LOS ARTISTAS DEL CAFÉ GUERBOIS

Los inicios del Impresionismo 1868-1874

PRUEBA DE EVALUACIÓN CONTINUA, CURSO 2022-2023

Historia del arte contemporáneo S XIX

Nou Barris
PRESENTACIÓN
Los artistas del Café Guerbois también conocido como grupo de Batignolles, fue un grupo de
jóvenes pintores de vanguardia de finales del siglo XIX que se reunieron alrededor de Édouard
Manet entre 1868 y 1875.

Manet tenía su estudio en el barrio de batingoles, el estudio estaba cerca de un café llamado
Café Guerbois, donde artistas como Auguste Renoir, Claude Monet, Alfred Sisley, Frédéric
Bazille, Camille Pissarro y Edgar Degas solían concurrir para conversar y debatir con una gran
cantidad de artistas que no “encajaban” en el arte aceptado oficialmente o elogiado por la
crítica. Si bien la mayoría de los pintores de este grupo serían los futuros impresionistas, no se
trataba de un movimiento ni de una escuela. La razón que los unía eran sus ideas, que incluían
el desprecio por el arte oficial, por las academias y por el estilo vigente.

En el caso de Manet fue una artista que avanzó en la búsqueda de sus propios objetivos,
abriendo así un mundo de posibilidades para los jóvenes pintores que seguían con atención su
trayectoria. Impresionistas de la talla de Renoir o Pisarro lo acogieron como su maestro, pese
a que su incursión en la pintura de ningún modo se considera de esta escuela.

El Salón de París era el gran evento del “arte oficial”, y quienes eran parte del jurado defendían
el arte académico. Esto generó que muchos de esos artistas que el salón oficial rechazaba,
rechazaran a su vez al salón oficial y buscaran caminos alternativos. Uno de los grandes
antecedentes fue el Salón de 1863, fueron tantos los rechazados, que el mismísimo Emperador
Napoleón III autorizaría un salón para que éstos expusieran en paralelo con el salón oficial: el
Salón de los Rechazados, un evento crucial para el nacimiento del arte moderno. El Salón de
1873 sería también determinante. Los artistas a los que se les había negado su trabajo se
quejaron de las elecciones conservadoras del jurado. A partir de ahí, se tomó la decisión:
unirían fuerzas para exponer ellos mismos sus obras.

Por todo ello, este grupo de artistas inicialmente reunidos en el Café Guerbois, a finales de
1873, formarían la Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores. El objetivo era
organizar muestras colectivas sin jurados, así como publicar una revista para difundir sus
ideas. Berthe Morisot se adhirió a élla, abandonando el Salón oficial para las exposiciones
impresionistas de las que será una artista destacada. Cuatro meses después, en abril de 1874,
se abrirían las puertas de la primera muestra de los impresionistas. Tuvo lugar en el taller del
fotógrafo Nadar, y expusieron unos 30 artistas en 7 u 8 ambientes, un total de 165 obras. El
evento generaría disparidad de reacciones. Manet no participó de ésta ni de las siguientes
muestras del grupo, ya que su intención es “conquistar” el Salón oficial.

El impresionismo no es solo arte, sino también historia y vida. Monet como Manet, Pissarro o
Renoir entre otros artistas supieron captar a través de sus obras esos momentos cotidianos. Y
paisajes de ensueño que han quedado en la retina de todos.

A continuación, se presentan una serie de obras, realizadas entre 1868 y 1874, de cada uno de
los autores que hemos mencionado y que formaron parte en algún momento de este grupo de
pintores que decidieron dar un paso adelante para renovar un arte estancado en antiguos
valores y que gracias a su talento y osadía darían paso a lo que en un futuro serían las
vanguardias. Obras de sus primeros años, algunas ya plenamente impresionistas, otras difíciles
de clasificar, siendo aun tempranas en la obra de un autor que habría de evolucionar en su
estilo pictórico.
ÉDOUARD MANET (París, 1832-1883)
Tal vez es considerado como el artista de mayor relevancia de la década de 1860. Su pintura
fue objeto de gran escándalo debido a la división entre el gusto de un público plegado al gusto
académico oficial y las nuevas formas de pintura. Fue un artista que, aunque fue innovador, no
participó del planteamiento impresionista. Por lo que a Manet le importaba poco hacer escuela
y menos aún una escuela llamada de las manchas. Pero quisiera o no, los jóvenes pintores,
aunque aún no tenían un fundamento común para sostener su revuelta, habían elegido un ídolo
por unanimidad para abanderarla, la obra de Manet que tanto estupor habría provocado en el
Salón de París de 1865: Olimpia.

Desde el escándalo del cuadro, su autor había cobrado fama y se le conocía como un pintor que
se mostraba voluble en los asientos del Café Guerbois, ya convertido en el punto de reunión de
los nuevos artistas. En cuanto a los jóvenes artistas, tenían gran necesidad de un jefe, ya que el
vínculo que los unía era demasiado tenue, solo compartían la ambición de plasmar la luz con el
mayor realismo posible por medio del color. sin sombras y por el efecto de las sensaciones
captadas en el lugar. Pero cada cual lo hacía según su temperamento, en medio del mayor
desorden. Manet estaba muy alejado de ellos y aunque miraba con simpatía a sus esfuerzos, no
deseaba, en modo alguno, aunar su arte y sus pasos a los de ellos. Pese a todo, habían elegido a
Manet sin pedirle un consentimiento porque para ellos encarnaba no solo el desprecio a las
instituciones oficiales y el salón, que les estaba vedado, sino también su gusto por el color claro
y la realidad moderna. Sentían la necesidad imperiosa de un abanderado como Manet, que
reuniera bajo su estandarte sus diversos destinos y personalidades.
 EL BALCÓN

FICHA TÉCNICA
Autor
Edouard Manet

Fecha
1867-1868

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 169 cm; Ancho: 125 cm

Ubicación
Museé d’Orsay (París)

Manet realiza esta obra 5 años después del revuelo ocasionó con El almuerzo en la hierba
(1863), condenado al Salón de los Rechazados por la Academia oficial. Por tanto, cuando Manet
hace el balcón ya es un pintor rupturista que cuenta con seguidores en el mundo artístico
parisino. Manet encontró inspiración en la Escuela de Barbizon, precursora del impresionismo
por el desprecio del dibujo a favor de la captación de la luz, también en Goya, por sus temas y
su libertad de ejecución que lo aproximaba a la vanguardia y, por supuesto, en la estampa
japonesa, que entendía el espacio, invirtiendo la perspectiva tradicional.

Aunque hay una referencia clara a la obra de Goya Majas en el balcón (1808), lo cierto es que,
para Manet, el tema es un mero pretexto para pintar, para ejecutar una técnica novedosa. Con
él desaparecen los temas históricos, mitológicos o religiosos. Sus personajes suelen ser gente
conocida de su entorno, no son retratos, pues los utiliza a modo de estatuas. Les quita vida,
porque no se hablan, están inmóviles, en un silencio que parece congelar el tiempo. El título de
la obra nos ayuda a saber que es un balcón pues la perspectiva queda prácticamente anulada.
Desaparecen los corredores de perspectiva laterales o las referencias al paisaje. Eleva al
espectador y lo sitúa delante de un primer plano muy comprimido por un fondo que se adelanta
y donde el negro parece disolver las figuras. Al no haber aire por donde escape la mirada, el
espectador queda intimidado ante las tres figuras que no cuentan nada. La luz impacta de
frente y queda retenida en el blanco del primer, y casi único, plano. Lo más llamativo es la
antiacadémica combinación de colores, presididos por un verde frío y unas manchas negras y
blancas sin matices intermedios, colocándolas de manera prácticamente planas. La pincelada
ya no se somete al dibujo, se hace pastosa y visible como en Goya. El sombreado es sustituido
por manchas de color que ya no respetan el dibujo, de manera que algunas formas parecen más
esbozadas.

Con la vanguardia, aunque sigamos dentro del campo figurativo, ya no hablamos de formas
realistas o idealizadas, sino de formas subjetivas, filtradas por una mente que transforma la
realidad en su propia realidad.
 MONET PINTANDO EN SU BARCO

FICHA TÉCNICA
Autor
Edouard Manet

Fecha
1874

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 82,5 cm; Ancho: 104 cm

Ubicación
Neue Pinakothek (Munich)

Junto con Argenteuil (1874) y En barco (1874), esta obra forma un verdadero tríptico, testigo
de la entrada tardía de Manet en la familia de los impresionistas, con el apoyo de Monet y la
influencia que éste tuvo sobre Manet. Las tres pinturas comparten el mismo azul profundo del
mar y una composición audaz y sin horizonte, en composiciones que recuerdan a las estampas
japonesas populares en la época, a las que Manet se mantuvo fiel.

En esta obra, Manet rinde homenaje a su amigo Claude Monet, con el que se le relacionó en el
verano de 1874, y nos lo presenta pintando en su barca, acompañado de su esposa. Monet
recorría las orillas del Sena en un pequeño bote, buscando el paisaje que más le interesaba.
Este estudio flotante llamó la atención de Manet y se convirtió en el elemento principal de la
escena.

Este lienzo, además de su indiscutible valor artístico, también tiene algo de documento
histórico, casi como si se tratara de una instantánea del actual fotoperiodismo, ya que nos
presenta a Monet en su actividad predilecta, pintando al aire libre, una modalidad de la que él
fue el mayor impulsor entre el grupo de pintores impresionistas.

Sin duda, se trata de la obra de Manet, en la que se aprecia un acercamiento más cercano al
impresionismo. El uso de tonos más claros de lo habitual, las pinceladas rápidas y sueltas y el
deseo de captar la luz natural indican cambios importantes en el estilo de Manet. Pese a todo,
el uso del negro denota una la fuerte dependencia de Manet hacia este color, un color casi del
todo rechazado por los impresionistas.

No obstante, Manet siempre estuvo más interesado en pintar figuras que paisajes. Aun así, pese
a las diferencias artísticas que los separaban, mantuvieron una estrecha amistad de las que
ambos salieron beneficiados con el influjo mutuo.
CLAUDE OSCAR MONET (París, 1840-1926)
Claude Monet nacido en París fue líder indiscutible de los impresionistas. Pasó su infancia en
la localidad francesa de El Havre, donde comenzó a pintar paisajes de la costa normanda junto
a Eugène Boudin y Johann Jongkind. En contra de la opinión de su padre que quería para él una
formación más clásica, Monet pasó un breve periodo de aprendizaje en la Académie Suisse de
París, donde recibiría una formación más vanguardista. Es el inicio de los contactos con los
miembros del futuro grupo impresionista.

Monet se dedicó a la pintura al aire libre de forma autodidacta, intentando estudiar los efectos
de la luz y el tiempo sobre la naturaleza.

Fueron él y Auguste Renoir quienes primero utilizaron la pincelada suelta propia del
impresionismo. Su obra, Impresión, sol naciente (1872) presentada en la Primera Exposición
Impresionista de 1874, sería la que daría nombre a este estilo, a raíz de la crítica que el crítico
Louis Leroy realizó sobre ella en el diario satírico le Chariviari

Después de vivir en Londres y en Holanda durante la guerra franco-prusiana, Monet volvería

a Francia en 1872, instalándose con su familia en Argenteuil hasta 1878. Durante esos años,
esa localidad a orillas del Sena se convirtió en una especie de centro del impresionismo, en
donde trabajaban, además de Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Pierre- Auguste Renoir y
Édouard Manet, entre otros

Su pintura fue el resultado de una experimentación constante en las inquietudes

impresionistas, hasta el punto de ser él quien establece los principios y orienta los principales
planteamientos.
 EL DESAYUNO

FICHA TÉCNICA
Autor
Claude Oscar Monet

Fecha
1868

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 230 cm; Ancho: 150 cm

Ubicación
Städelsches Kunstinstitut

El otoño y el invierno de 1868 la familia Monet los pasó en la costa normanda, pudiendo vivir
gracias al dinero recibido por el retrato de Madame Gaudibert. Dedicó buena parte de su
tiempo a realizar escenas intimistas como el Interior después de la cena o este Desayuno donde
podemos ver a Camille Doncieux, la compañera del artista, junto a su hijo Jean. Junto a ellos
apreciamos a una dama sentada en el zaguán mientras una doncella abre la puerta para
abandonar la sala. A pesar de las necesidades económicas, Monet siempre tuvo a su servicio a
varias criadas ya que era un hombre tradicional y conservador en estos asuntos.

La escena recuerda a trabajos de Manet, interesándose el artista en estos momentos por

representar la intimidad familiar más que por aspectos cromáticos o lumínicos, enlazando de
esta forma con el realismo. La disposición de los elementos ofrece una interesante
composición, ubicando dos sillas en primer plano y disponiendo la mesa y las figuras en
profundidad, creando una correcta sensación espacial. La potente luz tamizada ilumina la mesa
repleta de alimentos, posiblemente con intención de mostrar una favorable posición
económica y en la que las diferentes calidades están resaltadas por el foco lumínico. La escena
está tomada desde un punto de vista elevado lo que sugiere el empleo de la fotografía como
punto de partida, siguiendo los pasos de Degas. La pincelada es menuda, en ocasiones refinada,
interesándose más por los detalles que por efectos de luz y color característicos del
Impresionismo.
 BOULEVARD DES CAPUCINES

FICHA TÉCNICA

Autor
Claude Oscar Monet

Fecha
1873

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 79,4 cm; Ancho: 59 cm

Ubicación
Nelson-Atkins Museum of Art (Kansas-City)

Las vistas urbanas tienen especial atractivo para los impresionistas, sobre todo los atardeceres
de días lluviosos o encapotados como éste que muestra Monet. Su interés se centra en
ofrecernos el ambiente del Boulevard des Capucines tomado directamente del natural, con sus
carruajes, sus árboles y los parisinos paseando, todo envuelto en una atmósfera fría e invernal.
Las luces crean sombras coloreadas en tonos malvas, como observamos en los techos de los
carruajes o los tejados de los edificios. La pincelada empleada es suelta, con pequeñas comas
que no detallan, pero ofrecen sensaciones e impresiones de la ciudad en un momento
determinado del día.

En 1873, la búsqueda de un local para la futura exposición colectiva de los impresionistas los
lleva al estudio del fotógrafo Nadar, situada en el Boulevard des Capucines.
Monet instala su caballete en el balcón del segundo piso, mirando a la Ópera Garnier, que se
inaugurará dos años más tarde.
El cuadro que inicia será un emblema para una de las avenidas más de moda y para la
exposición de vanguardia que se prepara. Optando por una visión en picado, como en las
fotografías aéreas que con gran éxito realizaba su anfitrión Nadar.

Esta composición en diagonal se ordena según dos planos determinados por la luz, a la
izquierda la acera de la sombra y a la derecha la acera del sol con las fachadas iluminadas de
los edificios.
Una multitud de pequeñas siluetas, representada de forma muy gráfica, atesta el pavimento y
subraya la efervescencia de la víspera de las fiestas.

Esta obra fue presentada en la primera exposición impresionista. Críticos como Louis Leroy le
denostan, pero otros se muestran entusiasmados, como Ernest Chesneau, el cual alababa la
fluidez con la Monet captaba el movimiento.Para él, el lienzo es una obra que resonará en el
futuro. El interés constante que el siglo XX manifestó por Monet es prueba de ello.
PIERRE AUGUSTE RENOIR (Limoges, 1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir fue uno de los pintores del grupo impresionista, centrado a diferencia
de la mayoría de sus colegas paisajistas, en la figura humana. En concreto, la figura humana
femenina. Y más en concreto aún, en la figura humana femenina desnuda.

Renoir siguió siempre la tradición, adaptándola a los nuevos tiempos a través de pinceladas
sueltas, representando siempre la alegría de vivir. Bebió también de las fuentes de Rubens y
sobre todo de Camille Corot (del que imitó técnica y estilo).

En 1862, entró en la escuela de Bellas Artes y asistió a las clases del pintor de origen suizo Marc
Charles Gabriel Gleyre, perfeccionando así aspectos técnicos de su formación. Ahí conoció a los
que serían compañeros de profesión y movimiento: Claude Monet, Frédéric Bazille y Alfred
Sisley.… a menudo iban a pintar juntos al aire libre.

Fueron tiempos de creatividad, pero también de miseria por lo que contaría con ayuda de sus
compañeros pintores. A raíz de la creación Salón de los Rechazados, el cual vio nacer el arte
moderno, su pintura empezó a ser más valorada. La venta de retratos acabaría convirtiéndose
en su principal fuente de ingresos.

Pese a ello, aquella era una época en la que la crítica oficial injuriaba y ridiculizaba el arte nuevo
Por lo que, como sabemos, tuvieron que construir un grupo, una asociación artística de lucha
que desarrolló completamente su estilo propio y nuevo, y lo hizo expandirse en toda su riqueza.
Entre 1872 y 1883 se mostraría en la cima de su potencia.

Adhiriéndose al ideal impresionista, Renoir buscaba una interpretación subjetiva del mundo
en la que el ojo del pintor dictaba las normas, lo que se veía en un instante determinado era
diferente en el instante sucesivo. Pintando al aire libre, las verdaderas protagonistas de sus
obras eran las luces y las sensaciones captadas en el momento. A través de la pintura Renoir
plasmaba la alegría de vivir, la búsqueda de la belleza y la fascinación frente a la naturaleza.
 EL MATRIMONIO SISLEY

FICHA TÉCNICA

Autor
Pierre Auguste Renoir

Fecha
1868

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 105 cm; Ancho: 75 cm

Ubicación
Wallraf-Ritchartz Museum (Colonia)

Renoir conoció a Sisley, Monet y Bazille en el estudio de Gleyre, y los cuatro entablaron una
profunda amistad. Sisley se había casado recientemente con Marie Eugènie Lescouezec los
cuales posaron para este interesante retrato, que podría haber sido un regalo de bodas.

Marie es la protagonista de la escena, mirando hacia el espectador y atrayendo nuestra

atención con el vivo colorido de su vestido mientras que Alfred dirige su enamorada mirada
hacia su esposa, vistiendo una levita negra y pantalones grises. Las figuras se anteponen al
paisaje del fondo, pero casi no se integran en él, a diferencia de lo que podemos observar en
Lise con sombrilla (1867). Los reflejos de luz bañan toda la escena, resultando una composición
muy acertada, en sintonía con las obras de los grandes maestros del Louvre que Renoir tanto
admiraba, especialmente Rubens y Fragonard. También resulta interesante el contraste entre
el dibujo con el que se crean las figuras y el empastado entorno del paisaje en el que se
encuentran los dos esposos.

Para Renoir, la pintura no era cuestión de un estricto canon, sino un hermoso oficio, que
había que realizar con gusto y humildad. El principio básico era no dibujar más de lo que se
veía, y reflejar lo que se ve de la forma más fiel posible. Renoir, al igual que su colega Monet,
trabajó al aire libre para descubrir la riqueza de tonos en las sombras, donde predominaba el
azul, que sólo podía captarse con precisión ante el propio objetivo. Viendo cómo los objetos
cambiaban de tono, dependiendo de la luz y los reflejos de color que caían sobre ellos desde
el entorno. Vieron cómo el parpadeo del aire borraba los objetos y sus contornos sólidos, de
modo que no todo podía percibirse con la misma claridad.
 LA PARISINA

FICHA TÉCNICA
Autor
Pierre-Auguste Renoir

Título
La Parisina

Fecha
1874

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 163,5 cm; Ancho: 108,5 cm

Ubicación
National Museum Cardiff

La parisina es una pintura al óleo que Renoir completó en 1874. El trabajo, uno de los siete que
Renoir presentó en la primera exposición Impresionista en 1874, es a menudo referido como
The Blue Lady y es una de las piezas principales del fondo de arte del Museo Nacional de Cardiff.

La obra muestra una mujer joven llevando un vestido de un llamativo color azul intenso, con el
rostro vuelto al espectador mientras se pone sus guantes. Originalmente la pintura tuvo como
fondo una puerta en la parte superior izquierda y una cortina en la parte superior derecha,
pero estos elementos fueron sobrepintados por Renoir antes de su primera exposición. Esto
deja a la figura central casi flotando en un espacio neutro. El fondo indistinto en azul, malva y
amarillo grisáceo aparece menos repasado, que la figura central más detallada y con varias
capas de pinceladas.

El cuadro fue exhibido por primera vez en la primera exposición impresionista de 1874, bajo
el título La Parisina. La pintura, como la mayoría de las otras obras expuestas aquellos días,
recibió críticas variadas, aunque la mayoría de los críticos la mencionaron de pasada. El crítico
Ernest Chesneau la describió como 'fracaso'.
ALFRED SISLEY (París, 1839-1899)
Alfred Sisley, nace en París el 30 de octubre de 1939. Al igual que sus padres, Sisley fue durante toda su
vida ciudadano británico y sólo en sus últimos años pretendió conseguir la ciudadanía francesa. Creció
en el ambiente de la burguesía acomodada. Para aprender el oficio del negocio familiar fue enviado a la
edad de dieciocho años a Londres, durante cuatro años, pero esto sólo hizo fructificar un interés por el
arte al que se dedicaría el resto de su vida en cuerpo y alma. Alfred regresa a París en 1860, e ingresa en
el estudio de Marc Charles Gabriel Gleyre en una academia no oficial situada en Montparnasse. Bajo la
tutela de Gleyre, pintor de temas históricos, coincidieron como sabemos los que se consagrarían como
el germen del movimiento impresionista y juntos se rebelaron contra la hegemonía del estudio de la
figura.
Lo que diferencia a Sisley de sus compañeros es su relación emocional con el cuadro. Para muchos
expertos Sisley era menos superficial y más cuidadoso que Monet en la representación de la naturaleza.
El aspecto cambiante de la naturaleza determinado por la luz viene a ser el modo de expresión de una
cierta poesía inscrita en ella.

EL PUENTE DE VILLENEUVE-LA-GARENNE
FICHA TÉCNICA
Fecha
1872

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 49,5 cm; Ancho: 65,4 cm

Ubicación
Metropolitan Museum (Nueva York)

Alfred Sisley realiza esta obra en 1872. El autor retrata el cielo con una pincelada ligera. Las
nubes aparecen de forma realista y con poca densidad. Intenta captar también los distintos
azules del cielo diferentes según la incidencia de luz que reciben. Este fenómeno lo plasma con
la utilización de una leve capa de blanco creando varias texturas sobre el azul cielo.

El río de agua cristalina refleja las sombras y los reflejos que indicen sobre él. Sisley retrata
esos reflejos en lugares como la orilla, con el verdor de la hierba de la ribera el reflejo del cielo
lo observamos en la zona en la que más luz índice sobre el agua. Pasa de manera contraria en
las zonas cercanas al puente, donde observamos como aparece un color verdoso. A pesar de
sus pinceladas impresionistas, representa con gran detalle estos fenómenos, aportando gran
contraste entre el reflejo del cielo y el reflejo del fondo.

Con simples y ligeras pinceladas, realiza los detalles del puente, jugando con la visión, con una
pincelada detallista pero confusa. Los árboles están retratados con manchas que se intercalan
representando los distintos verdes de las hojas. Así mismo, los distintos detalles y sombras que
podemos observar en las casas en las que el impresionismo de esas pinceladas tan sueltas y
cada vez más lejanas, no dejan de tener ese detallismo capaz de captar lo importante con muy
poco.
FRÉDÉRIC BAZILLE (Montpellier, 1841-1870)
Frédéric Bazille fue un impresionista que murió antes de la primera exposición impresionista, un pintor
importantísimo que no fue lo suficientemente valorado en vida, incluso mucho después de su vida, un
artista experimentado y genial que pintó sólo durante ocho años, sobreviniéndol la muerte a los 28 años.

Originiario de Montpellieur, allí desarrollaría su carrera tras descubrir a Delacroix. Le dejaron estudiar
Bellas Artes si también estudiaba medicina, pero la vocación por la primera era demasiado fuerte y
terminó abandonando la segunda. En 1870, durante la Guerra Franco-Prusiana sucede algo extraño,
Bazille se alistó en el tercer Regimiento de Zuavos, uno de los más peligrosos. En teoría siempre había
renegado de la guerra, pero con 28 años acabaría muriendo en ella, al parecer tratando de proteger a
mujeres y niños. Ni su familia ni sus amigos encontraron explicación a su repentino alistamiento.

Bazille realizó una obra notable. Desde siempre abrazó el realismo (el mismo Courbet visitó su estudio),
pero fue de los primeros en adivinar el nuevo rumbo del arte, por lo que se entregó a la pintura al aire
libre, usando colores brillantes y pinceladas directas cuando nadie lo hacía.

LES BAIGNEURS
FICHA TÉCNICA

Fecha
Frédéric Bazille

Fecha
1869

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 160 cm; Ancho: 160,7 cm

Ubicación
Fogg Museum de Harvard, Cambridge, (Massachusetts)

Es una pintura al óleo de Frédéric Bazille , completada un año antes de su muerte en 1870 . la pintura
muestra a jóvenes vestidos con trajes de baño pasando un día tranquilo a orillas de un río cerca de Méric,
en el campo de Montpellier. Esta escena está inspirada en escenas pastorales o mitológicas de una
Arcadia onírica, pero llevada a la Francia contemporánea, cuando la burguesía empezaba a disfrutar del
ocio como, por ejemplo, bañarse en verano. Escena posiblemente ubicada cerca del dominio familiar de
Bazille, recordando sus momentos felices de juventud. Tenía solo 27 años cuando compuso esta escena.

El artista pintó primero figuras masculinas en su estudio parisino y luego lo trasladó a la naturaleza. Es
un estudio de los movimientos del cuerpo masculino observados en diferentes actitudes. Bazille
perseveró en su investigación sobre el cuerpo humano en la naturaleza, a pesar del rechazo de su pintura
Le Pêcheur à l'épervier en el Salón de 1869 unos meses antes. También se inspira en su amigo Monet por
la sucesión de planos claros luego oscuros y las diferentes tonalidades de verde para dar la impresión
de un sol deslumbrante. Esta pintura es testimonio de un ejercicio cromático muy complejo, en particular
con los colores del azul del cielo que se refleja en el agua y el contraste de las tonalidades de verde con
la complexión de los cuerpos tratados como reflejos. Desde el punto de vista técnico, Bazille transgrede
las perspectivas como también lo haría Manet. Podría decirse que junto a él fue de esos pintores que
quiso modernizar el arte, no sólo desde un punto de vista técnico, sino también conceptual y temático
cuando la vanguardia de la pintura era el realismo. Poco reconocidos están sus cuadros todavía, pero
hay quien lo considera una figura primordial para la formación del grupo que cambiaría la historia del
arte moderno.
CAMILE PISSARRO (Saint Thomas, 1830-1903)
Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro, fue un pintor
impresionista y uno de los fundadores de ese movimiento. Se le considera, junto con Monet y
Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose así del grupo de los
"problemáticos".

Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían
campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como
discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte. Tras una breve
estancia en Venezuela, nuevamente en la capital francesa entró en la Académie Suisse, en 1859,
año en que conoció a Claude Monet, Auguste Renoir y Alfred Sisley y participó por primera vez
en el Salón. En 1870, dejó de participar en exposiciones oficiales por discrepancias políticas. Su
pintura estuvo estilísticamente siempre dentro del impresionismo, salvo un corto periodo de
experimentación con la técnica neoimpresionista, bajo la influencia de Georges Seurat. Pissarro
creía firmemente en la idea de la cooperativa de artistas y desempeñó un activo papel en la
organización de las actividades del grupo impresionista parisiense, siendo el único cuyas obras
estuvieron presentes en las ocho exposiciones impresionistas, celebradas entre 1874 y 1886.

En la primera exposición 1874, los paisajes de Pissarro, junto con todos los demás, fueron
criticados por críticos de arte, y las ventas fueron muy bajas.

Desde que en 1866 se trasladó a vivir a Pontoise, Pissarro vivió casi toda su vida fuera de París
y fue básicamente un pintor de paisajes o de escenas rurales, y uno de los primeros en practicar
con convicción la pintura al aire libre. Al final de su vida, tuvo que trasladarse a la ciudad a
causa de su creciente pérdida de visión. Fue entonces cuando comenzó a pintar acomodado en
una ventana, captando la actividad cambiante de las calles de ciudades como Ruán y París.

Los idílicos y armoniosos paisajes rurales dieron paso a una serie de vistas urbanas en las que,
el implacable observador que era Pissarro, dejó inmortalizada la vida de la ciudad moderna.
 JARDIN DE LA VILLE DE PONTOISE

FICHA TÉCNICA
Autor
Camille Pissarro

Fecha
1874

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 60 cm Ancho: 73 cm

Ubicación
Metropolitan Museum
(Nueva York)

Las pinturas de Pissarro de mediados de la década de 1870 están dedicadas en gran parte a los
campos y caminos cercanos a su casa en Pontoise. Aquí, recurrió a un tema más urbano, muy
utilizado por sus colegas Monet y Renoir: el jardín público de la ciudad. La vista a través de la
llanura de Montmorency hacia París se puede vislumbrar a la izquierda, más allá de la aguja de
la iglesia de Notre-Dame de Pontoise. Pero en lugar de enfatizar la vista, Pissarro se centró en
las terrazas del parque, pobladas por burgueses bien vestidos y sus hijos.

Los toques de rosa y crema en medio de la vegetación sugieren flores y castaños de Indias o
lilas. Un pino alto, que se cruza con la pared de la terraza, da estructura a la imagen, este efecto
recuerda a las estampas japonesas, lo que contribuyó significativamente a crear ángulos en las
instantáneas y a composiciones no convencionales, que se convertirían en características del
movimiento impresionista. La pincelada suelta, tan perceptible en el cuadro, da un efecto de
espontaneidad y naturalidad que enmascara una composición cuidadosamente construida.
Pissarro pintó la obra al aire libre, una práctica innovadora, introducida a mayor escala por los
impresionistas que permitió al artista capturar escenas de la vida moderna en entornos
urbanos y suburbanos.

Instalando sus caballetes en el paisaje, los impresionistas renunciaron a las diferenciaciones

que sus predecesores hacían entre bocetos y obra acabada con la creación de composiciones
deliberadamente informales con pinceladas sueltas de color.

A través de sus obras, Pissarro se muestra atraído por la naturaleza e inquietado por los efectos
de luz y las variantes del color.
EDGAR DEGAS (París, 1834-1917)
Primogénito de una adinerada familia parisiense, Degas abandonó tempranamente los
estudios de Derecho en la Sorbona para dedicarse a la pintura. En 1855 entró en el taller de
Louis Lamothe, discípulo de Ingres, donde adquirió una sólida formación académica. De 1856
a 1859 viajó por Italia copiando a los maestros renacentistas y, a su regreso, residió ya para
siempre en París, donde se dedicó a representar en sus obras un amplio repertorio de temas
de la vida de la ciudad moderna en que se había convertido la capital francesa.

Aunque vinculado al grupo de los impresionistas, con los que expuso en siete de sus ocho
exposiciones, Degas se veía a sí mismo como un pintor realista o naturalista, y su veneración
por el dibujo acabado de Ingres marcó toda su producción. Por otra parte, se centró en el
estudio del cuerpo humano y nunca estuvo interesado, como lo estuvieron los impresionistas,
ni en la pintura de paisaje al aire libre ni en captar las condiciones atmosféricas cambiantes.
Compartía, sin embargo, con ellos la influencia de la nueva técnica de la fotografía y de los
recién descubiertos grabados japoneses, así como el interés por la captación del movimiento.
Las variaciones sobre un mismo tema, como las bailarinas, que repitió tanto en pintura como
en escultura, son una muestra de esa obsesión por observar y reproducir el ritmo y las posturas
de personas y animales. Como a los impresionistas, a Degas le interesó especialmente la
realidad de la vida urbana de su entorno; así la ópera, el teatro, el café-concierto o las carreras
de caballos fueron temas constantes en su obra. Ahora bien, el artista aportó una original
invención compositiva e iconográfica que otorgó a su pintura una nueva visión del mundo más
profana. Eliminó el encuadre tradicional y lo sustituyó por una composición descentrada,
dominada por las nuevas leyes de la instantaneidad.

A pesar de que Degas fue un verdadero virtuoso en todas las técnicas artísticas, a partir de
1870 comenzó a utilizar principalmente el pastel, en el que destacó como un verdadero
maestro. A Degas le abrió infinidad de nuevas posibilidades y le permitió agudizar la
representación del movimiento y la fugacidad de sus escenas.

Los cuadros de Degas parecen pintados con encuadres muy poco habituales para su época, y
acabarían influenciando a artistas posteriores. Pero además de pintor, Degas fue también
grabador, fotógrafo, escultor y uno de los fundadores del movimiento impresionista (aunque
él prefería llamar realismo a esta corriente artística).
 INTERIOR (LA VIOLACIÓN)

FICHA TÉCNICA

Fecha
1869

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 81,30 cm Ancho: 114,3 cm

Ubicación
Philadelphia Museum of Art

Habituados como estamos a las delicadas imágenes de ballet o carreras de caballos, la afición a
la ópera llevará a Degas a crear escenas en las que los espectadores se integran plenamente en
el espectáculo. Frente a imágenes de la vida moderna, muy habituales en el Impresionismo,
esta desconcertante escena pintada por Degas resulta impactante. El lienzo permaneció
durante más de cuarenta años en el taller del pintor y a él se refería como "mi pintura de
género".

En esta obra observamos una escena íntima, dentro de cuatro paredes, en donde se muestran
dos personajes contrapuestos: una mujer, sentada de espaldas del lado izquierdo, y un hombre,
apoyado en la puerta al otro lado. Representa la escena en un reducido espacio, consiguiendo
aportar una mayor carga emotiva, dramática y cierta teatralidad. Las diagonales organizan la
composición, la cama, la alfombra, incluso la mirada del hombre sobre la mujer, recordando las
escenas de los maestros del Louvre. También encontramos curiosos contrastes como la cama
intacta frente al desorden de las ropas; el hombre vestido y la mujer semidesnuda; las
tonalidades oscuras de él y las claras de ella. Las tonalidades rojizas ocupan un papel
determinante en el conjunto: las rosas que decoran la pared, simbolizando posiblemente la
pasión; el rojo de la luz de la chimenea, el forro de seda de la maleta. Pero será la luz la auténtica
protagonista, consiguiendo gracias a los efectos lumínicos aumentar la violencia de la escena,
especialmente gracias a colocar al hombre en una zona de penumbra mientras que la mujer
tiene la espalda iluminada por la lámpara que observamos en la mesa. Esta violencia contextual
ha sido la responsable del subtítulo de la obra: Violación, título que recibió en 1912 y que
posiblemente no fuera el sugerido por Degas.

Se puede decir que Degas disfraza con elegancia una denuncia de género. Una pintura
costumbrista que refleja los usos de la época, que necesariamente implica una relación vertical
de la figura masculina y femenina.
 LA CLASE DE DANZA

FICHA TÉCNICA

Fecha
1874

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 83,5 cm Ancho: 77,2 cm

Ubicación
Museo Metropolitano (Nueva York)

En 1874, el histórico año de la primera exposición impresionista, Degas realizó esta obra en la
que hace caso omiso de toda norma académica aprendida y copia directamente las pautas
compositivas de lo más moderno que se podía ver esa época: los grabados japoneses.

Como los maestros japoneses del Ukiyo-e, Degas eleva un poco el punto de vista. Para algunos
críticos Degas era uno de los pocos pintores que daban gran importancia al suelo, creando unas
tarimas admirables, y de este modo el pintor consigue escorzos exagerados y expresivos.
Además, Degas corta por los bordes a los personajes, como pasaría en una fotografía.

Y como en uno de esos grabados que llegaron a Europa desde oriente gracias a las exposiciones
universales, el artista construye este cuadro por medio de una pronunciada diagonal, del
extremo inferior izquierdo al superior derecho.

Con ello el Degas nos transmite dinamismo y fugacidad, como un instante congelado en el
tiempo de gente moviéndose de forma armoniosa, espontánea y en cierto modo anodina, como
en un momento de breve descanso tras el extenuante ensayo que impone el exigente profesor
de baile.
PAUL CÉZANNE (Aix-en-Provence, 1839-1906)
Cézanne, antes de ser el Cézanne que revoluciona la pintura al punto de ser considerado el
“padre de la modernidad”, tiene una etapa impresionista. Ésta se da a principios de la década
de 1870, cuando suele pintar con su amigo Pissarro al aire libre, con el cual se unirá al grupo
de Monet y Renoir y participará en la primera exposición de 1874. Y si bien su amigo seguirá
siendo un impresionista puro y expone en todas las muestras del grupo, no sucede lo mismo
con Cézanne, cuyas inquietudes lo llevan por otro camino. Observemos cómo, en el siguiente
cuadro elegido, por ejemplo, el artista ya empieza a preocuparse por la geometría, por el orden
con que se acomodan los volúmenes de las casas. Una "geometrización en el paisaje" que más
adelante veremos en la serie de la Montaña de Santa Victoria (1880-1906), gran inspiradora del
cubismo.

LA CASA DEL AHORCADO

FICHA TÉCNICA
Autor
Paul Cezanne

Fecha
1872-1873

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 55 cm Ancho: 66 cm

Ubicación
Museo de Orsay (París)

En el verano de 1872 Cézanne se traslada con su familia al noroeste de París, a la localidad de Pontoise,
donde trabajaría con su amigo Pissarro. Este contacto motivará un cambio en el estilo del maestro,
abandonando su etapa definida por los cuadros oscuros y girando hacia el impresionismo, siempre
dentro de unas líneas muy personales.

Posiblemente su obra más impresionista sea esta Casa del ahorcado, pintada durante su estancia al año
siguiente en Auvers-sur-Oise. La obra está claramente bajo la influencia de Pissarro al elegir un tema
tomado directamente del natural, con un color muy luminoso, el aire cargado de luz gracias a las
tonalidades claras y una zona de cielo limitada a apenas una franja estrecha. Sin embargo, encontramos
aportaciones personales como, por ejemplo, el forzado punto de vista elegido, la forma de aplicar el color,
con pequeñas pinceladas unas sobre otras con la que consigue crear cierto efecto de relieve y dotando
de esta manera de monumentalidad y solidez al paisaje que representa. Destaca también la
estructuración del espacio en dos grandes zonas complementarias, ocupando el centro los geométricos
techos que nos conducen hacia las verdes praderas del fondo, el empleo de una perspectiva tradicional
o el interés por la solidez constructiva de las formas.

De esta manera, podemos apreciar como Cézanne emplea el lenguaje impresionista en su propio
beneficio, para conseguir una pintura en la que la forma alcanza su plenitud y el color está en su mayor
esplendor. Este magnífico lienzo fue expuesto en la primera muestra de los impresionistas del 74 siendo
uno de los pocos cuadros que se vendieron.
 UNA MODERNA OLIMPIA
FICHA TÉCNICA

Autor
Paul Cezanne

Fecha
1873

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 46 cm Ancho: 55,5 cm

Ubicación
Museo de Orsay (París)

Como sabemos, Cézanne es considerado uno de los pintores más revolucionario de su

generación siendo quien recibiría más críticas negativas por parte de los especialistas de su
tiempo. Como hemos visto en la Casa del ahorcado, a partir de las teorías impresionistas, buscó
la recuperación de la forma a través del color, utilizando éste como sistema de modelado.

Participó en la primera exposición impresionista con esta Moderna Olimpia, denominada así
quizá como homenaje a Manet y a su Olimpia que tanto escándalo había causado en el Salón de
1865. El escándalo quizás fue mayor, ya que tanto el público como la crítica consideraron que
se trataba de una auténtica provocación. Para los jóvenes autores ambas obras serán un
estímulo para desarrollar nuevas fórmulas pictóricas.

Cézanne realizó dos obras con la temática de la Olimpia moderna. En la Olimpia que nos ocupa
el autor se incluye él mismo sentado en un diván contemplando la desnudez de una joven
prostituta, recostada en las sábanas blancas y acompañada de una sirvienta negra, también
desnuda, que desviste a su señora. Acompañan la escena una mesa de color rojo, un gato a los
pies de la cama y un enorme jarrón completan la escena. La actitud asustadiza de la Olimpia y
su disposición en segundo plano, así como las cortinas que enmarcan la composición rompen
con la inmediatez de la obra de Manet.

A diferencia de la primera versión, donde utilizó colores marrones y apagados, esta obra se
caracteriza por sus colores brillantes y las vivas tonalidades como el amarillo, verde, rojo, azul.
La rápida pincelada con la que ha sido aplicado el color, incluso con espátula, hacen de esta
obra todo un manifiesto pictórico.
BERTHE MORISOT (Bourges, 1841-1895)
Berthe Morisot nació en el seno de una familia burguesa. Tanto Berthe como su hermana Edma,
mostraron desde su infancia muestras de su talento para el arte. Ambas hermanas estudiaron
un año de la mano de Camille Corot cuya forma de captar la realidad a través de luz y el color
influyó con notoriedad en su obra.

Con apenas 25 y 23 años respectivamente, Edma y Berthe expusieron en el Salón de París.

Posteriormente seguirían rumbos diferentes, Edma se casó y renunció a pintar, mientras que
Berthe se unió a la ola de la vanguardia.

Mientras trabajaba como copista en el Louvre entraría en contacto con Édouard Manet, para la
que Berthe posó como modelo en decenas de ocasiones. Entre ellos nació una longeva amista.

Durante el periodo de la guerra franco-prusiana, asentó sus bases técnicas y temáticas. Empezó
a desarrollar una técnica basada en pinceladas cortas y rápidas para pintar lo que tenía delante,
fueran objetos o personas. Plasmó el movimiento y la caída de la luz trazando rayas
discontinuas con la superficie del pincel, rápidas líneas con la punta de éste y rayando la
pintura con el mango. Ninguno de sus colegas impresionistas había trabajado de una manera
tan experimental.

Berthe Morisot pintaba lo que veía. Le gustaba pintar al aire libre, pero debido a su condición
de mujer burguesa su margen estaba muy limitado pudiendo solo pintar en el hogar o en
parques durante el día. Incluso estaba vetada de las reuniones en el café Guerbois. Al no tener
permitida la entrada en las escuelas, su pintura nunca estuvo impregnada del academicismo
del que se intentaban deshacer sus colegas.

Después de exponer en el Salon entre 1864 y 1868, Berthe se unió al grupo de artistas que
comenzaron a mostrar sus obras en las exposiciones impresionistas. Su relación con los
pintores impresionistas fue estrecha y fueron frecuentes las reuniones en su casa con artistas
e intelectuales de la época.

Trabajó toda su vida, participó en todas las exposiciones impresionistas menos en una, por el
nacimiento de su hija, llevó el impresionismo a los Estados Unidos y llegó a vender más cuadros
que Monet, Sisley o Pisarro, logrando exponer individualmente. Pese a todo no logró obtener
el reconocimiento que mereció y quedó relegada a “artista femenina” por su temática hogareña.
 LA LECTURA

FICHA TÉCNICA

Autor
Berthe Morisot

Fecha
1869-1870

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 101 cm Ancho: 81,8 cm

Ubicación
National Gallery (Washington)

Las mujeres que trabajan en el estilo impresionista se especializaron en escenas intimistas,

protagonizadas por mujeres, como es el caso de Morisot, De esta manera parece congeniar más
con Degas que con su maestro Manet. Sus imágenes están realizadas con gran delicadeza y
muestran el modo de vida femenino a finales del siglo XIX.

En este lienzo contemplamos a Madame Morisot y a su hija Madame Pontillon, madre y

hermana respectivamente de la pintora, en un momento de ocio, leyendo una y pensando la
otra. La mujer de más edad viste un traje negro mientras la joven viste de blanco, creando un
contraste muy del gusto de Manet, con el que, como sabemos, Morisot tenía relación desde
hacía dos años. La escena se desarrolla en un interior que alberga un gran espejo, un sofá
estampado y una mesa con un jarro de flores. La luz procedente de la izquierda baña a Madame
Pontillon, cuya belleza queda resaltada por ese foco que proviene de la luz del sol, mientras
que la madre de las Morisot se sitúa en una zona más ensombrecida. El estilo de Berthe Morisot
es rápido, pero destaca el dibujo sobre el abocetamiento de obras posteriores como, por
ejemplo, Joven cosiendo en un jardín (1881), lo que denota que la artista estaba en aquella época
aún influida por su aprendizaje con Camille Corot.
 LA CUNA

FICHA TÉCNICA

Autor
Berthe Morisot

Fecha
1872

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 56 cm Ancho: 46 cm

Ubicación
Museo de Orsay

Dentro del Impresionismo, su estilo se va perfilando. Es la primera aparición de una imagen de

maternidad en la obra de Morisot, tema que se convertirá en uno de sus argumentos de
predilección.

En La cuna observamos a su hermana, Edma Morisot, vestida a la manera burguesa, traje negro
con cuello y puños blancos de encaje y ajustado collar negro, contemplando a un bebé que
duerme plácidamente en una cuna protegida por una mosquitera. La escena se desarrolla en
una habitación, apreciándose las blancas cortinas al fondo y una pared entelada.

Destaca el efecto atmosférico creado, con un difuminado de los contornos que recuerda a la
escuela veneciana. El empleo del negro en contraste con el blanco está tomado de nuevo de
Manet, mientras que la luz penetrando a través de las cortinas enlaza con Degas. La pincelada
empleada por Morisot es rápida y ligeramente empastada, sin dejar de lado el excelente dibujo
que siempre exhibirá. La captación psicológica de la protagonista demuestra la facilidad que
tenía la pintora para el retrato.

La mirada de la madre, la línea de su brazo izquierdo doblado, al que hace frente el brazo
también plegado del niño, los ojos cerrados del bebé, dibujan una diagonal que resalta todavía
más el movimiento de la cortina en el fondo. Esta diagonal relaciona la madre con su hijo. El
gesto de Edma, que corre el visillo de la cuna entre el espectador y el bebé, intensifica el
sentimiento de intimidad y de amor protector expresado en el cuadro.

Berthe Morisot expone La Cuna con motivo de la exposición impresionista de 1874, siendo la
primera mujer en exponer con el grupo. El cuadro apenas tuvo repercusión, pero importantes
críticos subrayan, sin embargo, su gracia y elegancia. Tras haber intentado venderlo, sin éxito,
Morisot no lo mostrará más y La Cuna permanecerá en la familia hasta su adquisición por el
museo del Louvre en 1930.
ARMAND GUILLAUMIN (París, 1841-1927)
Armand Guillaumin fue un pintor francés de estilo impresionista. Mientras otros maestros de
su círculo abandonaron pronto el impresionismo puro y conformaron estilos más personales,
Guillaumin se mantuvo fiel a los rasgos más reconocibles de dicha corriente y es considerado
el impresionista más fiel y longevo. También frecuentó la Académie Suisse, donde entabló
amistad con Cézanne y Pissarro.

PUESTA DE SOL EN IVRY

FICHA TÉCNICA
Autor
Armand Guillaumin

Fecha
1873

Técnica
Óleo

Soporte
Lienzo

Dimensión
Alto: 65 cm Ancho: 81 cm

Ubicación
Musée d’Orsay (Paris)

En Puesta de sol en Ivry el protagonismo del lienzo es la luz y sus efectos en el cielo vespertino.
Observamos como la luz dorada comienza a disiparse mientras los azules fríos que significan
la noche que se acerca comienzan a descender en el oscurecimiento de las chimeneas
industriales y el agua.

El radical cambio que experimentaba París en las últimas décadas del siglo XIX, con las nuevas
plantas industriales y la construcción de barrios obreros, aparece frecuentemente en los
trabajos de este autor, que como uno de sus amigos más íntimos, Cézanne (se habían conocido
en la Académie Suisse), no se interesaron por la vida elegante de los bulevares sino por lo que
quedaba más allá de ellos.

La técnica inacabada combinada con una atención a los efectos atmosféricos, como el rojo
marrón flotante del humo de las fábricas contra la luz del sol, recuerda el trabajo de William
Turner. Al igual que Sisley, Guillaumin también se recrea con los reflejos en el agua,
representando el oscuro reflejo de los árboles a la derecha, y el oro y turquesa del cielo en el
agua hacia la izquierda. Hay un contraste en esta pintura entre la naturaleza por un lado y lo
industrial y lo social por el otro.

Con esta puesta de sol y dos paisajes más, participaría Guillaumin en la primera exposición de
los impresionistas en 1874, y con ellos continuó exhibiendo su producción hasta 1886. Si
Pissarro, Sisley o Monet llevaron al lienzo, de forma más superficial, la industrialización de
poblaciones a lo largo del Sena, en 1873 Guillaumin presentó sin ninguna idealización varias
paisaje de los sucios barrios industriales.
BIBLIOGRAFÍA:
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