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‘THE LOVE STORY’

Una historia de amor entre la moda y el arte

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 Desarrollo, diseño , redacción y maquetación:
María González Magdalena

Impresión:
Repro Datos Digital
C. Panaderos, 24, 47004, Valladolid

Tutor:
Luis García Otero
Javier Castaño Lanaspa

Espacio Creativo GaBe

I.E.S Delicias
Paseo Juan Carlos I, 2047013, Valladolid
www.íesdelicias.com

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 ÍNDICE
Introducción 7
Parte 1: La moda y el arte cruzan palabras y algunas miradas 7
“El columpio” 10
Parte 2: Alianza 15
Cartas a la moda 22
Primera Editorial de Moda 24
Retrato de Emilie Flögue 28
Portada de primavera 1904 31
Vestido Delphos 35
Parte 3 Cuando crecí 43
Trajes de día Chanel 50
“La moda es indestructible” 55
Cartel publicitario Shocking 58
Parte 4 Creo que es un para siempre 65
Vestido cóctel Balenciaga 74
Vestido Mondrian 77
Vestido n°13 Alexander McQueen 82
The love story exhibition 88
Playlist de música 94
Bibliografía 95
Merchandising 96
Agradecimientos 99

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INTRODUCCIÓN:
Arte. Muchos han intentado racionalizar esta palabra tan abstracta como concreta. Su hasta
ahora inexistente definición nos trae grandes dificultades a la hora de clasificar algo hasta la
categoría artística, sin embargo nadie duda de que Las Meninas de Velazquez lo sean. Aquí
entra el debate tan común como contemporáneo en el mundo de la moda. ¿Es la moda arte?.
Aunque la respuesta siga siendo una incógnita no cabe ninguna duda de su estrecha relación,
aunque no siempre fue asi. ¿Cuando comenzará esta peculiar historia amor?

LA MODA Y EL ARTE CRUZAN MIRADAS Y ALGUNAS

PALABRAS.

E
l arte cautivaba todas la miradas desde hacía siglos, siempre cambiante, siempre
adaptándose a su querida sociedad, marcando la historia junto a las manos de grandes
admiradores que le necesitaban para vivir y él para existir. Yo no podía dejar de mirarle
últimamente. Había algo, algo que no me había permitido acerarme antes, algo que se me
impuso pues es de donde nací, la funcionalidad material. Aun teniendo una enorme carga
social, económica y psicológica tenia una tarea primaria a la que servir, cubrir todos aquellos
cuerpos de hombres y mujeres que probablemente me considerasen un objeto más. No me
avergonzaba pues gracias a estar presente siempre conseguía que de vez en cuando el arte
mirase hacia a mi y me representase con todo detalle y dedicación en sus magnificas obras, no
era mas que artesanía sin aspecto creador.

Sin embargo mis suerte cambio pasada la segunda mitad del siglo XVIII. Los mercaderes de
moda aparecieron en el mapa de occidente debido a la revolución industrial que vagaba por
Europa en esos tiempos. Dulces tiempos. Gracias a ellos se me otorgo un pequeño
reconocimiento artístico gracias a mi capacidad decorativa. Y lo vi. Sentí su mirada corta pero
intencionada. Las ferias artísticas comenzaron a llamarme, no en mi mayor esplendor, pero ahí
estaba. Diseños de telas, bordados, trajes de corte...

¿El arte se fijará por fin en mi?

Esta pregunta recorría mi cabeza cada instante, cada minuto que pasaba, estaba nerviosa... Sin
embargo comencé a recibir llamadas, cartas, mensajes del boca a boca y no entendía porqué.
Mis ojos se llenaron de ilusión aquel mayo de 1794. Pues el arte se me quedó mirando
fijamente, no sabía cuanto tiempo duraría. Resulta que al fin de la revolución francesa, Jaqués
Louis David, mi querido artista Jaqués Louis David presentó sus ideas y proyectos con el fin de
mejorar la vestimenta francesa a petición del Comité de la salud pública, adaptarme a una
revolución, una nueva forma de ver la vida. Surgió dentro de mi la idea de un vestido que no se
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pudiera vestir, ¿irónico no? era una nueva expresión del interior de nuestras poblaciones. Sin
embargo ¿no estaría yo traicionando mis principios de identidad funcional? Supongo que si,
pues estas producciones nunca tuvieron éxito ni amor. El arte me estaba rechazando. Estaba
siendo demasiado ambiciosa - eso pensaba yo en ese instante. Pero acaso ¿quien era el para
humillarme así

El fin del Antiguo régimen cambia todo de color. Durante el transcurso del siglo XIX la
burguesía hace del mundo un universo a su medida, transformando las reglas por las que hasta
entonces me regia. Hasta entonces había sido recluida en palacio, la nobleza me trataba bien,
me presumían, pero yo quería llegar a algo más. Este nuevo deseo hacia mi potenció industrias
textiles, nuevas formas de distribución que me harían crecer mucho mas de lo que me imaginé.
El mundo femenino se apoderó de mi.

Pasaba el tiempo y yo me quede algo estancada. Pero lo mejor estaba sin duda por venir.
Entrada ya la segunda mitad del siglo XIX me doté, de una estructura profesional, inédita hasta
entonces. La Alta Costura. La gente me comparaba con él, pero el se limitaba a mirarme fija y
lejanamente. La alta Costura supuso en mi una faceta de máxima expresión de lujo e
innovación. Tenia por fin unicidad de creación, autoria, estudio de grandes elites y mi finalidad
comenzó a ser la estética.
Tenia mucho trabajo, pero no me sentía abrumada, estaba segura que esto sería el comienzo de
algo precioso.

A partir de este momento tuve que encargarme de crear y proponer nuevos modelos así como
de establecer y organizar ciclos de producción, se me hacia pesado sí, pero sin ella no lograría
desarrollar mi designio, La Alta Costura. Esta ya era junto a las grandes revistas del momento,
puntos de referencia para un público compuesto de consumidores.

Después de unos largos años de desarrollo y trabajo, me levanté una mañana de 1874 con un
buenos días, unos diferente a los demás, se sentía como un gran cumplido después de estar
horas y horas preparándote para ver a alguien, sin embargo eran unos solos buenos días”. Al
abrir la ventana para recibir la brisa del amanecer le vi a el, el arte me había despertado, era el
quien había pronunciado esas palabras que me hacían notarme diferente, era el anunciándome
la llegada del impresionismo, del cual era una de las protagonistas. Me anuncio que era un
signo de rompiente modernidad, que estaba transformando Madrid en una metrópolis. Estaba
claro, se estaba enamorando de mi, o eso circulaba libremente en una cabeza en la que faltaba
una pizca de realidad. Si es cierto que en ese momento una metamorfosis total se dio en mi y en
mi peculiar relación con el arte. Algunos artistas comenzaron a proponer su propia
interpretación de moda, alternativas a las tendencias que me recorrían e incluso algunos se
atrevieron a abandonarle a el para estar a mi lado.

Como no podía ser de otra manera, el orgulloso y prepotente arte arrebató contra mi y todo mi
trabajo. El arte en general, me desdeñó sintiéndolo como algo frívolo y superficial, aunque su
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atracción a mi se asomó en como en algunos casos reconoció mi valor creativo y mi capacidad
de representar el propio tiempo explotando su popularidad.
Sin embargo, esas palabras perfectamente escogidas no me engatusaron como lo hubieran
hecho antes, no volvería a el, a su admiración, a su exaltación. Me alejé, seria igual de válida y
especial sin el, así que mute. Mute del estereotipo artístico para imponer la figura del diseñador
de moda, Charles Frederick Worth, cómo le amé, como me ayudó, cómo me hizo volar. Busqué
en la inventiva de los artistas, compartí y adopte las propuestas más originales de vanguardia y
me inspire en todo aquello que me haría ser quien soy hoy. Pero nos estamos adelantando y
saltando demasiadas partes cruciales de mi historia.

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 EL
CO-
LUM-
PIO
Jean-Honoré Fragonard

10
E
ra 1767, un barroco pleno, recargado, embellecedor... Cuando Jean Honore Fragonard
pintó este oleo sobre lienzo. El columpio. Una obra con abundante iconicidad,
simbolismo y sin duda con un gran reflejo de lo que era yo, la moda, para los burgueses
del siglo XVIII. Se dice que un rico barón de Saint- Julien encargó esta obra a Fragonard.
Quería una foto de su amante en un columpio empujado por un obispo, mientras él se limitaba
a observar la situación, sin embargo Fragonard reemplazo al obispo por un tradicional marido
engañado.
El adulterio, un pecado duramente criticado en las clases proletarias, era aceptado como algo
natural en las clases altas. En la aristocracia del siglo XVIII eran muy comunes las bodas por
interés, concertadas para aliar sagas familiares y concentrar poder y riqueza. Las parejas nobles
asumían el objetivo sólo material de sus matrimonios, y tras asegurar la descendencia, muchas
solían vivir su sexualidad por separado.

Por ello esta obra tiene un transfundo cercano al adulterio, pues el elemento crucial y el cual da
nombre a la obra es el columpio, símbolo convencional de infidelidad en la época. En el
columpio se puede observar un joven oculto en malezas que observa desde la sombra a la joven
protagonista, un anciano que la empuja en la profundidad y no tiene consciencia de la presencia
del joven escondido. A primera vista la imagen plasmada parece ser una simple representación
de una inocente niña en un juego, sin embargo adentrándonos en cada detalle de la obra queda
claro lo deliberadamente arriesgada y pícara que es la escena en realidad. El vestido juega un
papel fundamental pues al balance del columpio este se va levantando y dejando ver
intimidades de la joven para el espectador, afirmando esta picaresca en apertura de las piernas
de La Niña. Mientras que en este movimiento envía uno de sus zapatos a la figura alada del
extremo derecho, quien representaría a cupido, Dios romano del amor erotico y del deseo.

Continuando con el simbolismo, vale la pena señalar otros elemento como un pequeño perro
faldero que aparece en primer plano en la obra, un símbolo de fidelidad cuando hace sonar la
alarma al ladrar, pero el esposo de la mujer se percata de esto. Cupido lleva un dedo a los
labios, gesto de silencio, de secreto. La alegre exuberancia de la pintura es acentuada por los
volantes del vestido, su voluminosidad y movimiento; así como los colores pasteles implicando
calma y niñez junto a la suave iluminación que inunda al cuadro

En cuanto a un análisis formal el paisaje o jardín presenta detallismo en primer plano flores,
raíces, estatuas , abundante arbolado que se difumina en el fondo vaporoso. El punto de tensión
o centro de interés es, sin ninguna duda la joven cuyos colores cálidos se resaltan sobre el
fondo verde y azulado siendo su cara y vestido iluminado por la luz que atraviesa las ramas de
los árboles. En su composición destacamos una diagonal que forma la cuerda del columpio
divide el cuadro en dos partes : en una la escena del balanceo y en la otra lo que se encuentra
detrás , el marido, afianzando las dos caras de un engaño, quien es consciente de su realidad y
que no es capaz de verlo.

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Por otra parte están presentes los esquemas y líneas de fuerza curvos como en la joven desde su
brazo hasta el zapato , en los perfiles de los árboles, las ramas, y que son los que contribuyen al
dinamismo, junto a que todos los personajes se pueden encuadrar en un triangulo cuyo vértice
es la cabeza de la mujer y uno de los lados estaría formado por la diagonal hasta el joven
amante. Sin duda una de las obras con mayor trasfondo compositivo.

En el tratamiento de la obra se aprecia una diferencia entre el primer plano o primeros planos
con importancia de la línea y con una pincelada que se detiene en marcar los detalles de tallos,
ramas, raíces, flores, estátuas, cuerda del columpio y el fondo vaporoso realizado con una
pincelada larga , fluida casi impresionista.
Los colores son suaves e incitan a la alegría y optimismo . Son colores tipo pastel como casi en
toda pintura rococó y llaman nuestra atención los colores cálidos como el rosa del vestido , el
blanco de las enaguas y liguero, el rojo que recubre el asiento del columpio que quedan
contrastados con el verde y amarillos de la flora y azul y plateados del cielo y nubes.. En
cuanto a la luz es dirigida y parece colarse entre las ramas para incidir sobre la protagonista ,
pero deja en la sombra o penumbra gran parte de la escena con las que crea una complicidad
para mirar sin ser visto.

El espacio o profundidad se logra mediante una perspectiva lineal , el jardín o el arbolado se va

estrechando y sobre todo la perspectiva aérea mediante esos colores vaporosos , azulados y
plateados. Toda la obra expresa movimiento y dinamismo. Recoge el instante o momento de
mayor elevación del columpio que permite que la mirada del joven se dirija con picardía hacia
el interior de la falda. Un instante después el columpio empezaría a descender, devolviendo a la
joven a su marido.
Los cuadros de Fragonard por lo general suelen ser de temas elegantes e intrascendentes que se
compensan con la fluidez de sus pinceladas que influirá en los impresionistas. Boucher y
Chardin fueron dos influencias para Fragonard, así Tiépolo, al cual conoció durante su estancia
en Italia. Que conociera las villas renacentistas del momento fomentó su amor por la
decoración de jardines con estatuas. Y el columpio es quizás la obra más conocida y
representativa del pintor. Quien dio gran importancia e influencia a la moda por la iconicidad
de pieza principal. Sin duda una de las pocas obras de la época donde la moda no solo sirve
para cubrir cuerpos desnudos. Ahora la moda ya tiene algo que contar

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THE LOVE STORY
MERCH
www.thelovestorymerch.com

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PARTE 2

ALIANZA
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E
sta historia realmente comienza en 1848, una transición entre pasado y modernidad
vagaba por los alrededores, hasta entonces yo me hospedaba en parís, aquel siempre fue
y sería mi hogar pero yo necesitaba abrirme al mundo y más cuando este no paraba de
llamarme a gritos. Aquel día cogí un barco con destino a Londres, un viaje complicado pues la
marea estaba mas agitada de lo habitual, la revuelta por la impuesta Restauración en el
congreso de Viena estaba alterando un ambiente de revueltas que me llenaban de
incertidumbre, no sabía si llegaría a la otra orilla.Sin embargo creí verle a él, a lo lejos, pero
algo revoloteó por dentro de mi ser. No estaba segura de lo ocurrido, aunque el parecía sí
estarlo. Fueron días de largos mareos a bordo, mi cabeza no paraba de dar vueltas, algo sentía
que pasaría pronto, y finalmente estaba en lo cierto.

Salí del interior de aquel barco para mirar al horizonte y aclararme, me seguían reclamando en
Francia, yo nunca había fallado a mi nobleza pero sentía que mi destino estaba en aquella
Inglaterra que podía ver al fondo. Enfoqué mi vista en ese pequeño terreno que veía a lo lejos,
y mi corazón palpitó mas fuerte de lo habitual, el arte me esperaba a la otra orilla. No era
casualidad, me estaba esperando a mi, y las mariposas los mantos y la sencillez abordó mi aura.
Allí estaba el junto a Gabriel Dante Rossetti, Everest Millais y Holman Hunt, sus
acompañantes de la época. Al atracar en barco baje corriendo hacia ellos, y un olor a paz,
naturaleza... me inundaba. Ellos no me rechazarían, pues no rechazaban a nada ni a nadie, sin
embargo no vivían esa misma ilusión que vivi yo al verles de lejos, me necesitaban, pero no
mas allá de un elemento más en sus innovaciones pictóricas prerrafaelitas.

Siempre tan prepotente, siempre sintiéndose superior... mi corazón dejaba poco a poco de latir
tan fuerte sin embargo su voz, su mirada, su presencia me hacía revivir. No me dejaba en paz,
sin embargo tampoco me hacia caso, y yo...yo estaba adicta a él. Decidí no alejarme, el tenia
mucha experiencia, el podía mostrarme el cambio que me urgía tanto. Fui con el, y sin ninguna
pega, me tomo la mano. Me llevo a sus talleres donde los ropajes teatrales eran aborrecidos,
donde se buscaba una frescura bíblica, donde la innovación era renunciar a lo decorativo,
donde la belleza se encontraba en los mas simple.

Debía dejar atrás esas coralinas infernales que negaban la belleza natural del cuerpo femenino,
o al menos eso cobro mucho mas sentido cuando apareció ella por la puerta. Ella no era de allí,
eso se notaba a lo lejos; no trabajaba allí, pero en ese ambiente todos la amaban, yo la ame,
aunque en mi mundo parisino me hubiesen prohibido hacerlo, ella se hacia llamar Feminismo.

Ella traía fuerza, revolución, alegría, poder y eso al arte le encantaba por lo menos al arte que
conocí esa época en Inglaterra. Ese arte me enamoro. Y sin ninguna duda yo le enamore a el.
Una confesión que me dio una nueva vida, una confesión que me realizo en 1865, donde me

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dejo ver sus entrañas. Un día que me mostró una nueva
rama de él, el día en el que la fotografía, el arte y yo nos
unimos en uno junto a Parsons, Rossetti y Jane Morris, el
día en el que las primeras fotografías de moda, las
primeras editoriales, saldrían a la luz. Él me abrió su
mundo después de tanto tiempo mostrándole yo el mío.
Ese día comenzamos una relación fantástica, que por el
momento desprendía amor, renovación y paz, por el
momento.

Al llegar a casa ese día me puse a leer cartas antiguas que

guardaba siempre en el cajón de mi mesilla de noche.
Cartas de él. Cartas que sin ellas probablemente no
hubiese comenzado esta relación, o por lo menos habría
tardado mucho mas en surgir.

Aquella época una de las épocas más bonitas que tenido el

placer de vivir llenaban el mundo con tejidos exóticos y
artesanales que respondían completamente al modelo
estético del movimiento fundado por William Morris, Arts
and Crafts todavía está en desarrollo. Aquella ética
confort que en el siglo XVIII me había llegado a una
fastuosa crisis en la aristocracia francesa ahora me estaba
haciendo crecer.

Durante todo el siglo se estuvo luchando por vitalizar la

artesanía y las artes aplicadas hasta que en 1861 este
movimiento se afianzó argumentando que la verdadera
base de que el arte reside en la artesanía.
Poco a poco mi relación con el feminismo fue
aumentando, ella era maravillosa, me mostró un mundo
de heroínas con vestidos amplios ligeros y suaves, cada
vez me estaba alejando más de aquella alta burguesía
francesa que tanto me había ofrecido pero que se me
estaba quedando corta. Y me dediqué a descubrir el
mundo, a viajar por el. Como no junto a mi querido arte,
lo recorrimos entero pero Oriente se quedó en mi corazón.

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Y no solo tuvo en mi un lugar especial, sino en todas
aquellas personas que me seguían en el momento. Era
algo innovador que desprendía belleza allá donde lo
llevase y esto impulsó a E.William Godwin un gran
amigo de mi amado el cual ni era sastre ni era pintor
sino un arquitecto, miembro del movimiento estético y
gran apoyo en mi relación, a abrir un negocio de moda,
uno que daría pie a nuestra futura fusión completa.

Tuve que volver a casa, tuve que volver a París y me lo

llevé conmigo, tenía miedo en ese instante pues pensé
que no me abrirían las puertas de casa sin embargo
París le cogió cariño, de repente París amaba a
Godwin. Todo iba sobre ruedas la Maison Worth
comenzaba hacer vestidos dotados de una aura
exclusiva como obras de arte, pero sobre todo por
Poiret, quien tomó esa idea de libertad que me llenaba
por dentro y consiguió algo que ni yo ni Worth ni
Godwin habían conseguido hasta entonces, rejuvenecer
el gusto de la alta costura francesa llenándola de una
idea inglesa de moda estética y reformada. En 1869 el
arte y yo tuvimos un aniversario maravilloso de la
mano de Jeanne Paquin; ésta pionera del negocio
moderno que tanto me había acompañado en mi
recorrido, organizó el primer desfile de creaciones de
moda como espectáculo, algo que ciertamente
revolucionó todo mi mundo, él estaba orgulloso de mí,
él estaba detrás de todo esto, todos sus seguidores se
quedaron asombrados con aquella majestuosa cita y yo
después de todo mi esfuerzo, estaba feliz por fin.

Poco después ya empezaba a ser el centro de atención

de no solo la población inglesa, gracias a la creación de
Vogue en 1892, una revista que no era como otra
cualquiera, una revista que me mostraba a mí pero
también le mostraba a él, una revista que nos unió
ambos y que consiguió que tanto mis seguidores como
los suyos vieran mi importancia y lo que yo era capaz

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de hacer. La relación marchaba sobre ruedas, todo era precioso, unos años de plenitud, de
crecimiento y sobre todo de aprendizaje. En 1900 junto a Henry Van Velde, se llevó acabo mi
profunda unión con el arte, la primera exposición de vestidos femeninos modernos diseñados
por artistas, estaba llegando a su nivel, estaba dejando de ser la ‘amada de’ y estaba
comenzando a ser la moda, seis exposiciones en Alemania, dos en Viena y una en Zúrich, me
hicieron ver todo aquello por lo que siempre luché. Me había extendido en todo el mundo, sin
embargo Viena realmente se enamoró de mí.

A principios del siglo todo el mundo estaba se fijaba principalmente en él, sin embargo
Koloman Moser y Gustav Klimt, grandes amigos del arte, se sumaron a mi revolución. Primero
dibujando bocetos de vestidos para alumnas de una escuela y para su familia, seguido de
acompañarme para estimular la actividad de Emily Flögue, una increíble persona, muy amiga
del feminismo, que fue diseñadora, empresaria y en 1904 me abrió las puertas de su casa de alta
costura.

Él era feliz a mi lado, seguía trabajando, seguía revolucionando el mundo con sus locas ideas y
con todos aquellos que eran capaz de llevarlas a la realidad, Klimt y Flögue sin duda
comenzaron a ser sus favoritos y ellos los míos. Se unieron en estética y emergieron en las
fotografías que el artista tomó de su compañera en 1906, una conversación hecha con líneas
peculiares, costuras, motivos decorativos y tejidos. Aquellos vestidos fueron vestidos de
reforma que se convertirían en un espacio de manifestación política para la liberación física y
simbólica de las presiones a las que era sometida a la mujer, porque ella no paraba quieta,
porque ella estaba en todas partes porque el feminismo también se coló en aquella sesión
fotográfica de 1906.

Los comienzos del siglo XX fueron unos años realmente llenos de trabajo, llenos de amor y
llenos de encuentro personal. Sin embargo estábamos causando grandes debates dentro del
mundo intelectual, como Baudelaire que defendía ideales eternos de belleza caracterizados por
la elegancia y el clasicismo y Mallarmé por otro lado que opinaba que la belleza radicaba en lo
temporal y en lo abstracto e inalcanzable por algún artista, siendo la moda lo más próximo a
ella.

Pocos años después en 1910 surgió un nuevo vestido que revolucionaria todo mi mundo, un
vestido que nos representaba tanto a él como a mí el vestido de Delphos de Mariano Fortuny,
ese verdadero vestido artístico, aquel que como una obra de arte hubiera desafiado el tiempo y
los cambios más radicales, no fue creado en Inglaterra ni en Australia ni en Francia sino en
Italia, mi sabiduría había llegado mucho más lejos de lo que nunca hubiese imaginado. Fortuny
ya tenía relación con el arte pues era hijo de uno de los pintores más importantes de su época

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con quien compartía nombre. Mariano era un enamorado del arte y ahora formaba parte de él,
así que se pasó a mi terreno aunque seguiría realizando pintura, fotografía escenografía... Pero
sobre todo proyectó y produjo prodigiosos tejidos estampados, de sus manos salió el modelo
Delphos haciendo realidad esa idea intelectual de ninfa griega de los pintores prerrafaelitas y
las pinturas de Alma-Tadema, respondía de manera perfecta todas las teorías relativas al vestido
artístico; era original, moderno, simple y de extraordinaria belleza. Fue admirado por muchos
incluso Marcel Proust en ‘En busca del tiempo perdido’ donde nombraría a esta verdadera obra
de arte más de 20 veces. Ciertamente cambio de perspectiva de interés sobre la funcionalidad
de la moda, hizo del vestido un signo de valores alternativos, insertando la moda en todos los
corazones de aquellos quiénes le admiraban y por ello le estaré eternamente agradecida.

París ya había captado la importancia y la potencia que representaba mi alianza con el arte, la
alta costura se había impuesto y conquistado un papel de centro internacional de la creación.
Había dado vida a una sólida organización productiva y comercial y a un sistema de difusión de
nuevas tendencias, París por fin se dio cuenta de que esta importante unión para mi abriría un
camino hasta entonces más desconocido.

En 1901 sentí que mi hogar volvía a ser mi hogar, ‘Les Modes' una revista que me había puesto
en el punto de mira cuando yo era una don nadie, le admitió a él entre sus páginas. Tuvo tanto
éxito que el arte y yo decidimos dar un paso más allá y decidimos contraer matrimonio. Yo no
me lo podía creer no pensé nunca que la gente me amase tanto, que él me amase tanto. Y allí
fue cuando una galería de arte se transformó en El Hotel des Modes, dedicada al arte, el arte de
la mujer, el arte de la decoración y el arte de la moda; según lo describían ellos, ya era oficial.
La exposición de inauguración expuso retratos de reconocidos pintores como Giovanni Boldini,
Antonio de la Gandara, Gastón de La Touche junto a modelos conocidos diseñadores como de
Doucet, Paquin o Worth.

A partir de aquí grandes nombres surgieron, fue Paul Poiret quien se llevó la corona y abrió
oficialmente la puerta de la moda los artistas en 1906, utilizó dibujos publicitarios de Bernard
Naudin y Paul Iribe, de esta colaboración surgió el primer catálogo de una colección de moda y
una obra gráfica de altísima calidad. En 1910 Poiret decidió experimentar nuevas formas de
dialogo entre los artistas convencido de que yo debía y tenía que encontrar otros modos de
sostener el arte contemporáneo, pues yo había pasado a ser su foco principal.

Este año mi querida Sonia Delaunay quien fue primero pintora, luego diseñadora de interiores y
finalmente modista llegó a combinar todos esos trabajos en su carrera profesional. Tras su visita
París donde por ese entonces estábamos viviendo el arte y yo, pues él tenía mucho trabajo por
delante se venían las vanguardias, conoció artistas como Picasso, Braque y a su marido Robert

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Delaunay, artistas vinculados al movimiento cubista que nacería unos años más tarde, esta
influencia se manifestó en todas sus prendas a través del color, su concordancia con el
movimiento y su silueta. De esta manera dio vida al vestido simultáneo, un experimento de
colores dejando claro que la moda la pintura y la vanguardia irían siempre ligadas.

Sin embargo el arte y yo comenzamos a tener problemas, puede ser por falta de comunicación,
por ego o por prepotencia, pero lo que hasta ahora nos estaba haciendo felices a ambos, puede
ser que se llevase nuestra relación por delante.

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 CARTAS A

Querida Moda,
Deseaba escribirte pues no paro de verte a mi alrededor, se que
siempre hemos tenido alguna tipo de contacto pues tu existencia
me inspira. Ultimamente te veo rara, te veo distinta, te veo mas
especial. me han llegado rumores de que no paras de hablar de
mi por los alrededores, pues ya en 1858 has conseguido llamar
mi atención, me alegro de que lo hayas hecho de esta magnifica
forma. Worth acaba de abrir su Maison de alta costura, casi te
acercas a mi grandeza, su éxito esta inundando París desde que
la emperatriz Eugenia pisó su establecimiento. Muchas
felicidades por este logro que sin duda marca una nueva etapa
en ti.
Un bonito abrazo,
Arte.’

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LA MODA

‘Querida Moda,
tus cartas a mi también me llenan de alegría, cada vez te veo crecer
más, me llena de orgullo tal inspiración para ti. La burguesía te
adora, la burguesía te acabara lanzando al estrellato, hace a penas
cuatro años Worth, tu gran estrella estaba comenzando su carrera,
aspirando a la exclusividad y renovación, y hoy, la sociedad parisina
de 1860 se junta en lo más alto para apreciarte. Has conseguido que
toda la alta sociedad admire tu obra en el primer desfile de la
historia que estoy seguro que le seguirán muchos más.
Cada vez estoy más orgulloso de ti,
Espero verte pronto,

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John Robert Parsons - retrato de Jane Morris
Primeras editoriales de moda 1865
R
obert Parsons y sus fotografías fueron el testimonio que conservamos como ruptura
definitiva de la moda tradicional, uno de los grandes pasos que me convertiría en
quien soy hoy.
Parsons, hizo de celestina entre la moda y el arte, juntando así a uno de los pintores
prerafaelitas mas reconocidos de su tiempo, Gabriel dante Rosseti con la fotografía y la
vestimenta femenina, creando así lo que sería la primera editorial de moda ( lo que hoy en día
sería una serie de fotografías con una línea estética común que por lo general tienen el objetivo
último de mostrar al mundo una nueva colección de ropa o complementos a través de medios
de comunicación como revistas del sector)

Nuestro autor nacido en Dublín, hacia 1825, fue un fotógrafo y pintor irlandés. Es conocido por
la serie de fotografías que hizo en 1865 de la modelo Jane Morris de Dante Gabriel Rossetti.
Parsons creció en el condado irlandés de Cork y se mudó en 1840 a Londres, allí trabajó como
pintor y entre 1850 y 1868 expuso varias veces en la Royal Academy of Arts y la Grosvenor
Gallery. Desde 1860 también estuvo involucrado con la fotografía y abrió un estudio
fotográfico en Portman Square. Además de retratos, también tomó fotografías de pinturas,
incluyendo a Dante Gabriel Rossetti y James McNeill Whistler. Hoy, Parsons aún es conocido
principalmente por la serie de imágenes que hizo a petición de Rossetti en el verano de 1865,
de la ex musa y modelo de Rossetti, Jane Morris.

La sesión de fotos en el jardín y la casa de Rossetti son dieciocho retratos conocidos. Rossetti
llevó a cabo un meticuloso control sobre las posturas durante la sesión de Morris, así como
también sobre la ropa que usaban y los objetos y muebles que usaban. Es difícil decir cómo
Rossetti tomó las fotos más tarde como base para pinturas posteriores. Su Reverie en 1868 se
asemeja inequívocamente a una de las imágenes tomadas, pero también se ve similitudes con
otros retratos no solo de Morris sino también con retratos posteriores que Rossetti hizo de
Alexa Wilding. Rossetti, sin embargo, usó las imágenes no como estudios detallados, sino
probablemente principalmente como herramientas para visualizar ciertas poses y como un
recordatorio de los tiempos en que su modelo no estaba disponible.

A principios de la década de 1870, Parsons se asoció con el marchante de Rossetti, Charles

Augustin Howell. Desde aproximadamente 1870 hasta 1877, tenía un estudio en la calle
Wigmore de Londres, pero desde 1878 ya no fotografiaba. A partir de 1888 ya no tendría
exhibiciones y llevó una vida apartada. Era conocido como un hombre tranquilo e introvertido.
Parsons se declaró en bancarrota en 1892 posteriormente falleció en soledad, en una habitación
en Kensington en 1909. Para el público en general, se mantuvo desconocido, en parte porque se
negó a exhibir en las últimas décadas de su vida sin embargo para m.
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Sus pinturas se encuentran y apenas se conocen en colecciones privadas.

En cuanto a la fotografia escogida para mostrar su trabajo fue realizada en 1865 junto al resto
de la serie mencionada anteriormente. Podemos observar a la modelo, musa de Rosseti, Jane
Morris con una pose mostrando naturalidad,de perfil con el cabello suelto, su barbilla reposa
sobre su mano derecha mientras que la otra se apoya en el sofá donde se encuentra sentada, esta
pose ha sido utilizada miles de veces en editoriales posteriores de la moda actual, kate Moss
Noemi Campbell, Cindy Crawford... en el fondo podemos observar distintas texturas y
tonalidades entre el telón negro que nos permite apreciar mucho mejor ese rostro de perfil, una
viga de madera que cortarla visualmente la imagen y al fondo con un desenfoque notorio las
telas de la carpa donde fue realizada la sesión.

En cuanto al vestuario vemos un vestido de telas lisas, poco ostentosas y que juegan con las
lineas naturales del cuerpo, generando brillos y sombras así como pliegues haciendo que este
sea un gran punto de interés para el observador. La fotografía pretende estudiar
mayoritariamente la relación del cuerpo con la vestimenta, y afianzaron la reforma de la
inglaterra victoriana donde se decidió que la moda con unos nuevos conceptos de libertad e
innovación era la mas refinada, comida higiénica y bella. confrontando las ideas estrictas e
inflexibles de la moda parisina.

Una fotografia analogica de luz suave y distribuida, alto contraste, monocromatica y rompedora
ocasiona un gran avance en esta curiosa historia, juntándose ademas a movimientos
sociopoliticos como el feminismo con el que la moda tendrá muchos vaivenes en el futuro.

25
“Una mujer prerrafaelita es una mujer
atractiva e independiente; no solo goza
movilidad en su forma de vestir sino que la
pretende”
-Mary Eliza Haweis.

26
 Retrato de Emilie Flögue- Gustav Klimt
1902

27
G
ustav Klimt es considerado el padre de la pintura modernista por muchos, fue un
pintor austriaco, nacido en 1865, y gracias a quien tuve un acercamiento inédito con
el arte de nuevo. Emilie Floge coincidió en su nacionalidad con el pintor, nacida en
Viena en 1874, se unió a la familia Klimt al contraer matrimonio en 1891 con el hermano de
Gustav, Ernest. Iniciando así unos largos años de modelaje para ser la protagonista de bocetos y
pinturas de nuestro artista modernista, hasta protagonizar esta obra, “retrato de Emilie floge”.
Gustav se puso en contacto con Emilie tras el fallecimiento de Ernest en 1895 para acabar
convirtiéndose en el tutor de la pequeña Helena, hija de la pareja, así Gustav entró de lleno en
la vida de Emilie, y Emilie en las obras de él.

Emilie junto a dos de sus hermanas fundaron una pequeña tienda dedicada a la moda en Viena,
que acabaría siendo el centro de la moda vienesa, instalándose en una de las principales calles
comerciales, Mariahilfstrasse, construyendo así una carrera espléndida como modista,
acercándome a lo que acabaría siendo una verdadera historia de incertidumbres y emociones
junto al arte.

Emile era la más vitalista de las hermanas por lo que se dedicó al diseño, viajando a París en
varias ocasiones al año para comprar tejidos en las casas más prestigiosas como Chanel o
Rodier. La actividad de Emilie como empresaria y diseñadora de alta costura continuó hasta
1938, año en el que se produjo la invasión alemana a Austria lo que obligó a Emilie a cerrar su
flamante salón pues las cosas habían cambiado y las clientas más distinguidas habían emigrado.
Emilie se estableció con Helene en un apartamento en el número 39 de la Ungargasse, en el
que, en los últimos días de la II Guerra Mundial, un incendio destruiría la colección de ropa de
Emilie y además, muchos objetos de valor provenientes de la herencia de Klimt muerto en
febrero de 1918.

Se desconoce la relación que existió entre Gustav y Emilie, aunque no quedó excluido de
rumores y teorías, lo que bien es sabido es la influencia que Emilie llenó a Gustav de nuevos
hobbies y como no el diseño de moda sería uno de ellos. Gustav realizó varios bocetos de
prendas que haría como inspiración para Emilie y que influirían en su obra posterior en los
detallados mantos y prendas que destacan en sus obras, y por supuesto que no pasa
desapercibida en su retrato esta maravillosa influencia que tanta visibilidad me trajo.

Centrándonos en la obra del Retrato de Emilie, datada en 1902, forma parte de la época
simbolista de nuestro autor Aquí, por primera vez, el pintor hace prevalecer el aspecto
ornamental sobre el parecido y, al tiempo que representa a su compañera como una mujer fatal,

28
la priva de la natural tridimensionalidad: su cuerpo es aplanado e imaginado como una silueta
proyectada ante un fondo.

La propia figura se convierte en un arabesco, efecto acentuado por el contraste entre el fondo
abocetado y la minuciosidad del dibujo del vestido. La cabeza, como las manos, es recortada
dentro de un campo decorativo y, si por lado tiende a perder consistencia, por otro su
aislamiento la pone bien de manifiesto, atrayendo la mirada del observador. La voluntad
decorativa del artista impregna todos los detalles, incluso, como en un divertimento, su misma
firma, reveladora de la importancia que daba a la actividad gráfica, estimulada por su
colaboración con la revista Ver Sacrum.

Klimt incluye en el lienzo dos cuadrados de colores distintos, utilizando el primero para su
nombre y la fecha y el segundo, en dos tonos de verde distintos, para un estilizado monograma,
variante del creado el mismo año 1902 para el catálogo de la XIV muestra de la Secesión.

Se cuenta que Gustav Klimt, poco antes de morir y medio paralizado por un derrame cerebral
que había sufrido unos días antes, pidió que se avisase a Emilie para poder verla. Fue la única
persona a la que mencionó en su lecho de muerte. Emilie heredaría la mitad de los bienes del
pintor y la otra mitad se repartió entre la familia de Klimt, ambos tuvieron un gran lugar y
poder en ambos mundos haciendo que de una forma involuntaria, estos tomasen un
acercamiento repentino que nunca antes había tomado.

29
30
Portada primavera verano - 1904
31
V
ogue, una revista de moda que
actualmente reina en su
ámbito, ha sido sin duda una
parte crucial en el desarrollo de la moda
actual, introduciendo avances como la
fotografía artística o incluso propulsando
los desfiles que pronto se extenderían.
Su origen se remonta al año 1892 en
Estados Unidos, donde el señor Arthur
Baldwin Turnure fundó una gaceta
semanal enfocada a los aristócratas de la
época. La elección del nombre no es algo
al azar, pues tanto en inglés como en
francés significa “estar en boga”
relacionado con “estar a la moda” o “en
tendencia”, algo bastante recurrente para
la temática que va a tratar la revista.
Otros de los temas que trataba
principalmente eran literatura, música y
deportes.
Posteriormente, cuando falleció Turnure,
tomó las riendas Condé Nast, una experta
en publicidad que redujo la periodicidad
de la revista a dos veces al mes y enfocó
todo su contenido a la moda y a las
mujeres. También, aumentó su difusión a
partir de 1910, comenzando a editarse en
Gran Bretaña y otros países
internacionales. Uno de ellos fue España,
donde por el momento no surtió tanto
efecto como en otros países como
Francia. Gracias a este cambio, ganó
popularidad y prestigio debido en parte a
la contribución de algunos artistas como

32
Dalí, Giorgio de Chirico, Man Ray o época, apostando por la modernización y
E d w a r d S t e i c h e n . To d o s e l l o s , renovación de todo lo anterior. Evitaban
permitieron a la revista convertirse en un la reproducción de otros estilos y
Louvre de la moda. defendían un arte aplicable a todos los
ámbitos, incluido el mobiliario urbano.
Desde sus orígenes, Vogue contó con El hecho de que surgiera por y para la
grandes artistas para el diseño de sus burguesía, hace que esta unión con el
portadas e ilustraciones. Hoy en día, los cambio y la innovación resulte tan
números antiguos de la revista Vogue son relevante.
una asombrosa fuente documental para
indagar en la historia de la moda. Es por Sus principales características son el
ello, que he decidido darle lugar una de empleo de motivos naturales sin ser
sus portadas más antiguas para mostrar la únicamente el retrato de plantas o
gran carga artística que la revista trajo a animales, sino que se inspiraban en sus
la moda. movimientos y formas, aportando mayor
Para comenzar, nos remontaremos a la dinamismo al nuevo estilo. En concreto,
portada publicada el 25 de abril de 1904 las líneas ondulantes eran predominantes
que, como podemos observar, por pues si nos damos cuenta en la naturaleza
razones técnicas empleaban la ilustración la presencia de la línea recta es
para el desarrollo de sus diseños. La inexistente. Dentro de esta categoría,
autoría es desconocida, algo que puede surgieron dos corrientes que se
ser debido, además de por su antigüedad, solapaban: por un lado, los que se
a que por aquel entonces tampoco era de inspiraban en la vegetación generando
gran relevancia señalar la autoría del patrones asimétricos que aportaban
diseño. mayor dinamismo
En un principio, la revista trataba una a las obras y, por otro lado, los que se
amplitud de temas asociados al modo de basaban en la geometría. Otro rasgo que
vida y actividades realizadas por la identifica al estilo es el ornamentalismo y
aristocracia. Entre ellas se encuentra la mezcla de estéticas. En esta portada en
literatura, la música, el arte, el teatro y la concreto, podemos apreciar la figura
moda, esta última situada en el centro al femenina como protagonista, centrada en
ser la más importante. Toda la estética la imagen, en un ambiente naturalista,
está basada en el Art Nouveau, rodeada de árboles de cerezo muy a
movimiento artístico nacido entre los menudo
siglos XIX y XX que marca un fin de

33
 asociados con la feminidad, con un traje
sencillo de color blanco, con un
trasfondo de pureza. La portada cuenta
con un trazo muy marcado, poco realista
pero muy expresivo. Encontramos a la
imagen principal encuadrada en un
rectángulo donde en la parte superior
vemos un ornamento donde se sitúa el
nombre de VOGUE, y en la parte inferior
de este sin embargo esta vez dentro del
recuadro otro ornamento muy similar al
anterior donde detalla el tema central del
número, moda de primavera, muy acorde
con lo representado en la imagen
principal.
En cuanto a la tipografía, emplean una de
tipo clásico cuya serifa posee cierto
carácter ornamental y obtiene cierto
dinamismo con el enlace de las letras O y
G, antes de llegar a la homogeneización
tipográfica de la cabecera de Vogue, la
revista siempre se caracterizó por la
libertad dada a sus diseñadores a la hora
de llevar a cabo sus proyectos. En este
caso, a pesar de la aparente sencillez, el
aire decorativo de la letra encaja también
con los parámetros del Modernismo.

Vogue representó durante décadas la

moda mediante el arte de su época, pasó
por estilos clasicistas, modernistas o
vanguardistas dejándonos un gran legado
de esta relación que tanto se sigue
cuestionando.

34
 “Piensa como un artista,

—Mariano Fortuny
trabaja como un artesano”

35
Vestido Delphos
-Mariano Fortuny
E
l verdadero vestido artístico, aquel que como una obra de arte hubiera desafiado el
tiempo y los cambios más radicales de la moda, no fue creado en Inglaterra ni en
Austria ni en Francia sino en Italia. Su autor fue un artista cosmopolita y ecléctico,
Mariano Fortuny y Madrazo.
Nació en Granada, en 1871. Fue hijo del reconocido pintor Mariano Fortuny Marsal, vivió con
su familia en Roma, Venecia y París, rodeado de artistas e intelectuales. Abrió su primer taller
en 1891, en Venecia. Fue un artista polifacético y renovador, apasionado de las innovaciones
técnicas que no dudaba en aplicar a sus obras. Se interesó por la escenografía, por las técnicas
lumínicas, por la fotografía y por la moda. Las mujeres más famosas y elegantes del momento
vestían sus tejidos, convirtiéndolos en objetos de culto. En 1920 trabajó en la decoración del
teatro de la Scala de Milán para la obra “Parsifal”. En 1925 realizó los diseños para las
lámparas de la Exposición de Trajes Regionales de Madrid. Como grabador, trató temas
wagnerianos, shakesperianos y paisajísticos. Participó en numerosas muestras y certámenes
internacionales, en las que obtuvo varios premios y falleció en Venecia, en 1949

De sus manos en 1907 salió el modelo Delphos con hechura cilíndrica, inspirado en el chitón
jónico realizado en raso de seda cargado de numerosos pliegues plisados con un cerrado y
misterioso sistema de patente. Fortuny hizo realidad ese ideal intelectual de ninfa griega de los
prerrafaelitas y las pinturas de Alma-Tadema, inspirado en el Knossos griego utilizado por la
mujeres de alto rango en la antigua Grecia.

El vestido de Fortuny respondía de manera perfecta a todas las teorías relativas al vestido
artístico pero sobre todo era original, moderno, simple y de extraordinaria belleza. Las señoras
de la alta sociedad y divas de la pantalla que visitaban frecuentemente Venecia, competían entre
sí para vestir las famosas túnicas. Marcel Proust será el autor que más brillantemente analice
los trajes de Fortuny. Su novela En Busca del tiempo perdido, contiene más de veinte
referencias a los vestidos del artista español. Resulta comprometido afirmar que la moda
artística tuvo su origen en un movimiento de anti- moda. Aunque ciertamente se contrapone al
modo de vestir que la burguesía del siglo XIX había adoptado. Ciertamente el cambio de
perspectiva e interés sobre la funcionalidad de la moda hizo del vestido un signo de valores
alternativos a los corrientes insertando a la moda en un proceso de renovación cultural y
estético destinado a transformar el gusto de toda la sociedad. Se trataba más bien de la creación
de otra moda distinta y al mismo tiempo complementaria de la parisina, dando a luz así al
comienzo global de una nueva revolución.

36
El vestido Delphos de Fortuny es una prenda de seda de minúsculo plisado y de aire griego
creado por Mariano Fortuny en 1907. Los primeros Delphos, fueron réplicas casi exactas del
llamado chitón podéres, la túnica que luce el bronce del Auriga de Delfos, de quién toma el
nombre. Aunque todos los Delphos son iguales, su proceso de elaboración hace que ninguno
sea idéntico al anterior.
La sencillez de sus formas fue la mayor de sus conquistas convirtiendo al vestido Delphos en
un auténtico emblema de la liberación femenina de corsés y otros elementos constrictores.
Pronto se convirtió en una pieza de culto que vestía a las mujeres de la alta sociedad de la
época y que contaba con las alabanzas de grandes escritores como Marcel Proust.

Mariano Fortuny, nuestro gran diseñador, no solo amaba la moda sino también la pintura,
escultura y muchos otros ámbitos artísticos, su pasión por la pintura quedó plasmada a través
de la gama cromática de la que hacen gala los vestidos Delphos.
Según la leyenda, Fortuny nunca reveló las fórmulas con las que elaboraba y teñía sus vestidos.
Al día siguiente de su muerte, su viuda Henriette arrojó a las aguas de los canales de Venecia
los colores elaborados por su marido, para que nadie pudiera imitarlos. Algo que, al parecer
consiguió porque, a pesar de los numerosos estudios que se han efectuado sobre los tejidos,
todavía hoy no es posible encontrar la fórmula de tintado que permita la reproducción exacta.

Dejando a la imaginación de miles de diseñadores que le seguirán el el futuro como Fortuny

conseguía plasmar tanta belleza y perfección en sus vestidos, haciéndole un hito en la moda y
sobretodo abriéndose un merecido espacio en esta peculiar historia de “amor”.

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THE LOVE STORY
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42
CUANDO
 CRECÍ
Parte 3

43
A
mbos seguíamos ocupados en una época llena de cambios que nos requerían tanto a
él como a mí en nuestro mayor esplendor, nuestra relación poco a poco se fue
deteriorando y aunque nos seguíamos amando ya nada era como antes, decidimos
entonces tomar distancias.

Las vanguardias comenzaban a fluir por toda Europa, él estaba triunfando como siempre lo
había hecho, sin embargo en algunas de sus corrientes dejaba ver como aún me seguía amando.
En el cubismo por ejemplo, con Braque, con Picasso o con Delaunay… Pero llegó el futurismo
donde dejó clara una rabia profunda hacia mi ser. Se trata de 1909 cuando declaró
públicamente que yo corrompía a las mujeres por su adicción al consumo,aunque me seguía
apreciando, apreciaba las líneas, las armonías que los vestidos generaban. Pero se le fue de las
manos, sus seguidores futuristas tenían como finalidad abolir el sistema de la moda diseñada
como una obra de arte y se apropiaron de mí como Giacomo Balla de cuyas creaciones solo
quedan bocetos o también Fortunato Depero donde se sumergió en mí para destruirme.

Yo decidí seguir por mi camino, yo podría hacerlo sola. Le seguí amando, le seguía buscando
en cada costura y en cada pieza pero yo podría seguir sola, había creado una revolución que
había cambiado desde los fundamentos la manera de vestir femenina, exigía aportaciones
estéticas originales y las mujeres habían entrado a combatir contra el corsé y las enaguas
queriendo una silueta más flexible que siguiese en la línea habitual del cuerpo, estaba
evolucionando las costumbres de sastrería, quienes desaparecerían razón de una indumentaria
más simplificada y sencilla. Me centre en mi en mi belleza y conseguí un vestido femenino que
nunca había sido tan natural desde el mundo clásico.

Me seguía acordando de él pues todo mi mundo estaba construido a su lado y inevitablemente

tendría que seguir cruzando miradas con él, mis diseñadoras no se alejaban de sus artistas
querían seguir uniéndose en vanguardias. Mi vida y la de todos dio un vuelco allá por 1914, lo
que se había buscado en la revolución de la moda era por innovación, era por pudo regodeo
intelectual, sin embargo esa simplicidad y esa sobriedad ahora se estaba dando por necesidad,
todo de repente se cubría de ruinas, de pobreza, de llantos, de temor… a pesar de ello, me
mantuve erguida durante toda la guerra, si no lo estaba yo aquellas personas que me vistiesen
no podrían hacerlo y así fue como me representó Cecil Beaton, como algo poderoso,
indestructible y necesario en el mundo.

44
La guerra trajo muchas desgracias y esas desgracias trajeron mucho arte y con ello muchos
nombres que me acompañarían por el resto de mi historia como fue el caso de Coco Chanel.
Una mujer que representaba mis valores por lo menos en aquel momento, frente al mundo ella
surgió de la nada, trabajó,fue independiente y me alejó a mí también del arte. Me hizo valerme
por mi misma y me recordó que yo podría seguir adelante, que era necesaria y que mis formas,
mi simpleza y mi belleza me la daban todos aquellos que me vestían y me apoyaban, no me la
daba él.

Quise hacerle caso, pero una parte de

mí no podía alejarse de él, estaba
segura de que el me seguía amando y
esto lo tengo claro cuando surgió el
surrealismo. Donde mi gran seguidora
Elsa Schiaparelli, al contrario de otros
creadores, se adentro en mi mundo
utilizándole a él como el medio. Era
una gran defensora de que él y yo
estamos destinados a estar juntos y
siempre lo haríamos, por ello se
proclamó la primera diseñadora del
surrealismo, colaboró con artistas tan
importantes como Dalí y creo de
corazón colecciones inspirándose en
sus obras. Junto a ella pero en otro
sentido seguía acompañándome
Chanel, quien además de colaborar
con Dalí guardaba una gran amistad
con un grupo de artistas intelectuales
que más allá de rechazarla la
acogieron.

Sentía que ese no era mi sitio y lo sentía gracias al nuevo genio que apareció en mi vida
Cristóbal Balenciaga. Una persona que con unos valores muy similares a los que me aconsejaba
Chanel, yo debía serme fiel a mi misma, debía vestir con elegancia, debía preocuparme por las
personas que me querían, debía preocuparme por mis siluetas, por mis costuras, por mis colores

45
sin contemplar los suyos. Y así fue como él se convirtió paralelamente al arte en uno de los
iconos más importantes de la historia de la moda. Balenciaga me insistió en innovar por mi
misma y en innovar con mis posibilidades, con mis volúmenes y tejidos, experimentar con ellos
y no con el arte. Ni con lo que él disponía.

A pesar de todo su apoyo y de mi cambio de

mentalidad no podía alejarme de él seguía habiendo
un mundo alrededor de él, por lo que seguía
organizando exposiciones de mis obras y volvía a
tener unas palabras desde la lejanía con él. La
aclamada diseñadora francesa Madeleine Vionnet
trabajó con el futurista italiano Ernesto Michahelles,
durante años trabajaron juntos para que él crea
hacer bocetos para ella y no fue la única sino que mi
querida Gabriel Chanel encargó dibujos para tejidos
a Iliadz, a quien posteriormente le encargaría la
dirección de su fábrica de telas. Y como no Sonia
Delaunay, una gran emprendedora que volvió a
poner comunicación entre nosotros, buscó el
contraste y la simultaneidad rítmica de los colores
junto a su marido artista Robert, implicando a
Apolillare quien lo definiría como cubismo orifico.

Y pasaron los años y seguimos así, odiándonos y

amándonos a la vez, estábamos presentes en ambas
carreras, en ambas vidas pero fue en los años 20
gracias de nuevo a Delaunay cuando volvimos a
hablarnos. En 1923 esta querida cabezota diseñó
unas 50 relaciones de color con formas geométricas
puras, y un año más tarde abrió su propio taller
donde las utilizaría sus piezas, la cuales fueron tan
aclamadas que fueron expuestas en el Salón de Otoño al mismo tiempo que publicadas en el
boletín de las formas modernas como adaptaciones originales del cubismo a otros ámbitos
artísticos.

46
Elsa Schiaparelli seguía vagando y proponiendo nuevas creaciones artísticas en pasarela. Me
costaba verle ahí y saber que no estaba conmigo pero por fin entendí que colaborar con los
artistas suponía un recurso extraordinario para generar y alcanzar nuevas formas, ya que las
personas de gusto se inspiran recíprocamente y yo misma vivo de esos intercambios de estas
sutiles correspondencias.

El gran Dalí y Jean Cocteau acabaron diseñando

para ella era también, una respuesta al frívolo
deseo de vestir de los sueños, no obstante los
complejos significados psicológicos,
psicoanalíticos y filosóficos que recogían, se
trataban de piezas emblemáticas que proponían una
reflexión sobre el significado de la moda y que se
encajaban como piedras preciosas en el interior de
las colecciones. Eran piezas que hacían hablar a los
periódicos y que solo pocos tuvieron el valor de
ponerse, pero que lanzaban la idea de que un
vestido podía ser una obra de arte, un objeto de un
museo y un tesoro inalcanzable.

La parte futurista del arte seguía dejando claro que

me odiaba, decía que no me acoplaba a las
intenciones de valorar el dinamismo y la velocidad,
me consideraba dañina y fortalecedora de la
debilidad femenina, tal como expresó Marinetti
alejándome no solo de él, sino de la que había sido
una de las mejores amigas que había conocido
nunca, quería alejarme el feminismo.

Esto sería algo que marcaría un antes y un después

en mi relación con él, pues el feminismo me ayudó
tanto a valerme por mi y ayudó a todas aquellas mujeres que vestían mis trajes, que no podía
permitir que me alejarse de ella.
Así que por una vez tome todos esos consejos y me alejé en 1942 de la mano de Pierre Cardin,
había dejado mi relación con el arte y no creo que volviese a ser la misma, nunca me centré

47
únicamente en mi y en mi en mis intereses y en lo que todo el mundo me estaba reclamando;
llevar la moda a todos los rincones del mundo sin interesar la clase social o la riquezas de
quienes me consumían.

Este año llegó a mi vida el prét-à-portêr y fue en ese preciso momento donde tuve mi mayor
acercamiento al público general.
Era la época de posguerra donde la población estaba sumergida en una tremenda crisis, donde
se requería una vestimenta accesible para la mayoría de personas. Sin embargo quería seguir
manteniendo el estatus que tanto tiempo me había requerido conseguir, por ello en esta forma
innovadora de llegar a los consumidores, los clientes podrían adquirir directamente en
boutiques sus prendas listas para vestir, se creó el tallaje estándar en un mismo modelo y
patrón. Al comienzo las grandes casas me dieron la espalda pues consideraban que yo no era
nada sin el arte. Por el contrario Yves Saint Laurent y Coco Chanel me siguieron apoyando
desde el primer momento. Se sumaron al prot-à-portêr y seguido comencé a renacer.
Ambos ganaríamos algo, yo valerme por mi misma y alejarme del peso que me había llevado
querer estar siempre a la altura del arte y aquellos que me amaban acceder ropa de diseño de
calidad a costes más bajos.

El mundo estaba pasando por una etapa muy dura entre la Primera Guerra Mundial, la
entreguerra, la Segunda Guerra Mundial y la posguerra. La gente tenía muchas preocupaciones
que rondaban sus cabeza. Yo intentaba seguir mi propio camino, pero no podía olvidarle a él, lo
intenté bajo todos mis medios, realmente lo intenté, pero mi mundo había estado construido su
alrededor y aunque estaba intentando separarlo a día de hoy sigo pensando que esa situación
nunca se dará, en 1943 volví a verle de cerca cuando bajo la idea de la nueva directora de
Vogue decidió otorgarle al artista Helen Dryden la oportunidad de crear el cartel para mi
posible reconciliación con el arte. La primera Fashion week de Nueva York un espectáculo
lleno de estatus, en el Hotel plaza, lleno de prensa y compradores que volverían a esperar de mí
una performance, un objeto artístico en mis diseños.

Y por supuesto ahí estaba el regodeándose, pensaría que gracias a él había conseguido cumplir
uno de mis sueños, que todo el mundo celebrase la moda como objeto de gloria, de alegría y de
admiración. Sentía algo que no podría ser descrito con palabras, podría ser ira, envidia,
vergüenza hacia mi misma ,simplemente un amor por él del que no me podía desprender, yo
sabía que él me seguía queriendo pues siempre quedaba un paso adelante ahí estaba mirándome

48
con superioridad, pero ahí estaba, mirándome. Todos mis logros, todos mis esfuerzos fueron
vistos por sus propios ojos y eso no podía ser solo por orgullo.

La segunda guerra mundial llegó a su fin, y con ello un nuevo comienzo para mi junto a él.

49
Trajes de día
-Coco Chanel
50
G
abrielle Chanel, más conocida como Coco, nombre de una balada francesa que
sonaba el día en que se enamoró por primera vez, es un icono de la liberación de las
mujeres, de la sobriedad de formas y como no del engrandecimiento de la moda
como valor independiente al arte.

Esta diseñadora y gran amiga de mi ser, nació en Saumur, Francia en 1883, fue una modista
francesa que revolucionó la moda y el mundo de la alta costura de los años de entreguerras.
Rompiendo con la acartonada elegancia de la Belle Époque, su línea informal y cómoda liberó
el cuerpo femenino de corsés y de aparatosos adornos y expresó las aspiraciones de libertad e
igualdad de la mujer del siglo XX.

Nació en una familia humilde y sin recursos de un padre viudo quien decidió que Gabrielle y su
hermana pequeña pasasen su infancia en un orfanato. Sus años en el hospicio fueron muy
productivos; allí aprendió a coser, bordar y planchar y ya para la adolescencia, Coco comenzó
a soñar con la figura que sería luego en el mundo de la moda, pero para ello hubo de inventarse
una biografía que la alejara de sus orígenes paupérrimos.
Cuando abandonó el orfanato se empleó en una mercería y también trabajó como bailarina en
La Rotonde, un club de oficiales del ejército. A los veintidós años, comenzó una relación que
duró seis años con Étienne Balsan, un joven adinerado que le enseñó el mundo de la opulencia
y el lujo. Fue a él a quien le pidió financiamiento para abrir su primer negocio: una
sombrerería.
En 1914, empieza realmente a entrar en el mundo de los negocios: compró una docena de
sombreros a los que hizo adaptaciones y comenzó a vender. El triunfo no se hizo esperar y con
el dinero ganado, abre su primera tienda en La Rue Cambon Nº 21, algo completamente
impensable para las mujeres de su época.
Luego abrió su segunda tienda en la Villa de Deauville y más tarde en Biarritz. Sus diseños en
este momento estuvieron en la cúspide del éxito, pues sus clientes eran la gente más elegante y
chic del momento.

Coco Chanel dio un vuelco a la moda a principios del Siglo XX, a ella se debe la desaparición
del corsé, pieza de vestir que aprisionó el cuerpo de la mujer durante todo el Siglo XIX. Fueron
los tiempos de la Primera Guerra Mundial. Introdujo los pantalones en el guardarropa
femenino, así como los vestidos de talle largo: el estilo “flapper”, los trajes marineros, las
faldas plisadas, las perlas y los zapatos de tacón bajo. Asimismo, impuso el color negro en el
51
vestuario, la joyería económica para una mujer independiente, introdujo la lana y el punto en
las clases pudientes… Chanel se apropió de toda una revolución práctica alejándose de la
faceta vanguardista y surrealista de su rival Schiaparelli.

El estilo de Chanel se mantiene lineal en toda su trayectoria junto a Gabrielle, predominan

prendas de tonos neutrales, marrones negros y beiges. Con estructuras sencillas, líneas rectas,
masculinas, una moda muy funcional de entreguerra, sin embargo Chanel vestía a una
burguesía con alto poder adquisitivo lo que popularizó mucho más esta apariencia austera
rompiendo de esta forma con el carácter clasista atribuido a la moda, pues visualmente las
prendas utilizadas por la class alta se asemejan bastante a prendas de uso cotidiano de clases
inferiores.

Usando como ejemplo la imagen seleccionada, vemos todas las características usuales de
Chanel en una etapa temprana. Blusas y faldas negras que anteriormente solo se utilizaban en
ambientes funerarios, vemos las faldas mucho más cortas de lo habitual llegando incluso a la
rodilla, el uso de perlas y camelias se extendió entre todas las sociedades y el cambio de la
pamela pesada y sombreros ornamentados a un sencillo sombrero de muselina ligera hizo que
chanel se popularizase aún más.

La trayectoria que tomó Chanel en esta revolución fue muy distinta a la tomada por otros
grandes diseñadores, sin embargo muy necesaria para la liberación femenina y sobretodo para
la aspiración de la moda a una valía propia independiente al arte, Chanel marco en sí un icono
social, de superación y artístico.

52
“Cuántas preocupaciones desaparecen cuando se decide ser ‘alguien’ en vez
de ‘algo’”.

53
1. “Se triunfa con lo que se aprende”.

2. “Si estás triste, ponte más pintalabios y ataca”.

3. “La libertad siempre es elegante”.

4.“Mantén la cabeza, los tacones y los principios altos”.

5.“Puedes ser preciosa a los treinta, encantadora a los cuarenta e

irresistible durante el resto de tu vida”.

6.“Una mujer debería ser dos cosas: elegante y fabulosa”.

7.“La elegancia no consiste en ponerse un vestido nuevo”.

8. “Una mujer que se corta el pelo está a punto de cambiar su vida”.

9.“La belleza comienza en el instante en que decides ser tú misma”.

10. “Una mujer tiene la edad que se merece”.

11.“La naturaleza te da la cara que tienes a los veinte años. Depende

de ti merecer la cara que tienes a los cincuenta”.

12. “Sé elegante. Sé cualquier cosa, pero no seas cutre”.

13.“La arrogancia está en todo lo que hago. Está en mis gestos, en la

dureza de mi voz, en el brillo de mi mirada, en mi rostro vigoroso,
atormentado”.
14.“La elegancia implica renuncia”.

15.“Yo impuse el negro. Todavía es un color fuerte hoy en día. El negro

arrasa con todo lo que hay a su alrededor”.

16.“La elegancia no es un privilegio de los que han superado la

adolescencia, sino de los que han tomado posesión de su futuro”.

17.“Una moda que no llega a las calles no es moda”.

18.“No hay nada tan cómodo como una oruga y

nada tan adorable como una mariposa.
Necesitamos vestidos que arrastren y vestidos
que vuelen. La moda es a la vez una oruga y
una mariposa. Mariposa por la noche; oruga
por la mañana”.

19. “Las mujeres piensan en todos los colores

excepto la ausencia de los mismos. El negro
lo tiene todo. Y también el blanco. Su
belleza es absoluta. Representan la
perfecta armonía”.

20. “La moda es

arquitectura, una
cuestión de
proporciones”.

54
 La moda es indestructible- Cecile Beaton

55

La moda es indestructible- Cecil Beaton

E
ran tiempos de grandes cambios en la humanidad, guerras, conflictos… Sin embargo el
arte seguía brillando en el siglo XX, se requería de el para soportar las catástrofes que
rondaban en el mundo. Cecil Beaton el gran fotógrafo del siglo consiguió retratar de la
forma más bella tanto guerras como rostros del siglo de Oro de Hollywood, y por supuesto la
moda que les acompaña.

Beaton fue un gran innovador. Demostró una gran agudeza visual y creatividad en sus trabajos,
especialmente para adaptarse a las modas oscilantes consiguiendo reinventarse en cada época,
por muy diferentes que estas fueran, además se caracterizó por desarrollar una gran sensibilidad
que le llevó a matricularse en Historia, Arte y Arquitectura. Sin duda, esta especialización, y su
consecuente visión polivalente, influiría en su trayectoria profesional como fotógrafo,
escenógrafo y diseñador de vestuario para el teatro y la gran pantalla, cronista de la moda,
brillante escritor, corresponsal de guerra...En definitiva, estamos hablando de uno de los artistas
multidisciplinares contemporáneos más destacados, un artista que consiguió mostrar un mundo
estilizado y exquisito, sin dejar de lado su naturaleza más pura y humana.

Cecil Beaton perteneció a una generación de intelectuales y artistas, sin precedentes por su
proximidad, que dio esplendor a las artes y las letras británicas.
Comenzó su carrera fotográfica en casa de sus padres, donde creó un estudio provisional. A él
pronto llegó Edith Sitwell, poeta de vanguardia y hermana de Osbert y Sacheverell, que se
convirtió en una de sus modelos más frecuentes. Los Sitwell eran muy influyentes y su
padrinazgo fue muy importante para el lanzamiento de la carrera del fotógrafo.
Beaton retrató el mundo de su tiempo, y sus imágenes, tanto de moda como de retrato, reflejan
el gusto del momento y también los cambios que se produjeron en ese gusto a lo largo de las
seis décadas en que desarrolló su carrera. Pasó de capturar la fiesta y la diversión de las
décadas de 1920 y 1930 a documentar los horrores de la Segunda Guerra Mundial, y se dejó
seducir, más tarde, por los activistas que agitaron Londres durante la década de 1960.

Nacido en Londres en 1904, su temprana pasión por la fotografía fue espoleada por Ninnie, la
niñera familiar. Beaton comenzó fotografiando a su madre y a sus hermanas, a las que vestía
con historiados trajes y hacía posar ante fondos igualmente elaborados.
Beaton reconocía que los fondos y la puesta en escena de sus fotografías eran a veces más
importantes que los propios modelos. Esto resulta evidente en algunos de sus primeros trabajos,
en los que la purpurina, el celofán y las lentejuelas casi engullen al modelo que posa ante el
decorado. En este sentido, en sus primeras imágenes, influidas por los decorados suntuosos y

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vaporosos de Adolf de Meyer que definieron el estilo de comienzos del siglo xx, Beaton
fabricaba mundos fantásticos recurriendo a decorados sobrecargados, en un estilo
neorromántico y rococó, y jugando con los efectos de luz. En esa etapa, su trabajo se distingue
por su talento natural para los retratos favorecedores y la armonía entre la modelo, el vestuario
y el fondo. El propio artista pintaba sus fondos y fotografiaba a las modelos bajo cúpulas de
cristal, envueltas en telas de plata o posando como estatuas.
Más adelante, a finales de la década de los cuarenta, tras el impacto de la Segunda Guerra
Mundial y el cambio que se produjo en el papel de la mujer, el estilo de Beaton es menos
recargado y fotografía a las modelos en actitudes de la vida cotidiana. La guerra hizo madurar a
Beaton y marcó un punto de inflexión en su carrera.

La ambigüedad de Beaton muestra en esta imagen, que lleva por título: "La moda y la belleza
son indestructibles", una dosis de cinismo hedonista que sorprende por su aparente ligereza,
sobre todo en la fecha en que está tomada la foto, 1941, en plena guerra mundial. Esta
fotografía fue publicada en Vogue, en septiembre del mismo año, una fotografía desgarradora
que muestra una Inglaterra totalmente muerta tras los bombardeos nazis de la guerra, con una
apariencia bella pero con un simbolismo y contenido mucho más profundo.

En esta imagen vemos ruinas, destrucción y tristeza, sin embargo en el foco central se
encuentra una mujer, posando de una forma cotidiana, natural, paseando entre los escombros.
Vestida de forma elegante, sus prendas intactas y cuidadas con una gran compostura. No nos
muestra el rostro de ella, pues simplemente lleva las prendas como si por mucho desastre social
presente, la moda y el arte siempre permanecen.

Una fotografía fría, en blanco y negro con un alto contraste y una luz muy dura creando
sombras elevadamente marcadas, transmitiendo esa sensación de dolor y supervivencia. Un
encuadre dramático dejando ver tanto la figura completa como los residuos de los edificios
totalmente destruidos en el suelo, a pesar de ello, la figura erguida y recta de ella nos vuelve a
mostrar como la moda y la elegancia la mantiene en pie.
Y quien le iba ha decir a Beaton que después de esta fotografía donde todo eran ruinas e
incertidumbres llegaría la luz con la época de oro de la alta costura pocos años después. Pues
como bien decía él, la moda es y será siempre indestructible.

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Cartel publicitario Shocking- Schiaparelli
E
n tiempos difíciles, la moda siempre es extravagante. Esa era la máxima de Elsa
Schiaparelli, la creadora de la firma que a día de hoy sigue erigiéndose como una seña
de buen gusto, distinción y de extravagancia De hecho, ese es el lugar natural de la
marca de moda más surrealista jamás concebida, nacida hace 85 años para vestir a mujeres con
una personalidad fuerte e independiente desde que, ya en pleno siglo XXI, resucitó de la mano
de Diego Della Valle.
Elsa Schiaparelli, que se casó con un vestido negro y se convirtió en un personaje de una
relevancia social solo comparable a la de artistas como Picasso o su amigo Dalí, siempre
consiguió y mereció la máxima atención. Aunque comenzó casi por casualidad en la industria
que la adora, llegó a convertirse en un mito además de inventarlo casi todo en el sector: desde
los desfiles modernos que cuentan una historia y buscan la máxima espectacularidad hasta el
branding, los vestidos reversibles o la improvisación con los materiales más extraños.

Desmarcándose de la sociedad opresiva y sexista en la que le tocó vivir, llegó a ser la preferida
de personajes de la talla de la duquesa de Windsor junto a muchas otras. Entendieron y vivieron
en primera persona su moda surrealista. Una moda extravagante a la que, como ella decía,
cedió porque no tuvo más remedio puesto que su carrera transcurrió en los tiempos más
complicados, justo entre las dos guerras mundiales.
A pesar de todo, abrió caminos por los que ha transitado la moda de las últimas décadas.
Guantes enjoyados, los plisados que ahora son la seña de identidad de Issey Miyake o ese
vestido Skeleton que luego repopularizó Alexander McQueen, fueron, algunas de las no tan
locas ideas de la creadora de una firma y de un estilo que a día de hoy sigue estando
íntimamente relacionada con el dadaísmo y el surrealismo, y sin duda, con la alta costura.
Pronto entraría en el círculo de los artistas de vanguardia de la época: Man Ray, Marcel
Duchamp y Edward Steichen, entre otros, para abandonarse a un caro ritmo de vida con la que
liquidó literalmente la dote de la que vivía junto a su marido y su hija Yvonne. Esa falta
alarmante de liquidez y las cada vez más ostentosas infidelidades de su esposo la decidieron a
dar el segundo golpe de timón de su vida. Pidió el divorció y decidió ganarse la vida por
primera vez en toda su existencia trabajando, gracias a ello hoy gozamos de la majestuosa casa
Schiaparelli.

Esta casa no fue solo la primera en añadir cosméticos, perfumería y joyería en una misma firma
sino que fue la cúspide de unión entre moda y arte hundiéndose en un surrealismo pleno al que
la moda solo había podido aspirar desde entonces. Joyería y prendas se hicieron uno en la
pasarela de Schiaparelli, haciendo que la moda aspirase a una industria completamente estética
sin dejar de lado su funcionalidad aunque mucho más reducida que en otros portentos de la
revolución como Coco Chanel o Cristian Dior.

Junto a su unión en pasarela Schiaparelli utilizó la faceta artística mucho más allá, tomando
ventaja del impacto que estaba teniendo la propaganda y el cartelismo en épocas algo
60
anteriores. Tomó artistas anónimos
para realizar múltiples ilustraciones
que ensalzarían su imagen y valores
como marca y la posicionaría en el
foco de la crítica artística.

En esta ilustración concretamente del

perfume “Shocking” de la marca
podemos ver el público primordial de
la firma, las mujeres. La silueta de
una mujer ocupa el centro de la
imagen tomando el mayor espacio en
esta. Vemos como además del torso
desnudo de la protagonista, a su lado
se encuentra otro pues este era el
recipiente del perfume anunciado, la
feminidad era uno de los valores
fundamentales de la marca, junto con
la excentricidad y la provocación que
vemos tanto en la postura como en la
expresión del rostro de la misma.

El cartel presenta tonos suaves y

pasteles de azules y rosados creando
una ligera armonía tanto con lo
figurativo como con el simbolismo de
la imagen, se ven un trazo imperfecto,
hecho a mano, priorizando ese
sentimiento artesanal y de valor que
rodea a Schiaparelli.

Un cartel que mucho más allá de

servir como propaganda, sirvió de
unión artística entre ambos mundos y
levantó muchas habladurías sobre:
“¿es la moda una rama artística?’’

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THE LOVE STORY
MERCH
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 Alguna vez la encuentro por el mundo
y pasa junto a mí
y pasa sonriéndose y yo digo
¿Cómo puede reír?
Luego asoma a mi labio otra sonrisa
máscara del dolor,
y entonces pienso: -Acaso ella se ríe,
como me río yo.

Rima XIV- Gustavo Adolfo Beqcuer

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 CREO
QUE ES
UN PARA
SIEMPRE

PARTE 4
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D
ecidí darle una nueva oportunidad, pues no paraba de llamar a mi puerta. Esta vez no
lo haría como antes, esta vez sería yo mi propia protagonista, sería yo la que en 1947
marcaste un antes y un después con el New look de Cristian Dior en la historia
contemporanea, una creación que me elevaría paralelamente al valor artístico aunque entonces
no me llegaría a cruzar con el, fui admirada por mi valía y por una vez en mi historia no quería
llegar a ser el, quería llegar a ser ella, la moda, icónica e independiente.

El New look llenó de esperanza a la nueva población, un look sencillo pero que requería de
metros y metros de tela para llegar a construirse esto remarcaba que por fin la guerra había
terminado. Durante los años 50 Dior presentó una serie consecutiva de nuevos diseños cada
temporada, todas tuvieron un éxito abrumador y eso me volvió a llenar el cuerpo de mariposas
pero esta vez me estaba enamorando de mí misma.
Chanel y Balenciaga no me abandonaron en esta nueva etapa, aunque me llevó tiempo llevar a
la realidad sus consejos, ellos seguían allí. Balenciaga era un genio de la confección, era la
perfección del corte y de la costura, comenzaba a innovar en líneas creativas con un original
espacio extra entre la prenda y entre el cuerpo, unos colores exquisitos, él quería alejar su
nombre y sus creaciones de ser una obra de arte, él tan solo vestía mujeres, sin embargo lo
hacía con la mayor excelencia conocida jamás. Chanel por otra parte volvió a mí, pues había
dejado de trabajar durante la Segunda Guerra Mundial como gran parte de la población.
Regresó a mí de la forma más espectacular, tras las creaciones nostálgicas de los años 50 las
mujeres empezaron a buscar comodidad en el vestir Coco volvió a presentar de nuevo el traje
de Chanel, pero esta vez tuvieron una adaptación a la sociedad contemporánea representando al
estilo moderno del siglo XX y se fue adaptado al mercado internacional del prét-à-portêr.

La alta costura parisina poco a poco estaba destinada a quedar aislada de las demandas de las
emergencias sociales de consumo, a pesar de ello, siguió firme como siempre y siguió dando
muchos nombres y talentos en las décadas de los 50 y los 60, todo el mundo se comenzaba a
reunir en exhibiciones dos veces al año que se celebraban en París, y mi hogar volvió a ser la
capital de la moda.

La sociedad estaba sumergida en grandes cambios sociales que seguían arrastrados de las
décadas pasadas: en 1961, la Unión Soviética lanzó con éxito la primera cápsula espacial
tripulada y en 1963 el presidente John F. Kennedy fue asesinado. La revuelta estudiantil
parisina tuvo lugar en mayo del 68 y la llegada del hombre a la Luna en 1969. En medio de
tales acontecimientos, la joven generación buscó su propio y distintivo modo de expresión y la
poderosa nueva cultura americana fue una elección obvia y con ella llegó una época de

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experimentación total, donde quise ver hasta donde
llegaban mis limites, donde no me importaba nada
más que crear, para mi y para quienes me seguían.

Los jóvenes creyeron que mostrar su físico era la

manera más efectiva de diferenciarse de las
generaciones anteriores. En 1964, el diseñador
americano Rudi Gernreich present un traje de baño
sin la parte superior, el "monokini", que claramente
representaba un nuevo concepto del cuerpo: la
llamada "conciencia corporal". El vestido que
dejaba a la vista las piernas hasta los muslos se
llamó " mini" y resultó una manera más sencilla y
práctica de expresar el mismo concepto. Las piernas
desnudas de la moda femenina, que también
pudieron verse en los años veinte, fueron pasando
por varias tapas conceptuales en los sesenta.

Marshall McLuhan insistió en que la ropa es una

extensión de la piel, e Yves Klein expresó su
pensamiento en su obra de arte Anthropometry. La
diseñadora londinense Mary Quant también tuvo un
papel importante a la hora de llevar la "mini" al
mundo de la moda y recibir la aceptación como el
estilo normal del siglo xx. Lo mismo se podría decir
de los minivestidos de André Courrèges, exhibidos
contra el poderoso telón de fondo de la alta costura
parisina.

Todo ahora seguía sobre ruedas, había dejado de un

lado mi obsesión por el arte, no le había olvidado
porque de vez en cuando volvía a aparecerse, sin
embargo aquella obsesión y amor de lo cura se
había convertido en un cariño esencial pero no
prioritario.

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 Yves Saint Laurent, quien lideró entre los jóvenes diseñadores,
también era extremadamente sensible a las tendencias sociales. Sc
independizó de Dior en 1961 y cinco años más tarde abrió una
boutique de prêt-à-porter, Saint Laurent Rive Gauche, con una línea de
pantalones sastre como moda urbana femenina. Los disturbios del mes
de mayo del 68, que tuvieron un profundo impacto en los valores
sociales franceses, también contribuyeron a la popularización del estilo
pantalón. En otra maniobra en consonancia con los tiempos. El arte
siguió apoyandome y viéndome disfrutar de aquel momento tan
enriquecedor, tanto que llegó a besarme de nuevo cuando Saint
Laurent creó una manifiesta de moda y arte con dos de sus modelos, el
"Mondrian Look" de fusión1965 y el "Pop Art Look" de 1966. Si es
cierto que le echaba de menos, pero ahora me tocaba a mi, y el
feminismo seguía llamándome a diario para recordármelo.

Los nuevos materials artificiales abrieron diversas posibilidades para

una moda minimalista con los futuristas y sintéticos estilos de los
sesenta. Aunque Elsa Schiaparelli había experimentado con tejidos de
fibra artificial ya en los años treinta, sus intents habían sido
considerados excepciones de carácter radical. En el mundo de la alta
costura, Paco Rabanne tuvo un spectacular debut en 1966 con un
vestido confeccionado casi totalmente con plástico. Fue Rabanne
quien por primera vez se alejó de forma sistemática de la idea de que
sólo se podía utilizar tela para para la ropa. Me sentía libre, era como
una niña pequeña la mañana del 6 de enero, sentía que el mundo entero
estaba a mi alcance.

En 1973 los diseñadores de prêt-à-porter empezaron a mostrar sus

colecciones en París dos veces al
año, siguiendo un programa similar al de la alta costura. Diseñadores
como Sonia Rykiel y Emmanuelle Khan presentaron una indumentaria
prêt-à-porter que era elegante; al mismo tiempo adecuada para la vida
cotidiana, cuanto a ellos Kenzo Takada, hizo su debut en París en
1970. Sus creaciones, realizadas con tejidos comunes para kimonos,
aparecieron en la portada de Elle. Pronto se convirtió en defensor del
prêt-à-porter y representó un aspecto contracultural de la era al
centrarse en diseños cotidianos y distendidos y utilizando materiales japoneses de formas
69
inusuales. Oriente volvía a estar en
nuestras vidas, que recuerdos me traían
aquellos mantos, aquellas costuras,
aquellas siluetas…

Pasaban los meses y me seguía

planteando si mi amor romántico por él
había terminado, mientras tanto la
historia continuaba, las gente pedía
innovación, más aun y ahí fue cuando
Azzedine Alaïa lideró este estilo en los
ochenta utilizando materiales elásticos
de vanguardia. Por el contrario las casa
parisinas tradicionales como Chanel y
Hermès volvieron a ganar una posición
privilegiada en el mundo de la moda
satisfaciendo las necesidades más
conservadoras de la época.

Pasados los años setenta, la industria del

prêt-à-porter arraigó en varios países.
Milán, el centro de la moda italiana, se
distinguió por anticiparse a las
tendencias mediate una concienzuda
investigación de mercado. Giorgio
Armani diseñó ropa para hombres y
mujeres ejecutivos, y produjo
sofisticados trajes sastre sin entretelas ni
forro, y Gianni Versace atrajo la atención
internacional hacia la moda italiana en la
década de los ochenta con su lujosa y al
mismo tiempo práctica "Indumentaria
Real". Ambos diseñadores consagraron
prestigiosas marcas de la moda italiana.

Mientras todo iba como debía ser sentí

una gran necesidad de él, aunque de vez
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en cuando le veas a lo lejos quería volver a sentir aquello que solo el saber hacer. Me armé de
valor y le pedí que volviese, que volviese de una forma saludable, aunque no fuese romántica,
que volviese para sumarme no para entrar en una lucha de poderes, le pedí que volviese para
que ese brillo que me hacía sentir deslumbrase todas las pasarelas por venir.
Finalmente junto a su ‘sí’ nacieron
los diseñadores vanguardistas como
Jean-Paul Gaultier, de la nueva ola
parisina, o la británica Vivienne
Westwood, transformaron la lencería
tradicional, como el corsé y las ligas,
en modernas prendas exteriores que
intentaban expresar el dinamismo del
cuerpo humano. La adopción de
indumentaria tradicional como
concepto que se invierte y se
presenta como una creación moderna
caracterizó está etapa nueva en mi
vida.

Mi relación con el arte floreció de

una manera majestuosa, las
mariposas se convirtieron en paz y
por fin mi carrera profesional
comenzó a ser solo mía, y mi vida
personal comenzó a ser nuestra. Así
nos mostramos en publico de vez en
cuando, sin embargo ambos
comenzamos a ser almas
independientes.

De esta forma, tras casi trescientos años del comienzo de esta historia, el arte y yo encontramos
la majestuosidad, la paz y la liberación tanto juntos como separados, puede que no sea el amor
de mi vida, tendemos a enfrentarnos con frecuencia; de lo que sí estoy segura, es que este amor
marcó mi vida y que lo seguirá haciendo durante muchos años más.

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 La moda no

Jean Paul Gaultier

es arte. Nunca.

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CRISTÓBAL
BALENCIAGA
 VESTIDO
73 CÓCTEL
E
n una época donde todo empezaba a cobrar sentido, donde la moda comenzaba a
afianzarse entre vanguardias e innovaciones surgió un desconocido nombre hasta
entonces, Cristobal Balenciaga
El es, muy probablemente, el creador de moda más importante que ha dado nuestro país. La
fama y el prestigio de Cristóbal Balenciaga como modisto han traspasado todas las fronteras y
han calado hondo entre sus compañeros de profesión. Según sus propias palabras, “un modisto
debe ser arquitecto para los planos, escultor para formas, pintor para el color, músico para la
armonía y filósofo en el sentido de la medida”.

Su precisión, manejo de la técnica y perfeccionismo le reportaron grandes halagos por parte de

contemporáneos suyos como Christian Dior que lo denominaba “el maestro de todos nosotros”,
Hubert de Givenchy que se refería a él como “el arquitecto de la Alta Costura” o Coco Chanel ,
a la que le unía una profunda admiración mutua, que lo calificaba de auténtico couturier.

Balenciaga nació en Guetaria, un pueblo pesquero de la costa vasca. Su padre, pescador, murió
cuando Cristóbal tenía 11 años. Su madre se hizo cargo de la economía doméstica y se dedicaba
a coser para sacar adelante a la familia. Este hecho permitió a Cristóbal, el pequeño de cinco
hermanos, familiarizarse con el patronaje y la costura desde una edad muy temprana.

Siendo un adolescente, conoció a la marquesa de Casa Torres, abuela de la Reina Fabiola de

Bélgica, la cual se convertiría en su mecenas. Se formó en algunos de los establecimientos más
prestigiosos de San Sebastián, a pocos kilómetros de Guetaria. La capital guipuzcoana se
convirtió por aquel entonces en un lugar de vacaciones bastante popular entre la monarquía y
las clases altas españolas y europeas. Gracias a ello, Balenciaga entró en contacto con
determinadas formas y modos de vida a los que no habría tenido acceso de otra forma. En 1917
se decidió a abrir su taller, con la ayuda de su hermana y, en relativo poco tiempo fue ganando
un prestigio que le reportó clientela procedente de la alta aristocracia y la realeza , y le permitió
expandir el negocio creando un segundo taller, Eisa, en honor a su madre, y destinado a una
incipiente clase media. En 1924, ante las buenas perspectivas del negocio, abre su primera
tienda en Madrid y, justo un año después, se instala en Barcelona . Balenciaga, simpatizante del
gobierno de la II República, se exilió a París tras el estallido de la Guerra Civil. En 1937,
presentó su primera colección en España y el éxito fue fulminante. Sus creaciones, basadas en
la comodidad, la pureza de líneas, la reinterpretación de la tradición española y en el desarrollo
de los volúmenes, marcarán la moda entre los años 40 y hasta mayo del 68 , cuando la Alta
Costura empieza a perder peso en favor del prêt-à-porter. Precisamente ese año decide echar el
cierre y volver a España donde muere en 1972.
Para él, “es más importante el prestigio que la fama. El prestigio queda, la fama es efímera.
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Puntual, metódico y alérgico a la frivolidad que rodea al mundo de la moda, en sus talleres
reinaba el silencio.

Sus obras, como las de cualquier otro reconocido artista, forman parte de las colecciones más
prestigiosas y se han expuesto en los principales museos del mundo, desde el Metropolitan
Museum de Nueva York , a la
Fundación de Moda de Tokio o el
Museo del Tejido de Lyon. No en vano,
en 2011 se inauguró el Museo
Cristóbal Balenciaga en Guetaria, su
ciudad natal, en homenaje a uno de los
grandes de la moda y el lugar en el que
se exhiben la mayor parte de sus
fondos, 1.200 piezas concretamente.
Las colecciones de día de Balenciaga
se caracterizaban por la simplicidad de
los materiales, la sobriedad de las
líneas y, ante todo, la funcionalidad,
especialmente con la incorporación
paulatina de la mujer al mundo laboral.
En estas prendas Balenciaga llevó su
concepto de funcionalidad al extremo,
gracias a su refinada técnica y su
profundo conocimiento de los tejidos.
Las líneas fluidas, los cortes simples y
las mangas perfectamente
confeccionadas de sus prendas
garantizaban la comodidad y la libertad
de movimiento de las mujeres que los
llevaban.

En la obra escogida, un conjunto

compuesto por un vestido y una capa de sobre falda apreciamos en la profundidad tanto la
elegancia como la funcionalidad primordial en sus obras. Se trata de un vestido confeccionado
en gros de Nápoles de color verde pálido para la falda que se complementa con una
transparencia en tul mecánico drapeado y con decoración de topos en el cuerpo. Este es
ajustado, con escote palabra de honor, armado con ballenas y relleno en el pecho. Del mismo
75
tul que la transparencia, una pieza cosida al escote en el delantero permite que sea utilizada
como echarpe. Decorado con lazos de raso de seda negra en la base de la falda y en el centro
delantero. La sobrefalda en gros de Nápoles de color verde pálido permite dos posibilidades de
colocación: una en la cintura, a modo de sobrefalda, y otra que consiste en ceñirla al cuello,
quedando como una capa abullonada.

Este vestido, realizado en los talleres de París y presentado en la colección de invierno de 1956,
muestra todas las características que definen la silueta típica de los años cincuenta: corsé para
modelar el talle, gran escote y amplio vuelo en la falda. Sin duda, la gran novedad la aporta la
pieza exterior de uso ambivalente: como capa o como sobrefalda, que, en ambos usos, le
conceden una clara presencia, muestra además la técnica exquisita de este gran diseñador que
serviría de referencia para tantos diseñadores posteriores como quienes conocen su nombre.

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Vestido Mondrian- Yves Saint Laurent

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U
na de las etapas más profundas e íntimas que viví con el arte fue gracias al diseñador
francés Yves Saint Laurent, estaba tan enamorado del arte como de mi, y más allá de
ocultarlo lo reflejaba en sus creaciones.

El 30 de enero de 1958 un jovencísimo Yves Henri Saint Laurent presentaba su primera

colección bajo el sello Dior. El diseñador de origen argelino no tardaría mucho en despuntar y
firmar con su nombre su propia colección: Yves Saint Laurent.
Sus diseños marcaron el camino que debía seguir la industria. Él dibujó el trazo hacia la mujer
moderna y demostró que algunas prendas masculinas también pueden tener un público
femenino.
En cada colección, a lo largo de sus 44 años de trayectoria, Yves buscaba romper con lo
convencional porque sus creaciones no estaban hechas solamente para vestir a las mujeres de la
élite sino a todas las mujeres. Entre todas las piezas que llevan el sello Yves Saint Laurent
existen seis que le caracterizan y explican, a través de sus costuras, la historia de este icono de
la moda, los seis vestidos de la colección Mondrian, que junto a otras grandes piezas de este
virtuoso de la moda, marcaron un antes y un después en su carrera.

Los “vestidos Mondrian” fueron presentados en la colección otoño-invierno de 1965. Yves

Saint Laurent abrió su casa de moda en 1961, llamando la atención del mundo de la moda al
tener un dialogo bien logrado entre la moda y el arte. Yves era totalmente reacio a la idea de
habilitar grandes espacios con miles de encargados para su casa, él vivía por y para la alta
costura, sin embargo el prét-á-potêr comenzaba a popularizarse entre la industria y el se estaba
quedando atrás. Cansado de consejos ajenos a su carrera se lanzo al sector más industrial de la
moda, y creó una colección de vestidos tomando como referencia las pinturas de Mondrian
como base, las líneas, los colores y la disposición de los elementos fueron esenciales en el
diseño de estas piezas. La manera en cómo las formas geométricas se acomodan al corte del
vestido y a la forma femenina da una ilusión de proporción y de dinamismo en el diseño del
vestido.

Toda la colección está basada en la corriente artística denominada Neoplasticismo y el más

distinguido vestido en la obra Composición II; composición con azul y rojo del pintor holandés
Piet Mondrian.

El Neoplasticismo surgió en Holanda en los años 20 y tiene su origen en la Abstracción

Geométrica. Busca la simplicidad de colores y formas, lo esencial, se inspira en la naturaleza,
en la armonía y en el uso de colores primarios planos bases que Ives consiguió integrar a fondo
en su colección, de ahí su gran éxito
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El vestido Mondrian es un vestido de cóctel recto con cuello redondo y sin mangas. Una obra
simple al igual que el lienzo del pintor holandés. El diseñador utilizó el vestido como un lienzo
donde se adapta de forma estratégica las figuras cuadradas en blanco, rojo, amarillo o azul
limitadas por gruesas líneas negras.
Rápidamente el vestido Mondrian apareció en revistas como Vogue o Life; convirtiéndose en
un icono de la moda en los años 60. Siendo actualmente, una de las obras maestra del
diseñador. El estilo del vestido Mondrian reflejaba el movimiento Mod que se encontraba en
auge entre los jóvenes de los años 60.
El diseñador francés también se inspiró en obras de Picasso, Matisse, Vasarely y el
movimiento artístico Op Art o en el Pop Art y Warhol para crear otras de sus colecciones,
abriendo así un pasillo lleno de futuro entre estas dos grandes disciplinas. Sus palabras
expresaron: “La pintura me había apasionado desde siempre, y por lo tanto era natural que
inspirase mis creaciones”. “He querido tejer vínculos entre la pintura y la ropa, convencido de
que un pintor es siempre de nuestra época y puede acompañar la vida de todos”

Su manejo de la paleta de color fue propio de un pintor. Las mezclas imposibles de rosas con
naranjas o rojos y amarillos con violetas que admiramos hoy en Valentino fueron
magistralmente combinadas por Yves. El mundo del arte lo reconoció dedicándole la primera
retrospectiva jamás realizada sobre un diseñador vivo en el Metropolitan Museum of Art de
Nueva York en 1983. "Siempre situé por encima de todo el respeto de este oficio, que no es
completamente un arte, pero que necesita un artista para existir", dijo en su discurso de
despedida. “Ciertos colegas la han utilizado para satisfacer los fantasmas de su ego. Yo, al
contrario, quise ponerme al servicio de las mujeres, o sea, servirles, servir su cuerpo, sus
gestos, sus actitudes y su vida, quise acompañarlas en ese gran movimiento de liberación que
conoció el siglo pasado"

Saint Laurent decía: “Un buen diseño puede soportar la moda de 10 años”. Y sus vestidos
Mondrian han sobrevivido más de 50 años desde su presentación en 1965 hasta la actualidad, y
han sido inspiración para trabajos posteriores dentro de la marca y en otras externas,
convirtiendo así a Yves en un artista dentro de un verdadero modista.

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N°13 Alexander McQueen

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T
ras muchos muchos años de superación y creación por cientos de diseñadores y artistas
juntando sus mundos, nace en 1969, en Londres el diseñador fruto de toda esta historia,
Alexander McQueen.

Su mítica rivalidad con John Galliano, su paso por Givenchy o la incorporación de la

tecnología a sus desfiles son solo algunas de las pinceladas que dibujaron los 18 años de
trayectoria profesional de este diseñador. En 1985, McQueen dejó los estudios para comenzar a
trabajar en una de las sastrerías más prestigiosas de Savile Row, Anderson & Sheppard. Allí
aprendería las técnicas clave para la confección de la sastrería que, posteriormente,
caracterizaría al diseñador. Tras vivir en Milán y trabajar allí junto al diseñador Romeo Gigli,
McQueen se matriculó en la Central Saint Martins, en cuyo desfile de graduación en 1992
mostró un anticipo de lo que sería la trayectoria profesional del diseñador: una colección
inspirada en la figura de Jack el Destripador para la que se usó pelo humano. En el público se
encontraba la legendaria Isabella Blow, editora de Vogue UK por aquel entonces y propulsora
de la carrera del diseñador. Si algo ha trascendido del legado de Alexander McQueen han sido
sus desfiles. La tecnología comenzaba a cobrar importancia en el día a día de la sociedad del
momento, y el diseñador inglés quiso introducirla en la industria de la moda. Los robots
pintando en directo el vestido llevado por Shalom Harlow o el holograma de la modelo Kate
Moss abriendo un desfile de la marca, fueron algunos de los hitos que definieron la trayectoria
del diseñador, por no hablar de los efectos especiales como el fuego o la lluvia torrencial sobre
las modelos desfilando.

Con ello, Lee Alexander McQueen reedificó la industria de la moda. Su competitividad con
Galliano demostró los pocos límites que ambos diseñadores tenían. Además, personificó la
presión a la que la industria de la moda de lujo sometió a sus diseñadores, haciendo que esta
perdiese a un visionario que habría continuado revolucionando la moda durante décadas.

Nos dejó ver sus grandes innovaciones e ideas en su totalidad la primavera de 1999 donde para
su colección de primavera-verano montó una majestuosa y detallada performance, donde un
vestido circular de muselina y algodón marfil con una estructura de tul sintético sería creado en
directo.
Un vestido modelado por Shalom Harlow se convirtió en la gran protagonista de la
presentación en un show donde dos robots la rociaban de pintura, al acabar el espectáculo
Shalom desaparecería entre la muchedumbre como si formase parte del público, un momento
que ya forma parte de la historia de la moda.

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Un lienzo en blanco representaba el vestido desnudo mientras que era pintado por una serie de
robots minuciosamente programados con unas pinturas sintéticas en spray color verde y negro.
Esta pieza atrae un simbolismo profundo pues la pintura no era más que miradas y críticas de la
industria y espectadores. El vestido tomaba forma cuando se admiraba, cuando era visto por un
público que opinaba acerca de el, el vestido fue creado para ser visto y usado, y si esto no
sucediese así tan solo sería un lienzo vacío, sin ningún valor artístico más que una tela sencilla.
Esta idea sería reforzada por la simplicidad y pureza de las formas pues el patrón de este solo
estaba compuesto por una circunferencia puramente regular.

Alexander fallecería aquel 11 de febrero de 2010 donde la industria de la moda se paralizó para,
acto seguido, vestirse de luto. El diseñador de origen británico Lee Alexander McQueen se
suicidaba a sus 40 años tras revolucionar la industria con una fusión en la que buscaba la plena
funcionalidad artística de la moda.

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“Es una nueva era en la moda, no hay reglas”.
THE LOVE STORY
MERCH
www.thelovestorymerch.com.
THE LOVE STORY
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Lo eterno sólo puede durar si permanece
actualizado al mismo tiempo, por esta razón la
chaqueta negra es eterna. -Karl Lagerfeld
Aunque pareciera una banalidad, dicen que la ropa
tiene otro objetivo más allá de mantenernos cálidos.
Cambia nuestra visión del mundo y la visión que
tiene el mundo de nosotros. -Virginia Woolf

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THE LOVE
STORY
EXHIBITION
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"I like my money right where I can
see it…hanging in my closet." —
Carrie Bradshaw
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ESCUCHA MIS SENTIMIENTOS A
TRAVÉS DE LA MÚSICA

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BIBLIOGRAFÍA LIBROS:

Cuando la moda es arte- Marine Fogg

El Octavo Arte, la moda en la sociedad contemporánea- José María Paz
Gago
Moda. Historia y Estilos- Taschen
Historia de la moda del siglo XVIII al XX- Taschen
20th Century Fashion- Taschen
Arte moderno- Taschen
Impresionismo- Taschen
Historia del arte siglo XX- Taschen
This is Mario Testino- Taschen
Picasso- Taschen
LINKS:

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sequence=1
https://uvadoc.uva.es/bitstream/handle/10324/47971/TFG-N.
%201540.pdf;jsessionid=756BDD5E386D2EECF662F97DBDEEA370?sequence=1
https://www.academia.edu/15831854/La_Moda_es_arte_y_el_arte_es_Moda_Sastre_diseñador_artista_1939_2014
https://idus.us.es/bitstream/handle/11441/100737/10_REVISTA_COMMUNIARS_LUQUE.pdf?
sequence=1&isAllowed=y
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https://riuma.uma.es/xmlui/bitstream/handle/10630/13175/
TD_LUQUE_MAGAAS_Rocio.pdf;jsessionid=B128F403051957F2AC0994A61DC56DFA?sequence=1
https://repository.usta.edu.co/bitstream/handle/11634/17446/2019monicaosorio.pdf?sequence=6&isAllowed=y
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https://www.descubrirelarte.es/2019/09/23/la-moda-de-las-damas-del-siglo-xviii.html
https://www.elindependiente.com/tendencias/2016/10/27/la-revolucion-de-la-moda-en-el-xix/
https://www.culturaydeporte.gob.es/dam/jcr:bab92c40-6400-4eac-92ab-f4d93bac4733/2-hojadesala-modafemenina.pdf
https://mariacarolinamirabal.com/moda/la-moda-y-su-evolucion-en-el-siglo-xx/
https://www.vogue.es/moda/articulos/momentos-cambiaron-historia-de-la-moda
https://www.unprofesor.com/lengua-espanola/vanguardias-literarias-del-siglo-20-resumen-3708.html
https://blog.lopezlinares.com/2012/09/03/historia-de-vogue/
https://fashion-history.lovetoknow.com/fashion-clothing-industry/fashion-designers/alexander-mcqueen
https://www.biography.com/fashion-designer/yves-saint-laurent
https://www.capitaldelarte.com/neoplasticismo/
https://www.marie-claire.es/moda/wikimoda/diccionario/wiki/termino/elsa-schiaparelli
https://smoda.elpais.com/moda/la-moda-es-arte/
https://www.museothyssen.org/en/exposiciones/sonia-delaunay-art-design-and-fashion
https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/mar/27/sonia-delaunay-avant-garde-queen-art-fashion-vibrant-tate-
modern

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THE LOVE
STORY
MERCH
COMPLETO

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 MERCH INFO:

1.Anillo: alianza entre la moda y el arte

2.Top Corset: El columpio
3.Pendientes: Schiaparelli o Dalí
4.Calendario: 12 meses con Vogue
5. Llavero: 35mm de Parsons
6. Vestido: Paint you’re own reality
7.Postales: Cartas a la moda
8.Libro: Las chicas
9.Collar: J’aime le moda, l’art et Chanel

Todos los productos pertenecientes al merchandising toman lugar partes

cruciales de esta historia. ¿Te atreves a descubrirlas todas?

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 AGRADECIMIENTOS

Este proyecto ha sido posible gracias a todos aquellos profesores que han
conseguido hacer de este año, un nuevo comienzo para mi vida, una
nueva visión a cerca del mundo, y sobretodo afianzar mi amor hacia el
arte.
A los 4 fantásticos que han llenado de risas y alegrías este camino y son
amigos que llevaré siempre a mi lado.
Sin ninguna duda, debo agradecer mi madre, Covadonga Magdalena que
se ha encargado de apoyarme y ayudarme en todas las decisiones y
problemas a solucionar en un año tan complicado como 2° de
Bachillerato.
Y finalmente a mi padre, aunque ya no esté presente, le debo toda aquella
pasión que me transmitió hacia este gran mundo desde que nací.
Gracias a todos ellos por haber tomado parte de este proyecto y por
consiguiente de este año maravilloso.

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