1.

SIGLO XVIII
1. El ideal ilustrado en la tragedia y la comedia neoclásicas. El teatro neoclásico en España. Direcciones más
importantes del teatro español en el s.XVIII.
El teatro neoclásico es una de las corrientes del siglo XVIII que venía a regenerar el teatro, en contraposición al Barroco con dos líneas
importantes; por un lado, el carácter estético, como arte, el texto debe estar cuidado, con estilo y hacer uso de una serie de normas. Y,
por otro lado, el carácter ético, es decir, ser una plataforma para difundir una enseñanza. Dentro de esta corriente innovadora llegada
de Francia e Italia, podemos distinguir dos apartados:
La primera manifestación neoclásica fue la tragedia neoclásica. Tenía como objetivo crear un teatro trascendente, que hiciera
pensar a los espectadores, por medio de historias y leyendas tanto de la Biblia como de personajes históricos, aunque obtuvo un
escaso éxito de público. Su representante más significativo fue Vicente García de la Huerta, con su obra Raquel: en romance
endecasílabo, trata de los amores del rey Alfonso VIII con Raquel, una bella y ambiciosa judía de Toledo, y los excesos y tragedias que
ello ocasiona. En su momento tuvo cierto éxito.

2. La comedia Neoclásica y ejemplos de sus puestas en escena por la CNTC. La comedia Neoclásica.
(Por otro lado,) la manifestación de mayor altura dramatúrgica de la época fue la comedia. Fue cultivada por escritores
ilustrados, que perseguían una crítica social, además de cierto sentimentalismo y didactismo utilizando las tres unidades (acción,
espacio y tiempo). Autores como Jovellanos con El delincuente honrado o Nicolás Fernández de Moratín con La petimetra, aunque el
que gozó de más éxito fue el hijo de este último Leandro Fernández de Moratín, un verdadero ilustrado que abrazaba la cultura
francesa frente al tradicionalismo y el atraso que se imponía en España. Su obra más famosa es El viejo y la niña, también sobre el
casamiento por interés escribió El barón o La mojigata que trata sobre dos modalidades de mujer, la noble y la hipócrita.
Sin embargo, la obra que mejor representa el ideal ilustrado es La comedia nueva o el café. Una sátira teatral y una burla a
todos aquellos dramaturgos que continuaban realizando “comedias nuevas”, que a su vez resultaban antiguas, simplemente por
enriquecerse y sin ser conscientes de la utilidad de este género, no solo como deleite sino, también, como enseñanza. E s posiblemente
única en su género.
La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) en 2006 estrenó Sainetes de Ramón de la Cruz, bajo la dirección de
Ernesto Caballero, la primera obra del siglo XVIII que fue llevada al teatro Pavón de Madrid. Y, la segunda, dos temporadas después y
en manos del mismo director, fue La comedia nueva o el café de Leandro Fernández de Moratín.

➢ Personajes y, Manolo (Ramón de la Cruz)

Significado de sainete:
Los sainetes comenzaron con el nombre de “entremés”, siendo una obra breve que entretenía al espectador en los descansos entre los
actos de una obra de teatro. Definición: “obra o representación menos seria, en que se canta y baila, regularmente acabada la segunda
jornada de la comedia”, el entremés era en el primer entreacto.
Él no fue, tal vez, el creador del sainete pero sí se cuenta entre sus primeros cultivadores. Y sus textos tienen un valor
primordial en la trayectoria del género. A él, sin lugar a dudas, se debe la primera gran consolidación de la poética del sainete. Él supo
darle una conformación:
• La concepción general de las piezas, con su estructura en un solo acto, sin dividir en escenas, en el que los personajes
pueden hacer constantes entradas y salidas.
• Esquemas de composición externa de las obras , concebidas como desfile de personajes que muestran sus caracteres, o
como minicomedia con desarrollo dramático.
• Gran importancia que se concede a la ambientación, diseñada con métodos recurrentes.
• Los temas, relacionados con las preocupaciones del hombre de la Ilustración.
 • El significado, el mensaje, a menudo de carácter didáctico, con facetas de crítica social y crítica moral (diatribas contra padres
pusilánimes u opresores, contra esposas dilapidadoras del patrimonio familiar, contra individuos excesivamente preocupados
por la moda última, contra hijos poco respetuosos con sus progenitores...).
• Personajes: al no existir en muchas ocasiones la acción, los personajes se convierten en un ingrediente fundamental. A través
de ellos se muestran ambientes, se diseñan y transmiten temas, se comunica el significado, el mensaje, de la pieza. Debido e
esto, los personajes en los sainetes quedan tremendamente destacados.
◦ El tío Matute: tabernero de Lavapiés, marido de la tía Chiripa y padre de la Remilgada.
◦ La tía Chiripa: castañera, mujer del tío y madre de Manolo.
◦ La Remilgada: hija del tío y amante de Mediodiente.
◦ Manolo: hijo de la tía y amante pasado de la Potajera.
◦ La Potajera: enamorada, en ausencia de Manolo, de Mediodiente.
◦ Mediodiente: amante de la Remilgada.
◦ Sebastián: esterero, confidente de todos.

➢ La comedia nueva o el café (Moratín)

Personajes
• Don Eleuterio: es el autor de la comedia nueva El gran cerco de Viena, obra que va a ser representada ese día al lado del
café en el que transcurre la acción y, la cual, sirve como hilo de conversación para los personajes que en él transitan. No es
un dramaturgo como tal pues, tras una serie de fracasos, la vida le ha llevado a intentar serlo para conseguir dinero. En un
primer momento, cree realmente en sus capacidades como poeta gracias a Don Hermógenes, el cual ayuda a alimentar esa
ilusión. Está casado con Doña Agustina y es hermano de Doña Mariquita. Una gran parte de la sátira de Moratín se refleja en
este personaje, ya que es la imagen de los dramaturgos a los que él critica.
• Don Hermógenes: toma el papel de un hombre pedante que en todas sus intervenciones tiene que hacer menciones de
aquello que ha aprendido, pese a que no tenga sentido en ese momento. Su único interés es aprovechar el triunfo de El gran
cerco de Viena para poder pagar todas sus deudas aunque, como al final de la obra admite, no cree que sea tan buena como
le hace parecer a don Eleuterio; es decir, es consciente de las deficiencias del principiante escritor en el arte de hacer teatro
pero priman sus intereses. Además de beneficiarse económicamente del dramaturgo, también está comprometido con su
hermana doña Margarita. Leandro se inspira en “muchos pedantes erizados, locuaces, presumidos de saberlo todo” para
dibujar este personaje.
• Don Pedro: es un hombre rico, solitario y culto que, al contrario que don Hermógenes, no hace gala de su saber. Detesta las
comedias españolas del momento y de las que no quiere formar parte acudiendo a ellas. Es muy sincero pues no duda en dar
su opinión en todo momento. Además, al final de la obra vemos su lado más solidario ya que decide ayudar a don Eleuterio
ofreciéndole trabajo una vez que su obra teatral ha sido un verdadero fracaso. Don Pedro representa el pensamiento
ilustrado, por lo tanto, el pensamiento de Moratín que a través de este personaje quiere transmitir al público su idea del teatro
como herramienta de instrucción y expresión del ingenio y buen gusto.
• Doña Agustina: es la mujer de don Eleuterio. Ayuda a su marido a escribir sus comedias para que alcance el éxito y, por ello,
deja de lado todos sus que haceres y el cuidado de sus cuatro hijos. Es una mujer instruida y simboliza la modernidad de la
sociedad en la obra. Se involucra mucho en la comedia, por lo que sufre en el momento en el que resulta ser un fracaso total.

• Doña Margarita: es la hermana del dramaturgo y la cara opuesta de doña Agustina. Durante la obra el resto de personajes,
especialmente doña Agustina, la tratan de ignorante pero, pese a ser la menos instruida, sí es la más realista ya que es
consciente de que este nuevo oficio de su hermano no tendrá un buen final. Por otro lado, desea casarse y está
 comprometida con don Hermógenes, a pesar de no comprenderle cuando habla. Por lo tanto, es la representación fiel de la
mujer del siglo XVIII.
• Don Antonio: es una persona culta, al igual que don Pedro, sin embargo, él disfruta de las comedias españolas de la época
aunque es consciente de que el teatro está anclado en el pasado y del bajo nivel del mismo. Por lo tanto, es un personaje
eslabón entre lo que la sociedad busca en el teatro y lo que Moratín aspira que sea.
• Don Serapio es amigo de don Eleuterio y aficionado al teatro, cree en el potencial de la comedia El gran cerco de Viena. Pipí
es el camarero del café en el que transcurre la acción. Al igual que don Eleuterio, fantasea con la idea de convertirse en
dramaturgo. No tienen un papel destacable en la obra.

Significado de la obra
Leandro Fernández de Moratín en esta obra literaria consigue aunar los principios básicos del movimiento neoclasicista. Imita la
naturaleza para llegar a los sentimientos de los espectadores y así llegar a la razón, huyendo de la fantasía del Barroco, para utilizar
todo lo aprendido en su vida cotidiana; por tanto, su teatro estaba al servicio de la sociedad, tenía un fin didáctico. Además deleitando,
siguiendo las reglas de las tres unidades: acción, tiempo y espacio.
Todos estos principios que sigue Moratín se plasman en la Poética de Luzán (1737) donde dice que el objetivo del arte es
embellecer la verdad y ésta tiene que estar asociada a la brevedad o claridad del estilo. De ahí que la verosimilitud adquiera un papel
tan importante puesto que el estilo Barroco solo puede ser disfrutada por unos pocos y queda oculta o incluso mal intencionada para
otros muchos.
Por otro lado, la intencionalidad del autor es señalar los intereses particulares de cada uno, así como la falsedad y la
hipocresía de gran parte de la sociedad en el papel don Hermógenes. Ridiculiza a los personajes que tienen esas cualidades o vicios
para dar una lección al público y mostrando cómo deberían de ser a través del personaje de don Pedro. El protagonismo no lo tiene el
desarrollo de la obra sino la crítica social y el didactismo de la misma.
Para concluir, La comedia nueva de Moratín es posiblemente única en su género ya que supo hacer arte teniendo como
núcleo la poética ilustrada, de los que apenas tenía ejemplos y creyendo firmemente en ellos.

2. SIGLO XIX
1. Características generales del teatro romántico español. Autores y obras más significativas. Enumere los autores
y las obras más significativas del teatro romántico español, profundizando en las características de alguna de
las lecturas obligatorias.
2. El teatro romántico.
Al desaparecer la distinción entre tragedia y comedia, se impone el término drama para denominar a la unión de ambas modalidades.
En Historia básica del arte escénico se dan las siguientes características generales del teatro romántico español:
• Afán de transgresión que explica esas mezclas tan evitadas por los neoclásicos
• Abandono de las tres unidades (acción, tiempo y espacio). La acción es tan dinámica y variada que requiere un constante
cambio de espacio, siendo necesario el devenir del tiempo.
• La complicación de la acción ha de ser explicada en largas acotaciones que cuentan con precisión todo lo que acontece. La
acción se muestra en cinco actos, frente a las tres habituales.
• El tema principal será el amor, un amor imposible y perfecto, ambientado en una historia o leyenda (medieval, normalmente) y
referencias a motivos de injusticia.
• El héroe romántico, de origen misterioso y cercanos al mito. Su destino es incierto, por injusticias políticas, y son
apasionados, no tienen otra misión que el amor.
• Los autores utilizan fórmulas dramatúrgicas clasicas, aunque renovada. Por ejemplo, la anagnórisis (acción de reconocer),
con el que finalizan muchos dramas, que consiste en que tras un cúmulo de casualidades coinciden en el escenario.
 • Nuevas técnicas en la escenografía: maquinaria, fondos laterales y telares para hacer mutaciones con rapidez. Principio del
teatro a la italiana y fin del corral de comedias.
El Romanticismo en España duró unos 15 años, comienzó con el Duque de Rivas y su obra Don Álvaro o la fuerza del sino y
finalizó con el estreno de Traidor, inconfeso y mártir, de José Zorrilla. Autores:
• Mariano José de Larra: Macías.
• Francisco Martínez de la Rosa: La conjuración de Venecia.
• El duque de Rivas: Don Álvaro o la fuerza del sino.
• Antonio García Gutiérrez: El trovador.
• Juan Eugenio Hartzenbusch: Los amantes de Teruel.
• Gertrudis Gómez de Avellaneda: Saúl.
• Manuel Bretón de los Herreros: Helena.
• Ventura de la Vega: Acertar errando o El cambio de diligencia: comedia en tres actos.
• José Zorrilla y Moral: Don Juan Tenorio.

➢ Don Juan Tenorio (José Zorrila)

Personajes
• Su personaje principal, Don Juan, es un joven amoral, libertino, que va seduciendo a mujeres, da igual el número, que
finalmente vive un encuentro sobrenatural desencadenando así el último momento de la obra, su salvación o condena eterna.
José Zorrilla, a diferencia de la obra barroca, se centra en una sola aventura amorosa y presenta a un personaje principal, en
este caso Don Juan, que se arrepiente y consigue la salvación por medio del amor.
• Su segundo personaje es don Luis Mejía, quien Don Juan acaba matando en la obra. Este personaje se ha visto como una
representación del pecado de Don Juan. Por lo mismo, la muerte de Luis Mejía simboliza el final de su vida pasada.
• Doña Inés, el personaje opuesto a Don Juan, es quien aporta la bondad y la inocencia a la obra. Doña Inés es quien doblega
la maldad de Don Juan y se le pinta muy próxima a la divinidad: un ángel de amor que es capaz de actuar como mediadora
entre Dios y el mundo. En ella, José Zorrilla, intenta representar la creencia en la salvación del ser humano, reflejando la
importancia que tiene para el ser humano, los valores de bondad y fe. También la posibilidad de encontrar el amor verdadero.

Significado de la obra
En la época en la que se escribió Don Juan Tenorio el romanticismo estaba en todo su esplendor en España; por ésta causa en la obra
se pueden apreciar tantas características románticas.
Ésta obra transcurre en varios paisajes, primero en la hostelería del Laurel, cuando efectúan las apuestas, después en el
convento, donde Don Juan va a enamorar a Doña Inés, a casa de don Juan cuando las sombras de Don Gonzalo y Doña Inés le
advierten de su muerte y, por último, en el cementerio donde después de hablar con las sombras, fallece. Los cementerios eran algunos
de los lugares preferidos por los románticos para ambientar acciones, ya que eran lugares solitarios, abandonados, con muertos...; y
más tarde, la cena en la sepultura de don Gonzalo de Ulloa.
Don Juan es una obra donde el tiempo juega un papel importante. Empieza la obra transcurrido un año justo de la apuesta,
con el encuentro de don Juan y don Luis en la Hostería del Laurel. La primera parte de la obra se desarrolla en el espacio de una noche
desde que don Juan entra en la hostería del Laurel, hasta que huye de Sevilla. En tan pocas horas, don Juan y don Luis se citan, hacen
una nueva apuesta, son encarcelados, liberados, don Juan encierra a don Luis, seduce a doña Ana, rapta a Inés, mata a don Luis y a
don Gonzalo y huye de Sevilla al amanecer del mismo día.
 La segunda parte de la obra relata lo sucedido cinco años después, cuando don Juan, vuelve a Sevilla. La acción se vuelve a
desarrollar en una noche aunque el espacio es más corto y no hay tanta acción como en la primera. Se puede decir que en la primera
parte, la acción pasa en mucho menos tiempo del que necesita.
En las obras románticas las acotaciones que contiene son importantes, y en la obra de Don Juan tenorio se encuentran
continuamente acotaciones que aclaran y amplían conceptos.
El tema principal de la obra es el amor, todas las acciones que pasan están relacionadas con este elemento. Don Juan
cambia su forma de ser durante la obra y la causa principal es porque se ha enamorada de Doña Inés. Otras características románticas
que se encuentran en la obra son la obsesión por la muerte, angustia porque la vida se acaba, y que aparece el desengaño, la rebeldía
etc. Los personajes de la obra se saltan todas las normas de comportamiento, son libres. Porque como muchos románticos, no aceptan
las normas sociales porque no les gusta su vida y su sociedad, no hacían lo que se les mandaba y así se convierten en rebeldes,
ilegales…
Como muchas obras románticas, es una obra subjetiva, que habla de los sentimientos y de las pasiones del autor.

3. TEATRO MUSICAL
1. Diferencias esenciales entre ópera y zarzuela. Diversas tipologías de esta última en la segunda mitad del siglo
XIX. La zarzuela en el siglo XIX.
Dentro del teatro existe otra modalidad en la que interviene la música y el canto, el teatro musical. La ópera y la zarzuela son los dos
grandes géneros que triunfan en los escenarios. La ópera es una “obra teatral cuyo texto se canta, total o parcialmente, con
acompañamiento de orquesta” y la zarzuela es “una obra dramática y musical en que alternativamente se declama y canta”. Por tanto,
mientras que la primera modalidad su eje principal es la música y el canto, en la segunda los actores, también, recitan. La ópera surge
en italiana en el siglo XVII y tuvo, sobre todo, una gran aceptación en Oriente. Sin embargo, la zarzuela nace en España, en el ámbito
de la corte, a mediados del XVII (se presentó por primera vez en el Palacio de la Zarzuela, donde hay muchas zarzas) y gozó de mucho
éxito a finales del XIX expandiéndose a países de la América hispana. Además, en la ópera la acción es mucho más lenta que en la
zarzuela.
Gracias a la producción zarzuelística entre 1849 y 1880, se puede establecer, según Casares Rodocio, tres tipologías:
◦ La zarzuela grande: tres actos o menos frecuentemente dos o cuatro, predomina el texto cantado al hablado (15 ó 16
números musicales), aunque una fuerte interrelación entre ambos y muchos personajes. Temas, principalmente, de
carácter histórico relacionados con la historia de España o inspirados por la literatura francesa. Nace con la obra Jugar
con fuego de Barbieri en 1851, que propugnaba la creación de una lírica nacional.
◦ La zarzuela chica: un solo acto, en el que predomina la declamación al canto. Menos personajes, de tres a cinco, y una
estructura y medios más pobres. Temática popular y asuntos diarios con lo que abundan los cantos populares y la
danza. Goza de mucha popularidad a partir de 1880 y es cuando recibe el nombre de género chico.
◦ El género bufo (híbrido entre la grande y la chica): creado por Francisco Arderius, a través d ella compañía de los
Bufos Madrileños. Es un género más liviano en su temática, con música breve y que con el uso de la sátira buscaban
un rendimiento económico y la aceptación del público. Son escenas pictóricas y divertidas que llevarán a la creación de
diversos fenómenos como el cuplé, la opereta y la revista.

4. INICIOS DEL SIGLO XX

1. Diversas corrientes dramáticas entre los dos siglos: fines del siglo XIX y primer tercio del XX.
Al inicio del siglo XX, surgieron diferentes movimientos:
• Modernismo: nace como rechazo del Romanticismo, Realismo y Naturalismo y el primero que lo hace en Hispanoamérica.
Es un movimiento literario que inicia una nueva forma de ver el mundo a través de una renovación formal; tanto en lenguaje
como en técnicas expresiva, con una libertad absoluta en géneros, poesía, estilo, métrica, etc. A diferencia de sus
 antecesores, es una concepción artística más estética poniendo la atención en lo exótico, en el sensualismo y un claro
cosmopolitismo, alejándose del arte comprometido con la realidad. Llegará a su cénit en 1888 con el poemario Azul de Rubén
Darío que llegará hasta los años veinte. En España los cultivadores de este movimiento Salvador Rueda o Manuel Machado,
entre otros, aunque los más destacados fueron Juan Ramón Jiménez y Antonio Machado, en lo arquitectónico Salvador
Gaudí y en el teatro poético Eduardo Marquina.
• El 98 (*): a fines del siglo XIX e inicios del XX surgirá un grupo de jóvenes intelectuales que, ante la decadencia de España
(pérdida de las colonias, con una economía muy debilitada y con una moral baja), reaccionan con fuerza para reivindicar los
valores nacionales, tomando Castilla como elemento simbólico de este movimiento. Entre los escritores y pensadores estaba
Miguel de Unamuno, Pío Baroja, Azorín, Antonio Machado o Valle-Inclán. Cada uno tenía su estilo propio, sin embargo, hay
rasgos genéricos que los unen:
◦ Alejamiento del esteticismo (el arte por el arte), característico del Modernismo.
◦ Sus creaciones toman un rumbo más filosófico, bajo la influencia de filósofos como Schopenhauer, Friendrich o
Nietzsche.
◦ Recurren a la reflexión sobre el ser nacional e histórico de España, encontrando en el paisaje de Castilla un símbolo
empleado por todos.
◦ Un fuerte individualismo (Unamuno y Baroja a la cabeza).
◦ Un grupo de escritores, en el terreno literario y del pensamiento español, único y significativo.
• El Novecentismo o la Generación del 14: desarrollan su labor antes de los vanguardismos de los años veinte y cultivó el
género del ensayo, con un trasfondo filosófico, que llegará a su cénit con la figura de José Ortega y Gasset. Este filósofo
partiendo de una ideología liberal, establece la relación del ser humano con sus circunstancias, así como la función
preeminente de las élites, de las minorías, sobre la colectividad en obras como La rebelión de las masas (1930). otros
ensayistas: Gregorio Marañón, Eugenio D’Ors, etc. Novelistas: Gabriel Miró o Ramón Gómez de la Serna.

2. El teatro entre dos siglos: Benito Pérez Galdós. El 98 y el teatro.

(*) El teatro no es la modalidad literaria más empleada por este grupo de escritores pero algunos sí que se adentraron en él:
• Miguel de Unamuno: el bilbaíno cultivador del ensayo, la novela y la poesía, pero también tocó el mundo del teatro, pese a no
destacar en ello, con piezas como Fedra, Sombras de sueño, etc. en las que domina lo filosófico, la abstracción, el prosaísmo.
• José Martínez Ruíz, Azorín: más tarde pero con mayor intensidad tuvo el teatro su trayectoria en Azorín, por lo que va a ser
más vanguardista que filosófico, lo que no trajo mucho éxito debido a su carácter innovador. Junto a los ensayo y la novela
fue crítico y produjo nueve obras teatrales en las que destacan Judit, Brandy, mucho brandy, Angelita, entre otros.
• Pío Baroja: destacó por su producción literaria en la novela (El árbol de la ciencia) pero cultivó el teatro como crítico y como
dramaturgo con piezas como ¡Adiós a la bohemia!, y adentrándose en el experimentalismo vanguardista en obras posteriores
como Arlequín, mancebo de botica o Los pretendientes de Colombina, etc. Escaso interés por el público.
• Ramón María del Valle-Inclán: será el auténtico hombre de teatro y aunque sus inicios puedan encajarse en los grupos del
modernismo y del 98, su gran eclosión dramática fue dentro del teatro vanguardista español.

3. El teatro poético en los inicios del siglo XX.

Al amparo del Modernismo, se impuso un tipo de teatro en verso, cultivado durante el primer tercio del siglo XX con intensidad, algo que
desde el Romanticismo no se daba. Javier Huerta y Emilio Perales proporcionan las siguientes características generales:
• Surge como reacción contra el drama realista (antirrealismo)
• Exalta edades en las que el teatro en verso fue predominante: Barroco, Edad Media, Romanticismo. Es un teatro histórica de
tipo más bien arqueológico.
• Cultiva también los temas legendarios.
 • Teatro reaccionario ideológicamente, en general.
• Creaciones con tono lírico y simbolista.
• Siguen a Maurice Maeterlink.
Sus cultivadores más importantes fueron:
• Eduardo Marquina: cultivador modernista de dramas históricos (Las hijas del Cid) y el drama rural (La ermita, la fuente y el
río). Gracias a su ideología conservadora, su teatro fue muy bien visto en el franquismo.
• Francisco Villaespesa: un poeta modernista que tuvo sus incursiones en los dramas históricos ( La leona de Castilla) o de
temas bíblicos (Judith). su obra más conocida es El Alcázar de las perlas.
• Los hermanos Machado: su teatro es en verso aunque no alcanzaron la dramaturgia de otros. Fueron obras muy dispares:
◦ Influenciadas por el freudianismo: Don Juan de Mañara
◦ El sueño como espacio de conocimiento: Las adelfas
◦ Homenajeando Andalucía: La Lola se va a los puertos
◦ Históricas: Desdichas de la fortuna
◦ Crítica a la España contemporánea: La prima Fernanda

➢ Los intereses creados (Jacinto Benavente)

Esta obra es una comedia burguesa, farsa que refleja la influencia de la comedia del arte italiana, por lo que gozó del agrado de la clase
burguesa y el público en general. El tema principal de la obra es el intento de supervivencia de Crispín y Leandro a través del engaño.
Así, refleja la realidad social de las personas sin escrúpulos, aunque siempre partiendo del tono cómico. La obra se divide en tres actos,
que a su vez presentan distintos cuadros y escenas. En el primer acto, Crispín y Leandro llegan a la ciudad, en concreto, a la Hostería.
Desde un primer momento se aprecia la importancia de las apariencias, por ejemplo, a través de la vestimenta: el ser humano es un
bien material. De ahí, el título: Los intereses creados. Otro tema relacionado es el de la fiesta: el hecho de divertirse en el momento,
dejarse llevar por las apariencias sin pensar demasiado en la realidad de la vida.
El final de esta obra demuestra que guardar las apariencias y seguir con ciertas mentiras, muchas veces es preferible, porque
así todo sale como uno pretende y no como realmente debería ser. Excepto Polichinela, el resto de los personajes consiguen lo que
quieren.
La obra constituye una protesta contra los valores morales de la sociedad burguesa, donde lo que más se valora es el dinero.
Es un drama de marionetas que sigue muchas de las convenciones de comedia del arte. Crispín es el titiritero que dirige a los otros
personajes por medio de sus intereses económicos. En la obra, se representan todas las personas y los conceptos estereotípicos de la
sociedad actual. Se representan personas de la clase alta, la clase media, y la clase baja; también se representa el amor, el arte, el
intelectualismo, y la vulgaridad. No obstante, a despecho de las diferencias entre estas varias clases sociales y conceptos, es posible
para Crispín manipular a todo desde una perspectiva económica. La única excepción es el amor. La relación entre Leandro y Silvia,
aunque empezada por motivos económicos, desarrolla y se hace más pura. El hecho de que un monólogo de Silvia, quien representa el
amor, termina la obra es importante por dos razones. Primero, siendo una mujer importante dentro del contexto de la obra, Silvia es un
símbolo de la mujer más poderosa de la sociedad. Más importante, el monólogo de Silvia es importante porque sugiere la naturaleza
única del amor—después del término de la farsa, todavía existe el amor. Se puede interpretar que, para Benavente, o el amor es algo
que transciende todo lo material o es simplemente otra fuerza que se puede manipular, aunque no queramos admitirlo. Porque el fin de
la obra se puede interpretar en dos maneras, la rechaza del absoluto es destacado en la obra.

Personajes
• Crispín: Es el personaje principal. Puede considerársele el protagonista, aunque la comedia no responde exactamente al
modelo clásico de protagonista-antagonista. Pícaro ingenioso y hábil, heredero de la tradición clásica española y de la
comedia del arte italiana. Delincuente que finge ser criado de un gran señor, su compañero Leandro.
 • Leandro: Delincuente, compañero y amigo de Crispín. Su prestancia física y su elegante vestuario le llevan a adoptar la
condición ficticia de gran señor que viaja de incógnito.
• Polichinela: Podría ser tomado como el antagonista. Antiguo criado y delincuente, se ha enriquecido extraordinariamente y
procura olvidar su oscuro pasado, aunque no logra evitar su zafiedad brutal. Poderoso, pero física y moralmente deforme.
• Silvia: Su hija. Mujer muy joven y bella, romántica, pero prudente y hábil.

5. TEATRO VANGUARDISTA
1. Contexto histórico (1) y cultural (2), situación de la vida escénica (3), y características generales (4) del teatro
vanguardista de los inicios del siglo XX, sin entrar en detalle de los autores. El teatro vanguardista (*).
(1) Tras la Restauración, se instaura la monarquía parlamentaria con Alfonso XIII pero debido a la crisis constitucional que se genera,
en 1923 los militares asaltan el poder e implantan la Dictadura de Prima de Rivera (1926-1929). La monarquía se extingue con unas
elecciones y se proclama la Segunda República en 1931, que durará la hasta el inicio de la guerra civil (1936-1939). gana el bando
nacional y se inicia la dictadura franquista, produciéndose el exilio de un gran número de intelectuales o, incluso, la muerte.
(2)(*) En este periodo se inicia la denominada Edad de Plata, una segunda etapa en la que la cultura alcanza su gran apogeo.
Paralelamente al avance técnico e industrial, la cultura se verá impregnada por una serie de movimientos vanguardistas venidas de
Europa que revolucionarán los modos de creación y de recepción: futurismo, surrealismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo,
creacionismo, ultraísmo, entre otros.
Durante los años veinte surge un grupo en España conocido como Generación (Grupo) del 27 (tricentenario de Góngora en
ese año), que aunque principalmente cultivaran la poesía, también incursionó en el ámbito teatral. Son dramaturgias tan innovadoras
que a menudo no eran comprendidas por el público. La figura más destacada del vanguardismo será Valle-Inclán, seguido por Federico
García Lorca. Los dos dramaturgos más universales del periodo.
(3) En cuanto a la situación dela vida escénica, en esta época los empresarios buscaban una rentabilidad en los
espectáculos , por lo tanto, ponían en escena aquello que el público demandaba y no se arriesgaban a poner piezas innovadoras.
Además, no existían figuras destacadas en la renovación escénica y los intentos que hubo fracasaron. Sin embargo, en algunas salas
teatrales se intentó (Teatro de Arte, Adriá Gual) y pese a ser de forma muy leve, ayudó a que surgieran los dos dramaturgos antes
destacados, Lorca y Valle-Inclán. Asimismo, surge la figura del director de escena que será un componente importante de los montajes
teatrales. Dos figuras destacables en esta labor fueron Gregorio Martínez Sierra y Cipriano Rivas Cherif. Sin olvidar la labor de actores
y actrices como María Guerrero o la Argentina, y la de los pintores ayudaron en la renovación de la escenografía como Picasso o Dalí.
(4) Las características generales del teatro vanguardista de los inicios del siglo XX, según César Oliva:
• Está concebida para pocas representaciones o incluso única en algunos casos.
• Cuenta con intérpretes ocasionales, con figuras del arte y con jóvenes aficionados.
• Dispone de curiosas escenografías y originales efectos de luz para la época.
• Aporta un repertorio de obras innovadoras.
• Público limitado y ligado al mundo de la cultura.

2. El teatro de Valle-Inclán.
El gallego Ramón María del Valle-Inclán fue el dramaturgo más importante del siglo XX, aunque cultivase todos los géneros literarios el
teatro fue su gran obra artística. Se inició en el Modernismo, por su preocupación estilística del lenguaje y se acerca al grupo del 98. Sin
embargo, el legado más importante que ha dejado Valle-Inclán al teatro ha sido la modalidad del esperpento que, al igual que los
espejos cóncavos y convexos, que deforman la realidad engordándola o adelgazándola, es una versión española del expresionismo
europeo que, de un modo grotesc,o se distorsiona la realidad. Su obra de divide en varias vertientes:
• La mítica: obras basadas en aspectos mágicos gallegos como la trilogía de las Comedias bárbaras o las dos tragicomedias El
embrujado y Divinas palabras.
 • La de las farsas: escritas en verso como Farsa italiana de la enamorada del rey o Farsa y licencia de la reina castiza.
• La esperpéntica:
◦ Luces de bohemia: una de sus grandes piezas y en donde explica lo que es el esperpento.
◦ Martes de Carnaval: es una obra que se propone para lectura. Una trilogía publicada anteriormente por separado pero
que tienen una unidad temática y de composición: Los cuernos de don Friolera, Las galas del difunto y La hija del
capitán. Es una trilogía en la que Marte, el dios de la guerra, aparece bajo diferentes máscaras, en un tono esperpéntico.
Es un retablo alegórico que tiene como trasfondo una crítica al militarismo de la época.
Su obra no fue reconocida, ni llevada a escenarios en su tiempo, tuvieron que pasar años para darle el lugar que le corresponde.

3. Etapas en la trayectoria dramática de Federico García Lorca .

El granadino Federico García Lorca es uno de los escritores del siglo XX más reconocido internacionalmente, tanto por su obra como
por su muerte. Poeta destacado del Grupo del 27 y el más destacado en cuanto al género teatral. César Oliva distingue dos etapas en
su trayectoria dramática:
• La tradicional: se acercó al teatro que se imponía en la época con dramas históricos como Mariana Pineda o dramas rurales
de gran éxito como Yerma, Bodas de sangre o La casa de Bernarda Alba. Pese a seguir la corriente ruralista, introduce el
elemento novedoso de alejarse del costumbrismo, utiliza personajes simbólicos, emplea técnicas diferentes, etc. Da
importancia a los personajes femeninos:
◦ La Madre en Bodas de sangre, tragedia de la infidelidad, en donde con coplas y bailes anuncia el terrible final que motiva
la difícil relación entre el Novio y la Novia, amante ésta e un vecino casado.
◦ Yerma, la tragedia de la fertilidad, una mujer que condiciona todo por ser madre, hasta el amor.
◦ Bernarda Alba, símbolo de poder absoluto, desde una perspectiva familiar y femenina. Todas los personajes de esta
obra son mujeres de España, obra dura y sensible.
◦ Doña Rosita, tipo lorquiano: mujer que espera eternamente la llegada de su prometido. El drama viene sugerido por la
metáfora de la rosa, hermosa en su juventud pero marchita en su vejez.
• La renovadora o vanguardista: toma un rumbo más hacia el teatro innovador con El maleficio de la mariposa o La zapatera
prodigiosa. Sin embargo, las dos obras más destacadas de esta etapa innovadora son:
◦ Así que pasen cinco años (1931): mezcla elementos simbólicos con otros reales, con una disposición de materiales
escénicos que necesitan una lectura más profunda.
◦ Público (empezada en el 30 y terminada en el 36): en ella muestra la oposición entre dos tipos de teatro, el “ teatro bajo
la arena” y el “teatro al aire libre”. Lorca introduce la acción del primero en una representación habitual, al aire libre, con
el efecto del teatro en el teatro. De esta manera habla del drama del mundo que le rodea, pero también del drama propio.

➢ Martes de carnaval (Ramón María del Valle-Inclán)

Personajes
Todos los personajes del libro vienen a representar la realidad de la sociedad española a la que Valle-Inclán quiere denunciar. Los
representa como fríos y sin escrúpulos, por ello, el modo que tiene para alejarlos de su propio ser es haciendo referencia al mundo del
guiñol y, de este modo, mostrar la debilidad del espíritu humano. Jesús Rubio en su edición dice de forma acertada sobre los personaje
que “no viven directamente la desmesurada situación, sino que la contemplan y la comentan”. Los personajes son una mezcla de algo
cómico y algo truculento y para ello Valle-Inclán los relaciona con el Grand-Guignol: al Boticario, a Don Friolera y a Don Joselito.
Además, los personajes a menudo se comparan con animales para despojarles aún más de su humanidad (“lechuza”, “gato”,
“cornuja”). Por otro lado, el lenguaje que utilizan los personajes es coloquial con frases populares como “tirar el pego”, “pelado al cero”,
“jarabe de pico”, “camelar”, etc. Son personajes de la vida misma pero que solucionan sus problemas siempre de forma dramática. Y,
como no podría ser de otra manera, al menos uno de los personajes pertenece al mundo militar sobre el que recae toda la sátira de
Valle-Inclán.

Significado de la obra
En las tres obras encontramos que el tema principal es el antimilitarismo. De ahí el título de la obra Martes que proviene de Marte, es
decir, el dios de la guerra y carnaval porque es un dios que está disfrazado, lleva una máscara para ocultar la realidad de la sociedad
española.
Por lo tanto, es una crítica a la situación política del momento y, para ello, se apoya en acontecimientos reales. En Las galas
critica el fin de la guerra de Cuba en 1898 en el que su personaje es un retornado y a su vuelta se encuentra con que no es nadie y
busca una nueva identidad. En Los cuernos el retrato que realiza sobre los militares y su código del honor, deja en evidencia el Cuerpo
de Carabineros y, además, critica la actuación del Ejército en Filipinas. Y en la tercera obra, La hija del capitán es una crítica a la
Dictadura de Primo de Rivera para tapar lo ocurrido en Marruecos y la mala gestión del gobierno de Alfonso XIII.
Con la técnica del esperpento en Martes de carnaval Valle Inclán se burla de los temas clásicos del teatro español; por ejemplo, de la
figura de Don Juan en Las galas del difunto (1926) a través del personaje Juanito Ventolera o el tema del honor en Los cuernos de don

Friolera (1921), en el que su personaje Pascual Astete se ve obligado a defenderlo y acaba asesinando por error a su propia hija. La
ironía como instrumento y mecanismo para alejarse del personaje. Esto nos da una perspectiva para juzgar y, también, para denunciar
aquello que se está contando. Además, esta burla a lo clásico se entrelaza con la crítica de su propia realidad.
La burla y la sátira le sirven para representar la degrada historia de España del último medio siglo mediante la deformación de
los personajes (conversión del personaje-héroe en personaje-fantoche) y, también, del lenguaje. Esto lo hace mezclando registros del
habla popular, neologismos, blasfemia, jergas, etc. con cultismo, palabras rebuscadas. Lo que quiere representar es una deformación
de una sociedad que está totalmente alejada de lo que son los valores éticos y morales.

6. TEATRO DEL EXILIO

1. El contexto cultural del teatro del exilio: dramaturgos importantes y sus obras .
La cultura española en el terreno artístico, especialmente la literatura y el teatro, se realizó fuera de España. El teatro del exilio, frente al
teatro de evasión que se hacía en el franquismo, produce una teatralidad distinta debido a las circunstancias personales de los autores
y a las nuevas tendencias estéticas. Se caracteriza por: la diversidad de estilos; España, como tema de sus obras; y, por ser un teatro
más apto para la lectura que para la puesta en escena. Así pues no gozaban de un público real, el público eran ellos mismos, por lo que
la renovación escénica de los cuarenta se produjo fuera de España ya que escribían obras innovadoras.
Los autores más destacados fueron prohibidos por el franquismo, menos Alejandro Casona que sí se pusieron en escena en
España pese a estar exiliado. Algunos nunca volvieron a la Península, otros si realizaron visitas pero sin intención de quedarse, y otros,
no volvieron hasta 1975 con la muerte de Franco. Lo mismo ocurrió con los actores y actrices más destacados.
El teatro de Rafael Alberti y Max Aub. El teatro de Rafael Alberti y otras dramaturgas del exilio.
• Rafael Alberti: poeta gaditano del grupo del 27, que se centra en las posibilidades expresivas del idioma. Un teatro que no ha
tenido éxito en los escenarios tradicionales pero sí ha aportado imaginativa a la escena española. Se pueden distinguir tres
etapas:
◦ La inicial o innovadora: la primera pieza fue El hombre dehabitado, un auto sacramental vanguardista, cargada de
simbolismo alegórico, en el que acusa a la Divinidad de la negatividad y el fracaso que tiene el Hombre.después, Fermín
Galán, obra histórico social, en la que recoge la sublevación de Femín Galán, con una estructura de diez episodios y una
preocupación temática por lo social y lo político; un poeta comprometido que se ira incrementando en las posteriores
creaciones.
 ◦ La de la guerra civil: una obra extensa, De un momento a otra, drama de una familia española, un drama político con
tintes autobiográficos. A su vez, durante la guerra civil, escribió una serie de piezas breves con contenido de agitación y
propagandístico, con intención de mover conciencias en defensa de ideales de izquierdas y republicanos para
representar en los frentes de batalla, como Los salvadores de España o Radio Sevilla,
◦ La del exilio: su trayectoria teatral más rica y productiva. El comunista exiliado, primero en Buenos Aires,escribió obras
como El trébol florido (enfrentamiento entre la tierra y el mar) o la Gallarda (verso, enfrentamiento erótico y simbólico
entre la mujer y el toro). Sin embargo, sus obras más conocidas fueron El adefesio (basada en un hecho real, la vieja
Gorgo de constituye en un poder absoluto y férreo, lleno de perversidad y maldad) y Noche de guerra en el Museo del
Prado (Alberti cuidador junto a su primera esposa de los tesoros del Prado, se revela a algunos de los personajes más
famosos de los cuadros contra los bombardeos de los aviones de Franco durante la guerra civil).
• Max Aub: padre alemán y madre francesa nacido en París, es uno de los escritores más prolífero del pasado siglo. De padres
librepensadores y descendencia judía en un país católico y antisemita como España. Varias etapas de su obra:
◦ La vanguardista: etapa vinculada a la deshumización del arte de ortegiana, aunque después se desvinculó como vemos
en su Discurso sobre la novela española contemporánea.
◦ La novelística del exilio: su literatura profundiza más en un realismo testimonial, que no autobiográfico. Por ejemplo, El
laberinto mágico, compuesto por seis campos novelescos o Enero sin nombre (póstumo). Los relatos completos del
Laberinto mágico, de corte histórico de la guerra y posguerra.
◦ La teatral: también vinculada al realismo testimonial, producida en el exilio, como San Juan (sobre el genocidio judío) o
La vida conyugal (trató el tema de la postura de los intelectuales ante la dictadura). Ambas un reflejo de sus
circunstancias personales.
• Alejandro Casona: el autor teatral más prolífico y peculiar del exilio español. Ligado a la República de Misiones Pedagógicas,
a La Barraca de Lorca y otros grupos teatrales con los que pretendía culturizar al pueblo a través del teatro. Escribió muchas
obras antes y después del exilio que valía para cualquier ocasión, donde lo poético predomina. A pesar de ser de izquierdas
no tenía una posición ideológica clara. Volvió a casa cuando quiso y sus obras no sufrieron la censura. Se distinguen dos
grupos, aunque a veces se solapen:
◦ El primero son quince piezas más personales donde se aprecia la personalidad del dramaturgo, a través de cuatro
criterios: binomio mundo de la realidad-fantasía; un mensaje espiritual; se descubre la personalidad de Caso, incluso, en
ocasiones, con un alter ego; y todas son obras originales tanto tema, en desarrollo y expresión. Las piezas más
importantes son: La sirena varada, Nuestra Natacha (ambas antes del exilio), Prohibido suicidarse en primavera, La
dama del alba, etc.
◦ El segundo son obras que tienen un arranque temático en obras de otros autores (Oscar Wilde, Alarcón, etc.), aunque el
desarrollo es cosecha propia de Casona (María Curie, El crimen de Lord Arturo).
• Pedro Salinas: escritor del grupo del 27. Antes del exilio escribió la obra teatral El director, y fuera fueron trece obras cortas,
tipo sainetes, y de corte simbolista como La cabeza de Medusa (amor) o Los santos (la guerra civil).
• Otros autores: Manuel Azaña, Paulino Masip y José Ricardo Morales.
• (&) Dramaturgas:
◦ María de la O Lejárraga, tradujo obras de Ben Jonson y escribió Tragedia de la perra vida (sátira mitológica filosófica y
metateatral).
◦ Carlota O’Neill: dos obras en las que aparecen figuras femeninas de la mitología de gran valor testimonial escritas en el
exilio, Circe y los cerdos (drama mitológico basado en La Odisea, utiliza a la maga para mostrar una mujer moderna,
feminista e independiente, humanizándola y mostrándola enamorada y dolida por el abandono- rasgos autobiográficos) y
Cómo fue España encadenada, adaptación teatral de su primer libro de memorias Una mujer en la guerra de España
(sus vivencias al inicio de la guerra y encarcelamiento en Melilla, antes de su exilio)
 ◦ Maria Luisa Algarra: Casandra o la llave sin puerta, el mito de Casandra como símbolo de la marginación, en una doble
vertiente, por un lado las mujeres victimizadas a manos del varón y, por otro, la de todos aquellos que tuvieron que
abandonar sus países y costumbres. Denuncia de la tradición machista y reflejo de la realidad histórica de su tiempo, al
igual que Carlota O’Neill.

2. Las Dramaturgas del teatro del exilio.

Estas dramaturgas son el inicio de la mujer en la vida social y cultural en los años veinte que debido a la guerra civil tuvieron que
exiliarse. Nunca antes, las mujeres plasmaron sus vivencias en tantos textos y que, aunque destacaron en sus ámbitos, han estado a la
sombra de destacadas figuras masculinas. Tanto la concepción teatral como el desarrollo escénico se ve la influencia de las tendencias
teatrales del momento, tanto las de España como las de fuera.
Sin embargo, una de las cosas que diferencia a estas dramaturgas es que escribieron un teatro en el que, en el plano
semántico, ofrece una visión distinta del mundo de la mujer y del papel de esta en la sociedad, con el fin de presentar una mujer nueva,
más libre, que quiere romper con la sociedad patriarcal que las conduce a la infelicidad. Para ello, acuden a las figuran mitológicas para
poner de manifiesto y reafirmar el papel de la mujer en la sociedad. Y, por otro lado, utilizan explícitamente lo autobiográfico para contar
solo con la memoria, así evitar el olvido y que la historia contada solo sea la de los vencedores. Por lo tanto, se alejan del teatro
típicamente histórico y se insertan en un discurso teatral histórico y testimonial-documental. (&)

7. TEATRO DURANTE EL FRANQUISMO

1. El teatro crítico en el franquismo
Pese a la censura hubo autores que iniciaron un modo de realizar cierto distanciamiento del régimen franquista al reflejar aspectos
sociales cercanos:
• Antonio Buero Vallejo: el dramaturgo más importante de la posguerra española. Su primera obra, Historia de una escalera,
marcaba un nuevo rumbo teatral, alejado del teatro de evasión, típicamente burgués. Desde diversas técnicas y tácticas,
Buero fue interesándose por los problemas humanos y sociales. Sus obras realistas simbolistas, fueron las más
representadas de todos los autores del realismo.
• Alfonso Sastre: cultivó un realismo crítico, en la senda de Buero, pero más radicalizado. Con el estreno de Escuadra hacia la
muerte, se va consolidando un teatro que, bajo diversas apariencias y simbolismos, intenta denunciar la realidad social en la
que vive. Otras obras como La mordaza o La taberna fantástica también configuran un teatro crítico contra el franquismo, al
modo de entonces, con problemas con la censura.
• Lauro Olmo: se ocupó mucho de los aspectos relacionados con la sociedad, de a realidad de su época. Dos de sus obras más
significativas son La camisa, drama social sobre la emigración y los ambientes obreros; y La pechuga de la sardina, en el que
las mujeres y sus frustraciones tienen un papel destacado.

2. Los realistas y el Nuevo teatro. Los autores del Nuevo Teatro.

Tras la senda de Buero Vallejo, hubo autores que siguiendo la senda de otros géneros literarios, plasmaron en sus textos teatrales una
crítica tanto al sistema como a la sociedad de la época. Estos dramaturgos se les acuñó como la generación realista. Además de
Buero Vallejo, Alfonso Sastre y Lauro Olmo, es un grupo de inconformistas con la situación que les rodeaba que, frente a la comedia de
evasión, mantuvo unos postulados críticos aunque a través de diferentes estilos teatrales. Los autores más significativos:
• José Martín Recuerda: dentro del realismo poético Las arrecogías en el beatario de Santa María Egipcíaca, sobre Mariana
Pineda y el grupo de mujeres que lucharon por la libertad, presas en un convento en tiempos de Fernando VII. Otro ejemplo,
Las salvajes de Puente San Gil que narra la historia de una compañía de teatro que llega un pueblo y son criticadas las
coristas por las puritanas mujeres y deseadas por los reprimidos hombres.
 • José María Rodríguez Méndez: por ejemplo Flor de Otoño, sobre el abogado Lluiset que por las noches de convierte en
travesti y que vive una doble vida.
• Carlos Muñiz: El tintero, obra realista expresionista que denuncia la deshumanización en la que se vive.
• Otros autores como Antonio Gala .
En la época final del franquismo, es una etapa viva por lo que significó, por un lado, el pensamiento en contra el sistema autocrático y,
por otro, por el vanguardismo y la experimentación en la dramaturgia del llamado nuevo teatro español. Esto nace en los sesenta como
reacción a la generación realista y al teatro más convencional, tradicional, evasivo y adicto al régimen. Estos dramaturgos escribieron
sin cesar y recibieron muchos premios, pero sus representaciones solo descansan en grupos y salas alternativas. Además, muchos
iniciaban su andadura en grupos de teatro para luego seguir una trayectoria de creación individual. Autores el Nuevo teatro:
• Jerónimo López Mozo: autor muy premiado pero con escasa presencia en los escenarios.
• Manuel Martínez Mediero: consiguió escenificar sus obras en ámbitos oficiales como El último gallinero, El convidado o El
bebé furioso.
• José Ruibal: recurrió a festivales y cafés para llevar a escenas obras como El rabo y La secretaria. Recibió la mano dura de la
censura.
• Fermín Caval: Tú estás loco, Briones, una obra individual.
• Francisco Nieva: el más vanguardista con obras como La señora Tártara.
• Luis Riaza: Retrato de dama con perrito.
• Miguel Romero Esteo: con un teatro casi irrepresentable Parafernalia de la olla podrida y de la mucha consolación.
• Fernando Arrabal: el autor más internacional del teatro español actual. El triciclo, Fando y Lis, etc.

➢ La tejedora de sueños (Antonio Buero Vallejo)

La tejedora de sueños supone un nuevo tratamiento del poema épico de la Odisea y de sus personajes. El comportamiento de los seres
humanos no ha cambiado a lo largo de todos estos siglos, por lo que nos podemos seguir sintiendo identificados al encontrarnos con
una nueva reelaboración de un tema clásico. Los conflictos que plantea Buero Vallejo con este drama son intemporales: los problemas
de la guerra y la soledad que esta supone, así como el innegable paso del tiempo y los cambios que este produce en las relaciones de
pareja.
Además, hay un gran cambio en uno de los personajes principales en la historia: Penélope. Es uno de los personajes
femeninos más humanos de toda la mitología, puro símbolo del romanticismo anclado en el recuerdo de su ausente marido. Sin
embargo, en la obra de Buero, la representación de Penélope cambia y se desmitifica, se transforma y se convierte en más humana. Ya
no se presenta el ideal de esposa fiel y paciente, e incluso se permite estar enamorada de otro hombre. Y a fin de cuentas lo único que
ella buscaba en este mundo lleno de guerra y sufrimiento era amor verdadero. A pesar de que Penélope es el personaje principal, es
notable también el cambio que se produce en Ulises. Él ha dejado de ser el héroe griego que todos conocíamos para convertirse en un
hombre cobarde e indigno. Y como antítesis de este tenemos al pretendiente Anfino, un muchacho noble y sincero. Ulises es símbolo
de fracaso y solo está interesado en aparentar normalidad de cara a la sociedad, no importa que su matrimonio con Penélope está
muerto. Además, no se desmitifica solo a los personajes, sino que la propia historia sufre un cambio: el final feliz tras el regreso de
Ulises se convierte en La tejedora de sueños en una tragedia.
De acuerdo con Iglesias Feijoo (1980: 56), el sueño durante la obra encierra dos sentidos distintos: el sueño-ilusión a través
del cual alguien se imagina las cosas de otro 51 Iglesias Feijoo (1980: 42). 52 López (1999: 218). 32 modo, y el sueño-utopía que
consiste en la esperanza de algo que hoy no podemos ver pero que puede llegar a existir. Tras esta reflexión, podemos ver que
Penélope se sumerge en ambos sueños: el sueño-ilusión de ser como Helena y el sueño-utopía de su vida con Anfino. Y Ulises supone
la destrucción de ambos.
El uso de este personaje femenino por el autor y convertirlo en protagonista de su drama se puede explicar por el contexto en
el que está datada la obra. En 1952 cuando se publica La tejedora de sueños, España estaba sumida en la posguerra. A través del
personaje de Penélope podemos ver a una mujer que maldice la guerra porque, por esta, su marido ha tenido que salir del hogar, al
igual que le ocurrió a cientos de mujeres, que se encontraban inmersas en la soledad tras la Guerra Civil Española.

Otros personajes
• Telémaco: está en conflicto con su madre. Desde el comienzo conoce la identidad de su padre, y le ayuda a entrar a palacio y
a superar la prueba del arco. Mantiene enemistad con el pretendiente favorito de su madre, Antino, ya que su amada, Dione,
está enamorado él. Ve en él un rival en su amor por Dione y como sustituto de su padre.
• Anfino: es el único pretendiente con rasgos positivos del drama. Su personaje existe en la Odisea, aunque con otro nombre:
Anfínomo. Anfino es el único pretendiente con sentimientos sinceros hacia Penélope: la quiere a ella y no está interesado en
el reino de Ítaca. Es el príncipe de Duliquio, aunque no tiene aliados ni apoyo político por parte de otros reinos, cosa que le
impide a Penélope elegirle como futuro marido. No es pretencioso, al contrario que el resto de pretendientes, ya que se ha
criado en la orfandad y la humildad. Es el único que recibe halagos de Ulises e incluso le incita a abandonar Ítaca para evitar
que lo mate. Cuando Ulises se despoja de su disfraz y se venga de los pretendientes, él es el único que aguarda a la muerte
con prudencia y valentía. Además de ser el único enterrado con privilegios a petición del propio rey.
• Dione: es una de las esclavas, pero la única que aparece con nombre propio. Este personaje no aparece en la obra original.
Se presenta como una mujer ambiciosa, rebelde y manipuladora. Es la portavoz del grupo de esclavas y quien descubre a
Penélope ante los pretendientes. La reina no la castiga precisamente porque no quiere ver a Anfino compadecerse de ella
(aunque diga que es por Telémaco). En varias ocasiones podemos ver además cómo Penélope entra en su juego banal de
rivalidad.

8. EL TEATRO EN EL PERIODO DEMOCRÁTICO

1. El teatro histórico del periodo democrático.
2. Rasgos generales de la vida escénica en el periodo democrático. Las obras de Antonio Gala.

9. DRAMATURGIAS FEMENINAS
1. Dramaturgas más destacadas en el teatro español del siglo XX. Al menos tres con sus obras más importantes.
La mujer ha tenido escasa participación en la creación literaria, la dirección escénica y otros cometidos teatrales. Sin embargo, en el
siglo XX, especialmente en los últimos años, el número de dramaturgas ha crecido pese a todos los condicionantes que ha sufrido.
Podemos establecer tres etapas:
• La de las dramaturgas, coincidentes con el grupo del 27, que tuvieron que salir al exilio por razones ideológicas, tras la
guerra civil como representantes de la España de los vencidos. En esta etapa encontramos mujeres como Carlota O’Neill con
Circe y los cerdos o María Luisa Agarra con Casandra o la llave sin puerta, que acuden a las figuran mitológicas para poner
de manifiesto y reafirmar el papel de la mujer en la sociedad, además del carácter autobiográfico en algunas de sus obras
para contar sus experiencias con la memoria, así evitar el olvido. No es un teatro típicamente histórico sino uno testimonial-
documental.
• La de la posguerra (entre los años 40 y 60, en el franquismo). Dentro de su nómina de dramaturgas, quizás las más conocida
en el ámbito teatral sea Ana Diosdado. Su primera obra fue Olvida los tambores con la que ganó premios y la primera mujer
que ha ocupado el cargo de presidenta de la SGAE.
• (+) La última etapa es la más cercana, que ocupa los años 80 a inicios del siglo XXI. En esta etapa, sin duda, las mujeres
escritoras han buscado y buscan un lugar de igualdad con los dramaturgos en el ámbito de la creación teatral. Un ejemplo es
Carmen Resino, escribe para el teatro desde finales de los sesenta y cuenta con casi cuarenta títulos como Ulises no vuelve
(oposición entre voluntad individual y poder del destino) o Ultimar detalles. Fue miembro fundador y presidenta de la
 Asociación Dramaturgas Españolas y miembro de la Junta Directiva de la Asociación de autores de Teatro. La autora teatral
de estos años quiere mostrar su identidad de mujer en lo que produce y esto trae como consecuencia una nueva visión del
mundo, plasmada en la obra y en la escena, una nueva mirada sobre el entorno social y particular.

2. Dramaturgas femeninas actuales.

Hoy en día, la dramaturgia femenina tiene un gran auge en la creación literaria teatral, aunque su presencia en los escenarios es
todavía escasa. (+) Laila Ripoll Los niños perdidos: pretende mostrar cómo era la situación de los niños en la Guerra Civil y durante la
posguerra española. Su propósito es que esta situación no vuelva a repetirse, que la sociedad tome conciencia de esas atrocidades que
se llevaron a cabo y reparar el olvido de la existencia de tantos seres humanos[2]. Nuestra autora toma referencia de testimonios
reales; esta obra es de carácter realista (excepto la inclusión de los fantasmas), por lo que Ripoll no evita las escenas de dolor, ni de
violencia. Según ella, no hay que ocultar ningún aspecto, pues todo es relevante para que comprendamos esta obra y su propósito. El
poder y la violencia siempre van de la mano en las dictaduras, y esto es lo que se refleja en Los niños perdidos. A través de violencia y
vejaciones ,pretenden educarlos.
Itziar Pascual con El cementerio de Pére Lachaise, donde el tema del exilio y de la emigración van juntos.

➢ Dramaturgas del siglo XXI (Francisco Gutiérrez Carbajo)

10. INICIOS DEL SIGLO XXI

1. Del teatro clásico del Siglo de Oro al cine
El trasvase del teatro al cine se inició con el nacimiento de este último. El teatro vio en él un modo de pasar las imágenes de lo efímero
a lo fijo, a lo permanente. Son una pareja de hecho, con sus altos y con sus bajos, a lo largo de sus trayectorias. Actualmente en
España se producen cerca de un millar de películas, de las cuales, 150 se inspiran en obras literarias, muchas más novelas que obras
teatrales.
Respecto al teatro clásico, si nos centramos en la primera década de nuestro siglo veremos que entre las obras llevadas a la
gran pantalla de nuestro teatro clásico figuran dos: una, fiel al hipotexto (texto literario dramático) lopesco, en general, y otra muy fiel al
moretiano:
1. La dama boba, escrita en 1613 por Lope de Vega llevada al cine por Manuel Iborra en 2006.
2. Menos es más, dirigida por Pascal Jongen y estrenada en 2003. Una versión actualizada de la obra de Agustín Moreto El
desdén con el desdén (1652).
Ambas versiones no tuvieron mucho éxito en los cines. Lo cual indica que el ser fiel al texto o no constituye un valor por sí mismo para
la producción de una buena realización artística, además de éxito de crítica y público. Ni la popularidad de los directores lo lograron.
Sin embargo, encontramos el caso contrario unos años antes. Pilar Miró llevó a los cines otra comedia amorosa de Lope de
Vega, El perro del hortelano, con el mismo nombre que la obra teatral y muy fiel al texto en verso, aunque con una visión y estética
acorde con la actualidad. Elige un personaje femenino como protagonista, Diana la condesa de Belflor (representando al perro del
hortelano) una joven inteligente e impulsiva que se enamora de Teodoro, su secretario, una vez que descubre que éste se va a casar
con Marcela, una dama de la condesa. Celosa y ansiosa por lograr sus deseos, encandila a Teodoro y su amigo Tristán se inventa una
historia para que él pueda casarse con la condesa, siendo ella consciente de que todo es mentira. De este modo, salvan las apariencias
y convenciones sociales que no permitían un casamiento entre desiguales.

2. La organización teatral actual (tipologías)

• Teatros públicos
 ◦ Los teatros estatales: el Instituto de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) que tiene una Subdirección General del
Teatro, que se ocupa de lo relacionado con el arte Talía, a través de:
▪ Centro Dramático Nacional: con sede en el teatro María Guerrero.
▪ Compañía Nacional de Teatro Clásico: con sede en el teatro Pavón.
▪ Teatro Real (ópera).
▪ Teatro de la Zarzuela.
◦ Los autonómicos: patrocinados por las Comunidades Autónomas. Ejemplo, Madrid- Teatro del Canal.
◦ Los municipales: patrocinados por los Ayuntamientos. Ejemplo, Madrid-Teatro Español.
Tres posturas al respecto: los que están a favor de la presencia de las entidades públicas pues así ayudan a la promoción y a la
difusión del teatro; los que creen que su presencia hace que las obras cojan un tinte ideológico que lleve a un teatro convencional y de
escasa calidad; y, por último, los que apoyan una tarea conjunta para realizar coproducciones (administración y empresas) de buena
calidad.
• Teatros semipúblicos: son aquellos teatros privados que reciben ayudas de entidades privadas (estatales, autonómicas o
municipales). Por ejemplo, el teatro de La Abadía en Madrid, regentado por José Luis Gómez, que lleva a cabo una de las
labores más prestigiosas de producción teatral en España actualmente.
• Teatros privados: son los teatros regentados por empresarios que buscan en ellos una rentabilidad económica. Los hay que
inviertes en obras que saben que van a ser un éxito en taquilla pero que no importa tanto la calidad de la misma, pero,
también los hay que apuestan por un teatro de calidad.
• Salas alternativas: tienen un aforo muy limitado pero son el motor de la creación dramatúrgica, ya que autores, directores y
actores buscan nuevas vías de comunicación. Es un buen dinamizador de la creación teatral en todos sus elementos, pese a
que su programación dure escasos días (unos tres o cuatro). Gozan el favor del público que es joven y “entendido”, además
de que el precio de las entradas es mucho más bajo que el de las salas tradicionales (6-14€). Salas como Cuarta Pared o
Triángulo que sirven como lo haría antes el teatro independiente, para abrir puertas al teatro particular, no convencional y de
cierto interés, en general.

3. El teatro breve y el teatro de humor actual (señale 5 rasgos de cada uno, así como 3 autores importantes en cada
uno de ellos).
Teatro de humor: el humor ha estado muy presente en toda la historia del teatro, en general, y del español, en particular. En la
actualidad, los espectadores acuden a él con asiduidad. Algunos aspectos de este género, según Jerónimo López Mozo:
• El teatro de humor está ligado al teatro de evasión, a la diversión. Aunque en ocasiones no se da ya que se utiliza como un
modo de crítica y de reflexión.
• Su tipología es variada y goza de buena a cogida por parte del público y, por lo tanto, de abundante taquilla.
• Al ser un buen negocio, han empezado a estar presentes en los teatros convencionales, cosa que antes no pasaba al
considerarse un teatro poco serio.
• Actualmente han aparecido una serie de humoristas, con sus monólogos, que acaparan los espacios escénicos importantes.
López Mozo también distingue varias modalidades: las parodias (En un lugar de Manhattan, parodia del Quijote-Albert
Boadella y Els Joglars) y la comedia de humor, teatro de autor, la manifestación de humor más clásica (humor negro, humor
surrealista, etc.).
Los temas también son muy variados como puede ser sobre las relaciones de pareja en la sociedad contemporánea como No
es tan fácil de Paco Mir; o sobre el mundo laboral como en La vida en chándal de Miguel Morillo; o, incluso, sobre la incomunicación
como en Entiéndeme tú a mi de Eloy Arenas.
Teatro breve: al igual que el teratro de humor, a pesar de haber sido cultivado a lo largo de la historia, hoy en día goza de buena salud.
Según López Mozo estas son las razones:
 • A los autores anteriormente consagrados es un género interesante para abordar temas determinados, para experimentar.
• A los más jóvenes ha sido una herramienta de formación en los talleres de escritura teatral, así como en la consolidación de
los estudios de dramaturgia en las escuelas oficiales de arte dramático.
• Otros motivos: es más fácil publicar gracias a las antologías dedicadas a él y a las revistas (Art Teatral de Eduardo Quiles),
las revistas digitales, también hay premios dedicados a esta modalidad.
• Hay dramaturgos que ven en el teatro breve una manera de experimentar y no un género menor ocmo Itziar Pacual (Varadas)
o Juan Mayorga (El buen vecino).
• Su representación escénica sigue faltando, no es fácil estrenar.
• Espectáculos de carácter monográfico, que reúnen obras en torno a un mismo tema. Adolgo Simón propuso espectáculos en
torno al atentado 11M (Once voces contra la barbarie del 11-M) o el Sida (Grita: ¡Tengo sida!), un total de 89 monólogos y una
peroformance, que se hicieron en espacios públicos de la capital.

4. Las nuevas tecnologías y su aplicación en el teatro.

5. Teatro, cine y televisión en los inicios del siglo XXI.
6. Función del Estado y organización teatral actual en cuanto a subvención y gestión de los espacios teatrales.
7. El teatro de humor en los inicios del siglo XXI.
8. El teatro musical actual.
9. Del teatro al cine y televisión.
10. El teatro actual de los jóvenes creadores.

➢ Teatro breve entre dos siglos (Virtudes Serrano)

Laila Ripoll El día más feliz de nuestra vida
La acción transcurre en una sola escena y en un mismo espacio, el cuarto de las cuatrillizas que están repartidas en dos camas y
dialogando sobre el pecado en vísperas de su primera comunión, supuestamente, “el día más feliz de su vida”. El nombre de los
personajes es:
• Amelia: fue la primera her mana en nacer y duerme en la cama con Marijose. Al sentir que su hermana está inquieta y
murmura cosas, decide preguntarle qué le pasa y ahí es donde comienza la acción. Amelia se encarga de acentuar más esos
miedos que tiene su hermana, aunque siempre desde el desconocimiento, ella solamente repite lo que el cura les ha dicho.
• Marijose: la noche previa al día de su comunión comienza a tener miedos y dudas que no le permiten dormir. Además, ese
miedo a pecar, lo alimentan sus hermanas con las respuestas que le dan y, también, son las que le animan a realizar un
sacrificio que le lleva a la muerte (o así lo he entendido yo pese a que no se dice explícitamente en el texto), aterrada por la
idea de la condena y del infierno.
• Cochi: duerme en la cama con Aurora y a mitad de la obra entra en la conversación que tienen Amelia y Marijose y, no
precisamente para calmar a su hermana Marijose, sino que sus aportaciones son las más grotescas de la pieza como
cuando habla de las lágrimas de sangre de la Virgen con las que se puede ahogar.
• Aurora: fue la última en nacer y a lo largo de toda la obra subraya constantemente con lo que dicen sus hermanas con la
expresión “ea”. No tiene más aportaciones que apoyar lo que sus hermanas Amelia y Conchi dicen.
Esta obra de Laila Ripoll da lugar a una crítica acérrima de la educación en los años sesenta del franquismo, marcada por las
manipulaciones de la iglesia católica. La reduplicación (las cuatrillizas), el juego de las interrogaciones, la credulidad y la ingenuidad
infantiles son introducidos para dar mejor a ver lo grotesco del discurso eclesiástico y el peso de la religión, pero la obra se orienta más
hacia la caricatura y la sátira sociales. Trata de recuperar la memoria del ayer cercano y trae de nuevo a escena ese imaginario
oscurantismo del pecado, de la prohibición y del sentimiento de culpa por la trangresión.