5. GÉNEROS MUSICALES.

5.1. EL BLUES.

ORÍGENES DEL BLUES

El blues es un tipo de canción afroamericana que surgió en la segunda mitad
del siglo XIX de la mezcla de ideas africanas y europeas que también dieron origen a
los cantos de trabajo y a los espirituales. Como éstos, el blues cantaba sentimientos,
temores y esperanzas de los cantantes, pero lo hacía de una forma muy personal. Eran
canciones de lamento e ironía que hablaban del duro trabajo, de las creencias
religiosas o de los desengaños amorosos.
Los bluesmen o cantantes ambulantes expresaban su estado de ánimo con
melodías y letras sencillas teñidas de un sentimiento de melancolía y tristeza. En su
forma primitiva eran muy simples, interpretados por un solo cantante acompañado
generalmente por una guitarra o un banjo, a los que se sumaba en ocasiones una
armónica. Estos recorrían las zonas rurales del Sur de Estados Unidos cantando la vida
y los sucesos cotidianos, pero siempre accesibles al público (blues rural).
En los años 20 muchos cantantes se dirigieron hacia el Norte y se instalaron en
las grandes ciudades, donde empiezan a tocar en bares y clubes. El blues rural se
transforma en blues urbano, que tiene un tempo normalmente más lento y trata temas
más amplios, abarcando los múltiples problemas que conlleva la explosión
demográfica de las grandes poblaciones.
Los bluesmen urbanos empezaron a utilizar
instrumentos eléctricos y se crearon grupos con
batería, bajo, piano, guitarra eléctrica y,
ocasionalmente, armónica o saxo, consolidando
así la formación estándar del blues.
Estas bandas, de estilo intenso y provocador,
tocaban en clubes y locales nocturnos, donde
gracias a la amplificación era posible escucharlos,
entre la no siempre silenciosa audiencia. Robert Johnson

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 CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL BLUES

El blues de doce compases

El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música, y por
tanto, era una música aprendida de oído e improvisada. Para facilitar la improvisación,
tanto de versos como de música, se desarrollan una serie de patrones, el más familiar
de los cuales era el del blues de doce compases.

La rueda del blues

Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de
acordes del blues”, un ostinato armónico formado por una serie de acordes
encadenados que se repiten a lo largo de la canción.

La Escala de Blues
El Blues produce a menudo un efecto de melancolía, lo que se debe a que
muchas de sus melodías se basan en la llamada “Escala de Blues”, que consiste en una
versión de la escala mayor diatónica, en la que algunos grados, generalmente el
tercero y el séptimo se tocan o se cantan un semitono más bajo. Esto produce un efecto
de desafinación intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan
especial.

Guitarra “Slide”
La “desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada
por el cantante que medio hablaba y medio cantaba. También fue
imitada por los guitarristas que tocaban con un cuello de botella o
“slide”, un tubo que se coloca sobre uno de los dedos de la mano
izquierda del guitarrista y que después se desliza por las cuerdas
hacia arriba y hacia abajo mientras éstas se puntean con la mano derecha.

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5.2. EL JAZZ

HISTORIA DEL JAZZ

El jazz es un género musical cuyo origen está en Nueva Orleans, Estados Unidos.
Nació de la combinación de elementos de la música afroamericana, espirituales, música
de las bandas militares y de las orquestas de baile europeas. Como ocurre en el blues, los
músicos de jazz también se trasladan a las grandes
ciudades del norte como Chicago o New York.
Además, el auge de la radio y de los gramófonos,
son un gran impulso en la popularización del jazz.
A partir de los años 30, Estados Unidos se
sumerge en la llamada Gran Depresión, una crisis
económica y social, lo que favorece la aparición
de las grandes Big Bands y el auge del swing, Duke Ellington y su Big Band.

Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial la mayoría de estos músicos son
llamados a filas, por lo que vuelven a formarse pequeñas agrupaciones que generan
nuevos estilos, entre los que destaca el bebop, caracterizado por sus ritmos rápidos,
melodías intrincadas y armonías complejas.
En los años 50, a pesar de la aparición del rock&roll y la disminución del público,
los artistas de jazz siguen explorando y produciendo música cada vez más compleja y
poderosa conduciendo al género por múltiples direcciones. Un ejemplo es el jazz latino y
afrocubano, así como la mezcla con la bossa nova de origen brasileño. Otros músicos
prefirieron volver a estilos más sosegados como el cool jazz o el hard bop, caracterizado
este último por enraizar de nuevo con géneros como el góspel y el blues.
Las protestas por los derechos civiles llevada a cabo por los afroamericanos
durante los años 60, también influyeron en el jazz, surgiendo géneros como el free jazz,
que rompe las estructuras y ritmos tradicionales del género y se hace visible la necesidad
de los artistas de participar en esta lucha a través de su música.
A partir de los años sesenta, los músicos como Miles Davis comienzan a mezclar el
jazz con diferentes géneros musicales como el rock o el funk, generando así el llamado
jazz fusión.

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 CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL JAZZ

Como ya hemos aprendido, el jazz desemboca en numerosos estilos, pero

podemos destacar algunas características que aparecen en todos ellos:

Improvisación
La improvisación consiste en que el intérprete realiza variaciones de la partitura
mientras la interpreta. Lógicamente, esta improvisación es realizada dentro de un orden.
Para poder improvisar, el músico debe conocer la estructura armónica de la pieza musical
y, a partir de esta, improvisa respetando siempre esa armonía. Dentro de un grupo, unos
músicos se encargan de llevar la base rítmica y armónica, y el o los solistas son los
encargados de la improvisación. Con mucha frecuencia, los músicos se turnan entre ellos
en estos pasajes improvisados también denominados “solos”.

Dinámicas
La dinámica se relaciona con una de las cualidades del sonido: la intensidad. De
esta manera, una obra puede tener pasajes más fuertes y más débiles. La dinámica se
utiliza para darle variedad al contenido de una obra, sobre todo si se repite
constantemente la misma armonía, como es el caso del jazz. También ayuda a captar la
atención del oyente, mostrando un gran contraste entre la realización de la pieza por el
grupo y la improvisación o “solo” de un instrumento, momento en el que el resto del
grupo adapta su dinámica a este.

El ritmo swing
Se denomina swing a la manera de tratar el ritmo característico del jazz, la cual
busca un efecto de balanceo (de swing), muy bailable. Ese ritmo no se encuentra puesto
así exactamente en la partitura, sino que es el intérprete el que varía ligeramente las
formas rítmicas de la partitura para conseguir ese efecto. Este tiende a alargar
ligeramente algunas notas o a recortar ligeramente otras. Son variaciones muy pequeñas,
pero que crean este efecto característico.

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5.3. EL FUNK.

HISTORIA DEL FUNK

El funk es un género musical nacido a finales de los años 1960 y es un amalgama de soul,
soul jazz y R&B, géneros basados en la tradición de la música afroamericana.
El funk reduce el protagonismo de la melodía y la armonía y dota de mayor peso a la línea
rítmica, representada por la percusión y el bajo eléctrico. Las canciones de funk suelen basarse en
un “vamp” (una figura, sección o acompañamiento repetidos) extendido sobre un solo acorde.
Las canciones "Get Out My Life Woman" de Allen Toussaint y “Papa’s Got a Brand New Bag”
de James Brown se consideran los primeros ejemplos de la música funk pero no fue hasta el 1970,
con la famosa canción “Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine” de James Brown, que este tipo de
música se consolidó como un género en sí mismo.
Además de ser uno de los precursores del funk, James Brown
(foto) introdujo una serie de innovaciones en la interpretación: cambió
el acento fuerte del primer tiempo al segundo y cuarto, dando lugar al
ritmo sincopado que hoy en día caracteriza a este estilo. Además,
utilizaba su voz como un instrumento más de percusión, incluyendo
gritos y gruñidos, lo que generaba un ambiente parecido al de una
iglesia negra.
Otros representantes de la época fueron Dyke & the Blazers, quienes publicaron "Funky
Broadway" en 1967, quizá la primera grabación que llevaba la palabra "funky" en su título. En los
años 70 destaca George Clinton que, con sus bandas Parliament y, posteriormente, Funkadelic, creó
un nuevo funk influenciado por el rock psicodélico e incorporando sonidos electrónicos. A partir de
este momento el funk se convierte en un género de gran éxito, con artistas como Isley Brothers, Sly
and the Family Stone, Average White Band y, ya en los 80, Rick James o Prince.
Este estilo de música ha llegado hasta nuestros días en una excelente forma, dando lugar a
numerosos grupos, como los conocidos Red Hot Chili Peppers, y extendiéndose por todo el mundo.
Como ejemplo de funk en nuestro país podemos nombrar a la Fundación Tony Manero.

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 CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL FUNK

Síncopas
La síncopa es un efecto rítmico que se produce cuando una nota comienza en
tiempo o fracción débil y continúa durante el siguiente tiempo fuerte. La síncopa puede
escribirse con una figura o dos unidas por una ligadura. El ritmo sincopado se utiliza
mucho en el funk, el jazz y el pop.

Notas a contratiempo
Las notas a contratiempo son aquellas que se interpretan en tiempo débil y van
precedidas por un silencio de su mismo valor. A diferencia de las síncopas, las notas a
contratiempo no se prolongan hasta el siguiente tiempo fuerte.

Vamp
Término que indica a los miembros de la sección rítmica que repitan y varíen un
breve pasaje hasta que el líder les dé instrucciones de pasar a la siguiente sección.
También se le puede llamar riff o groove en ostinato.

Groove
Es la "sensación" o el sentido de "swing" creado por la interacción de la música
interpretada por la sección rítmica de una banda.

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5.4. EL POP-ROCK.

HISTORIA DEL POP-ROCK

Después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) la música popular urbana
protagonizó un extraordinario crecimiento como resultado de la expansión de la
economía de consumo y el gran desarrollo de los medios de comunicación de masas
(radio, televisión) y de la industria del disco.
Este proceso se inició con el rock and roll, que surgió en Estados Unidos en la
década de 1950. El éxito del rock está relacionado con el aumento de la capacidad
adquisitiva de los adolescentes y su conversión en un grupo social con características
propias que adoptó el rock como forma de expresión de sus actitudes y valores. La
cultura juvenil pasó así a convertirse en el contexto natural de la música popular.
El rock and roll, en su evolución posterior, dio lugar a
diversos estilos musicales hasta el presente. A principios de la
década de 1970 apareció una distinción importante entre rock, que
aspiraba a la «autenticidad», y pop, orientado hacia el consumo
musical. Esta distinción, no siempre clara, no impide reconocer
características comunes a todos los estilos y corrientes, que se
engloba en la expresión pop-rock.
Elton John Así, se conoce al pop-rock como un género musical que
combina elementos del rock con otros propias de la música pop: canciones con una
estructura simple, melodías pegadizas en las que se repite constantemente el estribillo
y la guitarra eléctrica y el teclado como base instrumental.
En un sentido más amplio, se utiliza también como
término genérico que engloba a aquellos estilos que se
encuadran tanto dentro del pop como del rock, en
particular los de carácter mainstream, es decir, aquellos
que gozan de mayor popularidad entre el gran público y
que son por ello objeto de mayor atención en los medios
de comunicación y en las radiofórmulas. Coldplay

Algunos de los principales exponentes de este género son Elton John, Michael
Jackson, Dire Straits, The Police, The Beatles, R.E.M., U2, Coldplay o Imagine Dragons.

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 CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL POP-ROCK

El pop-rock destaca por su sencillez y melodías pegadizas, por ello, los

compositores buscan nuevos sonidos aprovechando las nuevas tecnologías y los efectos
sonoros. Estos efectos se pueden aplicar a prácticamente todos los instrumentos, pero
aquí destacamos aquellos que son usados para la voz humana:

El delay:
Es uno de los efectos más antiguos de la producción musical y sirve para crear
repeticiones de fragmentos sonoros. Podemos ajustar la velocidad de dichas
repeticiones, así como su intensidad. Si las repeticiones están muy pegadas, nos dará la
sensación de que el sonido se está ejecutando varias veces y así ganaremos cuerpo y
presencia. Si aumentamos el tiempo entre repeticiones conseguiremos un eco, lo cual
da mucho juego en la música pop-rock.

Reverb
La reverberación es un efecto ampliamente usado, igual que el delay, pero la
diferencia reside en que no son repeticiones del mismo sonido, sino que crea sensación
de espacio alargando los sonidos y simulando las características acústicas de distintos
recintos, como por ejemplo la reverberación de una catedral, donde todos los sonidos
son largos y densos.

Chorus
El efecto Chorus es un proceso que crea una sensación de vaivén en el sonido,
dándole así más espacio y amplitud. Se crea mediante un circuito electrónico que divide
el sonido entrante y lo modula de tal forma que las ondas choquen entre sí a una
velocidad que se puede ajustar, consiguiendo así imitar varios instrumentos tocando a
la vez o, como su nombre indica, varias voces de un coro.

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5.5. EL METAL.

HISTORIA DEL METAL

El metal, también conocido como heavy metal, es un género musical que nació a
mediados de los años sesenta y principios de los setenta en el Reino Unido y en los
Estados Unidos, cuyos orígenes provienen del blues rock, hard rock y del rock
psicodélico. Musicalmente, el metal se caracteriza principalmente por sus guitarras
fuertes y distorsionadas, ritmos enfáticos y la densidad del sonido del bajo y la batería.
No hay unanimidad en cuanto al primer grupo de este estilo, algunos mencionan
a Led Zeppelin y Deep Purple, mientras que otros nombran exclusivamente a Black
Sabbath. Sin embargo, otros grupos de menor repercusión fueron fundamentales en el
nacimiento de este género, como UFO o The Spiders, liderados por Alice Cooper.
Los miembros del grupo Steppenwolf fueron quienes
utilizaron por primera vez el término heavy metal para
referirse a sus colegas de profesión Black Sabbath,
haciendo alusión al sonido estruendoso de una motocicleta
Posteriormente surgieron agrupaciones como
Scorpions, Rainbow o Judas Priest, quienes introdujeron la
combinación del doble bombo con ritmos rápidos de bajo y
guitarra, y eliminaron las últimas influencias del blues.
También destacan en esta época Motörhead, quienes
Led Zeppelin incluyeron algunos elementos del punk rock, dándole un
nuevo énfasis en la agresividad y velocidad. En la segunda mitad de los setenta y en
pleno auge del punk surgió la Nueva ola del heavy metal británico, liderada por Iron
Maiden, Saxon y Def Leppard.
Con la llegada de los 80 comenzaron a aparecer los primeros subgéneros del
metal: por un lado, el glam metal que lideró las ventas y las listas musicales de los
principales mercados, y el metal extremo que provenía de la escena underground. De
este último surgió con una amplia popularidad el thrash metal liderada por Metallica,
Megadeth, Slayer y Anthrax.

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 CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL METAL
Escala pentatónica
La escala pentatónica o pentáfona está formada sólo por 5 notas de la escala que se
utilizan de referencia en toda la pieza. Puede ser de dos tipos:
• Escala pentatónica mayor: formada a partir de una escala mayor y eliminando
los grados cuarto y séptimo.

• Escala pentatónica menor: formada a partir de una escala menor y eliminando

los grados segundo y sexto.

Riff
Es una frase musical, una figura musical, progresión de acordes o melodía que se
repite durante el transcurso de una canción, especialmente en el rock, metal, funk o jazz.

6. ¿QUÉ VAMOS A ESCUCHAR?

Para que Lucy se familiarice con cada uno de los estilos, los músicos interpretarán un

tema representativo de cada uno de ellos:

Blues: “Walkin’ by myself” de Gary Moore.

Jazz: “Spain” de Chick Corea.

Funk: “Superstition” de Stevie Wonder.

Pop-rock: “Billie Jean” de Michael Jackson.

Metal: “Enter Sandman” de Metallica.

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El intérprete: GARY MOORE.

Gary Moore fue un músico y compositor nacido en Irlanda del Norte. Formó parte de

numerosos grupos entre los que destacan Thin Lizzy, Colosseum II, G-Force y Skid Row,

aunque lo más conocido es su faceta en solitario, que comenzó en los años 70 con un estilo

basado en el blues rock, hard rock y heavy metal. Pero no

fue hasta los años noventa cuando se dedicó plenamente

al blues con discos como Still Got the Blues (1990) y

After Hours (1992) con los que logró la fama mundial.

En sus últimos álbumes, decidió mezclar sus influencias,

dando paso a álbumes que fluctuaron entre el hard

rock y el blues rock.

La canción: WALKIN` BY MYSELF.

Esta canción es un cover (o versión) de la canción homónima de Jimmy Rogers, guitarrista y

compositor de blues estadounidense famoso en las décadas de 1950 y 60. Se trata de una

canción de amor, en la que destaca la bella armonía central de la pieza, con pausas y

acelerones que hacen levitar a los oyentes. La letra es fácil y pegadiza, como la mayoría de

las canciones de Rogers, que con esta simple receta creó algunos de los temas más

emblemáticos de la historia del blues.

Gary Moore versionó “Walkin’ by myself” en su multipremiado disco Still I got the blues,

poco más de una década después. En este caso, la voz no destaca como en la original, por lo

que es suplida por riffs vertiginosos y una atmosfera armónica que recuerda al mismo

infierno. Eso sí, todo ello envuelto en una carcasa bien estructurada y organizada a nivel

formal, algo muy característico de este gran músico.

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El intérprete: CHICK COREA.
Chick Corea es un pianista y compositor estadounidense de jazz.

En los años 70 formó Return To Forever, un grupo esencial en el nacimiento

del jazz fusión, del que Chick fue uno de sus máximos exponentes. Su música

era una mezcla de jazz, rock clásico y ritmos brasileños. Además, la influencia

de la música española y afrocubana han sido esenciales en su estilo.

Chick Corea ha sabido ganarse el reconocimiento del selecto público de jazz

y ha llegado a convertir su música en una pieza fundamental del jazz

contemporáneo, hasta el punto de conformar una de las personalidades

más influyentes del siglo XX.

La canción: SPAIN.
“Spain” es una canción que comienza su historia hace ya casi 80 años. Está basada en “El

Concierto de Aranjuez”, obra para guitarra y orquesta del compositor español Joaquín

Rodrigo escrita en el año 1939.

En 1960, Miles Davis, uno de los grandes músicos de jazz de la historia, publica su trabajo

Sketches of Spain en el que incluye una versión muy personal de esta pieza, dándole el

mismo nombre que la original y, por lo tanto, también puramente instrumental.

Chick Corea se basó en esta última para adaptarla e interpretarla en el primer álbum de su

grupo Return To Forever, que se convertiría en todo un éxito y que continuaría con una saga

de versiones, entre las que destacan las de Al Jarreau en 1990 y la más conocida, la del

pianista Michel Camilo acompañado del extraordinario guitarrista Tomatito, incluida en su

disco Spain, publicado en el año 2000. Simplemente brillante.

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 El intérprete: STEVIE WONDER.
Stevie Wonder es un cantante, compositor y productor

discográfico estadounidense. A pesar de ser ciego de

nacimiento, fue un músico precoz, sacando su primer

álbum a los 12 años de edad.

Contratado por la discográfica Motown, su talento no

eclosionó hasta que, a principios de los 70, tomó las

riendas de sus propias creaciones. A partir de ese momento y durante los siguientes 20 años,

sus trabajos fueron una interminable lista de éxitos como “Superstition” (1971), “You are the

sunshine of my life” (1973), “You haven't done nothing “(1974), “I just called to say I love you”

(1984) o la banda sonora de la película “The woman in red” (1984).

A sus 67 años sigue en activo, colaborando con otros artistas y participando en numerosas

bandas sonoras. Los homenajes y galardones que ha recibido a lo largo de su carrera son

incontables, tiene en su haber 22 premios Grammy, incluyendo el Grammy a toda su

trayectoria, que recibió en 1996.

La canción: SUPERSTITION.

“Superstition” es una canción compuesta por Stevie Wonder e incluida en su disco Talking Book (1972), que

es considerado una joya del funk de los años 70. Compuesta mano a mano junto al extraordinario

guitarrista Jeff Beck, habla sobre las supersticiones, mencionando varias fábulas populares a lo largo de la

canción, como romper un espejo o ver un gato negro por la calle, y los efectos negativos que estas

creencias supersticiosas pueden traer.

Fue todo un éxito en EEUU, en donde alcanzó el número 1 en la lista de éxitos Billboard, así como en las

listas de música inglesas. Es considerada una de las mejores canciones de todos los tiempos.

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El intérprete: MICHAEL JACKSON.
Apodado el “Rey del Pop”, Michael Jackson fue un cantante,

compositor, productor, actor y bailarín estadounidense. Miembro

de una familia de músicos, comenzó su carrera musical formando

parte de los “Jackson Five” junto a sus hermanos, entre los que

destacaba gracias a su voz y su desparpajo encima de los

escenarios.

En los años 70 inició su carrera en solitario, que llegó a su máximo

esplendor a partir los años 80, situándose como uno de los grandes músicos de todos los

tiempos. Entre sus discos destaca “Thriller” (1982) que es el álbum más vendido de la historia,

con más de 50 millones de copias vendidas en todo el mundo.

Es reconocido como el artista más exitoso de la historia, ya que cuenta con cientos de premios

en su haber, algunos incluso después de su muerte, en junio de 2009.

La canción: BILLIE JEAN.

Es una canción compuesta por Michael Jackson y producida por Quincy Jones. Forma parte de

su exitoso álbum Thriller (1982) y se basa en la historia de una fan del “Rey del Pop” que lo

acosó hasta el punto de escribirle una carta diciéndole que él era el padre de su hijo. Este tipo

de “incidentes” con las fans era algo habitual en el mundo musical, por lo que Jackson quiso

contar su experiencia a través de este personaje inventado, Billie Jean.

Musicalmente, destaca la fuerza del bajo y los increíbles efectos vocales que realiza Michael

Jackson en ella. La canción se convirtió en todo un éxito, impulsado por el video musical con

el que fue lanzada al mercado, y a partir de la cual Michael Jackson realizó, en un programa

de televisión, por primera vez su mítico paso de baile apodado “moonwalk”.

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El grupo: METALLICA.

Es una banda de metal estadounidense fundada en 1981 por Lars Ulrich y James Hetfield y

actualmente compuesta por Kirk Hammett y Robert Trujillo. Los primeros discos de la banda

ya auguraban un futuro brillante, pero no fue

hasta Master of Puppets (1986), su disco más

laureado, con el que entraron con fuerza en las

listas de ventas. A partir de ese momento, su

ascenso al cielo del metal fue fulgurante,

publicando numerosos álbumes hasta la fecha,

entre los que destaca Metallica (Black Album), que

alcanzó el número 1 en el Billboard gracias a temas

como “Enter Sandman” o “Nothing Else Matters”.

Los siguientes discos del grupo, incluido el último, publicado en 2016, presentan un sonido

menos duro y abierto a otros estilos, como el rock alternativo o el soul.

La canción: ENTER SANDMAN.

Enter Sandman es el single principal y la canción que abre el quinto álbum de estudio de la

banda, titulado Metallica, aunque popularmente conocido como The Black Álbum. Fue

compuesta por Kirk Hammett, James Hetfield y Lars Ulrich. La letra, escrita por Hetfield, hace

referencia a las pesadillas que tenemos cuando somos niños, representadas a través del

“siniestro” riff del inicio que recuerda a ese difícil momento de irse a la cama sabiendo que la

pesadilla puede aparecer esa noche.

Esta canción alcanzó la categoría de “Disco de Oro” en Estados Unidos y obtuvo el

beneplácito de la crítica, además de ser una parte fundamental de la discografía de la banda,

ya que es interpretada en todos sus conciertos y discos en directo.

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 7. UN GRUPO DE MÚSICA MODERNA.

Durante el siglo XX hemos asistido al nacimiento de la última de las familias de

instrumentos: los electrófonos, que son aquellos que se sirven de la electricidad para emitir

sonidos musicales. Esto ha marcado un antes y un después en el desarrollo de los estilos

musicales del pasado siglo, ya que casi todos incluyen algún instrumento de este tipo para

diferenciar su sonido del resto.

Todas las canciones que se van a interpretar en este concierto incluyen los

siguientes instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico, teclado eléctrico, batería y voz.

Además, muchas bandas refuerzan su sonido con más de una guitarra eléctrica, otros

instrumentos de percusión y, en muchos casos, coristas.

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