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Guía Oficial de Turismo: Folklore y cosmovisión andina

Jorge Carlos Peláez Alfaro

ARTESANÍA, ARTE POPULAR E IMAGINERÍA

Artesanía
La artesanía es el trabajo realizado por los artesanos, dicho trabajo es elaborado únicamente
en forma manual. "La artesanía es la producción u obra de los artesanos, producto
mayoritariamente de un trabajo original es destacada y diferente a las manufacturadas
industrialmente siendo el producto de un grupo de la sociedad. Es así, toda creación artesanal
por más simple que ella fuera, tiene en profundo fondo espiritual porque expresa toda una
gama ideológica, por la que se identifica una sociedad en su desarrollo cultural. La artesanía
cultural de un grupo humano, y la ejecución de cualquier obra está impreso en ella; una parte
de su ser, sus ideas, sus creencias, sus experiencias, en sí toda la objetivación de su vida".
Nuestro país posee una infinidad de creación artesanal, la cual tiene una diversidad y riqueza
cultural. Cada obra artesanal expresa una gama diversa de características que son propias de
cada lugar, pueblo, región o ciudad. Los artesanos realizan sus obras de acuerdo a su realidad,
cultura, manifestaciones e ideas propias de cada zona. Es por ello que al ver una obra de arte
lo podernos distinguir y determinar en qué lugar fue hecho; es decir, cuál es el lugar de origen.
Las palabras artesanía y arte popular están ligadas entre sí, pero es necesario aclarar que la
primera deviene de la acción de fabricar manualmente artesanías y la segunda es la
exposición del arte de una cultura determinada en un espacio y tiempo determinado.
Arte Popular
"El arte popular es entendido como expresión cultural y artística de una determinada cultura
en un espacio y tiempo específico, la artesanía es una actividad en constante evolución, sujeta
a las transformaciones vertiginosas de nuestros tiempos y a los fenómenos derivados de la
industrialización. Estos fenómenos han ocasionado que las familias que durante siglos habían
elaborado sus propios utensilios, necesarios para la vida cotidiana, adoptan transformaciones
sustanciales en los modos de elaboración de estos". El arte popular a su vez expresa valores
culturales propios de cada grupo, pueblo o sociedad en un determinado tiempo y lugar.
Arte Popular cusqueño
Repetto Málaga señala que la habilidad artesanal y creadora de los peruanos es uno de los
factores que sobresale entre los pueblos ubicados en los andes americanos y que pocos países
del mundo muestran tan variada riqueza como lo muestra y ofrece el Perú. "Debido a su
extraordinaria capacidad, éste convierte estas materias primas en objetos con un hondo
contenido espiritual o simplemente un objeto de uso cotidiano. En la actualidad las
expresiones populares se han transformado de manera vertiginosa obedeciendo a la demanda
de un nuevo público, no sólo local, sino muchas veces nacional e inclusive internacional". El
arte popular cusqueño tiene una larga trayectoria, la historia es muy amplia, sin embargo
cabe resaltar algunas fechas importantes, las cuales remarcan la trascendencia y valoración
del arte popular, como muestra de ello en el año 1919, José Sabogal famoso pintor nacido en
Cajamarca hizo un viaje a la cuidad del Cusco, durante su viaje advirtió que en Cusco existía
una amplia y significativa producción de artesanías, motivo por el cual era necesario
conservar, proteger y mantener su desarrollo, de manera que incitó a varios intelectuales y
artistas a proponerse cuidar y difundir es arte popular. Al transcurrir el tiempo, se funda el
Instituto americano de arte en 1937, con el objetivo de revalorar la imaginería, la cultura y
arte popular, especialmente las obras realizadas en la feria del Santurantikuy por los

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artesanos e imagineros. Dentro del arte popular encontramos realizada por los maestros
imagineros, creación de esculturas o pinturas temática religiosa. la imaginería, obra la
imaginería es la que conservan una La imaginería es una mezcla de arte pre hispano y
temática española, que a través del tiempo ha tomado su propio estilo en nuestra ciudad de
Cusco. Las ciudades más representativas son Cusco y Ayacucho, la característica de imágenes
religiosas y las características regionales aún se mantienen en estas ciudades. Como ejemplo
de ello tenemos los retablos y coros de las iglesias, templos y capillas que han sido tallados y
esculpidos en madera, los famosos niños Manuelitos cusqueños, el estilo antiguo de los
imagineros utilizando materiales como el maguey y la tela encolada, así también
encontrarnos los cajones de San Marcos conocidos como retablos, eran altares portátiles que
cumplían funciones específicas en las fiestas de marcación del ganado para ayudar a procrear
y a que los animales se multiplicaran. Dentro de la historia podemos ver al hombre en una de
sus facetas, en este caso la faceta de productor, creador de obras de arte, es así que la
fabricación de instrumentos hechos por el hombre se desarrolla en un espacio concreto y de
manera concreta. El arte popular no es solamente una manifestación material, sino que posee
cualidades y una significación a nivel general y a nivel local, puesto que expresa ideas y
pensamientos de un tiempo y espacio determinado, el arte popular a su vez va formando parte
de la cultura y tradición de los pueblos.
Artesanía cusqueña
La Artesanía Cusqueña es heredera de 2 importantes tradiciones, la andina y la colonial,
el arte popular cusqueño es de indudable calidad, sobre todo en manifestaciones como la
imaginería, la textilería, la platería la cerámica La Imaginería es una actividad que
ha dado forma internacional a los artesanos pequeños. Las vírgenes, santos, niños
Manuelitos, ángeles y Cristos que salen de las manos de los artistas populares están hechos
por lo general de maguey, madera, tela encolada y yeso, en base a técnicas que se han
transmitido durante varios siglos.
La Textilería más original y de mejor calidad está refugiada en el mundo rural, en los
distritos de Pisaq, chinchero, Provincias de Canchis y Quispicnachis, o en otras más apartadas
de la capital departamental. Utilizando como materia prima la lana de alpaca u oveja teñida
siempre con tintes vegetales, las diestras tejedoras cusqueñas crean sofisticados diseños en
base pallaes, ornamentos con gran variedad de motivos zoomorfos y antropomorfos. Los
campesinos tejen coloridos trajes (ponchos, chompas, chullos, mantas, carteras, chalinas,
billeteras, etc.) con técnica inca conocida como el away (tejido al estilo inca sobre cuatro
palos).
Orfebrería, los plateros cusqueños
Los plateros cusqueños son diestros en la fabricación de joyas, objetos para el culto religioso
y diversos objetos utilitarios, producción toda qué se diferencia ventajosamente de la
fabricada en serie mediante el vaciado en moldes y el estampado porque está hecha a mano,
pieza por pieza, y muchas veces utilizando técnicas que se remontan a la tradición
prehispánica, como el repujado y el martillado.
Utilizando moldes bocetados en barro que es mezclado con pelos de lana de alpaca y de cuy,
estos artesanos continúan también produciendo objetos de uso muy difundido entre los

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antiguos peruanos, como los tupus, esos alfileres que tienen una cabeza ricamente
ornamentada con motivos zoomorfos y fitomorfos.
El pueblo de San Pablo, en la provincia de Quispicanchis, se especializa desde hace siglos en
el trabajo de la plata y el bronce. Con destino a los mercados turísticos, los sampableños
fabrican llamitas, idolillos y campanitas de bronce. También producen objetos de plata, como
cubiertos, teteras, espuelas y otros. Originario de San Pablo es el más famado orfebre
cusqueño, Gregorio Cachi. Destacados joyeros son, asimismo, los Ormachea, de cuyas manos
han salido muchas de las alhajas que lucen las imágenes de las vírgenes cusqueñas en la
tradicional procesión del Corpus Christi.
Ceramica
La cerámica cusqueña está sufriendo notorias transformaciones en las últimas décadas,
seguramente bajo el influjo de la demanda turística. Las comunidades de Raqchi en Canchis,
y Cuyo Grande y Cuyo Chico cerca de Písac, son el asiento de la producción tradicional,
especializada sobre todo en objetos utilitarios, pero también en algunos muy peculiares que
tienen demanda entre los turistas, como las salamandras de Raqchi, vasijas en forma de
botella coronadas con un adorno de motivos zoomorfos, y las ocarinas de Cuyo Grande y Cuyo
Chico.
Los Ruiz Caro son los iniciadores de dos líneas que han granjeado fama a la cerámica
cusqueña: la de vajilla con decoración al estilo incaico y, sobre todo, la de las chakiras, esas
cuentas de collar que se han convertido en el principal producto de exportación de los
artesanos locales. Son numerosos, asimismo, los artistas populares cusqueños que se dedican
a la cerámica escultórica, produciendo sea réplicas de iglesias, de casonas coloniales y, en
general, de los rincones más típicos de la ciudad, o también imágenes costumbristas Entre
los ceramistas más innovadores, por último, destacan Pablo Seminario y Julio Gutiérrez.
Seminario quien tras largos años de investigación de las técnicas y diseños precolombinos
está elaborando, en su taller de Urubamba, objetos con un estilo muy personal que, sin
embargo, deja traducir muy bien sus fuentes de inspiración. Botellones, cuadros y murales
utilizando placas de cerámica, pantallas para lámparas y otros objetos conforman la línea
artística de Seminario, quien tampoco desdeña la cerámica utilitaria, como vajillas y floreros.
El Ing. Julio A. Gutiérrez Samanez (Kutiry), artista ganador del Premio Internacional
Tenerife en Islas Canarias España 2006, investigó la Cerámica cusqueña de tipo colonial y
fundó una escuela taller (Santiago, Cusco) Donde posee una galería de arte y dicta clases a
turistas y nacionales; es consultor en temas tecnológicos y constructor de equipos de
producción cerámica. Ceramistas importantes son: El maestro Sabino Tupa Llavilla, ganador
del premio IntiRaymi, el prof. Miguel Coila, Julian Ventura Cárdenas, Luis Soler, excelente
artista ceramista radicado en Ollantaytambo, Gonzalo Rodríguez, maestro alfarero de la
comunidad de Raqchi, en Canchis, María Antonieta Mérida, hija del maestro Edilberto
Mérida.
El Arte Popular en la ciudad del Cusco
En nuestra ciudad, el arte popular se extiende por todo el departamento, desde la catedral
hasta las iglesias en los pueblos. Como muestra de ello tenemos las murales de Checacupe,
Oropesa, Chinchero y Andahuaylillas, la mayoría de los murales de estas iglesias datan de
principios del siglo XVII. Es así que al igual que en Cusco, en otras ciudades de la Costa, la
pintura tuvo un estilo que marco un tiempo y un periodo de arte en el cual vemos la gran

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creatividad y pasión de los artistas. Al pasar el tiempo, comenzó a tomar mayor importancia
el trabajo con materiales como la tela encolada y el maguey cuya corteza es liviana y a la cual
se le puede dar forma, cuerpo y relieve, facilita el tallado. Estos materiales son usados desde
el siglo XVI por los escultores imagineros de Cusco. En esa época, se realizó una abundante
producción por parte de los talleres de Cusco y Huamanga quienes tallaban imágenes
generalmente para el culto doméstico. Fue así como empezaría a llevarse a cabo la feria del
Santurantikuy o venta de Santos en la ciudad de Cusco, que se realiza el 23 y 24 de diciembre.

IMAGINERIA CUSQUEÑA
La palabra imaginería "etimológicamente viene de la palabra latina "imagino que significa
imagen, figura, representación, semejanza, simulacro, retrato o parecido; y desde luego, el
artífice que lo ejecuta, se denomina imaginero; nombre usual que se da a los escultores
religiosos de todos los siglos y de todas las latitudes". Según describe T. Benavente, el
imaginero aprende primero en el taller de aprendizaje junto a los maestros imagineros
quienes fueron traídos desde la Península. En la mayoría de los casos eran religiosos que
venían a enseñas a los indígenas la técnica de la imaginería, y servía también como modo de
evangelización. "Los grandes maestros en su mayor parte han sido religiosos, quienes fueron
admitidos con esta exclusiva finalidad". Los primeros religiosos que vinieron a Perú trayendo
el arte de la imaginería fueron los de la Compañía de Jesús, quienes a su vez impulsaron
escuelas de artesanía América.
"La escultura religiosa cusqueña, como la pintura, en sus comienzos fueron copias del arte
europeo y español; aparentemente el pintor manierista jesuita Bernardo Bitty, también fue
imaginero, así como fue iniciador de la pintura en el Cusco, posiblemente, él mismo inicio la
imaginería". Benavente menciona a varios imagineros Jesuitas quienes impulsaron la
imaginería en la ciudad de Cusco, entre ellos se encuentran a Bernardo Democrito Bitti,
nacido en Italia, Bitti llega a Perú a fines del siglo XVI, después de haber estado en Lima. Una
vez en Cusco realiza varias obras de innumerable valor como muestra de ello tenemos en la
Compañía de Jesús "las cuatro esculturas que coronan los sustentantes de los arcos torales
de la crucería en las pechinas del templo". Entre otros maestros imagineros que vinieron a
Perú y Cusco están Pedro de Vargas. Hermano de la Compañía de Jesús nacido en Andalucia.
Juan de Mosquera, artista que estuvo en Cusco a inicios del siglo XVI. Mosquera trajo la
técnica de las esculturas policromadas y esgrafiadas sobre pan de oro, esta técnica es
influencia del sevillanismo. Gracias a estos artistas tenemos las esculturas de Cristos, de
vírgenes y santos, y de coros trabajados en madera en alto y bajo relieve que adornas las
iglesias y capillas de la ciudad de Cusco. Una vez que los indígenas aprendían bien el oficio
tomaban una dedicación exclusiva en dicho oficio

Imaginería o escultura religiosa cusqueña:

"La Vida y organización de los imagineros cusqueños, transcurre tranquila, llena de
emociones místicas, con la creencia de que sus obras plenas de perfección estaban dotadas de
poderes milagrosos, apareciendo a sus devotos o inspirado en sus sueños deseos de
edificaciones de templos, capillas, altares. Los artífices fueron de procederes sinceros en sus
compromisos cumplidos en las cláusulas de sus estrictos contratos y compromisos". Los
maestros imagineros tenían a su vez un ayudante oficial, que era el nombre que tomaba, quien

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se encargaba de preparar el material, la selección de yeso para la pasta, maguey y el modelado

de la tela encolada, para las esculturas. Los imagineros eran enviados también a pueblos
lejanos para realizar trabajos en los templos, parroquias y capillas. De esta manera podían
enseñar a otros habitantes el arte de la imaginería. A raíz de que la imaginería fue creciendo
y desarrollándose, pasaron a elaborar nacimientos y niños Manuelitos, que en la actualidad
son muy reconocidos y valorados. Fue así que los imagineros cusqueños fueron creando y
perfeccionando sus obras y algunas de estas obras las podemos ver hoy en día en las iglesias
de Cusco.
Una tradición de los imagineros antes de ejecutar su trabajo era el hacer bendecir los
materiales para luego iniciar con el trabajo de elaboración y tallado. En los siglos XVI y XVII
los maestros imagineros se encargaban también de las tallas de los púlpitos y coros de las
iglesias y templos. En Cusco los imagineros alternaban las maderas de maguey, cedro para
elaborar retablos renacentistas e imágenes. A finales del siglo XVII los imagineros fueron
añadiendo nuevos estilos creando así los crespos cusqueños que se aprecian en los pulpitos
de algunos templos de la ciudad. Como muestra de ello tenemos el púlpito de la parroquia de
San Blas concluido hacia 1690. Ya en el siglo XVIII, se acrecentaron los talleres de imaginería
y cada uno con sus estilos que los diferenciaban, fue así que progresivamente se dio una
abundante producción de obras e imágenes tanto para el culto en los templos como para el
culto de cada familia. Fue así que esta abundante producción daría inicio a la feria del
Santurantikuy o venta de Santos con ocasión de las fiestas de navidad. Actualmente, existe
ciertas tradiciones entre los maestro imagineros, como el rezar a la Virgen María para luego
empezar con su trabajo.
Por ello el presente trabajo desea mostrar la vida y obra de tres maestros imagineros, tres
connotados artistas como Antonio Olave, Santiago Rojas y Abraham Aller. A través de este
trabajo de investigación una de las conclusiones que podemos sacar después de presenciar el
trabajo de los maestros imagineros, es que ellos son hombres con mucha fe, siempre llevan
presente a Jesucristo y a la Virgen, a quienes guardan un especial respeto al momento de
elaboran sus trabajos de arte, siguiendo todo un ritual, por lo cual, además de ser apreciados
como obras de arte, son también apreciados por el significado que llevan consigo.

A continuación, presentamos algunos de los más destacados maestros imagineros cusqueños.

Antonio Olave
Antonio Olave nació en la ciudad de Pisaq - Cusco el 2 de septiembre de 192 8, sus padres
fueron Fortunato Olave y Jacoba Palomino. Antonio es sobrino del también famoso artista
imaginero Fabián Palomino. Olave desde muy niño siempre mostro destreza para la pintura
y la escultura, el manifiesta que, en su niñez, cuando era estudiante de primaria su salón
realizaba ferias donde se exponían los mejores trabajos de pintura, es de esta manera que
Antonio destacaba notoriamente entre sus compañeros, quienes en alguna ocasión le
pidieron que él haga los dibujos para sus compañeros.
Durante la infancia y juventud, Olave se interesó por la cerámica, y posteriormente realizo
trabajos de restauración en los pueblos, fue así que aprendió el estilo antiguo con el que ahora
realiza sus trabajos tanto de pintura como escultura y cerámica. Olave nos cuenta una de sus
anécdotas, cuando él era niño, iba a pastar sus ovejitas, en su camino encontró una fosa de

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arcilla, el no perdió la oportunidad de ponerse a jugar con la arcilla y realizar algunos

animalitos, los cuales los dejaba a un costado de la fosa escondidos y al día siguiente regresaba
y continuaba jugando, algunos días cuando llovía, sus animalitos se deshacían pero eso era
motivo para que el siga jugando y elaborando sus animalitos sin pensar que más tarde esa
sería su profesión, en la cual tendría varios reconocimientos y llegaría a viajar por varios
países de América y Europa.
La imaginería le ha dado a Olave muchos frutos de los cuales él se siente muy orgulloso, pues
para cada obra que produce mantiene la paciencia de quien cuida y educa a un hijo. Siempre
con mucho respeto a Dios a Jesucristo y María. Olave disfruta su pasión la imaginería con
cada obra que realiza, los detalles que él pone en sus obras hacen que tengan un aspecto muy
dulce. "Yo hago todas mis obras siempre con respeto, no hago por vender y ganar dinero, es
algo sagrado" manifiesta Don Antonio Las primeras veces que Antonio participó de la feria
del Santurantikuy, no se animó a mostrar y vender sus niños, en sus inicios él vendía
animalitos, como ovejitas, vaquitas y garcitas. El trabajo de Olave era tan delicado, con un
buen acabado que siempre vendía todos sus animalitos, en la feria o venta de santos, conoció
a Monseñor Mario Gálvez quien le daba unos golpecitos en la cabeza y el hombro y le decía
que tenía muy suerte por vender todo, la reacción de Olave era siempre una sonrisa amplia.
Fue años después que Olave se hizo conocido por los niños Manuelitos, él los elabora en varias
posiciones entre ellas tenemos el dormidito, echadito, sentadito, niño de la espina entre otros
niños más. Con respecto a los niños Manuelitos, la doctora y periodista Alfonsina
Barrionuevo le pregunto a Don Antonio acerca de la "almita de oro", Barrionuevo relata que
muchas imágenes del virreinato la tienen y entre ellas las de Niño Dios. La almita de oro está
relacionada al trabajo de los maestros imagineros quienes depositaban cadenitas de oro en el
interior de los niños Manuelitos por encargo de las damas o caballeros ricos de esa época y
sólo lo utilizaban en caso de extrema necesidad. La vida de Don Antonio no fue fácil, hubo
épocas en las que no lograba vender todas sus obras, pero él además de elaborar, niños,
vírgenes, Cristos, elabora también jarrones, vasijas las cuales siempre llaman la atención de
los turistas y las compran. Don Antonio ha recibido varios premios y reconocimientos a nivel
local, nacional y extranjero, entre ellos destacan, en el 2002 se le Declaró como Patrimonio
Cultural Vivo de la Nación y Gran Maestro de la Artesanía Peruana. Actualmente Olave tiene
su taller en el barrio de San Blas, junto a su hijo Vito continúa trabajando en este arduo
camino de la imaginería, sin dejar de lado el esfuerzo, detalle y delicadeza de sus obras.

Santiago Rojas

Santiago Rojas nació el 30 de diciembre de 1917 en la provincia de Paucartambo, sus padres

fueron Juan Rojas y Pascuala Álvarez. Sus estudios primarios los realizó en la en la escuela
732 de Paucartambo y sus estudios secundarios los realizó en el colegio Nacional de Ciencias.
Desde muy niño mostró interés por el dibujo y el arte, al transcurrir su niñez realizó trabajos
de los 15 años se dedicó a la artesanía restauración, a realizando sus trabajos con el estilo
antiguo, realizó diversos trabajos en las comunidades aledañas a Paucartarnbo. A raíz de sus
trabajos de restauración aprendió a utilizar los materiales como el maguey y el carrizo. El
material que Rojas utiliza para sus trabajos son maguey, carrizo, madera, tela encolada, tiza,
lijar y pinturas con diferentes colores los que resaltan y dan brillo a sus trabajos. En 1946

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contrajo matrimonio con Doña Antonia, quien lo ha acompañado siempre y sobre todo a
colaborado y ayudado a Santiago con la elaboración de obras de arte. Don Santiago cuando
habla de su esposa lo hace de manera dulce, pero a la vez con una fuerza que sale del corazón.
Es así, que Don Santiago nos cuenta: "Mi esposa francamente le voy a decir tiene buena
curiosidad, tiene mentalidad tiene manos livianas para trabajar, entonces los dos
trabajábamos y ella me ayuda, a veces ella se queda aquí en la casa pintando mientras yo estoy
en San Blas y así ya nos ayudábamos, ahora yo le digo que la mujer tiene mucha inteligencia
más que el hombre, porque tiene paciencia para trabajar". Obras Las obras que sobresalen
son el "Sagrado Corazón de Jesús", "Patrón Santiago", "San Marcos", "San Miguel Arcángel",
"La Virgen del Carmen", dentro de sus obras resaltan las máscaras de los diferentes bailes de
Paucartambo, así como los bailarines llenos de colores, y en posición que expresa el
movimiento del baile respectivo a su traje. Las obras de Don Santiago se encuentran en el
museo del Instituto Americano de Arte y en el Smithsonian Institut en Washington. Ver a las
esculturas de los bailarines es algo sorprendente ya que parecen ser reales, con unos
movimientos precisos, colores resaltantes y la delicadeza y minuciosidad de sus vestimentas
dan la impresión de movimientos. Santiago Rojas, recibe a los visitantes siempre con alegría
y buen humor, y cuando se le pregunta por sus máscaras y bailarines, aparece con una
máscara en el rostro haciendo los sonidos característicos del baile y tarareando la música. El
orgullo de Rojas además de su trabajo es el haber participado y bailado en casi todas las
danzas en Paucartambo para la fiesta de la Virgen del Carmen y formar parte de quienes
crearon nuevas máscaras con un estilo propio. Una de las alegrías que tiene Santiago, son las
visitas tanto de turistas como personas que le hacen entrevistas y se interesan por sus
trabajos. “Bueno mi alegría le voy a decir francamente, toda entrevista, cualquier me da más
gusto y alegría para continuar trabajando y yo siempre agradezco a todos los que me hacen
entrevistas, para mi es una gran cosa". El trabajo de Rojas Alvares es muy reconocido, así lo
afirma Julio G. Gutiérrez. En el sexto concurso de Santurantikuy de 1942, organizado por el
Instituto Americano De Arte, resulto una verdadera revelación para unos y una sorpresa para
muchos, la presencia de Santiago Rojas Álvarez con sus decenas de figurillas en yeso
policromado, representando las numerosísimas comparsas de bailarines indígenas y
mestizos que se concentran anualmente en Paucartambo" Cada año con su infatigable
entusiasmo expone sus obras en la feria del Santurantikuy el 23 y 24 de diciembre en la plaza
de Armas de Cusco. Lo que atrae a los turistas y A la fecha Don Santiago está a puertas de
cumplir 93 años, pero su edad no es impedimento para que siga trabajando con entusiasmo
y la alegría que lo caracteriza, él trabaja junto a su esposa quien le ayuda a realizar sus
trabajos, ambos se ponen a escuchar música de los Campesinos y música de su natal
Paucartambo, es así que Don Santiago y Doña Antonia se sientes los más jóvenes y felices a
pesar de sus edades.

Abraham Aller
Abraham Fausto Aller Escalante nació el 15 de diciembre de 1960, en la ciudad de Cusco,
desde muy pequeño dibujaba paisajes y casas del Barrio de san Blas en las hojas de sus
cuadernos. Desde muy joven se inició en el arte del dibujo, es así que desde los 10 años
empezó a realizar sus primeros trabajos, durante su adolescencia y juventud conoció de cerca
el arte de la imaginería, lo que llamaría su atención siendo de esta manera el área de trabajo

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de Don Abraham. Es así que en 1980 crea su primer niño Manuelito y en 1990 empieza a
trabajar con su esposa Emma con quien logra realizar esculturas de todo tamaño. Aller es
creador de su propio estilo con una técnica personalizada que lleva su sello personal e
ideología. Preserva también la técnica de los maestros renacentistas italianos y españoles. En
su juventud Don Abraham siempre tuvo la inquietud de aprender nuevas técnicas y maneras
de fabricar sus trabajos, su madre era una persona muy exigente quien a su vez supervisaba
lo~ trabajos de su hijo indicándole si estaban bien hechos o si faltaba algún detalle, fue así
que Don Abraham se desarrolló tanto en su vida corno en su trabajo el perfeccionisrno y los
detalles ya sean de sus pinturas o esculturas. Obras En el año 1974 se reúne con sus tíos
Antonio Escalante y Juan Jurado, donde da sus primeros pasos en la imaginería, es así que
junto a ellos van descubriendo nuevos materiales y desarrollando su propia técnica. En 1975,
Abraharn arma su propio taller en su casa y hace sus primeros 25 niños, desde esta etapa
empieza su propia transformación de conocimientos, aplica el dibujo, la pintura y el tallado
en sus obras. Por su mismo carácter y actitudes Don Abraharn es un hombre autodidacta
quien desarrollo por sí mismo el conocimiento de la cristalización para los ojos y lágrimas de
sus niños. Una de sus anécdotas fue descubrir la formación de las lágrimas de vidrio, Don
Abraham en sus primeros años de trabajo, iba a los hospitales a recoger las ampolletas de las
inyecciones que desechaban, para hacer los ojitos de los niños, fue un día que con mucha
tristeza vio que prendieron fuego al basurero de donde él recogía las ampolletas. Pero luego
se dio cuenta que no fue una situación de pérdida, pues, con el fuego la ampolleta se doblaba
y se retorcía hasta convertirse en una lágrima, fue así que estas lágrimas de vidrio también le
sirvieron a don Abraham para sus niños Manuelitos. Así fue su manera de vivir, las
experiencias que la vida le puso en el camino le enseñaron mucho, justamente son estas
anécdotas las que hacen de don Abraham un hombre fuerte que siempre mira hacia adelante,
que toma las enseñanzas de la vida como las enseñanzas de un maestro. En 1980 emplea por
primera vez en sus obras la tela encolada y el maguey, creando así "El Niño Peregrino" el cual
fue expuesto para la inauguración de ADAPAC. Don Abraham, ha participado y ganado en
diversos concurso y exposiciones de arte popular, obteniendo así el título de "Maestro
Amauta". Aller, ha forjado experiencias durante el transcurso de su viva y durante los 35 años
de trabajo, día a día sigue desarrollando y fabricando nuevas obras, sin importar las horas y
días que pase en su taller, viendo los detalles y tallando del maguey. "Para ser un maestro
tienes que amar tu arte capacitarte, actualizarte y ser innovador constantemente, tener una
mente libre y no ser egoísta, transmitir los conocimientos a las nuevas generaciones de
jóvenes" De esta manera Aller ha dejado escuela primero enseñando a sus hermanas y su
madre, luego con sus tíos y finalmente con su esposa e hijos. Además de ello Aller deja escuela
a su familia sino a jóvenes que van a su taller y le ayudan en sus trabajos, así él les enseña la
técnica y el cuidado de los detalles propios de su estilo, con estas palabras: "Nosotros dentro
de los artistas siempre hemos nuestro trabajo, dentro de dejados mensajes la colonia no era
necesario que los padres estén explicando tanto acerca de la religión, sino había también otra
manera de que entienda por medio de los iconos que se dejaban en las obras aquellos dibujos
que tenías a la vista de las personas y la religión ha profundizado en el pasado la fe y hoy en
día nosotros retomamos todos esos conocimientos por ejemplo el conocimientos de lo que
dentro de la iglesia significa un león, toro, hacía que para la iglesia significa la fuerza el poder

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un que es casi lo mismo que un águila significa, ver lo profundo hacia la eternidad y así todas
esas señales nosotros utilizamos en nuestros trabajos".