Javier Villanueva Alonso Grupo K Curso 2023-2024

DIARIO DE ABORDO
Javier Villanueva Alonso
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Índice
Introducción ........................................................................................................ 2
Los orígenes del arte ........................................................................................... 2
Grecia ............................................................................................................... 3
Arquitectura griega I: periodo arcaico ...................................................................... 3
Arquitectura griega II: periodos clásico y helenístico ..................................................... 5
Escultura griega ................................................................................................. 6
Roma................................................................................................................. 8
Arquitectura romana I ......................................................................................... 8
Arquitectura romana II ......................................................................................... 9
Arquitectura paleocristiana y bizantina ................................................................... 11
Edad Media ....................................................................................................... 13
Arquitectura altomedieval en España ..................................................................... 13
Arquitectura islámica ........................................................................................ 14
Arquitectura románica ....................................................................................... 15
Arquitectura gótica........................................................................................... 17
Renacimiento ..................................................................................................... 19
Arquitectura del renacimiento I: de Brunelleschi a Alberti ............................................ 19
Arquitectura del renacimiento II: de Bramante a Palladio ............................................. 20
Pintura del renacimiento I: de Giotto a Tiziano ......................................................... 22
Pintura del Renacimiento II: pintura flamenca, alemana y manierista ............................... 27
Escultura del renacimiento.................................................................................. 30
Barroco ............................................................................................................ 32
Arquitectura del Barroco .................................................................................... 32
Pintura del Barroco I: de Caravaggio a Velázquez ....................................................... 33
Pintura del barroco II: Rubens y Rembrandt .............................................................. 34
Escultura del barroco ........................................................................................ 35
Siglos XVIII y XIX .................................................................................................. 37
Arte del Neoclasicismo y Romanticismo I ................................................................. 37
Arte del neoclasicismo y romanticismo II ................................................................. 38
Pintura impresionista ........................................................................................ 40
Pintura posimpresionista .................................................................................... 44
Siglo XX ............................................................................................................ 47
Las vanguardias I ............................................................................................. 47
Las vanguardias II ............................................................................................. 49
Las vanguardias III ............................................................................................ 51
Las vanguardias IV ............................................................................................ 52

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Introducción
Los orígenes del arte
1. Primeros objetos: bifaces, puntas de flecha, arpones.
a. Fabricación desde un punto de vista útil.
b. Roca y huesos tallados.

2. Arte mimético.
a. Representa la realidad.
b. Mayor complejidad.
c. Temas: animales y posteriormente humanos (mujeres con
rasgos de gran fertilidad.
d. Propósito: ritual.

3. Paleontología (S. XIX): comienzan los estudios científicos sobre la prehistoria.

a. Teoría de la evolución (Charles Darwin).
b. Descubrimiento de Altamira y sus dibujos.
i. Gran dificultad para realizarlos: a oscuras, boca
abajo, etc.
ii. Temas: animales (bisonte), palmas de la mano,
figuras abstractas.
c. Estudio de las cuevas (uso, forma, organización).
i. El fuego se hacía en la entrada (evitar intoxicación por CO)
ii. Las pinturas se hallaban en partes muy profundas y lejanas lo que
indica que tenían un gran componente simbólico y ritual
iii. La pernocta no tenía lugar en las cuevas sino en cabañas a los
alrededores de estas.
d. Este tipo de cuevas fueron encontradas sobre todo en el norte de España
y sur de Francia (Cueva de Chauvet).

4. Arte neolítico (arquitectura).

a. Con la llegada del sedentarismo se crean los primeros asentamientos lo
que lleva a la aparición de las primeras construcciones construidas para
perseverar en el tiempo.
i. Çatalhöyük: yacimiento arqueológico de un poblado.
1. Yuxtaposición de las viviendas.
2. Patios interiores.
3. Circulación y accesos en los tejados.
4. Aparición de los primeros «templos» con altar.
b. Occidente.
i. Construcciones megalíticas.
1. Significado ritual.
2. Se enterraban las rocas para poder subir otras encima.
3. Túmulos.
ii. Stonehenge: rocas de diversa y lejana procedencia.

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Grecia
Arquitectura griega I: periodo arcaico
1. Introducción: Grecia por aquel entonces no era un estado unificado sino un
conjunto de ciudades estado (polis) unidos únicamente en lo cultural.

2. Civilización minoica (Creta).

a. Economía basada en la agricultura y el comercio.
b. Gran influencia egipcia.
c. Ciudades palaciegas.
d. Aparición del primer arquitecto: Dédalo (mitología).
e. Palacio de Cnosos: patios y columnas más anchas en su base
y con variedad en los colores (rojo y negro en este caso).
f. Frescos sobre motivos hallados en la naturaleza.
g. Esculturas asociadas a la fertilidad: frontales (un solo
plano), pequeñas y con poco dinamismo.
h. Representación de toros (simbolismo religioso).

3. Civilización micénica.
a. Civilización violenta con frecuentes conflictos bélicos.
b. Ciudades fortaleza situadas en puntos altos.
c. Materiales: piedras gigantes tallas a los cuatros lados (sillería).
d. Tholos: espacios funerarios.
i. Tholos de Atreo.
ii. Sistema de falsas bóvedas:
falsos arcos.
e. Megarón: construcciones con altar
dedicadas al culto.

4. Arquitectura arcaica.
a. Templos de madera con Naos interior dedicados al culto y no pensados
para el acceso de las personas.
i. La ausencia de acceso al interior de los templos tenía como efecto
la concepción de la arquitectura como objetos de gran tamaño.
b. Aparición de templos de mayor tamaño construidos ya en piedra y con
diferentes salas: pronaos, naos, opistodomos, crepidoma y columnas.

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c. Órdenes: sistemas de proporciones entre todos los elementos del templo

que favorecía a la estética de este.
i. Dórico (masculinidad).
1. Poco esbelto. 4. Capitel simple.
2. Ausencia de basa. 5. Triglifos en ejes.
3. Acanaladuras. 6. Metopas iguales.
ii. Jónico (feminidad maternal).
1. Ornamentación. 4. Sin acanaladuras.
2. Volutas. 5. Decoraciones
3. Más esbelto. corridas.

d. Templos.
i. Ubicados en colinas en la naturaleza.
ii. Templos cromáticos.

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iii. Templo de Apolo (dórico).

1. Piedra.
2. Planta alargada.
3. Columnas achatadas.
4. Intercolumnio pequeño.
5. Grandes entablamentos.
iv. Templo de Artemisa
1. Columnas esbeltas.
2. Dos hileras de columnas.
3. Crepidoma más alto.
4. Columnas a trozos.

Arquitectura griega II: periodos clásico y helenístico

1. Periodo clásico.
a. Templos.
i. Orden dórico.
ii. Metopas cuadradas.
iii. Intercolumnio.
iv. Capiteles menores.
v. Esculturas en los frontones.
b. Acrópolis de Atenas y Partenón.
i. Reconstrucción de una acrópolis previa.
ii. Diseño de recorrido para ver las edificaciones en escorzo.
iii. Colores.
iv. Columnas: 8*16.
v. Combina ordenes dórico y jónico.
vi. Construido con un sistema generativo: el tamaño de las columnas
defina las proporciones del resto del templo.

c. Templo de Atenea Niké.

i. Muy esbelto.
ii. Capiteles jónicos.
iii. Cariátides: columnas en las que se tallan
cuerpos de mujer.

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2. Periodo helenístico: variaciones en las reglas

establecidas.
a. Economía fuerte y demanda de arte.
b. Orden corintio (femenino virginal).
i. Más esbelto.
ii. Hojas de acanto.
iii. Pedestal.
iv. Mayor altura.
c. Tholos: templos circulares.
d. Teatros.
i. Excelente sonoridad.
ii. Forma ultrasemicircular.
iii. Fondo elegido: paisaje natural.
e. Edificaciones relevantes.
i. Faro de Alejandría.
ii. Coloso de Rodas.
iii. Petra.
iv. Altar de Pérgamo
v. Santuario de Júpiter y Baco.
vi. Templo de Venus.

3. La ciudad griega.
a. Acrópolis: parte sagradas con templos y santuarios.
b. Zona residencial: casas patio.
c. Ágora: centro económico y social, gran plaza.
d. Estoa: gran superficie cubierta y con columnas.
e. Trazado hipodámico (Hipódamo de Mileto): división de la ciudad en
cuadricula.

Escultura griega
1. Periodo arcaico.
a. Temas: religión, figura humana
asociada a los dioses.
b. Características: falta de movimiento,
frontalidad, desnudez (hombres).
c. Herramientas: cinceles, bujada,
trépanos, escofinas, piedra pómez.
d. Progresiva mejora en cuanto a
proporciones y anatomía con el paso
del tiempo.

2. Periodo clásico.
a. Mayor movimiento.
b. Composiciones.

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c. Estudios rigurosos de anatomía humana.

d. Desnudez en la mujer.
e. Escultores.
i. Mirón: movimiento, gesto y expresividad.
ii. Fidias: armonía, delicadeza, gran importancia a la
anatomía masculina.
iii. Policleto: relaciones entre las partes de cuerpo con
el todo y entre sí.

3. Periodo clásico tardío.

a. Praxíteles.
i. Cuerpos menos idealizados.
ii. Curva praxiteriana: rompe con la frontalidad, el
cuerpo se encuentra apoyado en algo.
iii. Expresividad.
b. Escopas.
i. Movimiento.
ii. Figuras entrelazadas.
c. Lisipo.
i. Musculatura.
ii. Movimientos de la vida cotidiana.

4. Periodo helenístico.
a. Rotura con lo preestablecido.
b. Experimentos con la norma.
c. Aparición de nuevos temas: muerte, asesinato o suicidio.
d. Personajes más expresivos.

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Roma
Arquitectura romana I
1. Introducción.
a. Gran capacidad e interés bélico.
b. Desarrollo del derecho.
c. Copia del arte griego, pero con diferencias e
innovaciones.
d. Adquisición por parte de los órdenes griegos de un
carácter simbólico y decorativo.
e. Mito sobre la fundación de la ciudad: Rómulo y Remo.

2. Edificios.
a. Templos.
i. Similitud con los templos griegos.
ii. Aparición de la frontalidad, los templos pierden
las columnas en los laterales.
iii. Cubiertas a dos aguas.
iv. Gran axialidad que posteriormente pasará a la
ciudad.
v. Columnas adosadas (no soportan cargas).
vi. Continuación de ciertos templos circulares.
b. Basílica: dos stoas juntas, se impartía justicia.
c. Teatro.
i. Forma semicircular.
ii. En ocasiones, cuando no había colinas disponibles se levantaban
estructura que elevasen las gradas.
iii. Creaban un propio fondo que parecía un edificio.
d. Anfiteatro: dos teatros enfrentados, espectáculos bélicos.
e. Circo: estadio de gran tamaño para celebrar carreras.
f. Domus. (Vivienda unifamiliar)
i. Viviendas introvertidas.
ii. Presencia de locales
comerciales en los bajos.
iii. Atrio con esculturas de
antepasados.
iv. Impluvio: recolección de lluvia.
g. Insulae. (Vivienda multifamiliar).
h. Monumento.
i. Mejora en la construcción y
estilo de estos.
ii. Aparición de los monumentos
civiles que conmemoraban otros eventos o ritos distintos a los
funerarios.

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3. Órdenes.
a. Uso del corintio.
b. Ausencia del jónico.
c. Aparición del Toscano y el Compuesto.

d. Principio de superposición de órdenes: los órdenes más toscos varoniles se

utilizan en las plantas bajas mientras que los más esbeltos y femeninos se
utilizan en las plantas superiores.

4. Ciudad.
a. Foro.
i. Funciones: social, política, religiosa, simbólica y comercial.
b. Organización reticular.
i. Cardus y decumanus: respecto a puntos cardinales o línea de costa.
c. Concepción del vacío como figura.

Arquitectura romana II
1. Infraestructura.
a. Gran red terrestre de calzadas que permitía la conexión entre zonas del
imperio. Permitían el movimiento de tropas en caso de guerra, pero
también el de civiles.
i. Curvatura convexa que permitía el desalojo de la lluvia.
ii. Señalización.
iii. Zanjas.
iv. Compactación: piedras más grandes y por tanto menos compactas
en la parte inferior y viceversa.
b. Acueductos.
i. Pendiente de 1-2%.
ii. Uso del agua: ingesta, higiene, termas.
iii. Consumo: 1000 l/persona/día.
iv. Acueductos relevantes: Segovia, Pont du Gard (Nimes).

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c. Puentes.
i. Puentes relevantes: Alcántara.
2. Técnicas de construcción.
a. Cimbra: estructura me madera que permite
colocar las piedras para formar un arco.
b. Continuación con las técnicas griegas.
i. Estructuras arquitrabadas.
ii. Uso de grandes piedras (excavadas).
c. Transporte rodado de los materiales de
construcción.
d. Popularización del uso del arco de medio punto.
e. Invención del hormigón romano (argamasa): mezcla de cementos y áridos
muy precaria.
i. La ausencia de armazón metálico le hace bastante incapaz frente
a los esfuerzos de tracción.
ii. Permitía la «fabricación» in situ y evitaba el problema del
transporte.
f. Muros.
i. Materiales previos: barro y adobe
(ladrillo sin cocer).
ii. Uso del ladrillo como encofrado que
no se retiraría con posterioridad,
sino que se dejaría una vez
introducida la argamasa.
iii. Revestimiento de los muros con
materiales nobles como el mármol.
iv. Tipos de muros (opus).
g. Bóvedas.
i. Bóveda de cañón: extrusión de un arco de medio punto a lo largo
de una recta.
ii. Bóveda de arista: intersección de dos bóvedas de cañón con ejes
perpendiculares.
h. Cúpulas.
i. Cúpula de media naranja: revolución de un arco de medio punto.
3. Panteón de Agripa.
a. Cúpula de media naranja.
b. Óculo central: la clave es el último anillo.

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c. Retranqueo en la cúpula.
d. Arcos de descarga.
e. Planta que combina circulo y rectángulo.
f. Nichos en el muro: altares para diferentes dioses.
4. Termas.
a. Plantas simétricas.
b. Usos: gimnasio, higiene, social.
c. División interna: frigidarium, templarium y
caldarium.
5. Edificaciones reseñables.
a. Templo de Minerva Médica: planta centralizada.
b. Basílica de Constantino: grandes bóvedas de cañón.

Arquitectura paleocristiana y bizantina

1. Introducción.
a. Caída del Imperio Romano de Occidente: invasiones bárbaras (suevos,
vándalos y alanos).
b. Sincretismo romano: aceptación de otras religiones y convivencia con las
mismas.
c. Edicto de Milán (313): tolerancia del cristianismo.
d. Edicto de Tesalónica: el cristianismo se convierte en religión oficial del
imperio.

2. Arquitectura paleocristiana.
a. Primeras arquitecturas: construcciones para reuniones y entierros en las
catacumbas de las ciudades al estar estas protegidas de cualquier tipo de
persecución.
i. Entierro de Mártires.
ii. Pinturas en fresco romano
b. Nacimiento de la iconografía cristiana: serie de símbolos asociados a la fe
y valores cristianos.
c. Características generales.
i. Analogía cuerpo humano.
ii. Naves laterales.
iii. Inspiración basílicas romanas.
iv. Planta basilical (funcional).
d. Primeras iglesias toleradas y promovidas por Roma.

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e. Nacimiento de los monasterios: complejos generalmente apartados de la

civilización donde los monjes llevaban a cabo una vida religiosa y de forma
autosuficiente.
f. Plantas circulares (simbólico): martirium, baptisterios y mausoleos.
g. Iglesias relevantes.
i. Basílica de San pedro: transepto
sobresale poco, presencia de presbiterio
(separa fieles de clero).
ii. San Pablo Extramuros.
iii. Mausoleo de Santa Constanza: planta de
tolos.
iv. Monasterio de Qal’ at Si’man.
v. Monasterio de Santa Catalina del Sinaí.

3. Arquitectura bizantina.
a. Características generales.
i. Gran importancia del espacio interior.
ii. Decoraciones en mosaico.
iii. Uso del color, en especial dorado, azul y verde.
iv. Uso mayoritario de la pechina sobre la trompa.
b. San Vital de Rávena.
c. Santa Sofía.

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Edad Media
Arquitectura altomedieval en España
1. Introducción.
a. Caída del Imperio Romano: invasiones bárbaras.
b. Perdida de técnica constructiva: reducción de las dimensiones.

2. Arquitectura visigoda. (500-711)

a. Manejo de la orfebrería.
b. Características generales.
i. Perdida de técnica.
ii. Reducción de escala.
c. San Juan de Baños (Venta de Baños).
i. Planta pequeña con trazado extraño.
ii. Sección basilical.
iii. Capiteles distintos.
d. San Pedro de la Nave.
i. Fragmentación del espacio.
ii. Transepto.
iii. Arco de herradura.

3. Arquitectura asturiana. (711-900)

a. Características generales.
i. Gran masividad.
ii. Poca iluminación.
b. San Julián de los Prados.
i. Fragmentación.
ii. Tribuna: lugar designado para personas
de alta importancia civil (rey).
iii. Separación entre fieles y religiosos.
iv. Imitación de los casetones romanos mediante pinturas.
c. Palacio de Santa María del Naranco.
i. Planta rectangular.
ii. Espacio muy articulado.
iii. Simetría.
iv. Bóveda de cañón.
d. San Miguel de Liño.
i. Mayor tamaño.
ii. Espacio simplificado.

4. Arquitectura mozárabe (900-1000): aquella de cristianos residentes en la España

islámica.
a. San Miguel de la Escalada.
i. Mayor control de las cargas.
ii. Cubiertas de madera.

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b. San Cebrián de Mazote.

i. Gran bóveda gallonada.
ii. Influencia bizantina.

Arquitectura islámica
1. Introducción.
a. Prohibición de representar elementos religiosos y consiguiente ausencia
de iconografía.
b. Uso de la geometría como elemento decorativo.
c. Escasa producción de pintura.
d. Uso de los versos del Corán como elementos decorativos.

2. La Cúpula de la Roca.
a. Influencia bizantina.
b. Planta centralizada.
c. Uso de colores.
d. Arcos de medio punto.

3. Mezquitas: templos musulmanes dedicados a la oración.

a. Características generales.
i. Orientación inicialmente hacia Jerusalén y posteriormente la Meca.
ii. Divisiones internas.
b. Elementos principales.
i. Quibla: muro al que se debe mirar durante el rezo.
ii. Mihrab: nicho en la pared que representa a Dios (Alá).
iii. Maxura: lugares reservados a personas de importante poder
político.
iv. Mimbar (púlpito): lugar desde el que se dirige la ceremonia y se lee
el Corán.
v. Minarete: torre desde la que se llama a la oración.
c. Gran Mezquita de Damasco.
i. Detalles paleocristianos y bizantinos.
ii. Techo plano y de madera.
iii. Uso de ladrillo y madera.
d. Mezquita de Samarra.
i. Aparición del minarete.
ii. Uso de columnas para conseguir un espacio adireccional.
e. Mezquita de Ibn Tulún.
i. Arcos apuntados.
ii. Crujías paralelas y perpendiculares a la quibla.

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f. Mezquita de Kairuán.
i. Arcos de herradura.
ii. Crujías perpendiculares a la quibla.
g. Gran Mezquita de Córdoba.
i. Dobles arcos.
ii. Presencia de arcos polilobulados.
iii. Capiteles de varios órdenes.
iv. Formas geométricas en yeso.
v. Cúpulas nervadas.
vi. Decoración en pan de oro. Regalo bizantino por su alianza contra
los poderes islámicos del norte de África y Arabia.

4. Palacios.
a. La Alhambra (Arte Nazarí).
i. Tres dependencias conectadas
por un patio central.
ii. Dinamismo y superposición de
espacios.
iii. Lacerias de yeso, madera y
cerámica.
iv. Ventanas pequeñas a la altura
de la vista sentado.
b. Reales Alcázares de Sevilla: cristiano, pero de estilo islámico.
c. Mezquita del príncipe: combina el arte islámico otomano con la herencia
bizantina.
d. Taj Mahal: imperio mongol.

Arquitectura románica
1. Precedentes: arquitectura carolingia y otoniana.
a. Capilla de Aquisgrán.
i. Influencia bizantina.
ii. Planta centralizada.

2. Características generales.
a. Bóvedas de cañón con arcos fajones y formeros (dirección contraria a los
fajones).
b. Construcción mayormente en piedra.
c. Crecimiento en altura e iluminación respecto al prerrománico.
d. Aparición de los absidiolos: permitían que varios curas dieran misa
simultáneamente.
e. Articulación (relación de las partes entre sí y las partes con el todo):
volumetrías concebidas como geometrías perfectas y simétricas.
f. Interiores poco luminosos.
g. Modulación y estudio de alzados modificando y deformando los órdenes
clásicos de los que se partía.

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h. Uso de las bóvedas de cañón en la nave central

(direccionar el espacio hacia el altar) y bóvedas de
arista en los laterales.
i. Los arcos comienzan a ser apuntados.
j. Trompas para sujetar las cúpulas de media naranja.
k. Cimborrio: torre cubierta por cúpula que crece en
altura en el crucero.

3. San Juan de Peribé.

a. Planta de cruz griega.

4. Catedral de Zamora.
a. Cúpula sobre pechinas.
b. Cúpula nervada.
c. Inspiración en la tradición bizantina.

5. Abadía de Cluny (Borgoña).

a. Iglesia de cinco naves.
b. Doble transepto.
c. Sección basilical.

6. Iglesia de la Madelaine en Vézelay.

a. Nave central muy ancha.
b. Experimentación.
c. Aparición del arbotante.

7. Escultura.
a. Integración en la arquitectura.
b. Representación de pasajes bíblicos.
c. Temas recurrentes: Dios Padre el día del Juicio Final en pantocrátor.
d. Capiteles con decoraciones sobre el antiguo testamento.
e. Presencia de policromía.

8. Las iglesias de peregrinación.

a. Caminos de Santiago: red de comunicaciones que atraviesan desde Francia
hasta Santiago de Compostela.
i. Transmisión de un mensaje unitario de la Iglesia Católica.
ii. Eje de conexión artístico y cultural.
b. Características generales.
i. Planta en cruz latina.
ii. Presencia de absidiolos.
iii. Tres o cinco naves.
iv. Deambulatorio o girola.
v. Galerías encima de las naves laterales.
c. Catedral de jaca: cimborrio y taqueados jaques.

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d. Catedral de Santiago de Compostela.

i. Planta en forma de cruz latina.
ii. Figuras humanas y comprensibles.
iii. Cabecera muy desarrollada.
9. Fuera de España.
a. Inglaterra.
i. Catedral de Durham: transepto muy
centrado.
b. Alemania: mucha fragmentación.
c. Italia: mantiene la herencia romana.
i. Catedral de Pisa.
ii. Iglesia de San Marcos: cruz griega, influencia bizantina.

Arquitectura gótica
1. Innovación constructiva.
a. Arbotantes.
b. Arco apuntado.
c. Nervios estructurales.
d. Bóveda de crucería.
i. Hexapartita.
ii. Cuatripartitas.
iii. De abanico.
e. Aumento del tamaño de los claristorios que pasan a ser
triforios.
2. Francia.
a. Basílica de Saint-Denis.
i. Tres naves.
ii. Fachada masiva.
b. Catedral de Notre-Dame.
i. Coro semicircular.
ii. Transepto que apenas sobresale.
c. Catedral de Chartes.
d. Catedral de Reims.
e. Saint Chapelle de París.
3. Inglaterra.
a. Catedral de Durham.
i. De estilo románico marca el comienzo
del gótico inglés.
ii. Doble transepto.
iii. Gran cimborrio.
b. Catedral de Salisbury.
c. Catedral de Lincoln.
d. Capilla del King’s College en Camrbidge:
bóvedas de abanico.
4. España.
a. Catedral de Ávila.

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i. Cabecera con gran importancia.

b. Catedral de Toledo.
i. Doble anillo de girola.
c. Catedral de León.
i. Tres naves hasta el transepto y posteriormente cinco.
ii. Claristorios enormes con vidrieras inmensas.
iii. Bóvedas cuatripartitas.
d. Catedral de Burgos.
i. Fachada con formas góticas alemanas.
ii. Cimborrio de grandísimo tamaño.
e. Catedral de Gerona.
i. Catedral de Salón.
f. Catedral de Palma de Mallorca.
i. Contrafuertes muy profundos con capillas en
su interior.
ii. Naves muy altas.
iii. Claristorio muy pequeño.
g. Catedral de Sevilla.
i. Construido sobre la mezquita árabe
respetado el minarete (ahora giralda).
ii. Bóvedas estrelladas.
h. Catedral de Salamanca.
i. Naves con igual altura y anchura.
ii. Sección tendida.
i. Catedral de Segovia.

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Renacimiento
Arquitectura del renacimiento I: de Brunelleschi a Alberti
1. Introducción.
a. Definición: recuperación de los saberes clásicos.
b. División interna: quattrocento ([Link]) y cinquecento ([Link]).
c. Competición cultural y artística de los diferentes «estados» de la península
itálica.
d. Mecenas: persona que financia y promueve las artes.
e. Nueva concepción del artista: intelectual que trabaja no solo con sus
manos sino de forma pensante y que pasa a ser una persona reseñable.
f. Artista polifacético o global: ejerce todas o muchas artes.
g. Aparición de la firma: se atribuye a la obra el valor del artista per se.
h. Estudio de los edificios de la antigüedad.
i. Cambio filosófico: abandono parcial del teocentrismo para centrarse en el
hombre (antropocentrismo).
j. Uso de las proporciones.
k. Codificación del dibujo en perspectiva.
l. Concepción de la ciudad como conjunto en vez de cúmulo de partes
individuales.

2. Brunelleschi.
a. Santa María del Fiore en Florencia.
i. Cúpula autoportante durante su construcción.
ii. Interior gótico italiano.
iii. Partes: tambor, linterna.
iv. División en cúpula intradós y extradós.
v. Uso de zunchos: evitaban la apertura hacia el
exterior de la cúpula.
vi. Forma apuntada.
vii. Nervios.
viii. Sistema de gajos.
ix. Uso de mármoles policromados.
b. Logia del Hospital de los Inocentes.
i. Empleo de un lenguaje clasicista romano.
ii. Mayor importancia al espacio que a la masa.
iii. Decoración con medallones policromados.
iv. Aplicación de los principios de la perspectiva en
el proyecto.

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c. Basílica de San Lorenzo.

i. Modulación hipercontrolada y acentuada por la
perspectiva.
ii. Recuperación de los dos tipos de templo clásico:
centralizado y basilical.
iii. Tendencia a la simplificación de la planta.
iv. Cubierta de madera.
v. Decoración del suelo para marcar las ideas constructivas.

d. Iglesia del Santo Espíritu.

i. Cruz latina canónica.
ii. Modulación perfecta.
iii. Evocación a las primeras basílicas cristianas.
e. Capilla Pazzi.
i. Planta centralizada.
ii. Cúpula semiesférica sobre pechinas.
iii. Medallones en las pechinas.
iv. Cúpula nervada.
v. Contraste cromático.
vi. Aparición de problemas de simetría en las
esquinas.

3. Alberti.
a. Levantamiento de planos de la muralla de Roma.
b. Ampliación de la cabecera de San Pedro del Vaticano.
c. Codificación de la perspectiva.
d. Iglesia de Santa María Novella.
i. Remodelación de una previa iglesia gótica.
ii. Policromía (gótico toscano).
iii. Introducción de frontón y pilastras.
iv. Referencia de arco de triunfo.
v. Uso de volutas que cubren las cubiertas de las
naves laterales.
vi. Empleo de trazados reguladores.
e. Templo Malatestiano.
i. Presencia de la figura de un arco de triunfo en la fachada.
ii. Capilla funeraria con nichos y capillas.
f. San Andrés de Mantua.

Arquitectura del renacimiento II: de Bramante a Palladio

1. Bramante.
a. Studiolo de Federico de Montefeltro.
i. Pinturas en trampantojo en las paredes.
b. Ampliación de la Iglesia de Santa María presso San Satiro en Milán.
c. Ampliación de la Iglesia de Santa María delle Grazie en Milán.
i. Tipo híbrido entre centralizado y basilical.

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ii. Presencia en planta de figuras perfectas: círculo y cuadrado.

iii. Masividad.
d. Templete de San Pietro in Montorio (Roma).
i. Marca el punto donde San Pedro fue crucificado.
ii. Inspiración en los Tholos clásicos.
iii. Planta circular.
iv. Tamaño muy reducido.
e. Ampliación de los Palacios Papales del Vaticano.
i. Pieza de conexión entre dos palacios medievales
preexistentes.
ii. Eje central.
iii. Gran importancia a la visión del paisaje

f. Proyecto para San Pedro del Vaticano.

i. Planta completamente simétrica.
ii. Planta muy compleja con presencia de
fractalidad.
iii. Proyecto finalizado a medias por la defunción
de Bramante y del Papa Julio II principal
promotor del proyecto.
iv. Partes: tambor, cúpula y linterna.

2. Miguel Ángel.
a. San Pedro del Vaticano.
i. Orden gigante: zócalo, entablamento y ático
de gran tamaño.
ii. Cúpula distinta a la de Bramante.
1. Cúpula apuntada.
2. Aparición de nervios.
3. Diferenciación intradós y extradós.
4. Cinturones metálicos.
5. Fábrica de piedra.
iii. Columnas pareadas (dobles).
iv. Alternancia de frontones rectos y curvos.
b. Ampliación de la basílica de San Lorenzo en Florencia: sacristía y
biblioteca.
i. Acceso con escaleras.
ii. Dirección Axia.
iii. Transgresiones escalares, sobre el movimiento
y sobre el lenguaje.
iv. Escalones curvos: da la sensación de
derramarse.
v. Muro esculpido: entrantes, salientes,
ménsulas, columnas.
c. Plaza del Campidoglio (Roma).

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d. Palacio Farnesio (Roma).

i. Búsqueda de movimiento y dinamismo.

3. Serlio.
a. Manierismo.
b. Orden rústico.
c. Serliana: combinación de estructuras arqueadas y
arquitrabadas.

4. Giulio Romano.
a. Palacio Te.
i. Transgresiones.
1. Almohadillado apoderado de toda la
fachada.
2. Triglifos desplazados (caídos).
b. Palacio Ducal de Mantua.
i. Columna salomónica.

5. Andrea Palladio.
a. Características generales.
i. Manierismo.
ii. Vuelta al orden y abandono parcial de las experimentaciones
formales.
b. Villas de Palladio.
i. Transgresión del decoro.
ii. Pórtico de templo como entrada a la villa.
iii. Cúpula central bajo la cual se encuentra
algún lugar privilegiado de la casa como el
salón.
iv. Variedad de materiales.
v. Algunos ejemplos: Foscari (la mal contenta)
y Capra (rotonda).
c. San francisco de Vigna.
i. Composición por partes mediante yuxtaposición.
ii. Entablamento continuo: profundidad.

Pintura del renacimiento I: de Giotto a Tiziano

1. Introducción.
a. Aparición de la perspectiva en las pinturas, las obras dejan de parecer
planas y comienzan a tener profundidad.
b. Aparición del claroscuro y el difuminado.

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2. Giotto.
a. Frescos en monasterios.
b. Pinturas de la basílica de San Francisco de Asís.
i. Medieval.
ii. Policromía.
iii. Intención de representar sentimientos y
emociones.
c. El infanticidio de Belén.
i. Expresividad de las caras y los cuerpos.
ii. Representación de la arquitectura como un
personaje más de las composiciones.

3. Massaccio.
a. Características generales.
i. Personajes muy robustos y modelados desde la volumetría.
ii. Tratamiento muy realista de las caras y las expresiones.
b. La Santísima Trinidad.
i. Pintura al fresco.
ii. Representación de los donantes (financiadores del cuadro).
c. Capilla del Brancacci.
i. El tributo de la moneda: los apóstoles
preguntando a Cristo si deben
tributar a Roma. Cristo en una
posición central pero representado a
la misma escala y definición que los
apóstoles.
ii. Adán y Eva expulsados del Paraíso:
desnudos.

4. Piero della Francesca.

a. Características generale.
i. Luz blanca y uniforme.
ii. Gran importancia a la arquitectura.
b. Flagelación.
i. Geometrización de personas y cuerpos.
ii. Iluminación homogénea.
c. Visión de Constantino.
i. Uno de los primeros cuadros en representar una escena nocturna.
d. Vistas de la ciudad ideal.

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i. Pinturas con la arquitectura como único y principal personaje.

ii. Su tema es la arquitectura y el espacio urbano.
iii. No fue un género pictórico sino pequeñas representaciones para
particulares.

5. Paolo Uccello.
a. La Batalla de San Romano.
i. Intento de llevar el
concepto de
perspectiva a su
máximo exponente.

6. Andrea Mantegna: experimentación con la perspectiva.

a. Cristo yaciente.
i. Intento de retratar un cuadro a escala real, lo
que permite integrar al receptor en la escena.
b. La muerte de la Virgen.
i. Plantea una ventana dentro del propio cuadro.
ii. Retrata la ciudad en el momento del cuadro.
c. Camera picta.
i. Uso del trampantojo.
ii. Situado en la cámara de los esposos del Palacio
ducal de Mantua.

7. Sandro Botticelli.
a. Madonna del Magnificant.
i. Mucha importancia a la definición del dibujo.
ii. Idealización de los personajes y canon de belleza muy marcado.
iii. Similitud entre los personajes.
iv. Simoneta Vespucci.
b. La primavera.
i. Ausencia de perspectiva.
ii. Importancia a la anatomía de los
personajes.
iii. Presencia del paisaje como telón de
fondo.
iv. Mitología como tema principal.

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c. El nacimiento de Venus.
i. Las ninfas que van a cubrir el cuerpo
desnudo de venus.
ii. La mayor importancia del cuadro la
carga la anatomía legando el fondo a un
segundo plano sin apenas perspectiva ni
definición.

8. Leonardo da Vinci.
a. La belle Ferronière.
i. Introducción del óleo en Italia.
ii. Desarrollo del retrato como género pictórico.
iii. Representación del personaje de medio cuerpo para
arriba y en ¾, mitad de lado mitad de perfil.
b. La dama del armiño.
i. Esfumato: diluido de las figuras representadas con el
fondo.
ii. Dominio de la luz.
c. Gioconda.
i. Postura ¾.
ii. Apoyo en alfeizar.
iii. Perspectiva aérea: a mayor profundidad menos precisión y menos
contraste por el efecto del aire que las va opacando.
iv. Tonos fríos en el fondo y cálidos en el frente.
d. La Virgen de las rocas.
i. Composición religiosa en triángulo.
ii. Representación de un paisaje con poca
importancia en la época por su asociación al
peligro y la falta de belleza y productividad.
e. Santa Ana, la Virgen y el Niño.
i. Se repite la disposición tripartita.
ii. Representa las montañas y paisajes del fondo.
f. Dibujos anatómicos: cúmulo de notas que reflejan sus
conocimientos del dibujo de la anatomía humana.
Refleja que la pintura era su arte predilecto.
g. La última cena.
i. Experimentación con la pintura: uso de agua,
temple y óleo.
ii. Representa el momento en el
que Jesús anuncia la traición de
uno de sus apóstoles y las
reacciones de ellos ante la
noticia.

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9. Miguel Ángel.
a. Boceto para la batalla de Cascina: estudio de la anatomía del cuerpo
humano masculino en todas sus posturas.
b. La Capilla Sixtina.
i. Pintura al fresco.
ii. Organización mediante un armazón arquitectónico que divide el
espacio en secciones más pequeñas ocupando cada pasaje uno de
estos sectores.

iii. Juicio Final.

1. Pintado unos quince años después.
2. Muestra la evolución del pintor.

10. Rafel.
a. Madona de la Silla.
b. Madona Sixtina.
i. Representación de la Sagrada Familia.
ii. Disposición triangular.
c. La escuela de Atenas.
i. Toma las lecciones de Miguel Ángel sobre las
grandes representaciones.
ii. Tiene forma de luneto pueste ocupaba el muro
de una bóveda de cañón.
iii. Representa a todos los filósofos e intelectuales de la Antigüedad
Clásica.
iv. Presenta un paralelismo entre la antigüedad y el momento
dibujando personajes célebres del momento representando a
personajes del pasado.
1. Bramante -> Euclides.
2. Rafael ->
d. La ninfa Galatea: tema mitológico.
e. El conde de Baltasar.
i. Retrato que sigue todas las leyes de Leonardo.
ii. Gran nivel de detalle.
f. Autorretrato con Giulio Romano: se representa a sí mismo en segundo
plano.

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Pintura del Renacimiento II: pintura flamenca, alemana y manierista

1. Renacimiento en Flandes.
a. Similitudes con Italia: dominio de la perspectiva.
b. Diferencias: preferencia por los espacios interiores, mayor interés por el
paisaje, escenas cotidianas, realismo muy específico y detallista.
c. Características generales.
i. Gran interés por la representación de distintas texturas como
textiles, espejos, etc.
ii. Uso del óleo sobre lienzo.
iii. Representación homogénea de la luz con gran estudio sobre la
reflexión e intensidad de esta.

2. Jan van Eyck.

a. El Tríptico del Cordero Místico.
i. Representación del Jardín del
Edén.
ii. Representación de Adán y Eva con
mayor realismo y menor
idealización de los cuerpos.
b. Virgen con el Canónigo van der Paele.
i. Representación del donante.
ii. Gran trabajo sobre las texturas de
los personajes: textiles de las
prendas, cerámica, metal, etc.
c. Virgen del Canciller Rolin.
d. Retrato del cardenal Niccolò Albergati.
i. Representación en 3/4.

3. Roger van der Weyden.

a. Características generales.
i. Gran importancia a los sentimientos de los personajes de sus
historias.
ii. Mayor importancia a los detalles como las caras de los personajes
por encima de las leyes de la perspectiva.
b. Retrato de Antonio de Borgoña.
c. Tríptico de los Siete Sacramentos.
i. Representación de una arquitectura gótica.
ii. Uso de la perspectiva.
iii. Mayor tamaño a los personajes más
relevantes
d. Descendimiento de la Cruz.
i. Muy plano.
ii. Fondo de pan de oro plano.

4. El Bosco

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a. Características generales.
i. Rechazo a la representación del realismo y la ausencia de
idealización.
b. El Jardín de las Delicias.
i. En el centro, representación alegórica de los paraísos que se
pueden cometer en el mundo terrenal que representa un falso
paraíso.
ii. A la derecha: el infierno representa lo que espera a todos aquellos
que cometan pecados.
iii. A la izquierda: el verdadero paraíso, más ordenado.

iv. Elementos particulares de alegorías que con el tiempo han perdido

significado.
v. Representaciones y formas que podrían parecer relativas a las
vanguardias como el surrealismo.

5. Joachim Patinir.
a. Características generales.
i. Paisaje como género pictórico.
ii. Dominio de la perspectiva aérea
o atmosférica.
b. Caronte atravesando la Laguna Estigia.
i. Mezcla mitología con religión.
c. Paisaje con San Jerónimo.

6. Alberto Durero.
a. Características generales.
i. Precisión en la representación.
b. Adán y Eva.
i. Representa un punto intermedio entre la pintura flamenca y la
italiana.
ii. Cierta idealización de los personajes, pero sin ser extrema.
c. Autorretrato.
i. Se presenta al mundo como intelectual con importancia social.

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d. Redacción de un libro sobre la parte operativa y más

gráfica de la perspectiva en la pintura.
e. Liebre.
f. Grabados para imprenta.
i. Melancolía: poliedros, relojes de arena, etc.

7. Hans Hollbein.
a. Características generales.
i. Representación fidedigna de la realidad.
ii. Interés en las texturas.
b. Retrato de Tomás Moro.
c. Los embajadores: representación de objetos con
significados alegóricos.
i. Uso de la anamorfosis: se dibujó un elemento
en una perspectiva solo visible desde un punto,
en este caso una calavera.

8. La escuele veneciana.
a. Los Bellini.
b. Explotación máxima del óleo.
c. Gran experimentación y estudio de la luz y el color.
d. Manejo muy suelto del color y los pinceles.

9. Giorgione.
a. La Tempestad.
b. Características generales.
i. Introducción del desnudo forzado.

10. Tiziano.
a. Características generales.
i. Dominio de los negros.
ii. Encuadre más amplio, llega hasta por
debajo de la cintura.
b. La Venus de Urbino.
c. Dánae recibiendo la lluvia de oro.
i. Introduce un personaje contemporáneo:
la sirvienta del siglo XVI.
d. El emperador Carlos V en Mühlberg.

11. Tintoretto.
a. Gran importancia a los suelos.
b. Dominio del despiece de los suelos en perspectiva.
c. Representación de pórticos en contacto directo con patios o zonas
exteriores.
d. Perspectivas más complejas con varios puntos de fuga.

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e. Trabajo con asimetrías.

12. Veronés.
a. Brochazo.
b. Marcos arquitectónicos. Muy trabajados.

13. Manierismo: fase final del renacimiento que tiende a jugar con el cano.
Neologismo de hacer a la manera de los grandes maestros. Se pierde el interés
de la realidad como modelo y comienzan a tomar como modelo las pinturas de
grandes maestros italianos. Creando a partir de ellas sus propias composiciones
y añadiéndoles a ellas sus propias idealizaciones. Esto da como resultado
representaciones extremadamente idealizadas y lejanas de la realidad.

14. El Greco.
a. Fracasa en Venecia y se traslada a España.
b. Gran importancia a la mística.
c. Deformación muy particular de la realidad.
d. Preferencia de los cuerpos y las expresiones por
encima de la perspectiva.
e. Códigos de color irreales.
f. Representación de cosas no visibles como apariciones
o milagros.

Escultura del renacimiento

1. Donatello.
a. Empleo de las estatuas romanas como modelo y punto
de partida.
b. David.
i. Bronce.
ii. Curva praxiteriana.
iii. Cuerpo adolescente.
c. Estatuas ecuestres.
i. Erasmo de Narni.
ii. Representación de señores poderosos de la época.

2. Ghiberti.
a. Baptisterio del Duomo de Florencia.
b. Puerta de la Gloria.

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i. Canon clásico. iv. Perspectiva.

ii. Bajo relieve. v. Dominio de la anatomía.
iii. Muchos matices.

3. Luca della Robia.

a. Relieves en cerámica.
b. Preocupación por el cuerpo humano.

4. Andrea del Verrochio: esculturas de bronce de gran tamaño.

a. El Colleoni: estatua ecuestre de un condottieri veneciano, primera vez
desde los romanos que el caballo levanta la pata.

5. Miguel Ángel.
a. David.
i. Mármol de Carrara.
ii. Cuerpo musculoso, en tensión.
iii. Quietud dinámica.
b. La Piedad.
i. La Virgen sujeta el cuerpo sin vida de Jesucristo.
ii. Las dimensiones de las piernas de la virgen tras sus telas serían
completamente desproporcionadas.
c. Capilla Médicia (Iglesia de San Lorenzo [Florencia]).
d. Tumba de Julio II.
i. Moisés: representado con cuernos, deriva de un error de traducción
desde el hebreo.
ii. Uso de poca variedad de cinceles para tallar la piedra.

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Barroco
Arquitectura del Barroco
1. Introducción.
a. Temas del barroco: luz, movimiento y teatralidad.
b. Diseño planificado de la ciudad a gran escala.
c. Uso de la curva, alteración cóncavo recto convexo.
d. Fachada como telón escenográfico

2. Primeros templos barrocos.

a. Iglesia de Gesú: aún manierista.
b. Iglesia de Santa Susana: considerada la primera fachada barroca.
c. Fachada de San Pedro del Vaticano.
i. Centralizada y longitudinal.
ii. Tapa parcialmente la cúpula y por tanto no es visible desde abajo,
esto conducirá a la construcción de una gran plaza para poder así
ver la cúpula.

3. Bernini.
a. Gran apreciación de la luz y uso de esta como material.
b. Más recargado.
c. Plantas elípticas.
d. Las plantas esta direccionadas.
e. Muros equipados.
f. Exterior austero e interior recargado.

4. Borromini.
a. Monumentalidad.
b. Monocromía en los interiores.
c. Mayor complejidad técnica y geométrica.
d. Uso de cupulas nervadas y cimborrios
helicoidales.
e. Sobriedad interior.

5. Pietro de Cortona.
a. Vocabulario clásico.
b. Uso de la arquitectura como propaganda
eclesiástica (Contrarreforma).
c. Plazas barrocas: voluntad de generar ciudad a
través de los poderes centralizados con un
carácter unitario.

6. Guarino Guarini.
a. Tratado sobre técnicas del barroco y estudio profundo de cúpulas y
órdenes.

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b. San Lorenzo de Turín.

i. Trazado mixtilíneo.
ii. Influencia de Borromini.
iii. Cúpula nervada sin cruce en el centro.
c. Cúpula de la Santa Sindone.
i. Máxima verticalidad.
ii. Superposición de nervios.
iii. Sensación de infinitud y ligereza.

7. El Barroco en España.
a. Espacios muy recargados.
b. Nacimiento de los retablos.
c. Churrigueresco: ausencia de elementos clásicos,
abundante decoración y uso de pan de oro.

8. Barroco en Alemania.
a. Decoración sobrecargada.
b. Gran importancia del arte como propaganda
eclesiástica (origen de la reforma protestante).
c. Iglesia de los Catorce Santos.

9. Barroco en Francia.
a. Ausencia de ordenes formales.
b. Interés por el formalismo.
c. Nacimiento del estilo rococó.

Pintura del Barroco I: de Caravaggio a Velázquez

1. Introducción:
a. Aparición del dinamismo.
b. Composiciones menos estables y equilibradas.
c. Teatralidad.
d. Efecto sorpresa.
e. Tratamiento dramático de la luz.
f. Nuevos géneros: bodegón y paisaje.
g. Personajes entrelazos entre sí.
h. Posturas forzadas.
i. Caras agónicas.
j. Idealización total.
k. Uso dramático de la luz.

2. Caravaggio.
a. Momentos y poses de gran tensión y expresividad.
b. Uso de fondo negro que aviva los contrastes.
c. Personajes pobres o marginales con gran detalle.
d. Sentimiento religioso.
e. David y Goliat: autorretrato (él es Goliat).

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3. José de Rivera.
a. Influenciado por Caravaggio.
b. Naturalismo extremo.
c. Represente los aspectos más crudos de la realidad.
d. No genera tantos contrastes como Caravaggio.

4. Zurbarán.
a. Muchos encargos eclesiásticos.
b. Naturalismos, caras idealizadas.
c. Carácter sencillo e ingenuo de los personajes.
d. Gran trabajo del blanco, paleta cromática muy
sobria.
e. Interés por la naturaleza muerta.
f. Representa la mística española.
g. Detalles de textiles.

5. Velázquez.
a. Influencia de Caravaggio: gama de colores
cerrada.
b. Gran estudio compositivo.
c. Con el tiempo dejará atrás la paleta sobria de
Caravaggio.
d. Influencia de Rubens.
e. Retratos de cuerpo entero.
f. Sobras arrojadas para dar profundidad y uso de
fondos neutros para facilitar estas sombras.
g. Introducción del paisaje en algunos retratos y uso
de la perspectiva aérea.
h. Interés por la luz y el color.

Pintura del barroco II: Rubens y Rembrandt

1. Introducción: en Flandes es un barroco algo distinto al italiano, mayor colorido y
tenebrismo más idealizante.

2. Rubens.
a. Más interesado por el renacimiento canónico.
b. Optimismo y ausencia de contrastes exagerados.
c. Gama de color amplia.
d. Temas: retratos de realeza y mitología.
e. Canon de belleza de cuerpos femeninos entrados en
carne exuberantes y sensuales.
f. Dinamismo barroco.
g. Busca el efecto sorpresa.
h. Composición ordenada y armoniosa.

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3. Rembrandt.
a. Numerosas obras nocturnas.
b. Retratos de grupos.
c. Influencia del claroscuro de Caravaggio.
d. Grabados.

4. Vermeer.
a. Buscaba representar los objetos y su naturaleza de
la forma más fidedigna.
b. Reflejos de la luz en los objetos.
c. Representación de objetos de la vida cotidiana.
d. Paisajes con la meteorología como punto de interés.

5. Claudio.
a. Representación del mundo clásico perdido.
b. Orillas del mar con marcos arquitectónicos clásicos.
c. Utopías paisajísticas.

6. Hobbema.
a. No idealiza los paisajes.
b. Puntos de vista bajos con mucho cielo.
c. Centra la vista en paseos o carreteras.
d. Representa los lados más salvajes de la naturaleza y como la luz los incide.

Escultura del barroco

1. Bernini.
a. Características generales.
i. Sensibilidad manierista: búsqueda de movimiento (ley de la S).
ii. El mármol parece una superficie blanca y cálida.
iii. Dinamismo físico y metafórico.
b. David.
i. Mediante la mirada, la composición se completa con otros
elementos exteriores.
ii. David parece estar mirando a Goliat.
c. Apolo y Dafne.
i. Dos figuras se mueven a la vez.
ii. Parecen estar corriendo.
iii. Dafne se convierte en Laurel.
d. San Longinos.
i. Gran importancia a la mirada que ubicada dentro de un
nicho de la Basílica de San Pedro mira hacia la cúpula
en búsqueda de Dios.
ii. Gran técnica en los textiles generando claroscuros.
iii. Pareciese que a San Longinos le da el viento de frente.

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e. Busto del cardenal Scipione Borghese.

i. Se centra en la expresividad de la cara y no representa el cuerpo
completo.
ii. Continua con su técnica muy desarrollada en representación de
telas con gran dominio del detalle.
f. Busto de Constanza Buonarelli.
g. Busto de Luis XIV.
h. Estatua ecuestre de Constantino.
i. Caballo completamente encabritado.
ii. Gran sensación de dinamismo.
iii. La figura se encuentra contenida en un nicho y se
sostiene parcialmente en la pared.
i. El éxtasis de Santa Teresa.
i. Ubicada en un templete con una luz de origen
desconocido.
ii. Se aprecia una representación teatral al estar la escultura sobre un
escenario con palcos a su alrededor.
j. Capilla Altieri.
k. Baldaquino y Cátedra de San Pedro.
i. Columnas salomónicas: condición ascendente.
l. Fuente de la Piazza Navona.

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Siglos XVIII y XIX

Arte del Neoclasicismo y Romanticismo I
1. Introducción.
a. Origen: Francia.
b. Cambios social políticos derivados de la Revolución Francesa.
c. Vuelta del protagonismo de lo Clásico.
d. Búsqueda de la primigenia del arte clásico que se había deformado con el
tiempo.
e. Obsesión con hacer comprensible lo representado a ojos del espectador.
f. Gran importancia a la funcionalidad.

2. Cánova.
a. Técnica muy dominada.
b. Sencillez y equilibrio.
c. Estudio muy avanzado de la anatomía.

3. Mengs: gran iniciador de la pintura neoclásica.

a. Helios como personificación del mediodía.
i. Armonía.
ii. Equilibrio.
iii. Exquisitez.
iv. Sofisticación.
v. Gran importancia al dibujo.
b. El Parnaso.
i. Mitológico: monte clásico donde residían las musas,
los saberes y los artes.
ii. Composición simétrica muy correcta.
iii. Dominio de la anatomía demostrado mediante el
dinamismo de los personajes.
iv. Colores idealizados, fríos, pasteles.
c. Carlos III.
i. Retrato.
d. M.ª Luisa de Parma.

4. Jacques Louis David.

a. Características generales.
i. Carga ética y moral: valores patrióticos.

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ii. Referencia a la antigüedad (Roma republicana).

b. El Juramento de los Horacios.
i. Tema: cumplimiento del deber y sacrificio.
c. Las Sabinas.
i. Tema: el rapto de las Sabinas
ii. Con esta obra se consolida como artista de la
Revolución Francesa.
iii. Uso de la historia clásica para mitificar los
acontecimientos contemporáneos.
d. Marat asesinado.
i. Representación mítica de la muerte.
ii. Referencia la muerte de Séneca.
e. Napoleón a caballo.
i. El emperador aparece como un héroe sobre su caballo.
ii. Ausencia de temática clásica.
iii. Tratamiento del color y la figura muy fiel a las leyes académicas.
f. La Coronación de Napoleón.
i. Uno de los últimos cuadros para el francés.

5. Ingres.
a. Características generales.
i. Uso del dibujo como pieza fundamental.
ii. Tratamiento exótico de los temas.
iii. Deformación de los cuerpos desnudos de forma muy singular.
iv. Búsqueda de la perfección académica.
b. El Baño Turco.
i. Tema exótico de lo extranjero.
ii. Halo exótico, místico.
c. Henri Labrouste.
i. Dibujo.

6. Eugéne Delacroix.
a. Pintor romántico.
b. Alternativa a los pintores anteriores.
c. No hay tanto orden ni definición de los
volúmenes, el trazo es más suelto.

7. Géricault.
a. Representación de hechos
contemporáneos con apariencia mitológica.
b. Estudio anatómico y cuerpos esculpidos (influencia de Miguel Ángel).

Arte del neoclasicismo y romanticismo II

1. Goya.
a. Características generales.

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i. Valor visionario.
ii. Inspiración: Velázquez.
iii. Tendencia romántica.
iv. Tonos cromáticos sueltos.
b. La Gallinita Ciega.
i. Obra optimista.
ii. Los nobles quieren parecerse al pueblo y el
pueblo quiere parecerse a los nobles.
iii. Composición y paleta cromática neoclásicos.
iv. Pincelada más suelta que otros pintores
neoclásicos.
c. La tormenta de nieve.
i. Representación del invierno de forma cruda y realista.
ii. Crítica social al sufrimiento del pueblo.
d. La familia de Carlos IV.
i. Retrato de corte.
ii. Rotura de todos los protocolos.
iii. Representación de la futura Princesa de Asturias sin cara al no estar
esta todavía casada con el que sería Fernando VII.
iv. Intencionalidad de representar la
personalidad de los miembros de la
familia real: personalidad retraída del
rey, arrogancia de Fernando VII.
v. Homenajes muy evidentes a Velázquez:
autorretrato pintando el cuadro
(Meninas), uso de suelos muy neutros
que permiten dar protagonismo a las
sombras arrojadas dando así gran
profundidad al cuadro.
vi. Pincelada más suelta incluso
mezclando colores directamente en el
lienzo.
e. Retrato de Fernando VII.
i. Gusto por el uso del color muy puro mezclado sobre el
propio lienzo.
ii. Retrato de cuerpo entero.
iii. Fondo oscuro.
f. La condesa de Chinchón.
i. Dominio de los blancos.
g. Retrato de Jovellanos.
i. Pose: sobre una silla apoyando la cabeza con el brazo
en una mesa.
h. La carga de los mamelucos.
i. Rebeldes del pueblo se enfrentan a los invasores franceses.
i. Los fusilamientos del 3 de mayo.

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i. Fusilamiento de los sublevados en el levantamiento del día anterior.

j. Grabados.
i. Agua fuerte.
ii. Agua tinta: incorpora resinas que permiten gradaciones de color dando
lugar a grises.
iii. Denuncia la maldad de la naturaleza humana.

2. Friedrich.
a. Representa el espíritu de la naturaleza relacionado con
el ser humano.
b. No habla solo del paisaje sino del estado de ánimo del
personaje.
c. Conexión entre lo gótico y lo religioso.
d. Corriente rústica con sensibilidad por la vida en el
campo.

3. John Constable.
a. Explora la belleza de lo asimétrico, irregular y poco estilizado.
b. Pintor de nubes: interés por lo efímero y lo
cambiante.

4. Turner.
a. Obsesión por los fenómenos naturales.
b. Interés por la tecnología, los trenes y el vapor.

Pintura impresionista
1. Introducción: revolución en el mundo del arte inducida por cambios en: para
quien se pinta, como se pinta, la técnica y el público.

2. Courbet.
a. Características generales.
i. No es tan revolucionario.
ii. Introduce temas contemporáneos.
b. Buenos días, señor Courbet.
i. Se pinta algo cotidiano sin gran interés aparente.
ii. El artista sale a pintar al aire libre
c. El sueño.
d. El origen del mundo.
i. Intenta catapultar una imagen pornográfica al
mundo del arte.
ii. Transformación de los temas banales en arte de primera categoría.

3. Aparición de la fotografía: ante la incipiente introducción de un sistema que

permite una representación completamente fidedigna de la realidad, el pintar

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de forma realista pierde interés y sentido. A partir de este momento, el arte se

dedicará a intentar transmitir cosas que no se pueden a través de la cámara.

4. Manet.
a. Características generales.
i. Homenajes a Velázquez.
b. El bebedor de absenta.
i. Plante el retrato de un borracho al margen de la
sociedad.
ii. Denuncia social.
iii. Códigos propios de la corte y las personas nobles.
iv. Importancia de la sombra que da profundidad.
c. El desayuno sobre la hierba.
i. Dos burgueses bohemios merendando en las afueras de
París acompañando de do s mujeres desnudas.
ii. Provocación e insinuación sobre dos prostitutas que se llevan a los
señores al campo.
iii. Enlazada pictóricamente con Concierto campestre una obra propia
de la escuela veneciana.
d. Olympia.
i. Retrato de mujer desnuda a quien su criada negra le trae
un ramo de flores.
ii. Guiño a los blancos de las sábanas y la mascota a los pies
de la cama.
e. El pífano.
i. Homenaje a Velázquez: sombra arrojada, fondo neutro.
f. Ejecución del Emperador Maximiliano.
i. Claro homenaje a los fusilamientos del 3 de mayo de
Goya.
ii. En el fondo, una pincelada suelta y expresión de personajes
oscuros, que desde un muro observan el fusilamiento, evocan a los
cuadros negros de Goya.
g. La música en la Tullerías.
i. Trata temas cotidianos de la burguesía en la ciudad.
ii. Interés del pintor por trabajar con varias figuras y representar el
acelerado movimiento de la gran ciudad
mediante muchos personajes.
iii. La presencia de árboles le permite
experimentar con el paso difuso de la luz y su
efecto en las personas y sus vestimentas.
iv. Aparición del encuadre fotográfico en las
pinturas: algunos personajes o partes del cuadro

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se ven cortados como si no cupiesen en el encuadre a similitud de

una fotografía.
h. El bar de Folies Bergere.
i. Juego de espejos y reflejos.
ii. Se utiliza la perspectiva forzada para mostrar
partes relevantes de la composición.

5. Monet.
a. Características generales.
i. El cuadro se vuelve una impresión de la realidad.
ii. Ceñirse a lo que ven los ojos.
iii. No es necesario representar cada parte de forma detallada porque
el cerebro lleva a cabo un proceso de reconstrucción.
iv.
b. Impresión sol naciente.
i. Pinceladas independientes que se mezclan en el
lienzo y crea los colores al superponerse en el
lienzo.
ii. Dilución de todos los contornos.
c. Posibilidad de pintar en exterior debido a la aparición
de los tubos de pintura. Ya no era necesario mezclar
pigmento y oleo.
d. Mujer con sombrilla.
e. Madame Monet en el jardín.
i. Gran trabajo de la luz.
ii. Representación de momento único y transitorio.
f. Las amapolas de Argenteuil.
i. Representación del paisaje y las personas.
ii. Los géneros menores se convierten en los más importantes.
g. Vistas de la Catedral de Rouen.
i. Representación de un mismo edificio
desde el mismo punto de vista en
diferentes momentos.
ii. Personificación de las ideas de lo
efímero y lo transitorio.
iii. Desmaterialización de los contornos.
h. El Parlamento de Londres.
i. El cuadro parece desenfocado dotando a
la obra de vida y movimiento.
ii. Adquiere un valor imposible de proporcionar para la fotografía.
iii. Interés por los efectos atmosféricos. (Nieblas negras de Londres).
iv. Transmite las sensaciones que se sentirían al ubicarse frente al
parlamento.

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i. La estación de Saint-Lazare.
i. Fugacidad de la vida moderna y urbana como
tema.
ii. Representación de la nueva tecnología que se
introduce en la ciudad: estaciones de trenes,
coches, etc.
j. Los nenúfares.
i. Monet es ya un artista consolidad y rico.
ii. Su estilo comienza a venderse muy bien.
iii. Representa efectos de la luz, el cielo y los elementos naturales
reflejados en el agua.

6. Renoir.
a. El baile en el molino de Galette.
i. Escenas cotidianas de burgueses acomodados
en su tiempo de ocio.
b. El almuerzo de los remeros.
i. Escenas amables, muy optimistas.
c. Desnudo al sol.
d. Las bañistas.

7. Degas: bailarinas y herradoras.

a. Carrera de caballos.
i. Representaciones cotidianas,
instantáneas, fugaces, espontáneas.
ii. Desarrollo del encuadre fotográfico
(ausencia de la composición
académica).
iii. Interés por los momentos
intermedios, auxiliares a la carrera:
la preparación, la monta; no se le da
importancia a los momentos de
tensión como la salida del cajón o la
llegada a meta.
b. La clase de danza.
i. Se representa el momento de preparación.
ii. Las bailarinas no se encuentran en una postura perfecta de baile
sino practicando.
c. El ensayo.
i. Perspectiva picada.

8. Pisarro.
a. Plaza del teatro bajo la lluvia.
i. Interés por lo cotidiano y la vida moderna.
ii. Encuadre fotográfico, ningún edificio centrado.

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iii. Pincelada suelta, contornos imprecisos, colores sin mezclar.

9. Seurat.
a. Características generales.
i. Lleva al extremo los conocimientos impresionistas.
ii. Padre del puntillismo: metodología casi científica que plasma de
forma codificada la reconstrucción de imágenes por parte del
cerebro.
iii. Los contornos se vuelven mucho más
presentes.
iv. Se genera una volumetría geométrica muy
estática.
v. Destaca su temática cobre el circo, lo
extravagante, exótico, distinto y banal.

Pintura posimpresionista
1. Lautrec.
a. Inspirado en los bajos fondos de París, el º
b. Representación de la vida nocturna y espontánea:
los bailes, las fiestas, etc.
c. Contornos marcados y uso del negro como perfil.
d. Masas de color muy planas.
e. Uso distorsionado (voluntario) del color.
f. Carteles.

2. Van Gogh.
a. Características generales.
i. Denuncia injusticias sociales.
ii. Apasionado por la naturaleza.
iii. Pasada vocación como pastor de la Iglesia Protestante que lo
vinculará a los bajos fondos de la sociedad de la época.
b. Los comedores de patata.
i. Transmite la tristeza a través de los tonos
tenebrosos.
ii. Expresiones caricaturizadas para transmitir con
más fuerza la sensación de injusticia.
c. Influencia de las estampas japonesas: a partir de este
punto Van Gogh comenzará a interesarse por cierta distorsión de la
realidad del color. Llegó a versionar una estampa japonesa para ensayarse
en esta técnica.
d. La iglesia de Auvers-sur-Oise.
i. Pincelada suelta de color.
ii. Distorsión de la realidad aplicada al color, la perspectiva y el
carácter de las cosas.
e. La noche estrellada.
i. Los elementos inanimados adquieren vida propia y carácter.

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ii. Uso de la pincelada direccional.

f. Jarro con Girasoles.
i. Importancia a los valores autónomos de la pintura.
g. Dormitorio de Van Gogh en Arlés.
i. Representa su tranquilidad.
ii. Voluntad de desafiar las leyes de la perspectiva.

3. Gauguin.
a. Características generales.
i. Pintor simbolista.
ii. Se aísla en el mundo rural francés para reencontrarse con los
valores más primitivos y tradicionales de la sociedad.
iii. Uso plano del color, especialmente en los cuerpos, pero sin relación
con la realidad.
iv. Voluntad narrativa de la técnica, pretende dar a conocer la cultura
de los lugares donde trabaja.
b. La visión después del sermón.
i. Encuadre fotográfico.
ii. Se une el mundo real de las personas que
salen de misa con el imaginario sobre el
«milagro» que están presenciando.
iii. El árbol divide en dos la composición y la
alfombra roja los reúne.
iv. Uso significativo del color, el rojo indica
algo sobrenatural.
c. El cristo amarillo.
i. Distorsión voluntaria de la anatomía del cuerpo
de Jesucristo.
ii. Uso del color amarillo de forma simbólica.
d. Mata Mua.
i. Viaje a Tahití.
ii. Elogio al paisaje tropical.
iii. Interés por los cuerpos exóticos de las mujeres
polinesias.
iv. Uso del amarillo como color fetiche.

4. Cézanne.
a. Características generales.
i. Pinta objetos inmóviles.
ii. Representación de bodegones.
iii. Someter a juicio lo que se ve.
iv. No desmaterializa contornos.
v. Manipulación intencionada de la
perspectiva.
vi. Uso de la perspectiva dual que combinará más de un punto de vista.

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vii. Uso modelador y facetante del color.

viii. Geometrización de las formas.
b. Serie del Mont Sainte-Victoire.
i. Permite ver la evolución de Cézanne
a lo largo de los años.
ii. Parte de un origen impresionista
general.
iii. Geometriza las formas y abandona los
detalles.
iv. Reducción de la realidad a formas
geométricas que apuntan a la
abstracción.
c. Los jugadores de naipes.
i. Tema impresionista: cotidiano, espontáneo y con encuadre
fotográfico.
ii. Proceso de esencialización de las cosas.

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Siglo XX
Las vanguardias I
1. Fauvismo.
a. Introducción.
i. Donatello entre las fieras (fauves).
ii. Interés por Cézanne.
iii. Lleva al extremo el uso del color y los superpone a la representación
realista.
b. Andre Derain.
i. Tratamiento desinhibido del color.
ii. Se dejan trozos del lienzo sin pintar.
c. Matisse.
i. Características generales.
1. Pinceladas muy potentes.
2. Color sin tratar.
3. Búsqueda de impacto en el espectador.
4. Colores estridentes, saturados, chillones y variados.
5. Uso de contornos.
6. Ausencia de línea del horizonte.
ii. La dicha de vivir.
1. Escena pastoril.
iii. La Danza.
1. Voluntad naïve de las figuras.
2. Uso de la curva en la forma de los
cuerpos.
iv. El postre, armonía en rojo.
1. Aparente perspectiva rota por el estampado de la pared.
2. Interés por la curva en los estampados del textil.
v. La tristeza del rey.
1. Voluntad de abstracción muy grande.
vi. Mujer con sombrero.
d. Vlaminck.

2. Cubismo.
a. Introducción.
i. Obsesión por tomar un objeto desde diferentes puntos de vista para
representar la realidad con mayor exactitud.
ii. Acercamiento conceptual al arte.

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iii. Se trabaja con la intuición y con los conocimientos más allá de lo

que se ve.
iv. Descomposición geométrico-analítica: se descompone la realidad
en distintos planos para posteriormente recomponer esos planos en
una única composición.
b. Picasso.
i. Fase azul: transmite tristeza.
ii. Fase rosa: gran interés por los circos, cambio en el uso cromático,
obsesión por la anatomía humana.
iii. Nacimiento del cubismo: interés por las máscaras africanas,
pintura de las Señoritas de Aviñón.
iv. Las Señoritas de Aviñón.
1. Tema: prostitutas de la calle Aviñón
en Barcelona.
2. Las prostitutas parecen estar unas
encima de otras.
3. Sinterización de la anatomía de los
cuerpos humanos a figuras sencillas
como triángulos.
4. Los cuerpos parecen estar
fragmentados.
5. Distintos puntos de vista se funden
como si se estuviese mirando a un
espejo roto.
6. Condensa en el cuadro varios momentos de la realidad.
7. Incorporación de máscaras primitivistas.
v. Ma Jolie: introduce texto en el cuadro.
vi. Naturaleza sobre silla de rejilla: introduce el collage, con la cuerda
y el papel pintado que simula la rejilla.
vii. Cráneo de toro: hecho con el manillar de una bicicleta.
viii. Mujer llorando: expresa el llanto y descompone todos sus elementos
incluidas las lágrimas de la mujer.
c. Guernica: en blanco y negro, transmite sensación de
monumentalidad trágica.
d. Braque.
i. Interés por el paisaje, la simplificación de las
formas y el uso del color.
ii. Primera fase (analítica): paleta cromática muy
reducida, falta de interés en el color,
1. Viaducto y Casas de L’estaque.
2. Violín y Paleta.
3. Hombre con Guitarra.
e. Juan Gris.
i. Características generales.
1. Cubismo más estilizado y suave.

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3. Futurismo.
a. Introducción.
i. Origen: Marinetti y el manifiesto futurista.
ii. Reacción radical y agresiva hacia al pasado.
iii. Exaltación de lo contemporáneo, lo industrial y la
tecnología.
iv. Estrecha relación política.
b. Carlo Carrá.
i. Luci Notturni: interés por la ciudad, su movimiento
sus luces. Capta el movimiento frenético de la
metrópoli.
c. Giacomo Balla.
i. La lámpara de arco: interés por ña emergía, la ciencia, la
tecnología. Estudio de la luz, en especial la
artificial.
d. Eadweard Muybridge.
i. Caballo en movimiento: serie de fotografías
de instantes muy próximos en el tiempo que
pretende transmitir la velocidad y el
dinamismo.
ii. Movimiento en salto de pértiga: similar al
anterior, pero aglutina todos los fotogramas
en una misma composición.
e. Umberto Boccioni.
i. Dinamismo de un ciclista.
ii. Forma única de continuidad en el espacio: fusión
del ser humano con el entrono tecnológico, un
cuerpo lucha contra una fuerza que lo va
desintegrando.

Las vanguardias II
1. Abstracción.
a. Kandinsky.
i. Características generales
1. Influencia de la Bauhaus.
2. Fundador del Jinete Azul.
ii. Primera etapa.
1. Varía colores y texturas, pero aún no es
abstracto.
2. Múnich Planegg.
3. Murnau, calle del pueblo.
4. Kochel, carretera.
iii. Segunda etapa.
1. Se comienza a dar una abstracción más pura. ´
2. Búsqueda del equilibrio formal.
3. Estudia la música a través de la pintura.

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4. Valores geométricos y cromáticos.

5. Improvisación IV.
6. Composición IV.
iv. Tercera etapa.
1. Abstracción.
2. Composición VI: el color prima sobre la
geometría, los colores se diluyen.
3. Composición VII: lucha absoluta por
encontrar el equilibrio y el orden.
4. Composición VIII: influencia de la
revolución rusa, el suprematismo y el constructivismo.
5. Punto y línea sobre plano: recoge toda
la teoría sobre arte abstracto.
6. Composición X: más avanzados, incluye
referencias realistas muy abstraída.
7. Composición sobre fondo azul:
relacionado con el surrealismo.
b. Malévich.
i. Características generales.
1. Influencias futuristas y supremacistas.
2. Relación intensa con el espectador.
3. Crea tensión entre los elementos de sus
composiciones.
ii. Suprematismo: colores que no son primarios y
composición en diagonal.
iii. Suprematismo dinámico 3: superposiciones.
iv. Cuadrado blanco sobre blanco.
v. Cuadrado negro sobre blanco.
c. Piet Mondrian.
i. Características generales.
1. Buscaba la universalidad.
ii. Árbol gris: ausencia del color y
fragmentación, influencia cubista
sobre la descomposición y
abstracción de los elementos.
Manzano en flor: el árbol casi
desaparece y es ahora un cúmulo de
líneas en diferentes direcciones,
lectura geométrica.
iii. Cuadrado 2: totalmente abstracto,
ausencia de tema particular.
iv. Composición 6: aparece el orden ene sus composiciones.
v. Composición en rojo, amarillo, azul y negro: da lugar al
neoplasticismo.
2. Neoplasticismo.

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a. Introducción.
i. Mínimo uso del color.
ii. Estudio de las formas y de las relaciones entre sí y con el todo.
iii. Tramas de retícula ortogonal.
b. Piet Mondrian.
i. Composición en rojo, amarillo y azul.
ii. Broadway Boogie Woogie: inspirado en
el ajetreo de la calle neoyorquina.
c. Theo van Doesburg: vivienda inspirada en los
cuadros de Mondrian y completamente
guiada por planos, todos los planos son igual
de finos.
d. Joan Mirón.
i. Blue II: obra que une abstracción y
surrealismo.
ii. Flora sobre arena: carece de iconicidad.

Las vanguardias III

1. Expresionismo: crítica social a la naturaleza humana. Investiga el interior del ser
humano y sus conflictos.
a. Edward Münch.
i. El grito: angustia, inquietud, se representa el
propio sentimiento del autor.
b. Egon Schiele: influencia Clint.
i. La madre: trata la figura humana, maternal y
femenina. Así como la muerte.
ii. El abrazo: erotismo.
c. Oscar Kokoschka: obsesión por la figura humana.
d. Die Brucke: grupo de expresionistas fundado por
amigos estudiantes de arquitectura. Tiende puentes
(de ahí su nombre) entre arte y revolución.
i. Ernst Ludwig Kirchner.
1. Ansiedad de la sociedad.
2. Uso de colores del fauvismo
3. Trazo agudo y fuerte.
4. Representación forzada y en escorzos.
5. Deformación de objetos y figuras para
aumentar la sensación de angustia.
e. Dier Blaue Reiter (El Jinete Azul): grupo muy
heterogéneo.
f. Otto Dix.
i. Representación de horrores de la guerra.
ii. Crítica satírica y ácida.
iii. Deformación caricaturizada.
g. George Grosz.
i. Crítica social que desenmascara poderes sociales.

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ii. Nueva forma de representar la ciudad.

2. Dadaísmo.
a. Introducción.
i. Desorienta al espectador y rompe con sus
expectativas.
ii. Critican el mundo cotidiano, el capitalismo y
el arte.
iii. Performances.
iv. Producción de collages y poemas.
b. Haussman: maquinación del ser humano.
c. John Hieatfield: se centra en la crítica social y
política.
d. Fuente de Duchamp.
e. Cadeau: plancha descontextualizada y carente de su
función original, la intervención es mínima.

Las vanguardias IV
1. Introducción.
a. Influencia de la II Guerra Mundial.
b. Estados Unidos como epicentro económico, cultural y artístico.
c. El público acoge de forma más rápida y natural las vanguardias.
d. A partir de 1945.

2. El Expresionismo abstracto. (Escuela de Nueva York)

a. Clement Greenberg: defiende el arte propiamente americano ante la
desaparición de las vanguardias en Europa. Escribe su manifiesto
American-Type Painting.
b. Jackson Pollock.
i. Drip painting: fijaba telas a la pared o al
suelo y derramaba pintura sobre ellas,
directamente de los cubos de pintura.
ii. Pintura Gestual: el gesto, la coreografía y la
acción de pintar del propio artista son más
importantes que el cuadro per se.
iii. Documentación del proceso de creación de
las obras.
iv. Expresas los sentimientos a través de actos
espontáneos al azar.
c. Mark Rothko.
i. Inicios surrealistas: revelación interna del
subconsciente que resulta incomprensible en
ocasiones.
ii. Estudio de los campos de color: combina los
campos de color y será su campo de estudio
durante el resto de su carrera. º

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1. Inicialmente buscara relaciones formales entre las diferentes

manchas de color.
2. Después reduce esas cuestiones y ordena los campos de color
en bandas horizontales que buscan el equilibrio visual.
iii. Líneas de contorno difuminadas.
iv. Interés y conocimiento por las teorías cromáticas.
v. Evolución hacia unas paletas cromáticas más restringidas y oscuras,
llegando a hacer campos de color homogéneos a primera vista.

3. El arte conceptual.
a. Lo que se piensa de la obra, sus ideas adquieren mayor importancia que
el propio objeto que la constituye.
b. Inspiración en Marcel Duchamp y los dadaístas.
c. Todo es susceptible de ser convertido en arte.
d. Sol LeWitt.
i. El artista pasa a un segundo plano, la obra puede ser ejecutada por
cualquier persona que siga las normas dictadas por el autor. Se da
cierta liberta a la persona que vaya a instalar la obra.

4. Arte de acción: performance, happening, fluxus.

a. Yves Klein.
i. Performance, grabadas o en directo que generan arte, en ocasiones
se llevan a cabo en lugares no
dedicados explícitamente al arte
como los exteriores de los museos.
ii. Posteriormente se pediría al público
que fuese quien formase parte de la
performance.
iii. Se enfoca en lo espontáneo y en la
participación de agentes que a priori
parecen no pertenecer a la obra como lo es el público.
b. Marina Abramovic.
i. Búsqueda de la provocación.
ii. Llamar la atención del público frentes a su
anestesia por parte de las vanguardias.
iii. Reacción.
iv. Interacción de la artista con el observador siendo
esta interacción la obra en sí.
c. Allan Kaprow.
i. Happenings: componente de reivindicación social.
ii. El papel del público es más relevante, ya no sólo importa su
reacción sino como actúa respecto a la obra.
iii. El artista es dependiente del público en su obra.
d. Wolf Vostell.
i. Introduce las ideas del happening en Europa.

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e. Joseph Beuys.
i. Artista transgresor de su época.
ii. Fluxus.
iii. Acerca el arte a todos los públicos, lo democratiza y le añade
carácter social.
iv. I like America and America likes me (el coyote): pasa tres días
encerrado en una habitación con un coyote salvaje, conviven,
duermen, comen y finalmente el coyote parece dejarse acariciar
por el artista. Todo ello mientras los espectadores presencian la
performance.

5. El Arte Pop.
a. Andy Warhol.
i. Campbell Soup.
b. Claes Oldenburg.
i. Esculturas de gran tamaño.
ii. Objetos que priori pueden parecer banales
pero debido a la manipulación de su escala
producen un efecto de rareza y
perturbación que lo convierten en arte.

6. Minimalismo.
a. Alto contenido intelectual.
b. Bajo contenido de manufactura.
c. El objeto sí que es importante, pero pertenece a la
industria y esta grandemente simplificado.
d. Donal Judd: objetos industriales.
e. Dan Flavin.
i. Uso de la iluminación, normalmente
coloreada como obra de arte.

7. Land-Art.
a. Instalaciones en lugares naturales como
lagos.
b. Walter de María: campo de rayos.
c. Nancy Holt: Sun Tunnels

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