John Berger (1926-2017)

 Pintor, crítico de arte y escritor inglés.

 Enfoque en pensar el arte en términos de imágenes y no de obras de arte, dentro de
la cultura visual.

Modos de Ver (1972)

 Habla de dos grandes tópicos:
a. Comparación sociocultural del arte en el pasado y la publicidad en
el presente.
Berger compara la forma en que se valoró el arte en el pasado con la forma en que se
utiliza la publicidad en el presente, y destaca la forma en que la publicidad utiliza
referencias directas a obras de arte del pasado para persuadir y vender productos. Según
Berger, la publicidad comprendió la tradición de la pintura al óleo y captó las
implicancias de la relación entre la obra y su espectador-propietario, y procura persuadir y
halagar con ellas al espectador-comprador.
b. Condiciones impuestas por medios de comunicación en la manera
de ver el arte.
La invención de la cámara y los nuevos medios de producción y reproducción técnica han
alterado la forma en que vemos y entendemos el arte, cambiando su accesibilidad,
descontextualizándola y cuestionando su autoridad original, y afectando la experiencia y
su contemplación.
1. La Visión
 La vista llega antes que la palabra.
 Establece nuestro lugar en el mundo. Explicamos el mundo con palabras.
 Relación entre lo que vemos y lo que sabemos; nunca se adecua
completamente a la visión.
 Mirar es un acto voluntario, vemos la relación entre las cosas y nosotros
mismos.
 Naturaleza recíproca de la visión. Vemos y podemos ser vistos.
2. La Imagen
 Visión recreada o reproducida.
 Conjunto de apariencias, descontextualizada.
 Encarnan el modo de ver del fotógrafo.
 Su apreciación depende del modo de ver del espectador.
3. El Arte del Pasado
 Mistificación cultural. El arte del pasado es distorsionado, un engaño, por
una minoría elite, mediante una historia inventada. (Por ejemplo, cuando
ilustran las obras de un artista y le agregan una narración)
 Relación entre presente y pasado a través del arte es compleja. Está sujeta a
la mistificación cultural. Solo el arte del pasado brinda la imagen más viva
de la historia, nos contextualiza.
 Importancia de ver el arte del pasado para comprender la historia. Solo así
podemos tener un testimonio directo del mundo anterior.
4. La Mujer como Objeto Visual
  Diferencias en la presencia social de hombres y mujeres según costumbres y
convenciones sociales. La del hombre depende de la promesa de poder que
parece traer y la de la mujer expresa su propia actitud hacia sí misma, define
lo que se puede hacer o no.
 La mujer como objeto visual en la pintura al óleo. Representada por los
hombres (espectador varón) y su imagen es destinada a adularse.
 Desnudez (quitarse la ropa) vs Desnudo (género histórico, otra forma de
vestir); la mujer no está desnuda tal cual es sino como el espectador la ve (y
cómo la ve el creador)
 Cambios en la representación de la mujer en el arte moderno. Se empezó a
cuestionar la representación de la mujer como objeto visual. Aunque se la
sigue utilizando en la publicidad para vender productos.
5. La Publicidad
 Densidad imágenes publicitarias. Son del momento, deben actualizarse
diariamente.
 Es un conjunto de mensajes con lenguaje visual, utilizado para vender un
producto, y seamos transformados por eso.
 Relación con la pintura al óleo. Cosas en común (elementos: gestos,
naturaleza, estereotipos, posturas de hombres)
 Función de la publicidad en la sociedad de consumo: divulgar imágenes que
cree de sí misma.
6. Fascinación y Envidia en la Publicidad
 La publicidad como fabricante de fascinación. Nos hace creer que seriamos
envidiables.
 Relación entre envidia y felicidad en la publicidad. Da felicidad ser
envidiado.
 Uso de la pintura al óleo en la publicidad. Reposa sobre su lenguaje, hablan
con la misma voz para transmitir mensajes similares.
7. Función de la Pintura al Óleo vs. Publicidad
 espectador/comprador (tiene que esperar para su transformación) y
espectador-propietario (disfruta en el momento)
 El óleo como registro permanente vs. la publicidad centrada en el futuro.
 DIRIGIDAS: La pintura al óleo (burguesía) y la publicidad (clase obrera)

 La publicidad como sustituto de la democracia, enmascara lo que ocurre en

el mundo.
 Influencia de la publicidad en la sociedad y la política: porque interpreta al
mundo (lo distorsiona)
 Es la vida del capitalismo (porque no podría sobrevivir sin ella), y su sueño
María Acaso, “La educación artística no son manualidades”.
Manualidades
1. Definición General
 Procesos manuales para la producción.
 Exclusión de la producción artística como proceso intelectual.
2. Características Principales
 Estética: Bello, bonito, decorativo.
 Ornamentación: Lo visual se produce con fines ornamentales.
3. Enfoque Educativo
 Contenidos centrados en enseñanza y aprendizaje de técnicas.
 Cultivo de pericia técnica.
 Desarrollo de sentimiento y expresión.
4. Exclusión Analítica
 Procesos de análisis excluidos, asignados a "Historia del arte".
5. Rol del Estudiante
 Estudiantes operan como peones.
 Productos visuales exhibidos en pasillos escolares o en el hogar.
Paradigmas Antes del Derrumbe
Contexto histórico previo a los cambios significativos.
1. La autoexpresión creativa:
 Desarrollada tras la Segunda Guerra Mundial y en la división de materias
que servían y no.
 Enfoque en la expresión personal e individual.
 El estudiante desarrolla la creatividad mediante la expresión libre.
 Arte como trampolín para otras áreas (Lowenfeld)
 Ausencia modelo curricular.
2. La educación artística como disciplina:
Acaso: considerar la enseñanza artística como disciplina involucra: incorporar el
análisis, actividades de evaluación y organización mediante un modelo.
 Surge con psicólogos como Thorndike, buscando un sentido empírico con la
organización de un curriculum.
 La disciplina nace de la necesidad de estructurar el pensamiento y un
enfoque tecnológico en la educación.
 1918: Bobbit excluye la educación artística del curriculum general. Si no se
valía de:
o Contenidos reconocibles
o Profesionales que los estudiaran
o Un cuerpo de procedimientos y métodos que faciliten la investigación
 1965: Articulación como un conjunto organizado de conocimientos
disciplinares.
 1966 se estructura el primer curriculum planificado para la “enseñanza del
lenguaje visual”
 Influenciado por el Centro Getty.
 Basado en cuatro disciplinas: estética, crítica, historia, creación artística.
  Enfoque en la creación, entendimiento y apreciación del lenguaje visual y
arte.
3. El curriculum multicultural:
 Respuesta a los vacíos de la EACD.
 Surge en los 90, enfocado en la diversidad cultural.
 Atención a grupos discriminados: negros, homosexuales, nativos
americanos.
 Conecta posmodernismo con diversidad cultural.
4. Reformismo y reconstructivismo:
 Fin del siglo XX, cambios en la educación sin considerar cambios en el arte.
 Mitos relacionados con la autoexpresión creativa y el arte modernista.
a. La educación artística dirigida a la producción
Enfocada en el desarrollo de la creatividad
Trabajar en libertad en el aula
Procesos técnicos + importantes q” los productos creados.
Los resultados no deben evaluarse
El curriculum debe abarcar la cantidad de técnicas posibles.
b. El arte tiene valor por sí solo
Es un lenguaje universal
ARTE vs arte
Obras de arte descontextualizadas
Arte solo para expertos
TODO arte interpretado desde el arte occidental
MODELO DE ARTISTA (GENIO, MASCULINO, AISLADO)
 Para revisar estos mitos se desarrollan:
o Curriculum reformista evolutivo (de transición), mantiene de base
cultural occidental.
Fomentar pensamiento critico ante medios de comunicación
No se busca desarrollar conciencia social
Obras descontextualizadas
Posición pluralista (conjunto de otros modelos de organización
curricular)
EACD base para el posmodernismo
o Curriculum reconstructivista busca un modelo completamente nuevo
Desarrollar relativismo intelectual y perspectiva cultural
Obras valoradas por contenido transmitido y contextualizadas
Creación conciencia social
Posición poco pluralista, formular un SOLO modelo de organización
curricular.
La EACD es opuesta a ideales modernas por estar influenciada por la
Fundación Getty
VTS (Visual Thinking Strategies):
 VTS: Estrategias para el pensamiento visual, aplicado en educación y
museos.
 Desarrollado por Gardner.
 Su objetivo es convertir en observadores autosuficientes a los observadores
noveles.
 Se desarrolla en cinco fases: descriptiva, análisis, clasificación,
interpretación y placer.
El recorrido lo realiza el docente.
 Analiza contenidos no complicados (se restringe a temas sexuales, políticos
o religiosos; y el arte emergente -pederastia o inmigración- o la publicidad -
sexo explícito- no forman parte de sus contenidos)
 Crítica al posmodernismo y énfasis en disciplinas.
 El contexto no modifica el desarrollo de las fases, sigue siendo el mismo se
aplique donde se aplique.
María Acaso propone estos retos ante el hiperdesarrollo del lenguaje visual (el impacto
que causó ver el Derrumbe de las Torres Gemelas)
Retos visuales
1. Enseñar a diferenciar entre realidad y representación:
 Sabiendo que las representaciones visuales no son la realidad, se trata de
diferenciar hiperrealidad de la realidad. (Photoshop, Matrix)
 Entender que la interpretación otorga el poder al espectador: crea el mensaje
y construye el significado.
 Necesidad de desarrollar la capacidad de interpretar imágenes críticamente.
2. Incorporar elementos del lenguaje visual como contenidos habituales de la
educación artística:
 La ed. Artística ahora debe abarcar todo lo que se relacione con la
producción de significados a través del lenguaje visual (imágenes).
 Integrar series de televisión y otros productos culturales en el ámbito
educativo.
 Reconocer la influencia de la cultura visual en todos los aspectos de la vida
cotidiana.
3. Incorporar procesos de análisis como procesos base:
 Superar la predominancia por la producción artística y fomentar el análisis
crítico.
 Desarrollar habilidades para analizar y comprender visualmente lo que nos
rodea.
4. Entender el análisis y la producción como actividades intelectuales:
 Reconocer que analizar y producir imágenes son procesos intelectuales.
 Comprender la creación de significado y conocimiento a través del lenguaje
visual.
5. Reconocer que la educación artística está en todos los contextos de desarrollo
visual:
 Considerar la "educación visual no centralizada" en entornos cotidianos.
 Integrar la educación visual en todos los contextos, no solo los formales.
Retos tóxicos:
1. Cambio de nomenclatura (del área):
 Resolver la falta de definición y precisión en la nomenclatura del área.
 Considerar términos más amplios como "educación de las artes y la cultura
visual"
2. Formación del profesorado:
 Abordar la marginación de la educación artística a través de una formación
más efectiva.
 Destacar la importancia de especialistas en educación artística y una
formación inicial sólida.
3. Desarrollo de metodologías nuevas:
 Superar la pedagogía tóxica y la repetición en la educación artística.
 Implementar metodologías innovadoras que promuevan un enfoque crítico y
creativo.
Retos artísticos:
1. Reconocer el Arte Contemporáneo como Micronarrativa ante la TELEVISIÓN
  Reconocimiento del arte contemporáneo como UN sistema que pretende una
revolución desde el MISMO lenguaje visual.
 Metanarrativas visuales (publicidad y lo que vemos) =/= Micronarrativa
visual (arte contemporáneo que busca alertar lo que ocurre en el mundo)
2. Pasar de la Contemplación a la Comprensión
 Imposibilidad del entendimiento instantáneo, y puramente formal.
 Para entender el arte contemporáneo debemos pasar del Análisis a la
Comprensión
 Con: Esfuerzo, poder relacionar, creatividad, conocimiento
 Enseñanza de la comprensión desde temprana edad; sino es difícil abordarla
después.
 Elección del docente: Contemplación vs. Compresión
3. Incorporación del Arte Emergente como contenido habitual en la Educación
ARTÍSTICA
 Arte contemporáneo funciona como educador público y alternativa al
hiperdesarrollo visual cobra sentido si se relaciona con lo ACTUAL
 El ARTE CONTEMPORÁNEO nos rodea y está basado de características
actuales
 El docente debe adentrarse a lo nuevo, porque es lo que nos rodea
4. Educación Artística para Todos
 Superación de la afinidad para el dibujo
 Rechazo de la exclusividad
 TODOS SOMOS Consumidores de lenguaje visual
 AYUDA A Identificar lo que es estar rodeados en la cultura visual
5. Análisis y Producción como Conocimiento Crítico
 Profundidad en el análisis y la producción
 EL procesamiento de información modifica conciencia
 Por ende, la ed. artística lleva a cabo actividades generadoras de
conocimiento
 PARTES DE LA EXPERIENCIA ARTÍSTICA: Expresión, sentimiento y
placer vs. Conocimiento
 Arte como proceso intelectual, llevado a cabo con creatividad, con poder
relacionar y demora tiempo.
Gabriela Augustowsky, “El arte en la enseñanza”.
 Arte = actividad experiencial en la producción y recepción.
 Se enfoca en los estudiantes: en enseñarles a crear con sentidos propios.
1. De qué hablamos cuando hablamos de arte
 Duchamp con “Rueda de Bicicleta” explica que lo que se ve no es lo
importante. Por eso elige objetos con indiferencia estética.
 Para el arte tradicional el placer estaba en lo estético. Hoy está en lo
“racional”.
 Danto explica que una obra requiere esfuerzo de interpretación, una cosa no.
 El arte no estético surge, y también el arte “infantil”
 Definiciones en contexto. El arte contemporáneo
 Influencia del eurocentrismo en las definiciones.
 “primitivismo”; “exotismo”; se denominaban a creaciones no europeas (hoy
en desuso)
 “arte latinoamericano, australiano, africano” se utiliza todavía como
estereotipos en medios co.
 Hoy muchas manifestaciones artísticas exponen cuestionamientos críticos
ante la sociedad.
 Impacto de las nuevas tecnologías. Ya que configuran espacios y
herramientas para la producción y circulación del arte hoy.
2. El arte en la escuela: de lo sublime a la experiencia cotidiana
 S. 19 y 20 se establece la “formación estética”.
 Ayudar a las personas a percibir la belleza de la obra divina en el
universo material.
 Conceptos de Schiller y Ruskin.
 Schiller: solo es posible alcanzar la libertad por medio de la belleza;
la dimensión estética compromete la vida de todos, influye en la
forma de vida y en la historia (universalismo estético)
 Ruskin: las cualidades estéticas del entorno influyen en el desarrollo
del gusto. Entendía al arte como imitación de la naturaleza marcada
por el goce, y que las obras debían tener finalidad moral (enaltecer a
Dios)
 La educación estética funcionaba en los libros, en el espacio escolar,
y se exhibían paredes con obras renacentistas y realistas para inculcar
patriotismo, belleza, piedad.
 Según Aguirre se reconocen ciertas huellas de esta perspectiva hoy:
 Presentación del arte como algo sublime, espacios exhibición
sagrados.
 Centralidad de belleza como cualidad estética suprema
 Valor fundamental de la mimesis (parecido de la obra con lo
representado)
 Idea del artista como genio y talento/don que no todos poseen
 Dewey y la conexión entre arte y vida cotidiana:
 El arte es una actividad experiencial, en su producción y recepción. Es
agente de experiencia estética, no solo material de estudio o análisis.
 Postuló la “experiencia estética” vinculando el arte con lo cotidiano, la
actividad con la creación.
  Critica el arte colocado en pedestales y lo alejan de las personas comunes.
 Intenta conectar las cosas “altas e ideales” de la experiencia con las raíces
vitales básica (la vida común) PERO GENERA HOSTILIDAD POR LA
OPOSICIÓN ESPIRITUAL Y MATERIAL de ideas liberales.
 El arte forma parte de la vida cotidiana de la escuela. Es un modo de
conocer el mundo. Es un campo de conocimientos, en el que los sujetos y
sus acciones creativas tienen rol prioritario.
El arte como experiencia significa diseñar propuestas que inviten a la
construcción de sentidos propios (desde lo individual y colectivamente) a través
del arte.
3. El espacio escolar y las paredes del aula
 En la enseñanza participan componentes simbólicos, pero también físicos.
 Paredes como soporte de expresión. Siendo el espacio escolar agente
promotor de experiencias estéticas.
 Las aulas comparten elementos y maneras de conformar el espacio, por
tradición se repiten usos y modos de hacer en la escuela.
 La forma de utilizar las paredes conlleva elecciones estilísticas y didácticas
en el aula.
 Lo que se ve en las escuelas no son elementos decorativos al azar, sino que
son “elecciones estilísticas y didácticas” vinculados a decisiones y criterios
pedagógicos.
 Concepto de "poética del espacio escolar"
 Producir significado y sentido a partir de la disposición espacial.
 Se entiende al aula como espacio expositivo, de creación colectiva.
No importan los resultados sino los procesos involucrados en su
construcción.
 Se lleva a cabo mediante:
 Diseño, la planificación de la producción
 Producción, la realización
 Emplazamiento, la colocación
 Uso: retomados en la enseñanza
 Bajada: se sacan las producciones
4. Los libros y materiales de enseñanza
 Diversos formatos, todos expresan y comunican ideas pedagógicas, criterios
didácticas y contenidos disciplinares.
 Comenio es un ejemplo de como un libro con el propósito formativo, a
través de la imagen, podemos conocer mejor el mundo por medio de la
representación gráfica.
 Desarrolla “El mundo sensible en Imágenes” e incluye palabras con
sus respectivas representaciones.
 Hay imágenes que son concebidas para ser publicadas y otras no.
 Walter Benjamín dice que cuando reproducimos algo, se pierde algo
de lo que emana el original, perdemos la presencia y cercanía de la
obra original (el aura)
 La inclusión y uso de obras de artes en textos escolares contribuye a la
democratización y ampliación del público del arte.
 Se pone a disposición lo que era propio de una minoría
  Se posibilita la formación de “espectadores” emancipados
 El libro permite abordar numerosos contenidos valiosos para la enseñanza.
5. Los sujetos de aprendizaje. Dibujo infantil, desarrollo y enseñanza
 Desde que son niños, se les indica mirar.
 Están inmersos en una enseñanza informal, a través del lenguaje
visual.
 Las imágenes le permiten conocer la realidad y comunicarse.
 Hay un desarrollo del dibujo infantil en etapas, lo que comienza como trazos
indecisos se convierten luego en dibujos llamados “esquemas” que reflejan
los conocimientos que tienen de los objetos, atravesados por su propia
experiencia.
 Durante los primeros años de escuela, la actividad grafica infantil
transita el tiempo dibujos esquemáticos. La inclinación por el trabajo
figurativo y búsqueda referencial es por su necesidad de representar
lo que conoce y vive del mundo.
 Vygotsky (1930) postula la importancia central de la experiencia y entorno
en la creación infantil. Existiendo dos tipos de impulso: reproductor (normas
de conductas que están ya elaboradas) o reproductivo (se reelaboran o crean
nuevos elementos)
 Eisner: la noción de un desarrollo espontaneo legitimó posiciones que
consideran al maestro como motivador, facilitador de lo que emerge
naturalmente.
 Eisner: el desarrollo de la complejidad perceptiva y cognitiva es inherente a
la percepción y la creación; va a identificar cuatro factores generales
relacionados con la producción de formas visuales
 Habilidad en el tratamiento del material
 Habilidad en la percepción de relaciones cualitativas entre lo
producido, lo observado del entorno y lo observado como imágenes
mentales.
 Habilidad de inventar formas que satisfagan a quien las realiza dentro
de los limites del material con el que trabaja
 Habilidad en la creación del orden espacial, estético y capacidad
expresiva.
El dibujo en la escuela habita un lugar compartido, configura un lugar para la
singularidad.
La forma en que toma el lápiz, el material de su agrado, el interés que denota, la forma
que prefiere, el tema que trabaja, los trazos, nitidez, borrosidad, ejecución, dudas, papel
roto, dibujo malogrado o que regala, son maneras a través de las que el niño interpela al
dibujar.