Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español,

creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó
de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes
acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid,
Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el
simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en
las riberas del Sena.
En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y con el dramaturgo
André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática
tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades
periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los hermanos estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería ya
para siempre su marchante, Daniel-Henry Kahnweiler.
A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del
arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe
citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia
de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena
parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica
del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al
simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo.
Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica (1909-1912). En 1912 introdujeron
un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo,
técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan
Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad
matérica y referencial.
Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una
nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista
denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo,
Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio
González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado. En 1935 nació su hija
Maya, fruto de una nueva relación sentimental con Marie-Therèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió
abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una
tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.
El estallido de la Guerra Civil española, preludio de la Segunda Guerra Mundial, lo empujó a una mayor concienciación
política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937).
La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una
impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca
en una acción de apoyo a las tropas del general golpista Francisco Franco. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que
tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde
incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.
En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de
homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental
de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se
retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.
Entre Barcelona y París. El período azul (1901-1904)
Período azul de Picasso
El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida del Greco. La división del espacio en
dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene
del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el
17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.31 Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su
amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París.
Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas,32
cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos
partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, del Greco.33
Van Gogh en un autorretrato dedicado a Gauguin.
Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un
nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una
simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una
concepción universal de la sentimentalidad.31 Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno
impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía
de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras
recordaba de nuevo el estilo del Greco.
París, Bateau Lavoir. El período rosa
: Período Rosa de Picasso
La belle Fernande
Pablo Picasso fotografiado por Ricard Canals. La instantánea está dedicada a sus amigos Suzanne y Henri Bloch, París,
1904.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su
amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían
en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien en septiembre del mismo año le enseñó la técnica
del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la
bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que
aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)58 e inspiró el tema de La
familia de Arlequín (1905).59 En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier,
modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-
Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se
convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.57
Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, utilizó varias técnicas innovadoras a lo largo de su carrera
para crear sus obras. Aquí te detallo algunas de las más destacadas:
1. **Cubismo**: Picasso, junto con Georges Braque, desarrolló el cubismo, una técnica que revolucionó la forma en que
se representaba la realidad en el arte. El cubismo se caracteriza por la fragmentación de formas en formas geométricas,
múltiples perspectivas y la representación simultánea de diferentes ángulos de un objeto o figura en una sola imagen.
Esto desafía la perspectiva tradicional y presenta una visión más abstracta y compleja de la realidad.
2. **Collage**: En sus obras de cubismo sintético y en sus collages, Picasso incorporó materiales no tradicionales, como
papel de periódico, trozos de tela y papel pintado, pegados sobre el lienzo. Este enfoque rompió con las convenciones
artísticas anteriores y aportó una dimensión táctil y textual a sus obras.
3. **Escultura**: Picasso también exploró la escultura, utilizando una variedad de materiales como metal, madera, y
yeso. Sus esculturas a menudo reflejan la misma experimentación y ruptura con la forma tradicional que se ve en sus
pinturas.
4. **Pintura Surrealista y Symbolista**: En su fase surrealista, Picasso experimentó con formas y símbolos oníricos,
explorando temas más abstractos y emocionales. Sus obras de este periodo a menudo presentan distorsiones y
combinaciones inusuales de formas que evocan sensaciones más que una representación literal.
5. **Pintura y Grabado en Azul y Rosa**: Durante sus "periodos azul" y "periodo rosa", Picasso usó paletas de colores
específicas para expresar diferentes estados de ánimo y temas. El periodo azul (1901-1904) se caracteriza por el uso de
tonos azules y verdes que evocan tristeza y melancolía, mientras que el periodo rosa (1904-1906) utiliza colores más
cálidos como rosas y naranjas para representar una visión más alegre y romántica.
6. **Estilo Neoclásico**: Después de sus experimentaciones modernas, Picasso también se aventuró en el estilo
neoclásico durante la década de 1920, donde adoptó formas más tradicionales y clásicas, a menudo con un toque
moderno.
7. **Método de Pintura Directa**: Picasso era conocido por su habilidad para pintar rápidamente y de manera intuitiva.
A menudo aplicaba la pintura directamente sobre el lienzo sin bocetos previos, lo que le permitía capturar la
espontaneidad y la energía en sus obras.
Estas técnicas, junto con su capacidad para adaptarse y reinventarse constantemente, hicieron de Picasso una figura
central en el desarrollo del arte moderno.
Lo que hace que la técnica de Picasso sea tan impactante es su habilidad para representar la realidad de una manera
completamente nueva y original. A través del uso de líneas quebradas, formas geométricas y una paleta de colores
atrevida, Picasso logró descomponer los objetos en sus componentes básicos y reconstruirlos de una manera que
desafiaba las convenciones artísticas de su tiempo.
Además, su dominio del dibujo y la composición le permitió crear imágenes que eran al mismo tiempo abstractas y
reconocibles, lo que obligaba al espectador a ver el mundo de una manera completamente nueva. Su enfoque innovador
de la representación visual cambió para siempre la forma en que los artistas creaban arte y cómo el público lo percibía.
Para entender la técnica que utilizaba Pablo Picasso en sus obras, es importante tener en cuenta que el artista
experimentó con una amplia variedad de estilos a lo largo de su carrera. Sin embargo, una de las técnicas más distintivas
asociadas con Picasso es el cubismo.
El cubismo es un estilo artístico revolucionario que Picasso co-creó junto con Georges Braque. Esta técnica se caracteriza
por la representación de objetos desde múltiples puntos de vista al mismo tiempo, utilizando formas geométricas y
colores para crear una visión fragmentada y multidimensional. Esta técnica rompió con la representación tradicional de
la perspectiva y sentó las bases para el arte abstracto.
Además del cubismo, Picasso también incursionó en el collage, utilizando materiales como papel, tela y cartón para crear
composiciones tridimensionales. También experimentó con la técnica del grabado, produciendo una gran cantidad de
obras en esta disciplina. En sus primeros años, Picasso también fue un hábil pintor en el estilo del realismo, antes de
embarcarse en su viaje hacia la abstracción y el cubismo.
El genio artístico de Pablo Picasso se distinguió por su innovación y experimentación con diversas técnicas. Una de las
contribuciones más destacadas del artista fue la introducción del collage y la técnica mixta en sus obras, marcando así un
hito en la historia del arte.
El collage, proveniente del francés «coller» que significa pegar, es una técnica que consiste en ensamblar diferentes
materiales, como papel, tela, cartón, entre otros, sobre una superficie para crear una composición artística. Picasso
incorporó esta técnica de manera revolucionaria en sus obras, desafiando las convenciones artísticas de su tiempo.
Al utilizar el collage, Picasso logró romper con la representación tradicional y tridimensional del arte, abriendo paso a
una nueva forma de expresión que desafiaba las normas establecidas. Esta técnica le permitió explorar la representación
de la realidad de una manera no convencional, dando lugar a obras impactantes y vanguardistas.
Además del collage, Picasso también experimentó con la técnica mixta, la cual combina diferentes materiales y técnicas
en una sola obra. Esta libertad creativa le permitió explorar la profundidad, la textura y la riqueza visual de sus
creaciones. Por ejemplo, en su obra «Nature Morte à la Chaise Cannée», Picasso utilizó óleo, papel pintado y una silla de
rejilla para crear una pieza que desafía los límites entre la pintura y la escultura.
La introducción del collage y la técnica mixta por parte de Picasso no solo transformó su propio estilo artístico, sino que
también influyó en generaciones posteriores de artistas. Su enfoque innovador sentó las bases para el desarrollo del arte
contemporáneo, inspirando a creadores de diversas disciplinas a explorar nuevas posibilidades creativas y a desafiar las
normas establecidas.
La influencia de la técnica de la pintura al óleo en el estilo de Picasso fue un factor determinante en la evolución de su
obra. El uso magistral del óleo le permitió al artista explorar nuevas formas de expresión y lograr efectos visuales
impactantes en sus cuadros.
La versatilidad y riqueza de matices que ofrece la pintura al óleo le permitió a Picasso experimentar con la textura, la
profundidad y la luminosidad en sus obras. Este medio le otorgó la libertad de superponer capas de pintura, lo que le
permitió crear efectos de transparencia y opacidad, así como jugar con la mezcla de colores de una manera única.
Un ejemplo icónico del uso de la técnica de la pintura al óleo por parte de Picasso es su famosa obra «Les Demoiselles
d’Avignon». En esta pintura, se puede apreciar el impacto visual logrado a través de la superposición de capas
de óleo para crear contrastes de luz y sombra, así como la intensidad de los colores utilizados.
La técnica del óleo no solo permitió a Picasso plasmar su creatividad de manera excepcional, sino que también le brindó
la posibilidad de explorar la expresión emocional a través de la aplicación de la pintura en sus obras. La riqueza y
profundidad que lograba con esta técnica contribuyeron significativamente a la singularidad de su estilo artístico.
El impacto de la técnica del grabado en las obras gráficas de Picasso
La técnica del grabado tuvo un impacto significativo en las obras gráficas de Picasso. A lo largo de su carrera, Picasso
experimentó con diversas técnicas de grabado, incluyendo el aguafuerte, aguatinta, punta seca y linograbado, entre
otras. Estas técnicas le permitieron explorar nuevas formas de expresión artística y expandir su creatividad en el ámbito
del arte gráfico.
El uso del grabado le brindó a Picasso la posibilidad de crear obras con una riqueza de texturas y matices que no eran
posibles de lograr con otras técnicas. La profundidad y la complejidad visual que lograba a través del grabado le
permitieron explorar temas como el cubismo, el surrealismo y la abstracción, entre otros movimientos artísticos.
Un ejemplo representativo del impacto de la técnica del grabado en las obras gráficas de Picasso es la serie de grabados
conocida como «Suite Vollard», la cual consta de cien grabados realizados entre 1930 y 1937. Estos grabados muestran la
maestría de Picasso en el manejo de la técnica del grabado y su capacidad para plasmar una amplia gama de emociones
y conceptos en sus obras.
Pablo Picasso produjo una vasta cantidad de obras a lo largo de su vida, y muchas de ellas son consideradas
fundamentales en la historia del arte. Aquí te menciono algunas de las más importantes y representativas de sus
diferentes períodos:
1. "Las señoritas de Avignon" (1907): Esta obra es un hito en el desarrollo del cubismo. Picasso rompe con la
perspectiva tradicional y presenta figuras femeninas en formas geométricas y angulares. El cuadro marca el inicio
de su colaboración con Georges Braque en el cubismo.
2. "Guernica" (1937): Una de sus obras más famosas y poderosas, "Guernica" es un mural monumental que refleja
el horror del bombardeo de la ciudad española de Guernica durante la Guerra Civil Española. Es un fuerte
comentario político y una obra maestra del arte moderno por su expresión dramática y su estilo monumental.
3. "El sueño" (1932): Esta pintura es un ejemplo destacado del periodo surrealista de Picasso. La obra muestra a su
amante, Marie-Thérèse Walter, en una representación sensual y soñadora, con un estilo caracterizado por sus
formas fluidas y colores vibrantes.
4. "La mujer que llora" (1937): Parte de la serie creada en respuesta a la Guerra Civil Española, esta obra muestra
el sufrimiento y la angustia a través de una figura femenina estilizada y expresiva.
 5. "El viejo guitarrista" (1903-1904): Esta pintura pertenece al periodo azul de Picasso y representa a un anciano
con una guitarra. El uso predominante de tonos azules y el tema melancólico reflejan la tristeza y la pobreza de la
época.
6. "La familia de saltimbanquis" (1905): Una de las obras clave del periodo rosa de Picasso, muestra a una familia
de artistas de circo en un estilo más cálido y luminoso que el periodo azul. La obra refleja un tono más alegre y
optimista.
7. "Bañista con toalla" (1932): Otra obra significativa del periodo surrealista de Picasso. Representa a Marie-
Thérèse Walter en una escena de baño, con un estilo caracterizado por el uso de formas curvilíneas y colores
brillantes.
8. "La dama de Elche" (1910): Aunque Picasso no fue el creador, esta obra de escultura en cerámica y piedra
representa la influencia de las formas y el arte africano en su trabajo durante el cubismo.
9. "Arlequín" (1917): Una obra del periodo neoclásico de Picasso, en la que retoma el interés por las formas
clásicas y el retrato, pero con un toque moderno y estilizado.
10. La vida, 1903- Muchacho con pipa, 1905- Autorretrato, 1907- Las señoritas de Aviñón, 1907- Los tres músicos,
1921- El sueño, 1932- Chica frente a un espejo, 1932- Desnudos, hojas verdes y bustos, 1932
Guernica, 1937- Retraro de Dora Maar, 1937
1. Periodo Azul (1901-1904) Características:

 Paleta de Colores: Predomina el uso de tonos fríos, especialmente azules y verdes, con sombras profundas. Los
colores reflejan una atmósfera melancólica y contemplativa.

 Temas: Las obras de este periodo a menudo exploran temas de pobreza, soledad, y desesperanza. Los personajes
suelen ser marginales, como mendigos, ciegos y prostitutas, y están representados en posturas y expresiones
que subrayan su sufrimiento.

 Estilo: Picasso utiliza una técnica que enfatiza la textura y el contraste entre luces y sombras, creando una
sensación de profundidad emocional.

Obras Representativas:

 "El viejo guitarrista" (1903-1904): Muestra a un anciano con una guitarra, reflejando la tristeza y la pobreza. La
figura se presenta de manera estilizada, con un enfoque en la soledad del sujeto.

 "La vida" (1903): Una obra compleja que representa una escena alegórica con una pareja y una figura femenina
desnuda. La paleta azul y la composición dramática subrayan la angustia y la incertidumbre.

Contexto:

 Picasso pasó por una etapa de gran tristeza y desilusión personal, influenciada por la muerte de su amigo Carlos
Casagemas y sus propias dificultades económicas. Estos sentimientos se reflejan en la atmósfera y los temas de
sus obras.

2. Periodo Rosa (1904-1906) Características:

 Paleta de Colores: Se caracteriza por tonos cálidos y rosados, con un uso más luminoso y optimista del color. La
transición hacia colores más alegres refleja un cambio en el estado emocional de Picasso.

 Temas: El periodo rosa se centra en temas más alegres y líricos. Picasso pinta escenas de circenses, artistas de
circo y figuras jóvenes y saludables, mostrando una visión más optimista y romántica.

 Estilo: El estilo es más suave y fluido en comparación con el periodo azul, con formas más redondeadas y colores
más brillantes.
Obras Representativas:

 "Familia de saltimbanquis" (1905): Representa a una familia de artistas de circo en una escena nostálgica y
tierna, utilizando una paleta cálida que refleja la nueva perspectiva de Picasso.

 "Arlequín" (1917): Aunque pintada después del periodo rosa, sigue la temática de los artistas de circo con un
estilo más estilizado, fusionando elementos del neoclasicismo y del modernismo.

Contexto: Este periodo coincide con un momento más estable en la vida de Picasso, tanto personal como
económicamente. También representa un cambio en su círculo social y su estilo artístico, influenciado por su relación con
la bailarina Fernande Olivier y su éxito creciente en el mundo del arte.

3. Periodo Africano (1907-1909) Características:

 Influencias: Picasso se inspira en el arte africano y oceánico, especialmente en máscaras y esculturas que estudió
en museos y colecciones privadas. Este periodo marca una ruptura con las convenciones del arte occidental.

 Estilo: Las formas se simplifican y se estilizan, con una representación más abstracta y geométrica de las figuras.
La influencia africana se nota en las formas angulares y en la reducción de detalles en las representaciones
humanas.

 Temas: Aunque el tema no cambia drásticamente, la representación de las figuras humanas se vuelve más
abstracta y simbólica, en contraste con el realismo de los periodos anteriores.

Obras Representativas:

 "Las señoritas de Avignon" (1907): Considerada una obra fundamental del cubismo, esta pintura muestra la
influencia africana en la estilización de las figuras y la ruptura con la perspectiva tradicional.

 "Cabeza de mujer" (1909): Una escultura que ejemplifica la influencia africana en la simplificación y la
geometrización de las formas.

Contexto: Picasso estaba profundamente influenciado por los desarrollos contemporáneos en el arte y la cultura. La
exposición de arte africano en el Museo del Trocadéro de París y la creciente fascinación por las culturas no europeas
impactaron significativamente su trabajo.

Pablo Picasso se inspiró en otras culturas y épocas, como la africana, la ibérica o la medieval, para realizar algunas de sus
obras, es bien sabido y demuestra el carácter sincrético del artista.

ablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, se inspiró en una amplia variedad de fuentes para sus obras.
Su inspiración vino de:

1. El arte africano y oceánico: A principios del siglo XX, Picasso se vio muy influenciado por las esculturas africanas
y oceánicas que vio en el Musée d'Ethnographie de París. Estas piezas le ayudaron a desarrollar su estilo cubista,
desafiando las representaciones tradicionales y explorando nuevas formas de abstracción.

2. El arte renacentista y clásico: Aunque Picasso rompió con muchas convenciones del arte tradicional, su
formación inicial y su admiración por los grandes maestros del Renacimiento y la antigüedad clásica influyeron
en su técnica y en su habilidad para captar la forma humana.

3. La vida personal y el entorno social: Sus experiencias personales y su entorno social jugaron un papel crucial. Su
relación con el poeta Guillaume Apollinaire y su vida en los barrios bohemios de París, así como su experiencia
en la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, influyeron en la temática y el estilo de sus obras.

4. El arte moderno y contemporáneo: Picasso también fue influenciado por sus contemporáneos y por las
vanguardias artísticas de su tiempo, como el surrealismo y el dadaísmo. Su capacidad para integrar y transformar
estas influencias le permitió crear un estilo único y revolucionario.
5. La mitología y la cultura popular: A lo largo de su carrera, Picasso se interesó por la mitología, los temas bíblicos
y la cultura popular, reflejando estas influencias en sus obras de manera innovadora.