PRESENTACIÓN

Sobre MUSAM / 5
Dirección científica y comités / 6
IV Congreso Internacional MUSAM - Oviedo 2023 / 7
Cronograma / 8

CONGRESO – PROGRAMA GENERAL

Inauguración y Conferencia plenaria / 15
Resúmenes / 17
Jueves, 26 de octubre / 17
Viernes, 27 de octubre / 40
Sábado, 28 de octubre / 71
Currículums de los participantes / 100
 Sociedad Española de Musicología
C/ Torres Miranda, n.º 18, bajo
28045 – Madrid (España)
Tlf.: (+34) 91 5231712
E-mail: [email protected]
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 Creada en 2016, la Comisión de Trabajo “Música y Estudios Americanos”
(MUSAM) es una red académica transnacional que reúne a todos los
investigadores de la Sociedad Española de Musicología (SEdeM) interesados en
el estudio de la música americana desde su más amplia perspectiva geográfica,
cronológica y conceptual. La vocación de la Comisión es global e integradora, y el
concepto de “estudios americanos” se utiliza en su acepción más completa y
desprejuiciada: no se establecen discriminaciones entre los diversos
conglomerados étnicos y culturales, los distintos periodos históricos, las
diferentes clases de música, ni tampoco entre los marcos teóricos y analíticos
empleados. Desde su creación, MUSAM/SEdeM ha venido desarrollando
congresos internacionales bianuales en las Universidades Internacional de
Andalucía (Baeza, 2017), Complutense de Madrid (2019), Santiago de
Compostela (2021) y Oviedo (2023) y ha publicado diversos libros.
Para pertenecer a MUSAM es necesario ser socio de la SEdeM, lo que da
derecho a participar con voz activa en las deliberaciones y elecciones de la
Asamblea General, a integrarse en sus Comisiones de Trabajo, a recibir
gratuitamente la Revista de Musicología (reconocida con el Sello de Calidad
FECYT) desde el año de su alta en la misma, a adquirir las publicaciones y
grabaciones de la Sociedad con descuento, y a participar en los congresos y otros
actos que organice la asociación. Es deber de los socios contribuir al
funcionamiento de ésta con la cuota anual que se establezca (España: cuota
general: 70 € anuales; cuota reducida: 50 € anuales / Otros países: cuota general:
80 € anuales; cuota reducida: 60 € anuales). La cuota reducida se aplicará,
siempre que lo acrediten, a los asociados menores de 29 años y a los jubilados.
 Javier MARÍN-LÓPEZ – Universidad de Jaén
Julio OGAS JOFRÉ – Universidad de Oviedo

Belén VEGA PICHACO – Universidad de La Rioja

Ana ALONSO-MINUTTI – University of New Mexico, Albuquerque

Montserrat CAPELÁN FERNÁNDEZ – Universidade de
Santiago de Compostela
David CRANMER – Universidade Nova de Lisboa, CESEM
Marita FORNARO – Universidad de la República, Montevideo
Marcela GONZÁLEZ BARROSO – Universidad de Oviedo
Isabel NOGUEIRA – Universidade Federal de
Rio Grande do Sul, Porto Alegre
Alfonso PÉREZ SÁNCHEZ – Universidad de Guanajuato
Alejandro VERA – Pontificia Universidad Católica de Chile

Andrea BOLADO SÁNCHEZ – Universidad de Oviedo

Diana BRENSCHEIDT GENANNT JOST – Universidad de Sonora
Rosalía CASTRO PÉREZ – Universidad de Oviedo
Ladislao CEJA FERNÁNDEZ – Universidad de Oviedo
Susana DE LA CRUZ RODRÍGUEZ – Universidad de Oviedo
Javier GÁNDARA FEIJÓO – Universidade de Santiago de Compostela
Álvaro MOTA MEDINA – Universidad Complutense de Madrid
Iván César MORALES FLORES – Universidad de Oviedo
Alicia PAJÓN FERNÁNDEZ – Universidad de Oviedo

Diseño: Susana DE LA CRUZ RODRÍGUEZ

 Las músicas iberoamericanas son resultado de encrucijadas,
intercambios y apropiaciones múltiples, como consecuencia de los masivos
procesos de migración en, desde y hacia el continente americano a lo largo de
su historia. La consiguiente desterritorialización, fragmentación, reterrito-
rialización y producción de nuevas prácticas sonoras configura un objeto
disciplinario complejo y multidimensional condicionado no sólo por
innovaciones tecnológicas globalizantes, sino también por nuevas formas de
sensibilidad y recepción. Así, las categorías ideales de autenticidad,
hibridación y transculturalidad, en tanto retóricas identitarias, estéticas y
políticas y espacio discursivo de negociación entre lo ajeno y lo propio, han
articulado intersecciones históricas y discursos historiográficos que es nece-
sario revisitar críticamente. Este congreso propone el estudio de las músicas
iberoamericanas entendidas como un doble discurso que incluye tanto la
expresión de los cruces, encuentros e hibridaciones sonoras de su tiempo,
como los relatos que tratan de explicarla o subsumirla dentro de proyectos
ideológico-culturales a lo largo del tiempo. Desde esta perspectiva tienen
cabida los discursos individuales o grupales, sus componentes y engarces
socioculturales, así como las interpretaciones y resignificaciones que se
proponen o imponen desde las instituciones, los espacios de poder cultural,
la historiografía y la crítica, entre otras.
Juan Carlos SAN PEDRO VELEDO, Director de Coordinación y Planificación de
la Universidad de Oviedo.
José Antonio GÓMEZ RODRÍGUEZ, Presidente de la Sociedad Española de
Musicología y Decano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de
Oviedo.
Javier MARÍN-LÓPEZ (Universidad de Jaén) y Julio OGAS JOFRÉ (Universidad
de Oviedo), Directores del IV Congreso MUSAM / SEdeM.

Marita Fornaro Bordolli. Censuras, exilios y redes. Un análisis desde la música

popular uruguaya hacia el contexto iberoamericano

Desde fines de la década de 1960 y durante todo el período de dictadura

cívico-militar instalada en Uruguay entre 1973 y 1985, las expresiones artísticas,
y en especial la música popular, sufrieron todo tipo de censura, y sus
protagonistas persecución, cárcel, incluso tortura. Esto derivó en un fuerte
movimiento de exiliados, quienes en el exterior se vincularon, en muchos casos,

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con quienes habían emigrado previamente por razones económicas y también
ideológicas. En esta conferencia se analizarán los mecanismos de la censura, que
solían adoptar modalidades incoherentes entre sí. Se considerarán las redes de
exiliados constituidas en los países americanos y en Europa y se analizará la
importancia de los soportes fonográficos. Interesa la edición temprana de
fonogramas de artistas latinoamericanos y españoles en Uruguay, en los años
previos a la dictadura plena, y las ediciones de músicos uruguayos fuera del país.
Es fundamental la función del formato casete en los movimientos de resistencia:
la circulación de casetes que constituían antologías de aficionados, el registro de
las voces de figuras políticas exiliadas junto a la música prohibida, las jornadas de
denuncia organizadas en diferentes países, cuyos resultados sonoros eran
enviados clandestinamente a Uruguay, mientras que desde el país se enviaban
programas de radio, nuevas canciones, textos literarios. Los encuentros de
músicos en el exilio derivaron en nuevas estéticas o en modificaciones de
repertorios. Junto a las estrategias artísticas de resistencia, puede considerarse
aquí una “retórica del dolor” y una “retórica de la nostalgia”, ancladas con fuerza
en la memoria individual y colectiva, con poderosas imágenes provocadas desde
el texto literario, los géneros musicales (los uruguayos y los incorporados), las
citas tímbricas.
Muchas redes creadas en ese período sobrevivieron en el tiempo o fueron
modelo de otras nuevas, que llegan hasta el presente. Aún hoy, en el año en que
se conmemora medio siglo del golpe de estado, se conservan vínculos políticos y
afectivos, así como documentos sonoros e impresos que complementan los
archivos musicales públicos. Junto al análisis que vincula ideología, política y arte,
también es pertinente el análisis desde una antropología de los afectos y del riesgo:
crear, interpretar y difundir supuso, con frecuencia, “poner el cuerpo”, quebrar la
psiquis, arriesgar la vida.

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 El Grupo de I+D “Artes Performáticas y Sociedad” (GIDMAPS), radicado
en el Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas (CIAMEN,
Universidad de la República de Uruguay) reúne a investigadores uruguayos,
españoles y brasileños; tiene en las artes performativas su objeto de estudio y en
la socialización de los resultados una de sus actividades prioritarias. Ese objeto de
estudio resulta por su naturaleza, incapturable: músicos, bailarines, actores y
demás performers comparten un determinado espacio con un público atravesado
por elementos literarios, sonoros y visuales. Así, cada investigación está dedicada
a atrapar lo efímero de esa experiencia compartida y sus huellas: impresiones,
registros inasibles de la memoria individual de artistas o espectadores junto a
algunos restos tangibles. Un conjunto de rastros que visibilizan eventos pasados
en el presente de quien los analiza y se convierten en información para ensanchar
la memoria colectiva. Con este enfoque se han vinculado instituciones públicas y
privadas a través de programas y proyectos que comparten un marco teórico y
estrategias metodológicas y priorizan el cruce de diferentes tipos de fuentes. Este
panel se inicia con una investigación de enfoque histórico sobre repertorio en el
teatro “Progreso” de Paysandú, plantea luego investigaciones desarrolladas con el
Centro de Investigación, Documentación y Difusión de las Artes Escénicas
(CIDDAE) del Teatro Solís de Montevideo, en las que se relaciona teatro
(producciones de la Comedia Nacional) y música, y cierra con el primer trabajo
sobre las técnicas compositivas de Renée Pietrafesa Bonnet, compositora
uruguaya también vinculada al teatro, dentro de su ecléctica y pionera
producción.

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Ana Virginia Lecueder Arbiza. La presencia española en el Teatro Progreso de la
ciudad de Paysandú (1876-1921). Compañías, repertorios y vínculos con la región
Esta ponencia presenta resultados de una investigación mayor que tiene como
centro de estudio la historia e inserción social de los teatros del litoral norte de
Uruguay, sobre el río del mismo nombre, frontera fluvial con Argentina. El punto
focal de la presentación es el Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandú
durante el período en que se denominó Progreso (desde 1876, año de la
inauguración, hasta 1921). Se analiza la presencia de compañías españolas en el
teatro, sus repertorios y los circuitos establecidos entre los distintos escenarios de
la región, tanto de Uruguay como Argentina, con el río como eje cultural y con
especial atención a los teatros Larrañaga de Salto y, fuera de la región, el Solís de
Montevideo.
La investigación partió del análisis de programas del Teatro y la prensa local.
Esta última da cuenta del proceso que implicaba la presentación de las compañías,
desde el trabajo previo de los empresarios en la contratación del teatro y la venta
de abonos, hasta las funciones finales en beneficio de los artistas y su despedida.
Los distintos tipos de notas de prensa brindan información sobre vestuario,
escenografías y prácticas musicales; también generan imágenes que revelan
realidades sociales, relaciones de poder y diferenciación social, el proceso de
recepción entre el público general y la crítica especializada, y evidencian
rivalidades entre los teatros de la región. También se presentará la metodología
empleada en las bases de datos para programas y prensa, compartidas en los
diferentes teatros investigados.

Sergio Marcelo de los Santos y Marcelo Sienra. Retablo de vida y muerte: más
allá de los documentos, la memoria
La investigación sobre Retablo de vida y muerte constituyó la primera
experiencia de vinculación de diferentes tipos de documentos disponibles en una
institución pública, el Teatro Solís de Montevideo, una institución privada, el
sello fonográfico Sondor, e investigadores del GIDMAPS y del CIDDAE. El
espectáculo fue concebido durante un período político de especial densidad
histórica (la dictadura sufrida por Uruguay entre 1973 y 1985); como resultado

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del encuentro entre el director teatral Mario Morgan, la escritora Mercedes Rein
y la actriz Estela Medina, quienes se vincularon con profesionales de la música,
entre ellos el compositor y director Federico García Vigil. La obra estuvo
presente durante 35 años en escenarios uruguayos, latinoamericanos y europeos,
y fue editada por Sondor como vinilo en 1976. Constituye un recorrido por el
teatro español a la medida del talento y la experiencia de Medina, primera actriz
de la Comedia Nacional uruguaya, con acompañamiento de guitarra y canto. La
investigación vinculó los textos, la música, la performance grabada; foto-
grafías, objetos conservados en el CIDDAE, prensa y la memoria de varios de los
participantes. Se concretó un primer resultado con una edición crítica en 2010,
coordinada por Marita Fornaro. Nuevas etapas de trabajo incluyeron la
profundización en los aspectos de corporeidad y vestuario a cargo del
GIDMAPS, la creación del Archivo de Vestuario de la Comedia Nacional y la
socialización de resultados en publicaciones del CIDDAE y el GIDMAPS (en
soporte físico y digital, incluidas las redes sociales), exposiciones y otras activi-
dades para diferentes públicos.

Fabricia Malán Carrera. Escena, registro sonoro y vinculación de fuentes. La

Comedia Nacional uruguaya y una investigación interdisciplinaria
El proyecto Ha quedado la voz: recuperación y análisis de los registros sonoros
históricos de la Comedia Nacional propone la preservación de los soportes y el
rescate los contenidos de las cintas de carrete abierto en las que se han conservado
más de 400 obras, incluida su música. Estos documentos constituyen un
testimonio central para la historia de esta institución que desde 1947 es parte
identitaria del teatro uruguayo. El enfoque de la investigación prioriza la
vinculación de los archivos sonoros con otros tipos de materiales, como
fotografías de escena, bocetos, fotos y piezas de vestuario, afiches y programas
conservados en los archivos del Teatro Solís de Montevideo. El enfoque
interdisciplinario evidenció la necesidad de indagar sobre las piezas musicales y
sonoras mencionadas en los correspondientes programas de mano. La ponencia
se centra en el análisis de tres ejemplos: Macbeth de 1954 (con comentarios
musicales compuestos por el uruguayo Vicente Ascone, recientemente

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recuperados por la Banda Sinfónica de Montevideo), Peribañez y el Comendador
de Ocaña de 1962 (su programa incluye un tramo de la partitura de su música de
escena compuesta por Jaime Pahissa), y Kaspar de 1986 (espacio sonoro de
carácter electroacústico a cargo de Renée Pietrafiesa). La investigación hizo
evidente lo fértil de esta metodología de vinculación de fuentes, a las que se
agregan testimonios actuales de algunos protagonistas: los objetos convocan la
memoria y los archivos sonoros son de especial potencia para la actualización de
los afectos individuales y colectivos sobre el papel de la Comedia Nacional en la
historia de las artes escénicas uruguayas.

Marcela González Barroso. Renée Pietrafesa Bonnet (Uruguay, 1938-

2022). Intersecciones y espacios discursivos en la música iberoamericana del siglo XX
Como parte de las investigaciones enmarcadas en la producción musical
latinoamericana se presenta a Renée Pietrafesa Bonnet, nacida en Montevideo.
La literatura académica sobre esta compositora es escasa si se compara con su
contribución como intérprete, compositora, directora de orquesta y pedagoga. El
trabajo que se ofrece en esta mesa puede considerarse la primera contribución
científica que continuará, con la recopilación de su obra impresa, manuscritos,
cartas, fotografías, grabaciones, programas de concierto y otra documentación
factible de encontrar en su archivo personal. En un primer acercamiento a su
archivo, el equipo de investigación ha tenido acceso a su obra, incluidos los
manuscritos, que fueron digitalizados en su totalidad. A ellos debe agregarse la
obra creada en otros soportes; su producción incluye piezas con formaciones
camerísticas, para orquesta, para piano, electroacústicas, mixtas, etc.; también
para obras teatrales. En este repertorio, Pietrafesa ofrece técnicas compositivas
variadas, como consecuencia de un espíritu activo, de una formación musical
sólida y amplitud de criterios. Para entender parte de esta producción y las
posibles relaciones con otras compositoras y compositores iberoamericanos que
se entrecruzan en las constantes búsquedas e hibridaciones sonoras de mediados
de siglo XX y comienzos del siglo XXI, se abordará el estudio de tres cantos para
voz y guitarra desde dos perspectivas: histórico-biográfica e intertextual.

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Juan Pablo González. Del flamenquismo de exportación a las variedades selectas en
el Chile de mediados del siglo XX
Terminada la Guerra Civil española, América Latina recibió una ola de artistas
españoles que se radicaron principalmente en Argentina y México. Desde allí, y
también desde Cuba, visitarían las naciones latinoamericanas ante un público de
ascendencia hispana ávido de revivir estampas musicales de la patria lejana. Esta
actividad se superpondría a las embajadas artísticas enviadas por el franquismo
temprano como forma de vencer la oposición internacional al régimen, haciendo
que las dos Españas confluyeran en una misma escena latinoamericana desde los
años cuarenta. Es así como un séquito de bailarinas, cantantes y guitarristas desfiló
por los escenarios latinoamericanos, evocando, en algunos casos, a las antiguas
cupletistas ya absorbidas por el cine y el disco. Esta comunicación revisa el auge del
españolismo en los escenarios y radios chilenas de los años cuarenta y cincuenta,
con espectáculos de artistas españoles auténticos o simulados que construían la
imagen de España fuera de España. Confluían coplas, géneros andaluces, bailes
regionales y guitarras clásicas y flamencas en locales donde también se bailaba
tango, música tropical, bolero y foxtrot hasta comienzos de los años sesenta. Reviso
esta construcción de identidades hispanas cosmopolitas desde la música y la
performatividad, considerando especialmente el caso del cantaor chileno Pepe
Lucena (1925-2011) y su trayectoria en Chile, Argentina, Brasil y España.

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María Cabrera Fructuoso. Las tournées artísticas de Encarnación López, “la
Argentinita”, por Chile: recorridos, recepción e imaginarios de ida y vuelta
Esta comunicación se propone el análisis de las tournées artísticas realizadas
en Chile en 1920, 1921 y 1935 por Encarnación López, “la Argentinita”, como
caso de estudio, tras una revisión, reconstrucción y rectificación de los datos
aportados sobre sus recorridos y la recepción que ésta tuvo en el país
transatlántico. Además, se pretende contribuir al cuestionamiento de los
imaginarios de lo español promovidos durante principios del siglo XX a partir
del fenómeno de la modernidad desde una mirada contemporánea. Esto es, de la
visión que se tiene y se difunde de los bailes españoles, influenciada y perpetuada
por la mirada exotista ya ofrecida por los viajeros románticos del siglo XIX; así
como de lo que esto implica en la práctica dancística, es decir, en el lenguaje de
movimiento y la concepción de la obra/pieza teatral.
La selección de estas tournées permitirá profundizar en las narrativas ofrecidas
en esa implicación espacio-temporal, marcada por sucesos trascendentales para la
historia. En ese cruce de caminos, identidades y memorias de ida y vuelta, el tema
será abordado desde una perspectiva decolonial y apoyada en los estudios
transatlánticos y de género a través de las fuentes primarias, hemerografía,
filmación y fuentes escritas como marco metodológico. El objetivo final es la
dignificación de la danza española, sus orígenes, trayectorias y legados,
especialmente el de sus mujeres artistas, valientes, incansables y geniales, como
Encarnación López, que supuso una revolución en la concepción y configuración
de esta danza como género escénico durante la edad de plata.

Rosalía Castro Pérez. Ellas no viajan ni cantan solas. La voz femenina en los grupos
sudamericanos que llegan a España en los sesenta
La eclosión de la música juvenil a principios de los años sesenta genera en
España, como en el resto de Occidente, el surgimiento de numerosas
agrupaciones que buscan reflejar los sonidos y las prácticas performativas que
venían de Estados Unidos. En este contexto llegan a España tres grupos
sudamericanos: Los Cinco Latinos (Argentina), Los TNT (Uruguay) y Los tres
sudamericanos (Paraguay). Con diferentes estilos, doo wop, pop de versiones

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europeas y estadounidenses, y canciones melódicas bailables y tradicionales, estas
agrupaciones tienen en común que la vocalista principal es una mujer.
En esta comunicación, se abordará la aportación de estos grupos al mercado
musical español, atendiendo al repertorio, a las características interpretativas y a
su influencia en la conformación de conjuntos semejantes con artistas locales. A
partir de esta contextualización, se analizarán las propuestas desde la teoría
feminista performativa atendiendo a los aspectos vocales y de producción musical
con el fin de ahondar en: la construcción de la voz femenina enmarcada
(controlada) por las voces masculinas, las connotaciones expresivo-culturales que
deja entrever la conformación de los grupos y la asimetría de poder de género que
reproduce la industria del momento a partir de potenciar los vínculos afectivos
de la mujer con otros miembros del conjunto. Así, tomando el género como
categoría analítica, aplicaremos las teorías de Green (1997), Davies (2001) y
Clawson (1999) adaptándolas a nuestro estudio. También serán de referencia
Moore (2012) para el análisis de la canción grabada y Bell (1999) y Auslander
(1999) para estudiar la performance.

Christina Richter-Ibáñez. Estrategias de traducción en el mercado de música

popular. Reflexiones sobre el éxito de los álbumes de ABBA en España y América
Latina
Desde la década de 1950 se han traducido y adaptado al mercado
hispanohablante éxitos de la música popular en lengua inglesa. De ahí que
Isabelle Marc describiera las décadas de 1950 y 1960 como la “edad de oro” de la
traducción (Marc, 2015, 10). Sin embargo, esta práctica de la traducción no
terminó entonces, pues los artistas que tuvieron especial éxito en el mercado
anglófono produjeron versiones paralelas para el mercado hispanohablante. El
grupo sueco ABBA fue especialmente activo en la traducción de sus propias
canciones cuando se presentó en el ámbito del ESC (Eurovision Song Contest) en
1973/74. A partir de 1979 ABBA publicó sencillos y un álbum entero en español.
La ponencia explora las circunstancias de estas producciones y analiza las
adaptaciones del lenguaje, la expresión vocal y la mezcla de las grabaciones. La
recepción de los discos también muestra cómo las canciones traducidas
contribuyeron al éxito mundial del grupo a largo plazo. La estrategia de

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traducción de ABBA también parece haber servido de ejemplo para otros grupos
de los años ochenta que atendieron específicamente al mercado hispanohablante
con versiones de sus propias canciones. La teoría de la traducción, que busca
identificar los actores, los contextos y los cambios en el proceso de traducción,
actúa como marco teórico de la ponencia.

Mariana Isabel Portas de Freitas. O lugar dos “prácticos” na teoria musical:

modelos e idiossincrasias. As visões de Andrés Lorente (1672), Pablo Nassarre
(1724) e Caetano de Melo de Jesus (1759)
O estudo comparativo e da intertextualidade de diversos tratados de música
espanhóis e luso-brasileiros dos séculos XVII e XVIII evidencia as transferências
culturais e a circulação de modelos entre obras teóricas que circularam no espaço
Iberoamericano e que traduzem muitas matérias e posições comuns, no que
respeita ao logos dos tratados. Já quanto ao ethos dos autores, revelam-se
identidades e alteridades, diferentes mundivisões e tensões sócio-profissionais.
Um elemento tipicamente diferenciador do ethos dos teóricos é o estatuto
concedido aos músicos práticos, cuja maior ou menor valorização reflete o grau
de interação com o universo da música performativa.

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 Os tratados do castelhano Lorente (1762) e do aragonês Nassarre (1724)
revelam uma razoável abertura e proximidade às evoluções introduzidas na
prática musical pelos executantes e os usos dos modernos, mesmo quando estes
derrogavam a tradição teórica e as regras da arte do sistema mensural. Pelo
contrário, a visão depreciativa do baiano Melo de Jesus (1759-60) assenta num
ethos de músico erudito intransigente e contraposto à inépcia dos “practicos
ignorantes”. Caetano critica não só a incompetência dos músicos executantes do
seu tempo, mas também os próprios teóricos espanhóis, Lorente e Nassarre, que
considerava demasiado permissivos para com os desvios dos práticos.
Um ponto máximo na distanciação entre a Escuela Musica de Nassarre e a
Escola de Melo de Jesus surge na questão teórico-prática dos “suprimentos”, ou
“suplementos” das divisões cromáticas de bemol/sustenido, quando não existiam
no teclado, no contexto da afinação justa, o que implicava diferentes
interpretações da organização do espaço tonal.

Javier Alonso Quintanilla Calvi. Ideas en circulación: hacia la identificación de las

fuentes del pensamiento musical del Virreinato del Perú durante el siglo XVIII
Como es bien conocido, un recurso de gran utilidad de cara al análisis,
contextualización y reconstrucción de la música de la Hispanoamérica colonial lo
constituyen las diversas fuentes históricas que denotan cómo esta se pensaba en
dicho contexto. En ese sentido, el estudio de la circulación de los tratados
musicales de la época resulta de particular interés, y cada vez existen más trabajos
que, de una u otra manera, inciden en ello. En el caso peruano, sin embargo,
aunque la preocupación por la tratadística musical también se ha incrementado
en los últimos años, todavía estamos empezando a conocer el complejo universo
de ideas que rodeó a las prácticas musicales del periodo virreinal.
De esta manera, el presente trabajo aborda la pregunta por las fuentes del
pensamiento musical que estuvieron presentes en el virreinato del Perú durante
el siglo XVIII. Procura, así, identificar diversos textos (principalmente tratados
musicales, tanto de origen extranjero como de creación local) que pueden ser
ubicados en dicha época y lugar, dando cuenta, a la vez, de su situación en un
contexto en buena medida caracterizado por la circulación de ideas musicales

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dentro y fuera del ámbito hispanoamericano, a ambos lados del Atlántico.
Asimismo, comenta el caso particular de algunos elementos estrechamente
vinculados con el virreinato del Perú, los cuales aparecen representados en textos
de la época relacionados con la reflexión sobre la música. Con ello busca, en
última instancia, proponer un primer marco de referencia para posteriores
estudios del pensamiento musical peruano dieciochesco.

Javier Marín-López. “Performar” la doctrina: el catecismo como auralidad en el

México colonial
Aunque la enseñanza de la doctrina cristiana a través del canto está
ampliamente documentada en el México colonial, apenas han quedado vestigios
de las melodías concretas que se utilizaban. A partir de un amplio corpus de
catecismos empleados en Nueva España, se propondrán algunas hipótesis sobre
qué partes de la doctrina pudieron cantarse, qué arquetipos rítmico-melódicos
pudieron emplearse y en qué contextos. Para ello se tendrán en cuenta los
distintos procesos de evangelización que tuvieron lugar tanto en España como en
México, donde la introducción de la enseñanza cantada de la doctrina se adaptó
a unas especiales condiciones misioneras y se extendió hasta el siglo XIX. Desde
un punto de vista teórico, este trabajo se basará en el enfoque de Aurality:
Listening and Knowledge in Nineteenth-Century Colombia (2014) de Ana María
Ochoa, con el fin de comprender las dimensiones auditivas de la doctrina como
una práctica que animaba las percepciones sensoriales del significado, y que
requería la participación activa tanto de los niños nativos como de los misioneros.
El trabajo también explora cómo esta práctica sensorial transcultural y
multilingüe emergió como una intersección de voz, oralidad y escritura,
perfilando un paisaje sonoro fenomenológico en el que espacio, cuerpo y
colectividad se fusionaban en complicidad, ya que la doctrina se performaba en
procesiones públicas al aire libre.

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Javier Ares Espiño. Las Cinco habaneras de Juan Montes: singularidades, sinergias
e hibridaciones pianísticas en el entorno musical lugués de finales del siglo XIX
El repertorio para piano de Juan Montes Capón (Lugo, 1840-1899) nos aleja de
su vertiente religiosa y revive su paso por los cafés-concierto de la ciudad de Lugo, con
un repertorio en sintonía con los círculos literario-musicales o con los salones
españoles de esa época. En las piezas para piano de Montes encontramos títulos como
Gavota o un Andante sentimental, pero una destacable presencia del género de los
bailables, con danzas como valses, polcas, mazurcas y habaneras. En el contexto de la
consolidación de los aires regionales que tuvo lugar en esa época del Rexurdimento,
Montes también creó muiñeiras, alalás y jotas.
En esta comunicación se abordarán las Cuatro danzas habaneras para piano
solo y la “Habanera para 6 manos en Fa menor”, un repertorio donde Montes
muestra algunos rasgos del laberinto transcultural que estas danzas cubanas
llevan aparejado. La parte performativa se centra en las Danzas habaneras nº. 1,
en Mi b mayor, nº. 2, en Mi menor, nº. 3, en Do mayor y nº. 4, en Si b Mayor.
Este trabajo de investigación está integrado en una línea de actuación iniciada en
2016 y 2017 con la publicación de dos recopilaciones de partituras para piano de
Juan Montes realizadas por Joám Trillo y por Carlos Villanueva, y que se
completó en 2022 con la publicación de un doble CD editado por Dos Acordes
donde se recoge la obra para para piano, para armonio, para piano a cuatro manos
y para piano a manos del compositor lugués.

27
Jesús Saiz Huedo. Elementos musicales andaluces y americanos compartidos en el
Fondo Manuela Vázquez-Barros de la Biblioteca Lázaro Galdiano
El estudio y la reciente edición crítica del Fondo Manuela Vázquez-Barros
han demostrado que, en el repertorio de la guitarra española de finales del siglo
XIX y principios del XX, coexistieron elementos de la tradición escrita culta y de
las tradiciones orales ágrafas en igualdad de condiciones. Resultan de especial
interés, por un lado, los elementos asociados a los aires andaluces y a la progresiva
codificación de la guitarra flamenca y, por otro, los de evidente procedencia
americana. En este sentido, es de destacar que algunas de las piezas comparten,
combinan o desarrollan ambos tipos de elementos y, por tanto, evidencian
procesos de hibridación de enorme interés musicológico. En esta comunicación-
recital contrastamos, mediante una metodología analítica, cuatro aires andaluces
del Fondo Manuela Vázquez-Barros los cuales, aunque representan variedades
del género flamenco de procedencia americana (según un amplio consenso de
autores), el tango y la petenera, sin embargo, por sus características, vemos que
muestran procesos de aflamencamiento que los hacen difícilmente ubicables
fuera de la península: 1) Peteneras, MVB 1.2, de Gaspar Sagreras, un aire andaluz
difundido en Argentina como música de autor, con numerosas concomitancias
con otras fuentes, incluidos algunos registros fonográficos tempranos de
peteneras flamencas; 2) Variaciones de Tango, MVB 4.1, un aire andaluz con
elementos métricos y rítmicos cubanos e idiomatismos instrumentales de la
guitarra flamenca; 3) Peteneras, MVB 4.2, aire andaluz con idiomatismos
instrumentales de la guitarra flamenca y la guitarra clásica; y 4) Copla de Tango,
MVB 1.1, aire andaluz, con elementos métricos y rítmicos cubanos y melódico-
armónicos flamencos.

Ana María Ruimonte. Africana soy. Mestizaje en la zarzuela cubana. Ernesto

Lecuona
El CD Africana soy contiene una selección de canciones y zarzuelas con
temática amorosa, que refleja la situación discriminatoria de los africanos en
Cuba como consecuencia de la esclavitud y del mestizaje. Es un disco homenaje a
todas esas mujeres de color como la mulata, la gitana, la maja, la india, la china y

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la musulmana. Por medio del teatro musical, que actúa como elemento
reconciliador, el compositor cubano Ernesto Lecuona humaniza a estas personas
mostrando sus sentimientos de añoranza y desesperación por la falta de libertad,
la separación de su patria y de su familia y los abusos laborales. Por empatía
reconoceremos que todos somos seres humanos que buscamos una vida en paz y
con las mismas oportunidades, que sólo puede lograrse reconociendo y
respetando las diferencias existentes. Se trata de composiciones musicales de gran
belleza donde los ritmos y melodías africanas y autóctonas de las islas se mezclan
con otros de influencias españolas como la habanera.
Africana soy fue grabado por Ana María Ruimonte y Huberal Herrera, piano,
que actuaron juntos por primera vez en 2016 en el Auditorio del Museo Bellas
Artes de La Habana con el concierto “Rosas para Lecuona”, dedicado en exclusiva
a la obra vocal del compositor. También actuaron en Santiago de Cuba,
Cienfuegos, Matanzas, en Cuba, Nueva York, Baltimore y Filadelfia en Estados
Unidos. Entre su repertorio, destacan los programas: “La revista femenina. La
Maja” (1928), “El Cafetal. Africana Soy” (1930), “Rosa la China”, “El Batey”
(canto Negro y Karabali) y “María la O. Mulata infeliz”.

29
Silvina Martino. La circulación de dos canciones interpretadas por Isabel Marengo
durante los años 1930 a través de la fonografía
La soprano argentina Isabel Marengo grabó en 1931 un disco para el sello
Victor que incluye el tango “¿Dónde estás corazón?” del mexicano Luis Martínez
Serrano y el argentino Augusto Berto, y la canción “Aquellos ojos verdes” de los
cubanos Adolfo Utrera y Nilo Menéndez. La circulación y transformación
estilística de estas dos piezas a lo largo de los años propiciaron que podamos
pensar a estas músicas como transnacionales. Ramón Pelinski propone en Tango
nómade (2000) que el tango porteño itinerante es una voz en el diálogo
intracultural de la comunidad latina en la diáspora. Así es como podemos abordar
a estas dos canciones que, al difundirse a través de los discos, tanto su
materialidad como el producto sonoro se convirtieron en nómades y pasaron a
formar parte de una comunidad sonora supranacional o latinoamericana. Varios
de los representantes de la lírica internacional como Tito Schipa, Alfredo Kraus,
Plácido Domingo y Diego Flórez han grabado algunas de las canciones
anteriormente mencionadas como símbolo de lo latino. Sin embargo, el disco de
Marengo cobra relevancia, por un lado, por su interpretación de obras populares
como representante femenina de la lírica argentina, pero, sobre todo, por la
reaparición de estas grabaciones en otros registros fonográficos. De ellos, se
conocen hasta el momento dos: uno realizado en la década de 1990 en Colombia
y otro para un CD homenaje a la cantante en Argentina. Este trabajo se propone
entonces investigar el recorrido trasnacional o nomádico del disco grabado por
Marengo en América Latina y su reutilización a través del tiempo en la creación
de nuevos documentos sonoros que adquirieron, según el contexto, nuevas
significaciones.

30
Márcio Modesto y Sílvia Maria Pires Cabrera Berg. Os conjuntos regionais de
rádio no Brasil: fixação de um modelo de acompanhamento instrumental e valorização
da identidade nacional
Os primeiros anos do século XX foram especialmente importantes como um
período em que discutiu-se a legitimação de uma ideia de nação brasileira.
Segundo Veloso (1993), a palavra de ordem nesse período era “criar a nação”,
conforme expressão utilizada por Afonso Arinos em 1915. A colocação em relevo
da questão da identidade nacional, aspecto indissociável do processo de
organização político e social nacional como um todo, prontamente refletiu-se na
esfera cultural, através da valorização das peculiaridades folclóricas e regionais
como subsídios garantidores do Brasil enquanto nação legitimada. Ao amplo
espectro de acepções possíveis à música regional dos anos 1920, seguiu-se a
ressignificação e a migração do termo como nomenclatura para os conjuntos de
violões, cavaquinho, instrumento solista e percussão (Bittar, 2011) que ocuparam
lugar de destaque no meio radiofônico, acompanhando os mais diversos gêneros
musicais. Assim como ocorrera à terminologia regional, associada a uma
autenticidade nacional prioritariamente notada nas manifestações culturais do
hinterland brasileiro, o marcador de brasilidade foi logo creditado à sonoridade e
à atuação (eminentemente urbana) dos conjuntos regionais de rádio, a partir de
múltiplas vozes, dentre músicos, arranjadores, maestros, jornalistas e críticos.
Originada de pesquisa de doutorado em andamento, esta comunicação pretende
relevar, através de investigação bibliográfica e hemerográfica, os discursos que
contribuíram para a consolidação deste instrumental como o “agrupamento
organológico ideal para a música brasileira” (Taborda, 1995, p. 38), em um
período (anos 1920-30) no qual a música popular afirma-se como território de
disputas indispensável à definição de uma identidade nacional.

Julián Delgado. “El primer conjunto auténticamente beat en nuestro país”: el éxito
de la música beat en Argentina y las transformaciones del valor de la autenticidad en
la música popular
La canción “La balsa” del grupo Los Gatos, editada por el sello RCA el 3 de
julio de 1967, ha sido y continúa hasta el día de hoy siendo catalogada por los

31
relatos testimoniales, periodísticos y académicos como el hito fundacional del
rock nacional argentino. La memoria histórica construida por los propios
protagonistas y desde adentro de la cultura rockera ha condicionado, así, una
determinada interpretación de corte romántico/heroico de aquella canción,
ocluyendo los efectos y sentidos musicales y culturales que la misma produjo en
el momento mismo de su grabación y lanzamiento comercial. Esta ponencia se
propone explicar el éxito de Los Gatos como resultado de las estrategias
comerciales de una industria discográfica argentina en plena expansión, pero,
sobre todo, como un indicio clave de una serie de importantes modificaciones en
las formas de concebir la autenticidad y de expresar musicalmente la identidad
nacional. En base a un relevamiento de fuentes musicales y de la prensa gráfica de
la época, se argumentará que la repercusión alcanzada por esta canción y este
grupo estuvo ligada a una creciente reivindicación por parte de los grupos beat y
sus jóvenes fanáticos de una idea de la autenticidad entendida como expresión
genuina de la subjetividad personal y la creatividad artística individual. El estudio
del caso argentino se ofrece, en este sentido, como un ejemplo especialmente
significativo de un proceso cultural de alcance global: el del paulatino abandono
de las concepciones puristas/tradicionalistas sobre las formas musicales y
culturales capaces de expresar la autenticidad nacional y su reemplazo por un
cosmopolitismo estético-cultural.

Annika Rink. Mitos de autenticidad en la Nueva Canción Latinoamericana

El movimiento de la Nueva Canción Latinoamericana afirma una identidad
continental, la crea y la representa a través de músicas nacionales y
latinoamericanas que, a su vez, plasman hibridaciones y ejemplos de
transculturalidad. Esta identidad se usa a favor de la lucha antiimperialista, así
como para la comercialización inter/nacional. La ponencia quiere analizar
aspectos musicales de cómo se construye esta identidad por medio de la
performance de música auténtica conceptualizando el folclore como indígena,
mestizo, precario (subalterno). Partiendo del concepto de mitología de Barthes,
se problematiza la cultura como producto y práctica naturalizante. A partir de
ahí, se avanza hacia el concepto de autenticidad como supuesto garante de la

32
verdad, pertenencia originaria y justificación moral, todos ellos conceptos
altamente ambiguos con implicaciones políticas. En el plano teórico, se intentará
deconstruir las performances mediante una tipología de autenticidad y parámetros
muse-mióticos (Turino, Tagg) y performativos (usando los marcos de la
experiencia de Goffman). Se analizan performances, entrevistas históricas y
contemporáneas con músicos, oyentes y militantes políticos, como fuentes no
académicas (por ejemplo, prensa y blogs) en torno al Encuentro de la Canción
Protesta en Cuba, así como al Festival des politischen Liedes en Alemania
Oriental. ¿Cuándo y cómo aparecen aspectos coloniales y esencialistas,
excluyentes, homo/heterogeneizantes en las performances musicales neo-
folclóricas, izquierdistas de la Nueva Canción Latinoamericana? Partiendo de la
teoría de Spivak, ¿marcan los músicos la epistemología colonial de sus
performances? ¿Cuándo y cómo muestran la circulación de saberes o la tradición
receptiva?

Víctor Sánchez Sánchez. Tabaré, una ópera hispanoamericana

La última ópera de Tomás Bretón (1850-1923) recoge un tema americano: la
leyenda de Tabaré, epopeya uruguaya de resonancias panamericanas, partiendo
del poema del uruguayo Juan Zorrilla de San Martín. Fue la última ópera de
Bretón, iniciada su composición en un viaje a Buenos Aires (1910) y estrenada
en el Teatro Real de Madrid en 1913, protagonizada por el tenor Francisco

33
Viñas. El compositor comentó que se trataba de su mejor ópera y su partitura
demuestra la riqueza de sus recursos musicales y dramáticos. La ópera utiliza el
tema del encuentro entre españoles y los pueblos nativos en el mundo colonial,
con el cacique mestizo Tabaré mediando en la lucha entre los soldados españoles
y los charrúas. Un tema sobre el indio pacífico que aparece en otros títulos como
Il Guarany de Carlos Gomes. Tabaré fue un tema muy conocido, con
realizaciones musicales muy diversas en Uruguay, México y Argentina.
Se realizará una reflexión sobre los elementos dramáticos y musicales de la
ópera Tabaré de Bretón, a partir de la reciente recuperación de la ópera de Bretón,
interpretada en versión de concierto en el Teatro de la Zarzuela en marzo de
2022, sobre la edición crítica que he realizado para el Instituto Complutense de
Ciencias Musicales. Esto nos permitirá escuchar ejemplos inéditos tanto en
partitura como en audio. Se destacarán rasgos como el contraste de
caracterizaciones entre los nativos y los españoles, la idealización del mundo
americano con la utilización de escalas pentatónicas, la tensión armónica
wagneriana y la búsqueda del color orquestal o la cita del himno de Uruguay en
la obertura.

Nuria Blanco Álvarez. Fernández Caballero, protagonista de la zarzuela por tandas

en México
Durante el último tercio del siglo XIX numerosas compañías de zarzuela
españolas hacían giras por América y no pocas llegaban a México, a veces vía
Cuba; pero también compañías locales ofrecían este tipo de obras, en muchas
ocasiones con algún cantante español como cabeza de cartel, especialmente tiples
que habían despuntado en su momento en teatros madrileños como el de la
Zarzuela y que ahora buscaban fortuna en América. En nuestro caso, eran
compañías mexicanas las que incluían en su repertorio las zarzuelas que se habían
hecho populares en España, representándolas a veces inmediatamente tras su
estreno peninsular y otras, a pesar del transcurso de los años, se mantenían vivas
en los escenarios. Muchas de ellas eran zarzuelas compuestas por Manuel
Fernández Caballero (Murcia, 1835 – Madrid, 1906), una de las figuras más
relevantes del teatro lírico español de su época en el que cultivó zarzuela grande,
género bufo, género ínfimo y género chico en todas sus variantes. Precisamente

34
con este último, conocido en México como zarzuela por tandas, obtuvo un éxito
clamoroso en el país azteca. Tenemos constancia de más de 30 títulos suyos que
llegaron a estrenarse en los principales teatros de Ciudad de México, incluso uno
de ellos instauró esta modalidad de tandas precisamente con obras de Caballero.
El triunfo de sus piezas fue tan grande como en España llegando a parodiarse
alguna de ellas por autores mexicanos.

Francesco Milella. El Barbero de Sevilla de Pasiello: una zarzuela para el

México colonial
Durante más de treinta años, desde su estreno en San Petersburgo en 1782
hasta el comienzo de la moda rossiniana a partir de 1815, Il Barbiere di Siviglia de
Giovanni Paisiello fue una de las óperas más exitosas de todo el mundo
occidental. En pocos años fue representada en todas las grandes capitales del viejo
continente llegando incluso a superar sus fronteras: a partir de la década de 1790,
la ópera de Paisiello comienza a ser representada al otro lado del océano
Atlántico, desde Filadelfia hasta Rio de Janeiro. Sin embargo, es en los territorios
de la América española donde la ópera de Paisiello alcanza sus mayores triunfos.
Su llegada ocurre en un momento de profundos cambios para la región: la rápida
difusión de las ideas ilustradas y las revoluciones en Estados Unidos y Francia
(junto a la inminente rebelión de Haití) había comenzado a despertar inquietudes
y debates que las llamadas Reformas Borbónicas, lanzadas por Madrid a
principios de la década de 1770, estaban tratando de controlar. Son los años en
que el imperio español comienza a abrir sus puertas a una nueva cultura ilustrada
que cambiará para siempre el destino de sus colonias, entre nuevos periódicos,
cafés, centros literarios y nuevos espacios de sociabilidad.
La ópera italiana juega un papel determinante en este contexto convirtiéndose
en un canal de contacto privilegiado y de gran éxito entre la sociedad colonial y
las nuevas modas europeas: si, por un lado, alimenta las fantasías cosmopolitas de
las elites locales y su deseo de sentirse europeas, por el otro comienza a despertar
la idea de una nueva autoridad cultural que ya no corresponde con la de Madrid
y su corte, sino con lo que se va produciendo en ciudades como París, Londres o
Milán. La llegada del Barbero de Paisiello a México a principios del siglo XIX

35
ofrece, en este sentido, una perspectiva única y hasta hoy desconocida, además de
documentos inéditos, para analizar más a fondo el impacto de la ópera italiana en
la sociedad colonial en vísperas de su colapso. ¿En cuáles espacios y en qué formas
la ópera de Paisiello fue circulando en la Ciudad de México? ¿Cómo fue recibida
la ópera italiana en ese contexto? Pero, sobre todo, ¿qué significado adquirieron
estas formas y estos espacios de la ópera italiana en esos años? ¿Qué impacto tuvo
la recepción de la ópera italiana en las dinámicas culturales del imperio español?

David Cranmer. Lisbon as an Atlantic Hub for the Circulation of Opera and
Theatre Music During the Reign of Queen Maria I of Portugal (1777-1816)
During the 18th and 19th centuries, for geographical, political and cultural
reasons, Lisbon enjoyed a privileged position in the circulation of operatic and
theatrical repertoires. If theatre, beginning during the Spanish annexation of
Portugal (1580-1640), but continuing well into the 18th century, came
particularly from Spain, opera travelled, above all, directly or indirectly from
Italy. Furthermore, trade and military links with England, as well as Portugal’s
all-embracing connection as metropolis to its South American colonies, also put
Lisbon in a privileged position to disseminate and receive repertoires to and from
other Atlantic ports. The forty years of Queen Maria I’s reign (1777-1816) fall
naturally into three periods, divided by the onset of her madness in 1792 (when
court opera ceased and Prince João assumed the regency) and by the three French
Invasions of 1807 to 1809 (which led to the transfer of court and capital to Rio
de Janeiro). Both of these profound breaks in continuity led to institutional and
repertoire changes, with corresponding shifts in the circulation systems. During
the Napoleonic period, the Lisbon-London connection was briefly important in
the circulation of both repertoire and performers.
Among the repertoires and respective circulations discussed, as well as Italian
opera, are Portuguese opera, full-length plays of Spanish and Italian origin, with
music added locally, and one-act entremezes and farças, with specially composed
music. A wide variety of examples will be used to illustrate the range of circulation
patterns and how certain individuals, particularly opera singers, contributed to
this process.

36
37
 Programa de concierto
AULA MAGNA – 18:30
Viola latinoamericana

Juan PIÑERA
(La Habana, n. 1949)
Fantasia Sobre Cifras para viola solo*

Cesar CORTINA
(San José De Mayo, Uruguay, 1892 – Córdoba, Arg., 1918)
Poema (1914)

Marta LAMBERTINI
(Buenos Aires, 1937 – 2019)
The White Knight's Dream (2009)

José URFÉ
(Madruga, Cuba, 1879 – La Habana, 1957)
Dos Piezas para viola y piano
Recuerdos de una Villa
La Chinita

Edino KRIEGER
(Brusque, Brasil, 1928 – Río de Janeiro, 2022)
Toada
Motivo popular de Sao Paulo (1956)

38
 Calixto ÁLVAREZ
(Santa Isabel de las Lajas, Cuba, n. 1938)
De 5 Breves Piezas para viola solo
Sonsoneo – Romance – Mamboendo

Juan María SOLARE (Buenos Aires, n. 1966)

Reencuentro
Milonga para viola y piano (2010)

Jorge AMADO (n. 1997)

Fantasía VIII para viola solo*

VIOLA:
Anolan González

*Obras escritas y dedicadas a Anolan González Morejón

Aula de Música Iberoamericana Grupo Oviedo

39
Liliana González Moreno. La muerte de García Lorca: exploración intertextual
en la estética poliartística de Francis Schwartz
La muerte de García Lorca, del compositor Francis Schwartz (EE. UU. 1940),
fue escrita en 2005 para actor-vocalista y música electrónica, con una duración
aproximada de diez minutos. Dos versiones históricas circulan en formato
audiovisual: el estreno por Stephen Miles y la propuesta de Ángel Piccarreta en
Argentina. La ponencia distingue modos de representación y de significación del
material compositivo entre ambas resultantes audiovisuales y propone un análisis
intertextual del discurso poliartístico de Schwartz.
La estética musical del compositor plantea la experimentación multisensorial
en un arte provocador y comprometido con la vida. Refiere que la intención
narrativa está en explorar lo terrible de las últimas horas de existencia del poeta
español; hecho que rememora en su visita a Granada. El montaje escénico-
musical contempla parámetros como: el rostro, en primer plano como lo único
visible, contorsionado en muecas que evocan sufrimiento extremo; la música
electroacústica sincronizada con vocalizos, gestos, sonidos agonizantes,
expresiones faciales y movimientos corporales; y la referencia a dos palabras hacia
el final “Adonais” (Dios en el uso litúrgico judío) y “Federico”. Todo ello en
función de manipulaciones climáticas. En su poética compositiva confluyen
varios mundos: Francis Bacon, Kafka y Franz Xavier Messerich con sus
esculturas de muecas grotescas. Otros puntos de referencia para abordar la
estética de Schwartz derivan de la observación de procesos de montajes de sus
obras, entrevistas de la autora al compositor, intervenciones periodísticas
ofrecidas en diversas circunstancias y reflexiones sociales que exploran las
performatividades de sus múltiples propuestas poliartísticas.

40
Ana Alonso-Minutti. Confrontar la historia colonialista desde lo sacro: la Voiceless
Mass (2021) del compositor navajo Raven Chacon
Dentro del catálogo de obras de Raven Chacon (nacido en 1977 en Fort
Defiance, Nación Navajo, Arizona), Voiceless Mass es la primera escrita
explícitamente para una iglesia católica (la Catedral de San Juan Evangelista en
Milwaukee) y para ser escuchada en un contexto de espiritualidad, oración y
comunión con la divinidad. Galardonada con el Premio Pulitzer de Música en
2022, Voiceless Mass se estrenó en un concierto anual de Acción de Gracias,
festividad que (en el contexto estadounidense) celebra un supuesto encuentro
cordial entre nativos y colonos. Como artista indígena, Chacon aceptó el encargo
tomando en cuenta el conflicto que representa la festividad y la compleja relación
entre la Iglesia católica y las comunidades nativas. Chacon explica que su obra
plantea “la inutilidad de dar voz a los sin voz, cuando ceder el espacio nunca es
una opción para quienes tienen el poder” (2021). Escrita para órgano y conjunto
instrumental, Voiceless Mass se distingue de otras misas contemporáneas al
prescindir de voces y de texto. Al otorgarle a la pieza el título la palabra misa,
Chacon establece una conexión con la tradición milenaria de música que
acompaña la liturgia. Basándome en entrevistas con Chacon, el análisis musical y
un marco teórico decolonial, en esta presentación tomo la Voiceless Mass como
punto de partida para ejemplificar la aparentemente contradictoria forma en la
que Chacon confronta la historia colonialista de las Américas desde lo sacro,
abriendo un espacio de reflexión en el contexto de un ritual cristiano.

Juliana Wady. Modernismos periféricos? Pensando a música e o “moderno” no

contexto luso-brasileiro a partir de Mário de Andrade e Fernando Lopes-Graça
Mário de Andrade e Fernando Lopes-Graça são figuras relevantes no que diz
respeito aos discursos sobre música no século XX no Brasil e em Portugal.
Contando com diversas obras publicadas, os autores abordam temas comuns em
seus textos, temas estes frutos de contextos em transformação na esfera político-
cultural em ambos os países, das relações pós-coloniais inerentes ao cenário luso-
brasileiro, do conturbado período entreguerras, dentre outros fatores. Nesse
sentido, destacamos aqui a noção de modernismo e música moderna cuja

41
complexa definição é alvo de reflexão no discurso dos dois autores. Assim, esta
comunicação procura estabelecer paralelos entre os discursos de Mário de
Andrade e Fernando Lopes-Graça, dispersos pelas suas obras textuais de
temática musical, incidindo sobre as convergências e divergências que
caracterizam o pensamento estético, especialmente no âmbito da definição de
modernismo. Além disso, partindo de uma análise dos textos estudados,
refletimos sobre as características de um modernismo que pode ser considerado
periférico, na medida em que tanto o Brasil como Portugal se encontravam à
margem dos grandes centros artísticos. Tendo em conta esta perspectiva, o
pensar música e modernismo assume nuances particulares: (1) a própria
definição de modernismo no discursos destes dois autores, nem sempre coerente,
passa a considerar fatores que procuram (re)construir uma identidade nacional-
musical que se pretende inserir num panorama internacional; (2) o pensar
modernismo por parte destas figuras, nos seus respectivos contextos, assume um
olhar que vai da periferia para o centro analisando e, de certa forma, elegendo os
elementos que podem constituir (ou não) uma noção de modernismo na música
brasileira e portuguesa.

Julio Ogas Jofré. Transculturaciones musicales en / desde el Sur

La reformulación crítica de Ángel Rama (1982) de la transculturación tiene
como fin ajustar la teoría de Ortiz (1940) al espacio cultural latinoamericano de
la posguerra y el desarrollismo. De esta forma expone una interesante descripción
del funcionamiento del proyecto modernista en espacios culturales periféricos,
atendiendo a las tensiones en torno al material simbólico que otorga a esos
ámbitos su especificidad y diferencia (Moraña, 2017). Desde esta perspectiva, es
posible apreciar en el ámbito de la música académica del Cono Sur Americano la
convivencia de propuestas que parecen adherir a la idea de la música
latinoamericana como una “cantera” (Taylor, 1991) renovadora de la música
occidental y otras que se acercan más a una expresión del orgullo por la vitalidad
de una cultura con tintes originarios.
En esta propuesta ahondaremos sobre el alcance de este término y sus
variantes dentro del ámbito geográfico indicado. Para ello recurriremos a
diferentes materializaciones de la transculturación en obras de compositores

42
como Alberto Ginastera, Gustavo Becerra, Juan Orrego Salas o Waldo de los
Ríos, entre otros. Desde estos ejemplos se deducirán pautas ideológicas, estéticas
y temporales constitutivas que ofrezcan algunos puntos de referencias necesarios
para el estudio transcultural de la música de la región. También, atendiendo a
una delimitación temporal, se tendrá en cuenta la contraposición de este término
con el de transculturalidad (Toro, 2013). Todo ello, con el fin de ahondar en un
enfoque que se acerque al espacio transnacionalizado de la época y al estudio de
los procesos de transmisión/diseminación y resistencia/traducción cultural.

Claudia Fallarero Valdivia. Manuel Mauri Esteve y la zarzuela habanera de

finales del siglo XIX
Procedente de una familia de origen valenciano asentada en la Isla con una
interesante trayectoria en la escena teatral habanera, Manuel Mauri (Maury)
Esteve (La Habana, 1857-1939) fue uno de los autores criollos que se dedicaron
con profusión a la composición de zarzuelas y otros subgéneros musicales en La
Habana del cambio de siglo, entre las últimas décadas del XIX y los años iniciales
del XX. Su lenguaje parece ser representativo de la etapa de transición entre el
llamado teatro bufo y el desarrollo del género alhambresco o, como expresan
Ángel Vásquez Millares y José Ruiz Elcoro, del proceso de “fecundación” de la

43
zarzuela cubana, de la profesionalización de la música en el teatro popular, del
inicio del apogeo de lo zarzuelístico en Cuba.
Mauri debió asimilar el estilo de los autores españoles finiseculares desde su
puesto de primer violín y director del Teatro Cervantes, en la década de 1880,
momento en que la recepción de estos parece regularizarse, con la adquisición de
partituras de las galerías madrileñas de Fiscowich y Arregui-Aruej, que
circulaban entre los teatros habaneros. Finalmente, se asoció con éxito al
libretista Federico Villoch y a la escena del Alhambra, al menos entre 1890 y
1912. Sus composiciones (zarzuelas, sainetes, parodias, entretenimientos…), se
localizan entre los fondos del Teatro Tacón (que contiene repertorio del
Cervantes y el Albisu) y la colección de partituras manuscritas de la Biblioteca
Nacional José Martí. Este último grupo ha sido recientemente catalogado, lo que
permite ahora juzgar sus aportaciones estilísticas con mayor precisión.

Luciano Botelho da Silva. Trajetórias, circuitos, intersecções e hibridizações entre

os universos luso-brasileiro e hispano-americano
As tradições portuguesas trazidas ao Rio de Janeiro são amplamente
conhecidas. O que pouco se sabe é sobre os reflexos no Brasil da imensa produção
de zarzuelas apresentadas em Lisboa na segunda metade no século XIX (Nicolás
Martínez, 2015), sobretudo a sua marcante presença na cidade de São Paulo. A
construção do Teatro Provisório em 1873 é indicada por Paulo Cerquera (1954)
como determinante para a consolidação dos espetáculos operáticos apresentados
na então província que contava com cerca de 30.000 habitantes em sua capital. O
objetivo desta comunicação é evidenciar o trabalho feito pela Companhia
espanhola de Zarzuela que se instala principalmente no Teatro Provisório, mas
passa também pelo Teatro São José e São Carlos em Campinas tornando-se uma
companhia residente entre 1875 e 1876. Ela apresenta poucas mudanças em seu
elenco de solistas durante esses dois anos e leva um número impressionante de
apresentações predominando as zarzuelas de Barbieri e Gaztambide além de
Óperas cômicas francesas, a participação de seu elenco em concertos e benefícios
apresentando árias de óperas até uma impressionante montagem de Violeta em
uma versão espanhola de La Traviata, Verdi. A Companhia de Zarzuela se
mistura ao pico de crescimento da cidade e a história da profissionalização do

44
teatro cantado. Aqui detalho características das produções e da música
apresentada por esta companhia, bem como o envolvimento económico e social
através dos recortes de Jornais da época, comparando a produção de zarzuela a
literatura escrita sobre o início do Teatro de Ópera em São Paulo.

Andrea García Torres. La morena Trinidad: entre el teatro lírico y la hibridación

popular
El personaje de la morena Trinidad, icono de la mujer mulata
hipersexualizada que se popularizó al término del siglo XIX y durante el XX, ha
sido relevante en el imaginario iberoamericano, con una presencia en la cultura
popular a ambos lados del Atlántico. Su origen presenta problemas de
adscripción, dado que la manifestación cronológica más antigua aparece datada
en uno de los personajes del sainete El gorro frigio (1888), contextualizado en el
contexto teatral del género chico, un repertorio especialmente sensible a la
actualidad más inmediata del momento, cuya particularidad reside en nutrir sus
partituras y libretos con referencias directas a ella. También es posible rastrear la
presencia de la morena Trinidad en cancioneros infantiles, en la obra poética de
Federico García Lorca, en manifestaciones de carácter folklórico tradicional en
otros países de habla hispana, como Colombia o Chile, o incluso en
composiciones de autores posteriores con marcado carácter intertextual.
El objetivo de esta comunicación es hacer un estudio más pormenorizado,
dado que existe bibliografía previa, sobre la presencia de este personaje en
distintas manifestaciones musicales localizadas en diversas regiones geográficas
hispanoamericanas. Observar las modificaciones que experimentan en todo
aquello relativo a la letra, el ritmo y el contexto transnacional en el que se
desarrollan para elaborar una imagen más precisa de un personaje que reaparece
en la música popular de lugares geográficamente distanciados.

45
Alicia Gutiérrez Rico. América revisitada en nuevas producciones de zarzuela: El
cantor de México (2017) y La Malquerida (2018). Nuevos productos culturales a
través de la hibridación y la desterritorialización cultural
En esta comunicación analizaremos la recepción contemporánea de dos
producciones recientes de zarzuelas con temática americana (El cantor de México,
con música de Francis López y libreto de Félix Gandera y Raymond Vincy, y La
Malquerida, de Manuel Penella) en Madrid y Oviedo, únicas ciudades con
temporada de zarzuela en la España actual.
La producción de El cantor de México de la temporada 2017/18, encargo del
Teatro de la Zarzuela, es obra del equipo creativo dirigido por Emilio Sagi que
llevó a cabo su producción en París en 2006, con inmenso éxito, en el mismo
escenario del Théâtre du Châtelet donde se había estrenado en 1951. La
Malquerida, zarzuela basada en la obra homónima de Benavente, también alcanzó
el éxito en su estreno en 1935 en el Teatro Victoria de Barcelona, gracias a su
trama de drama rural contemporáneo; sin embargo, la producción de Emilio
López de 2018 la ubica en el contexto rural mexicano de las producciones
cinematográficas del país azteca de los años treinta.
Revisaremos las imágenes de América que proyectan ambas producciones,
analizando su recepción y comparando ésta con la de sus respectivos estrenos en
1935 y 1951, y con la del montaje de El cantor de México en París en 2006. Las
conclusiones permitirán valorar el valor añadido de la hibridación cultural, sobre
todo, en el caso de La Malquerida, desterritorializada culturalmente por el
director de escena al ubicarla en el México coetáneo al estreno de la obra.

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Javier Gándara Feijóo. Alargada sombra del Siglo de Oro hispano: el personaje
gallego en el sainete lírico argentino (1900-1950)
El estereotipo gallego estuvo presente en el ámbito escénico de Argentina
durante la primera mitad del siglo XX. Tradicionalmente, se ha considerado que
su caracterización proviene de obras decimonónicas, pero tales rasgos derivan de
mucho tiempo atrás y de un territorio al otro lado del Atlántico: el Siglo de Oro
en Madrid. Esta comunicación analiza los elementos compartidos entre el galaico
del sainete lírico en la Argentina contemporánea y el mismo estereotipo en el
teatro barroco castellano. Para ello se emplea una metodología mixta, que
combina tanto aspectos musicológicos, como filológicos y propiamente
dramatúrgicos. Los principales resultados revelan que, a través de una estereo-
tipación teatral, se pueden detectar las interconexiones entre la Península Ibérica
y América durante más de cuatro siglos. Además, con la presente aportación se
ofrece un cuestionamiento de la todavía vigente división académica del pasado
por etapas (Edad Antigua, Media, Moderna y Contemporánea). Esta estruc-
turación no resulta eficaz para el tratamiento del personaje gallego, pues se corre
el riesgo de no mirar lo suficientemente atrás en el tiempo o no contemplar lo que
ocurrió después del período seleccionado.

Laura Miranda. El canto de la cigarra en los labios de Imperio Argentina. Una diva
en decadencia a ambos lados del Atlántico
Imperio Argentina está considerada la principal artista cinematográfica
iberoamericana de los años treinta. Interpretó papeles de mujeres españolas “de
raza” en musicales folclóricos dirigidos por su entonces marido Florián Rey y bajo

47
el paraguas de la productora CIFESA, que estableció estrechos vínculos
comerciales con Latinoamérica. Tras la separación personal y profesional de Rey,
la vida cinematográfica de la artista se fue apagando y nunca volvió a alcanzar los
colosales éxitos de sus películas anteriores.
A finales de la década de 1940, Imperio recibió una oferta para rodar varias
coproducciones argentino-españolas en Argentina, en realidad una continuación
de sus papeles folclóricos. Reafirmó entonces su capacidad como intérprete de
mujeres españolas y su incapacidad para evolucionar en el medio. Su declive
cinematográfico coincidió con el inicio de sus actuaciones radiofónicas
argentinas, mezcla de canciones de sus películas folclóricas y populares
hispanoamericanas. Al mismo tiempo, intentó relanzar su carrera en España con
la producción La cigarra (Rey, 1948). La película transcurre a ambos lados del
Atlántico y cuenta con destacadas estrellas de la época de Argentina y de España,
como los actores españoles Miguel Ligero y Tony Leblanc y los músicos
argentinos Francisco Lomuto y Alberto Rivera. Esta comunicación explora el
impacto de la música de cine en la difuminación de las fronteras culturales de la
región hispanohablante a mediados del siglo XX, utilizando como caso de
estudio a la artista transmedial, transnacional y transcultural Imperio Argentina
en La cigarra.

Alicia Pajón Fernández. Alberto Ginastera en la prensa de la transición española

Alberto Ginastera (Buenos Aires, 1916 - Ginebra, 1983) era un artista
conocido para el público español de la transición, tanto es así que el 24 de abril
de 1977 la Fundación March le dedicaba un concierto homenaje y en 1983 viajó
a España para el estreno de su Concierto para violonchelo, en una de sus últimas
salidas desde Ginebra. El compositor fue especialmente bien recibido por dos
periódicos con sede en Madrid: ABC y El País. Este último, ya en 1977, le llamaba
el “primer compositor hispanoamericano”, señalando la hibridación entre su
argentinidad y su cualidad como “músico mediterráneo”. Sus piezas,
programadas habitualmente, eran a menudo reseñadas en las críticas de los
diarios y, además, su prematuro fallecimiento hizo que su figura recibiera especial
atención mediática.

48
 La prensa generalista, como es su función, fue mediadora entre el público y
Ginastera, generando un discurso que contribuyó a la conformación de su
imagen. Por ello, estudiar su presencia en las páginas de los diarios nos ofrece la
información sobre cómo y cuándo se le programaba, y una evaluación de su
recepción por parte de la sociedad local. En este sentido, desde la teoría del
análisis del discurso (van Dijk, 2009) y de los géneros periodísticos (Gomis,
2008; Fernández, 2015), se analizarán los elementos valorativos, musicales y
personales, que contribuyen al tono laudatorio que la prensa estudiada expone
sobre el compositor. Asimismo, a través de las críticas, entrevistas y necrológicas
examinadas, se podrán observar algunos rasgos distintivos del periodismo
cultural de la época.

Susana de la Cruz Rodríguez. El Gaitero Llibardón a través de la prensa habanera.

Resimbolización de la cultura popular asturiana
El gaitero Llibardón (Ramón García Tuero, 1864-1932) fue el principal
referente de la música popular asturiana de su tiempo. Su visita a Cuba en 1907
fue ampliamente reflejada por la prensa habanera, la que ensalza su figura a la vez
que aporta datos relevantes sobre su actividad en la isla, como programas,
repertorios, géneros musicales, participación en el teatro, entrevistas personales,
etc. Esta visibilidad en fuentes cubanas (dirigidas por élites españolas) se
corresponde con el proyecto político neocolonial implementado en Cuba una vez
nacida esta como República (1902). Se trataba de resaltar una imagen no
colonizante de España potenciando el valor étnico-regional sobre el étnico-
nacional en su discurso identitario, por lo que en este ideario el gaitero y la gaita
se convirtieron en símbolos idóneos de la cultura norte peninsular.
Esta comunicación se propone estudiar, a partir de la aparición en prensa de
García Tuero, los siguientes aspectos: a) la repercusión de su visita a Cuba, la que
nos permite reconstruir una parte de su actividad musical y teatral, así como
indagar en su repertorio y conocer aspectos de su personalidad como artista que
no aparecen reflejados en otras fuentes; b) la idealización que la prensa realiza del
gaitero como aspecto central representativo de la cultura popular asturiana. Nos
apoyaremos en los trabajos sobre la emigración, el asociacionismo regional y el
análisis de los discursos de identidad en estos grupos étnicos en M. Llordén

49
Miñambres (2008), X.M. Núñez Seixas (2017), J.A. Blanco (2021), N. Canclini
(2001), así como A. García Sánchez (2020) y A. García Torres (2022), en el caso
de las idealizaciones en músicas del ámbito rural.

La instauración de las dictaduras en los países del Cono Sur Americano tuvo
un impacto directo en la música y los músicos de la región. Comienza así lo que
se denomina el período de migración política de los setenta, dentro del cual
diferentes artistas debieron abandonar sus países porque, de una forma más o
menos directa, las autoridades de turno les hicieron notar que sus ideas no se
adecuaban y no iban a tener espacio en el régimen que acababan de establecer por
la fuerza. No fueron pocos los compositores e intérpretes de música académica y
popular que eligieron España como destino de su exilio o migración forzada. En
esta mesa se propone abordar los procesos de inserción en el mercado y la vida
cultural española de algunos de los protagonistas de la migración política
sudamericana que formaban parte de diferentes escenas y tendencias musicales;
asimismo, se atenderá a la repercusión en los países de origen de su actividad en
la península. Para este estudio se toma como referencia el trabajo de Toynbee y
Dueck (2011) en cuanto a que el estudio de las conexiones que las prácticas
musicales establecen en la cultura de recepción debe tener en cuenta a las personas
que las llevan a cabo, las relaciones que se establecen entre géneros musicales y el

50
proceso de mediación que se generan, especialmente, a través del mercado del
disco. De esta forma proponen una división del estudio de las músicas migrantes
basada en cuatro aspectos: emigrantes, traducción, medios y ciudades; tomando
como referencia la capacidad de resiliencia y de agencia de las personas y las
músicas migrantes.

Andrea Bolado Sánchez. Músicas y músicos del Cono Sur Americano en el

desarrollismo español
La llegada a España del importante flujo musical de Argentina, Chile y
Uruguay durante el período de migración política de los setenta estuvo precedida
por la acción directa de músicos que se radicaron temporalmente en la península
durante la década anterior. Para abordar este contexto es necesario tener en
cuenta la presencia de músicos de los países mencionados en cuatro de las escenas
españolas de la época: música académica, música para cine, pop-rock y folclórica.
Dentro de estos ámbitos, además de prestar atención a las personas y su
trayectoria, nos centraremos en cómo la traducción al entorno español de la
actividad desarrollada por los músicos migrantes en su país de origen genera o
colabora con la consolidación de nuevas propuestas. En este sentido,
destacaremos la acción en torno a las nuevas tendencias compositivas en el ámbito
académico, la contribución a los géneros bailables juveniles y la introducción de
una canción con compromiso social y raíz folclórica. En esta comunicación,
además del panorama global, nos detendremos en músicos como Atahualpa
Yupanqui, Horacio Guarany o Jorge Cafrune, ya que, además de ser referentes
del boom folclórico argentino en España, en su accionar y producción confluyen
aspectos que son ejemplos representativos de los factores mencionados por
Toynbee y Dueck, tales como: su asentamiento e interacción con el mercado
musical español, la demarcación de un repertorio (género) que busca ser puente
entre el ámbito de procedencia y el de recepción, y la acción de las empresas
discográficas que buscaban dar forma a un mercado hispanoamericano.

51
Juliana Guerrero. La música folclórica argentina en España en tiempos de
dictadura: una lectura a través de la revista Folklore
El folclore argentino forma parte de la música popular y durante la década de
1960 se consolidó dentro de ese campo junto a otros géneros musicales. Entre los
diversos medios de comunicación dedicados a ese fenómeno, se destaca la edición
de la revista Folklore, desde 1961 (coincidente con lo que se conoció como el boom
del folclore) hasta 1981, durante la última dictadura cívico-militar. Folklore se
conformó entonces como una publicación emblemática en la divulgación de esa
música, que sirvió de plataforma de visibilidad de los artistas y en donde, además,
se difundieron sus actividades.
En esta comunicación se ahondará en el papel de la prensa como elemento
mediador de la actividad que realizan los músicos emigrados. Puntualmente se
propone un análisis de la proyección internacional de la escena musical folclórica
argentina durante la última dictadura militar (1976-1983), a partir de una lectura
crítica de la revista Folklore. El estudio busca evaluar el compromiso ideológico
por parte de algunos músicos que sufrieron el exilio en España durante la
dictadura militar argentina, a la hora de ser considerados por dicha revista. Así,
se pretende aportar nuevos elementos a la difusión de las actuaciones y las
grabaciones de artistas folclóricos argentinos en Europa, haciendo hincapié en los
procesos de transculturación y migración de las prácticas musicales.

Daniela Fugellie. Gabriel Brnčić (1942): el exilio y las circulaciones de la música

electroacústica entre España y el Cono Sur
Tras el golpe militar de Chile el 11 de septiembre de 1973, el cual terminó
con el gobierno de Salvador Allende, Gabriel Brnčić debe exiliarse en España. El
compositor y su familia se instalaron en Barcelona, donde Brnčić fue un pionero
del desarrollo de la música electroacústica a partir de su trabajo en el Laboratorio
Phonos (posteriormente Fundación Phonos). Allí, pone en práctica su
experiencia en este campo iniciada en Chile y profundizada esencialmente en
Argentina entre 1965 y 1974, donde, entre otras tareas, fue becario y docente del
Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto
Di Tella, reconocido centro de la vanguardia y del desarrollo temprano de la

52
música electrónica latinoamericana. En este sentido, y en línea con la propuesta
decolonial de Aníbal Quijano (1992), podríamos afirmar que Brnčić fue un
conquistador a la inversa, en cuanto llevó hacia Cataluña un conocimiento
privilegiado sobre una corriente musical por entonces escasamente desarrollada
en la región europea, contribuyendo sustancialmente a su desarrollo. En la
ponencia se ahondará en la participación de Brnčić como creador, docente y
gestor, en el desarrollo de la música electroacústica en España, como también en
su rol de puente entre las escenas electroacústicas de España y del Cono Sur tras
el retorno de la democracia en Chile, a partir de la década de 1990.

María Fouz Moreno. Juan José García-Caffi. Primera década en el cine español
(1976-1985)
Juan José García-Caffi llega a España a mediados de los años setenta, después
de desarrollar una extensa actividad musical en Argentina, dentro de la cual
sobresale su papel como creador e integrante del Cuarteto Zupay, uno de los más
destacados grupos vocales de la historia de la música argentina. En los primeros
años en España desarrolla actividades para el Ministerio de Cultura (compone,
dirige y adapta obras sinfónicas para el Teatro y la Danza), para el Ballet
Nacional (recopilación, adaptación y orquestaciones de música para bailes de la
Escuela Bolera Española de los siglos XVIII y XIX), además de su trabajo como
director de orquesta. Paralelamente a toda esta actividad musical, desarrolla una
carrera destacada dentro de la industria cinematográfica española, donde
compone alrededor de sesenta bandas sonoras para películas, cortometrajes y
series televisivas. En esta comunicación nos acercaremos a la adaptación del
espacio compositivo de este artista a un nuevo ámbito cultural y, para él, a un
nuevo lenguaje de comunicación como es el audiovisual. En este sentido,
proponemos estudiar su estilo compositivo relacionándolo con su concepción de
la música para cine y el papel que ésta desempeña en el proceso de construcción
audiovisual. Para ello, analizaremos algunas de las películas más significativas en
las que participa, para así apreciar los recursos expresivos del cine de la época que
emplea; a qué tópicos musicales recurre para apoyar el discurso dramático; y
cómo conjuga ambos espacios sonoros en la estructura narrativa del filme.

53
Iván César Morales Flores. Julián Orbón y Louis Aguirre. De lo hispano-
americanista a lo afro-carnático. Neoclasicismo, exilio, diáspora y (des)colonización
de un clavicémbalo de los siglos XX y XXI
La Partita n.º 1 (1963) de Julián Orbón (1925-1991) y la pieza Eshu-Elegua
(2003) de Louis Aguirre (1968), ambas ideadas para clavicémbalo solo, marcan
en un ámbito temporal de cuarenta años la concurrida trayectoria del espacio
compositivo del exilio y la diáspora cubana de los siglos XX y XXI. En sus
itinerarios transatlánticos, de Asturias a La Habana, Ciudad de México y Miami,
el primero, y de Camagüey a Ámsterdam y Aalborg, el segundo, el tradicional
perfil de tan representativo instrumento de tecla y cuerda pulsada se resignifica
en la confluencia (des)colonizadora de nuevas prácticas sonoras contemporáneas
en, desde y hacia el continente americano. Desde la herencia de un neoclasicismo
hispánico (por el que transitan Antonio de Cabezón, Domenico Scarlatti o
Manuel de Falla) hasta el afloramiento de una concepción afrocubana y carnática,
las obras a las que aquí nos acercamos no sólo nos ayudarán a revelar dos
momentos sustanciales de la historia de la música académica contemporánea
cubana, sino dos singulares expresiones de los cruces, encuentros e hibridaciones
músico-culturales que, en torno a un único instrumento (barroco y europeo por
excelencia) se producen en el expandido espacio transcultural y transfronterizo
que identifica el quehacer musical de la mayor de las islas caribeñas.

54
Manuel J. Ceide. Relatos de un paisaje asesinado. Metamorfosis y resistencia a
partir de una partitura gráfica de Rafael Aponte Ledée
Relatos de un paisaje asesinado, compuesta en Puerto Rico en 1976, es
paradigmática como ejemplo de obra musical gráfica, resultado de la simbiosis
entre el trabajo plástico del pintor Wilfredo Chiesa, la aportación literaria de
Tomás López Ramírez y la creación musical del compositor Rafael Aponte
Ledée. La presente ponencia propone una exploración de la partitura, olvidada
por décadas dentro de los circuitos de producción, a manera de obra abierta,
donde las distintas propuestas que la constituyen se encuentran y se separan,
dando lugar a nuevas formas sonoras de manera constante. La biografía
artística, intelectual y política de Aponte Ledée, unida a la fuerza del título de
la obra, convierten la partitura y sus procesos de montaje en laboratorio de
resistencia y utopías, un documento sonoro de la actividad artística y política
en el Puerto Rico de los setenta.
La recuperación de la obra por parte del grupo de cámara Álea 21, brinda
posibilidades de análisis en cuanto a los procesos de realización e interpretación
de partituras gráficas, abriendo espacios a procesos y discusiones de autorías
compartidas. Al mismo tiempo, este viaje sonoro por tiempos recientes sitúa la
composición como obra clave dentro del repertorio del grupo, a manera de taller
de iniciación para sus miembros, como consecuencia de un proceso de
identificación estética. Relatos de un paisaje asesinado, en cuanto que obra abierta,
representa una ventana más invitando a entrar al interior del complejo edificio
que representa la vanguardia musical en el Caribe.

Daniel Moro Vallina. La improvisación colectiva como espacio de hibridación

cultural: el caso del músico argentino Adolfo Reisin
La figura del director, pedagogo e improvisador Adolfo Reisin (Buenos Aires,
1936 - Gijón, 2020) representa un ejemplo de hibridación cultural entre
Argentina y Europa en el ámbito de ciertas prácticas contemporáneas de
vanguardia. Formado inicialmente en el Teatro de los Independientes de Buenos
Aires a inicios de los años sesenta, su trayectoria continuó con un viaje a París
para entrar en contacto con el GRM y las experiencias de la música concreta.

55
Posteriormente, en 1967, volvería a la Argentina para trabajar en algunas
propuestas de teatro-danza estrenadas en el Instituto di Tella. En esta época
Reisin ideó un modo personal de improvisación colectiva influenciado por su
trabajo en la escena, que luego desarrollaría definitivamente en un nuevo viaje a
Francia a finales de los años setenta. Su condición de músico de frontera y la
interdisciplinaridad con la que concibió la improvisación colectiva (práctica en la
que fusionó tradiciones tan distintas como la libre expresión corporal o la noción
de objeto sonoro de Schaeffer) le convierten en un interesante caso de estudio
para ser abordado desde los conceptos de des/reterritorialización (Canclini,
1990), transculturación (Martí, 2004) o identidad cultural (Hall, 1996). En esta
comunicación analizo la práctica musical de Adolfo Reisin como un espacio de
cruce de distintos significados estéticos e ideológicos, en conexión con la realidad
argentina de aquellos años: por ejemplo, la creciente politización de las
manifestaciones artísticas del Di Tella o la militancia del autor en grupos como
el FATRAC (Frente Antiimperialista de los Trabajadores de la Cultura).

Carlos Martínez Domingo. Intermedialidad e identidad en la música para guitarra

de Leo Brouwer
Leo Brouwer (La Habana, 1939) es una de las figuras más relevantes del
panorama compositivo iberoamericano, con una contribución que va más allá del
repertorio guitarrístico y atraviesa diferentes etapas y estilos. Reconocido por su
originalidad y su exploración de nuevas formas de expresión musical, posee un
amplio catálogo que bebe de fuentes extramusicales (Gutiérrez Faxas, 2013; cf.
Meléndez Carrillo, 2014; Wistuba-Alvarez, 1989). Además, en su música se ha
visto una importante influencia de lo popular, llegándose a hablar, incluso, de
cubanidad (Patiño Espino & Espinás Valdés, 2013; Wistuba-Álvarez, 1991).
En este plano, uno de los conceptos que más puede aportar a la discusión
sobre el significado y la identidad en música es el de intermedialidad (Rajewsky,
2011), ya que a partir de las relaciones entre diferentes medios artísticos se
entretejen significados que tienen incidencia en la construcción de imágenes sobre
lo propio, lo ajeno y lo común. Así, analizaremos cómo la presencia de referencias
intertextuales e intermediales, especialmente literarias, influyen en la creación de
la identidad en la obra para guitarra de Brouwer. Se espera que los resultados de

56
esta investigación contribuyan a una mejor comprensión de la obra de uno de los
compositores más relevantes de la música contemporánea y de la relación entre
distintas formas de arte en la creación de una identidad cultural iberoamericana
que, más allá de tópicos, se abre a diferentes lenguajes artísticos.

Participantes: Javier Marín-López, Montserrat Capelán, Paulo Castagna

(editores), Marcela González Barroso (autora participante).

La historia musical de Iberoamérica –entendida no sólo como espacio

geográfico sino también como comunidad cultural global– ha estado deter-
minada por una extensa y diversificada red de comunicaciones que mantenía
interconectada una pluralidad de regiones y ecosistemas. Partiendo del enfoque
interpretativo de las redes de intercambio, este volumen analiza cómo la
existencia de rutas de comunicación moldeó la movilidad de músicos, repertorios,
prácticas e ideologías, configurando una dinámica y compleja estructura reticular
que permite entender el universo sonoro iberoamericano como parte de un
conjunto interaccionado.

57
Javier Soriano. La edición crítica del repertorio organístico de José Mauri Esteve
(Valencia, 1855 - La Habana, 1937): enfoques metodológicos para la restauración
de un texto musical
El legado musical de José Mauri Esteve (Valencia, 1855 - La Habana, 1937)
ha enfrentado un deterioro significativo a lo largo del tiempo, lo cual ha
dificultado su estudio y ejecución. En un esfuerzo por recuperar y preservar este
patrimonio, he llevado a cabo un meticuloso proceso de restauración, que ha
incluido la edición crítica de sus obras, la reconstrucción del material musical
ilegible o ausente y el análisis de los elementos presentes en sus composiciones
mejor conservadas. A lo largo de este proceso de restauración, identifico diversas
prácticas interpretativas y enfoques en el tratamiento del texto musical, que
evidencian una relación estrecha con los variados espacios sociales en los que
Mauri desarrolló su actividad compositiva. La discusión historiográfica en torno
a su identidad española y la necesidad de probar su cubanía en estos espacios
múltiples considera la relevancia de sus conexiones transatlánticas y su movilidad
constante entre varios países de Europa y las Américas. Un análisis llevado a cabo
durante la restauración de su repertorio organístico reveló la presencia de
indicadores de interpretación y de tratamiento del texto fuertemente asociadas al
culto católico como espacio académico. Su apego a los estilos clasicistas y la
simultaneidad de su obra en espacios como el teatro, la iglesia, el salón y las
instituciones militares, entre otros, evidencian las consciencias múltiples de las
sociedades cubanas del siglo XIX. La ponencia pone en perspectiva las diferentes
metodologías para la restauración de varias obras para órgano de Mauri, desde
aspectos intrínsecos al propio texto hasta la reconstrucción de esa memoria social,

58
evidenciando la pluralidad de su obra y su relación con los ámbitos diversos en
los que se desenvolvió.

John Koegel. Cruzando las fronteras de norte a sur y de sur a norte: Mexican Wind
Bands, Politics, Recordings, and Revolution across the U.S.-Mexico Border, ca. 1900-
1930
Wind bands were an integral component of the turbulent politics and
bellicose currents that dominated the late Porfiriato—the dictatorship of
General Porfirio Díaz (1876-1911)—and the Mexican Revolution, and close
examination of digital sources, including recordings, reveals how band music was
used by political and military factions as a form of soft power control, as public
entertainment and artistic edification, and to heighten the rituals of daily life and
extraordinary occurences at concerts, serenades, parades, bullfights, horseraces,
battles, executions, and other public and private events. Four case studies
elucidate the importance of wind band music in Mexico circa 1900-1930,
especially along the northern border with the United States.
The history of Mexico City’s famous touring Banda de Policía and its
illustrious director Velino M. Preza, who together made more than 200
recordings circa 1907-1928, demonstrates how musical excellence and a wide
musical repertory embracing popular and classical music were maintained at the
same time that political and personal allegiances and methods of financial
patronage were shifting radically in Mexico under successive governments. Three
other case studies examine the use of wind band music at important moments in
the inter-connected histories of the border cities of El Paso, Texas, and Ciudad
Juárez, Chihuahua: at the Díaz-Taft presidential meeting in 1909 (the first time
Mexican and U.S. presidents met in person); at the Battle of Juárez in 1911,
which led to Porfirio Díaz’s downfall; and with Alfredo Pacheco’s performances
in El Paso in 1916 during another violent highpoint during the Revolution.

59
Ricardo Álvarez Bulacio. Bandas de bronces y “artivismo” en Valparaíso (Chile):
del militarismo a los movimientos sociales
Existen antecedentes de la presencia de bandas de bronces en la Región de
Valparaíso desde el siglo XIX asociadas, en sus comienzos, a la Armada de Chile.
Luego de dos siglos de su nacimiento, en la ciudad se observa un incremento en
el número de estas agrupaciones, ahora integradas por jóvenes que han
resignificado estas sonoridades representativas de las marchas convocadas por
movimientos sociales en contra de la privatización de la educación, la sequía en la
región y la lucha contra el patriarcado, entre otras; como sonido principal en
celebraciones religiosas y populares; o como parte de agrupaciones de música
popular de diferentes géneros como hip hop, cumbia y techno-pop.
Esta investigación busca indagar en las posibles causas que explican el
aumento de las bandas de bronce juveniles en Chile durante este siglo y su
participación durante la crisis política de 2019-20, centrándose en dos estudios
de caso radicados en Valparaíso: banda La Bandalismo y banda San Pedro. La
metodología incluyó entrevistas a integrantes de estas bandas; grabaciones de
trabajo de campo en sus presentaciones; análisis musicales de su repertorio y
colaboraciones con otros artistas; y revisión bibliográfica de la historia de las
bandas de bronces en el país. Los primeros resultados de este proyecto de
investigación evidencian la relevancia de las bandas de bronce en Valparaíso al
haber sido representativas del nexo entre estas agrupaciones con los movimientos
sociales chilenos desarrollados como forma de resistencia en las calles desde los
últimos cuarenta años (La Bandalismo durante la dictadura militar en los ochenta
y banda San Pedro en la reciente revuelta social de 2019).

Luciana Fernandes Rosa. Trânstitos e hibridismos na formação do gênero choro: O

percurso das danças europeias no Brasil
O gênero choro é um exemplo emblemático dos trânsitos culturais entre
diversos países europeus e América Latina, sendo considerado o primeiro gênero
da música urbana brasileira. Surgido em meados do século XIX o choro era uma
prática musical, sendo que o termo poderia denominar o evento em si, o grupo de
músicos ou ainda a maneira de tocar as danças europeias que aportaram no Brasil,
com a instalação da corte portuguesa no país. Transportadas dos salões de baile

60
aristocráticos para o cotidiano das festas familiares da classe média emergente no
Rio de Janeiro oitocentista, a polca da Boemia, a schottisch alemã, a quadrilha
francesa, a valsa vienense, a mazurca polonesa, a zarzuela espanhola e o tango
latino se disseminaram no Brasil e sofreram influências do povo negro e mestiço
através das práticas corriqueiras no país, como o lundu e os diversos batuques.
Ao serem incorporadas por compositores brasileiros, as danças europeias
adquiriram características próprias e até terminologias híbridas, como polca-
lundu, polca-cateretê, polca-habanera, tango chulo e tango brasileiro, e que
posteriormente culminaram na consolidação do choro como gênero
musical. Compositores como Henrique Alves de Mesquita, Chiquinha Gonzaga,
Ernesto Nazareth e Joaquim Callado foram expoentes destes hibridismos,
tornando-se notáveis por realizarem a síntese das influências europeias em uma
música considerada posteriormente como genuinamente brasileira. O objetivo
desta comunicação é observar como ocorreram essas transformações e através de
quais influências sofreram, além de elencar os principais compositores e músicas
que ilustram este período. Serão utilizados os referenciais teóricos de Alexandre
Gonçalves Pinto (1936), Batista Siqueira (1969), Ary Vasconcelos (1977),
Monica Vermes (2011), Rafael M. Bastos (1997) e José Ramos Tinhorão (1998),
entre outros autores.

61
Isaac Diego García Fernández. Reflexiones sobre sonido e identidad a través de la
creación musical de Jaime Oliver La Rosa
La presente comunicación aborda algunos procedimientos creativos del
compositor y artista sonoro de origen peruano Jaime Oliver La Rosa (Lima,
1979), profesor en la Universidad de Nueva York (NYU) que desarrolla su
carrera artística a caballo entre los circuitos de música experimental de Perú y
Estados Unidos (con importantes conexiones con proyectos en España). El
trabajo sonoro de Oliver se desarrolla en el campo de las nuevas tecnologías
aplicadas a la composición musical mediante el uso de software y hardware de
código abierto. Sus creaciones, que basculan entre la instalación sonora, la
performance, el paisaje sonoro y la composición para instrumentos y electrónica,
buscan reflexionar sobre diversos aspectos identitarios de la cultura peruana vista
desde la doble perspectiva global-local. Desde este enfoque, resulta especialmente
interesante el empleo de marcadores sonoros, que funcionan a modo de huellas
más o menos reconocibles, y que permiten al autor problematizar las conexiones
entre sonido e identidad. En la comunicación se presentan los resultados de los
análisis de las obras 2001- A Third World Odyssey (2017), Caracoles iv (2018) y
Silbadores 1-5 (2001-2019). En última instancia, se aspira a abrir espacios de
reflexión y debate sobre la adhesión de Oliver al contexto de la escena de música
experimental neoyorquina desde su posicionamiento como artista
latinoamericano, en lo que Marc Giral (2010) argumenta como una tensión entre
el universalismo estético y el multicul-turalismo estadounidense, y donde el
concepto de cosmopolitismo se revela como un mecanismo posible.

62
Ricardo Escorcio Pereira. Signos de la cultura iberoamericana en El maleficio de
la luna roja del compositor Francisco Rodrigo Arto (1938): rasgos de identidad,
hibridación y policentrismo
La presente comunicación tiene por objeto abordar la interacción entre
tópicos europeos y venezolanos en El maleficio de la luna roja (1995), poema
sinfónico creado por Francisco Rodrigo Arto (Valtierra, 1938) y basada en la
novela La luna de Fausto del psiquiatra y escritor venezolano Francisco Herrera
Luque (Caracas, 1927-1991); dicha obra fue premiada en el Concurso de
Composición Musical de la Fundación Francisco Herrera Luque (Caracas,
1995). Para ello, se emplea el análisis del significado musical propuesto por Julio
Ogas en su artículo “Identidad, hibridación y policentrismo. Una propuesta de
análisis semiótico desde la música latinoamericana del siglo XX”, publicado en la
Revista de Musicología (2005). Dicho análisis tiene como finalidad estudiar la
forma en que el material compositivo propuesto por Rodrigo Arto es introducido
y tratado en el poema sinfónico como forma descriptiva, y su relación con el
contexto y las circunstancias que rodean a la obra literaria. Se pretende así
demostrar la transformación del contenido musical, producto del proceso
creativo y estético asumido por el compositor en cuanto a las referencias de la
tradición musical tanto europea como venezolana.

Alfonso Pérez Sánchez. El tempo en el Huapango de Moncayo. Una revisión de

la praxis interpretativa desde la musicología sistemática a partir del análisis de
referentes sonoros
El propósito de esta ponencia es contextualizar una muestra de grabaciones
representativas del Huapango de Pablo Moncayo, desde la musicología
sistemática, para señalar la divergencia interpretativa que ha tenido con el paso
del tiempo. El ejemplo más destacado ocurre en la parte central (n.º de ensayo
37-44), donde el tempo marcado por los directores de orquesta menguó conforme
pasaron las décadas desde su estreno por Carlos Chávez en 1941, dado que en
antaño la interpretación de esa parte se acercaba más al son jarocho referenciado
por Moncayo; en contraste, las grabaciones actuales se alejan de tales vestigios
sonoros para dar paso a una reconfiguración estructural. Gracias al análisis

63
sonoro efectuado, podemos sugerir que hoy dicho huapango parecería asumir
una estructura tripartita, común a obras de concierto: allegro-lento-allegro.
Aunque se podría argumentar que eso la separa de los referentes originales del
son, por otro lado encaja con una estructura común a la música sinfónica por lo
que, en las versiones actuales pervive la esencia de lo glocal pues, aunque los
referentes folclóricos siguen presentes al ser inherentes a la partitura, los tempos
han ido adaptándose para darle un carácter único a la pieza. Una de las razones
es que el compositor indicó un meno para dicha parte, pero sin dar una indicación
metronómica, lo que ha obligado y permitido que el estilo de interpretación se
haya ido moldeando con el paso de los años.

Carlos Villar-Taboada. Música desnuda y aires bucólicos en el último Rodolfo

Halffter, 1979-1982
El trayecto creativo de Rodolfo Halffter (1900-1987) en México, adonde se
exilió tras la Guerra Civil, desarrolló una personal hibridación entre un
neoclasicismo imbuido de colorido español (por su orientación historicista y por
guiños de ascendencia folclórica) y una decidida apuesta por la experimentación
vanguardista a partir de la técnica dodecafónica. Al final de su vida, y reconocidas
ya sus aportaciones magisteriales a ambas orillas del Atlántico, se observa un
último paso en su camino hacia la depuración técnica en la línea antedicha,
definida desde la crítica como “música desnuda”. Con conexiones intertextuales
en varios niveles, entre sus últimas composiciones se observa un componente
poético de corte clásico combinado con sonoridades teñidas de cierto tono
bucólico por su sesgo tímbrico (con protagonismo de oboe o flauta), la
transparencia de su plan macroformal (que no oculta repeticiones) y la
doblemente paradójica espontaneidad de su organización microestructural, aún
deudora de esquemas seriales. Así, se propone una aproximación comparativa y
analítica a tres obras: Epinicio (1979), para flauta sola, ...huésped de las nieblas...
(1981), para flauta y piano, y Égloga (1982), para oboe y piano. A lo novedoso de
la selección del repertorio estudiado, se añade la opción metodológica escogida,
que, en correspondencia con el dualismo creativo de las piezas, concilia Pitch-
Class Set Theory y Topic Theory. Como resultado, se ponen al descubierto los

64
procedimientos constructivos que ordenan estas piezas y los diálogos que
establecen con sus referentes artísticos.

Diego García-Peinazo. Sur (com)partido: Andalucía y América Latina en las

Canciones de ida y vuelta del grupo sevillano de punk-rock Reincidentes
Esta comunicación examina la forma en que determinados discursos del sur
en torno a Andalucía y América Latina son conectados a través de la música
popular urbana, focalizando en el estudio de caso del fonograma América:
Canciones de ida y vuelta (2008) del grupo sevillano de punk-rock Reincidentes,
álbum compuesto de versiones de canciones de diferentes grupos y solistas de
países como Argentina, Brasil, Chile, Cuba, México, Perú, Uruguay y Venezuela.
Tras ubicar a Reincidentes dentro de los discursos y epistemologías del sur desde
una perspectiva social y política, y presentar el contenido del disco, este estudio
se centra en el análisis musicológico en tres canciones pertenecientes a países del
Cono Sur Americano, a saber, “Yo te nombro”, de Gian Franco Pagliaro
(Argentina), “Todos juntos”, de Los Jaivas (Chile) y “Comerse un buey”, de La
Chancha (Uruguay), así como su versión de la “Plegaria a un labrador” de Víctor
Jara (no incluida como versión en este disco, sino publicada con anterioridad por
Reincidentes). Tomando en consideración postulados teóricos sobre la canción

65
popular grabada, sobre la versión en la música popular y sobre la transfonografía,
propuestos por Moore (2012), López-Cano (2018) y Lacasse (2018),
respectivamente, se propone el concepto de versión migrante para acotar estas
expresiones musicales intertextuales construidas en base al diálogo y a la disputa
en torno al territorio, y que articulan espacios híbridos para la resignificación
social y política.

Marco Antonio Juan de Dios Cuartas y Carlos Andrés Caballero Parra.

Procesos de intertextualidad en la producción de música tropical colombiana: el caso
de Discos Fuentes
Discos Fuentes representa el sello discográfico más relevante de la historia de
la producción musical de Colombia. Fundado en Cartagena de Indias en 1934
atesora un extenso catálogo de grabaciones que llega hasta la actualidad (Sans y
Parra, 2022). Los géneros que vinculamos a la música tropical colombiana se
presentan en muchos casos inmersos en diferentes procesos de intertextualidad.
La cita se identifica como recurso habitual en cumbias y vallenatos, como
homenaje a otros autores o con un carácter autorreferencial. Fijando el foco en el
caso de Discos Fuentes, pretendemos estudiar el propio catálogo discográfico
como referencia intertextual desde la perspectiva de la producción musical y en el
contexto del estudio de grabación. En este sentido, haciendo alusión a la
categorización de Lacasse (2000), pretendemos centrarnos no sólo en las citas
alosónicas en cuanto a incursiones de líneas melódicas de una obra en otra
(referencias a mambos u otras secciones instrumentales), también en las citas
autosónicas derivadas de diferentes técnicas de grabación: a través de técnicas de
sampling u otras técnicas derivadas de la utilización de efectos, el empleo de la
reverb o las técnicas de edición tanto analógica como digital como marca sonora.
La comunicación muestra los resultados del proyecto de investigación Discos
Fuentes en la memoria sonora de Colombia, desarrollado en el Instituto
Tecnológico Metropolitano de Medellín, en el que se analiza la cita como recurso
de producción dentro del estudio de grabación, distinguiendo aquellos casos en
los que la mediación tecnológica pasa a formar parte de la referencia intertextual.

66
Francisco J. Bethencourt Llobet. Cuestiones de autenticidad y tecnología: artistas
que se suman al panorama actual con producciones electrónicas
En la actualidad, encontramos numerosos artistas como Rocío Márquez, Israel
Fernández, Kiki Morente o Valeria Castro que actualizan su sonido al trabajar
junto a productores como Bronquio, El Guincho, Enrique Heredia y Alejandro
Acosta. Al igual que hizo en su momento Enrique Morente junto al productor
Carlos Jean en el Pequeño Reloj (2003) y, a posteriori, en su disco Pablo de Málaga
(2008) (Bethencourt, 2020; Juan de Dios-Espiga, 2021; Ordoñez eds., 2022), estos
artistas están moviendo cimientos de sus culturas musicales, analizables desde una
doble lectura del concepto de autenticidad (como construcción cultural e histórica),
produciendo álbumes que podríamos conceptualizar de hibridación transcultural
(Steingress, 2004). En relación al concepto de tecnología, estos jóvenes artistas-
productores no sólo enriquecen sus proyectos con influencias de productores
americanos y británicos, sino que mezclan instrumentos acústicos y la electrónica,
la cual forma parte de su identidad múltiple (Bethencourt, 2011; Escobar-Borrego,
2021). En esta comunicación analizaremos sus espacios de trabajo, estudios-locales
de ensayo, que nos ayudan a comprender el trabajo de sus actuaciones en directo,
de qué modo se utiliza la electrónica en sus directos o si hacen versiones más
acústicas en escenarios como el Teatro Pavón y el Festival de las Noches del
Botánico de Madrid.

Ugo Fellone. El nomadismo genérico de Nathy Peluso

A pesar de empezar a hacerse conocida con canciones encuadrables en el hip
hop, la argentina Nathy Peluso ha articulado su carrera alrededor de canciones de
géneros dispares como la salsa, el soul, la bachata, el pop tradicional, el reggae o el
tango. Para analizar el modo en el que este eclecticismo opera, esta comunicación
se nutrirá de las ideas de Kronengold sobre la naturaleza metagenérica de los
géneros, las cuales se revelan especialmente operativas para hablar de artistas
concretos. Así, se mostrará el modo en el que, fruto de una posición concreta en
el sistema de géneros musicales, Nathy Peluso es capaz, no tanto de “performar”
una persona musical distinta en cada canción, sino de alimentar una única
persona musical por medio de un ensamblaje de corrientes musicales que

67
permiten subrayar facetas que a primera vista podrían parecer contradictorias.
Esto nos permitirá reflexionar hasta qué punto su posición se puede extrapolar a
una actitud generacional (fruto del omnivorismo cultural y la búsqueda de
plenitud del neoliberalismo), a su autoproclamado carácter nómada (como latina
residente en España) o al aura supragenérica que, según Toynbee, las estrellas del
pop tienen desde al menos hace medio siglo.

68
 Programa de concierto
AULA MAGNA – 18:30
Compositoras latinoamericanas

Magaly RUIZ (Santa Clara, Cuba, 1941)

Preludio

Montserrat CAMPANY (Barcelona, 1901 – Buenos Aires, 1995)

Cuarteto
Allegro moderato
Cantado
Allegro

Eleonora COLOMA (Santiago de Chile, 1971)

Cuarteto de la luna
La luna
Cráteres
El lado oscuro
Los astros
El espacio
El sol
Dentro de la luna
En la luna

Jimena CONTRERAS (Ciudad de México, 1986)

Circum Vitae

69
Adriana FIGUEROA (Mendoza, Argentina, 1966)
Tango Suite
Allegretto
Adagio
Allegro
Vivace

Nubia JAIME (Hermosillo, Sonora, 1984)

Alcatraz

INTÉRPRETES:

CUARTETO VETUST4X
Helena Maseda - saxofón soprano
Andrea Gómez - saxofón alto
Rubén Sánchez - saxofón tenor
Santiago Álvarez - saxofón barítono

Aula de Música Iberoamericana Grupo Oviedo

70
Nicolás Francisco Masquiarán Díaz. “Aquí se movían bosques completos”: música
y memoria subalterna en las poblaciones del Gran Concepción
Esta propuesta interpela las narrativas oficiales sobre músicas de resistencia
chilenas cultivadas durante la dictadura de Augusto Pinochet (1973-90)
(especialmente Nueva Canción y Canto Nuevo) y su representatividad de las
realidades sociales que declaran retratar. Nos preguntamos si es posible un discurso
sobre la experiencia de la dictadura enunciado por los propios sujetos populares en
lugar de agentes externos y si puede ser la música un medio eficaz para relevarlo.
Desde ahí y a partir de una indagación en las prácticas musicales desarrolladas en
sectores periféricos del Gran Concepción, se explora la posibilidad de acceder a un
discurso subalterno sobre la experiencia de la dictadura.
Si bien la consideración de la música como fuente histórica no es
innovadora, otras investigaciones sobre el periodo (Bravo y González, 2011;
Díaz, 2007; González, 2017) han preferenciado músicas mediatizadas y la
ratificación de un relato historiográfico preexistente. Acá, en cambio, se explora
la posibilidad de validar a sujetos subalterizados como actores sociales y
políticos con voz y agencia autónomas.
Se analizan testimonios procedentes de cuatro sectores poblacionales,
asumiendo el enfoque subalterno (Guha, 2002; Spivak, 2003) y la historia del
tiempo presente como marcos para acceder a la historia desde lo vivido
(Aróstegui, 2004), en el cruce de los registros individuales, generacionales y
transgeneracionales (Fazio, 2010) que convierten estas vivencias en “vector de
conciencia histórica” (Ovalle, 2018). Luego se contrastan con una muestra de
repertorios como fuentes depositarias de una memoria social productora de
significados sobre las experiencias humanas (Connerton, 1989).

71
Amaya Carricaburu Collantes. Punto cubano y medios de comunicación en el siglo
XX. Oralidad, modelos y estereotipos
El punto cubano es un género de tradición oral que identifica al sector
campesino por excelencia y está basado en la improvisación cantada de décimas
acompañada de instrumentos de cuerda y percusión. El siglo XX supuso para el
género notables cambios en sus tradicionales escenarios de socialización. La
figura del trovador o juglar campesino que recorría los pueblos en busca de
canturías y fiestas diversas, se fue modificando hasta convertirse en ídolo de
multitudes. Un importante papel jugó en ello, en primer lugar, las grabaciones
comerciales (que dieron inicio apenas iniciado el siglo) y, más tarde, la llegada de
la radio y la televisión. Estos medios de difusión cambiaron las reglas del juego,
propiciando la creatividad de los improvisadores con respecto a la relación con el
público/oyente; dieron origen a un fenómeno competitivo de masas conocido
como los bandos, e impulsaron el desarrollo de músicos instrumentistas y
conjuntos musicales. Esta investigación se deriva del proyecto de tesis doctoral de
la autora y se cuestiona sobre el papel de los medios de difusión en los procesos
de transmisión, oralidad e identidad del género en cuestión, así como el impacto
que el establecimiento de modelos y/o estereotipos tuvo para el desarrollo del
punto cubano y de las futuras generaciones de improvisadores y músicos.

María Elena Vinueza González. De la casa templo a las redes sociales. Trayectos
de la memoria fragmentada en el estudio de caso de una familia cubana
afrodescendiente
En el estudio de caso de una familia cubana, la familia Baró de Jovellanos
(Matanzas, Cuba), y su agrupación Ojun Degara, se reflexiona sobre la
incidencia de las políticas institucionales y los procesos de folclorización y de
gestión patrimonial, así como otras variables económicas y sociales que afectan
a los sujetos portadores de la memoria cultural afrodescendiente. En ese caso,
cuatro generaciones han preservado a través del canto, la danza y la oralidad la
memoria fragmentada y el imaginario de una africanidad construida en la
práctica ritual festiva, la idea de un Dahomey referente y los modelos léxicos,
entonacionales, rítmicos y coreográficos que, en Cuba, distinguen lo arará entre
otras expresiones de matriz africana. Pasar del ritual familiar al espacio público

72
significó para los cultores nuevos modos de comportamiento, pero también el
reconocimiento institucional, la presencia en festivales, el registro fonográfico,
la escena internacional y la estima social. En la última década, la pérdida de los
más ancianos, la sucesión del liderazgo y la necesidad de preservar la memoria
colectiva y mantener su acervo llevaron a los más jóvenes a emprender nuevas
formas de gestión en el ámbito cultural, lo cual incide en la circulación,
recepción y resignificación de sus repertorios músico danzarios tanto en el
ámbito local, como en los talleres y espacios de formación que proponen a otras
agrupaciones artísticas en el país. Este gesto de resistencia también encuentra
registro y socialización del archivo y la memoria a través de uso de internet y de
las redes sociales.

Joaquín Fuentes Díaz. Un luthier entre dos mundos: Antonio Emilio Pascual
Viudes Aznar
Antonio Emilio Pascual Viudes Aznar, fue un afamado luthier español que
nació en la localidad alicantina de Crevillent en 1883. Proveniente de una familia
de lutieres, siendo apenas un adolescente fue enviado a Madrid, donde llegó a
trabajar en los talleres de Manuel y José Ramírez, construyendo instrumentos
para grandes personalidades en aquel momento en España. Considerado uno de
los luthieres españoles más prolíficos de la primera mitad del siglo XX, viajó a
Buenos Aires donde fundó su propio taller por el que pasaron grandes músicos
del momento; para ellos construyó algunos instrumentos, como demostraremos
a través de algunas fotografías y documentos. Es curioso cómo, aun viviendo en
Buenos Aires, en las etiquetas de sus guitarras aparece España como país. Murió
en la capital argentina en 1959. Aunque fue conocido principalmente por ser
constructor de guitarras también fabricó instrumentos de cuerda frotada, tales
como violines, violas y violoncellos, para grandes músicos como Carlo Pessina,
Pedro Napolitano o Ramón Vilaclara, músicos de la orquesta del Teatro Colón
de Buenos Aires.
A través de este trabajo trataremos de completar la biografía del artista,
conocer más a fondo las características de sus instrumentos e intentar comprobar
por qué eran tan demandados. En el camino descrubriremos a otros músicos y

73
artesanos españoles y argentinos contemporáneos de Viudes e incluso
escucharemos el sonido de algunos de sus instrumentos a través de las pocas
grabaciones que se conservan de aquella época.

Marco Antonio de la Ossa Martínez. La Semana de Música Religiosa de Cuenca

(1962-2023) y la música latinoamericana: compositores, obras, importancia y espacio
La Semana de Música Religiosa de Cuenca, surgida en 1962, es el cuarto
festival más antiguo de España. Declarado de Interés Turístico Internacional, se
dedica en mayor medida a la música académica occidental religiosa. En esta
comunicación se analizará el espacio que el festival ha prestado a la música
iberoamericana. Así, se atenderá a los compositores iberoamericanos que se han
programado en las sesenta ediciones que se han desarrollado entre 1962 y 2023.
También a los intérpretes y directores de esta procedencia que han actuado en
Cuenca en este mismo lapso de tiempo.
De la misma manera, se observarán los referentes iberoamericanos presentes
en las actividades paralelas que se organizan en torno al festival. En este caso,
se destacarán las Jornadas “México: caminos de ida y vuelta”, celebradas en
2010. Por último, se pondrá el foco en las propuestas creadas por mujeres
latinoamericanas que se han interpretado en la Semana de Música Religiosa de
Cuenca.

74
Helena Martín Nieva. Cataluña cantó en azteca: Salvador Moreno y la música
mexicana del siglo XX en Barcelona durante el franquismo (1955-1969)
La relación entre Barcelona y el compositor e intelectual mexicano Salvador
Moreno (1916-1999) fue muy intensa a partir de 1955. El prestigio de Moreno,
tanto en la esfera musical como en las artes plásticas, fue consolidándose en
diversos círculos culturales de Barcelona durante sus largas y regulares estancias
en la ciudad. Una década antes de la representación de su ópera Severino (1961)
en el Liceu barcelonés (1965), Moreno ya había cultivado las amistades del
mecenas Josep Bartomeu y de los compositores Cristòfor Taltabull y Josep Maria
Mestres Quadreny, con quienes existió un enriquecedor intercambio. Así,
algunos lieder de Moreno sonaron en conciertos organizados por Bartomeu,
siendo las Cuatro canciones en náhuatl (1949-50) interpretadas al piano por el
mismo autor en 1957. Junto a la música de Moreno, a menudo se programaron
obras de sus compatriotas, como la de Manuel Ponce y Silvestre Revueltas,
propiciando la circulación del nuevo repertorio mexicano en Barcelona. Por otro
lado, desde México, Moreno se hizo eco de las actividades musicales que
Bartomeu promovía en Barcelona, así como del talento de los jóvenes
compositores catalanes de vanguardia, entre los que cabía contar Mestres
Quadreny. A su vez, al organizar el ciclo de conciertos “Música oberta” en
Barcelona, Mestres dedicó una sesión monográfica a los más atrevidos autores
mexicanos del momento: Manuel J. de Elías, Manuel Enríquez, Eduardo Mata y
Héctor Quintanar. En definitiva, la interrelación entre Moreno y el panorama
artístico catalán, que aún no ha sido abordada por la historiografía existente,
propició circuitos afines a la transculturalidad, a la recepción y a las intersecciones
entre el universo hispano americano y, muy especialmente, entre los
compositores mexicanos y la gris Barcelona de los años del franquismo.

Ladislao Ceja Fernández. Un evento en tránsito: el Festival de Órgano “Alfonso

Vega Núñez”

En Morelia (México) la música sacra ha perfilado el ambiente musical de la

ciudad, influencia observable, en los principales eventos musicales de la segunda

75
mitad del siglo XX. Los protagonistas de esta época, casi todos formados en el
extranjero, acercaron este tipo de música a sectores populares de la ciudad,
trazando una ruta desde los principales conservatorios europeos a la localidad.
El consecuente relato, elaborado desde las instituciones y la prensa, buscaba
legitimar la importancia de estos eventos, remarcando el pasado europeo de la
ciudad; consideraban que la difusión de la literatura organística entre los
sectores subalternos de la sociedad, además de educativo, era el refinamiento de
una incipiente sensibilidad. Los objetivos de la presente comunicación son:
reflexionar sobre los fenómenos de intercambio simbólico que se dieron a partir
del Festival “Alfonso Vega Núñez” entre 1966 y 1969; resaltar los circuitos
internacionales que permitieron el ir y venir de significados culturales; y
reflexionar críticamente sobre conceptos como mestizaje, refinamiento y
cultura, enunciados desde los centros de poder. Este momento de la historia
musical moreliana, poco estudiada, pretende descubrir mecanismos a partir del
enfoque teórico de los estudios sobre hibridación (como los propuestos por
Néstor G. Canclini), de re-significación de sentidos culturales externos,
operados al contacto con la realidad mexicana, y la renovación del habitus local,
como lo menciona Pierre Bourdieu, buscando en fuentes documentales como
la revisión de la prensa y la realización de entrevistas a agentes involucrados
para fundamentarlo.

Giorgio Monari. Discursos sobre a “influencia” espanhola e latino-americana nas

primeiras histórias da música no Brasil
O mito que funda a nação brasileira, segundo o poeta Olavo Bilac (1919), no
encontro das três raças, “bárbara” (sic), africana e portuguesa, alimentou a recém-
nascida historiografia musical do Brasil (que andava abordando juntamente tanto
a música erudita quanto a folclórica) a partir do primeiro exemplo de 1908
(Guilherme de Melo). Todavia, não foi possível evitar que o paradigma ternário
fosse adulterado, desde logo, por uma inserção que alterava a perfeição do
esquema, ou seja, a assim chamada influência espanhola e, pouco depois, latino-
americana (Mário de Andrade, 1928). Por outro lado, também a ópera italiana e
a recente música francesa (e alemã) foram tratadas enquanto influências, mas, em
geral, afastadas (ou simplesmente excluídas) do núcleo fundacional musical da

76
nação brasileira imaginado pelos historiadores da época. Quanto à música
religiosa, que andou devidamente carregada de papéis ad hoc na narração
historiográfica, teve status extraterritorial (até certo ponto) e, portanto,
transversal com respeito aos assuntos nacionalistas. O que se pretende fazer é
mapear em que termos as influências hispanas foram tratadas pelos autores das
primeiras histórias da música no Brasil, no contexto nacionalista da primeira
metade do século XX, para também testar o sentido e os limites da
excepcionalidade dos discursos sobre as influências espanhola e latino-americana
na música do Brasil.

Juan Bethencourt Morell. Recepción de la música hispanoamericana en el tardo

franquismo español
Se considera tardo franquismo al período histórico que abarca desde 1969
a 1975, año del fallecimiento del General Franco. No obstante, para la
elaboración de este estudio voy a considerar un espacio temporal un poco más
amplio, iniciando en 1964, coincidiendo con las fechas que marcaron el inicio
del desarrollismo español, para finalizar justo después de la muerte del
dictador.
Mi comunicación versará sobre la música hispanoamericana que se escuchaba
en España en los canales de radio y televisión, y también en la industria

77
cinematográfica; fueron muchos los artistas del otro lado del Atlántico que
visitaron España en esa época, aunque la música que predominaba en nuestro país
era la llegada de Inglaterra, representada por los Beatles y los Rolling Stones. El
régimen franquista, a partir de “Los veinticinco años de paz”, había iniciado una
cierta apertura hacia el exterior y a principios de los años setenta se celebraron
una serie de eventos, con intercambio de artistas entre ambas culturas; se
celebraron festivales y conciertos donde la presencia hispanoamericana era
manifiesta, sobre todo después de los golpes de estado en Chile y Argentina.
Hubo una serie de locales nocturnos, sobre todo en Madrid, que ofrecían música
en vivo, las famosas “peñas” latinoamericanas, donde se podía escuchar músicas
folclóricas desde México al Cono Sur. Este tipo de música socialmente
concientizada contribuyó al resquebrajamiento del régimen franquista.

Heloísa de Araújo Duarte Valente. “El día que me quieras, eu sei que vou te
amar... bésame mucho!”. Estudos sobre o gosto estético consolidado como memória
coletiva
Esta comunicação tendo em vista os conceitos de nomadismo e movência,
criados por Paul Zumthor (2005) e territorialização, de Ramon Pelinski (1995),
respectivamente, abordará de início as apropriações, versões e ressignificações das
canções de origem latino-americana, em língua castelhana, que se implantaram
no Brasil, na primeira metade do século XX. Em seguida, num outro vetor,
considerar-se-á como se dá a apropriação da música brasileira pelos países latino-
americanos, a partir do caso particular da bossa nova. No primeiro caso podem
ser mencionados gêneros como o tango e o bolero originários, respectivamente,
da Argentina, México e Cuba, cuja circulação não deve ser entendida apenas
como resultado de estratégias de disseminação de repertório pelas gravadoras,
mas também como uma forma de assimilação de uma poética expressa pelo
conteúdo das letras, de natureza lírico-romântica. No caso da bossa nova, pode-
se observar a apropriação de traços não apenas referentes à composição
(instrumentação, formulação rítmica, tratamento acústico nas gravações,
arranjos) — o que implica dizer, uma recriação do ambiente acústico o paisagem
sonora, de acordo com R. Murray Schafer (2001). Interessa-nos entender como
certos procedimentos técnico-poéticos fazem emergir

78
originais múltiplos (González, 2016), que se consolidam como gosto estético de
determinado período histórico. Com isso, busca-se compreender como
determinadas peças de repertório se estendem ao longo do tempo, fixando-se
como memória coletiva e, por conseguinte, como memória da cultura midiática,
a ponto de estabelecer seus clássicos, ou standards.

José David Roldán Sánchez. Reinterpretaciones y “covers” de Moenia: asimilación

y vigencia en Latinoamérica de un repertorio de pop y rock español
En 2023, la agrupación mexicana de synth-pop Moenia lanza al mercado su
nuevo disco Stereohits 2, el cual se compone en su totalidad de covers de canciones
de pop y rock en castellano que, durante las décadas de 1980 y 1990, estuvieron
en los primeros lugares de listas de ventas y emisiones radiales y de videoclips de
América Latina. No es la primera vez que Moenia realiza una producción musical
en torno a este concepto; ya en el 2004 había lanzado el primer volumen de
Stereohits y en 2016, en el álbum Fantom, sus canciones inéditas y originales
incluían fragmentos de canciones de otros artistas. Dentro del repertorio
versionado en estos álbumes, se evidencia una presencia importante de artistas
españoles. A partir de un enfoque cualitativo y un estudio de caso centrado en las
reinterpretaciones y covers realizados por Moenia, circulación en medios de
comunicación y redes sociales, presencia en festivales y reportajes en la prensa,
esta ponencia tiene como objetivo examinar cómo ha sido la recepción,
apropiación y resignificación en Latinoamérica de varias canciones de artistas
españoles de pop y rock que tuvieron gran auge comercial en las dos últimas
décadas del siglo pasado. De esta manera, se verá la asimilación y vigencia en el
continente latinoamericano de un repertorio venido de España hace casi treinta
o cuarenta años, y se evidenciará, a su vez, los aportes metodológicos que se
pueden hacer desde los Popular Music Studies al estudio de los intercambios
culturales en el contexto iberoamericano.

79
Miguel Ángel Bonilla Rodilla. Hibridación y transculturalidad en las músicas
flamencas de la noche salmantina: reformulación, homogeneización y estereotipia

En las siguientes líneas proponemos exponer algunos aspectos transculturales

de lo que llamamos las músicas flamencas de la noche salmantina. Se trata de una
praxis musical no estudiada anteriormente que investigamos desde octubre de
2022 hasta mayo de 2023 donde, por su uso festivo y función identitaria,
etnicitaria y de clase, la interpretación se ciñe estrictamente a la rumba, versión-
rumba e hibridación de ese palo flamenco con la salsa. El repertorio, una
combinación entre el Nuevo Flamenco de los años ochenta junto con corrientes
actuales de flamenco-pop y otros géneros, consiste en una transculturación de
esas músicas, pues el contexto concreto en el que se interpretan genera otro tipo
de interpretación y, también, de interrelaciones y connotaciones socio-musicales.
Nos parece especialmente relevante destacar que los motivos de su aparición
son socioculturales y, por tanto, vinculados a su uso y función (Merriam, 1984).
En cuanto al uso, por su interpretación únicamente en discotecas y pubs y, su
función, por la connotación estereotipada sociopolíticamente a causa del perfil,
opinión del público, además de la estética de los lugares y su nivel económico. Los
artistas y asistentes a los eventos vinculan el evento al mundo taurino, a una idea
tipificada de España, el Sur y al mundo gitano, lo cual podría etiquetarse con lo
que Olarte (2011) denomina “la españolada”.

80
 En este panel pretendemos aportar nuevas reflexiones sobre la construcción
del arquetipo musical de los personajes negros en la música lírica española, desde
las obras sacras en romance (los villancicos negros o guineos) de los siglos XVII
y XVIII, al repertorio teatral de la tonadilla escénica y la zarzuela (siglos XVIII,
XIX e inicios del XX). Partimos de los diversos estudios previos sobre las
características del negro en la literatura española ya desde el siglo XVI (Weber de
Kurlat, 1963, 1970; Lipski, 2005; Santos Morillo, 2011; Fra Molinero, 1995 y
2014), rasgos propios de una sociedad esclavista que se han perpetuado
prácticamente hasta nuestros días. “A través de representaciones jocosas se niega
la humanidad de los negros por medio de figuras degradadas que denotan la
otredad radical cuyo significado último es la inferioridad física, moral, intelectual
y ontológica” (Fra Molinero, 2014, p. 11).
Partiendo de cuatro estudios de caso, ofrecemos ejemplos desde el siglo XVII
a principios del siglo XX sobre la construcción transcultural de un arquetipo,
paradigma perfecto de mestizaje e hibridación, y los estilemas musicales asociados
al mismo que han llegado a conformar un lenguaje guineo o de negro ya en los
villancicos barrocos, que es continuado y/o alterado en diversos repertorios y
contextos posteriores. Finalmente, en el repertorio de zarzuela de 1904 y 1905,
observaremos la actualización del modelo histórico y su resignificación, cuando
nuevas músicas negroides son identificadas con la transgresión y la modernidad
procedente de la América del Norte.

81
Ramón Sobrino Cortizo. “Aquellos villancicos que tienen diversidad de lenguajes”:
aproximaciones al estudio de la música de los villancicos de negros en la España áurea
Son muchas las publicaciones y estudios que en los últimos años se han
desarrollado acerca del conocido como “villancico étnico” (Baker, 2007), tomando
como especial punto de consideración los villancicos de negros. Además, son cada
vez más abundantes las ediciones de estos villancicos, en especial en el ámbito
novohispano (Torrente, 2016). No obstante, la mayor parte de los estudios se
centran en explicar cómo el negro, personaje clave en la música posterior, es
retratado como espejo de la otredad y se presenta con un lenguaje y unos rasgos
propios (Swiadon, 1998). La presencia cada vez mayor de ediciones y grabaciones
permite ahora realizar un estudio puramente musical de un género de origen
peninsular, pero con gran proyección en América (Marín-López, 2016).
Tomando como referencia los recientes estudios de Ramírez Uribe (2020 y 2022),
proponemos un estudio comparativo de villancicos con rasgos completamente
diferentes y pertenecientes a ambos mundos: el peninsular y el colonial. Buscamos
establecer una categorización de los rasgos característicos de la descripción
musical del negro en el contexto peninsular, y comparar estos con aquellos propios
del contexto americano descritos en los estudios ya mencionados. Proponemos
como eje vertebrador de nuestro análisis Los coflades de la estleya de Juan de Araujo
(1646-1712) y Negliya que quele de Sebastián Durón (1660-1716), obras
representativas del género al trabajar con el guineo, pero diferentes entre sí por su
contexto poiético. Focalizamos el análisis de las obras también en sus aspectos
formales y retóricos, empleando también metodologías propias de Molino-
Nattiez, siguiendo a Sobrino (2005).

Sara Pérez Martínez. “¿Qué zerá lo que mi negla habla?” Estudio de los negros como
personajes arquetípicos en los géneros menores lirico-dramáticos en el Imperio español
(1750-1800)
El cultivo de obras teatrales breves, como melólogos, sainetes o tonadillas,
estaba en boga en los teatros madrileños durante la segunda mitad del siglo
XVIII. No obstante, su difusión no se limitó a estos coliseos, sino que circuló a
través de numerosas ciudades del Nuevo Mundo, tales como La Habana, Lima o

82
Ciudad de México, sirviendo algunas de estas localizaciones como inspiración
para piezas como Tonadilla del cachumbo (1752) o Tonadilla de los náufragos
(1753) de Antonio Guerrero. Esta comunicación estudia los rasgos lingüísticos,
literarios y musicales asociados a los personajes tipo del negro en los géneros
menores lírico-dramáticos compuestos en la segunda mitad del siglo XVIII en el
Imperio español. Desde un prisma eurocéntrico, analizamos el arquetipo del
negro como esclavo (El negro sensible [1798] de L. Comella) o como siervo (Los
negros [1761] de L. Misón y El chasco de las negrillas [1781] de B. Laserna),
siempre vinculado con la danza (La jitanilla en el coliseo [1776] de A. Rosales y La
fingida arcadia [1757] de R. de la Cruz) o las relaciones amorosas (Los negros
[1761] de Misón y Las máscaras [1765] de R. de la Cruz). Asimismo, llevamos a
cabo una revisión de los ritmos afroamericanos e hispanoamericanos vinculados
a estos personajes arquetípicos, como el cumbé Los negros o el zarambique La
fingida arcadia, a la par que estudiamos la apropiación de estos ritmos en obras
hispanas ajenas a la temática negroide.

M.ª Encina Cortizo y Ramón Sobrino. Músicas de negros y mulatas: entre la

apropiación y el exotismo. Negociando identidades en la zarzuela española de la
segunda mitad del siglo XIX
A través de la habanera, la guajira o la guaracha, personajes como el negro y la
mulata, o productos ultramarinos como el tabaco y el café, la alteridad americana
se hizo presente en la zarzuela española de la segunda mitad del siglo XIX. Todo
ello era utilizado como elemento de identidad cubana, resignificándolo a través de
categorías vinculadas al imperialismo, como el exotismo, o patrimonizándolo, a
través de interesantes procesos intermediales que trataban de convertir
repertorios de autor en músicas populares.
Proponemos aquí una revisión de estos personajes cubanos (negros y
mulatas) en la zarzuela española de la segunda mitad del siglo XIX, cuando
tiene lugar la abolición de la esclavitud en España (1880) y está desarrollándose
el proceso de independencia de Cuba (1898). Analizaremos la mirada
eurocéntrica de las zarzuelas españolas acerca del negro, bien como esclavo
(Entre mi mujer y el negro [1857], El capitán negrero [1865], Robinson [1870] y

83
Robinson petit [1871]), bien como lacayo (El último mono [1859]), bien como
personaje que aspira a mejorar (el Negro Catedrático de La vuelta al mundo
[1875]), y su utilización como grupo social asimilado a lo tribal e incivilizado
en los cantos y bailes de negros (como los de El relámpago [1857], El proceso del
can-can [1873] o La vuelta al mundo [1875], las tres de Barbieri; o Boda, tragedia
y guateque o El difunto de Chuchita [1894], de Marqués). Y revisaremos la carga
erótica de la mulata de títulos como Cuba libre (1887) de Fernández Caballero
o Boda, tragedia y guateque (1894).

Jonathan Mallada Álvarez. Autenticidad y resignificación: lo negro y el cake-walk

en la zarzuela de inicios del siglo XX
El teatro lírico español ha sido siempre un escenario privilegiado para
visibilizar y subvertir determinados códigos en el contexto de una realidad social
concreta. En este sentido, la estrecha relación mantenida a uno y otro lado del
Atlántico generará una serie de influencias que serán perceptibles en la escena
española de los primeros años del siglo XX (en el contexto teatral del género
chico) mediante una serie de procesos de apropiación y resignificación de ritmos
y formas extranjeras que llevarán aparejados toda una serie de connotaciones
vertebradas siempre por el cosmopolitismo y la modernidad.
El objetivo de esta comunicación es, por tanto, abordar mediante algunos
ejemplos de repertorio de género chico de inicios del siglo XX, procesos de
hibridación entre España y América todavía no estudiados, vinculados a lo
negro (por ejemplo, en Los niños llorones de 1901, o la opereta Jack de 1916) y
sus ritmos, caso del cake-walk que aparece en títulos como Los pícaros celos
(1904), La contrata (1904), The cake-walk (1905), Academia modelo (1905), o
Frou-Frou (1905). La elevada concentración de cake-walks (sobre todo en 1904
y 1905) permite apreciar la permeabilidad del repertorio y establecer una serie
de conclusiones acerca del mestizaje, la apropiación y la resignificación de las
prácticas musicales del teatro lírico en España, ya que, en este contexto, lo negro
es sinónimo no sólo de otredad, sino también de transgresión, y supondrá el
símbolo de la nueva modernidad imperante.

84
Ana María Liberal y Montserrat Capelán. El Eje Atlántico: rutas musicales entre
el norte de Portugal, Galicia y Latinoamérica
A finales del siglo XIX y en las primeras dos décadas del siglo XX, las ciudades
de Oporto, Vigo, Pontevedra y A Coruña mantenían estrechos vínculos musicales
por medio de una red de sociedades de conciertos (Orpheon Portuense,
Sociedades Filarmónicas de Vigo, de Pontevedra y de A Coruña) y de vínculos
personales. Esto permitió el intercambio de repertorio y músicos, así como la
creación de una identidad ibérica musical, que también se permearía a América a
través de la emigración.
En esta comunicación pretendemos reconstruir la ruta musical del Eje
Atlántico, hasta el momento no trabajada por la comunidad científica, pero que
significó un importante empuje para los músicos y compositores de ambos lados
de la frontera, emigrados y no emigrados. Para ello nos basamos en fuentes
primarias de diferente tipología (correspondencia, partituras, programas, prensa
y documentación administrativa) y procedencia (gallega, portuguesa y
americana). Entre los resultados de nuestra investigación mostramos que dichas
rutas fueron el resultado de un proyecto ideológico cultural planificado desde
varias instituciones, el cual cogerá mayor fuerza a partir de 1908, cuando el
Orpheon Portuense (auspiciado por la Sociedad Filarmónica de Oviedo) se
adhiere a la Unión de Filarmónicas que se había creado en España.

Xiana Teixeiro. Os Veiga, de Mondoñedo a Buenos Aires

Esta investigación se centra en describir y analizar la historia del cuarteto de
música gallega Os Veiga (gaita, clarinete, caja y bombo) de Mondoñedo desde sus
comienzos, en 1907, hasta la década de 1930. Os Veiga nace en Mondoñedo tras

85
la unión de cuatro jóvenes ligados a la Banda Municipal de esta misma ciudad. Su
historia se divide en tres períodos, por razones principalmente cronológicas,
tipología y densidad de las actividades llevadas a cabo, y el lugar y repercusión de
sus actuaciones. El primero de estos períodos corresponde al surgimiento de la
agrupación, cómo se dan a conocer y progresivamente desarrollan su actividad
musical; en el segundo, el cuarteto presenta una densidad mayor de actuaciones,
no sólo en Mondoñedo, sino también en la comarca. Finalmente, el tercer
período coincidirá con la disolución de la agrupación en Mondoñedo, y su
constitución en Buenos Aires, donde el director de la comparsa, Víctor
Domenech, emigra. La reconstrucción de su historia es elaborada a partir de la
prensa de la época, a través de la cual se consigue información sobre el mensaje
que la agrupación pretendía transmitir de acuerdo con su ideología política y
compromiso cultural. De este modo, este cuarteto se convierte en un producto
identitario por poseer rasgos definitorios de la identidad gallega, como el traje
que vestían en sus actuaciones, el repertorio que tocaban o los instrumentos que
empleaban, entre ellos la gaita, considerado elemento identitario por excelencia
dentro de la tradición musical gallega.

Ilduara Vicente Franqueira. El impacto de la música de Juan Montes en el mundo

de la emigración
Desde finales del siglo XIX, se produjo un masivo flujo migratorio de
gallegos hacia los distintos países de América Latina. La música se convirtió
entonces en un elemento expresivo de unidad en el mundo de la emigración,
siendo el arte referencial para afianzar las señas identitarias. De este modo, se
irá tejiendo un relato en el que la creación de referentes se impondrá como una
necesidad. Entre ellos está el compositor lucense Juan Montes Capón (1840-
1899) quien, una vez fallecido, se convertirá en uno de los baluartes que se
precisaba para la concreción del nuevo relato. En la presente comunicación se
llevará a cabo una aproximación a cómo se da este proceso en los centros gallegos
de América Latina. Tomando como punto de inflexión en la carrera del
compositor el primer premio por su Fantasía para gran orquesta en el certamen
promovido por la sociedad Aires d’a miña terra de La Habana en 1893, se
analizará diversa documentación de hemeroteca procedente de El Almanaque

86
Gallego, El Eco de Galicia o Cultura Hispánica, entre otros testimonios
bibliográficos para poder establecer una aproximación lo más veraz posible de
la impronta real de Juan Montes y de su obra en el mundo americano,
poniéndola en relación con la de otros autores de su tiempo.

Cintia Borges Carreras. El Ballet Gallego Rey de Viana en la tournée de 1967:

autenticidad folclórica y exaltación de la hispanidad
Las investigaciones académicas no han prestado la debida atención a la
repercusión que una compañía como el Ballet Gallego Rey de Viana tuvo en
España, Europa e incluso en América desde su presentación oficial en 1955,
sobreviviendo a la dilatada dictadura y a los primeros años de la democracia. La
agrupación, dirigida por José Manuel Rey de Viana con la colaboración de
Victoria Canedo, realizó entre los meses de octubre y diciembre de 1967 una gira
de notable éxito por varias ciudades iberoamericanas, exportando el aceptado
como auténtico folclore gallego teatralizado.
El objetivo de la investigación es analizar la difusión del folclore gallego en esta
tournée hispanoamericana a través del imaginario coreográfico que Rey de Viana
trasladó a su compañía. Se pretende generar una apertura en el estudio del
patrimonio coreográfico frente al reduccionismo hegemónico que sitúa al
flamenco y al estereotipo de lo español como el único lugar que identificaba a todo
un país durante el franquismo, contagiado de los tópicos que la danza arrastraba
en España. Se ahondará en ese otro folclore que, habitando en los márgenes,
revitalizó la danza a través de la idea de universalizar y dignificar su tradición.
En este sentido, el análisis de las fuentes hemerográficas constituye la línea
metodológica fundamental para cartografiar su paso por el continente
transatlántico y valorar la recepción que tuvo el ballet. Por otra parte, se debatirán
cuestiones de autenticidad e identidad a través del estudio del repertorio
presentado, en su búsqueda de la resignificación de las danzas gallegas.

87
Pablo Alejandro Suárez Marrero (ed.). Escenas diversas: drama, humor y música
(Wilmington: Vernon Press, 2023)
PRESENTA: Nuria Blanco Álvarez

A través de un recorrido sobre prácticas musicales gestadas en diversas

localidades iberoame-ricanas, desde finales del siglo XIX hasta la actualidad,
Escenas diversas: drama, humor y música hace de la diversidad de las escenas
musicales, una de sus mayores fortalezas. En esta obra, el concepto de escena se
convierte en un ámbito dis-cursivo oportuno para construir aproximaciones
dinámicas y flexibles sobre el quehacer musical, ya sea del pasado histórico o del
accionar reciente.
Este volumen colectivo, realizado por autores de ocho países, constituye un
compendio de estudios de caso acontecidos en ciudades de España, Argentina,
México, Cuba, Venezuela y Colombia, con el objetivo de contribuir a los debates
actuales sobre escenas musicales desde su propia diversidad, asociada a elementos
discursivos propios del drama social y el humor inteligente. Desde su
individualidad, en cada capítulo se busca conciliar una mirada histórica a escenas
pasadas y su pervivencia en documentos musicales de diversa índole. Además, se
aborda la creciente virtualización y desterritorialización física de las escenas
musicales de alcance glocal, a raíz de la actual situación pandémica. De gran
interés para todo aquel atraído por los estudios culturales, la música y los estudios
latinoamericanos, Escenas diversas contribuye a la creación de nuevas y múltiples

88
instancias comunicativas para la socialización de conocimientos especializados
sobre nuestras escenas musicales.

Jesús Saiz Huedo. Los manuscritos de guitarra del Fondo Manuela Vázquez-Barros
de la Biblioteca Lázaro Galdiano (Madrid: Asociación Cultural More Hispano y
Fundación Lázaro Galdiano, 2022)
PRESENTA: Javier Suárez-Pajares (Universidad Complutense de Madrid)

Este libro consiste en la edición crítica, facsímil y fonográfica de un conjunto

de partituras que presumiblemente fueron materiales de aprendizaje de
Manuela Vázquez-Barros (Sevilla, 1885 - Madrid, 1919), joven de la alta
sociedad, de madre argentina y padre español, que se crio en Argentina y vino a
vivir a Europa definitivamente en 1900. El Fondo Manuela Vázquez-Barros
contiene treinta y tres manuscritos de guitarra o con guitarra y siete para piano
o voz y piano. Muchos de ellos son la única o más antigua fuente conocida de la
música que contienen. Entre los de guitarra, encontramos piezas de factura
académica (de Julián Arcas y Francisco Tárrega, entre otros), transcripciones de
música en boga de la época (algunas piezas de procedencia o con elementos
americanos) y un número significativo de aires populares. De estos, destaca un
conjunto anónimo del género andaluz lo suficientemente amplio como para
incrementar notablemente el reducido corpus de música notada de la guitarra
flamenca del siglo XIX que ha llegado hasta nosotros.
La diversidad de las obras, estilos y géneros musicales que el Fondo Manuela
Vázquez-Barros contiene constituye uno de los aspectos musicológicos más
relevantes de esta edición, por las posibles investigaciones futuras relacionadas con
la interrelación entre la tradición escrita (música de autor) y las tradiciones orales
ágrafas, así como por el conocimiento que aporta a la evolución de la guitarra
clásica y de la flamenca, su convivencia a finales del siglo XIX y principios del XX
y su posterior bifurcación.

89
Ana Alonso-Minutti. Mario Lavista. Mirrors of Sound (Nueva York: Oxford
University Press, 2023)
PRESENTAN: Liliana González Moreno (Laboratorio de Aprendizaje e
Investigación Musical, San Juan, Puerto Rico) y Manuel J. Ceide (Conservatorio
de Música de Puerto Rico)

Mario Lavista (1943-2021) fue uno de los compositores más reconocidos de

la escena musical iberoamericana. Su música es evocativa y poética y su
trayectoria creativa se caracterizó por sus intersecciones con otras artes,
particularmente la poesía y la pintura. En su libro Mario Lavista: espejos de
sonidos, Ana Alonso-Minutti explora las conexiones intertextuales entre los
múltiples textos (musicales o no) presentes en la música de Lavista. La autora
argumenta que, acercándose a la composición musical como respuesta a un
estímulo afectivo y desde un ángulo interdisciplinario y transhistórico, Lavista
forjó un imaginario cosmopolita que, cuestionando los estereotipos impuestos
sobre la música mexicana, se convirtió en una estrategia de resistencia contra
agendas imperialistas. Alejándose de marcos biográficos que exaltan a los
“grandes compositores” y a sus “obras maestras”, la autora escribe una narrativa
personal y subjetiva informada por conversaciones que mantuvo con músicos,
artistas visuales, bailarines, escritores, poetas y cinematógrafos por casi dos
décadas. Utilizando un mosaico de metodologías, incluyendo la historia oral, el
análisis musical e intertextual, el trabajo de archivo y la (auto)etnografía, la autora
ofrece un texto que, si bien se adentra en la estética lavistiana, también ofrece un
panorama de la música mexicana contemporánea de los últimos cincuenta años.

90
Juan Pablo González. Música popular autoral de fines del siglo XX. Estudios
intermediales (Madrid: Instituto Complutense de Ciencias Musicales, 2023)
PRESENTAN: Marco Antonio Juan de Dios Cuartas (Universidad Complutense
de Madrid) y Julio Ogas Jofré (Universidad de Oviedo)

Frente a la abundancia de textos anglosajones sobre el estudio musicológico de

la canción popular, este libro ofrece un enfoque surgido a partir de géneros
vigentes en América Latina a fines del siglo XX que poseen una impronta autoral.
Para ello, el texto delimita este campo creativo estableciendo la necesidad de un
enfoque intermedial para la música de la región en base a una serie de factores que
la unificarían a fines del siglo XX. A continuación, se exponen en detalle las cuatro
medialidades fundantes de una canción popular autoral: letra, vocalidad, arreglo
musical y grabación, para luego abordar las tres medialidades derivadas: videoclip,
arte de carátula y discurso crítico. Para ejemplificar esta propuesta, el libro incluye
siete estudios de caso referidos a siete géneros vigentes en América Latina a fines
del siglo XX: nueva-canción, fusión, contracorrientes, pop-rock, punk, funk y
hip-hop. Se trata de géneros que cumplirían total o parcialmente con los
requerimientos autorales expuestos en el libro. Para ello, consideramos las
medialidades que los conforman, las historicidades que poseen, sus modos de
relación con la industria y las identidades que contribuyen a construir.

91
Diana Brenscheidt genannt Jost. En los márgenes del discurso musicológico: el caso
de la investigación musicológica en Sonora, México
La musicología como disciplina universitaria se fundó en el siglo XIX en
países de habla alemana, emergiendo como una disciplina histórica y universalista
la cual, en teoría, estudia las músicas del mundo en el tiempo (Nettl, 2001). Los
paradigmas de la musicología europea (su enfoque en la obra musical y el
compositor) han sido traslados a otras regiones del mundo, entre ellos
fuertemente a Latinoamérica, tema discutido también en su momento por
diversos autores iberoamericanos (Claro Valdés, 1967; Waisman, 1989; Eli
Rodríguez, 1998). Madrid (2010) destaca también el rol del modelo alemán y su
predilección en la formación de programas nacionalistas dentro de las
musicologías iberoamericanas (incluyendo la mexicana), e identifica “sociedades
marginales —al menos marginales dentro del campo de la musicología
eurocéntrica—” (19). Al revisar la situación de la investigación musicológica en
México, se identifica sin duda a Sonora como región marginalizada; eso debido a
su supuesta falta de cultura, asunto que históricamente se explica por su ubicación
cercana a los Estados Unidos, el “otro” imperial, y al mismo tiempo lejana del
centro “civilizado” del país. Desde una revisión crítica del relato disciplinar
musicológico, esta ponencia busca primero analizar el porqué de la
marginalización de la investigación musicológica en Sonora, para después, en un
segundo momento, proponer nuevas perspectivas de investigación para una
región como esta: espacio transfronterizo históricamente habitado por agentes en
tránsito y migrantes en donde la pregunta qué es lo ajeno y qué lo propio se
resuelve de manera específica.

92
Miriam Escudero. Cultura, culturalidad y enfoque cultural. Tres conceptos esenciales
para desarrollar estrategias científicas inclusivas
Las artes son una expresión fundamental de la condición humana y, como tal,
un elemento clave en el desarrollo del entendimiento cultural. El constructivismo
social es una de las herramientas que apela a la naturaleza colaborativa del análisis
y previene la contraposición de contextos culturales. El conocimiento se desarrolla
a partir de cómo las personas interactúan entre sí, su cultura y la sociedad en
general. Aplicado a la música, el enfoque cultural transforma el conocimiento en
una exploración que involucra otras ciencias. Ello posibilita establecer una
conexión entre compositor, intérprete y escucha. La propuesta radica en definir y
ejercitar los conceptos de cultura, culturalidad y enfoque cultural; en expandir los
significados de probar y degustar, emoción y percepción. Basándonos en estos
hechos, completaremos el análisis de tres estudios de caso relacionados con la
música (Mozart y Mambo, Conga y Butter). Para ello revisitaremos textos de
Ortiz (2014), Bourdieu y Huang (2019) y Madrid (2017). Aquí se propone un
enfoque cultural para el estudio y la valoración de procesos musicales. Un llamado,
desde la academia, a legitimar el valor de la cultura, del conocimiento cultural
común como puente para establecer buenas prácticas de comunicación. Se
promueve así una experiencia intercultural participativa (no contemplativa) desde
la culturalidad entendida como expresión del yo cultural en permanente
interacción con los otros.

93
Ella Bernadette Nagy. Fuentes de música brasileña en las bibliotecas italianas
Mientras que el aporte italiano a la música del Nuevo Mundo ha sido objeto de
numerosos estudios, la difusión de la música latinoamericana en Italia ha recibido
menos atención. La ponencia se concentrará en dos manuscritos conservados en
Lombardía que documentan la difusión de la música brasileña en Italia en la
primera mitad del siglo XIX y que hasta ahora no habían sido estudiados. El
primero se encuentra en la Biblioteca Cívica “Angelo Mai” de Bérgamo, y forma
parte de una rica colección musical perteneciente al compositor de origen bávaro
Johann Simon Mayr (1763-1845). Este último recopiló numerosas canciones
populares de diferentes culturas del mundo, muchas de las cuales en copias
manuscritas. Una de estas partituras (Mayr, 229.3), de copista italiano, contiene seis
modinhas para piano y voz con texto en portugués. La primera se atribuye a Joaquim
Tiburcio, autor aún desconocido, mientras que las demás son anónimas. La otra
fuente es un manuscrito misceláneo conservado en la Biblioteca del Conservatorio
de Milán (Fondo Noseda, Z.12.16) que contiene veinticinco composiciones vocales
e instrumentales en diferentes idiomas, diez de las cuales son de origen brasileño y
están escritas para piano y voz. Las piezas con texto en portugués son anónimas, y
algunas de ellas se denominan modinha o lundum. La ponencia tratará las
particularidades de los dos manuscritos, el trabajo de edición crítica, así como las
relaciones musicales entre Italia y Brasil en el siglo XIX.

94
Fernanda Vera Malhue. La biblioteca musical de Isidora Zegers (1802-1869):
apropiación y circulación del repertorio lírico italiano durante la primera mitad del
siglo XIX en Santiago de Chile
Según el cronista José Zapiola (1802-1885), la llegada de Isidora Zegers
significó una verdadera revolución en la incipiente escena cultural chilena de la
época. En un contexto de efervescencia político-patriótica donde las prácticas de
sociabilidad propias del salón decimonónico latinoamericano posibilitaron la
escenificación de repertorios líricos de origen europeo, la posibilidad de acceder a
repertorios e intérpretes cualificados impactó en la construcción de identidades
ilustradas y modernas. La existencia de posibilidades de trabajo en la milicia, la
minería y el comercio atrajo la llegada de numerosos extranjeros con formación
cosmopolita, quienes conformaron una escena cultural de nuevo cuño. En este
sentido la llegada de Zegers implicó no sólo un despegue y desarrollo en cuanto a
la admiración por su capacidad técnica para la interpretación de repertorio lírico,
sino que su biblioteca musical, recientemente hallada en 2022 y que contiene 140
volúmenes, aportó tanto en el desarrollo de la prensa escrita sobre música en
Santiago como en la formación y práctica musical para los músicos locales. La
presente ponencia busca reflexionar, a partir de una perspectiva interdisciplinar
entre musicología, estudios de género y cultura material en el impacto que
significó la llegada de Zegers, junto con su colección musical. Esto para poner en
perspectiva las distintas redes de circulación de saberes, prácticas y repertorios en
las cuales Zegers ejerce agencia en tanto selecciona, colecciona, interpreta y
sociabiliza repertorios que pasarán a conformar la escena musical chilena de todo
el siglo XIX.

95
Sergio Camacho y Tan Elynn. Hybridation and Transculturation of Ibero-
American Music in Southeast Asia
In recent decades, there has been a significant shift within historiography and
cultural studies in the way world's major ocean basins are perceived. Once seen as
mere geographical divides, they are now acknowledged as crucial sites of
interconnection, modernisation, cultural encounter and, eventually, conflict. For
over five hundred years, the Atlantic Ocean became the shared space for the
cultural dialogue between the Iberian Peninsula and the Americas. However, the
area of influence of the Ibero-sphere also reached across the Pacific Ocean to Asia.
e aim of this study is to analyse the dissimilar implantation of Ibero-American
music models in Southeast Asia, discussing notions of hybridisation and
transculturation, exoticism and postcolonialism, the negotiations of identity,
Westernisation and otherness, focusing on the contemporary interplay between
Southeast Asian, Chinese, Spanish, and Latin American music styles. Situated
within the Malaysian context, this study examines how current musicians
negotiate the clash and coexistence of local, global and foreign musical elements
(in particular Spanish and Latin American) within traditional music ensembles.
Certain practices are maintained, others interrupted, hybridised, or fused,
resulting in a nuanced and ever-evolving musical landscape that challenges
preconceived notions of authenticity and cultural boundaries. By integrating a
postcolonial criticism, this research underscores the power dynamics and
discourses of power that shape these cultural encounters. Ultimately, this study
offers insights into the transformative power of hybridisation and
transculturation in fostering intercultural understanding, nurturing dialogue,

96
stimulating artistic innovation, challenging existing hierarchies, and reimagining
the possibilities of traditional cultures in a growingly interconnected world.

Juanma Ferrando Cuña, Ester G. Llop y Jaume Ayats Abeyà. Del Mediterráneo
al Pacífico: el canto de los gozos de Chiloé
El canto de los gozos (o goigs) en los países de la antigua Corona de Aragón ha
estado bien descritos en los últimos años. Ello ha permitido, además,
contextualizar su práctica y vivencia junto con otros cantos colectivos y a voces de
la mediterránea noroccidental. En los últimos años, sin embargo, investigadores
americanos han advertido la notable presencia del canto de los gozos en diversos
países de América Latina, introducidos en distintos momentos históricos desde
el siglo XVI, y que algunas comunidades aún mantienen. Así se observa en la isla
Grande de Chiloé, al sur de Chile (Núñez Pertucé, 2019). La presente
comunicación pretende determinar el posible momento de la introducción del
canto de los gozos en Chiloé, que coincidiría con la llegada en 1771 de catorce
frailes franciscanos procedentes del convento de Santa Rosa de Ocopa (Andes de
Perú), cuya comunidad contaba con miembros catalanes y valencianos. De hecho,
las devociones cristianas aún activas en la actualidad evidencian la notable
influencia franciscana, y el canto de gozos en honor a las mismas podría ser un
indicador de una práctica continuada en el tiempo. Además, se establecerán
paralelismos entre las estructuras cantadas y performativas de los gozos que
actualmente se siguen entonando en Chiloé con los que escuchamos en los países
de habla catalana.

97
 Las músicas ibero/latinoamericanas, por intermedio de sus prácticas, las
dinámicas culturales en las que se materializa y las ideas que intentan explicarlas,
conducen a contextos y realidades sociales que han de ser abordadas lejos de la
otrora dependencia unívoca entre metrópoli/colonia, centro/periferia o
Europa/América, cuya discusión y análisis hacen posibles otras maneras de
comprender y entender la realidad musical en medio de variados procesos de
negociación cultural. Los conocimientos acumulados hasta el presente llevan a
nuevos ámbitos de estudio, a la renovación de planteamientos conceptuales y
metodológicos, a saltos cualitativos en la aproximación a las músicas y los estudios
americanos que nos alejan de construcciones esencialistas de autenticidad,
identidad, etnicidad, hibridación y transculturalidad.
Esta mesa redonda pretende evitar los esquemas preconcebidos, abrir el debate
hacia los cambios y hacia la cada vez mayor y necesaria rearticulación con
diferentes ámbitos científicos que tienen a la música como objeto de estudio:
musicología, antropología, sociología, historia, semiología, ciencias de la
comunicación y otros. A partir de estas aportaciones, yuxtaposiciones y criterios
de transversalidad pueden abordarse otras perspectivas conceptuales y discursivas
relacionadas con la música y los espacios ideológico-culturales en los que ha
tenido lugar su práctica, sin desconocer la comprensión y análisis de las sociedades
ibero/latinoamericanas a partir de las músicas que consumen.

98
99
 MARÍN-LÓPEZ, Javier (Universidad de Jaén / FeMAUB)
Catedrático de Musicología en la Universidad de Jaén, director científico de la
Revista de Musicología desde 2013 y director general y artístico del Festival de
Música Antigua de Úbeda y Baeza (FeMAUB) desde 2007. Licenciado y doctor
en Musicología (Premio Extraordinario) por la Universidad de Granada. Ha
estudiado diversos aspectos de la cultura musical latinoamericana y española
durante los siglos XVI al XIX, con particular énfasis en sus procesos de
intercambio trasatlántico en el más amplio contexto europeo y global. Es fundador
y actual presidente de la Comisión de Trabajo “Música y Estudios Americanos”
(MUSAM) de la Sociedad Española de Musicología. Entre otros
reconocimientos ha recibido el Premio de Musicología “Samuel Claro Valdés’’ de
la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha editado diversas colecciones de
ensayos (SEdeM, ICCMU, Reichenberger, Dykinson) y dirigido diferentes
proyectos obtenidos en concurrencia competitiva. Es co-director de la Serie
“Ignacio Jerusalem. Obras selectas - Selected Works” (Madrid, Dairea, 2019),
junto con Drew Edward Davies y colaborador de la plataforma digital Books of
Hispanic Polyphony (BHP) del CSIC. Miembro del Consejo Estatal de las Artes
Escénicas y de la Música (INAEM) (2020-2022). + información sobre
publicaciones: <www.javiermarinlopez.com>.

OGAS JOFRÉ, Julio (Universidad de Oviedo)

Doctor en Historia y Ciencias de la Música y Licenciado en Música:
especialidad piano, actualmente es Profesor en la Universidad de Oviedo; además
ha ofrecido cursos de grado y postgrado en universidades de diferentes países.
Sus trabajos se centran en la música latinoamericana y española del siglo XX y
XXI, tanto en su vertiente académica como en la popular. En este ámbito aborda

100
temas como intertextualidad e hipertextualidad, la relación entre discurso
musical y discurso cultural, transculturación y migración, significado sonoro e
identidad, entre otros. Forma parte del Grupo de Investigación en “Música
Contemporánea de España y Latinoamérica - Diapente XXI” dentro del cual ha
participado en diferentes proyectos. Ha intervenido en congresos y publicaciones
en Argentina, España, Cuba, Francia, Uruguay, Alemania, Brasil, Portugal y
Chile.

ALONSO-MINUTTI, Ana (University of New Mexico, Albuquerque)

Profesora Titular de Musicología y subdirectora del Departamento de
Música de la Universidad de Nuevo México (Albuquerque, EE. UU.). Su trabajo
docente e investigador se centra en las prácticas contemporáneas experimentales,
así como en las tradiciones musicales de México y de la frontera México-EE. UU.
Entre sus intereses se encuentran las metodologías feministas, las epistemologías
decoloniales y las teorías interseccionales. Ha publicado su investigación en
revistas especializadas de Argentina, EE. UU. y México y ha presentado su
trabajo en Europa, Latinoamérica y el Caribe. Es coeditora del volumen
Experimentalisms in Practice: Music Perspectives from Latin America (Oxford
University Press, 2018) y autora de Mario Lavista: Mirrors of Sounds (Oxford
University Press, 2023). Actualmente, se desempeña como coeditora de la revista
Twentieth-Century Music (Cambridge University Press) y forma parte del comité
editorial encargado de la revisión de género y sexualidad del Grove Music Online.

CAPELÁN, Montserrat (Universidade de Santiago de Compostela)

Profesora del área de Música de la Universidade de Santiago de Compostela,
coordinadora del Grupo de Investigación Organistrum e IP del Proyecto I+D+i
Estudios históricos en Galicia y América financiado por la Xunta de Galicia. Tiene
un Doctorado Internacional en música por la Universidade de Santiago de

101
Compostela con Premio Extraordinario, una Licenciatura en Ciencias e Historia
de la Música por la Universidad Autónoma de Barcelona y en Filosofía por la
Universidad Central de Venezuela. Ha publicado varios libros (como autora y
como editora) y diferentes artículos en publicaciones nacionales e internacionales,
así como realizado numerosas conferencias y ponencias en diferentes partes del
mundo. En el año 2013 obtuvo el Premio Nacional del libro de Venezuela con la
publicación, en coautoría, de su obra Motetes, canciones y tonos de Atanacio Bello
Montero. Es miembro correspondiente por España de la Academia de la Historia
del Estado Carabobo, miembro (rama latinoamericana) del International
Musicological Society y forma parte de diferentes asociaciones como la MUSAM
de la Sociedad Española de Musicología.

CRANMER, David (Universidade Nova de Lisboa, CESEM)

An Anglo-Portuguese musicologist, is a member of CESEM (Centro de
Estudos da Sociologia e Estética Musical), at the Universidade NOVA de
Lisboa, and of the Portuguese inter-university research laboratory IN2PAST.
He coordinates Caravelas - Study Group for the History of Luso-Brazilian
Music. His diverse research interests include music in Portugal and Brazil from
the 18th century to the opening decades of the 20th, the cataloguing of musical
archives and libraries, the Luso-Brazilian composer Marcos Portugal, and
Camille Saint-Saëns. He is author, among other books, of Música no D. Maria
II: catálogo da coleção de partituras (2015), Peças de um mosaico: temas da história
da música referentes a Portugal e ao Brasil (2017) and coordinator of the
monographs Marcos Portugal: uma reavaliação (2012) and (with Paulo de Tarso
Salles) Heitor Villa-Lobos (1887-1959) and Europe (in preparation). He is also a
pianist and organist.

FORNARO, Marita (Universidad de la República, Montevideo)

Doctora en Musicología por la Universidad de Valladolid; ha obtenido el DEA
en Música y Espectáculo de la Universidad de Salamanca y también en
Antropología de las Sociedades Actuales de la misma universidad. Licenciada en
Musicología, en Ciencias Antropológicas y Ciencias Históricas por la
Universidad de la República de Uruguay. Actualmente es coordinadora del Centro

102
de Investigación en Artes Musicales y Escénicas y profesora adjunta del
Departamento de Musicología de la Universidad de la República, Uruguay. Ha
sido docente en varias universidades europeas y latinoamericanas; ha investigado
en Uruguay, Brasil, Venezuela, Colombia, Cuba, España, Portugal, Marruecos e
integra el Sistema Nacional de Investigadores de Uruguay. Ha sido presidenta
(2010-2012) y secretaria (2012-2014) de la rama latinoamericana de la IASPM;
es Liaison Officer del International Council for Tradicional Music para
Uuruguay. Ha obtenido el Premio de Musicología Casa de las Américas 2020.

GONZÁLEZ BARROSO, Marcela (Universidad de Oviedo)

Doctora en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo, se
desempeña como profesora en esta universidad desde 2001. Desde 2006 forma
parte del Grupo de Investigación en “Música Contemporánea de España y
Latinoamérica - Diapente XXI”. Actualmente es investigadora del Proyecto I+D
Música en España y el Cono Sur Americano: transculturación y migraciones (1939-
2001) de la Universidad de Oviedo y es investigadora invitada del Proyecto Artes
perfomáticas en Uruguay. Cuerpo, performance, género. De las instituciones
teatrales a las redes sociales, dirigido por la Dra. Marita Fornaro Bordolli
(Universidad de la República de Uruguay). Su línea de investigación está centrada
en la canción, atendiendo tanto a sus aspectos histórico-culturales, a su injerencia
en los medios de comunicación como a su importancia e influencia en la educación.
Entre sus publicaciones destacan artículos en Cuadernos de Música Iberoamericana,
Revista de Musicología o Revista Musiker, Cuadernos de Música. En 2010 editó el
libro Déjame tu voz. Poesía española en la canción de cámara argentina y tiene más de
una decena de colaboraciones en forma de capítulos de libros.

NOGUEIRA, Isabel (Universidad Federal de Rio Grande del Sur)

Compositora, artista sonora, productora musical y musicóloga. Licenciada en
Piano y Doctora en Musicología por la Universidad Autónoma de Madrid, es
profesora de la Universidad Federal de Rio Grande del Sur, Brasil, y coordinadora
del Grupo de Investigación “Sónicas: Género, Cuerpo y Música (UFRGS)”. Lanzó
varios álbumes de música experimental por sellos de Brasil, Italia, Perú y Estados
Unidos y también trabajos de canción electrónica experimental. Es especialista

103
en Deep Listening y ha publicado artículos y libros sobre música y género, creación
sonora e investigación artística. Se desempeña como artista en los proyectos Bel
Medula y duo Betamaxers, con Luciano Zanatta.

PÉREZ SÁNCHEZ, Alfonso (Universidad de Guanajuato)

Pianista y musicólogo. Profesor titular “A” adscrito al Departamento de
Música y Artes Escénicas e integrante del NAB del Posgrado en Música de la
Universidad de Guanajuato, institución educativa donde como PTC realiza
funciones sustantivas de docencia, investigación, gestión y extensión. Ha dirigido
tesis a nivel licenciatura, maestría y doctorado. Ha sido coordinador académico
de la Maestría en Artes y es responsable del claustro de musicología en dicho
Departamento. Ha participado en más de treinta congresos especializados y
publicado textos académicos relacionados con temas iberoamericanos. Es Doctor
en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Complutense de Madrid,
Maestro en Música por el San Francisco Conservatory of Music, EE. UU., realizó
su Licenciatura en música y NMST en la Universidad de Guanajato. Es miembro
del SNI, nivel 1. Su principal línea de investigación gira en torno al estudio
musicológico de la grabación sonora como reflejo de la praxis interpretativa
musical.

VERA, Alejandro (Pontificia Universidad Católica de Chile)

Profesor Titular del Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica
de Chile y tiene un doctorado en Historia y Ciencias de la Música por la
Universidad Autónoma de Madrid. Ha publicado artículos en prestigiosas revistas
como Acta Musicologica, Early Music y Revista Musical Chilena. Integra diversos
comités editoriales, como los de Eighteenth-Century Music y MGG-Online, y dirige
desde 2013 la revista Resonancias (www.resonancias.uc.cl). Entre sus libros destaca
El dulce reato de la música. La vida musical en Santiago de Chile durante el período
colonial (Casa de las Américas y Ediciones UC), también publicado por Oxford
University Press con el título The Sweet Penance of Music. Musical Life in Colonial
Santiago de Chile (2020). La versión española obtuvo el Premio de Musicología
Casa de las Américas (2018), mientras que la versión inglesa obtuvo el Premio
Robert Stevenson de la American Musicological Society (2022).

104
 BOLADO SÁNCHEZ, Andrea (Universidad de Oviedo)
Doctoranda en Historia del Arte y Musicología en la Universidad de Oviedo.
Bajo la dirección del doctor Julio Ogas, su trabajo de investigación se centra en el
estudio de las manifestaciones musicales del Cono Sur Americano presentes en
España a partir de procesos de transculturación y migración entre los años
sesenta y ochenta, dentro del género de la canción comprometida, la música pop
y el rock en castellano. Forma parte del proyecto de investigación Música en
España y el Cono Sur Americano: transculturación y migraciones (1939-2001)
(MCI-20-PID2019-108642GB-I00) y ha sido ponente en diferentes congresos,
como el VI Congreso Internacional de la Comisión de Música y Artes Escénicas
(SEdeM) o el V Congreso ARLAC/IMS, entre otros.

BRENSCHEIDT GENANNT JOST, Diana (Universidad de Sonora)

Estudió Musicología en la Universidad de Colonia, Alemania, y en la
University of Chicago, EE. UU. Es miembro del Sistema Nacional de
Investigadores (SNI-CONACYT) en México y autora de varias publicaciones
nacionales e internacionales en el ámbito de la música, las artes escénicas y el
sonido. Es maestra e investigadora de tiempo completo en el Departamento de
Bellas Artes de la Universidad de Sonora, México.

CASTRO PÉREZ, Rosalía (Universidad de Oviedo)

Graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo
donde obtiene el Premio Fin de Grado de su promoción. Ha realizado estudios
de Máster en especialidad de Educación musical en la misma universidad.
Actualmente desarrolla su Tesis Doctoral en torno a la voz de las mujeres en la
canción popular urbana en España (1965-1982) bajo la dirección del Dr. Julio
Ogas. Cuenta con una Ayuda para la Formación de Profesorado Universitario
del Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades de España. Pertenece al

105
Grupo de Investigación “Música Contemporánea de España y Latinoamérica -
Diapente XXI”. Ha participado en congresos, conferencias y publicaciones
españolas e internacionales abordando temas relacionados con su investigación
doctoral. Ha impartido horas de docencia en su universidad de origen y en la
Universidad de Leeds (Reino Unido), así como en instituciones públicas de
educación secundaria.

CEJA FERNÁNDEZ, Ladislao (Universidad de Oviedo)

Natural de Morelia, México, realizó su licenciatura en Música, especialidad
en violonchelo, en el Instituto de Música del Estado de Veracruz. Obtuvo su
grado de maestría en interpretación del violonchelo en la Universidad de las
Ciencias y las Artes de Chiapas, donde se le otorgó la mención honorífica por su
investigación sobre música y comunidades, la hibridación cultural y el rescate
patrimonial de los pueblos indígenas del México profundo. Actualmente, se
encuentra realizando su doctorado en la Universidad de Oviedo, Asturias, bajo
la dirección de la Dra. Marcela González, enfocado en los principales eventos de
música académica, en la segunda mitad del siglo XX de la ciudad de Morelia, y
su impacto tanto en la vida musical de la ciudad como en la conservación y
continuidad del patrimonio.

DE LA CRUZ RODRÍGUEZ, Susana (Universidad de Oviedo)

Actualmente cursa el tercer año del Programa Oficial de Doctorado en Historia
del Arte y Musicología en la propia universidad, donde realiza su tesis sobre La
gaita y la música asturiana y gallega en Cuba. Espacios culturales y transculturación
sonora, bajo la dirección del Dr. Julio Ogas Jofré. Realizó el Máster Universitario
en Formación del Profesorado de Educación Secundaria Obligatoria, Bachillerato
y Formación Profesional, especialidad de Música, por la Universidad de Oviedo
(2020) y el Diplomado predoctoral en Patrimonio Musical Hispano por el Colegio
Universitario San Gerónimo de La Habana. Se graduó en flauta en la Universidad
de las Artes (ISA) de La Habana, Cuba y en “Instrumentos de la Música Popular
y Tradicional de Asturias: Gaita” en el Conservatorio Profesional de Música
“Anselmo González del Valle” de Oviedo (2021).

106
 GÁNDARA FEIJÓO, Javier (Universidad de Santiago de Compostela)
Realiza en la Universidade de Santiago de Compostela su tesis doctoral sobre
teatro musical a finales del Antiguo Régimen. Pertenece al Grupo de
Investigación Organistrum (GI-2025), formando parte de sus proyectos
financiados. También integra el equipo de trabajo del Archivio Musicale
Gherardi (ArpreGo). Gándara Feijóo ha disfrutado de estancias de investigación
en Madrid (Casa de Velázquez-CCG/CSIPM-UAM) y Lisboa-Porto (Nova-
CESEM), así como participado en congresos nacionales e internacionales. En
2021 recibió el Premio Andrés Segovia-José Miguel Ruiz Morales (especialidad
de Musicología), otorgado por Música en Compostela. Entre sus publicaciones, se
encuentran “Representación a San Roque: teatro bilingüe y música incidental en
el Ourense del siglo XVIII” y “Entre autóctono y foráneo: el personaje gallego en
la tonadilla”.

MOTA MEDINA, Álvaro (Universidad Complutense de Madrid)

Titulado en piano por el Conservatorio Superior de Música de Badajoz
(2014) y en clave por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid
(2019). Posteriormente amplió su formación clavecinística en París. En 2018-
2019 cursó el Máster en Música Española e Hispanoamericana de la Universidad
Complutense de Madrid y en 2020 resultó beneficiario de una ayuda para la
Formación de Profesorado Universitario (FPU), mediante la cual está realizando
su tesis doctoral sobre la circulación de música en el Virreinato del Río de la Plata
(1776-1810), bajo la dirección de Cristina Bordas. Es miembro de la Asociación
Argentina de Musicología y de la Comisión Música y Estudios Americanos
(MUSAM) de la Sociedad Española de Musicología. Ha coordinado, junto a José
María Domínguez, las dos primeras ediciones del Seminario de filología e
interpretación musical de la ópera italiana entre los siglos XVII y XVIII de la
UCM. Ha realizado estancias de investigación en el Instituto Nacional de
Musicología Carlos Vega (Buenos Aires) y en el Archivo y Biblioteca Nacionales
de Bolivia (Sucre). Sus principales líneas de investigación son la música colonial
hispanoamericana y la música para tecla de los siglos XVII y XVIII.

107
 MORALES FLORES, Iván César (Universidad de Oviedo)
Doctor en Musicología por la Universidad de Oviedo (2015). Es autor del
libro Identidades en proceso. Cinco compositores cubanos de la diáspora (1990-
2013), Premio de Musicología Casa de las Américas (2016). Ha recibido el
Premio de Musicología “Argeliers León” de la Unión de Escritores y Artistas de
Cuba (2006). De 2005 a 2009 fue profesor y director del Departamento de
Musicología del Instituto Superior de Artes de La Habana. Actualmente es
profesor Contratado Doctor del Departamento de Historia del Arte y
Musicología de la Universidad de Oviedo, así como miembro del Grupo de
Investigación GIMCEL y de las redes internacionales de investigación
Trayectorias y MUSAM / SEdeM. Sus artículos han sido publicados en revistas
científicas como: Acta Musicologica (Kassel), Twentieth-Century Music
(Cambridge), Resonancias (Santiago de Chile), Revista de Musicología (Madrid),
Lithuanian Musicology (Vilna), Les Cahiers ALHIM (París) y Boletín Música (La
Habana).

PAJÓN FERNÁNDEZ, Alicia (Universidad de Oviedo)

Investigadora predoctoral en la Universidad de Oviedo. En su tesis doctoral,
bajo la dirección del doctor Julio Ogas, analiza el discurso en torno a la música en
los principales periódicos españoles durante la Transición española. Forma parte
del Grupo de Investigación “Música Contemporánea de España y Latinoamérica
- Diapente XXI” y, como resultado de su investigación ha publicado varios
capítulos de libro y artículos en revistas, como Cuadernos de Música
Iberoamericana o Inclusiones. Además, ha participado en varias conferencias en
España, Portugal, Alemania y el Reino Unido y ha realizado una estancia de
investigación en la Universidad de Princeton (EE. UU.).

108
 ÁLVAREZ BULACIO, Ricardo (Pontificia Universidad Católica de
Valparaíso)
Doctor (PhD) y Máster (MA) en Música de University of York (UK),
institución donde realizó dichos estudios de posgrado entre 2010-2015. En 2015
le fue otorgada la Postdoctoral Fellowship del Humanities Research Centre para
realizar un posdoctorado durante los años 2016 y 2017. Como investigador
musical ha presentado sus proyectos en conferencias, artículos académicos y libros.
Desde 2018 trabaja como Profesor Asociado de la Pontificia Universidad Católica
de Valparaíso (Chile). Actualmente desarrolla un Proyecto Fondecyt de Iniciación
de tres años financiado por la Agencia Nacional de Investigación y Desarrollo del
Gobierno de Chile, titulado El rol de las bandas de bronces civiles en Santiago y
Valparaíso en los movimientos sociales chilenos del siglo XXI.

ARES ESPIÑO, Javier (Conservatorio Superior de Música de A Coruña)

Doctor por la Universidad de Santiago de Compostela y catedrático de piano
en el Conservatorio Superior de Música de A Coruña. Realizó sus estudios de
piano en esa misma institución bajo la dirección de Natalia Lamas.
Posteriormente amplió su formación en el Centro Superior de Enseñanza
Musical Katarina Gurska, recibiendo clases de Alexander Kandelaki y Nino
Kereselidze. A través del programa de doctorado “Música na España
Contemporánea” (UGR, UB, UNIOVI y USC) inició su labor como
investigador, bajo la dirección del Dr. Carlos Villanueva. En 2016 publicó una
monografía titulada Carlos López García-Picos. Música a orillas del Atlántico,
coeditada por la Universidad de Santiago de Compostela, la Xunta de Galicia y
el Concello de Betanzos. Es miembro de Irmandade da Música Galega, forma
parte del Grupo de Investigación Organistrum de la USC y actualmente participa
en el Proyecto de I+D+i Galicia-América: Música civil, ideología e identidades
culturales a través del Atlántico (1800-1950) (PID2020-115496RB-I00).

109
 AYATS ABEYÀ, Jaume (Universidad Autónoma de Barcelona)
Músico y profesor de etnomusicología de la Universidad Autónoma de
Barcelona. Doctor en Historia del Arte (especialidad Musicología) por esta
misma universidad. Ha sido director del Museo de la Música de Barcelona entre
2012 y 2020. Ha comisariado la exposición Veus de la Mediterrània del Museu de
la Mediterrània, y es autor junto con Joaquim Rabaseda del documental Veus i
sons de la Mediterrània. Actualmente es el comisario del Any Cançoner Popular
de Catalunya. Además, dirige proyectos de investigación dentro del Grupo de
Investigación “Les músiques en les societats contemporànies” (MUSC) de la
Universidad Autónoma de Barcelona y colabora en cursos con la ESMuC.

BERG, Sílvia M.P.C. (Universidade de São Paulo, Ribeirão Preto)

Compositora, regente e docente, tendo apresentado seus trabalhos e
composições em importantes projetos, conferências internacionais e festivais
como o ISCM 2005, em Zagreb, Festival Música Nova Gilberto Mendes,
Festival de Música em Havana 2012, International Festival Cervantino (México,
em 2007, 2009 e 2010), ISPS 2017 em Reykjavík. Possui composições
encomendadas por músicos como a cantora Yuka de Almeida Prado, o pianista
Antonio Eduardo, a flautista Sara Lima e a pianista americano-mexicana Ana
Cervantes. A pianista brasileira Valeria Zanini registrou toda a obra para piano
de Silvia Berg de 1998 a 2008. Gravou suas obras especialmente encomendadas
para o CD Hildegard Now and Then em 2019 em Londres para o projeto
DONNE Women in Music. Atualmente leciona no Departamento de Música
da Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras da USP Ribeirão Preto, onde é
regente e diretora artística da Oficina Experimental do Departamento de Música
da FFCLRP.

BETHENCOURT LLOBET, Francisco J. (Universidad Complutense de Madrid)

Musicólogo y profesor de la Universidad Complutense de Madrid, realiza sus
estudios en Granada, Edimburgo y Newcastle University (PhD, 2011). El eje
central de su investigación es el “Nuevo flamenco” relacionado con conceptos de
autenticidad, hibridación transcultural y tecnología. Entre sus publicaciones
figuran: “Flamenco como popular music” (2005), “El legado de Paco de Lucía”

110
(2019), “Productores de flamenco electrónico” (2020, 2021), “Enrique Morente
y las Artes” (2022) y “Espacios performativos de flamenco: pasado y presente
tiempos de COVID” (2022). Participa en proyectos de investigación
MADMusic 1 y 2 junto con investigadores de la Universidad Veracruzana,
Xalapa. Imparte comunicaciones en Roma, México, Habana, Liverpool, Kassel y
Tokio. Paralelamente graba y produce los audiovisuales Electroflamenko (2007);
Mirar atrás (2015); Mundos (2017); Alchemy on the Air (2019), Canarios y
Flamencos (2020) y Por la Palma (2021). Participó en el Concierto solidario con
Ucrania (2022) y en el Acto in memoriam. Gerardo Arraiga (2023).

BLANCO ÁLVAREZ, Nuria

Doctora en Musicología, licenciada con grado en Historia y Ciencias de la
Música con Premio Extraordinario y especialista en Gestión Cultural, todo ello
por la Universidad de Oviedo. Compagina su labor investigadora con la docente,
como profesora de Enseñanza Secundaria y profesora del Centro Superior
Musical Arts Madrid, y es crítico musical en las revistas Codalario y Scherzo. Ha
disfrutado de estancias investigadoras en la Foundation for Iberian Music
(CUNY, Nueva York) y la Universidad de Guanajuato (México). Su principal
línea de investigación se centra en la zarzuela del siglo XIX y principios del XX
y, específicamente, en el compositor Manuel Fernández Caballero, sobre el que
realizó su Tesis Doctoral y del que ha realizado numerosas publicaciones, entre
ellas el libro Catálogo de la obra de Manuel Fernández Caballero (Codalario
Ediciones, 2019). Tiene interés por los intérpretes de la época y estudia la zarzuela
en Hispanoamérica. Ha publicado artículos y capítulos en diversos libros.

BONILLA RODILLA, Miguel Ángel (Universidad de Salamanca)

Estudiante del Máster en Música Hispana en la Universidad de Salamanca
durante curso 2022/2023. Se graduó en Historia y Ciencias de la Música por la
Universidad de Granada y cursó en la misma institución el grado en Filología
Hispánica y el Máster de Formación de Profesorado entre 2014 y 2019. Ha sido
ponente en el Congreso Internacional “Musicology and Festivals: Latin
American and Iberian Perspectives” de la Universidad Internacional de
Andalucía (2022), en el IV Seminario Internacional de Investigación en
Patrimonio Inmaterial Musical Histórico y Cultural de la Universidad de

111
Salamanca (2019) y en las Jornadas de Investigación Musical del COSCYL. Su
línea de trabajo principal es la etnomusicología, la antropología de la música y los
estudios culturales. Asimismo, se ha formado como intérprete de guitarra
especializándose en jazz, funk y rock alternativo.

BORGES CARRERA, Cintia (Universidad Autónoma de Madrid /

Universidad de Oviedo)
Doctora en Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura (EALYC, 2021,
Sobresaliente Cum Laude) por la Universidad Autónoma de Madrid, Magíster
en EALYC en la misma universidad y Graduada en Pedagogía de las Artes
Visuales y la Danza por la Universidad Rey Juan Carlos. Actualmente contratada
posdoctoral Margarita Salas por la Universidad Autónoma de Madrid
(CA1/RSUE/2021-00872), con estancia en la Universidad de Oviedo. Estudia
la reinterpretación de los textos de la danza a partir de los estudios culturales, la
perspectiva de género, la filosofía o la teoría literaria. También trabaja en torno a
los procesos coreográficos del franquismo desde un enfoque histórico, en materia
de política cultural e identidad coreográfica. Ha participado en congresos
nacionales e internacionales, publicado artículos académicos en revistas indexadas
y capítulos de obras colectivas. Por otra parte, hay que destacar su colaboración
como crítica de danza en medios de divulgación y la codirección del número 16
(2022) de la revista Red Escénica.

BOTELHO DA SILVA, Luciano (Universidad Nova de Lisboa)

Desde sua estreia no Teatro Amazonas em 2001 no papel de Tamino, A
Flauta mágica, Luciano Botelho tem se dedicado a cantar ópera nos principais
teatros do Brasil e do mundo. É a partir desta vivência com o espetáculo operático
e da paixão pelo palco cénico que surgiu seu recente interesse em pesquisar o
repertório do fim do século XIX e o fenómeno de popularidade que foi a ópera
no Rio de Janeiro e em São Paulo durante este mesmo período. Em 2021 Luciano
frequentou o primeiro ano do curso de doutoramento em Ciências Musicais na
Universidade Nova de Lisboa sob a orientação da professora Luísa Cymbron
onde agora é bolseiro da Fundacão para a Ciência e a Tecnologia. Seu objeto de
pesquisa evidencia a influência portuguesa no teatro de ópera brasileiro entre
1840 e 1914 ao posicionar o palco cênico no centro dos laços e ruturas entre os

112
dois países, em um período de consolidação de uma industria de espetáculos
transnacional que estabelece novas diretrizes para a formação de uma tradição
luso-brasileira.

CABALLERO PARRA, Carlos (Instituto Tecnológico Metropolitano de

Medellín)
Doctor de Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, Magíster en E-
Learning, Especialista en Postproducción de Audio y Maestro en Guitarra de la
Universidad de Antioquia, Colombia. Actualmente es profesor investigador y
decano encargado de la Facultad de Artes y Humanidades del Instituto
Tecnológico Metropolitano de Medellín, Colombia. Entre sus publicaciones
destacan: La producción musical en Estudio (2010), Composiciones y arreglos para
guitarra (2016), Avances del audio en Latinoamérica (2017) vol. 1 (2017) y vol. 2
(2020), Afrosound acústico para dúo de guitarras. Tramas y urdimbres de la
interpretación clásica en el rock tropical colombiano (2020).

CABRERA FRUCTUOSO, María (Universidad Rey Juan Carlos)

Doctora Cum laude en Humanidades: lenguaje y cultura por la Universidad
Rey Juan Carlos (2020). Actualmente, investigadora Margarita Salas gracias a la
financiación de la Unión Europa-Next Generation EU, el Ministerio de
Universidades y el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia. Realiza
el Grado en Pedagogía de las Artes Visuales y Danza en la URJC (2014),
obteniendo el Premio de la Excelencia Académica, y el Máster en Flamencología
en la ESMuC (2016). Ha publicado diferentes artículos científicos y participado
en diversos congresos nacionales e internacionales. Su ámbito de estudio abarca
desde investigaciones teóricas en torno a la danza española y flamenca a
investigaciones performativas a partir del concepto del cuerpo como archivo. Es
miembro del proyecto de I+D+i Cuerpo danzante: archivos, imaginarios y
transculturalidades en la danza entre el Romanticismo y la Modernidad del CSIC.
Asimismo, compagina su labor científica con la de bailarina de danza española en
compañías.

113
 CAMACHO, Sergio (Universidade de Santiago de Compostela)
Docente, compositor, autor, director e investigador. Es doctor por la
Universidad de Newcastle, en el Reino Unido, por su propuesta acerca de la
vigencia de la zarzuela como género contemporáneo. Su carrera académica y
artística se reparte entre España, Reino Unido, Suecia y Malasia, donde se ha
dedicado a la creación, producción y estudio de las artes escénicas como punto de
encuentro intercultural, abogando por la difusión internacional del repertorio
artístico español, particularmente en Asia. En la actualidad, es Investigador
Distinguido en la Universidade de Santiago de Compostela.

CARRICABURU COLLANTES, Amaya (Universidad de Salamanca)

Musicóloga, Máster en Música y Doctoranda de la Universidad de
Salamanca. Ha sido investigadora del Centro de Investigación y Desarrollo de la
Música Cubana desde 2009, donde dirige los proyectos de investigación Punto
cubano. Estudio, preservación y difusión y María Teresa Linares. Valoración de su
obra. Es editora de la revista de música Clave, y autora de los libros Mayabeque.
Cultura, historia y tradición y Cantares de Mayabeque (ambos Ediciones Cidmuc,
2015), ha colaborado con publicaciones como Popular Music Research Today. Es
la coordinadora y productora musical de la serie discográfica “Por los campos de
Cuba” (Producciones Colibrí). Es miembro de la Rama Latinoamericana de la
Asociación Internacional para el Estudio de la Música Popular (IASPM-AL) y
de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (Uneac). Es Premio de la Academia
de Ciencias de Cuba 2017.

CEIDE, Manuel J. (Conservatorio de Música de Puerto Rico)

Compositor, director especializado en música de cámara y bajista. Estudió en
el Real Conservatorio de Madrid, Berklee College of Music de Boston,
Conservatorio de Rotterdam y Hogeschool loor de Kunsten Utrecht, Holanda.
Catedrático del Departamento de Composición, Conservatorio de Música de
Puerto Rico. Miembro del claustro de profesores de la Maestría en Gestión del
patrimonio histórico documental de la música de la Universidad de La Habana.
Fundador y director artístico de Álea 21 de música contemporánea, en el
Conservatorio de Música de Puerto Rico. Dirigió el estreno de la versión de

114
cámara en español de El Cimarrón de Hans Werner Henze. Fundador y director
artístico del Festival Flores y Balas, centrado en vanguardias en el Caribe. Jurado
del Premio de Composición Casa de las Américas 2017. Como compositor ha
llevado a cabo una intensa actividad internacional, caracterizada por conceptos
colectivos de interacción con los intérpretes, y frecuentes referencias teatrales y
literarias como punto de partida estructural.

CORTIZO, María Encina (Universidad de Oviedo)

Catedrática de Musicología en la Universidad de Oviedo, donde ha dirigido una
veintena de tesis doctorales. También ha dirigido el Coro de la Universidad de
Oviedo de 1993 a 1995. Actualmente coordina el Grupo de Investigación
ERASMUSH. Su principal campo de investigación es la zarzuela y la ópera
española del siglo XIX y principios del XX. En 1998 publicó el monográfico de
referencia sobre Emilio Arrieta; también ha publicado obras de lírica española de
Barbieri, Arrieta, Chueca, Barrios y Torrandell, junto con las óperas Ildegonda y La
Conquista de Granata de Emilio Arrieta, e Il disoluto punito ossia Don Giovanni
Tenorio y Elena e Malvina de Ramón Carnicer, en colaboración con Ramón
Sobrino.

DELGADO, Julián (Universidad de San Martín / CONICET-Universidad

Nacional Antonio Jauretche)
Doctor en Historia (Universidad de Buenos Aires) y Doctor en Historia,
Música, Sociedad (Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales, Francia),
Magíster en Ciencias Sociales con especialidad Música (Escuela de Altos Estudios
en Ciencias Sociales, Francia) y Profesor de Enseñanza Media y Superior en
Historia (Universidad de Buenos Aires). Es profesor en la Universidad Nacional
Arturo Jauretche y en la Universidad Nacional de Quilmes. Es becario del
CONICET, con lugar de trabajo en Escuela Interdisciplinaria de Altos Estudios
Sociales de la Universidad Nacional de San Martín. Participa de distintos
proyectos de investigación y ha publicado artículos y capítulos de libro sobre la
historia del rock y la música popular argentina. Ha compilado, junto a Mauricio
Schuttenberg, el libro Construir sobre los escombros. Política y cultura en la Argentina

115
poscrisis del 2001 (Editorial UNAJ, 2018). Es autor del libro Tu tiempo es hoy. Una
historia de Almendra (Eterna Cadencia, 2017).

ELI RODRÍGUEZ, Victoria (Universidad Complutense de Madrid)

Profesora titular de la Universidad Complutense de Madrid. Licenciada en
Historia por la Universidad de La Habana (1978) y en Música en la especialidad
de Musicología, por el Instituto Superior de Arte (1981), obtuvo el título de
Doctora en Filosofía, en la especialidad de Musicología, en la Universidad
Humboldt de Berlín (1987). Entre 1978 y 1997 fue investigadora titular y
directora del Departamento de Investigaciones Fundamentales en el Centro de
Investigación y Desarrollo de la Música Cubana (CIDMUC). Desde 1982 hasta
1997 fue profesora de la cátedra de Musicología de la Facultad de Música del
Instituto Superior de Arte (ISA) de Cuba. A partir de 1997 fue directora adjunta
de la edición del Diccionario de la música española e hispanoamericana (Madrid:
Instituto Complutense de Ciencias Musicales-Sociedad General de Autores y
Editores, 1999-2002) y ese mismo año comenzó su trabajo en la Universidad
Complutense de Madrid.

ELYNN, Tan (University of Nottingham Malaysia)

Investigadora cultural e intérprete de múltiples instrumentos tradicionales
chinos. Actualmente está realizando su doctorado en la Universidad de
Nottingham Malasia, con un proyecto sobre las orquestas chinas en Malasia y su
performatividad en diferentes espacios. Actualmente es la directora adjunta de la
plataforma de artes escénicas de la UNM Uni Per Arts.

ESCORCIO PEREIRA, Ricardo (Universidad Complutense de Madrid)

Músico venezolano-portugués, licenciado en Artes (Cum Laude), mención:
Musicología, en la Universidad Central de Venezuela (UCV), Licenciado en
música, mención: Composición en la Universidad Nacional Experimental de las
Artes (UNEARTE) y Máster en Música Hispana en la Universidad de
Valladolid. Como compositor, ha recibido diversos galardones tanto en
Venezuela como en el exterior con obras para grandes (orquesta, coro y cámara)
y pequeños formatos (guitarra). Asistió en 2019, gracias al apoyo de la Embajada

116
de España en Venezuela, al Festival MIXTUR en Barcelona como estudiante
activo. En 2021 obtiene una beca del Programa Iberoamérica + Asia de la
Universidad de Valladolid para cursar estudios de Máster en Música Hispana en
dicha ciudad. Actualmente realiza estudios de Doctorado en Musicología en la
Universidad Complutense de Madrid y trabaja en la creación de nuevas obras
musicales e investigaciones en torno a las conexiones culturales entre España y
Venezuela.

ESCUDERO, Miriam (Universidad de La Habana / CIDMUC)

Doctora y musicóloga. Dirige el Gabinete de Patrimonio Musical Esteban
Salas de la Oficina del Historiador de La Habana. Es investigadora titular del
Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana (CIDMUC) y
profesora titular del Colegio Universitario San Gerónimo de La Habana
(Universidad de La Habana), donde ha implementado la Maestría en Gestión del
Patrimonio Histórico-Documental de la Música. Participa y dirige proyectos de
investigación relacionados con la música de Latinoamérica en el período colonial.
Edita y dirige el boletín digital El Sincopado Habanero y las colecciones “Música
Sacra de Cuba, siglo XVIII”, “Patrimonio Musical Cubano” y “Documentos
sonoros del patrimonio musical cubano” (audiovisual). Sus investigaciones han
sido galardonadas con el Premio de la Academia de Ciencias de Cuba (2019,
2015, 2010), Premio de la Academia Cubana de la Lengua (2013) y Premio de
Musicología Casa de las Américas (1997).

FALLARERO VALDIVIA, Claudia (Universidad de La Habana/ CIDMUC)

Doctora en Musicología por la Universidad de Valladolid, España (2017).
Licenciada en música con perfil en Musicología por la Universidad de las Artes,
ISA (2007). Especialista en el Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas
(Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana). Profesora del Colegio
Universitario San Gerónimo de La Habana (UH) en el programa de Maestría en
Gestión del Patrimonio Histórico-Documental de la Música (2015-2023),
Universidad de La Habana. Investigadora del Centro de Investigación y
Desarrollo de la Música Cubana. Autora de libros dedicados al estudio de la
música religiosa del compositor Juan Paris (siglo XIX) (Ediciones CIDMUC,
2011 y 2012). Autora de textos sobre música teatral y de salón en La Habana del

117
siglo XIX. Sus resultados de investigación han sido distinguidos con el Premio
de la Academia de Ciencias de Cuba, 2019 y 2017.

FELLONE, Ugo (Universidad Internacional de Valencia)

Doctor en Musicología por la Universidad Complutense de Madrid.
Actualmente desempeña labores como coordinador del Grado en Musicología de
la Universidad Internacional de Valencia, en la que imparte asignaturas vinculadas
con la sociología de la música, las músicas del mundo y las músicas populares. Sus
principales líneas de investigación se centran en las músicas populares urbanas,
habiendo publicado en diversas revistas y monografías trabajos relacionados con la
crítica musical, la intertextualidad o los géneros musicales.

FERNANDES ROSA, Luciana (Faculdade de Música de Espírito Santo,

Vitória)
Violoncelista, professora e pesquisadora em música brasileira. É professora
na Faculdade de Música do Espírito Santo. Tem doutorado música pela
Universidade de São Paulo, mestrado em performance pela Louisiana State
University e é bacharel e licenciada em música pela USP. Apresentou trabalhos
acadêmicos e ministrou oficinas na Espanha, México, Cuba e em várias
universidades brasileiras, além de ter diversas publicações em periódicos de
referência. É membro do projeto temático O Musicar Local - Novas trilhas para a
Etnomusicologia, com apoio da FAPESP. Fez parte da equipe de pesquisa do
processo de reconhecimento do choro como Patrimônio Cultural do Brasil junto
ao Instituto de Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN). Tocou em
diversas orquestras no Brasil e EUA. Tem importante atuação na música
popular, tendo tocado com expressivos artistas no país.

FERRANDO CUÑA, Juanma (Universidad de Salamanca)

Doctor en Arte y Musicología por la Universidad Autónoma de Barcelona con
una tesis dirigida por el profesor Jaume Ayats. Sus líneas de investigación son los
cantos y las expresiones sonoras colectivas en la mediterránea noroccidental, y la
investigación etnomusicológica en el País Valenciano. En la actualidad es profesor
asociado del Departamento de Didáctica de la Expresión Musical de la

118
Universidad de Salamanca (campus de Ávila), y profesor del Área de Música de
la Facultad de Educación de la Universidad Internacional de la Rioja.

FOUZ MORENO, María (Universidad de Oviedo)

Doctora en Historia del Arte y Musicología por la Universidad de Oviedo,
institución que le otorga el Premio Extraordinario de Doctorado. Su línea de
investigación se centra en el estudio de los intercambios musicales entre
Argentina y España en el ámbito de la música académica y cinematográfica en el
siglo XX. Este aspecto la lleva a participar como ponente en congresos y
publicaciones nacionales e internacionales, entre las que sobresale el libro La
música de Isidro B. Maiztegui Pereiro en el contexto hispano-argentino. Migración,
cine y sonidos de la identidad (Editorial Libargo, 2022). En la actualidad, forma
parte de los proyectos de investigación Música en España y el Cono Sur Americano:
transculturación y migraciones (1939-2001) (MCI-20-PID2019-108642GB-I00)
de la Universidad de Oviedo y Galicia-América: Música civil, ideología e
identidades culturales a través del Atlántico (1800-1950) (PID2020-115496RB-
I00) de la Universidad de Santiago de Compostela.

FUENTES DÍAZ, Joaquín (Universidad Politécnica de Valencia)

Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Facultad de Letras de
La Cartuja de Granada. Posee el Máster de Investigación de la Universidad
Católica de Valencia donde presentó el trabajo sobre el músico valenciano
Francisco Cabo: La música de Francisco Cabo en la Catedral de Orihuela (1790-
1796) y Master de Dirección y Pedagogía Coral por la Universidad Internacional
de la Rioja. Actualmente es doctorando en la Universidad Politécnica de Valencia
y ejerce como profesor de Música en ESO y Bachillerato. Es miembro de la
SEdeM y ha participado en otros congresos tales como el VII Congreso de
Musicología de la SEdeM en noviembre 2008 en Cáceres o el II Congreso
MUSAM organizado por la Sociedad Española de Musicología entre los días 24-
25 de octubre de 2019 en la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente
es profesor de música en Enseñanza Secundaria Obligatoria y Bachiller.

119
 FUGELLIE, Daniela (Universidad Alberto Hurtado, Santiago de Chile)
Profesora asociada y directora del Instituto de Música de la Universidad
Alberto Hurtado, Chile. Es doctora en musicología por la Universidad de las
Artes de Berlín y actualmente es investigadora responsable del proyecto El
serialismo en América Latina como técnica cultural (Fondecyt regular 1220792).
Entre sus áreas de investigación se cuenta la música docta latinoamericana de los
siglos XX y XXI, la historia cultural de la música y las trayectorias musicales
entre América Latina y Europa. Ha publicado artículos y capítulos de libros en
diversos países y es autora del libro “Musiker unserer Zeit”. Internationale
Avantgarde, Migration und Wiener Schule in Südamerika (Múnich: text + kritik
2018). Es miembro del comité editorial de Twentieth-Century Music y miembro
fundador de la red internacional de investigadores Trayectorias
(www.trayectorias.org).

GARCÍA FERNÁNDEZ, Isaac Diego (Universidad Internacional de La Rioja)

Doctor en Musicología (Universidad de Oviedo), compositor y artista sonoro.
Aparte de su formación como musicólogo y pedagogo, ha estudiado guitarra
clásica, laúd renacentista, canto y dirección coral. Desde 2004 cultiva, además, el
canto armónico o difónico con diversos maestros, como Llorenç Barber, Michael
Ormiston y Cándida Valentino. En 2009 realizó una estancia en la Experimental
Intermedia Foundation de Nueva York, donde fue asistente del compositor y
videoartista Phill Niblock. Ha sido profesor en la Universidad Europea de Madrid
(UEM) e investigador invitado en la Universidad de la Ciudad de Nueva York
(CUNY), y actualmente es profesor-investigador en la Universidad Internacional
de La Rioja (UNIR). Su compromiso con el arte y la música contemporánea se
materializa en una multitud de artículos académicos y divulgativos, capítulos de
libros, textos para catálogos, reseñas y conferencias en congresos nacionales e
internacionales. Entre sus principales publicaciones, cabe destacar Conversaciones
en Nueva York: sobre arte sonoro, música experimental e identidad latina, volumen
publicado en 2020 en versión bilingüe por Edict Oràlia Música.

120
 GARCÍA-PEINAZO, Diego (Universidad de Córdoba)
Profesor Contratado Doctor del Área de Música de la Universidad de
Córdoba. Previamente, fue Profesor Ayudante Doctor en el Departamento de
Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada. Doctor
(Mención Internacional) por la Universidad de Oviedo (Premio Extraordinario
de Doctorado). Entre 2011 y 2015 fue beneficiario del Programa de Formación
del Profesorado Universitario (FPU-MECyD) en el Departamento de Historia
del Arte y Musicología (Universidad de Oviedo). Licenciado en Historia y
Ciencias de la Música (Premio Fin de Carrera y Premio Extraordinario de
Licenciatura) por la Universidad de Oviedo. Premio de Musicología 2016
(Sociedad Española de Musicología) por su trabajo Rock Andaluz: Significación
musical, identidades e ideología en la España del tardofranquismo y la Transición
(1969-1982) y First Prize del Otto Mayer Serra Award for Music Research
(EE.UU., 2020).

GARCÍA TORRES, Andrea (Universidad de Alicante)

Profesora Ayudante Doctora en la Universidad de Alicante. Ha obtenido el
Premio Extraordinario de Doctorado en la Universidad de Oviedo en 2022, con
una tesis sobre el compositor Manuel Nieto que está en proceso de publicación.
Ha sido becaria FPI entre 2018 y 2021 y durante este tiempo ha realizado
estancias internacionales en la Universidad de California Riverside, Universidad
de Arizona, y en la Sorbona, esta última en su etapa postdoctoral. Algunos de sus
trabajos han sido publicados en revistas como Anales cervantinos, Anuario
Musical y Cuadernos de Música Iberoamericana, y en editoriales como Brepols,
UNED, Universidad de Oviedo y Dykinson.

GONZÁLEZ, Juan Pablo (UCM / Universidad Alberto Hurtado)

Doctor en Musicología por la Universidad de California, Los Ángeles, director
del Magíster en Musicología Latinoamericana y de la revista Contrapulso de la
Universidad Alberto Hurtado de Chile, coordinador de la Asociación Regional
para América Latina y el Caribe de la Sociedad Internacional de Musicología,
ARLAC/IMS y Profesor Visitante de la Universidad Complutense de Madrid.
Entre 2002 y 2018 condujo el proyecto músico-teatral Del Salón al Cabaret,

121
dedicado al rescate y proyección de música popular del pasado, realizando una
decena de montajes. Junto a sus abundantes artículos en revistas académicas,
accesibles en Academia.edu, se destacan sus tres últimos libros: Pensar la música
desde América Latina. Problemas e interrogantes, con cinco ediciones en Chile,
Argentina, Brasil y Estados Unidos hasta 2021; Violeta Parra. Tres discos autorales
(en coautoría) (2018); Música popular chilena de autor. Industria y ciudadanía a
fines del siglo XX (2022) y Música popular autoral de fines del siglo XX. Estudios
intermediales (ICCMU, 2023).

GONZÁLEZ MORENO, Liliana (Laboratorio de Aprendizaje e Investigación

Musical, San Juan, Puerto Rico)
Musicóloga. Candidata a doctora en Musicología por la UNAM con la tesis
Federico Smith (1929-1977). Exilio, utopía, música y alteridad. Integra el claustro
de la maestría en Gestión del patrimonio histórico-documental, Universidad de
La Habana. Profesora en el Conservatorio de Música de Puerto Rico y
coordinadora del Festival Flores y balas de música de vanguardia caribeña. Sus
estudios se centran en Latinoamérica y el Caribe hispano y comprenden: músicas
populares urbanas; vanguardias de los sesenta y setenta; historiografía, teorías
biográficas y edición crítica; análisis poliartísticos, escenas, performance y
comunicación musical. Autogestiona y desarrolla la primera edición crítica de
obras del compositor Federico Smith. Colabora en los proyectos El serialismo en
América Latina como técnica cultural (Fondecyt Regular 2022, Chile); Historia de
la zarzuela en España e Hispanoamerica (América Iber Música); y The Routledge
Companion to Diasporic Jazz Studies. Fungió como jurado del Premio de
Musicología Casa de las Américas, 2022.

GUERRERO, Juliana (CONICET / Universidad de Buenos Aires)

Licenciada y Profesora de Enseñanza Media y Superior en Artes, Doctora en
Historia y Teoría de las Artes, por la Universidad de Buenos Aires, Argentina.
Fue becaria del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas
(CONICET), del Deutscher Akademischer Austausschdienst (DAAD) y del
programa Erasmus Mundus. Fue secretaria de la Asociación Argentina de
Musicología e investigadora del Instituto Nacional de Musicología “Carlos

122
Vega”. Su área de investigación es la música popular argentina, en particular, el
folclore y los archivos musicales. Ha estudiado además el humor musical.
Recientemente publicó el libro Música y humor en la obra de Les Luthiers
(Ediciones UNL/EUDEBA, 2020). En la actualidad, se desempeña como
Investigadora adjunta en el CONICET, es docente de la Facultad de Filosofía y
Letras (UBA) y es editora asociada de la revista académica El oído pensante.

GUTIÉRREZ RICO, Alicia (Universidad de Oviedo)

Nacida en Zamora en 1997. Comenzó sus estudios en el Conservatorio
Profesional de Música de Salamanca y los finalizó en el Conservatorio
Profesional de Música “Anselmo González” del Principado de Asturias,
obteniendo la titulación de interpretación de bombardino. Titulada en el grado
de Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo en 2023.

JUAN DE DIOS CUARTAS, Marco Antonio (Universidad Complutense de

Madrid)
Doctor en Musicología e Ingeniero de Audio. Es miembro de la ASARP
(Association for the Study of the Art of Record Production), la SEdeM
(Sociedad Española de Musicología), donde forma parte de la Comisión de
grabaciones, y de la SIBE-Sociedad de Etnomusicología, donde coordina el grupo
de trabajo en producción musical. Ha escrito numerosos artículos científicos
relacionados con la influencia de la tecnología en los procesos creativos y la
evolución del diseño sonoro dentro de la producción musical y cinematográfica.
Ha coeditado diferentes libros como Los nuevos métodos de producción y
difusión musical de la era post-digital (2018). En la actualidad es Profesor
Ayudante Doctor del Departamento de Musicología de la Universidad
Complutense de Madrid. Desde febrero de 2020 es secretario de la sección
española de la AES (Audio Engineering Society).

KOEGEL, John (California State University, Fullerton)

Dr. John Koegel conducts research on U.S. and Mexican musical topics,
particularly musical theater, music and immigration, and wind band music. His
Music in German Immigrant Theater: New York City, 1840-1940 (2009) was

123
given the Irving Lowens Book Award of the Society for American Music. He is
currently working on the musical edition Mexican American Music from
California, circa 1830-1930: The Lummis Wax Cylinder Collection and Other
Sources, and the book Music and Theater in Mexican Los Angeles, 1830-1930. His
scholarly articles and reviews appear in journals such as the Journal of the
American Musicological Society, Journal of the Society for American Music,
American Music, Journal of the Royal Musical Association, Revista de Musicología,
Heterofonía, and Historia Mexicana. His book chapters appear in essay
collections published by Oxford, Cambridge, California, and Chicago university
presses. Koegel has received research fellowships from the National Endowment
for the Humanities, American Council of Learned Societies, American
Philosophical Society, and other organizations.

LECUEDER ARBIZA, Ana Virginia (Universidad de la República

Montevideo)
Doctora en Derecho y Ciencias Sociales (Universidad de la República de
Uruguay) y Diplomada en Estudios en Gestión Cultural (UdelaR). Estudiante
avanzada de la Licenciatura en Musicología (Instituto de Música, Facultad de
Artes, UdelaR). Docente investigadora en el Centro de Investigación en Artes
Musicales y Escénicas (CIAMEN), Facultad de Ciencias Sociales, Centro
Universitario Regional Litoral Norte de la Udelar. Es miembro del Grupo I+D
“Artes Performáticas y Sociedad” (GIDMAPS).

LIBERAL, Ana María (Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo,

Oporto)
Profesora en la Escola Superior de Música e Artes del Espectáculo del
Instituto Politécnico de Porto (ESMAE-P.PORTO). Doctora en Historia de la
Música por la Universidade de Santiago de Compostela es investigadora en la
delegación P.PORTO del Centro de Estudios de Sociología e Estética Musical
(CESEM), con sede en la Universidade Nova de Lisboa, en CARAVELAS -
Núcleo de Estudos da História da Música Luso-Brasileira, y en Organistrum, con
sede en la Universidade de Santiago de Compostela. Colabora con la Fundación
Casa da Música haciendo conferencias previas a los conciertos y conciertos

124
comentados con la Orquesta Sinfónica de Porto Casa da Música y escribiendo
notas de programa para varios conciertos. Sus líneas de investigación se centran
en el patrimonio musical portugués y en las relaciones musicales entre Portugal,
Europa e Iberoamérica en los siglos XIX y primera mitad del XX. Ana María
Liberal ha publicado varios libros y artículos en revistas nacionales e
internacionales sobre estas temáticas.

LLOP, Ester G. (Investigadora independiente)

Licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Autónoma
de Barcelona. Doctora en Arte y Musicología en la misma universidad con la tesis
El cant dels goigs orals a Catalunya i Andorra, dirigida por el profesor Jaume Ayats.
Ha investigado sobre músicas orales en los Pirineos y Lleida y ha realizado
publicaciones al respecto. Entre otros, es coautora del libro Los Cantadors: cants
religiosos de tradición oral de les Garrigues, el Segrià, la Noguera, el Pla d’Urgell i l’Urgell.

MALÁN CARRERA, Fabricia (Universidad de la República, Montevideo)

Licenciada en Musicología por la Universidad de la República de Uruguay,
realizó el Diplomado Iberoamericano en Patrimonio Sonoro y Audiovisual
(Fonoteca Nacional y Centro de Capacitación Televisiva de México).
Actualmente cursa el Doctorado en Música opción Musicología en la
Universidad Católica Argentina. Realizó el curso “Escuela de Archivos para
Iberoamérica” en Madrid. Trabajó en el Centro de Documentación Musical
Lauro Ayestarán (MEC), en el Archivo Zitarrosa, actualmente trabaja en el
Acervo Musical Valdense y en Radiodifusión Nacional del Uruguay como
coordinadora del Archivo Fonográfico y como programadora. Ha participado en
diversos proyectos de investigación en la UdelaR desde 1996, donde es
investigadora del Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas
(CIAMEN), Facultad de Ciencias Sociales, Centro Universitario Regional
Litoral Norte. Es miembro del Grupo I+D “Artes Performáticas y Sociedad”
(GIDMAPS).

125
 MALLADA ÁLVAREZ, Jonathan (Universidad de Oviedo)
Graduado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo,
con Premio Extraordinario Fin de Grado. Además, en dicha Universidad ha
cursado el máster interuniversitario en Patrimonio Musical por las Universidades
de Oviedo, Granada y UNIA, siendo al mismo tiempo becario de colaboración
del MECD en el Departamento de Historia del Arte y Musicología. Ha sido
becario predoctoral FPU (2020-2023) dentro del programa de doctorado en
Historia del Arte y Musicología de la Universidad de Oviedo y participado en
más de una veintena de congresos nacionales e internacionales. Su tesis, El teatro
Apolo de Madrid entre 1886 y 1913: Estudio de la “Catedral” del género chico a
través de fuentes hemerográficas digitales, dirigida por María Encina Cortizo,
obtuvo la máxima calificación de Sobresaliente cum laude, siendo propuesta por
unanimidad para el Premio Extraordinario de Doctorado. Actualmente disfruta
de un contrato postdoctoral (2023/24) en la Universidad de Oviedo.

MODESTO, Márcio (Universidade de São Paulo)

Pianista, flautista e arranjador, Professor Substituto no Departamento de
Teoria da Arte e Música da Universidade Federal do Espírito Santo (UFES) e
Mestre em Musicologia (2020) pela Universidade de São Paulo (USP),
instituição onde cursa atualmente o Doutorado. Sua área de atuação como
músico e pesquisador se concentra nos gêneros da música popular brasileira,
destacando-se o choro e o samba. Entre 2018 e 2022 participou de diversos
simpósios e congressos, como o X Congresso Internacional de Musicologia da
Casa das Américas (Havana) e XV Congresso da Sociedade de Etnomusicologia
(Oviedo), além do IV e V Congressos da ARLAC/IMS. Publicou artigo no
volume En, desde y hacia las Americas: músicas y migraciones transocéanicas
(Dykinson), publicado pela MUSAM (2021). Integra como pianista o grupo de
música instrumental Ôctôctô, que se apresentou no Festival Jazz a la Calle, no
Uruguai (2019), Alemanha, Portugal (2014), EUA e Inglaterra (2015).

MARTÍN NIEVA, Helena (La Salle, Universitat Ramon Llull)

Arquitecta (2006, URL) y musicóloga (2009, UAB). Profesora en el
Departamento de Filosofía y Humanidades de La Salle-URL de Barcelona desde

126
2004. Su investigación se centra en los campos de la historia del arte, la historia
de la música y la historia de la arquitectura en el siglo XX. Su obra publicada
incluye: “Dau al Set Deciphered in Sounds” (2018), “Opening Pandora’s Cage:
‘Open Music’ and John Cage in Barcelona, 1960-1970” (2019), “El apoyo de los
institutos de cultura extranjeros a la música de vanguardia en Barcelona” (1939-
1974) (2019) y es coeditora de Music and Resistance: From 1900 to the Present
(2022). Es miembro del equipo editorial de Revista de Musicología de la SEdeM.
Ha sido investigadora del proyecto interuniversitario I+D+i Music and Dance in
Sociocultural, Identity and Political Processes during the Second Francoism and the
Democratic Transition, liderado por la UAB.

MARTÍNEZ DOMINGO, Carlos (Universidad Nacional de Educación a

Distancia)
Graduado en Lengua y Literatura Españolas por la UNED, tiene el Título
Superior de Música (Interpretación-Guitarra) con mención de honor por el
Conservatorio Superior de Música de Valencia. Asimismo, ha seguido estudios
de posgrado en la ESMuC de Catalunya con Àlex Garrobé y está realizando
actualmente el doctorado en la UNED. Ha ejercido la docencia en institutos de
educación secundaria y en conservatorios de música. En el campo de la
investigación, está especialmente interesado en las relaciones música-literatura y
en retórica musical, áreas sobre las que ha escrito artículos y presentado
ponencias en varias universidades europeas. Como intérprete, ha actuado en salas
de España y Europa, tales como el Palau de la Música de Valencia o el Arvo Pärt
Centre (Laulasmaa, Estonia). Es miembro del Proyecto +PoeMAS, La poesía en
la música popular contemporánea, con financiación del Ministerio de Ciencia e
Innovación (PID2021-125022NB-I00).

MARTINO, Silvina (Universidad Nacional de las Artes / Universidad

Católica Argentina)
Doctoranda en Musicología en la Universidad Católica Argentina, es docente-
investigadora categorizada en el Departamento de Artes Musicales de la Universidad
Nacional de las Artes e investigadora invitada del Instituto de Investigación
Musicológica Carlos Vega (UCA). Es Licenciada en Artes Musicales, Orientación
Canto, por el Departamento de Artes Musicales de la Universidad Nacional de las

127
Artes y Profesora Superior de Música, Especialidad Canto, de esa misma casa de
estudios. Como cantante lírica, egresó del Instituto Superior de Arte del Teatro
Colón (Buenos Aires). Obtuvo por concurso la cátedra de canto en el DAMUS-
UNA, donde también es profesora de italiano aplicado al canto. Desde 2018 codirige
equipos de investigación acreditados por la UNA y tiene a cargo la tutoría de tesinas
y la dirección de becas CIN, otorgadas por el Consejo Interuniversitario Nacional.
Ha participado como ponente en reuniones científicas de alcance nacional y
latinoamericano y publicado algunos resultados de sus investigaciones. Es miembro
activa de la Asociación Argentina de Musicología.

MASQUIARÁN DÍAZ, Nicolás Francisco (Universidad de Concepción)

Es profesor de música, musicólogo y doctor en Historia, becario de la Agencia
Nacional de Investigación y Desarrollo (ANID) / Programa de Becas / Becas de
Doctorado Nacional 21200057. Académico del Departamento de Música de la
Universidad de Concepción para las áreas de cultura musical y tecnologías.
Divulgador de la música chilena en diversos medios de comunicación locales, con más
de veinte años de experiencia radial. Ex directivo de la Sociedad Chilena de
Musicología y IASPM-AL y socio de la socio de la Asociación Argentina de
Musicología. Como investigador, ha abordado diferentes facetas de la música local
del Biobío, Chile, desde una perspectiva predominantemente histórico-musicológica,
además de aspectos pedagógicos de la formación inicial docente en música.

MILELLA, Francesco (University College Dublin)

He obtained his doctoral degree at the University of Cambridge. His project
examined the activity of the Spanish tenor Manuel García in postcolonial Mexico
City between 1826 and 1828. His current research investigates operatic
networks across the Atlantic Ocean between the eighteenth and nineteenth
century in the context of the Spanish imperial decline. He studied in Italy
(Modern Literature, BA; Musicology, MA) and The Netherlands (MA, Politics
of Culture). His research has been published by Cambridge University Press,
University of California Press, Hollitzer-Verlag, Bollettino del Centro
Rossiniano di Studi. In 2023 he was awarded the First Prize in the annual Otto
Mayer-Serra Award. Alongside his academic career, Francesco works as a music
critic and advisor for musical magazines and cultural institutions in Europe and

128
Latin America (Orchestra Sinfonica di Milano, Accademia Chigiana - Siena,
Museo Nacional de Arte of Mexico City - MUNAL, National Broadcastic
System of Mexico - IMER).

MIRANDA, Laura (Universidad de Oviedo)

Profesora en el Departamento de Historia del Arte y Musicología de la
Universidad de Oviedo. Centra su investigación en dos áreas principales: la
música cinematográfica española y sus diálogos con América y la estimulación
musical en Educación Infantil. Ha publicado Canciones en el cine español de
autarquía (Shangrilá, 2018), en la actualidad trabaja en su nueva monografía,
Spanish Film Music, 1939-1950: Music and Image in the Autarkic Period
(Routledge) y es editora del Routledge Handbook to Spanish Film Music. Ha
realizado estancias de investigación en el Institute of Popular Music, University
of Liverpool (beca FPI, 2009), en la Universidad de Buenos Aires (beca
Santander Iberoamérica, 2016) y en la University of California Riverside (beca
José Castillejo - Fulbright, 2022). También co-dirige el Congreso Internacional
de Cine e Identidades CICI, que se celebra bienalmente en Oviedo.

MONARI, Giorgio (Sapienza Università di Roma)

Giorgio Monari se licenció en Lenguas y Literaturas Modernas summa cum
laude en 1992 y se doctoró en Historia y Análisis de las Culturas Musicales en la
Universidad Sapienza de Roma. Se diplomó en dirección coral en el
Conservatorio de Música de Bari. Colaborador de la Universidad Sapienza de
Roma, impartió clases en la Pontificia Universidad Gregoriana. Ha publicado
estudios sobre la estética de la interpretación musical, la historia de los conceptos
musicales y las relaciones entre Europa y América Latina. Entre sus publicaciones
destacan “Cristoforo Colombo, la prima volta all'opera” (Roma 1691) (Strenna
dei Romanisti, 2021), “Entre la historiografía y la etnografía musical
latinoamericana: la música indígena en la obra de Jean de Léry (1536-1613)”
(Caravelas, 2019), “Huellas de oralidad en un villancico portugués del siglo XVI
con versos de Luís de Camões” (Nuevas perspectivas en torno al villancico, 2018),
“Heitor Villa-Lobos e os Tupinambás: Nacionalismo, Modernismo e Pos-
modernismo em dois Canide ioune – Sabath” (Caravelas, 2013).

129
 MORO VALLINA, Daniel (Universidad de Oviedo)
Doctor en musicología por la Universidad de Oviedo y titulado en piano por
el Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias. Su tesis
doctoral sobre el compositor vasco Carmelo Bernaola fue galardonada con el
Premio de Investigación Musical Orfeón Donostiarra-UPV/EHU y el Premio
Extraordinario de Doctorado de la Universidad de Oviedo. Sus publicaciones
incluyen dos monografías sobre Bernaola (UPV, 2019) y sobre el músico
madrileño Miguel Ángel Coria (ICCMU, 2022, en coautoría con Ángel
Medina), además de varios artículos sobre música española contemporánea
publicados en Cuadernos de Música Iberoamericana, Anuario Musical, Perspectives
of New Music, Revista Musical Chilena, Resonancias o Música Hodie. Miembro
del proyecto I+D Música en España y el Cono Sur Americano: transculturación y
migraciones (1939-2001) (MCI-20-PID2019-108642GB-I00), en la actualidad
es Profesor Ayudante Doctor del Departamento de Historia del Arte y
Musicología de la Universidad de Oviedo.

NAGY, Ella Bernadette (Conservatorio Giacomo Puccini, La Spezia)

Estudió filología y musicología en la Universidad de Padua. Durante sus
estudios realizó estancias de investigación en Santiago de Compostela, Barcelona
y Montpellier. Tras su doctorado (2017) fue becaria de la Accademia della Crusca,
la Fondazione Cini de Venecia, el Archivio Bergamasco y la Sociedad Italiana de
Musicología. También ha enseñado en las universidades de Bolonia y Nápoles y
en el Conservatorio de música de Adria. Actualmente gestiona la biblioteca del
Conservatorio de La Spezia. Sus áreas de investigación incluyen la historia y el
repertorio de los instrumentos de cuerda pulsada, la relación entre texto y música
en la Edad Media, la lírica gallego-portuguesa y la música latinoamericana.
Paralelamente a sus actividades de investigación y docencia, se dedica a la
interpretación musical, tocando la guitarra y el cuatro venezolano.

DE LA OSSA MARTÍNEZ, Marco Antonio (Universidad de Castilla - La

Mancha)
Maestro en Educación Musical, Licenciado en Historia y Ciencias de la Música,
Master en Gestión Cultural y Doctor en Bellas Artes. Actualmente trabaja como

130
maestro de Educación Musical en el CEIP San Fernando de Cuenca. Además, es
profesor asociado en la Facultad de Educación de Cuenca (UCLM) dentro del
Departamento de Didáctica de la Educación Física, Artística y Música y Profesor
Asociado en el Máster en Musicoterapia y en el Máster en Gestión y
Emprendimiento de Proyectos Culturales en la UNIR. También dirige el
Encuentro Internacional de Docentes de Música/Jornadas de Didáctica de la
Música y Musicología en Cuenca y el festival Estival Cuenca desde 2012. Hasta la
fecha, ha publicado nueve libros, varios capítulos de libros y numerosos artículos
en revistas indexadas españolas y extranjeras, así como la edición de cuatro
volúmenes. Ha recibido el Premio de Musicología en 2011 por su tesis doctoral y
el Premio Ciudad de Cuenca a la iniciativa cultural en 2019.

PÉREZ MARTÍNEZ, Sara (Universidad de Oviedo)

Tiene el Título Superior en acordeón en el Conservatorio Superior de Música
“Eduardo Martínez Torner”, el Grado en Historia y Ciencias de la Música por la
Universidad de Oviedo y el Máster Interuniversitario en Patrimonio Musical por
las Universidades de Oviedo, Granada y UNIA. En la actualidad, es doctoranda
de la Universidad de Oviedo, donde desarrolla diversas líneas de investigación
vinculadas al estudio del repertorio para acordeón y al teatro lírico español de los
siglos XVIII y XIX, tema sobre el que versará su tesis doctoral.

PORTAS DE FREITAS, Mariana Isabel (Universidade Nova de Lisboa)

Investigadora Integrada (Doutoranda) no Instituto de Etnomusicologia
Música e Dança (INET-MD) e no Caravelas - Núcleo de Estudos da História
da Música Luso-Brasileira do Centro de Estudos de Sociologia e Estética Musical
(CESEM), ambos da FCSH da Universidade Nova de Lisboa. Possui Diploma
de Estudos Avançados em Ciências Musicais Históricas e o Mestrado em
Musicologia Histórica pela mesma Faculdade. É Licenciada em Direito pela
Universidade Católica Portuguesa. Foi coordenadora do Coro Gulbenkian e
colaborou na edição de vários títulos da coleção “Estudos Musicológicos” da
Fundação Calouste Gulbenkian, sob a direção de Rui Vieira Nery. Atualmente
é coordenadora editorial do Plano de Edições Gulbenkian. Publicou: “Entre o
hexacorde de Guido e o solfejo francês...”, Revista Brasileira de Música (2010); “A
Escola de Canto de Orgaõ de Caetano de Melo de Jesus: um aparato teórico

131
singular”, As Músicas Luso-Brasileiras no Final do Antigo Regime. Repertórios
Práticas e Representações (2012); “Polémicas musicais entre ‘Practicos’ e letrados”,
Revista Brasileira de Música (2016); entre outros.

QUINTANILLA CALVI, Javier Alonso (Universidad de Salamanca)

Natural de Arequipa, Perú, es graduado en Historia y Ciencias de la Música
por la Universidad de Salamanca. Además, es estudiante del Máster
Universitario en Música Hispana de la misma institución, donde en la actualidad
también es colaborador en el proyecto Tratados musicales en español (PID2019-
107523GB-I00, 2020-2023, del Ministerio de Ciencia e Innovación). Ha sido
miembro de la junta directiva de la Joven Asociación de Musicología de
Salamanca entre 2019 y 2022. Su área de investigación se vincula a los estudios
de las redes y circuitos musicales entre España e Hispanoamérica, enfocándose
en particular en el pensamiento musical del ámbito peruano durante los siglos
XVIII y XIX.

RICHTER-IBÁÑEZ, Christina (Hochschule für Musik und Darstellende

Kunst Frankfurt)
Catedrática de Musicología con especialización en estudios de performance y
música contemporánea y popular en la Universidad de Música y Artes Escénicas
de Fráncfort, Alemania. Tras completar su doctorado en la Universidad de
Música y Artes Escénicas de Stuttgart con la tesis Mauricio Kagel’s Buenos Aires
(1946-1957). Kulturpolitik - Künstlernetzwerk - Kompositionen (publicada en
2014), trabajó en las universidades de Tubinga y Salzburgo y formó parte del
programa de investigación Balzan Towards a Global History of Music. Entre
2018 y 2023 realizó una investigación sobre estrategias de traducción en la
música popular como proyecto post-doctoral. Es cofundadora de la red de
investigadores Trayectorias (https://trayectorias.org). Publica y enseña sobre
música de los siglos XX y XXI.

RINK, Annika (Universität Kassel)

Doctoranda y docente de Ciencias Culturales y Literatura Hispánica en el
Instituto de Romanística de la Universidad de Kassel (Alemania). Se graduó en

132
pedagogía, música y filología española. Su enfoque científico es el análisis de
música en contextos sociales, históricos, educativos y ecocríticos. En su tesis
doctoral investiga el tema de la identidad latinoamericanista y autenticidad en la
música folclórica entre los años sesenta y ochenta en el Cono Sur. También se
interesa por cuestiones de equidad ecológica y social (extractivismo, el Buen Vivir
ecuatoriano, canciones de lucha) desde una perspectiva de la literatura y las
ciencias culturales.

RUIMONTE, Ana María (Investigadora independiente)

Se licenció en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha colaborado con
Huberal Herrera, Premio Nacional de Música, en Cuba y Estados Unidos,
presentando Rosas para Lecuona. Ha trabajado en el Coro Nacional de España,
Teatro Real de Madrid y Arizona Opera. Ha grabado discos de música barroca,
ópera, zarzuela, música sefardí, de Rodrigo, y música cubana. Presentó su
proyecto “El cante jondo en la música clásica” durante el Seminario de Flamenco
de la Universidad de Nuevo México en 2020. En 2019 realizó el curso de 500
años de música mexicana de la Universidad de México. En 2017, presentó su
espectáculo “El Carro del Amor” en la Library of Congress en Washington D.C.
Con la soprano Meets Bass ha grabado Tesoros Sefardíes. Su disco Sencillamente
Martí con obras de Aurelio de la Vega, Herrera y Harold Gramatges fue
presentado en el Festival de Música Contemporánea de La Habana en 2019.

SAIZ HUEDO, Jesús (Investigador independiente)

Profesor superior de Guitarra por el Real Conservatorio Superior de Música
de Madrid y diplomado en Estudios Avanzados de Historia y Ciencias de la
Música por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha dado conciertos en España,
Estados Unidos, Francia, Alemania, Inglaterra y Brasil y ha impartido clases
magistrales en diversos conservatorios y universidades, en España, Brasil y
Estados Unidos. En este último país fue profesor de Guitarra de la California
State University, San Luis Obispo y director del Cal Poly Guitar Ensemble desde
1999 hasta 2004. Ha ejercido la docencia en España y en Estados Unidos y ha
desarrollado numerosos proyectos en el ámbito de la educación musical, por los
que ha obtenido diversos reconocimientos profesionales y premios de innovación
pedagógica. Desde 2014, ha dirigido varios proyectos de la Asociación Cultural

133
More Hispano, entre los que destaca la investigación musicológica y edición
crítica del Fondo Manuela Vázquez-Barros de la Biblioteca Lázaro Galdiano.

SÁNCHEZ SÁNCHEZ, Víctor (Universidad Complutense de Madrid)

Catedrático del Departamento de Musicología de la Universidad
Complutense de Madrid, del que fue director entre 2012 y 2016. Ha sido
profesor invitado en University of California Berkeley (2004 y 2007),
Universidad de La Habana (2016) y Università de Torino (2017-18). Ha
investigado sobre teatro lírico español, habiendo publicado sobre Tomás Bretón,
Chapí, Chueca, Vives o Conrado del Campo, coordinando las Jornadas
Complutenses de Música Latinoamericana (2016 y 2017) y dirigido un curso
sobre intercambios musicales entre España y América en la Escuela Complutense
Latinoamericana en la Universidad Veracruzana (Xalapa, 2021); también ha
impartido clases en Xalapa (2022), Montevideo (2023) y Buenos Aires (2023).
En los últimos años ha profundizado en las relaciones musicales entre Italia y
España, participando en numerosos congresos y seminarios, publicando los libros
Verdi y España (Akal, 2014) e Intercambios musicales entre España e Italia en los
siglos XVIII y XIX (Ut Orpheus Edizioni, 2019). Igualmente ha realizado la
edición crítica de partituras para su recuperación como la ópera I due Figaro de
Mercadante (estrenada por Riccardo Muti en Salzburgo en 2011), la zarzuela
Galanteos en Venecia de Barbieri (Teatro de la Zarzuela, 2015) o la ópera Tabaré
de Bretón (2022).

DE LOS SANTOS LLAMBÍ, Sergio Marcelo (Universidad de la República,

Montevideo)
Diseñador Teatral egresado de la Escuela de Arte Dramático de Montevideo
(EMAD, 2000). Diplomado en Gestión Cultural (Universidad de la República,
2015). Maestrando en Ciencias Humanas opción Teoría e historia del teatro en
Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación (UdelaR). Desarrolla su
actividad profesional en Uruguay diseñando (vestuario, escenografía e
iluminación para teatro, danza contemporánea y ópera), e investigando sobre
artes escénicas y musicales. Trabaja en el Centro de Investigación en Artes
Musicales y Escénicas del Litoral Norte (CIAMEN), Facultad de Ciencias
Sociales, Centro Universitario Regional Norte, UdelaR. Es miembro del Grupo

134
de I+D “Artes Performáticas y Sociedad” (GIDMAPS). Forma parte del ICTM
Study Group on Iconography of the Performing Arts.

SIENRA, Marcelo (CIDDAE, Teatro Solís, Montevideo)

Diplomado en Gestión Cultural. Cursó estudios universitarios en
Museología, Arquitectura y Archivología en la Universidad de la República de
Uruguay. Fue Becario del Centro de Documentación Teatral/INAEM,
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España. Desde el 2004 es
Encargado del Centro de Investigación, Documentación y Difusión de las Artes
Escénicas (CIDDAE), Teatro Solís (Intendencia de Montevideo). Ha realizado
curadurías artísticas, diseño y montaje de exposiciones en todo el territorio
uruguayo y en Argentina; ha integrado jurados de su área de trabajo. Integra el
Equipo de Estudios Transmediales (CIDDAE/Teatro Solís - Facultad de
Humanidades y Ciencias de la Educación / UDELAR) y la Asociación
Argentina de Investigación y Crítica Teatral (AINCRIT). Ha formado parte de
proyectos de intervención edilicia sobre espacios y equipamientos de valor
patrimonial en Montevideo y de investigación sobre artes performáticas con el
Departamento de Musicología y, actualmente, con el Centro de Investigación en
Artes Musicales y Escénicas (UdelaR).

SOBRINO, Ramón (Universidad de Oviedo)

Catedrático de Musicología en la Universidad de Oviedo (España), donde ha
dirigido cuarenta tesis doctorales. Su principal campo de investigación es el
análisis musical, con especialización en metodologías analíticas, y la música
española. Ha publicado obras sinfónicas de Monasterio, Bretón, Marqués Chapí,
Torrandell y Zubiaurre, entre otros, y editado obras de lírica española de Barbieri,
Arrieta, Gaztambide, Chueca, Serrano y Rodrigo, junto con las óperas Ildegonda
y La Conquista de Granata de Emilio Arrieta, e Il disoluto punito ossia Don
Giovanni Tenorio y Elena e Malvina de Ramón Carnicer, en colaboración con
María Encina Cortizo.

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 SOBRINO CORTIZO, Ramón (Universidad de Oviedo)
Estudiante del último curso del grado de Historia y Ciencias de la Música en
la Universidad de Oviedo. Tiene el título profesional de piano, habiendo
conseguido el Premio Fin de Grado en 2020. Compatibiliza los estudios
musicológicos con su formación como organista. Ha realizado diversos cursos de
especialización musical (participación activa en las primeras Jornadas del
Instituto Español del Órgano Histórico, 2022) y musicológica (I Simposio de
Análisis Musical, SEdeM 2022; III Curso sobre románico y liturgia, Fundación
Santa María la Real, 2022; MUS24.1x: Monteverdi’s L’Orfeo, and the Birth of
Opera, Harvard University, 2023; MUS24.2x: Haendel’s Messiah and Baroque
Oratorio, Harvard University, 2023).

SORIANO, Javier (Conservatoire à Rayonnement Régional de Poitiers /

Centre d’études et de Recherches Musicales, París)
Musicólogo y cornettista de origen cubano, diplomado de la Universidad de
las Artes de Cuba et le Pôle Supérieur Aliénor de Poitiers en Musicología,
formación musical y música antigua respectivamente. Es actualmente profesor de
formación musical, análisis y práctica de ensemble-música antigua en el
Conservatorie de Poitiers e investigador de la Universidad de las Artes de La
Habana y del Centre d’Etudes et de Recherches Musicales. Fue nombrado
miembro de ARTEMIS de la Asociación Europea de Conservatorios (evaluación
de programas académicos de Europa). Autor del libro Fiesta electrónica en La
Habana y poder simbólico bajo el sello de Lomas Editorial con prólogo de Liliana
González Moreno y Grizel Hernández Baguer. Ha sido publicado en varias
revistas académicas y journaux como el Boletín Música de Casa de las Américas,
New York Classical Review, revista Clave, entre otros, y ha intervenido como
conferencista y profesor en eventos científicos y universidades de Cuba, Colombia,
Canadá, Estados Unidos, España, Bélgica, Francia e Italia. Ha sido galardonado
con el Premio de Investigación del Instituto Superior de Artes de La Habana, con
el Premio Cubadisco a mejor Disco de Música de Cámara (con el Conjunto de
Música Antigua Ars Longa) y nominado a los REMA Awards de la Red Europea
de Música Antigua a mejor proyecto extraeuropeo.

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 SUÁREZ MARRERO, Pablo (Universidad Nacional Autónoma de México)
Doctor y Maestro en Artes (Universidad de Guanajuato, México), Licenciado
en Arte y Patrimonio Cultural (Universidad de La Habana, Cuba) e
Instrumentista-Profesor de Flauta y de Práctica de Conjuntos (Escuela Nacional
de Música de Cuba). Suárez Marrero ha publicado varios artículos en revistas
académicas y capítulos de libros editados por universidades y centros de
investigación de Iberoamérica. Además, ha participado en congresos, simposios,
talleres y coloquios internacionales sobre musicología y estudios sociales de las
músicas en disímiles países de la región. En la actualidad, es Profesor Asociado en
la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México y Tutor
en el Colegio Universitario San Gerónimo de La Habana. Sus intereses
académicos abarcan la musicología popular, la educación musical, el estudio de
documentos audiovisuales, así como las masculinidades sanas y diversas en
América Latina, Cuba y México.

TEIXEIRO REI, Xiana (Universidad de Valladolid / Conservatorio Superior

de Música de Vigo)
Titulada superior en Etnomusicología e Instrumentos de la Música
Tradicional y Popular de Galicia (gaita) por el Conservatorio Superior de Música
de Vigo. Realiza el Máster de Musicología Aplicada en la Universidad de la Rioja
y en la actualidad cursa estudios de Doctorado en la Universidad de Valladolid.
Durante el curso académico 2022-2023 es profesora de gaita en el Conservatorio
Superior de Música de Vigo, profesión que compagina con la de intérprete de
gaita y clarinete en agrupaciones de música gallega.

VALENTE, Heloísa de Araújo Duarte (Universidade Paulista, São Paulo)

É mestre e doutora em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia
Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP), com pós-doutoramento em
Cinema, Rádio e Televisão (Escola de Comunicações e Artes da Universidade de
São Paulo). Professora titular do Programa de Comunicação e Cultura Midiática
da Universidade Paulista-UNIP, tem como principais linhas de investigação a
semiótica musical e estudos interdisciplinares nos campos da música,
comunicação e semiótica da cultura e da mídia. Tem uma dezena de livros

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publicados. Fundadora do Centro de Estudos em Música e Mídia - MusiMid e
editora-chefe da Revista Brasileira de Estudos em Música e Mídia.

VICENTE FRANQUEIRA, Ilduara (Universidade de Santiago de

Compostela)
Graduada en Historia del Arte por la Universidade de Santiago de Compostela
y en violín (Level 3 Certificate in Graded Examination in Music Performance,
Grade 8) por The Associated Board of the Royal Schools of Music y máster en
Patrimonio Artístico y Arquitectónico, Museos y Mercado del Arte por la USC y
ULPGC. Actualmente, realiza su tesis doctoral sobre la figura del músico Juan
Montes Capón bajo la dirección de Montserrat Capelán y Carlos Villanueva. Para
ello, cuenta con un contrato predoctoral financiado por el Ministerio de Ciencia e
Innovación de España. Forma parte del Grupo de Investigación Organistrum (GI-
2025) de la Universidade de Santiago de Compostela y es miembro del equipo de
trabajo del Proyecto de Investigación I+D+i Galicia-América: Música civil,
ideología e identidades culturales a través del Atlántico (1800-1950) (PID2020-
115496RB-I00).

VILLAR-TABOADA, Carlos (Universidad de Valladolid)

Profesor Titular, especializado en análisis musical (Pitch-Class Set Theory y
Topic Theory) de repertorio español e hispanoamericano (siglos XIX-XXI).
Actualmente es el coordinador del Doctorado en Musicología y pertenece al
Grupo de Investigación “Música, Artes escénicas y Patrimonio” de la Universidad
de Valladolid. Tras su tesis sobre música contemporánea en Galicia, ha publicado
diversos estudios sobre metodología analítica y sobre aspectos estructurales y de
creación de significados en la música de José Luis Turina, Claudio Prieto, Julián
Bautista y Rodolfo Halffter y de compositores gallegos como Macías, Groba,
Pereiro, Soutelo, Balboa y Xan Viaño. Desarrolla un modelo analítico original,
el paradigma de la logoestructura, que integra en un único marco teórico tres
dimensiones de la música (morfológica, semiótica y experiencial), conciliando
aproximaciones metodológicas heterogéneas (estructuralistas, semióticas y
hermenéuticas).

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 VINUEZA GONZÁLEZ, María Elena (Casa de las Américas, Cuba)
Musicóloga y pedagoga. Directora de Música de la Casa de las Américas.
Máster en Musicología (2012) por la Universidad de las Artes de Cuba (ISA).
Integró el equipo del Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana
(CIDMUC) (1980-1996). Premio Musicología Casa de las Américas (1986),
por su libro Presencia arará en la música folklórica de Matanzas (1989). Coautora
de Instrumentos de la música folclórico-popular de Cuba. Atlas (1996). Directora de
la revista Boletín Música de la Casa de las Américas (segunda época 1999-actual).
Coordina desde 1997 el Premio de Musicología Casa de las Américas y el
Coloquio Internacional de Musicología, así como el Premio de Composición
desde 2003. Profesora Titular de la Universidad de las Artes y de la Maestría en
gestión del patrimonio musical del Colegio Universitario San Gerónimo, de la
Universidad de La Habana.

WADY, Juliana (Universidade Nova de Lisboa)

Começou o seu percurso universitário ainda no Brasil, na Universidade
Estadual de Campinas. No ano de 2016, em Portugal, prosseguiu os seus estudos
em Musicologia Histórica na Universidade de Évora, na qual concluiu a
licenciatura. Em seguida, realizou o Mestrado em Ciências Musicais da
Faculdade de Ciências Sociais e Humanas (UNL), propondo uma análise das
Cirandas de Heitor Villa-Lobos a partir da teoria dos tópicos. Atualmente,
Juliana Wady é bolseira de doutoramento, na mesma universidade, no âmbito do
Projeto História Temática da Música em Portugal e no Brasil
(UI/BD/151161/2021), proposto pelo CESEM, com uma investigação sobre
modernismo e nacionalismo no contexto luso-brasileiro. Dentro destas
temáticas, Juliana Wady conta com participações em vários congressos e com a
publicação de artigos em Portugal e no Brasil.

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