LA COMPOSICION EN LA ESCULTURA

En las artes visuales, particularmente en la pintura, el diseño gráfico, la fotografía y la

escultura, la composición es la planificación, la colocación, la organización y la
selección de los diferentes elementos que aparecen en una obra según unos criterios
previamente planificados.
En principio los elementos compositivos de la escultura coinciden con los de la pintura,
pero existe una diferencia fundamental: en escultura la mayoría de los elementos son
literales. El espacio existe, el material existe; existe la gravedad, las proporciones…
Mientras que la pintura se caracteriza por su naturaleza óptica reivindicada por el color,
la escultura se caracteriza por su naturaleza física, esencialmente táctil.
El término composición significa básicamente “organizar”
Los principales elementos que intervienen en cualquier composición visual, sea pintura,
escultura, fotografía...son:
ESPACIO
El espacio es el área y superficie de la obra. Puede tener dos dimensiones (largo y
ancho) o tres (largo, ancho y altura).
La creación de una perspectiva visual, que da la ilusión de profundidad es otro elemento
de arte utilizado para crear un espacio. En las técnicas pictóricas clásicas hay un
esfuerzo por recrear un espacio tridimensional. El uso correcto del espacio es un arte en
sí mismo.
El espacio puede ser clasificado como positivo y como negativo. Espacio positivo es el
espacio ocupado por un objeto y espacio negativo es el espacio entre los objetos
(espacios en blanco). La manera de usar estos dos tipos de espacios afecta a la totalidad
de la composición.
En escultura la composición espacial viene determinada por los volúmenes cóncavos y
convexos. El volumen puede ser definido como la masa que ocupa un lugar en el
espacio, pero es la interacción con ese espacio que se establece una relación entre los
espacios “vacíos” que rodean o perforan al volumen y permiten el paso de la luz
modificando la apariencia de la forma, estos vacíos le otorgan a la pieza
características de dinamismo o rigidez, según sean aplicados.
También el volumen adquiere otros factores de relación, según su entorno, y se pueden
clasificar en:
1-Volumen en relieve: Es una variante de la escultura que va de lo bidimensional a lo
tridimensional, siempre tenemos una sola vista la frontal, puede ser en alto o en bajo
relieve, pero siempre denotarán volumen.
2-Volumen exento: Es la escultura que se integra a su medio, puede ser vista por
diversos ángulos y puntos de vista.
Volumen monumental: Es la escultura que rompe las proporciones regulares en relación
al ser humano, se integra en espacios abiertos y se caracteriza por conformarse de un
conjunto de elementos compositivos.
LUZ
Las composiciones escultóricas modelan la incidencia de la luz en el material, de
manera que creando una concavidad o una convexidad estamos alterando la refracción
de la luz en el material en el que estemos trabajando y por lo tanto creando volúmenes
La luz es el elemento primero y esencial para la percepción de los objetos, es una
condición de la percepción. Además de la luz solar en la escultura de nuestro siglo ha
sido decisiva la utilización de la luz artificial.
FORMA
La forma define objetos en el espacio.
Una forma crea automáticamente otra forma alrededor de ella. Cada forma tiene un
PESO VISUAL en la composición. Para equilibrar una composición hay que
compensar el diferente peso visual de cada forma según la intencionalidad de cada
composición.
Las formas, en general, pueden ser figurativas abstractas, orgánicas o geométricas.
Podemos dividir las formas en tres tipos según su peso visual.
NATURAL: cuando representa algún elemento de la naturaleza como la silueta de una
hoja de árbol, de un caracol marino o el perfil de un rostro. Estas formas tienen, además
del peso visual que le dan las líneas que la delimitan, el peso del objeto reconocido al
que nos recuerdan, es decir, no lo vemos sólo como una forma sino como la forma de
algo que conocemos.
GEOMÉTRICA: cuando existe esa relación matemática entre sus bordes y
encontramos figuras que reconocemos de manera abstracta como el cuadrado, el círculo
o el triángulo. El peso visual de estas formas también depende de cómo las
relacionamos con elementos conocidos.
ABSTRACTA: cuando no representa ninguna forma geométrica o natural que
pudiéramos reconocer y puede estar delimitada por líneas rectas, curvas o combinadas.
Su peso visual depende de sus características abstractas como las líneas que la delimitan
y su tamaño.
Para cualquiera de los tipos de formas antes mencionadas, después de sus características
innatas, su peso visual está determinado por su tamaño, textura, color y colocación. Una
forma grande atrae la vista más fácilmente que una forma pequeña. Pero, al combinar
formas de diferentes tipos con diferentes tamaños, entonces las relaciones y tensiones
entre ellas pueden modificar sus pesos visuales. Por ejemplo, una forma natural como la
silueta de un trébol tiene un alto peso visual y una forma abstracta delimitada por curvas
tiene un peso visual mucho menor. Si la forma abstracta es más grande, entonces esto
puede ser suficiente para equilibrar las tensiones y apreciarlas visualmente con igual
importancia. Por supuesto, este peso visual de las formas que reconocemos es
directamente proporcional a nuestro entorno social y cultural.
MATERIAL
No es lo mismo utilizar madera que metal, plástico que cartón, o materiales reciclados.
Cada material da un carácter diferente a la pieza.
Es la materia prima necesaria para la realización de una obra. El material es la condición
de posibilidad de la escultura, sin ella sería una mera abstracción sin realidad en el
mundo concreto. La forma depende en gran medida de la materia o material de que se
haga. El material influye en el método de trabajo.
COLOR
El color es el elemento más expresivo del arte y es visto mediante la luz reflejada en una
superficie.
El color del material escultórico es aditivo, aunque cada material posee su propio color.
Cuando se añade un color se están subrayando cualidades ópticas por encima de las
táctiles, se hace participar a la escultura de las peculiaridades de la pintura
Se podría hablar de pintura proyectada en tres dimensiones.
En líneas generales existen dos tipos de composición básicas:

A_ SIMETRICAS Y ASIMETRICAS
Para lograr una composición simétrica ordenamos cada uno de los elementos de la
composición alrededor de uno a más ejes de simetría, generando un equilibrio visible en
toda la imagen compositiva. Este tipo de composición puede darse de manera vertical u
horizontal, teniendo en cuenta las texturas, las formas y los tamaños. En este caso el
peso visual de los diferentes elementos está repartido equivalentemente igual de cada
uno de los lados de nuestro eje tanto vertical como horizontal.
Para lograr una composición asimétrica colocamos cada uno de los elementos de la
composición de manera que no haya ningún eje de simetría que defina la composición.
Los diferentes elementos se reparten de manera desigual con respecto a uno de los ejes
de forma que haya más elementos o de mayor peso de uno de los lados que en el otro.

B_ ABIERTA Y CERRADA
Una composición es cerrada cuando sus elementos generales están organizados en
forma de figura cerrada: circular, ovoide, cuadrada, rectangular, elíptica...Es habitual
que la composición cerrada se organice en función de un eje central. En este tipo de
composición todos los elementos se dirigen hacia el centro teórico de la composición.
Es muy característica del mundo medieval y renacentista.
La composición abierta puede ordenarse alrededor de un eje central o lateral o en
función de un punto de fuga exterior.
Una composición es abierta cuando sus elementos generales están organizados en forma
de figura abierta: en forma de cruz, de ve, de ce, de equis, de estrella....La definiremos
como aquella en la que los elementos huyen del centro. Es muy característica del
Manierismo, del Rococó y de algunas corrientes de escultura contemporánea. En la
escultura la forma abierta se expresa por el espacio interpenetrando las formas, la
ausencia de delimitación precisa entre exterior e interior, entre concavidad y convexidad
y la flexibilidad, fluidez y libertad de movimiento en el manejo de planos y masas.
Estos dos tipos generales compositivos pueden coincidir, es decir, una composición
puede ser abierta y simétrica, cerrada y asimétrica, etc...

ELEMENTOS BASICOS DE LA COMPOSICIÓN

1-El punto
El punto es uno de los elementos principales de la composición. Es la unida mínima de
comunicación visual, la más simple, de forma redonda, es el elemento gráfico
fundamental.
El punto desde la geometría no tiene definición ya que está a su vez conformado por
otros puntos.
El punto es la mínima expresión gráfica, es el inicio de la composición. A partir de éste
se forma la línea.
El punto posee una gran fuerza gráfica porque por sí mismo constituye un centro de
atención, cualquier punto tiene enorme fuerza de atracción para el ojo. Cuando el punto
se sitúa en la parte central de la composición genera equilibrio y cuando se desplaza
genera dinamismo.
Algunas funciones plásticas que cumple el punto son:
-Crear pautas figurales o patrones mediante la agrupación y repetición.
-Convertirse en foco y centro de atención dentro de la composición.
-Dinamizar la composición mediante sucesiones de puntos.
-Tener la capacidad de crear texturas.
2-La línea
La línea aparece cuando el punto adquiere movimiento y se desplaza. Indica posición,
dirección y posee energía
La línea es capaz de expresar emociones: la línea gruesa se asocia con la audacia, la
línea recta es fuerza y estabilidad, la línea en zigzag expresa excitación.
Las líneas rectas de la misma longitud y grosor en agrupaciones paralelas introducen
factores de relación proporcional e intervalos rítmicos.
Las líneas horizontales y verticales introducen conceptos opuestos, oposiciones
equilibradas de tensiones. La vertical expresa la fuerza primordial, la gravedad. La
horizontal aparece como plano soportante, simboliza la experiencia del equilibrio
absoluto.
Las diagonales introducen impulsos direccionales y dinamismo.
Cuando una línea se cierra aparece el contorno que es uno de los elementos de la forma.
Funciones plásticas de la línea:
Crea vectores de dirección básicos para organizar la composición.
Aporta profundidad a la composición sobre todo en las representaciones planas al
introducir en la composición un elemento longitudinal y favorecer la sensación de
profundidad espacial gracias a las líneas convergentes.
Separa planos y organiza el espacio. Aunque no es función exclusiva de la línea.
Da volumen a los objetos bidimensionales por ejemplo mediante tramas de líneas
entrecruzadas.
Puede representar tanto la forma como la estructura de un objeto.
3-El contorno y la forma
Hay tres contornos básicos: el cuadrado, el círculo y el triángulo. A partir de éstos se
derivan mediante combinaciones todas las formas.
Hay que distinguir entre la forma estructural y la forma aparente. La forma estructural
de un objeto es la que compone su forma interna, la que nos permite conocer y
reconocer cualquier objeto en sus rasgos esenciales. La forma aparente es la que
configura su apariencia y que además de sus características principales contiene los
detalles.
Existen diferentes tipos de relación en el plano bidimensional entre las distintas formas.
Las principales son:
Superposición
Es la forma más habitual de representación de la forma. Para que los objetos
superpuestos tengan una identidad deben ser percibidos como independientes. La
superposición supone la representación incompleta de al forma y es importante cuidar
en qué punto exacto los objetos deben ser interrumpidos.
La superposición crea itinerarios de lectura, ayuda a construir el orden interno de la
imagen, crea cohesión, agrupa masas constituyéndolas como una única entidad visual,
favorece el equilibrio. En las composiciones de dominancia frontal con profundidad de
campo evita que los objetos aparezcan como si estuviesen pegados al fondo del cuadro.
Una composición con figuras dispersas plantea más dificultades para su equilibrio.
Escorzo
Es la representación de un objeto de manera perpendicular al plano. Aumenta el
dinamismo, la tensión y la profundidad.
Otras relaciones entre las formas
Otra relaciones entre las formas son: el distanciamiento, el toque, la penetración, la
unión, la sustracción la intersección y la coincidencia
4 -La textura
La textura es la cualidad que tiene cada una de las superficies. Es la agrupación de
pautas situadas a igual o similar distancia sobre un espacio bidimensional. La función
plástica de una textura es sensibilizar una superficie. Las superficies texturadas pesan
más.

El relieve es la técnica escultórica que representa formas modeladas o talladas resaltan

respecto a un entorno plano. A diferencia de las esculturas de bulto redondo ,que se
esculpen reproduciendo su relieve o profundidad natural,, los relieves están integrados
en un muro , plano o soporte que es el que los enmarca.
Los relieves son muy comunes, particularmente, como decoración exterior de los
edificios monumentales, como los templos. Son famosos ejemplos de relieves a lo largo
del mundo son los siguientes:
El Altar de Pérgamo, en Museo de Pérgamo, de Berlín.
Los leones y animales fabulosos de la Puerta de Ishtar, Babilonia.
Los realizados en pilonos y muros de los templos del Antiguo Egipto.
El conjunto monumental de Angkor Wat en Camboya.
El León de Asoka, símbolo nacional de la India.
Los Glifos Mayas.
El monumento a la Confederación en Stone Mountain, en Georgia (Estados Unidos).
El templo de Borobudur, en Java, Indonesia.
Los llamados Mármoles de Elgin extraídos por éste del Partenón, ahora expuestos en el
British Museum de Londres.
Los relieves pueden usarse para representar una escena aislada o ser parte de una
secuencia narrativa. A pesar de las limitaciones técnicas que impone la disminución de
la tercera dimensión que les es propia, dependiendo de la técnica con el que se esculpen
puede llegar hasta mostrar muchos detalles.
Tipos de relieve
Los tipos de relieves dependen de la forma en que las figuras representadas se adosan al
muro que los contiene y en la forma en que se reduce la profundidad para representar la
tercera dimensión; y por tanto, en cuánto se limita a la frontalidad el punto de vista de
su contemplación.
Cuanto más "alto" es el relieve, menos se reduce la profundidad y más se representan
las figuras en la totalidad de su contorno, excepto en la parte que están adosadas al
fondo, de modo que es posible la contemplación desde varios puntos de vista.
Cuanto más "bajo" es el relieve, más se reduce la profundidad y menos contorno se
representa de modo que los puntos de vista para su contemplación se limitan hasta
reducirse al frontal.
Los principales tipos e relieve son:
1 Bajorrelieve: las figuras sobresalen del fondo menos de la mitad; la tercera
dimensión se comprime, quedando a escasa profundidad, Aunque no es usual, el
bajorrelieve puede mostrar algunas partes destacadas de una figura, rostros e incluso
algunos cuerpos, en relieve natural.
2 Mediorrelieve: las figuras sobresalen del fondo aproximadamente la mitad.
3 Altorrelieve: las figuras resaltan más de la mitad de su grosor sobre su entorno.
4 Relieve rehundido: si la figura esculpida no sobresale del entorno, sino que
únicamente se perfila su contorno.

TEXTURAS
Cuando hablamos de textura nos referimos a la sensación que produce al tacto el roce
con una determinada materia cuando el sentido del tacto es el principal decodificador de
la misma, ya que es el vehículo o encargado de producir la sensación de la textura en
cuestión: suavidad, dureza, rugosidad, entre otras.
Si bien el tacto es aquel sentido que más claramente distingue una textura de otra,
existen dos tipos de textura, por un lado tenemos a la táctil y por el otro a la visual. La
táctil es aquella perceptible únicamente a través del tacto y que permite distinguir entre
materiales rugosos como puede ser un cartón, con relieve, como ser la de algún mapa
dibujado con relieves en los pertinentes accidentes geográficos, finas como el papel o
aquellas suaves, el terciopelo.
La textura, al igual que el color, la forma, el tamaño, es una cualidad o característica de
los objetos. En concreto hace referencia al acabado de las superficies de los mismos:
áspero, liso, rugoso, brillante...

Existen diferentes tipos de texturas:

1-TEXTURAS NATURALES Son las propias de la parte exterior de los seres vivos o
inertes que existen en la naturaleza. Por ejemplo: rocas ásperas, hojas nervudas.
2-TEXTURAS ARTIFICIALES Están presentes en los objetos fabricados por el
hombre. Suelen relacionarse con su utilidad, por ejemplo mango rugoso de un martillo
para una mejor sujeción. También imitan la naturaleza, con una finalidad decorativa,
por ejemplo la textura rocosa para un zócalo.
3-TEXTURAS VISUALES :La visual refiere a aquellas texturas impresas que imitan la
realidad, como puede ser el caso de la arena, la piedra o las rocas, pero además, lo que
permite la visual es la creación de texturas aunque no tengan su correspondiente versión
en la realidad.
4-TEXTURAS TACTILES: Cuando tocamos un objeto obtenemos información sobre
sus cualidades. Percibimos si es rugoso, suave, viscoso, duro, frío... Las texturas táctiles
son tridimensionales, es decir tienen volumen. La luz es un factor externo que
contribuye a una mejor percepción visual de dichas texturas. Los artistas plásticos,
escultores y arquitectos se han valido de los valores expresivos y creativos que aportan
las texturas táctiles, incorporándolas a sus obras como un elemento estético
fundamental.
5-TEXTURAS EN ESCULTURA La textura es un componente esencial de la escultura,
dotándola de expresividad y logrando nuevos efectos sobre la forma por la incidencia de
la luz sobre las texturas.

MATERIALES Y TÉCNICAS ESCULTÓRICAS

Cuando un escultor trabaja, puede usar distintos recursos; estos recursos condicionan la
manera de intervenir y transformar la materia, y por tanto el resultado de su obra. Estas
maneras de intervenir y transformar la materia hacen que se clasifiquen las técnicas
escultóricas en técnicas directas y técnicas indirectas.

Las técnicas directas

El autor realiza paso a paso cada cambio que sufre la materia, va dando forma a la
materia hasta conseguir el resultado final deseado, tomando referencias a través de sus
sentidos, principalmente referencias visuales. Es usual que el artista realice bocetos
previos, o algún tipo de cuadrícula a modo de orientación, pero no utilizará ningún
artefacto o máquina que le simplifique el trabajo de un modo mecánico. Así, de un
modo directo, el escultor va buscando la expresividad a través de la materia dejando en
ella la huella de su trabajo.

Cuando un artista modela en barro, vidrio, talla la piedra o la madera, repuja un metal,
etc. está utilizando una técnica directa.

Existen técnicas que permiten obtener formas mediante moldes, aparatos o máquinas.
Son formas que se consiguen de otro modo, mediante las técnicas indirectas.

Antiguamente, en los gremios, el escultor era el que trabajaba siempre de un modo

directo la piedra o la madera. Otros métodos se consideraban, más bien, un oficio, como
tornero, fundidor, etc.

Las técnicas indirectas

Son aquellas en las que media algún tipo de artificio o aparato entre la obra y el artista.
Normalmente esa escultura se realizará en un material diferente sobre el que finalmente
tendrá la pieza terminada.

También permiten copiar o clonar formas tridimensionales: piezas seriadas, esculturas

producidas con moldes, obras realizadas con aparatos de saca de puntos, asistidas por
computadoras, etc.

Desde la antigüedad el hombre ha intentado por un lado simplificar su trabajo, y por

otro buscar métodos para lograr la mayor precisión posible:

 Uno de los métodos más antiguos consistía en introducir la pieza que se quería
reproducir en agua. Como la pieza se sumergía parcialmente, ésta dejaba ver
parte de la figura sobre la que se hacía las comprobaciones. Este método se
llama método de la tina de agua.
 Los egipcios que cuadriculaban los dibujos y el bloque de piedra para después
tallarlo, fueron los primeros en mecanizar un sistema de reproducción en las
esculturas basado en dichas cuadrículas que permitían obtener varias
reproducciones partiendo del mismo dibujo.
 El método de la plomada ya se utilizó en la Grecia antigua. Consistía en tomar
las referencias partiendo de una plomada que permitía orientarse según las
verticales, horizontales y distintas graduaciones, fijando puntos por parámetros
trasladables.
 El método de Alberti es de época renacentista, y es parecido al anterior, pero las
dos plomadas iguales, están situadas, por medio de un brazo giratorio, en lo alto
de la figura original y en la que se va a reproducir. Consiste en tomar referencias
en la primera figura y repetirla en la segunda.
 Otro método es el método de los tres compases, que utilizados coordinadamente
permite establecer distancias y fijar puntos, así como realizar reproducciones
semejantes.
 Leonardo Da Vinci también diseñó algún artefacto a modo de jaula o caja donde
las referencias tomadas en un modelo eran fácilmente trasladables; este tipo de
cajas o jaulas fueron perfeccionándose y variando.
  Lo que supuso un cambio fue la aparición del pantógrafo: consiste en dos
brazos paralelos que se mueven a la vez, uno es el copión que se desliza sobre el
modelo y el otro acaba en la punta del instrumento que realiza la copia.

Actualmente la robótica y la tecnología permiten la copia y seriación de casi cualquier

volumen.

Las técnicas escultóricas pueden dividirse en tres grupos: aditivas, sustractivas

y constructivas.

TÉCNICAS ADITIVAS
Son aquellas en las que el material se añade poco a poco hasta conseguir la forma.
Lógicamente también se quita material sobrante, pero la característica principal es el
añadido. Además en este tipo de técnicas el material es blando mientras se trabaja,
endureciéndose por distintos procedimientos al final.
La principal técnica aditiva es el modelado
Se llama modelado a la técnica de dar forma a un material plástico, es decir, blando,
moldeable, añadiendo el material poco a poco, desde el núcleo de la forma hacia el
exterior.
El material más usado para el modelado es la arcilla pero también existen otros como la
plastilina, la cera, plasticera, la arcilla polimérica también llamada fimo, etc.

El modelado con arcilla

El modelado con arcilla se puede realizar de dos maneras
1-Realizando una pieza completamente maciza que una vez acabada hay que ahuecar.
Hay que ahuecarla porque el barro sufre una contracción durante el secado. Si la pieza
está maciza al realizarse la contracción se agrieta y se rompe porque no encuentra
espacio para contraerse. Si además vamos a realizar una terracota, es decir la vamos a
cocerla en un horno a una temperatura que ronda los 1000º vuelve a sufrir otra
contracción y si esta sin ahuecar estallará dentro del horno y habremos perdido todo el
trabajo. En total una pieza de arcilla desde que comenzamos a modelarla hasta que
acaba convertida en terracota sufre una contracción de un 15%, un 8% durante el secado
y un 7% durante la cocción.

2- Realizando un esqueleto, armadura, estructura interna.

Resulta necesario colocar una armadura interna al barro cuando la pieza que se quiere
modelar es demasiado grande o sus formas son muy alargadas y no se sujetan. Cuando
una pieza alcanza cierto tamaño el propio peso del barro tiende a aplastarla y deformarla
y si una pieza es muy fina o muy alargada por ejemplo no se sujeta sin una armadura
interna porque tiende a doblarse.

Tipos de esqueletos:
a- Armaduras flexibles.
Son aquellas que están formadas por un material flexible como por ejemplo el papel o el
plástico. Esta técnica consiste en construir un núcleo con estos materiales
recubriéndolos después con planchas de arcilla sobre las que comenzar a colocar los
volúmenes de nuestro modelado.
Con esta técnica resulta que la armadura se contrae a la vez que la arcilla y no produce
agrietamiento en la pieza durante el secado. Esta armadura se puede extraer, es decir
quitarla del modelado, pero también se puede dejar. Si se va a realizar una terracota sólo
sucedería que se quema el papel sin que le suceda nada al trabajo.
b- Armaduras rígidas
Son aquellas que están construidas con materiales rígidos como la madera, el
poliestireno, el alambre o los tubos metálicos. Esta armadura se utiliza para piezas de
grandes dimensiones o con formas muy alagadas, un brazo que sobresale, por ejemplo.
La armadura rígida se extrae difícilmente del modelado y si se deja secar el barro sobre
esta armadura se agrieta por completo inutilizando nuestro trabajo. Por eso este tipo de
armaduras se utilizan cuando al modelado le vamos a sacar un molde, de silicona o yeso
generalmente. En este caso el barro no se deja secar, se realiza el molde mientras está
húmedo y después se destruye el modelado original y nos quedamos con la copia que
surge del molde que hayamos hecho.
Por lo tanto en un modelado el barro puede ser un material definitivo si se deja secar y
se cuece en un horno transformándose en una terracota o puede ser un material
transitorio si a ese modelado le sacamos un molde y hacemos una copia en otro material
como por ejemplo yeso.

El moldeado implica hacer un molde y luego verter un material líquido (Barbotina,

Yeso, metal fundido, plástico, caucho, resinas); o semilíquido (cementos, fibra de vidrio
en el molde). Un molde es una forma hecha por este proceso. Muchas esculturas son
producidas por el artista modelando una forma (normalmente en arcilla, cera,
plasticera). Esta matriz se utiliza entonces para crear un molde a partir del cual se harán
las copias, se moldea. Una copia puede ser emitido más de una vez, lo que permite a los
artistas crear las ediciones de una obra de arte.

Las técnicas sustractivas: En esta técnica predomina la sustracción del material que
confeccionará la obra final. Se trata de eliminar aquel volumen matérico para dar forma
a la idea prevista.

CONSTRUCCIÓN Y ENSAMBLAJE
En el siglo XX surgió una nueva forma de hacer la escultura con
las construcciones cubistas de Picasso. Éstos eran todavía temas de la vida hechos de la
chatarra (encontrados) materiales pegados juntos. La escultura construida en varias
formas se convirtió en una corriente importante en el arte moderno, incluso en
movimientos como el constructivismo técnicas como el ensamblaje. Los artistas han
utilizado técnicas como doblar, plegar, coser, soldar, atornillar, atar, tejer y equilibrar
para construir esculturas a partir de una amplia variedad de materiales y objetos
encontrados.
Establecer una clasificación de las diferentes técnicas de elaboración escultórica es
realmente difícil debido a su gran variedad. A ello se suma el que en una misma
producción podemos emplear varios tipos de técnicas a la vez. Este esquema te podrá
ayudar a estructurarte las diferentes técnicas de reproducción escultórica de forma más
clara y precisa:
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