forma sucesiva o simultánea, bien
porque la melodía sólo sea acompañada por pocas notas o superposición de notas que no generan otran melodía
distinta.
COMPOSITORES E INTÉRPRETES:

Trovador,trovero, trobairitz y minnesänger: Son músicos/as-poetas, personajes cultos, cantautores/as que creaban
la propia música de sus canciones y cantan todos los sentimientos humanos y especialmente el amor (amor
cortés).

Con ellos la música pasa de la iglesia a la corte o el castillo. Cantan en estos lugares y especialmente en las
principales vías comerciales o guerreras como el Camino de Santiago, el de Roma o las rutas de las Cruzadas.

Todas y casi todos eran nobles que cantaban en su lengua materna (vernácula) y no en latín a excepción de los
goliardos que fueron clérigos y monjes desertores que iban mendigando de pueblo en pueblo cantando poesías en
latín y cuya temática de canciones era el vino, el amor libre, la primavera…Las poesías conservadas de los goliardos
están agrupadas en el Carmina Burana.

Los juglares eran cantores pero no compositores de sus versos, de clase más baja. Eran artistas del
entretenimiento, dotados para tocar instrumentos, cantar, contar historias o leyendas y hacer acrobacias.
​Diferencias entre trovador, trovero, trobairitz y minnesänger:

-el trovador y trobairitz cantan en el dialecto francés provenzal “Oc” del sur de Francia con centro cultural en el
monasterio de San Marcial de Limoges

-el trovero canta en el “Oil” del norte de Francia que será luego el francés moderno

-el minnesänger es alemán pero la temática de sus cantos es la misma: amor, guerra y naturaleza

Los trovadores más importantes fueron Guillermo IX de Aquitania, muere en 1127, Raimbaut de Vaqueirás
(1180-1205), Marcabrú, Bernart de Ventadorn,, Jaufre Rudel y Guiraut de Riquier. (sólo de lectura)

Los troveros que destacan son: Ricardo Corazón de León, Blondel de Nesle, Gace Brulé, Conon de Béthune y merece
especial atención Adam de la Halle conocido como el jorobado de Arrás, que compone gran número de obras
destacando la célebre “el juego de Robin y Marion”; siendo considerado como el predecesor de la ópera cómica.
(sólo de lectura)

Los minnesänger alemanes que destacan son: Friedrich von Husen y Walther von der Vogelweide. (sólo de lectura)

En los siglos XIV y XV surgirán los meistersinger que son burgueses agrupados en cofradías que tenían como
finalidad preservar el arte heredado de los minnesänger. (sólo de lectura)

*ACTIVIDAD CORREGIDA DE Página 33 (4/10)

1. Géneros de música medieval
a) Orden de los fragmentos:
1. Canto gregoriano: solo monódico, en latín, sin un ritmo definido.
2. Canto de soldados: monódico y en algún pasaje con polifonía simple, ritmo marcado.
3. Canción de trovador: monódico, en lengua vernácula (no en latín).

CANCIÓN DE TROVADOR
Audición de música de textura heterofónica (monódica con acompañamiento instrumental), de género profano o
civil, en lengua vernácula (provenzal), con ritmo medido y pulso reconocible.
Es también una danza del trovador Raimbaut de Vaqueiras.
Traducción: Calendario Maya
CANCIÓN DE UNA TROBAIRITZ
Actividad corregida de Página 34 sobre canción de trobairitz.

2. La Comtessa canta al amor

a)
• Occitania en aquella época era un país grande.
• Está en el sur de Francia.
• La trovadora Beatriz vivió unos treinta y cinco años.
• Estaba enamorada del trovador Raimbaut de Orange (que no es el mismo que Raimbaut de Vaqueiras)
b)
• El inicio es INSTRUMENTAL.
• La voz que canta es FEMENINA.
• El instrumento que acompaña es DE CUERDA.
• El acompañamiento es POBRE Y MONÓTONO.
• Es una canción con un carácter DE DESESPERO.
• La pulsación es MUY POCO MARCADA.
c)

● La línea melódica se mueve por notas seguidas mayoritariamente, también denominadas notas por
grados conjuntos.
● Nota más aguda: do’, la más grave: do y por tanto tiene un ámbito de octava.
(El ámbito de una melodía o ámbito melódico es el intervalo o distancia o cantidad de notas que hay
entre la notas más grave de una melodía y la más aguda y se contabilizan todas las notas incluidas
la primera y la última)
● No está indicado el compás.
● Sí, se escucha el instrumento de percusión (pandero).
● Arrastra una sílaba durante dos o tres notas en bastantes ocasiones. Cuando tenemos varias notas
por una sílaba estamos hablando de un MELISMA musical.
​ CONCEPTOS ADQUIRIDOS EN LA ACTIVIDAD:
-Ámbito melódico o intervalo melódico entre la nota más grave y la más aguda de una melodía. Se mide
contando la cantidad de notas y por tato el ámbito es un número o numérico.
Ejemplo:
 -de do a do´ en sentido ascendente, hay ocho notas (do,re,mi,fa,sol,la,si,do´) y su ámbito es de octava
-de re a fa en sentido ascendente hay tres notas (re,mi,fa) y el ámbito es de tercera.

-Grados conjuntos: melodías o intervalos(distancia entre notas) donde las notas son consecutivas, es decir,
están o van seguidas, sin saltos. Por tanto todos los intervalos de 2 notas o de segunda ( do-re, re-mi, mi-fa,
fa-sol, sol-la, Fa´-Mi´......), son grados conjuntos.
​ LOS INSTRUMENTOS MEDIEVALES Y SUS FUENTES DOCUMENTALES (TEXTOS
ESCRITOS) E ICONOGRÁFICAS (IMÁGENES EN PINTURAS Y ESCULTURAS).

Fuentes documentales (textos) e iconográficas (imágenes en pinturas o esculturas) de los instrumentos

medievales. Es decir, en qué documentos o imágenes (iconografías) nos basamos para conocer y saber qué
instrumentos había en la Edad Media y cómo eran.
1-LIBRO DEL BUEN AMOR del Arcipreste de Hita (autor)
Juan Ruiz (1283-1350), Arcipreste de Hita, es el máximo representante del “mester de clerecía”. En su Libro
de Buen Amor (1330) narra de forma autobiográfica las aventuras amorosas del protagonista intercaladas
con fábulas, cuentos y composiciones sacras y profanas. En el fragmento que presentamos en el libro se
citan numerosos instrumentos que permitirán un acercamiento sencillo a la organología medieval

- Tambores (Atanbores): instrumento de percusión membranófono de golpe y sonido indeterminado.

- Guitarra morisca: instrumento de cuerda punteada y caja sonora con mango. Similar a la guitarra latina
pero el fondo con vientre y el clavijero en forma de hoz. Puede considerarse un tipo intermedio entre la
guitarra y el laúd.
- Laúd: instrumento de cuerda punteada y caja sonora con mango. Tipo oriental. De gran tamaño, fondo con
vientre y clavijero doblado hacia atrás, con clavijas laterales.
- Guitarra latina: instrumento de cuerda punteada y caja sonora con mango. Emparentada con la vihuela de
plectro y la cítara. Con agujero en la tapa en forma de roseta central.
- Rabel (Rabé): instrumento de cuerda frotada y caja sonora con mango. De pequeñas dimensiones y
clavijero en forma de hoz.
- Rota: equivalente a la cítara, instrumento de cuerda punteada y caja sonora sin mango. Derivada del
salterio latino triangular. Forma de triángulo rectángulo con 17 cuerdas.
- Salterio: instrumento de cuerda punteada y caja sonora sin mango. Puede tener forma rectangular o
triangular. Se toca con plectro.
- Vihuela de plectro (Viyuela de péndola): instrumento de cuerda punteada y caja sonora con mango. Igual
que la fídula o viola de arco en la forma, puede tener el mango más largo. Se toca con plectro.
- Medio canon: instrumento de cuerda punteada y caja sonora sin mango. Corresponde a la mitad del
“canon entero” y tiene por tanto forma trapezoidal simétrica con los lados curvados hacia dentro en forma
de ala. Se toca con plectro y en posición vertical.
- Arpa (Harpa): instrumento de cuerda punteada y caja sonora sin mango. Es el arpa común de cuerdas
sencillas y forma gótica.
- Rabel morisco (Rabé morisco o Rebâb): instrumento de cuerda frotada y caja sonora con mango. Forma
de pera alargada y clavijero doblado hacia atrás con clavijas laterales.
- Flauta: instrumento de viento de soplo directo y embocadura de filo o bisel. Tipo de flauta recta o flautilla
de una mano que va siempre acompañada de un tamborete o tamboril, combinación que se mantiene
todavía como una de las más habituales de la música tradicional.
- Tamborete (Tanborete): instrumento de percusión membranófono, de golpe y sonido indeterminado, más
pequeño que el tambor. Conjunto inseparable de la flautilla de una mano.
- Vihuela de arco (Viyuela de arco): sinónimo de viola de arco o fídula, de cuerda frotada y caja sonora con
mango. Forma ovalada y clavijero plano con clavijas frontales, generalmente de cuatro o cinco cuerdas.
- Canon entero: instrumento de cuerda punteada y caja sonora sin mango. Es un tipo de salterio de forma
rectangular con varios órdenes de cuerdas triples. Se toca con plectro y en posición vertical.
- Panderete con sonajas: equivalente a la pandereta, instrumento de percusión de sonido indeterminado.
- Órganos: evidentemente se refiere a los populares órganos portativos, de reducidas dimensiones, que se
colgaban del hombro manejando con una mano el teclado y con la otra el fuelle. Instrumento de viento,
aerófono de soplo indirecto, con mecanismo de fuelle y teclado.
El siguiente verso merece una pequeña aclaración. El texto original dice “Dulçema e axabeba, el finchado
albogón”. Sin embargo, en la traducción que facilitamos (Nicasio Salvador Miguel, Ed. Magisterio Español)
indica “La gaita, la dulzaina, el hinchado albogón”, confundiendo la dulçema con la dulzaina y la axabeba
con la gaita.
- Dulçema: se conoce también como dulcimel y es en realidad una especie de canon golpeado con macillos,
por tanto, de cuerda percutida y caja sonora sin mango. Nada tiene que ver con la Dulzaina, que es un
aerófono de soplo directo y lengüeta doble todavía muy habitual en el ámbito de la música tradicional.
- Axabeba: es un tipo de flauta horizontal morisca de tubo cilíndrico, por tanto de viento, aerófono de soplo
directo y embocadura de filo o bisel. La Gaita sería un aerófono de soplo indirecto (a través del fuelle) con
tubos de lengüeta.
- Albogón: de viento, aerófono de soplo directo y lengüeta doble. Es un tipo de chirimía, más tosco y grande.
- Zanfoña (Çinfonía): también se conoce como Vihuela de rueda y es en realidad un Organistrum más
pequeño y perfeccionado. Instrumento de cuerda frotada con una rueda que mantiene un sonido constante
de bordón mientras un mecanismo similar a un teclado permite interpretar a la vez notas aisladas.
- Baldosa: instrumento de cuerda punteada y caja sonora con mango. Parecida a la cítola pero de mayor
tamaño y con más cuerdas. Puede puntearse con los dedos o con plectro.
- Odrecillo: de viento, aerófono de soplo indirecto, a través de una vejiga o pellejo. Es una pequeña gaita sin
roncones y con puntero recto.
- Trompas (Tronpas): aerófono de soplo directo y boquilla (viento metal). Son trompetas rectas y largas con
tubo cónico de latón o plata.
- Añafiles: aerófono de soplo directo y boquilla (viento metal). Trompeta recta morisca.
- Timbales (Atanbales): de percusión, membranófono de golpe, con forma semiesférica y de gran tamaño.
2-INSTRUMENTOS DEL PÓRTICO DE LA GLORIA EN LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA
(GALICIA-ESPAÑA)

Los instrumentos musicales reproducidos en el Pórtico de la Gloria son los siguientes:

ARPA ROMÁNICA
Es uno de los instrumentos más antiguos de la humanidad, y consiste en pulsión de cuerdas tensadas por medio de un
marco resonante de forma triangular. Las cuerdas pulsadas o con los dedos o con una púa o plectro. Los que se ven en
la iconografía española son del modelo irlandés. Las primeras imágenes aparecen en el siglo XI, en el Beato del Burgo
de Osma, en la Biblia de Roda. Los que aparecen en las Cantigas de Alfonso X el Sabio, son arpas de tipo gótico. Aquí
aparecen dos, portadas por los ancianos 8 y 19

ARPA SALTERIO
 Es una especie de triángulo con cuerdas situadas a ambos lados de la caja de resonancia. Para ser tañida se sostenía
como un arpa. Se trata de uno de los instrumentos más enigmáticos que existen, porque no dejó casi ningún
descendiente para estudiar su evolución. Sin embargo parece que fue muy popular en la Edad Media, tan solo superado
por el salterio. Aparecen dos en los ancianos 5 y 18

SALTERIO
De forma triángular o trapezoidal, está formado por una caja de resonancia plana sobre la que se extienden en paralelo
las cuerdas que se pulsan con un apéndice o plectro, colocando el instrumento sobre las rodillas. El más popular e la
España medieval, se cita en la Biblia como acompañante del canto de los salmos. Aparece representado en el pórtico
del Paraiso de Orense, en el portico de la Gloria y en las miniaturas de las Cantigas de Santa Maria. Aparecen dos
ejemplares a manos de los anciano 10 y 17.

LAÚD
Se trata de un instrumento de cuerda pulsada o rasgueada, sin agujeros sonoros. Es de procedencia árabe. Mástil largo
con un cuerpo estrecho con lados casi rectos, esquinas redondeadas y fondo abombado, probablemente obtenido por
el vaciado de un medio tronco de madera. Da lugar a distintas variedades de forma y tamaño. Las primeras
representaciones son de mediados del siglo IX, San Miguel de Lillo (Asturias) y más tarde aparecerá en las miniaturas
de los beatos. El término no lo encontramos hasta el libro del buen amor, del Arcipreste de Hita. Aparecen dos
ejemplares: en ancianos 9 y 20.

FÍDULA o VIOLA OVAL

Instrumento de cuerda por frotación con arco, provisto de mástil largo y caja armónica con dos agujeros sonoros y
cuerpo de forma ovalada. Era muy conocido en la Edad Media y de uso generalizado, aunque variaba el número de
cuerdas. Se tocaba con arco como los actuales violines y violas, aunque su forma de apoyar es variable, unas veces
sobre las piernas y otras sobre el brazo o el hombro. Hay ocho ejemplares en el pórtico, los de los ancianos 1, 2, 3, 6, 7,
22, 23 y 24.

FÍDULA O VIOLA EN OCHO

Similar al anterior, también tocado mediante frotación con arco, aunque la forma de la caja de resonancia está
estrangulada en dos partes, como un ocho. En el siglo XIII tenía cinco cuerdas. Es el instrumento con el que aparecen
pintados los juglares, quienes con frecuencia lo usaban para acompañarse. En el medievo se llama a veces vihuela.
Aparecen cuatro instrumentos de este tipo, los de los ancianos 11, 14, 15 y 16.

ORGANISTRUM.
Instrumento único que corona el pórtico portado por los dos ancianos centrales 12 y 13. Muy citado en los textos
medievales, su nombre deriva de la contracción de organum e instrumentum. Su forma es de fídula en ocho donde la
frotación del arco se sustituye por una rueda girada por una manivela; en lugar del mástil hay otra caja alargada con
teclas para accionar las cuerdas por un mecanismo de tracción. Este modelo, por su tamaño debía ser manejado por
dos músicos, uno que giraba la manivela y otro que accionaba el teclado. La reproducción del pórtico es de asombrosa
precisión técnica.

3- MINIATURAS (ilustraciones) QUE ACOMPAÑAN A LAS CANTIGAS DE SANTA MARÍA DEL CÓDICE DE EL
ESCORIAL

​ Instrumentos del Códice del Escorial

​ CANTIGAS DE SANTA MARÍA O CANCIONES DE TROVADOR ESPAÑOLAS.
Una Cantiga es una forma musical. Es la misma forma musical que las canciones de
trovadores/troveros/trobairitz, pero en galaico-portugués.

El manuscrito de las Cantigas de Santa María madre de Dios ruega por nosotros pecadores, escritas en
 galaicoportugués y en notación musical mensurada en la corte del rey Alfonso X el Sabio durante la
segunda mitad del siglo XIII (entre 1270 y 1282, según Walter Mettmann), constituye una de las colecciones
de canción monofónica más importante de la literatura medieval occidental. De corte trovadoresco y
paralitúrgico o profano, se diferencia de la temática abiertamente profana de los trovadores del resto de
Europa y de la música sacra de la época.
Se trata de un conjunto de 427 composiciones en honor a la Virgen María. La mayoría son cantigas que
cuentan milagros sucedidos con la intervención de María; integran también la obra las Cantigas das Cinco
Festas de Santa María, las Cinco Cantigas das Cinco Festas do Nostro Señor, el Cantar dos Sete Pesares que
víu Santa María do seu fillo y una maia. La devoción mariana estaba en auge en ese siglo: frailes, clérigos y
caballeros en general participaban en ella. El rey alentaba en sus cantigas a poetas y juglares para que
dedicaran sus esfuerzos e inspiraciones a la «Santa Dama», e incluso Alfonso X creó una caballeresca
Orden de Santa María de España, a la que dedicó una cantiga.

De las Cantigas de Santa María hay cuatro códices conservados, procedentes todos ellos de la propia corte
del rey Alfonso X.
● El Códice Toledano (To) perteneció a la Catedral de Toledo hasta 1869 y ahora se conserva en la
Biblioteca Nacional de Madrid (ms. 10069). Contiene 100 miragres, a los que se añaden otras 22
composiciones. Carece de miniaturas
● El segundo códice (T) se conoce como Códice Rico y se guarda en la biblioteca del Monasterio de
San Lorenzo de El Escorial. Contiene 194 cantigas, la partitura de la música de cada una y
numerosísimas figuras narrativas que ilustran las letras.
● El códice de Florencia (F), conservado en la Biblioteca Nacional de esta ciudad, contiene el texto de
104 cantigas. Está incompleto.
● El cuarto códice (E), Códice Príncipe o Códice de los Músicos, se conserva en la Biblioteca de El
Escorial (códice J.b.2). Contiene la introducción, el prólogo y 406 cantigas distintas, ilustradas con
40 miniaturas, más la notación musical. Es el más completo.
​ Los códices de la Biblioteca de El Escorial están adornados con profusión de miniaturas. Muchas de ellas
han sido de importancia capital para la organografía española, puesto que allí se aprecian los instrumentos
del siglo XIII: organistrum, salterio, laúd, viola de arco, rebec, cítara, arpa, trompa, trompeta, castañuelas,
cornamusas, dulzainas y muchos otros. Y también se puede investigar cómo se ejecutaban estos
instrumentos, que se han podido reproducir para poder tocar esta música.

Desde el punto de vista de la historia de la música, está considerada como la colección de música
cortesana/profana monódica más importante del siglo XIII. Son una fuente fidedigna para el estudio de la
música de tipo trovadoresco.
Las melodías están tomadas de la monodia gregoriana, de la lírica popular y de las canciones de los
trovadores, y adoptan en su mayoría la forma de rondó, con un estribillo musical que se repite tras las
glosas
​ Título: A madre do que de terra. CANTIGA DE SANTA MARÍA nº 156
​ Cantiga número 100 Santa María estrela do día
​
​ La partitura que tenemos en el vídeo o impresa par interpretar es una transcripción de la original.
​ Análisis de partitura transcrita de la Cantiga n.100: (11/10 en clase)
​ -el ritmo está escrito en compás binario simple (compás de 2/4) con pulso a la negra y dos pulsos por compás, con un total
de 40 compases puesto que en cada sistema hay 8 pero como hay puntos de repetición en el final del primer sistema, hay que
sumar 8 compases más a los 32 y se construye con figuras de negra, silencio de negra, corchea, silencio de corchea y
semicorcheas y el puntillo como signo de prolongación,
​ - la forma musical es de una Cantiga o canción de trovador en lengua galaico-portuguesa,
​ -las partes internas de la Cantiga son el estribillo (primer y cuarto pentagrama) y la estrofa (segundo y tercer pentagrama),
​ -en la partitura hay cuatro sistemas integrados cada uno de ellos de una melodía (escrita en el pentagrama) y cinco líneas
rítmicas,
​ -por tanto el timbre es para un instrumento melódico determinado como flauta (viento madera de bisel) o carillón (percusión
determinada de láminas) y cinco instrumentos de percusión indeterminada (pandero,pandereta, claves, caja china y triángulo)
que no tocan notas concretas sino sonidos indeterminados y por la música que hacen no se escribe en un pentagrama sino
en una línea rítmica,
​ -por tanto, también deducimos que la textura de la obra es Heterofónica (una sola melodía o textura monódica pero
acompañada de diferentes timbres instrumentales indeterminados),
​ -todas las notas son naturales (no hay alteraciones de ningún tipo) y la nota importante, la final es RE y no Do ni La, porque es
música modal. Si fuese música tonal o basada en una escala diatónica, al no tener alteraciones propias o alteraciones en
general, debería acabar en Do o La porque Do y La son la únicas escalas diatónicas sin alteraciones propias.

​ Análisis-cuestionario de la Revista Musical de la página 44

Título: A madre do que de terra. CANTIGA DE SANTA MARÍA nº 156
Autor o recopilador: Alfonso X El Sabio.

Género: vocal con acompañamiento instrumental y civil o profana.

Estilo: Edad Media.
Formación vocal e instrumental: canta voz femenina con acompañamiento de instrumentos de cuerda y
percusión: arpa, cuerda frotada, flauta, pandero.
Movimiento: tranquilo en la primera parte y alegre o rápido en la segunda parte.
Matices: no hay cambios de intensidad
Carácter: música festiva, alegre, sensual.
Forma y estructura: Cantiga (canción en galaico portugués) estribillo-estrofa-estribillo
Características musicales:

-compás ternario,
-melodía ondulante de ámbito estrecho con registro agudo,
- textura monódica con acompañamiento instrumental, por tanto es textura heterofónica,
-instrumentos de la familia de cuerda pinzada y frotada, aerófono de bisel y percusión indeterminada de
membrana,
-voz femenina aguda,
-texto en galaico portugués.
Marco social, cultural e histórico:
Se tocaba, se cantaba y se bailaba en el entorno de los castillos medievales.
Aunque está dedicada a la Virgen no es música religiosa porque son canciones que enlazan con el fervor
mariano de la época.

​ TRABAJO EN CLASE EL 18/10

1-Repaso a contenido de Cantigas de Santa María
2-Ideas claves del Renacimiento y música religiosa y civil renacentista.
3-Actividad 6 Página 39 hecha y corregida en clase (audio en recursos del libro digital)
6. ¿Música medieval o música renacentista?
1. Danza cortesana del Renacimiento: instrumental, a varias voces y ritmo variado.
2. Música religiosa medieval: canto gregoriano.
3. Música civil medieval: canto de trovador a una voz y acompañado por instrumentos que doblan la
melodía.
 4. Música religiosa católica del Renacimiento: polifonía con contrapunto.

​ La Música en el Renacimiento

TEXTURAS DEL RENACIMIENTO

Contrapunto (polifonía compleja)
En la textura polifónica o textura contrapuntística suenan simultáneamente múltiples voces melódicas que
son en gran medida independientes o imitativas entre sí, de importancia similar y ritmos diversos. ​Si las
voces se imitan unas a otras (esto es, cantan o tocan melodías similares pero con cierto retraso unas
respecto de otras) se trata de polifonía imitativa. Un caso estricto de polifonía imitativa es el canon. Las
texturas polifónicas pueden contener varias melodías primarias o básicas.​Es una textura característica de
la música renacentista y también aparece frecuentemente en el período barroco.

Homofonía (variedad de Polifonía)

En la textura homofónica las diversas voces se mueven simultáneamente con los mismos valores rítmicos
pero con distintas notas, formando acordes sucesivos.​Por lo general, las texturas homofónicas solo
contienen una melodía primaria o principal. ​Cuando todas las voces tienen casi el mismo ritmo, la textura
homofónica también puede ser descrita como homorrítmica.

Clasificados por familias tradicionales:

Flauta: viento madera de bisel y aguda
Chirimía: viento madera de lengüeta doble y agudo (misma familia que Oboe)
Cromorno: viento madera de lengüeta doble y grave (misma familia que Fagot)
Vihuela: cuerda pulsada, con mástil, antecedente de guitarra española.
Laúd: cuerda pulsada con mástil y clavijero perpendicular al mástil que procede de E. Media.
Serpentón: viento metal grave, antecedente de la Tuba.
Viola de gamba: llamada así porque se tocaba encima de la gamba o pierna y es de cuerda frotada y grave.
Antecedente del violonchelo.
Espineta: llamada también Virginal. Es la evolución de los instrumentos de cuerdas medievales que tenían
cuerdas en una caja sin mástil y se punteaban con o sin plectro o péñola como eran el Salterio, el Canon, la
Rota, la Cítara. Es de la familia de las cuerdas punteadas sin mástil y es uno de los antecedentes del
Pianoforte.
Órgano: viento mecánico de soplo indirecto porque el aire entra con un fuelle

Los instrumentos en el renacimiento, se agrupaban en familias según su tesitura (agudos y graves) y su

sonoridad, diferenciando la música alta de la música baja.
(contenidos añadidos en libreta gramatical)

ACTIVIDAD 9 Y PRÁCTICA INSTRUMENTAL DE LA PÁGINA 144

La primera voz de la Pavane d’Angleterre, del apartado «Repertorio musical».

ANÁLISIS DE LOS ELEMENTOS DEL LENGUAJE MUSICAL:

Composición y melodía en clave de sol por tanto de registro acústico agudo con compás cuaternario simple
y pulso a la negra por tanto (fracción de 4/4).
Forma musical: Pavana o danza típica del Renacimiento junto a la Gallarda y con estructura interna de tres
frases musicales (A, B y C que se repiten dos veces cada una de ellas puesto que acaban cada una de ellas
con el signo de repetición de los dos puntos)

Las frases musicales y la melodía ocupan cuatro pentagramas y tiene un total de 16 compases sin
repetición y de 32 con repetición.
Las figuras musicales empleadas para construir el ritmo de la melodía son: redonda, blanca, negra y
corchea.
Emplea así mismo un signo de prolongación: el puntillo tanto en blancas como en negras.
La escala diatónica en la que está construida la melodía es la de Mi menor porque la última nota (la más
importante de la obra) es Mi y tiene una alteración propia en la armadura de la clave, concretamente el fa es
siempre sostenido. Por tanto si hacemos la escala de mi con el fa sostenido me queda la siguiente
distribución de tonos y semitonos:

Además en la melodía hay una alteración accidental en la penúltima nota: Re que es sostenido.