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República Bolivariana de Venezuela

Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado
Decanato Experimental de Humanidades y Artes
Licenciatura en Artes Plásticas
Barquisimeto edo. Lara

ANÁLISIS DE LA OBRA
“Las tres edades de la mujer” de Gustav Klimt

Estudiantes:

Luisiana Aguiar C.I 30.616.049

Jesús Eslava C.I 30.615.533

Materia: Psicología del Arte

Profesor: Pedro Rodríguez

3º Semestre

Barquisimeto, 03 de junio 2024

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“Las edades de la mujer” Gustav Klimt

Título: “Las tres edades de la mujer”

Autor: Gustav Klimt (1862-1918)

Fecha: 1905

Medida: 180cm x 180cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Modernismo

Género: Pintura simbólica

Ubicación: Galleria Nazionale d’Arte Moderna en Roma, Italia

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Semblanza del Artista

Gustav nació en Baumgarten, Austria, en 1862 y desde el inicio

de su vida tuvo conexión con el arte, o por lo menos con el
ejercicio de la creación, esto es debido a que su padre era un
artesano, dedicado al grabado en oro, mientras que su madre
tuvo el deseo de ser cantante de ópera. La familia de Klimt era
de carácter humilde y numerosa, siendo el segundo de siete
hermanos y teniendo una vida marcada por el contexto de un
Imperio austrohúngaro del siglo XIX, que estaba en un estado de crisis económica.
Con respecto a su carácter, en una de los pocos registros autobiográficos se
comenta que:

Estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante.

No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días
de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos.
Las palabras, habladas o escritas, no me salen con facilidad,
especialmente cuando tengo que decir algo sobre mí mismo o sobre mi
trabajo (…). Si alguien quiere descubrir algo en mí (…), puede contemplar
atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy
y lo que quiero (Nieto, 2014. p.5).
De esta manera, se puede empezar a entender las decisiones de vida de Klimt,
y cómo a pesar de parecer un provocar desde un punto de vista externo, su interés
principal era plasmar sus reflexiones en cada obra, más allá de generar un relato mítico
de su persona, como otros excéntricos artistas de las vanguardias coetáneas. Otros de
los motivos que genera que el artista, declare a su obra como principal registro de su
persona, es su temprano comienzo en el mundo artístico.
Con respecto a este recorrido,su educación en la técnica plástica empezaría a
los 14 años, en la escuela de arte y oficio de Viena, en la cuál ingresó con una beca,
(Nieto como citado en). Durante estos años de aprendizaje, empezaría a adquirir su
técnica y entendimiento diverso de la historia del arte, esto es gracias a que la escuela
a pesar de estar centrada en el tecnicismo, tenía un gran respeto por la tradición en la
creación de las obras del pasado, claro está sin poder escapar del rumbo ecléctico que
estaba tomando viena para el momento; así es como Gustav recibiría una educación
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en los métodos de copia naturalista, pero sumergido en un contexto cultural que ya

estaba empezando a recibir críticas, y a adaptarse a una necesidad creativa mayor.
Se puede decir que dichas inquietudes sobre el arte vienés, serían bien
acogidas por Klimt y su familia, puesto que uno de los eventos más resaltantes en el
recorrido educativo de Gustav es la creación del Colectivo de artistas en conjunto a su
hermano Ernst y su colega Franz Matsch. Gracias a este grupo conseguiría tener
encargos rápidamente, realizando la decoración del patio del Museo de Historia del
Arte de Viena y los techos del Palacio Sturnany en 1880.
Siguiendo con su desarrollo artístico en las décadas de los ochenta y noventas,
logró emplear los conocimientos técnicos de su escuela para desarrollar obras con
temáticas alegóricas, la mayoría en forma de encargos. Un ejemplo de esto serían las
obras desarrolladas para el Kunsthistorisches Museum, basándose en la historia del
arte o el encargo hecho para el editor Martín Gerlach, para ilustrar Allegorie und
Embleme, el cual fue hecho inspirándose en estilos clásicos. Para este momento, la
creación de Gustav se basaba en un proceso de representación de un contenido
preexistente, de índole solemne, más allá de una reflexión e investigación personal de
las temáticas.
A pesar de que Gustav había tenido un trayecto relativamente exitoso hasta el
momento, en 1894 la Universidad de Viena encargó a Klimt unas pinturas para decorar
el techo del Aula Magna, este encargo supondría un cambio en la manera en que el
artista se relacionaba con su producción artística. Las obras desarrolladas fueron
Filosofía, Medicina y Jurisprudencia, las cuales recibieron críticas por su aspecto, al ser
descritas como pornográficas, en lugar de respaldar al artista, la universidad decidió no
exponer las obras. La importancia de este suceso es que fueron de las últimas
comisiones que hizo Klimt, empezando a crear desde un aspecto más individual y
abandonando su abanderamiento de la tradición historicista, para entrar en
movimientos más modernos.
Gracias a los trabajos que había hecho para el momento, antes de tener los
treinta años ya era de los artistas más reconocidos de Viena, pero el acontecimiento
por el encargo del aula magna, haría que se empiece a relacionar más con la Secesión,
que era una corriente en el arte vienés, la cual anhelaba una ruptura del panorama
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academicista. Cabe destacar que esta unión a corrientes más críticas del arte
tradicionalista, y más propensas a apreciar a diversos movimientos que se estaban
empezando a dar en Europa, género que Gustav perdiera cierta seguridad económica,
debido a que la burguesía seguía siendo conservadora en estos aspectos.
Sin embargo, esta condición de riesgo ante el futuro de su carrera, no lo
someterán, a este punto ya Klimt estaba en la necesidad de una expresión más
personal e íntima. Se presume que esto es motivado por las muertes de personas
cercanas, como lo fueron su padre y su hermano y colega artista Ernest, ambos
muriendo inesperadamente en el año 1892. Fueron estos eventos lo que causaron una
aproximación más simbolista y experimental con su arte, lo que se respondía más al
Wiener Sezession (Secesión Vienesa).
Profundizando más en este aspecto, Gustav asumió la presidencia de este
movimiento en sus inicios, el cúal se inspiró en dinámicas y aspectos clásicos
greco-romanos, tomando como símbolo a la Diosa Atenas. Como instrumento para
darse a conocer, y dejar clara su posición ideológica, durante la primera asamblea en
1897 se propuso una revista llamada Ver Sacrum (la Sagrada Primavera). Desde la
primera publicación ya se declaraba sus lineamientos: “Espíritu de juventud que
atraviesa la primavera, el espíritu de juventud mediante el cual el presente se convierte
siempre en moderno… Así, nos dirigimos a vosotros sin ninguna distinción de estado o
censo. No reconocemos diferencias entre un arte […] para los ricos y para los pobres.”
(p.18)
Concretamente fue este espíritu juvenil que logró que Kilmt, ampliará su abanico
de inspiración y referencias, empezando a usarlas de maneras más subvertidas. Esta
experimentación comienza con una serie de viajes que influenciaron su obra
profundamente, por ejemplo fue en su viaje a Rávena, ciudad italiana, en la que vería
obras bizantinas y que le daría paso a un uso más atrevido del dorado.
De los primeros momentos en los que se puede encontrar este nuevo método
fue en Judith y la cabeza de Holofernes, pintada en 1901, es esta obra la que comienza
a perfilarse los aspectos que serán más reconocibles en el legado de Klimt, como la
figura femenina como principal interés, así como la sexualidad y la muerte, y el dorado
como elemento plástico. De esta manera también se empieza a postular a Gustav
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como exponente del Art Nouveau, ya que subertía aspectos decorativos con fines
plásticos, en este nuevo estilo.
Posteriormente, también realizaría otro viaje que nuevamente cambiaría la forma
en que se aproxima a su arte, este fue a París, durante 1909. Al ver las obras de
Toulouse- Lautrec y de los fauvistas, así como pinturas de Van Gogh, Gauguin y
Munch, empezaría una de sus últimas etapas, la cual se denomina como fase
caleidoscópica. Destacan de estas nuevas obras, un empleo del color más
impresionista, así como también un empleo mayor de formas decorativas.
En cuanto a otros aspectos de su vida personal, a pesar de no ser siempre un
miembro activo de la Secesión, este movimiento también lo influiría en llevar aspectos
de su vida, lejos del arte, de una forma liberal. Por otra parte, Klimt no pudo evitar otras
corrientes de pensamiento que permeaban la vida cultural vienesa, como la del
psicoanálisis desarrollada por Sigmund Freud.
En consecuencia a esto, Gustav nunca se casó y tuvo alrededor de 14 hijos,
aunque no fueron reconocidos, estos eran productos de relaciones con musas, las
cuales eran responsables de inspirar al artista en un sentido simbólico y sensual,
pasando una gran porción de su tiempo con él, y llenándolo de conocimiento sobre la
idiosincracia del mundo femenino del momento. Vale la pena destacar que todas siguen
cierto patrón, el más evidente es que todas eran pelirrojas, lo que aportaba al aspecto
de femme fatales, clasico en las mujeres de las obras de klint.
Ahora bien, a pesar de llevar este estilo de vida descontracturado de los valores
más tradicionales, esto no impidió que se desarrollara una especie de vínculo amoroso
con Emilie Flöge, la cual sería su compañera hasta el final (Bonet). Además de ser un
apoyo emocional, Emilie también representaría un acceso a la vida burguesa para
Klimt, en un principio ambos se conocieron por la esposa de su hermano Ernst, la
burguesa Helene Flöge. Estas conexiones con la élite vienesa aseguran que a pesar de
tener una trayectoria repleta de polémicas, Gustav siempre pudo tener relación con
círculos intelectuales dentro de la clase rica, que eran más liberales y le aseguraron
encargos y reconocimiento, aunque no sea en un nivel general.
Cabe destacar que si bien el vínculo de ambos, no se puede declarar como
conclusivamente romántico, el aprecio que tenían era indudable, esto se entiende
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cuando las influencias de Emilie no solo llegan a inspirar a Klimt en el plano de su obra,
sino también en su estilo de vida. Flöge representaba el modelo de mujer más moderno
para la época, teniendo un negocio propio de alta costura y siendo económicamente
independiente, en este ámbito ambos colaboraron, diseñando algunas telas y vestidos
juntos, teniendo ella la autoría sobre las reconocidas batas que Gustav usaba.
Conociendo entonces que, Flöge con su relación sentimental lograría que Klimt
se mantenga con cierto grado de reconocimiento en la corriente más liberal de la
burguesía, es que se puede facilitar la vuelta de una apreciación más académica a su
persona, después de años en los que se apegaba más a la Secesión y vanguardias
europeas, que eran objeto de crítica cuando empezaron. Esto se ve en momentos
como en 1917, cuando después de haber sido rechazado, fue nombrado miembro de
honor de la Academia de Artes Plásticas de Viena.
No obstante este reconocimiento académico, era algo que ya gozaba el artista
en la escala internacional, como cuando en 1911 en la Exposición Internacional de
Arte de Roma fue galardonado con medalla de oro por su obra “Las tres edades de
la mujer” (1905).
Finalizando con los aspectos de su vida, lamentablemente fue en esta nueva
época dorada de Klimt, donde su arte además de estar potenciado por inspiraciones
diversas era reconocido de forma íntegra, tanto por la academia como por los
modernos, tanto internacional como nacionalmente, que la la vida del artista llegaría a
su fin. Falleció después de una época difícil por la partida de su madre en 1915, en la
que su salud física también estaría mermada, sufriendo un infarto, una neumonía y una
gripe y muriendo finalmente en 1918, el 6 de febrero a los 55 años.
A pesar de que el artista murió relativamente joven, dejó entre su legado una
amplia producción artística, que siguió aumentando hasta el día de su muerte, puesto a
que tenía obras en el taller aún en proceso de creación. Gran parte de su obra fue dada
a Emilie como herencia. Asimismo Klimt tendría un legado artístico importante, ya que
en vida fue tutor de varios artistas que continuarán con elementos de su visión, como lo
fueron Egon Schiele o Kokoschska.

Movimiento Artístico: Wiener Sezession

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Como declara Rocamora (2000):

Las bases en las que se apoyaba la obra de Klimt eran: 1.° La
gran tradición simbolista de final de siglo que entendía la pintura
como vehículo de expresión de los temas alegóricos y 2.° Los
elementos representativos, como concepto de ornamentación, con
unidad de estilo y voluntad de recopilación de todas las corrientes
del modernismo existentes hasta el momento. (p.23)
En esta cita se puede apreciar una de las problemáticas para colocar a Gustav
Klimt en un movimiento en concreto, el artista se situaba en un contexto de mucho
dinamismo artísticos, con grandes cambios modernistas, de los que él formaría parte
como catalizador, pero a la vez sin dejar de ser puente con lo tradicional. Esto quiere
decir que, a pesar de tener una fuerte formación simbolista, que marcaría para siempre
el tratamiento de su proceso creativo, también sintetizaría otras corrientes artísticas en
su obra, consiguiendo al final de su vida un resultado que se asume más cercano al Art
Nouveau.
Es por esto que vale la pena comprender un poco de estas tendencias artísticas,
para ver luego cómo se unen en la Wiener Sezession y su metodología propia de
creación. Por una parte, el simbolismo fue descrito con un manifiesto por Jean Moréas
en 1886, durante un primer momento sus objetos son la descripción, pero no la
objetiva, sino a través de la espiritualidad, la imaginación y los sueños. En un plano
histórico, este viene de una respuesta al máximo representacionismo naturalista, en
movimientos como el realismo y el impresionismo, remarcando que no dejó de tener un
interés en la exploración del color y las formas, pero ahora no desde un aspecto
plástico sino desde uno simbólico. Es así que el simbolismo abarca la comunicación de
ideas y temas concretos, sin la representación apegada a lo correcto.
Ahora bien, a pesar de compartir ciertas maneras del simbolismo, como el uso
de la figura femenina como cúspide de la expresión sentimental, Klimt también se
puede inscribir a otros movimientos, como es el caso del anteriormente mencionado Art
Nouveau. Este arte abarcó múltiples países europeos, en los que adaptó en cada uno
su forma particular, todas estas trataba sobre un realce de la artesanía y una
democratización de la belleza. En cuanto a su aspecto plástico, hay muchas
inspiraciones en formas naturales, cosa que se demuestra especialmente en su versión
vienesa, el cual usa líneas sinuosas y formas elegantes, que se ven en el arte de Klimt
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en varias de sus etapas, sobre todo las tardías, donde también usaría el dorado, el
color y las formas, desde un punto decorativista y reforzando aspectos compositivos,
como en los textiles de Flöge.
En conclusión, se puede dar respuesta a la pertenencia de Klimt en algún
movimiento artístico con la voz de Peter Altenberg como citado en Rocamora (2000),
que señala sobre el artista: “La capacidad de «revelar la interna existencia del
mundo en un lenguaje, cuya propia razón no comprende» y para ello, recurre,
desde el historicismo ecléctico de la tradición simbolista, hasta la estilización de la
ornamentación…”. Esta naturaleza del pintor, se explica en su participación del
movimiento de secesión, que apostaba a un modernismo que provocó la síntesis de
muchos movimientos, ya que tenía un anhelo por el eclecticismo, claro está sin poder
abandonar su formación vienesa que dejó una imprimación simbolista en la mayoría de
sus artistas.

Características de la Obra

La obra “Las tres edades de la mujer” fue realizada en 1905, para este momento
ya Klimt había tenido su primera etapa de uso del pan de oro, inspirándose en el arte
bizantino, sin embargo en el momento de producción de
la obra ya estaba entrando en otro momento
experimentación, más inspirada en el uso de color
fauvista, esta ultima caracteristica se nota facilmente en
su uso de colores saturados, como el azul de la obra,
evidentemente artificial para cualquier forma existente en
el mundo natural.
Antes de empezar con sus características en
cuanto a su aspecto, es de importancia explicar el recorrido histórico de la obra, el
mismo año de su creación, esta fue parte de la segunda exhibición de la Deutscher
Künstlerbund (Asociación de Artistas Alemanes) en Berlín. Años más tarde en 1910,
participa en la Bienal de Venecia lo que a su vez consigue que sea vendida, después
de recibir medalla de oro en el evento, terminaría en la Exhibición Internacional de Arte
de 1911, en Roma, misma ciudad en la que el gobierno italiano decidió darle cobijo,
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más específicamente en la galería nacional de arte moderno, donde se encuentra

actualmente.
Esta obra sigue una aproximación muy simbolista de la temática, ya que
representa desde un punto onírico las reflexiones del artista, pero consigue desligarse
de las obras previas de Klimt, en cuanto a que su conceptualización no pasaría por una
alegoría previa ya instituida. En este caso en particular la obra surge de una nueva
visión inédita en la exploración del mundo femenino por parte de Gustav, no abarcando
la sensualidad, tan clásico en el propio campo del autor, sino más bien los puntos
temporales álgidos de la mujer. Se puede decir que sigue su tradición alegórica, pero
esta vez esa alegoría es construida mediante sus propios ejercicios filosóficos. (Suarez,
2015)
En cuanto al uso de sus elementos plásticos, se encuentran varios aspectos
poco comunes en esta obra, para como las solía desarrollar Klimt incluso en esta
etapa. Un ejemplo de esto sería la predominancia del color negro, que da un aspecto
atmosferico, similar al visto en el espacio, situando a las figuras en un plano casi
cosmico, esta caracteristicas también se ve reforzada por los minuciosos detalles de
puntos blancos sobre el fondo metalico.
En referencia a este aspecto, es otro en lo que se detona el ámbito experimental
que tendría el pintor en esta obra puesto que en lugar de ser dorado puro, hay también
una mezcla de tonos bronces y perlados, a forma de veladura. Este manejo técnico
también demuestra la madurez del artista, en cuanto a que sus inspiraciones pasadas
ya no se utilizan con literalidad, sino que se adapta a las necesidades propias de la
obra.
Sintetizando su manejo técnico en esta obra, apoya de buena forma su
concepto, ya que genera sobre la temática de las etapas de la vida de una mujer un
fuerte misticismo, además que en aspectos más plásticos, también separa a la figuras
juveniles de las figura anciana, mediante la distinción de la última con tonos oscuros y
una ornamentación diferente.

Usos de los elementos de expresión en la obra “Las tres edades de la mujer”

Forma-Línea
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Siguiendo con la cualidad ornamental en las obras de Klimt, abundan en la obra

diversas formas, en el lado derecho, acompañando a las figura de la mujer joven y el
bebe, se encuentran formas circulares de diversos tamaños, que tienen dentro de sí a
su vez otros círculos u óvalos, aunque la mayoría de estas figuras se hallan
exclusivamente en el fondo, unas pocas interactúan con la mujer, como es el caso de
su pelo, o la mancha azul en su piernas.
Aunque Klimt usaba mucho estas formas como un simple
elemento decorativo, estas se pueden interpretar como
símbolo de vida, esto es debido a que en el lado de las
figuras más jóvenes estas formas se ven más pobladas,
mientras que del lado izquierdo, los círculos disminuyen su
tamaño y variedad. Cabe destacar que el punto también es
usado sobre las veladuras
metálicas de los alrededores, que
generan una atmósfera galáctica.
Otras formas que se pueden
apreciar son los triángulos al final
de la figura femenina más joven,
estos funcionan como un elemento
que refuerza la verticalidad de la obra. Estos picos también logran una diferenciación
entre las figuras, ya que mientras una tiene estas formas picudas, la otra dispone de
unas formas curvas y alargadas que suponen un contraste. Dichas diferenciaciones
también se logran en la línea, la figura de mayor edad siendo contorneada con una
línea dibujística más tosca y evidente, y su cuerpo describiendo una rigidez en su línea,
que resalta mucho con la delicadez en las otras figuras humanas, que también son
cubiertas por líneas fluidas y curvas que se ven libres y naturales.

Composición (uso del espacio)

De una forma sencilla, los elementos están dispuestos en una abrupta

verticalidad, con las figuras más importantes de la obra ocupando todo el medio de la
obra, si se divide por cuadrantes, todas estas estarían en los cuadros de la mitad
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exacta. Aun así, los elementos de la parte ambiental de obra, ocupando los extremos,
también apoyan este componente vertical, con sus manchas de arriba hacia abajo, y
los puntos blanco alineados también en este sentido.
Por otra parte, también llama la atención los dos
cuadros negros a en la parte superior del cuadro, a los
lados de las cabezasde ambas figuras, estos funcionan
como un apoyo que aplasta el espacio, y enmarca de
mejor manera a las mujeres, dentro de su estrecho
espacio. Estos cuadros negros tambien ayudan a situar
la mirada primero en la emocionalidad y expresiones de
las figuras, favoreciendo primero a la figura anciana que
es respaldada por otro plano en su fondo, monocolor y carente de ornamentos, a
difenrecia del resto del fondo de las figuras.
Esta composición cerrada, que incluso saca a las figuras del lienzo, como son
las piernas de la mujer más joven, logran dar el aspecto de que estas etapas son en
realidad cercanas, generando a su vez que el espectador vea a la vida como algo más
corto de lo que parece en el pensamiento cotidiano.

Colores

Siguiendo con la intención de enfrentar a las figuras, y de

asociarlas con la vida y la muerte en cierto sentido, los
colores que se usan para ambos siguen esquemas
tonales opuestos. En el lado izquierdo, acompañando a
la figura de la mujer en su etapa final, se pueden ver
colores cálidos, como el llamativo rojo detrás de su
cabeza, aunque también se aprecia más interacción del
negro, estos tonos pueden ser referencia a las
emociones intensas que puede estar pasando la mujer en sus ultimos dias. Mientras
que en el lado derecho, con las figuras juveniles, se da un esquema frío, con azules y
tonos verdosos, que dan una sensación de calma y tranquilidad.
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Clave tonal

Al estar situados en una especie de plano místico e

irreal, la luz no viene desde un foco concreto o racional,
parecería que el tratamiento de la formas humana fue
más que todo volumétrico, en cuanto a que se logra
descifrar la profundidad y el relieve en las partes
corporales, sin suscitar la sensación de que son planas,
pero tampoco se manifiesta un contraste abrupto entre
luz y sombra. Sin embargo la tonalidad de la piel de la
mujer vieja, es mucho más oscura que su contraparte juvenil que tiene un tono más
blanquecino, al igual que el bebe.
Esta diferencia tonal, también podría dar la sensación que la figura de
la mujer vieja ya está desgastada o sumida en sombra, mientras que su
contraparte todavía es pura e inocente, sumida en luz y en salud proporcionada
por su falta de experiencia de vida.

Denotación.

“Las tres edades de la mujer” es una de las obras más destacadas de Gustav
Klimt, es rica en simbología y técnica, además de la narrativa que Klimt transmite a
través de la misma. Esta obra forma parte de una de las más reconocidas dentro del
movimiento modernista en la actualidad, aunque en su momento de exhibición haya
generado gran controversia.
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En el centro de un lienzo con formato cuadrado que consta de unos 180 cm por
180 cm llamando la atención con su brillo dorado, se disponen verticalmente tres
figuras femeninas desnudas que representan edades distintas debido a su apariencia,
posiciones y expresiones. Además, cada figura posee piel clara y
cabello con pequeños rulos u ondas . En primer lugar (recuadro
amarillo) encontramos a un bebé que tiene el cabello color castaño
oscuro y está siendo cargado por la segunda mujer (recuadro rojo).
Esta aparenta estar dormida y en su rostro hay una expresión de
tranquilidad y serenidad, reflejando cierto sentido de ingenuidad y
ternura.
Por otro lado, la mujer que la carga es mayor
que la bebé, ambas están envueltas por lo que parece ser un
manto. A esta segunda figura femenina, se le muestra joven y
tiene el cabello rubio. La mujer se encuentra en una posición
bastante serena también, y demuestra una semblanza de
jovialidad y está ubicada en el medio de las otras dos figuras
¿Será que Klimt buscaba representar la juventud como el
centro entre la vejez y la niñez?.
Ahora bien, en el recuadro azul se
encuentra la tercera figura de esta obra,
ésta mujer es una anciana que se encuentra en una posición
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encorvada y su rostro es cubierto por su cabello. Esta mujer, a diferencia de las otras
figuras tiene la piel arrugada y pareciera que se derrite, además, en comparación con
las otras figuras la piel de esta anciana se muestra más amarillenta mientras que las
otras tienen la piel más pálida por lo que da a entender que es más vieja. La misma
tonalidad y saturación con la que está pintada pudiese hacer que se funda un poco
visualmente con el fondo.
De esta manera, se entiende que las figuras protagonistas de las obras varían
en edad, esto se puede apreciar (aparte por lo anteriormente mencionado) por las
posiciones y detalles que posee cada una. Puede apreciarse como la inclinación y
posición de cada mujer refleja la diferencias de edades, siendo la bebé la que está más
abajo. Además de estar más.pequeña y con su piel sin tantas arrugas.
Por un lado diferente, está la mujer joven llena de vida que es más grande e
inclusive tiene rubor para dar color a su aspecto pálido, también tiene su cabello
radiante que posee una saturación mayor que el cabello de la anciana. Finalmente se
encuentra la figura mucho más mayor en el lado izquierdo de la obra, está se encuentra
encorvada, está mujer le cubre el rostro su cabello y su propia mano, además de
poseer arrugas en su cuerpo.
En este orden de apreciación, se puede presenciar en el fondo de esta
composición diferentes partes del mismo, en la parte superior se encuentra un especie
de rectángulo bastante oscuro, se pudiese decir de color negro. Debajo de este
rectángulo se observa un plano con tonos marrones que pareciera estar realizado a
brochazos, el mismo, tiene detalles con
blanco específicamente al aproximarse a
la obra se perciben gran cantidad de
puntos blancos.
Asimismo, se observan detalles ornamentales en forma de espirales, flores y
líneas onduladas que rodean a las figuras principales. En la parte superior de se
encuentran detalles en forma de círculos que rondan entre
amarillos, ocres, azules, dorados y negros.También, detrás
de la mujer mayor hay un detallado con forma orgánicas que
van desde el negro hasta el color dorado, además, lo
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adornan igualmente pequeños círculos de colores ocres, amarillos y dorados.

Estos colores son dominantes en el punto focal de la obra de arte, puesto que,
los detalles en dorados reflejan luz que capta la atención de quien aprecie esta obra.
Además de estos, en el cabello de la mujer joven se observan lo que parecen
pequeñas flores y ramas de hojas.
De igual manera, se visualiza en la parte inferior (por las piernas de la mujer
joven) un patrón geométrico de triángulos azules en varios tonos y dorado. A la vez,
entre estos patrones se halla un espiral y más arriba otro estampado o patrón
caracterizado por círculos nuevamente. Estos detalles pudieran simular un especie de
mosaico o estampado, los detalles ornamentales normalmente son implementados
para embellecer algo, y sin duda alguna los que yacen en esta obra le dan una belleza
estética y personalidad a la obra. ¿Buscaba Klimt acaso con estos detalles generar una
marca personal en sus obras de arte?.
Por consiguiente, se puede apreciar que entre las
formas y colores implementados en los planos de esta
obra funcionan precisamente para crear el contraste y el
balance visual de la misma. Mientras que en el plano de
los tonos marrones y negros apreciamos que todo es más
recto y menos llamativo, al rededor de las figuramos
encontramos un plano lleno de formas orgánicas y con
colores mucho más saturados y llamativos que el resto.
Además, los mismos planos generan movimiento dentro de la obra, es como si las tres
mujeres y lo que las rodeas fuera aparte del resto de la obra.
Esta pieza de arte está llena de detalles visuales y técnicos que generan interés
por parte de los espectadores, el característico uso del dorado cautiva la esencia de la
misma. Es así, que Klimt a través de esta obra, permite generar interrogantes cómo
¿Por qué sólo la señora mayor tiene cubierto el rostro? O ¿Por qué solo el bebé y la
figura joven están envueltos en el manto? Y de igual manera preguntas como ¿Las tres
figuras son la misma mujer pero en tres etapas de la vida diferente?
Esta obra, es sin duda alguna una que está llena de detalles minuciosos que se
puedan contemplar más de cerca, además de su valor simbólico a través de los
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elementos que la componen. Por ello, a primera instancia está obra puede captar a un
espectador debido a su belleza estética y también a sus significados, además podemos
apreciar texturas suaves y más rústicas por las mismas figuras y pinceladas realizadas,
como ejemplo las del plano del fondo o los detalles en el cabello de las tres mujeres.

Análisis connotativo.

Esta obra, separada de su nivel de tecnicismo es reconocida y apreciada por su

simbología y significados siendo una pieza de arte que revela profundos mensajes para
quien la contemple y la profundice. Ahora bien, adentrándose en los detalles
significativos que el autor de esta obra decidió plasmar, pues para Klimt sus obras
contienen un universo simbólico rico y complejo, lleno de significados ocultos y abiertos
a interpretaciones diversas. Cada elemento en sus pinturas, ya sean figuras, colores,
patrones o incluso la forma en que están dispuestos, puede tener un significado
simbólico profundo. En esta obra se pueden encontrar los siguientes significados:
En primer lugar, tenemos a las tres figuras humanas que son las protagonistas
de esta obra quienes simbolizan una alegoría sobre las etapas de la vida en la mujer,
las cuales se pueden nombrar tres maneras : “el inicio, el auge y la decadencia”, “la
infancia, la juventud/adultez y la vejez” y por último “La inocencia de la infancia, la
belleza de la juventud y la decadencia de la vejez”. Al estar las tres en seguimiento
reflejan la conexión entre las generaciones y la belleza al pasar el tiempo en cada
etapa.
Bude (2020) “El diccionario de Oxford define “alegoría” como “relato, imagen, o
cualquier obra de arte que use símbolos para expresar un significado oculto o
escondido, típicamente moral o político.”
El bebé: Simboliza la inocencia, la pureza y la genuinidad en la infancia.
Es representado sobre el regazo de la figura joven maternal, el cual hace
alegoría a la dependencia de la etapa de la infancia sobre sus figuras
paternales. Especialmente en la figura maternal que proporciona ese
cuidado, protección y compasión tierna en la infancia, esto se ve reflejado al estar
ambas figuras envueltas en el manto con las que son retratadas.
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La mujer joven: La cual es un elemento central

dentro de la obra, quien se presenta como el epítome de la
etapa de la vida en plenitud. A través de su posición y
rasgos se interpreta cierta delicadeza y serenidad reflejando
características de feminidad, eso mismo se aprecia en los
detalles de su cabello con ondas doradas reforzando el
significado de la vitalidad en la juventud. Como si fuera la
etapa de vida que más promete esperanza al futuro, de esta
manera se ubica a la juventud como una etapa entre la
infancia y la vejez .
Por otro lado, también está el entorno en el que la mujer joven se encuentra,
estando rodeada de flores y elementos orgánicos que se fusionan en su propia figura
aporta y refuerza el significado o la conexión entre la naturaleza y los ciclos de la vida y
muerte, centrando a la mujer como un símbolo de fertilidad y renovación constante.
Es importante mencionar la significancia del estar cargando a la bebé, este acto
se puede interpretar como símbolo de la continuidad, de transmisión generacional y del
cuidado maternal. Proporciona como lo anterior mencionada esa ternura y protección
en la crianza, realzando una vez más la metáfora de la conexión profunda entre ambas
figuras y su vínculo afectivo, a través del entorno y ambiente que las envuelve.
Del mismo modo, envuelta en profundos significados se encuentra la tercera
figura protagonista, la mujer anciana: esta complementa el mensaje representativo del
ciclo de la vida. Con su postura serena y contemplativa simboliza
experiencia, sabiduría y el paso del tiempo, además, evoca el
envejecimiento o el transcurso natural del cuerpo humano hasta la
vejez a través de sus arrugas y tonalidades en la piel.
Esta se presenta como contraste con la vitalidad representada en la
mujer joven y el poco conocimiento de la bebé sobre la vida. La
vejez se representa en esta obra como una invitación a reflexionar
sobre el pasado, el presente y como el tiempo transcurre a través de las etapas en la
vida.
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Existe un rasgo diferencial entre esta mujer y las otras figuras, al tener el rostro
parcialmente cubierto Klimt pudo sugerir la idea de que la vejez conlleva a una cierta
ocultación o misterio. Quizá un significado sobre el paso de tiempo y las experiencias
acumuladas a lo largo de la vida que llevan a una introspección más profunda y a una
mayor reserva emocional, creando así a través de su cabello una invitación a
reflexionar sobre la sabiduría, los secretos que guarda una mujer con los años vividos,
se enfatiza así su mundo interior, sus pensamientos y sus emociones más íntimas.
Igualmente, está alegoría sobre la esencia de la vejez se ve reforzada estando la
figura de la anciana sin el velo que envuelve a la joven y al bebé. Esto con la intención
de reflejar la etapa de la vida en la que ya se ha alcanzado independencia y
autenticidad, donde ya no se requiere una protección y cuidado extremo al nivel de un
niño. Por lo que esto también se aprecia al estar posicionada un poco atrás de las
otras, pero por encima de las mismas simbolizando la mayoría de edad a comparación
de estas dos.
En este sentido, Klimt logra una obra maestra cargada de significados que
invitan a reflexionar aspectos profundos de la vida, destacando la belleza y
especialidad de cada etapa de vida en una persona. Crea una pieza en la que trata
sobre la fugacidad de la juventud, invitando a disfrutar las oportunidades que surgen en
el momento de desarrollo de la misma. Además de apreciar la belleza en la inocencia,
ternura y genuinidad en un pequeño ser que está conociendo a penas el mundo,
además de la pureza que yace en una figura como el bebé antes de adentrarse a las
realidad que surgen en la vida de una persona.
Y finalmente, la mujer anciana, a menudo la vejez puede ser vista como un
deterioro, pues físicamente ya no se cuenta con las mismas capacidades que en la
juventud, pero aunque el cuerpo se debilite la sabiduría, la experiencia y el
conocimiento se refuerzan y se expanden. Además de ser una recordatoria de que el
envejecimiento es inevitable.
Por otra parte, se encuentran otros elementos que fortalecen el contenido
simbólico en está obra de Klimt, estos están inspirados en los mosaicos bizantinos y
para esta obra se encuentran los siguientes:
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Patrones y formas geométricas: para Klimt estos detalles

contribuyen a la riqueza visual y conceptual de sus pinturas. En
esta obra, pueden representar el orden, la estructura y la
armonía en medio de la complejidad de la vida. Además, los
patrones geométricos pueden simbolizar de igual forma una
conexión entre lo terrenal y lo espiritual (algo que Klimt
realizaba bastante).
Básicamente la presencia de formas como círculos y triángulos
invitan a reflexionar sobre la estructura, el tiempo y la
interconexión que existe entre las etapas de la vida. Por otro lado, también están los
círculos que dominan como forma dentro de toda la obra, estos pueden tener un
significado o representan óvulos o células, haciendo una alegoría a la fertilidad y la
vida.
Formas orgánicas: para este contexto, las formas orgánicas son características
dentro del estilo de Klimt. Estas, sugieren una conexión entre las
personas y el entorno de la naturaleza que los rodea, además de
resaltar aspectos como la vida y el crecimiento. De esta manera
se encuentran atribuyendo movimiento a la obra pese a su fondo
plano y oscuro.
Flores y ramas: Klimt, era conocido
por integrar elementos naturalistas en sus composiciones.
Para esta obra en particular, las flores pueden representar
el florecimiento de esa juventud ya que la mujer joven es la
única que cuenta con esos detalles. Además, le atribuye
significado de crecimiento y destaca en ella sensibilidad, feminidad y delicadeza. Esos
detalles se ven reforzados debido a la expresión de la mujer, como Klimt retrata a
mujeres y la belleza de estas pudo utilizar elementos a su favor que representen la
esencia femenina.
Detalles ornamentales: estos están inspirados en el arte bizantino y el
modernismo vienés y son caracterizados por su sofisticación. Por lo cual, Klimt los
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implementa para contribuir a crear una atmósfera donde resaltan la elegancia y la

belleza en cada etapa de la vida representada en la pintura.
El distinguido dorado: Klimt es conocido por su “fase dorada”, y
la presencia del dorado en sus obras generaban un peso o una dirección
hacia lo divino y lo trascendental. En esta obra contribuye a la belleza de
la misma, resaltando de manera llamativa a las figuras femeninas
protagonistas de la obra.

Análisis comunicacional:

Viena, Austria siglo XX. El año 1905 en dónde Klimt realizó esta obra, un periodo
en el que se encontraba en la cúspide de su carrera artística. En ese momento la
ciudad de Viena, dónde Klimt hacía vida y trabaja se caracteriza por ser una ciudad
vibrante y rica en cultura, sin embargo, también atraviesa por cambios sociales y
políticos.
Para aquel entonces en la Viena de principios del siglo XX, se estaban
produciendo importantes transformaciones en la sociedad, con un creciente interés por
el psicoanálisis de Sigmund Freud, movimientos feministas en ascenso y una mayor
apertura a nuevas corrientes artísticas y filosóficas.
En ese tiempo, se estaban generando movimientos nacionalistas y tensiones
étnicas en el imperio Austrohúngaro, en donde Vienna era la capital, todas esas
discordias estaban llevando el imperio a un colapso dado luego de la Primera Guerra
Mundial.
En cuanto cultura, Vienna estaba en los inicios de la “Belle Époque vienesa” en
donde la cultura y el arte tuvieron un florecimiento que se caracterizó por la música
contando con grandes autores como Arnold Schönberg, en la literatura con Arthur
Schnitzler y en las artes encontrando a Gustav Klimt.
Dentro del ámbito de las artes plásticas todo lo que había sido tradicional en el
imperio fue rechazado y cuestionado. Hubo una ruptura con las convenciones
establecidas artísticamente y surgieron movimientos vanguardistas como el
expresionismo y el modernismo, en donde Klimt fue líder y pionero del movimiento Art
Nouveau.
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Bolaños (2006) nos comparte que “La doctrina artística oficial condenó como
“arte degenerado” las creaciones de la vanguardia alemana y austriaca”
Klimt, abordó a través de sus características simbologías y técnicas un trasfondo
artístico que hoy en día es apreciado por las presentes generaciones, sin embargo en
aquel entonces dónde exponía su arte objeto para las críticas dentro de una parte de la
sociedad en la que se desarrollaba.
Por un lado, si había una parte de la sociedad que recibió con agrado las nuevas
corrientes artísticas y de los resultados en el arte de Klimt, pero también hubo partes
que fueron más “conservadores” que rechazan el nuevo arte que se estaba
desarrollando, especialmente al Klimt retratar solo mujeres desnudas.
Es por ello, que Klimt y su obra fueron criticados por desafiar las normas
sociales y artísticas de la época por representar a las mujeres de una manera sensual y
provocativa. Klimt y Freud abordaban el tema de la sexualidad de manera abierta y
audaz en comparación de cómo estaba establecido o permitido, por lo que sus trabajos
generaron controversias en el público reservado de aquel entonces.
A pesar de los conflictos sociales, la manera en la que Klimt retrataba a la mujer
no era con la intención de denigrar o exponerla, pero tampoco su intención era
esconder la belleza y la admiración que él sentía por la figura femenina. Estaba más
interesado en explorar y compartir su visión sobre la feminidad en toda su complejidad,
por ello sus obras reflejan una mezcla entre sensualidad, misticismo y simbolismos,
esto hizo que creará representaciones que trascienden más allá de la mera apariencia
física.
Un ejemplo claro de esas representaciones es esta obra de “Las tres edades de
la mujer” en donde se resaltan rasgos característicos de la mujer a nivel de ser. Sin
embargo para una buena cantidad de público solo existe el escándalo por una mujer
desnuda.Para ello Klimt utilizaba su estilo característico con detalles decorativos
ornamentales en sus modelos femeninas, convirtiéndolas en representación más
simbólicas.
A pesar de la controversia, ninguna objeción o ningún reclamo pudo lograr que
esta obra fuera desechada o descartada, por lo que hoy en día sigue siendo un objeto
de gran valor en la historia del arte y un ícono en las obras de Gustav Klimt. La manera
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en la que Klimt abordó los significados dentro de la misma la convierten en una pieza
maestra rica en significado más allá de lo que se aprecia a simple vista.

Conclusiones finales.

En conclusión, la obra “Las tres edades de la mujer” se puede considerar como

una obra de arte con gran valor. En donde la técnica y el concepto por parte de Klimt se
fusionan de una manera en la que hoy en día puede seguir generando al espectador
una profunda conexión con la obra y el mensaje simbólico detrás de la misma.
A través de esta obra Klimt nos invita a reflexionar y profundizar en muchos
aspectos de nuestra vida como nuestra infancia y los aspectos que marquen la nuestra,
la esperanza que yace en la juventud y un recordatorio a no temerle a la vejez. Por otra
parte, nos realza el valor de la figura femenina en el mundo y lo que una mujer
representa en cada etapa de su vida, un recordatorio del gran aporte de las mujeres al
mundo y a la sociedad, en donde se destacan valores y características esenciales de
una mujer.
Para nosotros, es de gran importancia ver cómo también se pueden manejar
“temas controversiales” a través del arte ya sea hace miles de años, o hasta hoy en
día. A través de esta obra Klimt nos inspira sobre la importancia de utilizar a nuestro
favor las simbologías para dar a conocer nuestro mensaje en el arte. Además de ser
persistentes en defender y apropiarnos de nuestro trabajo con seguridad atribuyéndole
el valor que tiene.
Por otro lado, el análisis de esta obra nos invita a estudiar más a fondo las obras
de arte que percibimos, no para volvernos solo unos conocedores sino para
adentrarnos y conectar con el propósito por el cuál el artista realizó la obra. Y sin
dejarlo a un lado, concluimos también sobre la importancia de saber los elementos de
expresión para poder analizar y comprender mejor una obra de arte, además de
realizar un buen análisis a través de los aspectos importantes, por ello este proceso
nos desafía y nos invita a mejorar nuestros procesos al percibir, analizar y generar
pensamientos críticos u opiniones de la mejor manera posible.
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