ESCUELA DE CERAMICA TANDIL

HISTORIA DEL ARTE III

M. PAULA GASCUE

TRABAJO PRACTICO N° 5
NEOCLASICISMO

1)- El neoclasicismo fue un movimiento artístico que se originó en Francia desde el siglo XVIII hasta
mediados del XIX. Surge como oposición al rococó y al barroco, instaurándose como el arte del
racionalismo. A este siglo se le conoce como “El siglo de las luces”, entiendo a las luces como la razón.
Este período marca un cambio entre el antiguo régimen y el nuevo de características liberales.
La Revolución Francesa en 1789, marcó un cambio importante tanto a nivel social como político y
económico. Con esta revolución, la monarquía perdió poder y posteriormente desapareció.
Mediante el movimiento artístico neoclásico, se puede ver reflejada toda la Revolución Francesa así
como también el contexto que originó dicha revolución y el periodo napoleónico. Estos artistas
intentaron cambiar la sensualidad de los movimientos artísticos anteriores: el rococó y el barroco. Así el
neoclasicismo tiene una característica lógica y no sobrecargada como el anterior.
Hacia fines del siglo XVIII el movimiento neoclásico da lugar al romanticismo, basado en el sentimiento,
la individualidad y la libertad que tuvo su punto de mayor repercusión hacia el siglo XIX.
El neoclasicismo surgido en Europa se caracteriza por ser una etapa de transformación
y revoluciones, este movimiento se caracterizó por trabajar la razón como fundamento del saber, fue
en este siglo donde se desarrolló la corriente cultural llamada ilustración.
En este período se desarrolla la literatura, el arte, la arquitectura y otros.
En España, el siglo XVIII comienza con el surgimiento de la casa real borbónica procedente de Francia.
La nueva dinastía favorece e impulsa a que la cultura de la Ilustración francesa se introduzca en la vida y
logra que España se incorpore a la política y cultura europeas. El Neoclasicismo, por lo tanto es de
influencia francesa.
Pronto comienzan las reformas de los ilustrados. España, a principios del siglo XVIII estaba muy alejada
de Europa. La sociedad estaba dividida en clases bastante rígidas (aristocracia, clero, labradores, criados,
mendigos); pero al mejorar las condiciones de vida, aumenta la población y aparece una nueva clase
social: la burguesía.
Esta época tuvo mucho desarrollo ya que pretendían educar a la sociedad y para ello desarrollaron
muchos métodos como: la prensa, el teatro, las fabulas, cafés y tertulias.
El pensamiento ilustrado fue el precursor de la Revolución Francesa. Se trata de un grupo de
intelectuales que empezaron a concientizar al pueblo francés. Así sus principales ejes eran: la razón, el
progreso y la ciencia. Además hacían a un lado las ideas eclesiásticas (principalmente al catolicismo). Los
ilustrados proponían:
 Una ley única para los ciudadanos
 Supresión de los privilegios monárquicos
 Derechos e igualdad para todos
Paralelamente el Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados
de Luis XV y Luis XVI.
Considerado como la culminación del Barroco, impuesto por la corte de Luis XIV.
Se inclinó por expresar temas de la vida cotidiana y las relaciones humanas. Posee un estilo recargado
que expresa el sentimiento de libertad de la sociedad aristocrática.
Estaba al servicio de la burguesía y la aristocracia.
Cuando en 1715 Felipe de Orleans asumió la regencia en nombre del joven Louis XV, y sustituyo el
ceremonial solemne y riguroso de Versalles por la atmósfera más intimista, refinada e intelectual de los
salones y de los hoteles particulares o palacetes, la nueva orientación artística estaba ya instaurada.
Entre 1730 y 1745, el estilo Rococó se consolidó con los artistas que realizaban la decoración de
interiores como el hotel de Soubise, considerado como la obra maestra en este estilo, y los espacios
para fiestas y representaciones teatrales de la corte.
Se comienza a reflejar el papel de la mujer ya que se convierte en la principal organizadora de
reuniones para hablar sobre juegos, literatura, política o para bailar. Además el arte Rococó intenta
reproducir los sentimientos que había en la vida aristocrática y las preocupaciones que tenían, además
de figuras religiosas o batallas heroicas.
Aparecieron nuevas clases sociales surgidas del clero o de las altas finanzas. Gracias a sus matrimonios,
los hijos de esta rica burguesía, pudieron penetrar en el mundo cerrado de la aristocracia, hasta
entonces celosamente replegada en sí misma. Se establece entonces una mezcla entre estas diferentes
categorías sociales, y en los salones parisinos mujeres de letras como madame Deffand o madame
Geoffrin reciben la élite intelectual de Europa. Se desarrollan más que nunca las relaciones sociales y la
vida mundana adquiere una importancia capital: en toda Francia, tanto en París como en provincia, en
los nobles hoteles de invierno y en los castillos de verano, se reúne una sociedad brillante, espiritual,
con cortesía.
El Neoclasicismo marco una transformación social, Tanto la pintura, escultura, arquitectura y literatura
conforman un bloque que expresa, cada uno con características diferentes el contexto social que
atravesaba Francia en aquellos años. Así, el quiebre de la monarquía y el cambio en las estructuras
sociales acompañado de la modificación de las costumbres, se reflejó en este movimiento artístico.
El estilo que atraviesa a este movimiento es el de la sencillez, la estética y la simetría. Por otra parte el
neoclasicismo utiliza la razón y el escepticismo en detrimento de los sentimientos. Por ende, las obras
de este período artístico reflejan cuestiones reales, vivencias y situaciones a las cuales la sociedad de
aquella época se tuvo que enfrentar.
En cuanto a las temáticas abordadas, es un arte que se compromete y expresa la situación política,
social y económica de la época. Desde la literatura las obras tienen una fuerte orientación moralizante y
didáctica. Sin embargo, no todo es razón y lógica para el neoclasicismo, puesto que también entre sus
principales temas aparece la mitología y la figura de los Dioses como poder supremo.
Los principales representantes o autores de esta época son ejemplo de conducta y modelo a seguir para
la sociedad.
Entre los principales se encuentran: Voltaire, Daniel Defoe, Jonathan Swift, Bartolini, Rude, Pradler y
Flaxman.
Por otro lado, en contraste el Rococó Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, vivos, suaves
y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los
cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte
básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones
humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, delicado, íntimo y sensual.
Se destacaba la decoración que era completamente asimétrica y libre, además tenía preferencia por
formas irregulares y onduladas y un gran gusto por los materiales naturales como por ejemplo las
piedras marinas, las formas vegetales o las conchas.
El diseño de interiores trabajó de la mano con el diseño exterior. Todos los elementos de decoración son
percibidos como parte del edificio en el que se encuentren. Se dedicó a la ornamentación y el uso de
formas basada es la naturaleza.

2)-
 ESCULTURA:

La escultura neoclásica toma como referencia e imita los temas clásicos de la Antigüedad. Las obras son
tratadas con académica corrección y transmiten frialdad. Siguiendo los cánones grecorromanos hace
hincapié en la simpleza de líneas y en la idealización de la belleza.
Las esculturas se realizan preferentemente en mármol o bronce sin policromar, siguiendo la errónea
creencia de que tampoco lo estaban las griegas y romanas. Los acabados son pulidos y homogéneos. La
figura humana tiene preferencia sobre cualquier otra.
Uno de los escultores neoclásico es Antonio Canova. Utiliza como tema principalmente la
mitología griega. Su cliente más importante fue Napoleón, al que retrató en diversas ocasiones a modo
de emperador romano. Una de sus obras más conocidas es la de Paulina Bonaparte, esculpida como una
Venus.
Otro señalado autor neoclásico fue el danés Bertel Thorvaldsen, cuyas esculturas expresan la
idealización de la figura humana. Su obra más famosa es Jasón.

ANTONIO CANOVA
Paulina Bonaparte
ANTONIO CANOVA
(Possagno, actual Italia, 1757 - Venecia, 1822) Escultor italiano. A causa de sus modestos orígenes
familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su
traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura, y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio
que mantuvo durante toda su vida.
Sus primeras obras venecianas, como Orfeo y Eurídice o Dédalo e Ícaro, están impregnadas todavía del
espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Cuando era ya un artista consagrado, se
estableció en Roma (1781), donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica
y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman, Milizia y otros autores cuyas
doctrinas se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico.
Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el Minotauro, manifiestan ya la maestría técnica
y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una
larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. No fue Canova un
escultor nato y de cincel fácil, sino que se forjó a través del estudio y el trabajo; mediante la práctica
diaria del dibujo, por ejemplo, perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las deficiencias de sus
primeros estudios anatómicos.
En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía
de las más destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia.
Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la que se ha perpetuado su
figura en la historia del arte.
El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos,
que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o
turbación. Este escultor, que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en
reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan
vivamente con la etapa precedente.
En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana de Napoleón,
Paulina Borghese, y Las tres Gracias. Paulina Borghese está esculpida como una Venus, sobre un diván,
con la elegancia y la ligereza características de Canova. Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino
en toda su perfección, y en ellas el artista parece querer reflejar algo de su mundo interior.
Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del sepulcro
monumental, gracias a los que esculpió para los papas Clemente XIII y Clemente XIV. Entre las muchas
efigies oficiales que realizó es particularmente célebre el Napoléon desnudo, cabal ilustración de los
ideales neoclásicos. Su fama como artista le abrió numerosas puertas y lo convirtió en un hombre
enormemente influyente, a quien el Papado encomendó algunas misiones delicadas, como la
recuperación de las obras de arte expoliadas por Napoleón.

ESCULTURA: PAULINA BONAPARTE

Se vincula con el contexto porque la joven ha sido representada siguiendo los modelos de las Venus
victoriosas de la antigüedad clásica: recostada sobre un sillón la hermana de Napoleón sostiene la
cabeza con su mano mientras la otra descansa sobre su pierna, esta misma postura fue utilizada en
numerosas ocasiones por los artistas para representar a la diosa del amor. Desnuda desde la cintura
para arriba, un fino paño cae por el respaldo del sillón y se ajusta a sus piernas cubriéndola. Su cabello
aparece recogido. En la mano que reposa sobre su pierna, una manzana hace referencia al mito de Paris
y la belleza de Venus.
BERTEL THORVALDSEN
(Copenhague, 1770 - id., 1848) Escultor danés. Gran maestro de la escultura neoclásica. Fue hijo de un
escultor en madera y se formó durante cinco años en la Academia Real de Copenhague.
En 1797 se estableció en Roma, ciudad que se había convertido en la cuna del neoclasicismo y en la que
trabajaban algunos de los más insignes representantes de esta corriente. Thorvaldsen se identificó de tal
modo con este ambiente artístico y cultural que en lo sucesivo consideró la fecha de su llegada a Roma
como un segundo nacimiento.
En 1803, su estatua de Jasón, inspirada en el Doríforo de Policleto, le reportó una fama que no haría sino
aumentar en el futuro. La multitud de encargos que recibió de los principales comitentes de la época le
obligó a contar con gran número de ayudantes, en muchos casos verdaderos autores de las obras a
partir de modelos ideados por él. Se dedicó con similar fortuna a la estatuaria, el busto, el relieve y la
escultura monumental, siempre con el deseo de revivir la grandeza de la escultura griega.
Como los escultores de la Grecia clásica, basó sus obras en un canon abstracto, en un ideal de belleza
desvinculado de la realidad, que dio origen a un idealismo artístico de considerable influencia. Sin
embargo, a causa de su carácter frío y excesivamente racional, sus obras no han gozado de demasiada
aceptación en las épocas históricas más proclives a la exaltación de los sentimientos.
Destacan, entre otras, la decoración de la iglesia de Nuestra Señora de Copenhague, la tumba de Pío VII
en la basílica de San Pedro de Roma y el monumento a lord Byron en el Trinity College de Cambridge. En
1838 regresó definitivamente a Copenhague, donde fue recibido como una gran autoridad artística y
donde, después de su muerte, se le dedicó un museo que reúne una buena representación de sus
trabajos.

ESCULTURA: JASÓN Y EL VELLOCINO DE ORO

En esta escultura se encuentran fundidos los modelos del "Doríforo" y del "Apolo Belvedere", recreación
de mitos o acontecimientos históricos de la antigüedad.
La obra presenta una síntesis perfecta de los ideales neoclásicos. El tema es de carácter mitológico y la
figura se inspira, con gran fidelidad arqueológica, en modelos griegos.
El vellocino de oro era una piel de carnero que los antiguos griegos utilizaban para extraer oro de los
ríos.
Jasón aparece desnudo, idealizado, con el vellocino capturado sobre el brazo y una lanza descansando
sobre el hombro, mirando indolente al dragón que acaba de derrotar. Aunque camina con paso firme y
se vislumbra una pequeña inclinación de la cadera, su movimiento es lento, pausado, como el compás
detenido de una danza clásica. Jasón no está representado en el momento dramático del combate,
como era típico en la tradición barroca, sino en un estado más acorde con la serena nobleza del héroe
clásico, que está por encima de las pasiones y del dolor físico.
  PINTURA:

La pintura neoclásica está muy influenciada por la escultura ya que no abundan las representaciones
pictóricas de la antigüedad griega y romana.
El pintor más representativo es el francés Jacques Louis David, muy comprometido con la Revolución
francesa y Napoleón, a los que alude en sus obras “La muerte de Marat” o “La coronación de Napoleón y
Josefina”. Pero sin duda, su obra más conocida es “El juramento de los Horacios”.
Los pintores neoclásicos, muy ligados a la Ilustración, veían en el arte una forma de educación moral e
intelectual. Se inspiraron para ello en la mitología griega y en la historia de la antigua Roma, a la que
identificaron con su propio momento histórico.

JACQUES LOUIS DAVID

El rapto de las sabinas

JACQUES LOUIS DAVID

(París, 1748 - Bruselas, 1825) Pintor francés. Comenzó su formación con François Boucher, un pariente
lejano, y la completó con Joseph Marie Vien, con quien viajó a Roma en 1776, después de haber
obtenido el año anterior el Prix de Rome con Antíoco y Estratonice. Su estancia en Italia resultó decisiva,
no sólo porque le permitió entrar en contacto con los clásicos, sino también porque lo sumergió en el
clima artístico de la época, caracterizado por la difusión de los escritos de Anton Raphael Mengs y
Johann Joachim Winckelmann que dieron origen al neoclasicismo.
Abrazó con convicción la nueva tendencia y llegó a convertirse en uno de los principales protagonistas
del neoclasicismo europeo. Para Jacques Louis David, el neoclasicismo fue el vehículo para oponerse a la
frivolidad del rococó y superarla, y también para exaltar a través de la pintura unos ideales éticos, como
la honestidad o el triunfo del sentido del deber, y ello hasta tal punto que en su obra el regreso a los
ideales del clasicismo está al servicio de finalidades éticas, lo que resulta evidente en la mayoría de los
temas elegidos.
En 1784, El juramento de los Horacios lo consagró como un gran maestro de la pintura; el rigor
compositivo, la solemnidad y la intransigente subordinación del color al dibujo constituyen toda una
exaltación de los ideales del neoclasicismo. Desde entonces hasta su muerte, fue una figura reconocida.
Participó activamente en la Revolución Francesa (fue diputado y organizador cultural) y después de un
breve paso por la cárcel se convirtió en pintor oficial de Napoleón, del que realizó excelentes retratos,
con particular mención para La coronación de Napoleón y Napoleón cruzando los Alpes. De sus obras del
período revolucionario son emblemáticas el inacabado Juramento del Jeu de Paume y Marat asesinado,
que forma parte de una trilogía de exaltación a los héroes de la Revolución. Tras la caída de Napoleón,
Jacques Louis David se exilió en Bruselas, donde nunca consiguió superar sus creaciones anteriores.

PINTURA: EL RAPTO DE LAS SABINAS

Contexto de la revolución francesa.
Jacques-Louis David pintó este cuadro en el año 1799. Actualmente se encuentra en el Museo del
Louvre. Con él quiso hacer un llamado a la reconciliación nacional después de la revolución. Este cuadro
fue muy apreciado y posteriormente le llevo a la realización de cuadros para Napoleón Bonaparte.
Aunque el cuadro se titula “El rapto de las sabinas”, no se representa el momento del rapto, sino el de la
lucha entre romanos y sabinos cuando las sabinas ya viven felizmente en Roma y tienen descendencia.
El cuadro está perfectamente equilibrado, en la derecha están los maridos romanos, a la izquierda los
padres y hermanos, en medio las sabinas con sus hijos intentando detener la batalla. Al fondo se ve el
Capitolio. Aunque parece que hay muchos personajes, realmente este efecto lo producen la multitud de
lanzas.
Vestida de blanco y con los brazos extendidos está Hersilia, su esposo Rómulo está a su derecha, su
padre Tito Tacio a su izquierda.
La desnudez de los personajes escandalizó al público, pero David se había inspirado en las esculturas
griegas en las que la desnudez era normal y hermosa.
Este cuadro de David me parece uno de los mejores por él realizados. Como vemos, este pintor
neoclasicista vuelve a utilizar la mitología, la lucha, las situaciones difíciles en las que las mujeres están
sufriendo por sus parejas, padres y hermanos, como en el Juramento de los Horacios.
3)- INTERCONTEXTUALIDAD:
“OLA VERDE”