ARTES VISUALES:

CONCEPTO. Las artes visuales es toda expresión que se puede apreciar mediante el uso de la
vista para su adecuada apreciación. Pero también se la denomina artes plásticas en el sentido
originario al término “plástica” derivado del griego “plastiké” (lat. “plástica”), o arte de
modelar, y se refiere en concreto a aquella actividad escultórica que utiliza materiales blandos,
modelables por la mano, y que, por tanto, se diferencia de aquella otra escultura que deriva
del término latino “sculpere”. En sí las Artes plásticas, también denominadas Artes visuales, se
entienden una clase de Arte al mismo nivel que las Artes escénicas, las Artes musicales y las
Artes literarias. Las Artes Plásticas se diferencian de todas aquellas en su forma de expresión,
ya que utilizan materias flexibles o sólidas, moldeadas, dispuestas o modificadas de cualquier
otra forma a voluntad por el artista. Dentro de ellas existe la Arquitectura, Pintura y Escultura,
como el Grabado (se habla entonces de Artes gráficas), y algunas Artes decorativas y Artes
industriales, como la Cerámica, la Fotografía, la Alta costura o la Joyería. Si tomamos en cuenta
las definiciones de arte y plástica podemos definir las Artes Plásticas como: La expresión de los
sentimientos a través de una amplia gama de materiales, formas, líneas, colores, utilizando
para ello la pintura, la arcilla, el metal, etc., que desemboca en expresiones como Arquitectura,
Pintura y Escultura, principalmente.

CLASIFICACIÓN. Se clasifica de la siguiente manera:

DIBUJO. El Dibujo es un arte visual en el que se utilizan varios medios para representar algo en
un medio bidimensional o tridimensional. Los materiales más comunes son los lápices de
grafito, la pluma estilográfica, crayones, carbón, etc. Más que una técnica gráfica basada en el
uso de la línea, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir,
se usa la mano para realizarlo. Los materiales que se pueden usar son muchos, como también
la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como
el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando un lapicero óptico
(También conocido como Tabla o Tableta digitalizadora.) o un ratón de ordenador. Los primeros
dibujos se encuentran en las cavernas como Altamira, donde los homo erectus hicieron
grabados en las paredes representando lo que ellos consideraban importante transmitir o
expresar. Nos valemos del dibujo para representar lo que tenemos en la mente y que no
podemos expresar detalladamente con palabras.

PINTURA. En Bellas Artes, la pintura artística es el arte de la representación gráfica utilizando

pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean
técnicas de pintura como la teoría del color. La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y
sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para
pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o situación en la
que este se encuentre. Es el color presentado en una obra y puede ser de distintas naturalezas
ya sean orgánicos y biodegradables, solubles en agua, de base aceitosa, etc.

ESCULTURA. Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros
materiales, figuras en volumen. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa
creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla
y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería.

GRABADO. El grabado es el arte que produce una estampa mediante la obtención previa de
una plancha o matriz. Los procedimientos para su realización pueden ser muy diversos, si bien
son dos los fundamentales y más usados: el grabado en madera y el grabado en cobre.
Entendemos por grabado el resultado del trabajo realizado sobre una superficie de madera o
metal, llamada plancha, por medio de instrumentos cortantes, punzantes o de ácidos que
atacan la superficie metálica. Grabar es dibujar sobre una materia dura con incisiones,
mediante una punta, buril, cincel, etc. Se entiende que un grabado es la matriz. El resultado es
la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la imagen por medio de la
tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada entintada y ejercer presión con un
tórculo o una prensa vertical. La estampa también se suelen nombrar prueba, vocablo muy
usual, en los talleres. Los grabados son obras de arte que tienen la particularidad de ser
originales múltiples. El grabado original es la impresión en el papel de la imagen matriz. Un
número en cada grabado indica la cantidad de ejemplares impresos y el orden que ha
correspondido a cada uno de ellos en la impresión.

 Las técnicas del grabado pueden agruparse en cuatro categorías:

 De relieve (procesos mecánicos): Xilografía y Linóleo.
 De incisión (procesos mecánicos): Buril y Punta seca.
 De recorte (Esténcil): Serigrafía.
 De superficie (Proceso químico): Litografía.

CERÁMICA. La cerámica es ciencia, tecnología y tradición elaborada a base de arcilla cocida.

Parte de la cerámica, son las vasijas y otros objetos hechos de arcilla endurecida por
cocimiento en horno. La naturaleza y el tipo de la cerámica están determinados por la
composición de la arcilla, el método de su preparación, la temperatura a la que se ha cocido y
los barnices que se han utilizado. Se distingue de la porcelana por ser porosa y opaca. Como se
cuece a temperatura más baja que ésta no llega a vitrificar. El término alfarería se suele
emplear para designar a la cerámica primitiva o de carácter popular, generalmente de uso
doméstico.

Arcilla. En el diccionario, una de las definiciones que encontramos de arcilla es: "sustancia
mineral plástica compuesta principalmente de silicatos de aluminio hidratados". Las distintas
arcillas se formaron, primero a partir de la descomposición de las formaciones rocosas y, por la
acción de distintos factores, presión tectónica, movimientos sísmicos, distintos tipos de
erosión, etc., y segundo por la adquisición, durante el viaje hasta su lugar de sedimentación, de
diferentes impurezas de origen mineral; por lo tanto, dependiendo de las características de la
roca de origen, existen innumerables tipos de arcillas, cada una de las cuales posee unas
propiedades particulares. Entre sus componentes básicos debemos destacar las materias
plásticas como el caolín y la arcilla y, los no plásticos o antiplásticos, como el cuarzo, la arena o
la pegmatita, que prestan un papel fundamental en el proceso de transformación de los
materiales dentro del horno, actuando como fundentes.

DISCIPLINAS ARTÍSTICAS.

Las disciplinas artísticas se clasifican dentro de la enseñanza del área de arte en cuatro
componentes:

 Las Artes Visuales.

 La Música.
 La Danza y
 El teatro.

ARTES VISUALES

Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios. Denominada a veces como el “arte

del espacio”, la arquitectura es un proceso técnico y de diseño que procura mediante diversos
materiales la construcción de estructuras que organizan el espacio para su utilización por el ser
humano.

Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Incluye actividades como el
maquillaje, el vestuario, la peluquería, el tatuaje, el piercing, etc.

Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el vídeo o la informática, vinculado a
menudo a las instalaciones, o que utiliza diversos soportes, como Internet.

Arte efímero: es el que tiene una duración determinada en el tiempo, ya que en la génesis de
su concepción estriba ya el hecho de que sea perecedero. Incluye diversas formas de arte
conceptual y de acción, como el happening y la performance. También engloba diversas
actividades como la gastronomía, la perfumería, la pirotecnia, etc. Un punto esencial de este
tipo de actividades es la participación del público.

Artes decorativas o aplicadas: término aplicado preferentemente a las artes industriales, así
como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el de generar una obra única y
diferenciada, sino que buscan una finalidad decorativa y ornamental.

Artes gráficas: son las que se realizan por medio de un proceso de impresión; así, son artes
gráficas tanto el grabado como la fotografía, el cartelismo o el cómic, o cualquier actividad
artística que utilice un medio impreso. En su realización intervienen, por un lado, la creación de
un diseño y, por otro, su traslado a un determinado sustrato –como el papel–. Las artes gráficas
aparecieron con la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg hacia 1450, agrupando
todos los oficios que se relacionaban con la impresión tipográfica. Más tarde, la necesidad de
generar impresiones de mejor calidad propició la aparición de pre prensa o fotomecánica.

Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial o artesanal pero
persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la elaboración de determinados
objetos como vestidos, viviendas y utensilios, así como diversos elementos de decoración.
Muchas artes decorativas son también industriales.

Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener un carácter
artesanal o industrial. Engloba diversas actividades como la cerámica, la corioplastia, la
ebanistería, la forja, la jardinería, la joyería, el mosaico, la orfebrería, la tapicería, la vidriería,
etc.

Cinematografía: técnica basada en la reproducción de imágenes en movimiento, el cine surgió

con el invento del cinematógrafo por los hermanos Lumière en 1895. Si bien en principio
únicamente suponía la captación de imágenes del natural, como si fuese un documental,
enseguida la cinematografía evolucionó hacia la narración de historias mediante la utilización
de guiones y procesos técnicos como el montaje, que permitían rodar escenas y ordenarlas de
forma que presentase una historia coherente.

Dibujo: representación gráfica realizada por medio de líneas, trazos y sombras, elaborados
mediante lápiz, pluma u objetos similares. El dibujo está en la base de casi cualquier obra
artística, pues la mayoría de obras pictóricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el
lienzo, sobre el que posteriormente se pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas
primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados. Aparte de esto, el
dibujo tiene una indudable autonomía artística, siendo innumerables los dibujos realizados por
la mayoría de grandes artistas a lo largo de la Historia.
Diseño: es la traza o delineación de cualquier elemento relacionado con el ser humano, sea un
edificio, un vestido, un peinado, etc. Utilizado habitualmente en el contexto de las artes
aplicadas, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas, el diseño se define como el
proceso previo de configuración mental de una obra, mediante esbozos, dibujos, bocetos o
esquemas trazados en cualquier soporte. El diseño tiene un componente funcional y otro
estético, ha de satisfacer necesidades pero ha de agradar a los sentidos. Comprende multitud
de disciplinas y oficios dependiendo del objeto a diseñar y de la participación en el proceso de
una o varias personas o especialidades.

Escultura: es el arte de modelar figuras en volumen, mediante diversos materiales como el

barro, la piedra, la madera, el metal, etc. Es un arte espacial, donde el autor se expresa
mediante volúmenes y formas dimensionales. En la escultura se incluyen todas las artes de
talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería..

Fotografía: es una técnica que permite capturar imágenes del mundo sensible y fijarlas en un
soporte material –una película sensible a la luz–. Se basa en el principio de la cámara oscura,
con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una
superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentado su nitidez. La
fotografía moderna comenzó con la construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé
Daguerre, a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su
captación y reproducción. Pese a tomar sus imágenes de la realidad, la fotografía fue enseguida
considerada un arte, pues se reconoce que la visión aportada por el fotógrafo a la hora de
elegir una toma o encuadre es un proceso artístico, realizado con una voluntad estética.

Grabado: el grabado es una técnica de elaboración de estampas artísticas mediante una

plancha de madera o metal trabajada según diversos procedimientos: aguafuerte, aguatinta,
calcografía, grabado al buril, grabado a media tinta, grabado a punta seca, linograbado,
litografía, serigrafía, xilografía, etc.

Historieta: la historieta o cómic es una representación gráfica mediante la cual se narra una
historia a través de una sucesión de viñetas, en las que mediante dibujos –en color o blanco y
negro– y textos enmarcados en unos recuadros llamados “bocadillos” se va presentando la
acción narrada, en un sentido lineal. Derivada de la caricatura, la historieta se desarrolló a
partir del siglo XIX sobre todo en medios periodísticos, en tiras insertadas generalmente en las
secciones de entretenimiento de los periódicos, aunque pronto adquirieron autonomía propia
y empezaron a ser editadas en forma de álbumes. Aunque comenzó dentro del género
humorístico, posteriormente aparecieron historietas de todos los géneros, alcanzando gran
éxito a nivel popular durante el siglo XX.

Pintura: es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color

sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural
(fresco, temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su
género (retrato, paisaje, bodegón, etc). La pintura ha sido durante siglos el principal medio
para documentar la realidad, el mundo circundante, reflejando en sus imágenes el devenir
histórico de las distintas culturas que han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus
costumbres y condiciones materiales.

Artes escénicas

Danza: la danza es una forma de expresión del cuerpo humano, que consiste en una serie de
movimientos rítmicos al compás de una música –aunque esta última no es del todo
imprescindible–. Entre sus modalidades figura el ballet o danza clásica, aunque existen
innumerables tipos de danzas rituales y folklóricas entre las diversas culturas y sociedades
humanas, así como infinitud de bailes populares. Las técnicas de danza requieren una gran
concentración para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en la flexibilidad, la
coordinación y el ritmo.

Teatro: es un arte escénico que tiene por objetivo la representación de un drama literario, a
través de unos actores que representan unos papeles establecidos, combinado con una serie
de factores como son la escenografía, la música, el espectáculo, los efectos especiales, el
maquillaje, el vestuario, los objetos de atrezzo, etc. Se realiza sobre un escenario, siendo parte
esencial de la obra el dirigirse a un público. El teatro puede incluir, en exclusiva o de forma
combinada, diversos tipos de modalidades escénicas, como la ópera, el ballet y la pantomima.

ARTES MUSICALES

Canto coral: es el realizado por un grupo de voces, bien masculinas o femeninas, o mixtas, que
interpretan una canción o melodía de forma conjunta, aunando sus voces para ofrecer una sola
voz musical. Entre las diversas formas de canto coral figura el canto gregoriano.

Música sinfónica: la música es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación

coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la
armonía y el ritmo. En su vertiente sinfónica, se considera que es la música instrumental
interpretada por una orquesta formada por los principales instrumentos de viento (madera y
metal), cuerda y percusión.
Ópera: es un arte donde se combina la música con el canto, sobre la base de un guion (libreto)
interpretado según los principios de las artes escénicas. La interpretación es realizada por
cantantes de diversos registros vocales: bajo, barítono, tenor, contralto, mezzosoprano y
soprano.

ARTES LITERARIAS

Narrativa: es el arte de escribir en prosa, recreando en palabras sucesos reales o ficticios, que
el escritor dispone de forma adecuada para su correcta comprensión por el lector, con
finalidades informativas o recreativas, expresadas con un lenguaje que puede variar desde un
aspecto descriptivo hasta otro imaginario o de diversa índole. Entre las diversas formas de
narrativa se encuentran la novela y el cuento.

Poesía: es una composición literaria basada en la métrica y el ritmo, dispuesta a través de una
estructura de versos y estrofas que pueden tener diversas formas de rima, aunque también
pueden ser de verso libre. Su contenido puede ser igualmente realista o ficticio, aunque por lo
general la poesía siempre suele tener un aspecto evocador e intimista, siendo el principal
vehículo de expresión del componente más emotivo del ser humano.

Drama: es una forma de escritura basada en el diálogo de diversos personajes, que van
contando una historia a través de la sucesión cronológica y argumental de diversas escenas
donde se va desarrollando la acción. Aunque tiene un carácter literario autónomo,
generalmente está concebido para ser representado de forma teatral, por lo que el drama está
íntimamente ligado a las artes escénicas.

ELEMENTOS CONSTITUTIVOS DE LAS ARTES VISUALES:

LÍNEA. La línea es la sucesión de puntos, por lo que el punto según Wassily Kandinsky, es el
elemento plástico básico. Siguiendo sus conceptos el punto en plástica no es un ente material,
sino que al reclamar una cierta superficie sobre el plano, se materializa, posee límites, sus
tensiones internas y comienza a vivir como ente autónomo; en él se encuentra el embrión de la
línea y el plano, pero se lo percibirá como punto si en relación con el plano que lo contiene y
los elementos que lo rodean, su tamaño es adecuado a la percepción de un punto. Su forma
externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características
geométricas, etc. Constituye el ‘sonido’ elemental de la plástica y con sólo un punto sobre el
plano éste ya comienza a expresarse estructuralmente. Tipos de línea que existen son:
Horizontal Vertical Diagonal Ondulada
Quebrada o aserrada

COLOR.

El color es una experiencia sensorial que se produce gracias a tres factores:

Una emisión de energía luminosa. El color está directamente relacionado con la luz ya que,
como es evidente, sin luz no se perciben los colores. Incluso, aunque exista luz en nuestro
entorno, dependiendo de sus características, tendremos distintas apreciaciones de los colores
de los objetos.

La modulación física que las superficies de los objetos hacen de esa energía.

La participación de un receptor específico: la retina. El ojo humano contiene tres tipos distintos
de receptores del color, que son sensibles a la luz roja, verde y azul Red, Green and Blue

FORMA. La forma es un elemento a medio camino entre lo perceptivo y la representación. Un

avión, por ejemplo, puede tener apariencias muy diversas o ser percibido desde puntos de
vista diferentes. En cualquier caso, su estructura sigue siendo en todos los casos la misma.
Gracias a esa forma estructural reconocemos sin problemas todos los tipos de aviones y todas
las vistas parciales de cada uno de ellos y nuestra percepción no es engañada por las
apariencias de los casos individuales. Para que la forma sea arquetípica (es decir sirva como
ejemplar, prototipo o modelo) es necesario que cuente con el número suficiente de rasgos que
salvaguarden la identidad del objeto. Por este motivo, la representación arquetípica exige: (a)
simplicidad y fácil reconocimiento y (b) una adecuación realista al significado que quiere
expresar (difícilmente una hiena podría ser alguna vez un símbolo de paz por sus propias
características biológicas y zoológicas).
MATERIALES NO CONVENCIONALES.

Los materiales no convencionales es el aprovechamiento de los recursos en desuso (reciclaje),

así como los naturales para la expresión y apreciación artística.

RECICLABLES: PLÁSTICOS, VIDRIO, TELAS, ALGODÓN, ETC.

Plásticos. Se pueden realizar trabajos de bricolaje, como texturados y collage sobre cartulinas.

Vidrio. Se puede usar para realizar simples mosaicos, teniendo cuidado en el uso de la
cortadora y el lijado respectivo para no afectar y evitar accidentes.

Telas. Las telas se pueden usar para realizar collages con cola sintética sobre cartulina.

Algodón. Se usa mayormente en el collage, como medio de expresión de barbas y de nubes.

También se puede trabajar de manera mixta usando arena, tela y algodón, obteniendo
excelentes paisajes.

NATURALES: HOJAS, ARENA, PIEDRA, TINTES NATURALES, ETC.

Hojas. Las hojas de plantas se pueden hacer secar para realizar hermosos collages, o floreros
con flores secas sobre cartulina.

Arena. La arena es un elemento muy importante para experiencias de texturados en pintura

rupestre.

Piedra. Se puede acompañar para la realización de collages y otros tipos de expresiones en lo

que se refiere en collage.

Tintes naturales. Los tintes naturales se pueden usar para realizar trabajos artísticos de
paisajes y de otros medios.

Mixtos. En la combinación de papeles y otros elementos se puede obtener trabajos exclusivos

para la expresión artística.

En esta etapa se puede realizar trabajos relacionados con collages de materiales, adecuando
para ello diferentes materiales de acuerdo al contexto en el cual se desarrolle la actividad
educativa, es importante considerar ello para evitar confusiones en cuanto al desarrollo de la
creatividad como elemento esencial en el arte

DIBUJO BÁSICO.

Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se
trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto
que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es
el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos
que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de
toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un
objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la
limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la
estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento
abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte
independiente.

LINEAL Y GEOMÉTRICO.

En este proceso se puede utilizar materiales que estén a nuestro alcance, como prácticas en las
Así como el logro de dibujos mediante el esmalte sintético.

ESTUDIO BÁSICO DE LOS COLORES:

La naturaleza plástica del color. Existen dos naturalezas cromáticas:

Color del prisma o color-luz, que es el resultado de una síntesis aditiva (suma de radiaciones de
distinta longitud de onda) de diferentes proporciones de azul, rojo y verde. Es el caso de la TV o
los sistemas de vídeo que son capaces de "generar" luz.
ROJO + VERDE = AMARILLO (Amarillo Cadmio) VERDE + AZUL = CIAN (Azul Cian)

ROJO + AZUL = MAGENTA (Rojo Magenta)

Color de la paleta (color-pigmentario o color-materia). Estamos hablando de materias

coloreadas que actúan como filtros de luz. Es el caso de los colores que se plasman en el papel
o el lienzo, ya que estos soportes reflejan la luz en vez de generarla. Así, por ejemplo, las
impresoras de color utilizan combinaciones de colores de forma sustractiva, o sea restando
colores en capas superpuestas. Los colores son obtenidos por sustracción a partir del azul cian,
el rojo magenta y el amarillo cadmio. (CMY: Cian, Magenta and amarillo). De tal modo que:

•Si una luz blanca incide sobre una superficie amarillo cadmio, refleja el ROJO y el VERDE
anulando el AZUL.

•Si una luz blanca incide sobre una superficie azul cian, refleja el AZUL y el VERDE anulando el
ROJO.

•Si una luz blanca incide sobre una superficie rojo magenta, refleja el ROJO y el AZUL anulando
el VERDE.

PRIMARIOS. Se considera color primario al color que no se puede obtener mediante la mezcla
de ningún otro. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta biológica de las células
receptoras del ojo humano (conos) ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus
interferencias, y es dependiente de la percepción subjetiva del cerebro humano.

Blanco (neutro) Amarillo Rojo Azul Negro (neutr

SECUNDARIOS. Los colores secundarios son tonalidades perceptivas de color, que se obtienen
mezclando a partes iguales los colores primarios, de dos en dos. Los colores secundarios son un
modelo idealizado, plenamente dependiente de la fuente que represente el color, de la
naturaleza del material que lo genere y de las características subjetivas de la percepción visual

TERCIARIOS. Son los colores obtenidos de la combinación de un primario y un secundario,

variando su tonalidad de acuerdo a la intensidad del matiz tona
 TEATRO

CONCEPTO. El teatro (del griego θέατρον theatrón 'lugar para contemplar') es la rama del arte
escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando
una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el
género literario que comprende las obras concebidas para un escenario, ante un público. El Día
del Teatro se celebra el 27 de marzo. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el
teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, la ópera china y la pantomima.

HISTORIA DEL TEATRO.

Los orígenes históricos del teatro están asociados a la evolución de los rituales relacionados
con la caza y con la recolección de frutos y alimentos propios de la agricultura, que
desembocaron en ceremonias dramáticas a través de las cuales se rendía culto a las
divinidades. Estos rituales también sentaban y reflejaban los preceptos espirituales del grupo
social. De todas formas, fue recién en la Grecia Clásica, cuando esta idea religiosa fue llevada a
la perfección. Se crearon entonces las representaciones teatrales, donde la coreografía, la
música, la recitación y el texto formaban un equilibrio inigualable. Entre los fundadores del
teatro tal cual hoy lo concebimos se encontraron los creadores de las tragedias, tales como
Esquilo, Sófocles y Eurípides, y de la comedia, género del que siempre ha resaltado Aristófanes.
En dicha época tanto comedia como tragedia permitía expresar ideas políticas, sociales y
religiosas, necesarias para entender el tiempo en el que se vivía. En el Antiguo Egipto (a
mediados del segundo milenio antes de Cristo), por ejemplo, solían representarse dramas con
la muerte y la resurrección en Osiris. Ya por entonces se utilizaban disfraces y máscaras en las
dramatizaciones. A partir del Siglo XVI el teatro comenzó a alcanzar una gran popularidad en
todo el mundo, surgiendo carros ambulantes que ofrecían espectáculos teatrales y anfiteatros
creados con el mismo fin. En este período surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar
valores y elementos populares realzando la importancia de lo relativo a la patria. El español
ocupa un lugar importante en este tipo de teatro y en él destacan las figuras de Lope de Vega,
Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en Inglaterra y Francia el teatro popular cobra
gran importancia donde destacaron las obras de Shakespeare y de Corneille, Racine y Molière,
respectivamente.

De este modo, el teatro es una de las disciplinas artísticas que puede identificarse con el
tiempo en el que vive. Las obras teatrales responden al período en el que fueron creadas y
permiten conocer a fondo los aspectos sociales, culturales y políticos que rodeaban la vida de
su autor.

ELEMENTOS TÉCNICOS DEL TEATRO.

La producción de teatro y la gestión de estos espectáculos en vivo es una profesión poco

conocida y en ocasiones mal interpretada y relacionada con conceptos inadecuados. La
mencionada producción escénica surge por la necesidad de un determinado espectáculo
artístico el cual requiere una gestión adecuada junto con la planificación necesaria de sus
propios recursos para así poder conseguir como resultado final la mayor rentabilidad de los
mismos.

Entre los elementos técnicos tenemos:

1. Texto dramático. Es la parte literaria del teatro. Sobre él se estructura la

representación. Son fundamentales tres elementos dentro del contenido dramático: el espacio
en el que se desarrollan los acontecimientos, el tiempo y la acción principal.

2. Actores. Dan vida a los personajes.

3. Espacio teatral. Espacio físico donde se desarrolla la representación. No exige,

forzosamente, un escenario preparado.

4. Público. El éxito del hecho teatral se produce a través de la ³química´ o coincidencia

entre actores y público en un mismo estado de ánimo.

5. Director. Estudia la obra en su totalidad y coordina el funcionamiento del elenco

teatral.

6. Autor del texto. El creador del texto dramático, el escritor.

7. Elementos escénicos. Decorado, escenografía, luces, efectos sonoros, etc. Contribuyen

a crear la ilusión de realidad y dar vida al texto dramático.

8. Personal del teatro.

EXPRESIÓN CORPORAL.
La expresión corporal o lenguaje del cuerpo es una de las formas básicas para la comunicación
humana; ya que muchas personas lo utilizan para el aprendizaje. Como material educativo, la
expresión corporal se refiere al movimiento, con el propósito de favorecer los procesos de
aprendizaje, estructurar el esquema corporal, construir una apropiada imagen de sí mismo,
mejorar la comunicación y desarrollar la creatividad. Su objeto de estudio es la corporalidad
comunicativa en una relación: estar en movimiento en un tiempo, un espacio y con una energía
determinada. Las estrategias para su aprendizaje se basan en el juego, la imitación, la
experimentación y la imaginación. Estos procesos son los que se ponen en juego para el
desarrollo de la creatividad expresiva aplicada a cualquiera de los lenguajes. Como tal, ofrece a
los educadores una amplia gama de posibilidades en su trabajo específico. Como expresión
artística se basa en la forma en que se interpreta emociones por medio de nuestros
movimientos: inconsciente y conscientemente, se caracteriza por la disciplina que lleva a
expresar emociones. El propósito principal es sentir libertad en la ejecución de cada
movimiento artístico basado en los sentimientos que quieren expresar, ejemplo: si se quiere
hacer una ejecución de éstas, se utiliza la creatividad para inventar formas y movimientos,
además de que tienen que sentirse en completa libertad. Por último es la corporación, que se
utiliza como la única comunicación a través de los movimientos del cuerpo. Siempre debemos
estar seguros de nosotros mismos. Nos sirve para poder comunicarnos sin usar el lenguaje oral
como con las personas con discapacidades auditivas y visuales, que utilizando sus manos
logran un muy efectivo medio de comunicación. El lenguaje del cuerpo no es una ciencia
exacta. A veces los gestos o movimientos de las manos o los brazos pueden ser una guía de sus
pensamientos o emociones subconscientes, pero a menudo esos indicios son erróneos. Las
señales no verbales se usan para establecer y mantener relaciones personales, mientras que
las palabras se utilizan para comunicar información acerca de los sucesos externos. Se pueden
realizar imitaciones de aves y animales para expresar movimientos, caminatas de niños,
jóvenes, ancianos, mujeres y varones.

En el teatro se define de esta manera:

En la representación teatral se podría prescindir de todos los sistemas de signos auditivos y de

casi todos los visuales, menos de la acción; el actor es el encargado de llevarla a cabo, por lo
que la expresión corporal es esencial en la representación.

EXPRESIÓN VOCAL.
Con la expresión vocal en la escuela se pretende potenciar el desarrollo de aquellas
capacidades que se refieren al descubrimiento y utilización de las posibilidades de la voz tanto
para hablar como para cantar. El canto se convertirá en la principal actividad musical. A estas
edades se debe favorecer las actividades del canto. Cualquier niño o niña puede cantar y tiene
derecho a cantar.

CUALIDADES DE LA VOZ.

Son básicamente cuatro: altura (Tono), intensidad (volumen), tiempo y timbre (armónicos). Las
mismas que del sonido

1. Altura (Tono): Es la cualidad verbal y no verbal de la voz, fundamental en la

comunicación, ya que con él, además de obtener información de la “altura musical” que puede
alcanzar y sus cualidades (agudo, central o grave), nos informa mucho sobre su expresión,
sobre las emociones que le acompaña, sobre lo que quiere o intenta expresar. Es evocador e
informador.

2. Intensidad (o volumen). Hace referencia a la fuerza y el volumen acentual. Lo fuerte o

suave de su sonido. Se puede clasificar básicamente en “piano”, “medio”, “forte”. Aunque hay
ocho clasificaciones que van de piano pianissimo a forte fortissimo

3. Tiempo (mide el tiempo de duración del sonido y la velocidad que alcanza). Lento,
normal, rápido y andante.

4. Timbre. Es la “huella digital de la voz”, no hay dos iguales. La cualidad que confiere al
sonido los armónicos que acompañan a la frecuencia fundamental, lo intrínseco de cada voz.
Difícilmente se puede modificar o cambiar, pero si potenciar o mejorar. Puede ser normal, claro
(predominio de armónicos agudos), falsete, oscuro (predominio de armónicos graves), gutural,
opaco etc.

JUEGOS DE INICIACIÓN DRAMÁTICA.

El juego dramático es un juego en el que se combinan básicamente dos sistemas de

comunicación: el lingüístico y la expresión corporal. Este juego puede estar en dos bloques.

Objetivos:

 Ejecutar la expresión lúdica.

  Desarrollar la facultad de imitación.
 Experimentar las posibilidades básicas del propio juego (movimiento, sonido, ruido,
mueca, ademán, etc.)
 Afianzar el dominio personal.
 Desarrollar la memoria.
 Juegos de observación y memoria: los señala como muy indicados para una práctica
controlada de léxico. Ejemplo: el poner objetos sobre una mesa, cubrirlos y recordar o
describir sus nombres.
 Juegos de deducción y lógica: los señala como apropiados para practicar el pasado y
apunta como ejemplo dar el final de una historia para que los estudiantes la completen
haciendo preguntas. En realidad, pensamos que esta es más una técnica de
creatividad, a la que podríamos sumar otras como dar el principio de una historia y que
la completen, presentar una historia y que cambien el final, que nombren a los
personajes de otra manera, que propongan profesiones para ellos, que cambien la
historia de época.
 Juegos con palabras: el Plan los propone para actividades orales y escritas, e introduce,
como ya hemos dicho antes, trabalenguas, chistes, adivinanza, pero mucho ha de
depender de la diversificación del docente y el contexto real. Da el ejemplo del juego
de la palabra encadenada, que es una técnica que está en la poesía española de autor
y tradicional, como por ejemplo: esta es la llave de Roma y toma/ en Roma hay una
calle/ en la calle hay una casa/ en la casa hay un patio…etc.
 Juego de Palabras: Buscar adjetivos para esa palabra, en primer lugar determinaríamos
qué clase de lápiz es y posteriormente estableceríamos dos grupos de adjetivos: uno
de la vida real y otro de la imaginación: lápiz azul/lápiz volador

EJERCICIOS PLÁSTICOS Y VOCALES.

El lenguaje

Los ejercicios orales y motores nos pueden ayudar a fortalecer la toma de conciencia del uso
funcional de los labios, la lengua, la mandíbula y los dientes. A través de la exploración e
improvisación vocal, ejercicios de respiración y el canto (como toma de conciencia de las
posibilidades vocales) equivale a una preparación que ayuda a la adquisición del lenguaje. La
unión del canto con la danza y la expresión instrumental constituyen experiencias musicales
enriquecedoras afectivas y emocionales.
2. Desarrollo social y emocional

A través de las actividades musicales se pude llegar a aprender a ser un miembro del grupo, ya
que las propuestas de canto, de movimiento y danza, de tocar instrumentos pueden enseñar a
los niños y niñas a tolerar la presencia y el contacto físico con otras personas, distinguiendo
entre uno mismo y los otros, a la vez que practican conductas sociales. El hecho de mirarse y
escucharse unos a otros en círculo, tocar instrumentos juntos y cogerse de las manos son
logros muy importantes en el crecimiento emocional.

3. Desarrollo del concepto cognitivo

La utilización de canciones en el entorno educativo nos puede ser útil para enseñar habilidades
y conceptos a los niños y niñas. Al ser la música un elemento motivador para los niños/as, se
puede utilizar como portadora de información no musical. También en el aprendizaje de
conceptos específicos como: clasificar, asociar, reconocer, identificar, memorizar. Y también en
el desarrollo de la memoria motriz al acompañar la producción de canciones.

4. Desarrollo psicomotor

A través de actividades de exploración sonora de los instrumentos escolares, al tocarlos de

todas las maneras posibles, podemos trabajar la integración sensorial a nivel auditivo, visual y
táctil. Las actividades de imitación corporal desarrollan la toma de conciencia de su cuerpo y
estimulan el movimiento. Todas estas actividades especialmente las rítmicas ayudan al
desarrollo de las habilidades básicas de los movimientos como: andar, correr, trotar, galopar…

CUENTO VIVO. En esta etapa se realizará actividades relacionadas con el primer grado de
secundaria, y se puede representar cuentos de la localidad con la indumentaria necesaria, para
de esa manera desarrollar las potencialidades expresivas y creativas de los estudiantes.

NARRACIÓN DE CUENTOS. En esta parte los niños o jóvenes comienzan narrando cuentos
asignados con anticipación, consideramos importante la creación de cuentos de la localidad
con la finalidad de poder encontrar nuevos aspectos para ser representados y si es posible en
el Idioma Quechua.

REPRESENTACIONES DEL TEATRO DE TÍTERES.

Teatro de títeres, Teatro de marionetas o simplemente Títeres es el término que, en el teatro,
la presentación con títeres, marionetas o muñecos para manipular, especialmente aquellos en
los que el escenario, cortinas, decorados y otros caracteres propios se construyen
especialmente para la presentación.

Historia

Teatro de títeres británico en 1770.El Teatro de Títeres es una antigua forma de expresión
artística cuyos orígenes se remontan 3.000 años atrás. Desde entonces, los muñecos fueron
utilizados para animar y comunicar ideas y necesidades de las diversas sociedades humanas.

Algunos historiadores sostienen que su uso anticipó a los actores en el teatro. La evidencia
muestra que su aplicación se llevó a cabo en Egipto unos 2.000 antes de Cristo con el uso de
figuras de madera manipulables con una cuerda. Algunos muñecos articulados de marfil
también fueron encontrados en tumbas egipcias. Incluso algunos jeroglíficos describen
"estatuas de pie" utilizadas por los antiguos egipcios en dramas religiosos.

TÉCNICAS DE MANIPULACIÓN

Robótica - la manipulación con el uso de la tecnología moderna.

Títeres habitable - el muñeco está vestido por el manipulador.

Asociación de gatillo - el muñeco se tira con el personal técnico de origen chino. Se utiliza para
recoger, lo que permite al actor trabajar con grandes figuras, pero con las manos libres para el
uso del acelerador y el palo.

Guante de Mamulengo - el guante es uno de los tipos de manipulación directa, es decir, el

artista está directamente relacionado con el títere. La palabra "Mamulengo" es una referencia
a una alegría de Pernambuco.

Objetos - incorporando elementos de construcción narrativa.

Títeres de varilla - que se remontan desde China, con un gran número de barras en cada
muñeco para aumentar las posibilidades de movimiento.

TEATROS FAMOSOS

 Teatro guiñol, modo francés.

 Teatro de Títeres de Agua, en Vietnam.
 Teatro de Marionetas de Sicilia.
  Teatro de Títeres de Lübeck.

CONFECCIÓN Y MANEJO DE TÍTERES.

Se confeccionan títeres de papel maché con engrudo pintado con pintura de pared, o de lo
contrario se puede optar por el títere de sombras. Incluso si no existiere la posibilidad de usar
recursos sofisticados las manos es un buen elemento para realizar este tipo de actividades.

APRECIACIÓN ESTÉTICA TEATRAL.

Se representan cuentos con títeres o sombras, en un espacio establecido.

DANZA

CONCEPTO. La danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del
cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines
de entretenimiento, artístico o religioso. La danza, también es una forma de comunicación, ya
que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa
sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos. Se realiza mayormente con
música, ya sea una canción, pieza musical o sonidos y que no tiene una duración específica, ya
que puede durar segundos, minutos, u horas. Dentro de la danza existe la coreografía, que es el
arte de crear danzas. La persona que crea coreografía, se le conoce como coreógrafo. La danza
puede bailarse con un número variado de bailarines, que va desde solitario, en pareja o grupos,
pero el número por lo general dependerá de la danza que se va a ejecutar y también de su
objetivo, y en algunos casos más estructurados, de la idea del coreógrafo.

CLASIFICACIÓN POR SU PROCEDENCIA GEOGRÁFICA E HISTÓRICA. GÉNEROS DE DANZA

La danza ha ido evolucionado en muchos estilos, desde la Danza Académica o Ballet, hasta el
Breakdance y el Krumping. Las definiciones que constituyen a la danza dependen de factores
sociales, culturales, estéticos, artísticos y morales, así como también del rango de movimiento
funcional (como la danza folclórica) hasta las técnicas virtuosas (como el ballet). Cada danza,
no importa el estilo, tienen algo en común, ya que en la mayor parte de los casos implica tener
flexibilidad y movimiento del cuerpo, así como condición física.

Clásicos

Principalmente llevan movimientos y elementos armoniosos, suaves y coordinados. Estos

bailes se practican desde épocas pasadas hasta hoy en día.

 Ballet
 Danza Medieval, Barroca, Renacentista
  Danza contemporánea
 Ballet contemporáneo

Tradicionales y folklóricos

Las danzas folclóricas son danzas que por lo general pertenecen a la cultura y etnia de una
región, país o comunidad y pertenecen a la cultura popular.

 Bailes de salón
 Tango
 Charlestón
 Danza Árabe
 Baile de las Cintas
 Danza del Garabato
 Huella
 Diablada de Oruro
 Danza clásica jemer

Modernos

 Cueca
 Bacchu-ber
 Danza griega
 Bharatanatyam
 Danza azteca
 Gomba
 Diablada puneña
 Lakalaka

Son bailes que han sido de gran demanda en las últimas décadas, sobre todo por el público
juvenil. Muchos de ellos han sido usados principalmente por cantantes como parte de su
carrera en conciertos, presentaciones, espectáculos o videos musicales.

 Jazz  Rock n' Roll

 Breakdance  Para para
 Salsa  Moonwalk
  Jumpstyle  Popping
 Pole dance
 Hardstep
 Hustle

LAS DANZAS EN EL PERÚ. Las danzas del Perú son los bailes cuyo origen o transformación han
ocurrido en el territorio peruano con elementos de danzas e instrumentos provenientes
principalmente de la fusión de las culturas americanas, africanas e hispánicas.

Danzas carnavalescas

Son las danzas que se ejecutan durante la fiesta de los carnavales, generalmente toman el
nombre del lugar en donde se bailan aunque existen algunas que llevan nombre propio. Estas
danzas coinciden con la época de cosechas en la zona andina, por lo cual en algunos casos van
mezclados con ritos ancestrales y danzas que representan la iniciación de los jóvenes.
Ejemplos:

 Carnaval de Juliaca
 Carnaval de Cajamarca
 Carnaval ayacuchano
 Carnaval Abanquino
 Kashua
 Tarkada

Danzas ceremoniales

Son las danzas ligadas a ceremonias o rituales que pueden estar ligados a actividades
comunales como el riego, la cosecha o la siembra; o que conmemoran algún hecho de la
historia de alguna región. Estas danzas suelen contener escenas teatrales o representaciones.
Ejemplos:

 La Huaconada de Mito
 La danza de las tijeras

Danzas religiosas

Son danzas ligadas al culto religioso y que se ejecutan durante las fiestas patronales católicas,
en su gran mayoría son producto del sincretismo religioso entre las culturas europea y andina.
Ejemplos:

 La Danza de Negritos en Chincha, ligada a la navidad afroperuana.

  El pacasito en Piura, danza de la fiesta religiosa del señor de Ayabaca.
 El Qhapaq chuncho en el Cusco, danza ligada a las fiestas religiosas del Cusco (Señor de
Qoylloriti, Corpus Cristi y el señor de Choquequilca).

Danzas de salón

Son danzas de parejas que actualmente se bailan en todo tipo de festividades.

 El Vals peruano
 La polka peruana
 La marinera, danza de carácter amoroso que representa el galanteo de una pareja.
 Danzas de guerra

Destacan por representar algún tipo de combate o lucha. Algunos ejemplos son:

 El chiriguano, de orígen aymara.

 Chatripuli, que satiriza a los soldados españoles durante la guerra de independencia.
 Kena kena, referente a los soldados chilenos durante la guerra del Pacífico.

Danzas de caza Representan el acto de la cacería de animales, podemos nombrar:

 Choq'elas, que representa la cacería de vicuñas en las punas andinas.

 Llipi puli.

Danza de las Tijeras

La «danza de las tijeras», «danzaq» o «danza de gala» es una danza indígena originaria de la
región de Ayacucho, sin relación alguna con el altiplano, cuyo marco musical es provisto por
violín y arpa, y que posteriormente fue difundida a las regiones de Huancavelica y Apurímac.

Los campesinos la llamaban «Supaypa Wasin Tusuq»: el danzante en la casa del diablo. Se
atribuye a José María Arguedas la generalización del término «danzante de tijeras» por las
tijeras que los danzantes llevan en la mano derecha y que las entrechocan mientras bailan.

DANZAS POR UBICACIÓN GEOGRÁFICA.

Danzas amazónicas

 Danza shipibo
 Shuca Danza
 Danza del Cotomono
 Danza de la caza del venado
Danzas andinas

 Auca chileno  Los avelinos

 Ayarachi  Capaq chuncho
 Capaq negro  Huayno
 Chacallada  K'ajelo
 Los chacareros (Puno)  Kjaswa
 Choq'elas  Kashua
 Choque Lluscajake  Kullahuada
 Chonguinada  Llamerada
 Chullo kawa  Llameritos
 Chumaichada  Los majeños
 Chunchos de Yahuarmayo
 Molino capia
 Contradanza (Cusco)
 Morenada puneña
 Contradanza
 Pandilla puneña
 Danza de las tijeras  Sarge
 Sikuri
 Danza de los negritos
 Tarpuy
 Danzantes de Levanto  Tarkada
 Diablada puneña  Tinti waka
 Tucumanos
 Huaconada de Mito  Tunantada
 Huanca (danza)  Unu caja
 Yapuchiri
 Huanquillas  Wititi
 Huaylas  Wiphala o Wifala

Danzas Criollas y Afroperuanas

 Agua'e nieve  Festejo

 Alcatraz  Jualijía
 Cumanana  Landó
 Danza de Negritos en Chincha  Marinera

ELEMENTOS DE LA DANZA.
Coreografía (literalmente "escritura de la danza", también llamada composición de la danza).
De las palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y "γραφή" (escritura). Es el arte de crear
estructuras en las que suceden movimientos; el término composición también puede referirse
a la navegación o conexión de estas estructuras de movimientos. La estructura de movimientos
resultante también puede ser considerada como la coreografía. Las personas que crean la
coreografía son llamados coreógrafos. Los elementos (movimientos) y características
específicas de una danza, se utilizan para elaborar una coreografía, y a partir de ellos pueden
inventarse nuevos movimientos para crear nuevas coreografías. La coreografía también es
utilizada situaciones especiales, como en la cinematografía, el teatro, musicales, conciertos,
performances, eventos y presentaciones artísticas.
ELEMENTOS BÁSICOS DE LA DANZA

La danza se compone de diversos elementos básicos que se interrelacionan, logrando

transmitir emociones al público y para el mismo bailarín.
 Movimiento
 Ritmo
  Expresión corporal
 Espacio
 Estilo
El uso predominante de uno u otro elemento no es siempre parejo. En ciertos bailes
predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, en otros el estilo, etc. También es importante
destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno u otro elemento.
Dentro del baile se van creando nuevos géneros y variantes al crear nuevas coreografías y de
esta forma se van diversificando. Cuando la danza se manifiesta con una intención
determinada, diferente a lo que es el puro bailar o como el equilibrio estético que es el ballet
clásico, se puede complementar con lo que se puede denominar "adicionales no danzantes".
Estos son: mímica, gesto simbólico, canto y palabra

CUERPO Y ESPACIO.
El espacio físico es el espacio donde se encuentran los objetos y en el que los eventos que
ocurren tienen una posición y dirección relativas. El espacio físico es habitualmente concebido
con tres dimensiones lineales, aunque los físicos modernos usualmente lo consideran, con el
tiempo, como una parte de un infinito continuo de cuatro dimensiones conocido como
espacio-tiempo, que en presencia de materia es curvo. En matemáticas se examinan espacios
con diferente número de dimensiones y con diferentes estructuras subyacentes. El concepto de
espacio es considerado de fundamental importancia para una comprensión del universo físico
aunque haya continuos desacuerdos entre filósofos acerca de si es una entidad, una relación
entre entidades, o parte de un marco conceptual.

El Espacio: lugar donde se realiza la danza, puede ser espacio parcial o total, con los puntos
cardenales tiene 8 partes y así mismo los planos, derecha, izquierda, delante, atrás, arriba,
abajo y diagonales.
El Cuerpo: es el soporte, es decir es un instrumento primordial para la danza.
TIEMPO:
El Tiempo: es el lapso que se realizan los movimientos con o sin acompañamiento de sonidos o
ritmos. Señala aspectos relacionados con la rapidez, es decir, hace referencia al grado de
lentitud
o velocidad con que deben ser marcados los tiempos de un compás. Para ello se utiliza un
vocabulario especial que permite calificar sus matices: adagio, allegro etc. En danza los
movimientos tienen también su propio tempo. El tempo de un movimiento podemos sentirlo a
través de la velocidad de su realización, la duración, el intervalo entre dos acontecimientos, las
pulsaciones, acentuaciones, silencios y la intensidad de su ejecución.
Así existen movimientos grandes y ligados que tienen un tempo lento o largo, y otros
movimientos que son más precisos y rápidos que se realizan tipo allegro. Sin embargo,
cualquier variación o combinaciones de pasos, se pueden ejecutar a diferentes velocidades (en
función de las necesidades coreográficas), el requisito indispensable es que vaya acoplado y
coordinado con el tempo que la música lleve.
PULSO. El pulso es una percusión que se repite periódica y regularmente en una obra musical.
ACENTO. El acento se define como la mayor intensidad de una pulsación con respecto a otra y
va a definir las diferentes clases de ritmos. En Danza, el bailarín/a utiliza estos acentos
musicales en correlación con los acentos musculares, para marcar el impulso de salida de un
movimiento, para fijar la posición en el espacio en un punto culminante de la coreografía o
para marcar el momento final del movimiento.
COMPÁS. Es un instrumento que permite ordenar los distintos ritmos naturales, con la
finalidad de hacer más fácil su lectura y ejecución. Existen distintos tipos de compases según el
acento base se repita cada dos, tres o cuatro pulsaciones. En danza, gran parte de la música
que se utiliza para bailar es contada y el compás musical nos indica cómo se debe contar la
pieza que se está coreografiando o interpretando. Así por ejemplo un compás binario se
contaría “un y dos y tres y cuatro….”. Un compás ternario sería por ejemplo “123, 223, 323,
423…”. Las palabras que se utilicen en una frase de movimiento pueden ser diferentes (1ya,
2ya, 3ya, 4ya…), pero la medida no varía.
RITMO.
El ritmo se puede definir como una organización temporal del sonido, que nos permite predecir
cómo van a ir apareciendo en lo sucesivo. Los pasos de danza tienen un ritmo interno propio.
Este debe interactuar con el ritmo de la música para poder coordinarse y conseguir una base
firme en el movimiento. Para los/as bailarines/as el ritmo es una constante que proporciona la
principal fuerza de movimiento. El ritmo tiene dos componentes que son el pulso y el acento.
El pulso es una percusión que se repite periódica y regularmente en una obra musical. En
danza constituye un latido que permanece siempre y que todo bailarín/a debe seguir
internamente, para evolucionar adecuadamente dentro de su desarrollo coreográfico. El
acento se define como la mayor intensidad de una pulsación con respecto a otra y va a definir
las diferentes clases de ritmos. En Danza, el bailarín/a utiliza estos acentos musicales en
correlación con los acentos musculares, para marcar el impulso de salida de un movimiento,
para fijar la posición en el espacio en un punto culminante de la coreografía o para marcar el
momento final del movimiento.
MATICES. Se define como los diferentes contrastes que pueden aparecer en el transcurso de
una composición y que afectan a un fragmento de la misma en un momento determinado.
Hay dos tipos de matices: Uno que afecta al grado de rapidez o lentitud con el que se ejecuta
determinado fragmento o agógica y Otro que afecta al grado de intensidad con que se
ejecutaría determinado fragmento o dinámica.
La acción de la dinámica en la música viene dada por la variación de los matices de fuerza,
suavidad, gravedad o ligereza de los sonidos, bien por transición o bien progresivamente.
FRASEO.
Las frases son como las oraciones y los párrafos, “escritos” por el cuerpo, a través de los cuales
la bailarina comunica su interpretación de la música. En este proceso ella también expresa sus
propios sentimientos.
Las frases incluyen tanto el nivel físico como el emocional. Aquello que no implique emoción
no puede llamarse Danza. Al contrario de lo que muchas bailarinas piensas, las bailarinas
orientales egipcias son muy emocionales, pero menos expansivas físicamente que las bailarinas
occidentales.
El movimiento individual, la música misma, los sentimientos evocados y los movimientos de
transición son las palabras que la bailarina utiliza para crear una frase. De hecho, todos estos
aspectos deben ir juntos para que así la bailarina cumpla cabalmente su misión.
La bailarina “dice” estas palabras de una manera física y emocional, con el lenguaje corporal
para así crear una frase integral, exhaustiva y cohesiva.
EXPRESIÓN CORPORAL:
Puede definirse como la disciplina cuyo objeto es la conducta motriz con finalidad expresiva,
comunicativa y estética en la que el cuerpo, el movimiento y el sentimiento como instrumentos
básicos. Entendemos por Expresión Corporal como la danza propia de cada individuo y como
tal, su necesidad de ser reconocida y explorada. La Expresión Corporal proviene del concepto
de Danza Libre: es una metodología para organizar el movimiento de manera personal y
creativa, constituyéndolo en un lenguaje posible de ser desarrollado a través del estudio e
investigación de los componentes del movimiento, del cuerpo propio y de los múltiples modos
de estructuración del movimiento en el tiempo y el espacio. El lenguaje corporal adquiere así la
función de "lenguaje": la búsqueda de "un vocabulario" propio de movimientos que,
organizados en una unidad significativa de forma-contenido permita transmitir, al igual que
otros lenguajes artísticos, ideas, emociones y sensaciones personales y subjetivas, posibles de
ser objetivadas en una elaboración externa al individuo. En este caso, el producto es una
danza.
Es una disciplina que nos permite conectar con nuestro cuerpo y desde él recuperar un espacio
para desarrollar nuestra capacidad creativa y lúdica. Mientras conservemos un espacio para
reconocernos, jugar y danzar, individual y colectivamente, nuestra capacidad de ser y crear no
se verá dañada.
La Expresión Corporal la entendemos como un derecho de todos los individuos para
expresarse y comunicarse. Es un camino que ha de ser explorado y trabajado por el alumno
para encontrar la fluidez entre las emociones y sentimientos de su mundo interno y la
comunicación con los que le rodean.
MOVIMIENTO. El movimiento en la danza es básicamente todo, es la forma en la que expresas
tus sentimientos por medio de tu cuerpo, tu rostro, etc.
A través del movimiento podemos aprender cosas sobre nuestro cuerpo, el espacio que nos
rodea y ayuda a conocernos mejor nosotros mismos.
EQUILIBRIO. Según las leyes físicas y la biomecánica, la EQUILIBRACION y la ESTABILIDAD, están
en relación con el número de apoyos (base de sustentación) forma de apoyos, distancia entre
ellos y también está en relación con el centro de gravedad corporal. Si quieres más estabilidad
y equilibración (sin esfuerzo) debes mantener tu centro de gravedad (ubicado tres dedos más
abajo del ombligo al nivel de las vértebras sacras) lo más cerca del suelo posible y/o tener un
gran número de apoyo (cuadrupedia, bipedestación). Pero en danza no siempre puedes utilizar
el primer nivel (suelo) entonces debes tener gran fortalecimiento muscular y práctica técnica
que te den control y dominio sobre tu cuerpo y los movimientos de este, por eso aunque las
bailarinas de ballet estés en una punta, se ven suaves y equilibradas, la clave fuerza y trabajo,
de esta manera logran controlar su centro de gravedad en el eje preciso y mantenerse
equilibradas.
RELAJACIÓN. La relajación no requiere artificios, únicamente la toma de conciencia de las
diferentes partes del cuerpo en tensión y su relajación. La relajación puede realizarse en breves
instantes cuando se ha desarrollado la capacidad para ello. Dado que lo habitual es que no
tengamos esta preparación, es necesario entrenarnos. Para habituarse a la relajación es
conveniente practicarla a diario y asociarla con un "disparador". El disparador es una imagen
mental, una frase, un objeto que asociamos con la realización de la práctica de relajación.
DESARROLLO AUDITIVO.
La danza, como toda actividad humana, es producto de la evolución. Al igual que la mente
humana ha ido evolucionando en un proceso de selección hasta los más avanzados estadios
culturales. Tanto así que se puede utilizar la danza como un vehículo para llegar al
conocimiento.
La danza mezcla armoniosamente movimientos; nuestros cuerpos pueden retorcerse, saltar,
estirarse y dar vueltas, casi siempre, al ritmo de una música, ya que el cuerpo humano ésta
hecho para moverse.
ESCUCHA ACTIVA.
La audición activa se define como la acción de escuchar, de estar atento. De ahí que la primera
fase para toda audición musical es desarrollar la capacidad auditiva para poder percibir,
asimilar, comprender y, en definitiva, gozar con la música.
FIGURAS COREOGRÁFICAS.
Para esta parte se puede realizar estudios de figuras coreográficas observando un video con los
estudiantes de preferencia danzas que sean de la localidad, para de esta manera realizar una
identificación de la localidad además de trabajar con la autoestima, y valores culturales de la
localidad.

MÚSICA
EL SONIDO: Sonido es todo lo que nos llega al oído, y se produce mediante:
ALGO QUE VIBRE, llamado cuerpo sonoro (que puede ser un instrumento musical o no) ALGO
QUE LO TRANSMITA, que puede ser el aire, y también el agua o un medio sólido. Y ALGO QUE
LO RECIBA, que sería nuestro oído.
El sonido, entonces, es producido porque algún cuerpo sonoro vibra, y la vibración que
produce genera ondas en el aire, que son las que llegan al tímpano. Esto no quiere decir que
todos los cuerpos sonoros sean instrumentos musicales, por lo cual podríamos diferenciar dos
grupos dentro del sonido:
 Sonido musical
 Ruido
CLASES Y CUALIDADES.
SONIDO MUSICAL: Son los que emiten los instrumentos musicales. Lo que vibra puede ser el
aire en un instrumento de viento, una cuerda en uno de cuerda, o una membrana en algunos
de percusión. Estos tienen una forma de onda sinusoidal o senoide, sin cambios bruscos.
RUIDO: Son todos los sonidos que nunca tienen armonía, como por ejemplo el motor de
cualquier vehículo. La forma de onda del ruido es mucho más despareja y con más picos que la
de los sonidos musicales, como también se puede ver en el gráfico.
PROPIEDADES DEL SONIDO (aplicado a los instrumentos musicales)
Altura: es la afinación del sonido. Esto es, si es agudo, medio o grave. Cuando se dice que un
sonido es alto o bajo, significa que está desafinado hacia lo agudo o hacia lo grave,
respectivamente, con respecto a otro sonido o instrumento (en el caso de que haya más de un
músico).
Duración: es el tiempo durante el cual se mantiene dicho sonido. Los únicos instrumentos
acústicos que pueden mantener los sonidos el tiempo que quieran, son los de cuerda con arco,
como el violín por ejemplo, porque no necesitan respirar ni volver a tocar la cuerda. Los de
viento dependen de la capacidad pulmonar, y los de percusión, de los golpes. La guitarra
necesita, al igual que el piano, de un martilleo que golpee las cuerdas, y solo se escucha el
sonido hasta que la cuerda deje de vibrar.
Intensidad: es igual que hablar de volumen: un sonido puede ser débil o fuerte.
Timbre: timbre se le llama al color del sonido, gracias al cual podemos diferenciar instrumentos
entre sí. La diferencia entre dos voces o dos guitarras, también depende del timbre: una puede
sonar más dulce que la otra, o más metálica, o más opaca o brillante.
MÚSICA:
La música es el arte de combinar los sonidos sucesiva y simultáneamente, para transmitir o
evocar sentimientos. Es un arte libre, donde se representan los sentimientos con sonidos, bajo
diferentes sistemas de composición. Cada sistema de composición va a determinar un estilo
diferente dentro de la música.
CONCEPTO Y ORIGEN.
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la
definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación
coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la
armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El
concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se
reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias
décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que
destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han
realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la
definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es
suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias,
pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo;
así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, etc.).
ELEMENTOS DE LA MÚSICA:
Los elementos fundamentales de la música son tres:
MELODÍA: melodías son las que cantamos o tarareamos cuando un tema nos gusta. No
podemos cantar más de una nota a la vez. La melodía es la forma de combinar los sonidos,
pero sucesivamente. De ahí que a muchos instrumentos se los llame melódicos, por ejemplo,
una flauta, un saxo, un clarinete o cualquier instrumento de viento, porque ellos no pueden
hacer sonar más de una nota a la vez.
ARMONÍA: usando melodías solamente, los temas sonarían “vacíos”. A la larga necesitaríamos
algo que nos haga de base, y que nos dé la sensación de estar junto a otros músicos
acompañándonos.
La armonía es la forma de combinar sonidos en forma simultánea. Cada compositor la usará
para crear diferentes climas. Puede transmitir desde estados de melancolía, tristeza, o tensión,
hasta estados de alegría, calma, relajación, etc. Los instrumentos llamados armónicos, como el
piano o la guitarra, son los que pueden tocar más de una nota a la vez.
RITMO: cuando estamos escuchando música, es muy común que marquemos golpes de
manera intuitiva con el pie o con la mano. A cada golpe lo llamamos tiempo o pulso, y serían
las unidades en que se dividen los diferentes ritmos. El ritmo es el pulso o el tiempo a
intervalos constantes y regulares. Hay ritmos rápidos, como el rock and roll, o lentos, como las
baladas, y podemos diferenciarlos básicamente entre los que son binarios, y los que son
ternarios, como el vals.
EL PENTAGRAMA:
Es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales. Tiene cinco líneas y
cuatro espacios, que se cuentan de abajo hacia arriba.

LÍNEAS ADICIONALES SUPERIORES E INFERIORES.

Como entre las líneas y espacios del pentagrama sólo podemos escribir nueve notas, existen
líneas y espacios adicionales, para escribir encima y debajo del pentagrama.

NOTAS MUSICALES.
En la música occidental se utilizan doce sonidos. Hay siete sonidos naturales y cinco alterados.
Esas son las notas. Una vez que llegamos a los doce sonidos, volvemos a repetirlos en el mismo
orden, a lo largo del registro de cada instrumento musical. Cada una de estas repeticiones de
doce sonidos se llama octava. Notas naturales: DO – RE – MI – FA – SOL – LA – SI.

CLAVES O LLAVES.
Es el primer signo que vemos en cada pentagrama, y son las que le dan el nombre y la altura a
las notas.
Clave de SOL: La nota ubicada en la segunda
línea recibe el mismo nombre de la clave. Es
la que vemos en un tema escrito para guitarra,
y es una de las más usadas.
Clave de FA en cuarta línea: La nota ubicada
en la cuarta línea es el FA. La vemos en los
temas escritos para piano en el pentagrama
inferior, y es otra de las más usadas.
Clave de FA en tercera línea: Le da el nombre
de FA a la nota que escribimos en la tercera
línea.
Clave de DO en 1ra: Cuando está en primera
 línea, le da el nombre de DO a la nota que
escribimos en la primera línea.

Clave de DO en 2da: Cuando está en la

segunda, el DO se ubica en segunda línea.

Clave de DO en 3ra: Cuando está en la

tercera, el DO se ubica en la tercera línea.

Clave de DO en 4ta: Cuando está en la

cuarta, el DO se ubica en la cuarta línea.

CALIGRAFÍA MUSICAL.
Es el conocimiento y uso de los símbolos y figuras musicales en una partitura, para que estén
distribuidos y ordenados de manera lógica y comprensible para el músico que las interpreta.
La palabra caligrafía (del griego καλλιγραφία) es el arte de escribir empleando bellos signos. El
término caligrafía se puede utilizar refiriéndose a dos conceptos diferentes: por un lado, es el
arte de escribir con letra artística y correctamente formada, según diferentes estilos; por otro,
es el conjunto de rasgos que caracterizan la escritura de una persona o de un documento.

Caligrafía es una palabra que etimológicamente proviene del griego; de “”kallos” cuyo
significado es belleza, y de “grafein” que es escribir, traduciéndose entonces, como un arte que
consiste en escribir a mano con letras bellas y elegantes. Es además el conjunto de rasgos que
analizados por entendidos, dan cuenta de la personalidad de quien escribe,
independientemente de si la letra sea linda o fea. Esta técnica de conocer la personalidad a
través de la letra es utilizada muchas veces en la selección de aspirantes para puestos de
trabajo.
Los orígenes de este arte se remontan a China, dos milenios antes de Cristo, donde los
caracteres de sus ideogramas o ideas gráficas constituyen una verdadera expresión artística.
También los escribas egipcios gozaron de gran prestigio social por dominar estas técnicas. Más
tarde se desarrolló la escritura occidental, pero la caligrafía fue cediendo terreno a la
tipografía, al ser inventada por Gutenberg, la imprenta en el siglo XV, utilizando la letra gótica
medieval, que difundió por Occidente. Además de la china y la occidental, también se distingue
la caligrafía arábiga, que es un verdadero arte empleado para sustituir en el ámbito religioso, la
representación de imágenes religiosas, prohibidas por el Islam.
Puesto que caligrafía es el arte de escribir correcta y elegantemente, la caligrafía musical se
refiere al pequeño conjunto de reglas que determinan el correcto trazo de los diversos signos
de la notación musical.
Por ejemplo: la longitud y dirección de las plicas según el lugar que una nota ocupe en el
pentagrama; la distribución adecuada de los signos de acuerdo a los tiempos del compás; etc.
LAS FIGURAS DE DURACIÓN Y SUS SILENCIOS.
Las figuras musicales, representan la duración del sonido. La figura que representa la unidad
musical es la redonda, que dura cuatro pulsos. Las demás figuras son: blanca, negra, corchea,
semicorchea, fusa, semifusa. Equivalencia de las figuras: como se muestra en la imagen, una
redonda es igual a dos blancas, y así sucesivamente
Redonda = dos blancas = cuatro negras Blanca= dos negras = cuatro corcheas
Negra = dos corcheas = cuatro semicorcheas Corchea = dos semicorcheas = cuatro fusas
Las figuras musicales y sus silencios: cada figura tiene un silencio equivalente de la misma
duración.
Las figuras musicales indican duración, la entonación dependerá del lugar en que las
coloquemos en el pentagrama.
FIGURAS
Las figuras sirven para representar la duración de los sonidos musicales. Existen varios tipos de
figuras según los distintos valores de los sonidos: redonda, blanca, negra, etc.
PARTES DE UNA FIGURA En una figura podemos distinguir hasta tres partes:
 Cabeza.
 Plica.
 Corchete.

LAS FIGURAS Y SUS SILENCIOS

Las figuras sirven para representar la duración de los sonidos musicales. Cada figura tiene un
valor que medimos con el pulso. Los silencios son también figuras. Tienen duración, pero no
tienen sonido. Cada figura musical tiene un silencio que dura lo mismo, pero sin sonido.
UBICACIÓN DE LAS NOTAS MUSICALES EN EL PENTAGRAMA.
Los sonidos musicales están representados por las NOTAS. La altura sonora se representa
situando estos signos en las diferentes líneas y espacios del pentagrama.
Tenemos siete notas musicales, que ordenados de grave a agudo forman la escala musical. Las
notas son DO, RE, MI, FA, SOL, LA y SI.

SOLFEO HABLADO Y RÍTMICO: EJERCICIOS.

El sonido y el tiempo están representados por caracteres y señales escritos en una partitura o
pentagrama, que es un conjunto de 5 líneas y cuatro espacios, al sonido pertenecen: las claves,
notas, sostenidos, bemoles, becuadros, letras como ej:(p) piano, o (f) forte, y muchas más
palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que están dentro del pentagrama,
modifican el sonido.
Al tiempo pertenecen los compases, figuras, puntillos, silencios, puntos de reposo, calderón, y
como con los sonidos palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que están dentro del
pentagrama, modifican el tiempo.
Queda por destacar que el arte es aquello a los que nos dedicamos, practicamos y mejoramos
todos los días, y en lo que ponemos todo nuestro corazón.

El arte musical se divide en varias ramas una de las más importantes es el solfeo que proviene
de los signos musicales sol y fa, antiguamente se denominaba solmizacion que derivaba del sol
y mi, es entonces solfeo como se llama en estos días al arte de medir correctamente y entonar
dando a cada signo su propio nombre.
LAS NOTAS: musicales son siete, do-re-mi-fa-sol-la-si, las cuales según su ubicación en el
pentagrama denotaran si son graves o agudas. Como los signos no tienen una misma
colocación en el pentagrama, es necesaria determinarla por intermedio de una señal que se
coloca al principio del pentagrama o partitura, y que se llama "Clave", son varias las claves que
se usaron a través del tiempo y en la actualidad, nos ocuparemos por el momento de estudiar
las dos más importantes, en principio la clave de Sol en 2º y Fa en 4º.
En el siguiente cuadro observaremos: el nombre de las notas, su duración y equivalencia, Ej:
una redonda vale cuatro tiempos, es decir dos blancas, y/o cuatro negras, y/o 8 corcheas, y/o
16 semicorcheas.
TÉCNICA VOCAL:
1ª Parte: Nociones básicas sobre la producción del sonido
Para que consigamos producir sonido mediante nuestra voz recurrimos a varios órganos de
nuestro cuerpo que trabajan conjuntamente para hacer posible este proceso. Son: el aparato
respiratorio, la laringe, las cuerdas vocales, las cajas de resonancia (cavidad nasal, cavidad
craneana, cavidad torácica, cavidad bucal y la faringe), los articuladores (lengua, labios, paladar
duro o cielo de la boca, paladar blando, dientes y mandíbula).
La producción del sonido acontece cuando el aire, al ser espirado, pasa por las cuerdas vocales
haciéndolas vibrar. En este momento entran en acción los articuladores cuya función, en este
contexto, es llevar el sonido hacia las cajas de resonancia. Como vemos, no cantamos o
hablamos "por la garganta" como muchos piensan sino con todo el conjunto de órganos que se
relacionan entre sí y que son los responsables directos por la transformación del aire inspirado
en sonido. A ese conjunto de órganos podemos llamarlos "aparato fonador".
* Las personas que deben hacer un uso más intenso de la voz deben ser conscientes de que
hay un considerable gasto de energía en este proceso. Es de gran importancia, por tanto, la
ingesta de alimentos de fácil digestión antes de las actividades vocales.
2ª Parte: Salud vocal
Vamos a ver algunos hábitos saludables y otros inadecuados para una buena higiene vocal.
Presta atención, pues vamos a procurar cuidar bastante nuestro instrumento de trabajo que es
precioso y único, nuestro "aparato fonador".
3ª Parte: La postura ideal
Debemos estar atentos a algunos aspectos relacionados con la postura en el canto:
- Los pies deben estar asentados en línea (vertical) con los hombros
- Columna recta, hombros y brazos relajados a fin de no tensionar el cuello.
- Barbilla recta (apuntando al suelo) para mirar siempre al frente.
- No fijar la mirada en punto alguno, para no perder la concentración.
- Asentar la cadera sobre los huesos que se notan en las nalgas (haz movimientos para
los lados, como una canoa, y verifica la posición correcta)
- Mantener la columna y la barbilla rectas.
- Brazos y hombros relajados.
4ª Parte: La respiración. "Respirando bien, cantamos bien"
Para una buena proyección de la voz en el canto es necesario obtener el control de la
respiración. Para realizar una respiración correcta debemos estar en una postura adecuada
pues la postura y la respiración andan juntas. La inspiración deberá ser siempre nasal pues la
nariz funciona como un filtro del aire. Si inspiramos por la boca estaremos inspirando todas las
impurezas pudiendo ocasionar dolencias inflamatorias en el aparato respiratorio. La inspiración
deberá ser siempre nasal, o nariz funciona como un filtro de aire. Si no consigues respirar por la
nariz sugiero que vayas inmediatamente a un médico especialista. Utilizaremos para el canto la
respiración diafragmática, costo-diafragmática o abdominal-intercostal. Debemos inspirar por
la nariz y canalizar ese aire en dirección a la región abdominal (llenando la barriga de aire). Es
importante que los hombros y el pecho no se muevan. Espira por la boca observando que en
cuanto el aire es expelido la barriga se va vaciando lentamente hasta su posición normal.
EJECUCIÓN INSTRUMENTAL.
Debemos de tener en cuenta mucho como docentes de arte, que es importante la ejecución
del análisis de la situación actual de los estudiantes exclusivamente en el primer grado ya que
muchos de ellos desconocen sobre temas relacionados al arte, por lo cual se puede iniciar con
cantos básicos como el tema “estrellita”:
Estrellita donde estas, Quiero verte tintinear, Práctica con guitarra, cajón y flauta de una
paloma sobre una rama. En esta etapa también se puede seleccionar temas del entorno social
pero que no sean muy complejas, o sea que estén ligadas al contexto local para facilitar el logro
de la melodía y el timbre respectivo.