RESUMEN HISTORIA DEL ARTE

Renacimiento en Italia
• Cuando hablamos del Románico hablamos de pisa, en el siglo
15 pisa ha sido conquistado por Florencia.
• Florencia inicia su supremacía con su auge económico

• 1401, ya se construyó el baptisterio, tiene 3 puertas, el

renacimiento se inicia en 1401 por el concurso de la
construcción de la segunda puerta del baptisterio de Florencia.

• Artes de Florencia: del cambio, de la lana, de los Medici.

• Las planchas de bronce tocan el mismo tema, pero planteado

de manera distinta, el jurado eligió a Ghiberti.
• La plancha de Brunelleschi es una propuesta clara, Abraham e
Isaac y un ángel que evita que Isaac sea degollado.
• La plancha de Ghiberti es más compleja, Isaac se ve como una
escultura griega, específicamente un atleta griego, se busca la
belleza clásica, se ve el gesto de Abraham que muestra un giro.
• El auge de Florencia hizo que cambiaran sus monedas a El ángel no está de perfil, atraviesa el cielo, su figura
monedas de oro: el florín desaparece en la parte de atrás lo cual da una sensación de
profundidad, la propuesta de Ghiberti es más arriesgada.
• Florencia era una ciudad de riesgos, gracias a los Medici.

• Los gobernantes eran miembros de los gremios, hablamos de

un poder político basado en un poder económico.
• El término renacimiento no nace en 1401, nace en 1550,
cuando Giorgio Vasari publica su libro “Vidas”, el inicio del
estilo de las biografías. En ese libro, cuando él describe las
 historias de los artistas de Florencia, él menciona que se
produce un renacimiento de la cultura griega y romana.

• La Trinidad: Masaccio llega a Florencia a los 17 años, se

deslumbró de la ciudad y se hizo amigo de arquitectos, eso
explica por qué se interesa tanto en la arquitectura en sus
• La vuelta al pasado sucede antes, con los libros de Platón y
pinturas. Le encargan hacer una escena de la crucifixión, la
Aristóteles.
llama “La Trinidad” porque aparece padre, hijo y espíritu
• Hay otros libros que calan en el arte, uno de ellos es el tratado
santo.
de arquitectura de Vitrubio, este era un arquitecto e ingeniero
romano, él habla de la belleza y perfección, del hombre, vuelve • Aparecen dos personajes más, es un rasgo de
al canon de las 7 cabezas, habla de la mano, cabeza, distancia antropocentrismo, estos personajes se llaman donantes,
donaron esta obra para la iglesia. Además, ya no tiene los
entre los ojos. La conclusión es que el hombre es la perfección
de la naturaleza. “El hombre es perfecto porque encaja en las colores dorados, está en la tierra, es humanización de lo
formas perfectas” las formas perfectas del medioevo es el divino.
círculo y el cuadrado • Giorgio Vasari, dice que la gente se confunde e intentaba
entrar, porque nunca habían visto un sistema de
• Leonardo interpreta el libro de Vitruvio y nace el hombre de
tridimensionalidad.
Vitrubio.
• Masaccio utilizó la perspectiva lineal, uno de los grandes
inventos del renacimiento.
• Perspectiva es toda acción que otorga tridimensionalidad a
algo bidimensionalidad, la perspectiva lineal es lograr aspecto
tridimensionalidad con líneas que convergen en un punto, ese
punto se llama punto de fuga, porque hace que el ojo se vaya
a ese punto y de una sensación imaginaria de profundidad.
• La Trinidad de Masaccio es la primera pintura que usa la
perspectiva lineal.

• Protágoras dice “el hombre es la medida de todas las cosas” a

partir de eso todas las construcciones se basan en la medida
del hombre: antropocentrismo y antropometría. Este
pensamiento vino de la antigüedad.

• Expulsión de Adán y Eva: Masaccio se acerca al patrón clásico

de la belleza humana, toma de sus antepasados la
expresividad, el drama, mostrado en Giotto.
 representa a María Magdalena yendo al desierto para
conseguir el perdón de sus pecados.

• Hospital de los inocentes: de Brunelleschi, reconoce que en

roma había elementos que reestudiar y reinventar. Es un
hospicio de niños huérfanos.
• Estatua ecuestre de Gattamelata: en Italia cualquier persona
importante podía financiar su escultura, basada en la forma de
la antigua Grecia y roma.

• Gran obra de Brunelleschi: La cúpula de la catedral de

Florencia. Él se va a roma para estudiar el panteón de agripa,
porque este tenía la cúpula más antigua en pie de la historia.
Se dio cuenta que la cúpula había sido resuelta haciendo dos • Anunciación Del Prado: hay actos del medioevo porque es un
capas, una interna y otra que era como un cascarón unidas por fraile, pero es renacentista porque sí considera la perspectiva
unas vigas, esto permitió levantar la cúpula y sostenerla. Fue lineal. Se ve a Adam y Eva porque representan el pecado con
un acto arriesgado la salvación, se contrapone, nos muestra el origen del pecado
• Triunfa la construcción y Florencia se convierte en la ciudad y el de la salvación.
más importante del mundo.

• El David se considera el primer desnudo con rasgos propios del

renacimiento, carácter sensual, andrógino, el sombrero
• Batalla de San romano: de Paolo Ucello, él era matemático, en
la parte inferior hay parrillas, esto da la sensación de
identifica a Florencia.
profundidad.
• Aplica las leyes de la matemática en la pintura.
• Él aplica las leyes de perspectiva en cada elemento de la
pintura, hay caballos en diagonal, adelantándose, esta técnica
que permite que los objetos se vean atravesando los espacios
bidimensionales se llama Escorzo.

• Santa María Magdalena de Donatello: pudo hacer algo clásico

con su David, pero esta escultura es asimétrica, extrema,
 • Puerta este del Baptisterio de Florencia: trabaja un patrón
cuadrangular, es una plancha de bronce.

• Historia de José descubrimiento de la capa de oro: gran parte

es trabajado dentro del grosor de la plancha de bronce.

• Cantoría: balcones de la cantoría, o coro, de la catedral de

Florencia. tomaron las ideas de los monumentos romanos, por
• Salomón y la reina de Saba: hay equilibrio, claridad, propios de
eso los cantores están con túnicas, adoptando posturas a la
lo clásico. Esto se compara con una escultura griega, esta
greca.
plancha comparte idea de orden, claridad, sencillez, equilibrio,
• Se nota el manejo de la profundidad. En el segundo hay una
balance, eso es el renacimiento, una vuelta a lo clásico.
innovación tremenda al ponerlos de manera oblicua.
• Esto nos quiere decir que a mitad del siglo 15 todos los artistas
comparten las ideas de la perspectiva lineal.

• Madonna con el niño y dos ángeles: se muestra a una dama

florentina, representación humanizada, la humanización de lo
divino llega a estos límites en los que se representa a la virgen
como damas florentinas.

• Madonna con el niño: la virgen está en el cielo con los ángeles

alrededor, adopta gestos humanos, el niño se chupa el dedo.

• Flagelación: la perspectiva lleva al punto principal de la obra,

la flagelación.
• En ese tiempo había mucha corrupción, esta pintura es de
crítica, los personajes de la derecha están en posturas clásicas,
 son políticos, gente importante del ducado de urbino que
hacían malos manejos, se dice que los puso para mostrarle al
pueblo que estas personas están flagelando a cristo.

• Bautismo de Cristo: Verrocchio fue maestro de Leonardo

Davinci.
• El sueño de Constantino: soñó que una voz le dijo “con esta
cruz vencerás”. se nota la luz divina, el ángel en escorzo, los
demás no ven el milagro que está sucediendo.

• Dama de Ramillete: la forma de poner las manos se asemeja a

la Gioconda.
• Las manos son más grandes, la cabeza es más grande que el
• Retratos de Battista Sforza y Federico: estamos hablando de torso, lo hace para enfatizar, Verrochio guía nuestra mirada a
una relación de poder, porque se casa el duque de urbino con sus manos y su ramillete.
un miembro importante de Milán, relación de poder muy
• El artista conoce las técnicas del clasicismo, pero empieza a
fuerte, la unión de urbino con Milán.
renovar.
• Los Medici establecieron a través del arte una forma de poder,
porque todo el mundo veía lo que ellos hacían, una forma de
propaganda y poder.
• Otra cosa importante de la imagen es que el paisaje se siente
en profundidad, hay otro tipo de perspectiva, la perspectiva
atmosférica, que es dar la sensación de profundidad a través
de la degradación de los colores. Esto se descubre en la
segunda mitad del siglo 15.

• Busto de Lorenzo de Medici: heredero directo de los retratos

romanos.

• Procesión del Rey joven: se habla de la cabalgata de los reyes

magos. Está Lorenzo de Medici, Cosme de Medici, Piero de
Medici, detrás están todos los gerentes de las sucursales de los
bancos Medici, esto para establecer poder, una forma de • Estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni: se ve un
mostrar con quienes estaba vinculado los Medici contraposto mezclado en ambos personajes, es menos rígido
que el de donatello. El rostro está ligado a la idea romano, de
expresar el carácter, la personalidad.
 • La primavera: se representa mitología. Esto se introduce en
Florencia porque la mitología va a tomar un papel pedagógico,
por lo tanto, no afecta a lo religioso.
• La figura central es la Venus en el jardín de las hespérides, de
lado derecho llega el viento, el que llega a Florencia y que
anuncia la primavera, Se encuentra el dios del viento, céfiro,
tomando a la diosa de la brisa. Flora está lanzando las flores.
Esta es una metáfora de la reproducción, nos habla también
del amor sensorial, del viento y las pasiones que son
arremolinadas.
• Venus nos habla de las dos formas de amor, el amor loco, y el
amor platónico, es el que viene de la pureza por eso la 3
gracias que son alegorías de las virtudes danzan vestidas de
blanca, mercurio es el amor platónico de venus y está cupido
• Adoración de los magos: está Cosme, su hijo Piero, y Lorenzo,
a punto de darle una flecha, es un amor de la virtud y del
junto a su hermano. Junto a ellos hay gente muy importante
intelecto. Esto se hace para educar a la familia Medici, porque
del poder económico y del mundo de las ideas. El mundo de
tener una relación arremolinada no garantiza el éxito, esta
los Medici se basa en gente interesada en el conocimiento, las
pintura tiene un carácter pedagógico.
artes.

• El nacimiento de Venus: Venus desnuda, Venus púdica, ella

llega en una concha venérea a las playas de Creta.
• Madonna de la Granada: cuadro redondo que se llama Tondo, • Venus está desnuda como Eva en el paraíso, esto habla de
este tipo de cuadros se encuentran en las casas. pureza, es pura porque nació de los testículos de cronos, al
• Todos los ángeles, la virgen y el niño son miembros de la igual que la Virgen María ella nació de la pureza, en aquellos
familia Medici. tiempos se decía que María era la nueva venus, porque ambas
• Acá ya vamos más allá del asunto. Se ve característica de son puras en su concepción.
Botticelli como el alargamiento en búsqueda de la belleza. La • El neoplatonismo empieza a vincular la mitología griega con la
granada significa la sangre de cristo. cristiandad. El amor que mueve el mundo es un concepto que
 viene del neoplatonismo, las ideas griegas se interpretan en
términos cristianos.

• La entrega de las llaves a San Pedro: a finales del siglo 15 • El Parnaso: nos habla del lugar donde habitaba Apolo, está
empieza un renacimiento de Roma, el papa Sixto empieza a junto a las 9 musas del arte, ellas danzan al son de la lira de
convocar artistas, esta pintura permite reconocer por qué apolo. Sobre las musas está venus, junto a ella Marte. Zeus
roma es la nueva cuna de renacimiento después de Florencia. castiga a venus y hace esposa de Vulcano, ella vivía encerrada
• El papa Sixto, para representar su poder, tiene que presentar hasta que conoce perdidamente a Marte (amor loco), pero
historias que lo vinculen a ese poder, recordar que él es el luego ella va a tener la llegada del amor intelectual, el amor
descendiente de san pedro es una de ellas, esta pintura platónico, por eso aparece Mercurio.
representa el nacimiento de la iglesia, detrás de él está la
construcción ideal de lo que sería la nueva iglesia de san
pedro, el papa Sixto trabajaría en planos esta iglesia junto a
arquitectos. Esto es un triunfo del cristianismo, por eso pone
dos arcos triunfales. Esta pintura está centralizada, maneja la
perspectiva lineal, personajes equilibrados en número y
colores, manejo de la perspectiva atmosférica, regreso a los
patrones clásicos.

Renacimiento flamenco
• El Matrimonio de Arnolfini: nos habla de la característica
fundamental del arte de los flamencos, toda la burguesía tenía
acceso a hacerse retratos, una familia acomodada, con dinero,
como los arnolfini están siendo retratados, es la
• Óculo de techo: ángeles en Escorzo, atraviesan la pintura, democratización del retrato, así como los romanos.
estos personajes no son ángeles, son asistentes de cupido, los • El retrato es elemento de poder. Otra cosa importante es la
amorcillos, se llaman los puti. técnica de los colores, sus óleos permiten colores más
brillantes y fijos. Ellos no usan la perspectiva lineal.
• Otra característica es que ellos son más puntillosos en el
sentido de ser muy detallistas.
• El Matrimonio de Arnolfini es una pintura que representa el
poder, porque muestra sus posesiones, muestra las pieles, las
telas, perros pequeños (propios de gente rica), naranjas,
espejos, ellos aparentan ser gente de mucho dinero, el color
verde habla de matrimonio, el rojo habla de pasión, el perro y
la lámpara con una sola vela hablan de fidelidad, que estén
descalzos hablan de la conexión con el hogar.

• Cristo muerto: escorzo más famoso, él empieza a influenciarse

de los pintores flamencos, quienes buscaban realismo en su
pintura, la virgen es vieja, llora.
 • Jardín de las delicias: cerrado representa el cosmos, el
universo, Dios está contemplando su obra. Cuando el retablo
• Descendimiento: manejo del detalle, la expresividad de sus
se abre es como acercarse al universo, específicamente a la
pinturas, el realismo, la figura de cristo está para sentirlo
tierra.
doliente, no hace una imagen grecorromana de cristo, la
• Se lee de izquierda a derecha, al inicio está el mundo antes del
textura en las gotas de lágrima.
pecado, está cristo tomando a Eva con su mano izquierda, la
sitúa a la izquierda, la actitud de Adam es inocente, es culpar
a la mujer del pecado. También hay una concepción del
paraíso; en el medio está la humanidad en el momento actual,
en ejercicio de todos los pecados capitales; al final está la
condenación de las almas, el infierno.
• El infierno es musical, lo peor para el Bosco era un infierno
musical, se puede torturar a alguien con sonidos, instrumentos
en donde están los humanos incrustados, libros con música.
• Todas esas extrañas cosas que se muestran en el medioevo
son las deformaciones del alma por efectos del pecado, cómo
externalizar el verdadero yo de la humanidad, por eso se
deforma la naturaleza, los animales, etc.

• Mesa de los pecados capitales: El Bosco, vive en un ámbito

provincial, sus ojos ven lo que hay exactamente alrededor y no
más allá. Las nuevas ideas llegan más tarde.
• El Bosco sigue hablándonos de la condenación de las almas
como temática. Lo que vemos en el centro es el ojo de dios, en
el centro del iris está cristo mostrando sus llagas, Cristo es el
ojo que todo lo ve. Alrededor están todos los pecados
capitales, retratados por El Bosco, Dios está viendo a la
humanidad que está pecando.
• En el primer círculo está la muerte, está el ángel y demonio
peleando por el difunto; luego el juicio final, de acuerdo con
cómo te vaya en el juicio final puedes irte al paraíso (nueva
Jerusalén) o al infierno. Esta mesa advierte que Dios está
viendo todos tus pecados.
 • Rinoceronte: domino la técnica de grabado.

• Autorretrato: es contemporáneo con Leonardo Da Vinci, se

asemeja a la postura de la monalisa.
• Durero era éxito, no duda en mostrarse poderoso en ese
autorretrato.
• En la segunda imagen se muestra en una apariencia de deidad. Alto renacimiento
Algo que transmite a leonardo es el fondo totalmente negro.

• Cambia el foco de atención hacia roma, por el poder papal, y

porque los Medici llegan al papado, hay 2 papas de la familia
Medici.
• Los 3 genios del alto renacimiento son miguel ángel, Rafael y
leonardo.
• El padre de Leonardo lo lleva a Florencia y por contactos lo
lleva al taller de Verrocchio, él lo acepta y haciendo diversas
pinturas en su taller encarga a sus alumnos que hagan
determinadas secciones de la obra.
• En la obra el bautismo de cristo Verrocchio encarga a Leonardo
a hacer el Ángel de la izquierda. Es evidente la textura de la
piel y en el manejo del cabello que hay diferencias con el otro
Ángel, Leonardo era un innovador.
• Verrocchio nunca más pintó después del ángel de Leonardo.
• Acuarelas: trabajadas con una captación del natural
interesante.
 • La Dama de Armiño: Leonardo sufría de TDH, era una persona
bastante dispersa, es la razón por la cual los Medici no lo
recomendaron para ir a Roma.
• Leonardo organizaba eventos, podía maquinar elementos,
Leonardo se olvidó del día de la boda y quedó mal con el duque
de Milán, pero este duque había visto sus cualidades para
hacer máquinas de Guerra.
• La Dama del armiño: Asimila lo que harán los flamencos:
trabajar a oscuras. La postura ¾ empieza a tener una dinámica
distinta cuando hace girar la cabeza. Leonardo le pide a ella
• Anunciación: elementos característicos de Leonardo. Él es una que mire como si hubiera algo en la ventana.
persona interesada en el conocimiento, humanismo, en el • Se sabe que Leonardo ponía músicos para que la gente
neoplatonismo que vincula la filosofía y creencias de la estuviera relajada, se daba cuenta que los retratos podían ser
antigüedad con el cristianismo, cuando se habla de rígidos.
neoplatonismo se habla de la figura de Venus como María.
• Lo que acaricia con la mano un poco más grande de lo normal,
• La virgen está sorprendida, leyendo las profecías acerca de mano tensa y amanerada es un armiño, en italiano es Gale, por
ella, una cuestión técnica es la postura de las manos, el tipo lo cual se dedujo que ella es Cecilia Gallerani.
de posturas exageradas se llaman amaneramiento.
• El carácter simbólico también es interesante. En la mesa hay
una concha de abanico, que refiere a la Venus, a esta concha
se le dice la Concha Venera, simboliza la pureza de Venus, al
igual que Venus la virgen es pura.
• A nivel técnico, el seguirá con los patrones del renacimiento
como la perspectiva lineal y atmosférica, el paisaje es igual a
los que hace Verrocchio, difuminado.
• Otro símbolo interesante es que la anunciación simboliza el
punto final de la promesa de salvación con la llegada de Cristo,
Leonardo elige el ciprés (árbol) para representar el sacrificio
de Cristo.

• La última Cena: Leonardo elige el momento de mayor tensión,

donde Jesús dice que alguien lo va a traicionar. Ante una
situación así hay reacciones: Estudia los perfiles psicológicos
de cada uno de los apóstoles, lee la biblia para ver de qué
manera podrían responder ante la misma afirmación.
• Falló en la técnica, él quiso hacer una nueva fórmula para el
mural, la pintura empezó a descascararse por lo que la pintura
ha tenido varias restauraciones.
• Retrato de Ginevra de Benci: Es interesante el planteamiento,
el cuerpo está en ¾ como lo hacían los flamencos, no pone un
fondo negro aun, pero contrasta al personaje con un árbol
oscurecido, resalta al personaje.
• El árbol es Enebro, cercano al nombre Ginebra, por lo cual es
Ginebra da Benci. Los estudiosos de Leonardo dicen que nadie
más hace bucles como él.
• Salvator Mundi: se descubrió los bucles del personaje, y solo
Leonardo puede hacer los bucles así, para Leonardo una
pintura es un laboratorio de experimentación, ahí radica la
importancia de estas obras porque en los tiempos en los que
él desarrolla estos bucles, él empezó a estudiar el movimiento
de los vientos, las corrientes marinas, en función de estos
estudios, él desarrolla el movimiento de los cabellos. Segundo,
está un poco difuminado, Leonardo aporta a la historia de la
pintura el degradado de los contornos, también empezó a
difuminar los rostros, para que se una la piel, para que haya
una transición de colores, él no inventó la perspectiva
atmosférica, sino que logró la técnica del sfumato para lograr
volumen y perspectiva.
• Además, la imagen está descentrado, como si estuviera • San Juan Bautista: personaje que emerge de las tinieblas, la
desenfocada, Leonardo en ese tiempo hacía estudios acerca difuminación está bien trabajada porque no se siente la
de la óptica, el ojo se enfoca en las dos manos, está cristo diferencia con el fondo negro.
bendiciendo. • El manejo de la luz es importante porque sólo ilumina las
• Lo que tiene en la otra mano es también revelador, está ligado partes importantes, el rostro para reconocer que es San Juan
a la ciencia, esa esfera representa el cosmos, el universo, es Bautista, el brazo para establecer un recorrido visual hacia su
acuoso, dentro de esa esfera está la mano con líneas que mano que señala a dios. Están los bucles.
representan cómo se ve un cuerpo dentro del agua. • Se condena su homosexualidad.

Nuevo renacimiento

• Madonna Belvedere: Rafael aprende de leonardo el manejo

técnico del sfumato
• Cuando llega a Florencia él no va a tener la acogida como otros
porque el mercado está saturado, él trabaja con familias
• La Gioconda: debe su nombre a que la retratada es la señora emergentes, estas familias le encargan muchas cosas para sus
del señor Giocondo, también se llama la mona lisa porque se palacios, lo que más encargaban eran imágenes de la virgen.
llamaba lisa del Giocondo, mona es como se les dice a las
señoras.
• Recién hace 10 años se puede decir que es la mona lisa.
• Cuando Leonardo muere él deja su herencia a pintores, uno de
ellos su pareja, y en el testamento figura la Gioconda. ¿por qué
la conserva? ¿por qué lo deja en su herencia? La maestra cree
que se la quiso quedar porque hay un síndrome en donde uno
se enamora de su obra.
• Piedad: de Miguel Ángel, llega a Florencia joven y tiene gran
acogida con los Medici al principio, él establece un taller y una
persona va a visitar su taller y le pregunta si él ha hecho el
ángel, miguel ángel dice que no, que vió el ángel dentro del
mármol y lo dejó salir.
• Miguel Ángel es un genio del renacimiento, nadie como él
para idear el producto terminado solo viendo un pedazo de
piedra.
• Miguel ángel inicia transgrediendo reglas, ha magnificado la
imagen de la virgen para que pueda sostener a Cristo, frente a
esa imagen inmensa de la virgen hay algo que contraste
mucho, una virgen grande, pero con rostro juvenil y frágil, esto
tiene que ver con el concepto de naturalismo, propio de los
italianos, pero Miguel ángel lo hizo a propósito.
• Miguel estudiaba los fenómenos como leonardo, Se dice que
el amor mueve el mundo, hablaban del término furor, esto se
produce por el furor, el fuego se alimenta del aire y crece por
el furor, el milagro es un furor porque es energía en el
concepto de ellos, entonces lo que hace es trabajar un
concepto de energía, a pesar de que la virgen perdió a su hijo
la virgen está calmada, se muestra fuerte, “la procesión va por
dentro”, ella tiene que aguantar porque ella es madre de dios,
madre de la iglesia católica, hay dolor pero tiene que aguantar,
esa energía contenida es la gran característica de miguel ángel,
el expresa todo con terribilidad, lo cual es la energía
contenida.

• Retrato de Cardenal: De Rafael, hace retratos a lo Leonardo.

• David: la genialidad radica en la idea, en elegir el instante de

• Escuela de Atenas: está en el Vaticano, por efecto del
la narrativa que va a cobrar sentido en la obra, Miguel Ángel
neoplatonismo la iglesia reconoce en la filosofía grecorromana
eligió el momento en la narrativa de David y Goliat, David mira
los mismos valores e ideas de la cultura cristiana, entonces era
su honda y dice que con esa onda puede matarlo, pero no
importante hablar de la historia de las ideas.
puede evidenciarlo porque si no los demás se darán cuenta,
aparentemente hay calma, pero no hay calma por sus pupilas • Es una pintura importante porque revela una mirada de cómo
dilatadas, las venas en sus manos, muestra terribilidad: se desarrolla la historia de las ideas. Están en la academia
energía contenida para no evidenciar que ya sabe cómo platónica, se llama el templo de la sabiduría, gobernado por
vencer a Goliat. dos virtudes: la belleza (apolo) y Sabiduría (minerva). En el
centro de la composición están Platón y Aristóteles.
• La cabeza y la mano son más grandes, quiere decir que resalta
la inteligencia. • Platón señala el cielo, es más etéreo, intelecto, más pensado;
en cambio Aristóteles señala la tierra, es más terrenal,
sensorial. Alrededor están los grandes sabios de la historia, de
diversas religiones, historias. Esto revela cómo la iglesia
católica se hermana con ideas de la filosofía grecorromana.
• Capilla Sixtina: Tiene escenas del hombre antes del pecado. • Juicio Final: Miguel ángel transgrede los cuerpos, son
voluptuosos, desproporcionados, dinámicos, no hay un cuerpo
que esté en claro contraposto. Ahí sí hay furor, porque es el
Juicio Final.

• La creación del hombre: es renacimiento porque la figura de

Adam parece apolo, y dios padre parece Zeus. Está ligada a la
representación mitológica. Además, se ve que Miguel Ángel
está interesado en la volumetría, ruptura, hay grandes
• Europa en el S XVI
contrapuestos, la forma en cómo corren las barbas de dios
muestra dinamismo, se rompe el equilibrio, la simetría.
• La terribilidad está que el hombre aún no tiene alma, por eso
se acerca dios a Adam, la terribilidad es energía contenida, si
toca el dedo ya es furor, explota todo, por eso aún no lo toca.

• Habrá un desapego con la iglesia católica porque ésta pedía a

cada monarca, príncipe, diezmos, pedía que se pagara, y esto
porque la iglesia ponía impuestos cada vez más altos.
• Absolutismo: el gobernante tiene poder absoluto y ya no rinde
• La Transfiguración: Rafael es considerado una bisagra entre cuenta a la iglesia, sino directamente a dios.
renacimiento y manierismo. • Al perder dinero la iglesia se empieza a vender indulgencias,
• Se ve a cristo en la montaña orando, de pronto aparece Moisés “vas a tener el paraíso si por tus pecados pagas cierto dinero”.
y el profeta Elías y él empieza a levitar, esto genera una Martin Lutero inicia la reforma protestante, esto generó una
energía, furor, esa energía trasciende ese espacio y llega a la crisis en la iglesia porque hubieron pueblos que se volvieron
tierra y de pronto aparece un milagro, esa energía hace que protestantes, surgieron guerras en todos lados.
un niño endemoniado se cure, y toda la gente reacciona de • Este caos también se refleja en las pinturas.
distinta manera. El sector donde está el niño no tiene orden,
en renacimiento no todas las pinturas son iguales, se muestra Renacimiento Veneciano
una ruptura total donde la gente reacciona de distintas
maneras.
• La tempestad: Giorgione es contemporáneo de Leonado, al
tener contacto con Leonardo él aprende el sfumato.
• Su contraste de colores es fuerte, esto viene de los Flamencos.
Esta pintura lleva el nombre por el furor de la naturaleza, en
ese sentido Giorgione comulga con todas las ideas anteriores.
• Los tres filósofos: 3 personajes con colores llamativos que
utilizan instrumentos de medición, un compás, una escuadra. • Noli me Tangere: Correggio. Se remarca el manejo de los
También hay mediciones de astros. se puede ver la barba, su colores, al renacimiento veneciano también se le llama
forma algodonada evidencia que Giorgione utiliza la técnica colorismo veneciano. se enfatiza los gestos amanerados (las
del sfumato. Se cree que son representaciones neoplatónicas manos de Jesús) también por la difuminación se dice que viene
de los 3 reyes magos. de la escuela de Leonardo da vinci.

• Leda y El Cisne: se habla de sensualidad, picardía, porque se

cuenta una escena mitológica que es la de Leda y El cisne. Zeus
• Amor Sagrado y Amor profano: Tiziano. Hay neoplatonismo.
tiene muchos amores. Zeus toma la forma de un cisne y seduce
Venus se vincula con el concepto del amor, acá se trabajó de
a Leda.
manera pedagógica las dos formas de amor que existen, el
amor sagrado y el amor profano. El amor sagrado es la mujer
desnuda, porque la venus nació desnuda, y lo desnudo
significa inocencia; El amor profano es el amor del
conocimiento, un amor platónico y aristotélico, el problema
de este amor es que al conocer el bien y el mal hay que tener
cuidado con eso. Finalmente está cupido, el que puede
desequilibrar todo, moviendo las aguas entre lo profano y
platónico.

• Las Bodas de Caná: El veronés es un gran colorista. El veronés

se puso a él y todos sus amigos a tocar instrumentos en la
pintura.

• Venus de Urbino: la novia al mostrar su desnudez nos habla de

que es pura, además se está cubriendo. Lo segundo es su
belleza, las flores de venus es la belleza. La fidelidad
representa el perro. Esta mujer es pura, fiel y bella, representa
la mujer ideal para casarse.
 • pintan a la manera de miguel ángel y leonardo, por ejemplo

• Cristo muerto con ángeles: Difuminación de contornos de

Leonardo. Rafael y Miguel Angel está en los cuerpos muy
alargados, con excesiva forma de mostrar sentimientos, hay
• La última cena de Tintoretto: tiene colorismo, se acerca a los
proporciones que están muy cambiadas.
patrones del barroco por sus contrastes de sombra y luces.

• Descendimiento de la cruz: el tema es difícil de encontrar, el

contraste de los colores de la piel, la forma en que los cuerpos
se sostienen es antinatural, hay un claro alargamiento y
exacerbación de los sentimientos, hay colores pasteles, vivos,
hay pieles claras, y al haber menos sombras hace que las
figuras se aplanen. Todo esto indica una serie de cambios que
luego explotan en el barroco. Esta pintura reúne todas las
características del manierismo.

Manierismo

• Giorgio Vasari dio este nombre. El manierismo pintar al estilo

de alguien.
• Rafael el triunfo de Galatea: exageración de movimiento, • Venus, cupido, la locura y el tiempo: El amor siempre será un
cuerpos con mucha volumetría, exaltación del cuerpo problema. Venus está siendo seducida por Eros. Eros es un
humano. Eso observaron y comenzaron a pintar “a la manera adolescente mientras cupido es un bebe. Venus sabe que ese
de”, añadiendo otros elementos, a partir de ahí se creó una es un amor prohibido y se está dejando seducir, a punto que
línea que se llamó “línea clasicista” de la pintura. lleva la flecha de cupido en la mano. En la otra mano lleva una
manzana de oro, en una fiesta le otorgaron a venus esta
manzana de oro que decía “a la mujer más bella”.
• El niño que está a punto de tirar rosas es la alegoría del amor
loco, porque Venus está entrando a una situación ilícita
promovida por el amor loco, ese amor loco es peligroso, en las
manos del niño hay espinas, diciendo que entrar por ese
camino es entrar por un camino de espinas.
• La mujer de atrás tiene un panal de abeja, que representa la
dulzura, en la otra mano tiene veneno, diciendo que el amor
loco es dulce pero muy envenenado. Las telas sirven para
cubrir.
• El hombre es Cronos, el tiempo, el tiempo nos habla que una • Es la mona lisa de España, la mona lisa es una obra importante
relación ilícita es dulce pero peligrosa, y por más que se quiera porque representa un momento de culminación del
cubrir el tiempo va a descubrir las cosas. Toda la pintura es una renacimiento en Florencia, esta pintura también es el punto
gran alegoría del amor prohibido. máximo, luego de ello habrá un declive en la pintura.
• El personaje de atrás parece ser la alegoría de los celos, del • Las pieles las trabaja algo grisácea, la pintura es aplanada en la
engañado, en el siglo XVI había una plaga de sífilis, entonces sección oscura.
puede que se hable de la difusión de esta enfermedad, es una • Se pone un halo de luz que permite que se cree una cierta
forma de alertar a la gente sobre esta enfermedad. profundidad.
• Las tórtolas son, por lo general, el símbolo del amor de pareja.
Las máscaras de teatro hablan de placeres. Es una pintura
manierista que muestra alargamiento de formas, movimientos
exacerbados, pieles muy claras que casi aplana la figura.

• El entierro del conde de Orgaz: se muestra una división entre

el cielo y la tierra. El cielo está más convulso, hay personajes
exaltados, el manejo de proporciones es exacerbado, es un
momento de ruptura, hay tumulto en el cielo.
• Autorretrato con espejo convexo: la gente gustaba de exhibir • En la tierra la gente asiste al velorio del conde de Orgaz. Todos
las deformidades del espejo convexo. Le alarga la mano. los rostros se pueden reconocer, hay ciertos alargamientos
sutiles, San francisco y santo domingo no deben estar ahí
porque ya habían muerto, tal parece que vienen del cielo con
la misión de custodiar al conde de Orgaz. El personaje
iluminado del medio lleva el alma del conde de orgaz. El Greco
trabaja las nubes como si fueran telas.

• Virgen del cuello largo: alargamiento, exageración de los

volúmenes, la proyección y piernas de la virgen tienen una
proporción grande. El tronco del niño también es largo.
• Hay un amaneramiento de las posturas. Los ángeles también
son alargados. Aparecen telones, este elemento se va a
convertir en una constante. Es un periodo de mucho símbolo,
mucha información y conceptos que se manejan dentro de las BARROCO
pinturas.
• El manierismo es un estilo que se desarrolla por unos 75 años,
en el ínterin viene un evento que es el concilio de Trento de
príncipes que ya no quieren rendir cuentas al papado. durante
el concilio de Trento se tratan diversos temas con respecto al
arte
• Contrarreforma religiosa: el arte debe ser elemento de
propaganda del catolicismo; debe llegar a través de los
sentidos, pero debe ser más perturbador, más desafiante, no
debe pasar desapercibido, llamar la atención; debe mostrar la
gloria y el poder de la iglesia triunfante; debe ser claro y fiel a
las escrituras; Debe estimular a la piedad y oración, debe ser
un vehículo entre dios y los hombres.
• El caballero de la mano en el pecho: la espada y el medallón
representan a Toledo.
• El nombre nace de las perlas barrocas, las personas cuando
vieron las pinturas las asimilaron con perlas barrocas, este es
un término despectivo.
• Definición: se desarrolla en Europa y América, vinculado a la
contrarreforma. • Italia en el S XVII: el origen del barroco es en Italia, Roma se
fortalece, ha crecido hacia el norte. Todo lo de naranja es
posesión de los españoles, sobre todo el ducado de Milán, eso
explica por qué muchas de las formas dancísticas del norte de
Italia tienen vinculación con España y Perú, cerca de Milán está
Caravaggio.

• Joven con Canasta de frutas: pasa de un color a otro

naturalmente (esfumato de leonardo) los contornos ya no son
lineales.
• Caravaggio exalta un aspecto sensual en el joven, él era
homosexual y tenía preferencias a retratar jóvenes. El
amaneramiento no es fuerte.
• La parte de las frutas es importante porque caracteriza la obra
de Caravaggio, un artista del renacimiento al idealizar las
imágenes, cuando representaba plantas, flores, frutos,
siempre lo hacían a la perfección, pero eso no sucede aquí, el
• El barroco no es todo exaltación, exageración, es de cesto no es simétrico, las hojas de las plantas, algunas están
contrastes, un concepto importante como el claroscuro se secas, con hongos, podridos, eso nos da un elemento
exalta en función de que tanta luz se pone en contraste de la importante de cómo se combina una idea de representar una
oscuridad, eso mismo pasa en la pintura, la contraposición de imagen idealizada del personaje, pero en contraste el cesto de
contrarios es lo que lo hace más impactante. frutas es realista.
• Caravaggio es una persona con carácter explosivo, se peleaba,
se iba a las manos, eso explica un poco el carácter dramático
de su pintura.
• Judith cortando la cabeza a Holofernes: ella es una heroína hacen fuerza para levantar a san pedro. Esta es la escuela
bíblica, habitaba en un lugar de solo mujeres, esto sucedía claroscurista.
cuando los hombres jóvenes se iban a la guerra y a veces no
regresaban.
• Holofernes con su ejército quiere ultrajar a las mujeres, Judith
se da cuenta y lo que hace es invitar a comer a Holofernes, él
come, bebe, se emborracha, y cuando se duerme Judith le
corta la cabeza, así salva a su pueblo porque elimina a su líder.
• Se trabaja el claroscuro del barroco, el barroco es guiar el ojo
del espectador a través de una narrativa que se produce por
las luces, las luces guían el ojo del espectador, ese es un
manejo correcto del claro oscuro. En el renacimiento todo
estaba iluminado.
• Otro elemento importante, el telón, en 1580 se construyen el
primer teatro moderno de la historia, el teatro olímpico será • La incredulidad de santo Tomás: se centra en la herida de
la base para la ópera, esos espacios cerrados tienen telones, la cristo.
pintura en todo el renacimiento, la concepción de Giotto era
que la pintura era ver un pedazo de la realidad a través de una
pintura, pero acá el telón representa el teatro de la realidad,
por ello también la luz, por eso los amaneramientos, por eso
se exagera, porque es representación de la realidad.

• La muerte de la virgen: María magdalena llora, se ilumina la

espalda y fusiona como marco que encierra al personaje, el
renacentista necesita iluminar a todos los apóstoles, pero en
esta imagen no se necesita ahondar en información no
relevante, los telones le dan carácter de teatralidad.
• Al igual que miguel ángel, Caravaggio trataba de que sus
• La Convención de San Mateo: todas las luces señalan al modelos sean fidedignos, fue a la morgue a pedir un cuerpo
cobrador de impuestos, a Mateo, Caravaggio nos lleva a la muerto para pintarlo, en la virgen hay mucho realismo, está
derecha y vemos la pintura de derecha a izquierda, las manos hinchándose por putrefacción, los pliegues de la ropa indican
de cristo se iluminan de cierta manera que genera una línea que la piel se está hinchando., los pies están rígidos.
que dirige a las manos de mateo. Los personajes santos
siempre llevaran los trajes de la época que se narran.

• David con la cabeza de Goliat: esto es realismo, ilumina la

• La crucifixión de San Pedro: iluminado está el cuerpo de san
espada, y al joven, ya se entiende que es David que le cortó la
pedro unido a la luz, se ilumina la espalda de las personas, esto
cabeza a Goliat, Caravaggio se retrata como la víctima, este
es la claridad relativa, no es clara porque ilumina todo, pero es
Goliat es el rostro de Caravaggio.
más clara porque ilumina lo necesario para entender la
historia.
• El derrier iluminado es importante para entender el
movimiento que se hace, por estas dos personas sabemos que
• Susana y los ancianos: esto no es claroscurista, tiene rasgos
manieristas por la forma de los gestos y la postura, Gentileschi • El triunfo de Baco y Ariadna: Carracci es el padre de la escuela
se retrata como víctima en esta pintura. barroco clasicista, exalta la belleza y perfección humana, la
exalta tanto que la exagera
• Está en un palacio, muestra el poder de las clases altas de la
sociedad romana. el mensaje para los invitados de la boda es
que la familia farnese celebran como dioses (la pintura se hizo
para una boda)

• Judith y Holofernes: es claroscurista, se cuenta la historia a

través de la luz.

• Sansón victorioso: Guido es el mejor alumno de la escuela de

Carracci. lo más importante es exaltar un cuerpo bello, se
cubre porque la iglesia después del concilio dice que debe
haber mesura en las pinturas, esta es una línea del barroco
distinta.

Barroco italiano clasicista

• Hércules en la encrucijada: el volumen de los cuerpos no tiene

nada que ver con el manejo de Caravaggio, Carracci en el
clasicismo busca la belleza y perfección, le interesa más
mostrar la belleza en su narrativa que el claroscuro.
• Esta pintura es una metáfora de estar entre dos decisiones, las
mujeres le muestran a Hércules dos caminos distintos. La
• Atalanta e Hipómenes: Ella no quería casarse, todos los
virtud es el camino de la izquierda, porque el camino tortuoso
candidatos que llegaban no lograban que se case, ella ponía
lleva a la victoria, usa claroscuro, pero lo más importante para
condición una carrera, ella siempre ganaba por lo que nadie
el artista es exaltar la belleza del cuerpo humano.
podía ser su esposo.
• A Atalanta le gustaba el oro, cuando empieza la carrera él
empieza a tirar las manzanas de oro que ella después levanta.
• Las telas se unen a la exaltación de belleza, hay gestos
amanerados en los dos personajes, nos muestra la perfección
del cuerpo femenino y masculino.
• Apollo y Dafne: Bernini trabaja para el papado y cardenal, esto
explica por qué muchas de sus obras están en lo que era el
palacio del cardenal que luego se vuelve en museo.
• Esta obra es barroca clasicista porque exalta belleza y
perfección humana; ambos personajes generan una especie
de espiral que inicia desde las piernas y brazos; dinamismo en
los cabellos al ver cómo vuelan.

• Beata Ludovica Albertoni: estas situaciones se exponen

porque eran claros ejemplos del gozo de las personas con la
gracia de dios, esta era potente en un momento en que había
que exaltar los sentidos.

• Fuente de los cuatro ríos: hay 4 alegorías de los 4 ríos más

importantes, Danubio, Nilo, Ganges, río de la plata. No el río
• El éxtasis de Santa Teresa: Santa Teresa es una Santa mística,
Amazonas porque no había ciudades importantes en la
el culto a los santos místicos será difundido porque son seres
amazonia.
privilegiados tocados por dios
• ¿por qué la metáfora de los ríos? sobre los 4 ríos hay plantas,
• Santa teresa parece que está temblando porque las telas se
animales, sobre ellos está el escudo papal, los ríos son una
mueven más que las del ángel, cupido se convierte en un ángel
metáfora de lo que serían la sangre alrededor del cuerpo,
que le clavara la flecha del amor divino. es una representación
nutren el cuerpo, la iglesia triunfante después de una
de teatralidad porque a lado tiene palcos, con gente
contrarreforma se tiene que mostrar en su esplendor, esta es
comentando, Bernini generó un sentido de teatralidad a toda
una forma clara de decir que la iglesia católica está en todas
la historia de Santa Teresa.
las partes del mundo.
 • Las tres gracias: los cuerpos femeninos son un símbolo de
• Fuente de Tritón: en la mitología tritón es un personaje que
belleza, esto denota una exaltación de la belleza femenina.
libero de las aguas a una población, por esas épocas roma
sufrió una inundación, el papa ayudó a filtrar el agua del río, • Además de buscar belleza denota el clasicismo en la postura,
la línea praxiteliana.
entonces el papa le recuerda al pueblo que él es como tritón
al haber ayudado, es una clara forma de decir si la iglesia te • Son representaciones de las 3 virtudes: pureza, belleza.
ayuda cómo ayudas tú a la iglesia, ahí hay mensajes claros. • Usa claroscuro, pero no como Caravaggio, la volumetría es
distinta y el manejo de las luces también.

• Columnata de San pedro: es una elipse con dos filas de

columnas de casi 30 metros, las columnas no dejan ver • El Artista junto a su esposa: Rubens es de la clase media
prácticamente el otro lado, esto, para peregrinos que venían acomodada, por la ropa que lleva junto a su esposa se denota
de todo el mundo, era como un telón que luego se abre y te que son gente exitosa, El Retrato en el renacimiento es un
encuentran con la maravilla que es la nueva san pedro, como símbolo de poder, es mostrar lo que usas, cómo vives, la
llegar al cielo. imagen va a reunir todo aquello que demuestre que la persona
tiene poder.

Barroco Flamenco

• Elevación de la cruz: se parece en temática a la crucifixión de

San Pedro, el claroscurista y clasicista.
• El artista no resulta alguien importante como para poder
prescindir o no de él. La volumetría de los cuerpos es derivada
de Miguel Ángel.

BARROCO HOLANDES
 (Siglo de oro de la pintura holandesa)

• Descendimiento: claroscurista, cuerpo muerto realista.

• Autorretrato: para pintar el artista hace esbozos, antes de

poner color dibujaban todos los detalles y luego pintaban,
• La Lección de Anatomía del Doctor Tulp: Retrato colectivo. El leonardo empezó a difuminar los contornos con lo cual
grupo de personas recolecta dinero y paga por el retrato. empezó a romper la línea, lo siguiente es lo que hace
Rembrandt, el hace esbozos, hace líneas que simulan el
• Nuestros ojos van directo a los rostros, y el más iluminado es
cuerpo, el sombrero, cabello, luego para de esbozar y empieza
el del doctor, nos lleva a ver al doctor, a los alumnos y al
a aplicar directamente en color, los colores de la piel no son
cadáver.
uniformes, aplica directamente la pintura, nada es dibujado,
• “Teatro Anatómico” el acto mismo de la docencia en su origen
esto se llama color sobre línea.
ha sido muy teatral, probablemente es el autorretrato
• El cabello, lo que ha hecho es una mancha que ha difuminado
colectivo más conocido
y ha puesto algunas líneas. como si fueran rayitos, esas líneas
captan la luz para generar la volumetría propia del cabello.

• La Ronda Nocturna: Retrato colectivo, retratan una compañía

• La callejuela de Vermeer: callejuela de su ciudad natal, esta
militar, la del militar Cock.
pintura parece más una fotografía, el secreto de los pintores
• Se crea una iluminación alrededor del general, encierran al
holandeses es que usan un encuadre, las cosas pueden no
personaje principal, se enmarca. Cada personaje aparece de
aparecer completas, eso da la sensación de fotografía.
acuerdo a lo que pagó.
• Las actitudes de las personas también dan actitud de
• Este retrato se pone en la sala principal de la sede.
fotografía, capta lo cotidiano, no hay drama, es lo cotidiano, lo
• Es claroscuro. Lo que llama la atención es la niña que no tiene cotidiano es un aporte de Vermeer.
nada que ver con la compañía militar, lo que sucedía era que
ese año murió la esposa de la Rembrandt, entonces le da un
carácter alegórico a la mujer, como si fuera un ángel, como si
fuera una bombilla de luz, lleva atada en la cintura un gallo
atado desde la cintura, esta de cabeza, en francés gallo es
“cock”, es la alegoría de la compañía militar del capitán Cock,
así incluye a su esposa en la pintura.

• La Lechera: aspecto de lo cotidiano, esto lo paga gente de clase

media que quiere decorar algunos sectores de su casa con
temas cotidianos, no hay drama, no es un acto teatral.
• Trabaja el claroscuro, él trabaja la luz de día (algo que no
trabajan los otros) los otros trabajan con luces artificiales.
Barroco Español
• Lo más resaltante del barroco español es la escuela sevillana
de pintura
• Arquímedes: de Ribera, el único que no es Sevillano, es
claroscurista por el manejo de la luz, el cuerpo no muestra
voluptuosidad, usa colores tierra, no hay poses exageradas.
• El Barroco claroscurista usa la luz para narrar la historia, el
realismo (no exagerar gestos), colores tierra, Ribera aprendió
de las obras de Caravaggio.

• La Joven de la Perla: resalta la perla, los ojos, la boca. Para la

perla hace un trazo traslúcido, el punto blanco muy brillante
jala el ojo del espectador. en la boca, a partir de la mancha de
la boca da la sensación de luz.

• Magdalena penitente: Claroscuro que empieza a iluminar sus

colores, maneja la luz para mostrarnos lo más importante: el
rostro, la mano y los pies descalzos que denotan que se ha
despojado de lo material. También ha iluminado en segundo
plano el frasco, porque es el símbolo de la Magdalena, se
huntó el cuerpo de cristo con perfume, y lo otro es que el
perfume es un elemento de lujo, entonces ella ha dejado esos
• Young man and woman de Frans Hals: retrata lo cotidiano, es
lujos para irse a orar al desierto por sus pecados.
real pero fuera de lo cotidiano: lo pintoresco, otro aspecto del
realismo, lo pintoresco es lo peculiar de lo cotidiano, Frans • También se idealiza un poco la imagen, la Magdalena es bella.
capta lo pintoresco de la realidad que resaltan. Hay una calavera que representa la penitencia, la reflexión de
la muerte.

• Malle Babe: colores tierra, claroscuro, realismo, retrata lo

pintoresco.
• Agnus Dei: Zurbarán, es claroscurismo, hay realismo, manejo
de la luz, colores ligados a la tierra (colores de la realidad). Este
animal es una metáfora de Cristo.
 han bebido tanto que ya son dignos de ser de la corte de Baco,
esto lo hace Velázquez para divertir a la corte.

• Santa Apolonia. no es del todo realista. Zurbarán ha

representado muchas santas vírgenes de esa forma, cuerpo
entero, postura 3 ⁄ 4, hay un tubo de luz que recorre su cuerpo,
pone en penumbra la parte de atrás para centrarse en el rostro
y la que lleva en las manos.
• Santa Apolonia es una santa mártir, el símbolo de los mártires • Inocencio X: El papa pide a Velázquez que lo retrate, nunca
es la palmera, porque la palmera está en el paraíso, la pintura había retratado alguien fuera de Italia a un papa, siempre
nos dice que Santa Apolonia está en el paraíso. habían sido retratados por italianos, es el primer artista fuera
• Hay una razón para representarla idealizada, y es porque está de Italia en retratar un papa.
en el cielo. el atributo (lo que lleva en la mano) es un alicate • Velázquez hace manchas y esas manchas se convierten en un
que lleva un diente, es santa patrona de los odontólogos. Esto efecto que se asemeja a la realidad.
es propaganda de la iglesia, se cumplen los principios del
concilio de Trento con esta pintura.

• Vieja Friendo huevos: Velázquez. Es claroscurista porque • El Bufón Calabacillas: retrato pintoresco, tema de género.
maneja la luz para narrar la historia, es realista, usa colores Adquiere las técnicas de los holandeses, de trabajar todo de
tierras. manera rápida, casi esbozado
• Este tipo de temáticas son lo cotidiano. Como temática esto se • Aquí maneja un patrón claroscurista, realista, lo único distinto
llama “tema de género”. Velázquez maneja bien las texturas. es que difumina tanto que parece que esa sensación de lejanía
distorsiona un poco.

• Las Meninas: técnicamente esta pintura es genial por su

• El Triunfo de Baco: mezcla elementos de la mitología con lo manejo excelente de la perspectiva lineal y atmosférica, tiene
cotidiano, hay borrachos bebiendo en alguna parte de Madrid, su punto de fuga en la puerta que se abre.
• El manejo claroscurista que nos lleva al personaje central de la
obra. Los colores son realistas, es un barroco claroscurista
definitivamente.
• La obra primero se tituló “la familia de Felipe IV” lo cual es
erróneo porque solo hay un miembro de la familia de Felipe
IV; Las meninas son las niñas de corte de esta niña, de origen
portugués, tampoco es correcto llamarla las meninas.
• Este es un ambiente del palacio real, es un corredor enorme,
toda la gente sabía que Velázquez estaba ahí, sobre todo la
infanta, a ella le encantaba ver lo que pintaba Velázquez, por
lo que no es extraño que la niña esté ahí, es un corredor que
parece que da a la calle. Lo que ha pasado en ese día en
• Niño mendigo: aquí todo el tratamiento es de un barroco
particular es que los padres vienen por el corredor, ella no
claroscuro, con el manejo de la luz, con los colores tierra,
nota eso hasta que voltea la cara y los ve.
gestos realistas nada amanerados.
• El hecho del que perro esté dormido quiere decir que ellos ya
están hace unos minutos ahí, Velázquez pedía al rey ser
coronado, convertirse en noble, el rey le dijo que no, ese
mismo año él pinta esta obra, parece ser una obra respuesta a
la carta de rechazo.
• Velázquez nos trata de decir que la hija del rey, futura reina,
va todos los días a ver su pintura, él es el consejero de la reina,
él la instruye, el rey no, por lo que finalmente será consejero
de la reina. La Infanta lleva un ramillete en el pecho que está
pintado con la técnica de color sobre línea.

• Mujeres en la ventana: manejo claroscurista.

• In Ictu Oculi: claroscurista, la calavera tiene una situación

especial dentro de la obra.
• Hay el traje de una rey y libros: no importa si tienes poder
religioso, político, militar o conocimiento, la muerte llega a
todo el mundo.
• La Muerte muestra el “In Ictu Oculi” es una fuerte imagen de
propaganda.

• Inmaculada Concepción de El Escorial: de Murillo. Nos habla

de la pureza de la virgen, la representa con traje azul y blanco,
difumina al punto que parecen vapores iluminados (el cielo)
• Es un barroco claroscurista con elementos clasicistas porque
la virgen está idealizada. Hay color sobre línea, trabaja
directamente con la pincelada.
• Los símbolos alrededor de la virgen nos dicen las
características de la virgen.

• Finis Gloriae Mundi: Frente está la imagen del juicio final,

cristo lleva la balanza, cristo tiene la sabiduría de conocer tus
pecados.
 • Clave: quienes viven en el palacio de Versalles, los que visitan
el palacio son una clase social muy adinerada y ostentosa,
Rococó gente adinerada con gustos refinados, eso se llama la
aristocracia.
• Siglo XVIII se caracteriza por el final del reino de Luis XIV.
• El rococó es un arte aristocrático, está ligado a los reyes y a la
• Palacio de Versalles: este palacio como idea y uso es Rococó.
gente que convive con los reyes.
• Este era un periodo de excesos, la transición del barroco a
Rococo congrega gente entorno a una vida ostentosa, riqueza,
frivolidad. El rococó estará inmerso en ese mundo.
• Ostentación, lujo, riqueza, en cuanto a sus temáticas.

• Los Placeres de la vida: la Aristocracia encarga eso para

mostrar cómo se pasa la vida.
• Color sobre la línea, colores más vivos y contrastantes, podría
estar ligado al barroco clasicista.

• La muestra de Gersaint: importante para contrastar con la

lectura.
• cambia el circuito del arte, ahora la gente va a galerías de arte,
surgen los galeristas que exponen obras de los principales
artistas, obras que le gusta a la aristocracia.
• A ellos les gusta la mitología, porque entre la frivolidad y todas
las cosas que, hacia la aristocracia, el desnudo empieza a verse
• Rococó sale de la rocalía, que por efecto de la erosión toma como sensualidad, como placer, erotismo, ahí surge el
formas raras, tiene muchos entrantes y salientes, eso es algo concepto el desnudo en el arte, antes era la pureza, ahora es
muy particular que fue tomado como forma; los canales que deleite y placer de la aristocracia.
se forman de las texturas de las conchas marinas; se unen
ambos elementos y se tiene las texturas de la rocalla y coquille.
Este tipo de decoración se llama estilo luises.
• Madame Pompadour: juego amoroso, ella es un miembro
importante, es amante del virrey Luis XV • El Cerrojo: se mantiene la teatralidad del barroco por las telas.
• Es icono de la moda, gran influencia de moda, cuando ella iba
a una fiesta todo el mundo copiaba sus peinados, gestos,
vestidos, zapatos.
• Ella muestra el papel de la mujer, ella no se retrata con flores,
joyas o abanicos, se retrata con libros, plumas, cartas, es una
mujer culta que además escribe. Habla de su belleza y de que
es culta.

• Mr and Mrs Andrews: hay otra forma de ostentar de la

aristocracia, son unos recién casados que están posando
frente a los territorios que acaban de poseer por su
matrimonio.
• Mademoiselle Louise O’Murphy: Erotismo, no es mitología, • En lugar de ponerse al centro se ponen a un costado, lo que
hablamos de una ruptura de la concepción del desnudo ligado les interesa es que los demás vean lo que han heredado.
a la naturaleza, lo habrá encargado algún hombre para
contemplar a su amante
• Le dicen la odalisca rubia, porque el mundo de oriente va a
empezar a tallar en Europa, sobre todo en Francia.

• George Clive y su familia junto a su empleada india: algunas

familias ostentaban tener servidumbre hindú, pero la
empleada tiene muchas joyas de oro, seguro es de mucha
alcurnia en india que ha sido empleada, se le incluye a la
pintura para ostentar.
• El Columpio: pintura que retrata el juego amoroso. • Los rostros sumamente blancos refieren a que se empolvaban
• Todo el rococo es el uso y costumbre de la aristocracia. sale el los rostros para decir que son ricos, porque son rostros que no
zapato, ya nos anuncia qué va a pasar después, es la pintura le dan el sol, que tiene servidumbre.
más erótica de la historia del arte por toda la insinuación de
la pintura.
• Técnicamente maneja claroscuro que ilumina la chica, un
ambiente teatralizado, pero lo que une todas las pinturas es
que representa lo usos y costumbres de la aristocracia.
 NEOCLASICISMO
• Siglo XVIII, el periodo Rococó inicia en 1740, termina
abruptamente con la revolución francesa
• Panini Giovanni Paolo: refiere a las galerías de roma, uno
• Años antes de la revolución francesa ya hay ejemplos de
de los lugares más visitados, donde la gente con poder
pintura neoclásica, de acuerdo al contexto de esa sociedad en
económico compraba recuerdos o vistas de los lugares
ebullición próxima a la revolución francesa la pintura debe
más reconocidos. También compraban esculturas, servía
mostrar algún anticipo de este suceso.
para ostentar.
• El neoclásico también abarca algunas décadas del siglo XIX.
• Ostentar los viajes nace en este momento, y estas
galerías ofrecen las cosas listas para que puedan ser
compradas.
• Para este tipo de pintura se necesitaba tener técnicas
específicas de enfoque: Técnica de la cámara oscura, se
enfoca sectores que se quería reproducir, la imagen se
• Siglo XVIII es también llamado el siglo de las luces, el
reflejaba en el espejo y se volvía más fácil de dibujar.
neoclásico tiene que ver con el cambio de ideas de la
(Vedutismo)
ilustración.
• Ese afán de conocimiento está ligado al afán de unir todo el
conocimiento en la enciclopedia. Si la sociedad empieza a
ilustrarse será más racional, está vinculada a la ciencia.
• Se propician los viajes.
• Rousseau en su Contrato Social dice que por qué el hombre
que nace pobre tiene que ser pobre toda su vida, como si
firmara un contrato. Este tipo de ideas circulan en el ambiente
parisino en la segunda mitad del siglo XVIII

• Giovanni Antonio Canal: también llamado canaletto, uno

de los representantes de este tipo de pinturas de
encuadre.
• La academia: el manejo académico de una universidad nace, • La muerte de Sócrates: Sócrates decide no renunciar a sus
es decir, una malla curricular donde se presta atención a un ideas, levanta la mano y prefiere tomar el veneno, la cicuta.
proceso para lograr un profesional. • La idea principal es luchar por los ideales.
• Neoclasicismo: rechaza el rococó por representar los intereses • Las posturas amaneradas recuerdan los gestos amanerados
de la aristocracia. Buscan culturas pasadas. del renacimiento.
• Hay claroscuro, menos colores. Estas dos pinturas nos hablan
de conceptos importantes a partir de pinturas.

• Pintura neoclasicista: busca educar a través del arte, la clase

media ilustrada impulsa todo esto.
• Vuelta al clasicismo. Interés por lo conceptual, refiere al
desarrollo de un tema específico en la pintura, el cual tiene un
concepto manejado detrás de él, ese valor del concepto es lo
que prima en la pintura.
• La Muerte de Marat: periodista que tenía que sumergirse
muchas horas en una piscina debido a una enfermedad.
• Él listaba gente que traicionaba a la patria para su ejecución
• La mujer que lo ayudaba lo mató ya que en la lista estaba el
nombre de su esposo.
• David utiliza recursos del barroco para poder exaltar el
homenaje a este héroe de la patria, en su firma “A Marat” está
diciendo que la pintura lo ofrece a la Marat, de parte de David.
• Hay una idealización de la figura de Marat porque no se cree
que fue encontrado con la pluma y la hoja en la mano.

• El juramento de los Horacios: historia de la antigüedad

romana, el rey de roma llama a los jóvenes a luchar para la
expansión de roma, estos tres hermanos que se llaman los
Horacios están jurando fidelidad a la patria, van a tomar las
armas e ir a la guerra, el padre es quien insta a sus hijos a
tomar la decisión e ir a luchar por la patria.
• Esta historia trata de decir que más allá de los afectos
familiares, la patria es importante también.
• Pintura delineada, ligeramente más aplanada, menos colores,
está equilibrada porque los personajes principales están
debajo de los arcos. • Napoleón cruzando los Alpes: él se pone a nivel de Aníbal y
• La moraleja es “hay que defender a la patria” esto es relevante Carlomagno.
porque se hace en 1784, 5 años antes de la revolución
francesa.

• Napoleón en su trono imperial: parece un dios, el emperador

que se hacía a imagen de Zeus.
• Está con corona de laureles, está el águila que es el símbolo de
Zeus.
• Él se sentía el nuevo emperador romano tanto así que se
manda a hacer un arco del triunfo, y un panteón.
• Quería convertir a París en la nueva roma.

• María Paolina Borghese como Venus Victrix: hermana de

Napoleon, en la mano tiene una manzana, es el recordatorio
• La Gran Odalisca: el primer curso que se debía aprobar era el que venus es hermosa, ella es como una Venus victoriosa,
dibujo, todos los artistas del neoclasicismo trabajan desnudos,
eran parte del ejercicio que tenían que trabajar los artistas.
• Producto de los viajes la gente ve como son las personas en
otras culturas.
• Turquía llama mucho la atención, las odaliscas llamaban la
atención, paseaban desnudas en los palacios de los hombres.
era uno de los temas recurrentes.

ROMANTICISMO

• Alemania: brote romántico surge en Alemania, movimiento

Sturm und Drang, movimiento literario.
• Hay una oposición al racionalismo e ilustración, ellos pensaban
siempre en la unidad, el ser humano como unidad, la patria,
• El baño turco: interesado en el dibujo, tan interesado que las elementos que congregan al ser humano.
imágenes se aplanan. • En oposición a todo esto es pensar como siente las cosas el
individuo.

• Mademoiselle Riviere: la atmósfera está trabajada con

difuminación, el rostro y las sombras hacen recordar a la
Gioconda.
• Tiene un traje que hace recordar a Grecia y roma.

El Paisaje romántico
• El verano: lo relevante es que hasta ese momento en la
• Amor y Psyche: se forma una X perfecta donde en el centro historia no se trabajaba el paisaje por sí mismo, siempre el
está la idea principal, que es el amor. paisaje acompaña el personaje principal, no era el
• Es una obra equilibrada, sencilla, clara. protagonista.
• El paisaje empieza a ser protagonista porque tiene algo que va • Todo lo que no se puede poseer, definir o cuantificar será tema
a representar el grupo Sturm und Drang, donde describen de romanticismo, porque crea un vacío.
paisajes, hablan de fenómenos naturales. Esto porque en
líneas generales la sensación que da el paisaje es de paz,
sosiego, armonía, pero podría no faltar alguien que diga
soledad, la naturaleza en la experiencia individual puede dar
diferentes sensaciones, eso se llama lo sublime.

• Retablo Tetscher, La cruz en la montaña. la naturaleza está

combinada con el tema de dios.

• Kant, lo bello y lo sublime: todo empieza por el gusto, si un

chico ve pasar a alguien que le gusta, es porque hay una
conformación que es agradable a la otra persona, cuando de
pronto esa persona empieza a desarrollar algo más “está en
mi salon, me miró, etc” empieza una sensación que va más
allá. Es lo que pasa en la contemplación de la naturaleza
cuando empieza a cambiar, una cosa es el gusto, otra el amor.
• Abadía en el Robledal: habla de la muerte, árboles en invierno
pelados, la ruina, pasado medieval, cementerio, hay muchas
metáforas a la muerte para que quien esté enfrente
experimente esa situación.

• Monje en el mar: el monje está plácido en ese lugar, puede

que otra persona no le guste estar ahí, eso es lo que el autor
quiere que se sienta, que haya diferentes sensaciones con
respecto a su pintura.
• Cuando uno se siente tan pequeño frente a la naturaleza
refiere a lo sublime matemático.
• El mar de hielo: hay un barco hundido, no ha habido barco que
haya superado la naturaleza, nos habla a través de la muerte.

• Lo sublime matemático: cuando a una mamá le preguntan

cuánto quiere a su hijo, es tan grande que no se puede
contabilizar. Esa sensación es cuando uno dice “es más fuerte
• Viajero frente al mar de niebla: mucha literatura del
que yo, es más grande que yo”
romanticismo termina en muerte, los personajes principales
retan a la muerte.
• El afán del hombre de superar a la naturaleza, de ir más allá, • El Temerario: en su tiempo fue el barco más poderoso del
cuando lo logra se cree el rey del universo, mundo, con la revolución industrial ya es obsoleto porque este
• Friedrich nos habla de la sensación del hombre dominando la es un barco a velas.
naturaleza. • Llega su final, un remolque lo jala a las orillas del mar para que
lo desmonten, por eso Turner dibuja un ocaso significando la
muerte.

• La carreta de heno: Constable nació en una zona de campiña, • Lluvia, vapor y velocidad, la gran estación oeste: la locomotora
en Inglaterra. revoluciona el mundo, es una hazaña de la revolución
• Cuando él nace y empieza a hacer sus obras, estamos industrial. Londres es neblinosa, confundido con el vapor y
hablando de un pleno desarrollo en Inglaterra de la revolución humo de la locomotora hace todo imposible de ver.
industrial. • Turner nos habla de varias cosas, no nos habla de la naturaleza
• Hay ausencia de campo, de verde. como elementos estáticos; si no nos habla de lluvia, vapor,
• No es extraño que muchos burgueses encargarán a Constable velocidad, elementos que generan movimiento.
paisajes, el empezó a hacer paisajes inspirado en su pueblo. • La naturaleza en movimiento genera una sensación distinta en
• A Constable le dicen el padre de los paisajes. el ser humano.
• Lo que quieren los compradores de Constable es tener un
pedazo de verde en sus casas a través de esas pinturas. Estas
pinturas eran de mucha demanda.

• Lo sublime dinámico: algo que rebasa nuestras fuerzas.

• El caballo blanco: en la carreta de Heno todo es color sobre

línea, bastante precisa.
• En el caballo blanco la pincelada es más gruesa, es más
esbozado, esto anticipa al impresionismo.

• Aníbal cruzando los Alpes: hazaña de magnitud, sino también

de naturaleza y movimiento debido a las tormentas de las
alturas.
• Tempestad de nieve: Turner quiere despertar las sensaciones
del espectador.
• Hay gente que se enfrenta a las fuerzas de la naturaleza a este
nivel.
• Esto es color sobre línea, son manchas, tanto movimiento nos • Oficial de cazadores a la carga: los artistas experimentan con
habla de asimetría, desequilibrio, el romántico es anticlásico. lo que ven en otros países.
• Esta pintura retrata un oficial mameluco, oficiales aguerridos
que vienen de oriente, esos sombreros son distintivos que
viene de la tradición oriental.
• La piel del leopardo en la silla del caballo también es
característico, el sable curvo también. Por todo ello se explora
lo exótico.
• La postura del caballo tiene una postura anti clásica, hay
mucho color sobre la línea, mucho movimiento, mucho vapor.

• Lo sublime: cuando en la tv nos dicen “las siguientes imágenes

pueden herir susceptibilidades” ¿cambiamos de canal o nos
acercamos a la TV? nos acercamos porque existe el morbo,
nuestras reacciones frente a situaciones extremas hacen que
nuestros sentidos sean débiles, es más fuerte que los
sentidos.

• Pintura romántica, características:

✓ Ligado a la pintura de paisajes
✓ Evocación del pasado medieval
• La Balsa de Medusa: temática de denuncia.
✓ Gusto por lo exótico, que empezó a nacer con el • La denuncia surge por la empatía, la idea de la patria (todos
tema de los viajes y pintar sobre otras culturas. somos uno) los pintores sienten que tienen una
✓ Nacionalismo responsabilidad, ya que tienen una vitrina enorme que son la
✓ Temas de denuncia. gente que ve sus obras.
✓ En todos los casos aparece el color sobre línea. • Esta obra denuncia lo que quería llamar al gobierno, hoy en
día se llama arte crítico. Es uno de los grandes compromisos
de los pintores.
 • La Libertad guiando al pueblo: La pintura más famosa de
• Derby en Epsom: velocidad, dinamismo, todo eso unido a la
Delacroix.
adrenalina hacen que este evento sea romántico.
• La Revolución francesa más importante es la de 1830. La de
• El ser más rápido en Europa era el caballo, hablar de esto es
1789 la generaron los burgueses, lo que ellos consiguieron
hablar de máxima velocidad, es como si hoy en día se pintara
fueron para los burgueses.
el lanzamiento de un cohete.
• En 1830 finalmente luchó todo el pueblo por defender sus
ideales.
• Habla del concepto de libertad, la libertad se representa con
la mujer con el pecho descubierto, una alegoría a la libertad,
la justicia.
• Esta pintura trata de decir que en la revolución francesa de
1830 todo el pueblo verdaderamente luchó por su libertad.
• Entre los que luchan está Delacroix, hacer estas pinturas para
él era su contribución a la patria.

• La loca: en la literatura romántica ¾ partes termina en muerte,

y un 10% terminan locos.
• Estar loco es como estar muerto, se escapa de la realidad.
• Gericault va a cárceles, manicomios, esto es romántico,
explorar la mente humana.

• Mujeres de Argel: hablando de lo exótico, Delacroix viaja

mucho y eso lo enriquece, retrata a las mujeres que fascinaban
tanto, hablaban de las mujeres tan sueltas, liberales, hace
color sobre línea.

• La muerte de Sardanápalo: el más importante artista del

romanticismo es Delacroix.
• Un general, Sardanápalo, está contemplando como ejecutan a
todo su Harén, porque ha perdido una batalla, cuando pierde
tiene que morir él y todo su séquito.
• El manejo del color, tiene un manejo conceptual, todo está
unificado por las telas rojas, que se convierten en un río de
sangre, la muerte de Sardanápalo produjo un río de sangre, es
lo que nos quiere decir Delacroix.

• EL quitasol: de Goya, sus primeras obras son en Zaragoza,

luego viaja a Madrid, donde trabaja temas costumbristas,
 aquello que exalta lo propio, una de las características del
romanticismo.

• Fusilamientos de Príncipe Pio: Goya hace el tratamiento del

claroscuro para iluminar solo a un personaje, es esbozado, no
hay interés en el desarrollo de la perfección, sino en el
contenido, el mensaje.
• Habla del valor del compatriota, muere orgulloso por la patria.
• Carlos IV y su familia: Goya está pintando un lienzo, aparece • Utiliza el color enfatizado por el claroscuro, ha generado un
en las sombras. tránsito hacia el lado izquierdo de la obra.
• Aparece toda la familia real, lo raro es que no aparezcan
ordenados, parece ser hecho a propósito por Goya para
denotar la desunión que hay en la familia.
• El manejo de la luz hace que el centro no sea el rey, el ojo no
se va al rey, se va a la reina.
• En esa corte la que dominaba todo era la reina, se sabe que el
niño no es hijo del rey, que la reina tuvo un amante y el niño
es producto de esa situación.
• es color sobre línea.
• Dentro de la corte está el secretario el rey que se llama Manuel
Godoy, hay un catálogo de sus pertenencias.

• Saturno devorando a sus hijos: se habla de un carácter

expresionista, hace que muchos investigadores hablan del
genio de Goya, que él tiene muchas facetas.

• La Maja Vestida: encargado por Manuel Godoy, se cree que es

una actriz famosa de la época. Color sobre línea, manejo del
claroscuro para resaltar, concepto del desnudo habla de • El sueño de la razón produce monstruos: Goya surrealista,
erotismo. exterioriza el producto del sueño.
• En esos tiempos la gente tiene pesadillas, lo que hace es
exteriorizar esas pesadillas, eso es lo que hace a muchos
investigadores definir a Goya como el artista más grande de la
historia de España por haber explorado diversos aspectos del
arte adelantándose a su época.
 • Se maneja un tema conceptual, se habla de la clase social
trabajadora, no de las espigadoras en sí, los trata con
hidalguía, como héroes trabajadores.

La Escuela de Barbizon: PAISAJISMO FRANCES

• Encuentran en la obra de Constable la libertad que no tenían

• El Ángelus: dos campesinos rezando al final de la jornada,
en la Academia.
porque están los costales de lo que han cosechado.
• Sus aportes son que van a trabajar una mayor libertad creativa
• En lugar de canasta se dice que había un bebe muerto, y esto
descubierta en los paisajes; eliminan los excesos
era una denuncia acerca de las diferencias que habían, el poco
sentimentales; observa los aspectos cotidianos; elevan la
acceso a sistemas de salud, etc.
categoría de los personajes.
• Técnica: sigue patrones del romanticismo de color sobre línea.
• Trabajó de manera distinta a estos personajes y los eleva a la
categoría de héroes trabajadores.

REALISMO
• Primer Daguerrotipo: surge la primera fotografía.

• La catedral de Chartres: vende el aspecto cotidiano del paisaje,

no hay drama, es lo cotidiano.

• Los pintores se dedicaron a retratar por siglos la realidad, de

pronto aparece un aparato que logra todo eso, el problema
muchas veces es el color, pero esto era irrelevante para la
gente porque esto se volvió una moda
• Las personas ya no acudían a los pintores, preferían a las
fotografías, surgió una crisis, los críticos hablaban bien de la
fotografía.
• Las espigadoras: trabaja el paisaje incluyendo al campesino
• Constable también lo hacía, pero aparecía chiquito, acá el
protagonista son los trabajadores, el paisaje es un elemento
secundario.
 • Esta Courbet en su taller, hay dos grupos de personas a su
costado, unos vestidos de burgueses, otros vestidos como si
fueran de otras nacionalidades, está toda la gente con la que
Courbet convive en su día a día.
• Courbet conocía a cada uno perfectamente y pintó su realidad,
pinta el concepto de su realidad, se pinta en el medio de su
realidad
• Hay una mujer que lo mira, por el sentido de la realidad
sabemos que no es una venus ni nada, es la modelo, esa
modelo al estar desnuda se convierte en una alegoría de la
realidad del pintor.
• Pinta aquello que no podría retratar una fotografía.
Técnicamente sigue los patrones del romanticismo, aquí no
hay cambios.

• Laurent Cunin, Político: trabaja la caricatura, la caricatura es

realismo al exaltar las características de una persona, exalta
su carácter.
• Superar lo fotográfico, deformar las cosas y superar lo
fotográfico.

• Entierro de Ornans: carácter documental

• La protesta: el periódico y la fotografía no podrían deformar

los rostros para transmitir la protesta.

• Buenos días, señor Courbet: retratar lo cotidiano, demuestra

que la pintura es capaz de retratar cualquier cosa, que no hay
límites.

• Compartimiento de tercera clase: superan la fotografía y en

paralelo muestran su compromiso social. Deformación de las
cosas.
• El estudio del pintor, una alegoría real: marca el inicio del arte
moderno, es una respuesta a la fotografía y demostrar que el
camino de la pintura se abría solo.
LA PINTURA AL AIRE LIBRE
• Los pintores dibujaban cuando estaban al aire libre
• Desayuno sobre la hierba: Manet empieza a mirar las obras de
arte de una manera distinta, era amante del renacimiento
• El paisajista terminaba sus obras en su taller porque el óleo se
veneciano, los elementos de la pintura empiezan a convertirse
seca, entonces cuando se inventaron los tubos de óleo cambió
en espacios o elementos, manchas de colores que interactúan
la historia de la pintura, porque empezó a trabajarse con los
colores observados en directo.
• Él empieza a ver de otra manera las pinturas, en base a esa
pintura él empieza a trabajar el tema haciéndolo
contemporáneo, es decir en lugar de esos campesinos o
mujeres desnudas que indican pureza, lo que trabaja es los
burgueses y 2 prostitutas, las prostitutas también eran una
clase desfavorecida.
• A nivel temático transforma una pintura en una protesta
social, nos habla del papel de la burguesía en la explotación
de las prostitutas, no parece una protesta social, nos hace
recordar a las pinturas del renacimiento barroco, pero en
realidad sí es una protesta social.
• Leyes del color de Chevreul: algunos colores chocan con otros, • También hay experimentación, empieza a través de las leyes
si se juntan colores afines se pueden unir porque nuestra del color a ver todo como manchas de color, empieza a
retina responde a ello. configurarlas dentro del lienzo como elementos contrastes,
• Todo eso era obvio, pero había que ponerlo en teoría, había esto hace que la pintura pierda elementos como la
que hablar de ello, los pintores se hacen conscientes de este perspectiva, las pinturas se aplanan, ya no hay sombras del
tema. renacimiento o barroco, se han sintetizado colores, todo esto
• Estas leyes permitieron a los artistas ciertos avances, ligados porque Manet ya no es fotográfico, su interés no es
al desarrollo de las teorías del color como el manejo de representar la realidad tal cual la ven, lo que aprovecha es un
complementarios, la proximidad de colores, mezcla óptica. espacio para dar dos mensajes, uno ligado a la protesta social
y otro ligado a la experimentación.

• Napoleón 3ro hizo un salón de rechazados: los rechazados

estaban en contra de las reglas de la academia.
• Olimpia de Manet: mirada desafiante
• Salones oficiales de parís: número creciente de artista
rechazados por la academia. • El rostro y la mano al estar tensa nos habla de que ella no está
feliz de hacer un trabajo así, es un círculo de explotación
manejado por hombres que aprovechaban la necesidad de
estas mujeres.
• El gato negro esta aterrado, de alguna manea demuestra lo
que Olimpia es.
• Ella está desnuda, pero está vestida con los regalos que los
clientes le dan.
• La pintura se aplana un poco, pero es porque Manet
experimenta con los campos de color, evitando sombras
negras y una serie de elementos.
• Esto aún no es impresionismo.

• Tormenta debajo de la cumbre: no hay perspectiva,

esquematización distinta
• Monte fuji que desprende lava, un paisajista europeo jamás
haría una lava así, todo está sintetizado.
• Esta capacidad la tienen los japoneses por siglos.

• El bar del Folies Bergere: pintura de su última etapa, ya

conocía patrones del impresionismo
• Habla de crítica social, detrás hay un gran espejo, donde
destaca la espalda de una mujer que habla con alguien, esta es
la espalda de la mujer, pero geométricamente no
corresponde, lo que sucede es que Manet sabe que esto no es
fotografía, y que el ojo humano rápidamente asocia, sacamos
en cuenta que quien está enfrente sería el espectador.
• Es interesante cómo maneja el espacio, en un solo plano
maneja el efecto del espejo para poder darnos cuenta de qué
hay después del espejo. • Umezawa en la provincia de segami: nubes propagándose de
manera distinta, la vegetación también

IMPRESIONISMO
• La estampa japonesa: la apertura comercial de japón permitió • La gran ola de kanagawa: detrás está el monte Fuji, no hay
que se conociera muchas cosas, entre ellas las técnicas de los nada en la perspectiva que nos diga que está detrás porque los
japoneses para pintar. colores son iguales a lo que esta delante.
• Cuando había los pinceles encontraban unas impresiones que • Todo esto llamó la atención de los artistas europeos, sintieron
llamaban la atención porque eran distintas de lo que que el arte no daba la oportunidad a los artistas para explorar
aprendieron en la academia. otros campos, es una apertura de ojos hacia otros esquemas.
• En 1867 hubo una exposición con 24 grabados de vistas del
monte fuji de Katsushia Housal, todas eran impresiones.
• La gráfica japonesa responde a miles de años de tradición, los
japoneses no emplearon ningún tipo de perspectiva, eso llamó
la atención.
 • El artista del impresionismo se libera de todo lo que sabe para
pintar lo que ve en ese instante, Monet ve una mancha y por
lo tanto pinta una mancha, él sabe cómo se reflejan los rayos
del sol en el mar, pero pinta una línea
• Él pinta la apariencia, no pinta la realidad, pinta la apariencia
de los objetos.
• Lo que altera la apariencia de los objetos son dos elementos:
luz natural y el instante, Monet solo podía pintarlo así porque
a las 6 am, en el amanecer, esto se ve así, entonces depende
de la luz natural y del instante la alteración y apariencia de los
objetos.

• Henri Fantin-Latour: Manet pintando, todos los que están

alrededor son personas del ámbito parisino.
• Esta pintura nos dice que Manet es el centro de la pintura.
• Esta Monet, quien es el inventor del impresionismo. Cuando
Monet desarrolla el impresionismo, Manet aprende de él.
• Impresionismo: no representa los objetos como son, sino
como se ven dependiendo de la luz y del momento.

• Le Grenouillére: no necesitamos los detalles de las personas

para saber que están disfrutando, pinceladas sueltas,
demuestra la apariencia de las cosas.

• Claude Monet, impresión amanecer: la crítica de manera

despectiva describió a esta pintura como impresión, pero
Monet la adoptó y se dio nombre a este movimiento.
• Monet está representando lo que veía desde su ventana, que
eran botes, barcos y sus mástiles • La estación de Saint Lazare: el impresionista es obsesivo. tren
• Eso que estaba viendo por su ventana, dice una cosa que bota humo, nos damos cuenta de la temperatura, del
interesante “con el sol en la niebla” impresión hubiera sido un tiempo, del momento (muy temprano) hay varias versiones de
nombre incompleto, amanecer es lo que le da el carácter ese lugar, el mismo objeto, pero en diferentes momentos.
impresionista.
 • Nenúfares o lirios de agua: Monet compra una casa preciosa
rodeada por un jardín japonés, los lirios flotan sobre el agua,
este será su nuevo motivo de obsesión.
• Encontró elementos perfectos para trabajar cómo altera la luz
los objetos, todo esto tenía que ser inmediato
• Se dio cuenta que los colores de las cosas cambian cada 40
• Catedral de Rouan: no se ven todos los detalles, pero Monet minutos, entonces tenía que actuar rápidamente, es por eso
retrata lo que ve, no se influencia por lo que sabe, hay que algunas de sus pinturas miden poco.
influencias de la teoría del color.
• Las que son más grandes ya son experimentaciones a partir de
• De esta Catedral hay 20 versiones. Esta es la clave del eso.
impresionismo: Monet dice que el motivo es de todo
secundario, lo que se quiere representar es lo que existe
entre el motivo y yo.
• Él no quiere pintar la catedral de Rouan, sino lo que hay entre
el ojo y la catedral: el instante, la luz, la distancia, todo eso
afecta la apariencia del motivo.
• La clase de danza: una de las obsesiones de Degas ha sido las
clases de danza, esto porque la bailarina es una mancha blanca
que está en movimiento y que capta la luz, esto es arte
moderno.
• Él ve manchas blancas que captan la luz en su movimiento,
capta la luz natural en el instante determinado, su pretexto es
ese, no deja de ser impresionista.
• Hay algo elemental de la estampa japonesa, los japoneses
trabajaban profundidad, en el piso hay líneas, pero el punto
de fuga está afuera, los japoneses trabajan líneas oblicuas
con el punto de fuga afuera de la obra, esto amplía la obra, • Le Moulin de la Galette: su gusto particular han sido los colores
se siente más grande. pasteles, él utilizó los pasteles para poder dar brillo en
captación de luz a sus obras
• Sus obras tratan de captar las apariencias de las fiestas
parisinas al aire libre en tiempos que era más joven, él
congregó gente y mandó a arreglar ese lugar y reprodujo una
fiesta que él añoraba.
• Se ve el manejo desde dos puntos de vista: lo que está detrás
del primer grupo es como si se hubiera subido a una silla para
poder verse.
• La luz entra a través de los árboles, generan puntos brillantes
en toda la obra, ya hay cambios respecto a la idea y gustos de
los artistas, pero su intención es mostrarnos la apariencia de
los objetos.
• Bailarina con bouquet: Monet juega con el color porque ve que
los objetos cambian de color por la luz, pero Degas manipula
el color.
• Aquí no hay luz natural, pero no deja de ser impresionista es
que el movimiento de la chica capta la luz de los reflectores,
ella tiene un traje blanco, pero por su movimiento se genera
otro color.
• Otro elemento fundamental en lo técnico que no es del
impresionismo: esta bailarina fue captada desde lo alto, pero
las bailarinas que están atrás las vemos como si estuviéramos
en la platea.
• Degas nos plantea dos puntos de vista, esto ya es arte
moderno.

• El almuerzo de los remeros: el artista utiliza elementos del arte

clásico para poder cohesionar el grupo a través de las miradas,
este grupo de amigos tienen intereses amorosos no
correspondidos, se pone un toldo ficticio para poder encerrar
a los personajes, no deja de ser la intención fundamental de la
obra la captación de los objetos por el efecto de la luz natural
en un instante determinado.

• Pequeña bailarina de 14 años: esta obra revolucionó parís,

dijeron que la niña no era bella, dijeron que el rostro obedece
a otra apariencia física, es otra conformación ósea, es muy
cercana a los dibujos que hicieron los artistas que fueron a las
islas galápagos
• Lo otro reaccionario eran los elementos empleados: el
baseado es bronce, pero se empleó un tutú real y una base de
madera, se usan técnicas mixtas, todo esto son reacciones a la
academia.
POSTIMPRESIONISMO
• Aquí hay iniciativas distintas, no hay elementos técnicos que
los unan.

• Los comedores de patatas: en Van Gogh es imposible no

vincular su vida a su obra, él es un artista holandés que nace
después de la muerte de un hijo en la familia que le pusieron
• Una tarde en la grande Jatte: obra más conocida de este
Vincent, la costumbre era poner al siguiente hijo el nombre del
artista. su intención es impresionista, pero él se dio cuenta que
hijo muerto.
las pinceladas rápidas no terminaban de captar la luz, y
sintetizar los colores de manera efectiva, él pensó que mejor • En su familia hay varios antecedentes de desequilibrio mental,
sería, para captar todas las tonalidades, trabajar con puntos. no es extraño que él las hubiera tenido, sobre todo
esquizofrenia.
• Esta obra tardó 2 años por esa razón
• Desde muy joven, su difícil carácter debido a la esquizofrenia
• El resultado se ve en los árboles, se produce una explosión de
ha hecho que no pudiera encajar con nada, quiso ser
colores que no es real, es una cosa nebulosa, entonces se vio
predicador, pero lo botaron por ser agresivo.
obligado a delimitarlos, al hacer eso les dio rigidez, esto
técnicamente no funcionó en la intención que tenía Seurat, • Su hermano Theo lo contactó con una persona que tenía
pero su técnica es muy importante para artistas posteriores. galerías, lo coló en una de ellas, ahí descubrió la pintura, sintió
amor por las pinturas, vio las pinturas de Milet, Domieg.
• Aquí se hermana con Manet en cuanto a la crítica social:
Seurat nos muestra gente un domingo por la tarde paseando • No es extraño que las primeras pinturas de Van Gogh están
cerca de río, hay una pareja, la chica pasea un mono, haciendo ligados a protesta social, el empezó trabajando pinturas
análisis diversos se ha llegado a la conclusión que esto es un realistas, hace crítica social, retrata cómo vivía la gente que
elemento puesto por Seurat, el mono nos habla de lujuria, trabajaba en las minas, en una casucha donde todos los días
entonces un burgués ha contratado sus servicios y pasean por comían papas.
ahí. • Luego dicen que él mismo se formó, que es autodidacta, el
• Esta obra además de captar la luz también maneja crítica establece contacto con los pintores parisinos, su contacto con
social, la técnica no se valora mucho en ese momento, pero en los impresionistas hace que su pintura en color cambie.
el futuro sí lo hace.

• El circo: se deja influencia de una línea decorativa llamada el

• Autorretrato con sombrero de fieltro: en parís recibe
art Nouveau
influencia de estos artistas, se establece en la ciudad de Arles,
• Hay estilizaciones, los ojos son rayas hacia arriba, los bigotes su hermano le alquila una casa para que viva solo,
del presentador, hay estilización de formas que vienen del art
• Él acostumbra a enviarle cartas, un día le dice que está solo,
Nouveau.
nadie quiere posar para él, pero ha tenido que autorretratarse,
cuando se ha visto se dio cuenta que es autor tratable, porque
es una dupla de complementarios, por su barba roja y su traje
azul.
• La pincelada no es rápida como de Monet, no es
impresionismo, esto se trabaja en un interior, donde los
colores no son exactamente lo que se ven, si no que pasa por
la imaginación del artista
• Lo más interesante es que alrededor del personaje hay una
especie de emanación energética, unas líneas que rodean al
personaje, los psicólogos se preguntaban qué es eso, acá hay
un componente que no está en el impresionismo y que es un
aporte, estas líneas trasladan lo que tiene dentro hacia afuera,
esto se llama exteriorización de los sentimientos interiores.
• Esa emanación de energía podría ser su interior, él no era
consciente de ello, él solo hizo un fondo, pero los psicólogos
dicen que es su interior exteriorizado, esto es lo que llama
tanto la atención en Van Gogh, uno congenia con estas cosas
porque es como un libro abierto.

• Habitación en Arles: todo está en orden, colores

contrastantes, pero la perspectiva genera un movimiento
tremendo, las pinturas parecen que van a caer, la alineación
de las sillas genera un desorden, que nos da cierta ansiedad,
representa un pequeño choque.
• Él no era consciente de estas cosas, los psicólogos dicen que
esto es como un imán atrayente.

• Casa Amarilla: él vivía en esa casa, junto a esa casa está el café
donde siempre va.
• Después de los contactos que hizo en parís, él manda una carta
a su hermano diciendo que está feliz porque Gauguin iba a
vivir con él, él pensaba que esto iba a ser el germen de la
sociedad de artistas, estaba tan feliz que pintó muchos óleos
de girasoles, por su ilusión de crear esta congregación de
artistas.

• Café de noche: pintura un poco más impresionista, capta el

efecto de la luz sobre la piedra, el café está dentro de una
gama de colores distinta.

• Los girasoles: según psicología se ve que lo que ha

representado el artista es el desorden mental, el desequilibrio
de la persona, la mayoría de los girasoles están marchitos, sin
hojas, algunos muertos, la forma que propone estos girasoles
está desordenada, no hay jerarquización o alguna forma
geométrica que cohesiona.
• Esto muestra desequilibrio mental, dice que está feliz, el • Autorretrato: tenía peleas con Gauguin, en una de esas se van
amarillo es feliz, pero las flores muertas dicen otra cosa. a las manos, Gauguin se va a hacer unos trámites para regresar
tomar sus maletas e irse.
• Esa tarde tenía que llegar una modelo que los dos artistas
contrataron.
• Él no podía sacarse de la cabeza que sus sueños otra vez se
rompían, en un arrebato se corta parte de una oreja.
• Recientemente se encontró en el historial policial el cómo se
cortó la oreja Van Gogh, sugiere que se cortó toda la oreja,
pero dejó el pallar, la teoría más acertada es que se cortó en
 un acto de autoflagelación para demostrarle a Gauguin que se
arrepentía de todo lo que había hecho.
• Hay influencia de la estampa japonesa, detrás de él hay una
estampa japonesa.
• Los tubos de óleo para poder preservarse tenían gran cantidad
de plomo, este es adictivo, el empezó a comer óleo, el plomo
genera alucinaciones, lo llevaron a internarse en un hospital.

• Retrato del doctor Gachet: sufre depresión porque su hija lo

abandonó (en realidad se casó) vivía solo como Van Gogh, hay
una transformación libre de los colores.

• Noche estrellada: prometió portarse bien, a no comerse los

óleos, pero solo que le devuelvan sus pinturas y oleos.
• Él tenía una habitación con una ventana donde veía lo que se
ve en esta obra, pintó una noche estrellada
• Por constructo social, cuando niños nos decían que dibujemos
algo hacíamos rayas por ejemplo en los rayos del sol, son • Cuervos sobre trigal: una de las últimas obras, dice que es su
construcciones sociales, lo mismo puede pasar con Van Gogh, testamento pictórico, esta pintura habla que él al representar
pero acá hay algo más, aquí parece que sucede un cataclismo, estos caminos está pensando en toma de decisiones.
cuando la apariencia de la ciudad está tranquila, hay
elementos discordantes.
• Esto no es impresionista, Van Gogh sin querer nos da algo
adicional que es la esencia de la pintura, él no pinta las cosas
como las ve, las pinta como las siente, esto es distinto al
impresionismo.
• Cuando se ha visto desde la ventana donde estaba Van Gogh
no ha visto el árbol de la izquierda, el ciprés es el árbol de la
muerte, probablemente desde que estuvo en prisión empezó
a sentir que era una carga para la sociedad.

• El mercado, de Gauguin: no hay locura, sino un síndrome de

evasión constante, es una persona que cuando tenía en su vida
todo bien decía que algo iba a pasar.
• Él vivió en lima de 2 a 5 años, recordaba mucho a su abuela
Tristán, recordaba mucho los colores llamativos de las casas
de lima, algo que representa a Gauguin es la libertad del color.
• Él en todos sus viajes tiene contacto con la gente, es su
pretexto para trabajar sobre el color, en esa pintura ha
traslado la pintura egipcia a un ambiente de mercado en
Tahití, ha tomado libremente los colores para generar
cromatismo.

• Autorretrato: mirada perdida, fondo que representa su mente

atormentada.
 • Su primer gran aporte es la geometrización del mundo, él ve
como volúmenes cada elemento, como un conglomerado de
volúmenes.
• Él reduce el mundo a 3 volúmenes: esfera, cono y cilindro. de
la esfera se puede convertir en un cubo, el cono en una
pirámide, el cilindro en otras formas, la síntesis implica todas
esas variantes.
• Una manzana para Cezanne es una esfera, geometrizó la
manzana, ¿cómo se logra la esfera de la manzana
sintetizando’? haciendo una mancha roja de forma circular,
con una mancha amarilla para que tenga volumen, el hueco
otra mancha roja, y detrás otra mancha negra para conformar
la forma esférica.
• ¿Cómo geometrizó el mundo? lo hizo con el color, el color
• ¿De dónde venimos?: lectura de derecha a izquierda, está genera el volumen.
proponiendo cosas distintas, línea de interpretación del color • Una pera sería una esfera más un color; la jarra un cilindro, las
que genera espacios de cromatismo, entre fríos a cálidos al telas parecen bloques porque ha geometrizado la tela.
pintar de rojo a ciertas personas, esto genera que el ojo • El tercer aporte de Cezanne es la propuesta de más de un
humano transite a través de su pintura. punto de vista, acá hay 2: frente de la mesa y tablero que
• A partir de la cosmovisión de la gente de Oceanía plantea las parece levantado. Esto nos hace comprender el arte moderno,
preguntas fundamentales del ser humano, al final todas las no es la intención de Cezanne hacer lo que hacía Velázquez,
culturas representan lo mismo: nacemos, crecemos y esto no es fotografía, él nos da otra interpretación del mundo,
morimos. esto es el nacimiento de las vanguardias.

• Nunca más: importante porque es una reflexión, él ejerce un

machismo y somete a muchas mujeres, a veces no era
consciente que podía causar a algunas personas hasta qué
sucede esto con la chica, sentía culpa de cómo la había
tratado, él toma una decisión a partir de algo que le recuerda
la pintura del cuervo, el nunca más se refiere a que nunca más
va a someter a las mujeres.

• Naturaleza muerta con manzanas: el lienzo es un laboratorio.

• Naturaleza muerta con duraznos y peras: trabaja dentro de

una línea experimental, él fue rechazado por la academia.
• Sintió su vida frustrada, regresó a su pueblo natal y se encerró,
empezó una línea de experimentación que son las bases del
siglo 20.
• Cezanne observa el mundo y hace algo que hacía Manet, quien
veía un cuerpo y decía que era mancha, pero Cezanne • Jugadores de cartas: él hace configuraciones de cuerpo
empieza a geometrizar el mundo. cohesionándolos con la teoría del color.
• Montana Sainte Victoire: síntesis de colores.
• El pensador: este pensador no tendría tanto impacto por su
rugosidad, su textura, que le da un carácter distinto a su
pintura.

• Grandes bañistas: Cuerpos se inician como manchas, pero

luego aplica otros colores en determinados puntos. tardó 7
EXPRESIONISMO
años.
• Van Gogh termina en casi 1890, expresionismo empieza
en 1905.

• El grito, la desesperación: no hay que estar locos para que

los sentidos se alteren, en esta pintura se muestra como
él se siente, él no es así, ni el cielo se puso rojo, él
mientras estaba con sus amigos pensó en algo que lo
• El beso: Rodin hizo dos aportes principales, el primer aporte es desesperó, exteriorizó su sentimiento interior, en la
que puso las esculturas a nivel del espectador; la segunda es desesperación los estadios se alteran, por eso se
la forma infinita, como que no se ha terminado el trabajo. transforma el color y las formas.

• Esqueletos disputándose un ahorcado: él hablaba de un

mundo decadente, donde la gente lejos de apenarse por
 la situación de la muerte de alguien, todos están • Él siente que su mundo no tiene sentido y se suicida.
dispuestos a disputarse el cuerpo muerto.
• Empieza a manejarse una forma de exteriorizar su
interior por medio de máscaras.

• Crucifixión: trabaja las máscaras africanas, aquí

exterioriza los sentimientos de los que estaban ahí, hay
rostros que parecen derretirse, en el caso de cristo las
líneas son más angulosas recordando las máscaras
africanas.
• El puente: se llamó así porque quería unir el arte de su
tiempo con expresiones que no habían sido tomadas en
cuenta, como el arte primitivo.
• Ahí está el factor Van Gogh y los estudios de la psicología,
se dieron cuenta que los niños dibujan lo que siente, en
cambio un adulto cuerdo no, cuando está en
desequilibrio salen cosas que uno no se da cuenta. a
partir de la deformación y transformación compositiva
exterioriza lo interior.

• Fábrica de ladrillos: captación de las técnicas, formas de

trabajar de Van Gogh con mucho oleo lo trabaja aquí con
el paisaje.

• Mujeres en la calle: vemos elementos vistos en artistas

anteriores, deformación y transformación compositiva.
• Hay critica a la burguesía, el artista muestra como son
verdaderamente estas mujeres.
• Utiliza el recurso de las máscaras africanas, estas son
puntiagudas, estas formas angulosas unidas a los colores
vibrantes hacen que la pintura sea muy agresiva. • La novia del viento: se auto representa junto a su amada,
• Las formas angulosas dan sensación de agresión la famosa Alma Mahler
• Esta pintura está hecha para ser agresiva, fea, para • El tema es que cuando Kokoschka se vincula a Alma
revelar cosas que el arte anterior no podía revelar por Mahler, al ser tan amigos con Mahler no era una cosa
ciertos filtros que se imponía el artista y la academia. bien vista, pero él estaba harto de no decir al mundo que
amaba a esta mujer, por lo que expone esta pintura en
una galería y hubo un revuelo.
• La pincelada, la textura y colores recuerda mucho a Van
Gogh.
• Exterioriza sus sentimientos al publicar su vinculo
amoroso.

• Autorretrato como soldado: se muestra deformado por

esa tristeza.
• Su rostro parece una máscara africana, alrededor hay
muchos ángulos, lo que le da un carácter agresivo.
• Arrodillado con los manos en alto: es una vuelta al dibujo,
un dibujo que deforma para exteriorizar los sentimientos
interiores, transformar a los colores, es de los mejores
artistas manejando el color, esos colores no son reales, • impresión III: es la impresión del concierto para piano de
pero construyen elementos que luego delimitan, este es Arnold Schönberg.
un autorretrato.
• Están las personas que asistieron al concierto de manera
• Su interior esta transformado en el color y las formas. sintetizada. los colores determinan los pasajes de la
música, así como hay pasajes brillantes, también los hay
oscuros.
• Es la experiencia del autor respecto al concierto que
asistió.
• Hay algo de la realidad como puede ser la mancha negra
del piano y el pianista.

• Del Blaue reiter: uno puede exteriorizar también paz,

armonía, equilibrio, no todo es negativo.
• Él estaba ligado a exteriorizar de tipo subjetivo o
espiritual. hay una transformación de la pintura a los
sentimientos.
• Va a partir del discurso musical, porque el discurso
musical es abstracción, porque exactamente la música no
se puede traducir a una palabra, entonces él dice “como
logro que la pintura tenga ese mismo nivel de síntesis en • Composición IV: la armonía de la paz interior se
donde las dietas no sean tan cornetas” entonces se fue a transforma en color azul; todos los sentimientos pueden
los elementos fundamentales que son el ritmo y melodía, delimitarse, y algunos están más libres, otros encerrados.
esto se traduce a la pintura así: ritmo son duraciones, • En su mayoría la obra está pensada y trasladada al lienzo.
delimitaciones, las líneas delimitan; melodía es igual a Se llama batalla porque es una batalla entre formas y
color, porque son los timbres. colores que se extienden a una sección donde hay dos
caballos enfrentados en una batalla con dos jinetes.
 • Improvisación 26: inicia una idea y empieza a generar • Esta pintura no solo es cubista
ideas que surgen en ese momento. • Hay manejo de sentimientos interiores, por la presencia de las
• Aquí no hay formas, hay líneas y colores que fluyen. máscaras africanas.
• Este tipo de abstracción es abstracción lírica. • También están las caras picassianas, la mitad de frente y la
mitad de perfil, superpone dos planos del rostro. Esto pasaba
en el cubismo, había dos enfoques.
• De cezanne también está la geometrización del mundo, todo
se ha convertido en elementos que presentan formas
angulosas.
• Por otro lado, también hay manejo del color especial, reduce
las gamas a dos complementarios: naranja y azul, ahí está
cerca a goganne, con su reducción de los colores.

• Los pequeños caballos azules: dan la sensación de

tranquilidad por las formas onduladas, diferentes a las
líneas agudas, él es consciente de eso.
• Su intención es mostrar fluctuaciones de líneas
armónicas, toma de pretexto el caballo.

CUBISMO ANALÍTICO

• caballos rojo y azul: es más agresivo, las líneas y colores

empleados de forma distinta pueden generar
sensaciones distintas.
• El mundo de la psicología entra muy fuerte en todas estas
tendencias.

• Violín: cubismo analítico, primer tipo de cubismo.

• El artista observa detenidamente el objeto y va a trabajar en
un plano distinto, como tomando esbozos, apuntes de los
diferentes elementos que nos permiten conocer y
• importante para el examen: saber la relación de las
comprender perfectamente el objeto.
vanguardias y el impresionismo
• Superpone diversos aspectos del objeto, los muestra. También
las geometriza.
CUBISMO
• La tendencia es monocromática, va de Marrones oscuros a
• Las señoritas de Aviñón: Cezanne al final trabajó bañistas,
claros, encerrados en una forma ovalada. La forma más clara
trabajó durante 7 años para lograr los volúmenes de los
la hicieron para que unida a la forma ovalada se haga una
cuerpos femeninos con manchas de color, con mínimas
forma tridimensional.
intervenciones de líneas.
• Las señoritas de Aviñón son prostitutas, Picasso frecuentaba
mucho. Las mujeres al ver el cuadro se confundieron, no
comprendían que el tema de la vanguardia es expresar
sentimientos interiores.
 CUBISMO SINTÉTICO

• Cubismo sintético: representa la síntesis de ideas. Muestra la

parte para comprender el todo. Síntesis para comprender el
todo.

• Retrato de Ambroise Vollard: se muestra todo en múltiples

facetas.

• Guitarra, partitura y vaso: comprendemos el material,

profundidad, otros elementos, no se necesita poner todo para
comprender. La copa es cubista analítica, pero en general la
obra es cubismo sintético.

• Naturaleza muerta con silla de mimbre: pintura que está en el

punto medio entre las dos formas de cubismo.
• Da la idea de un espacio, una habitación, por ejemplo, en la
que había periódicos, partes de una copa, paleta del pintor.
• Recorta el mimbre de la silla, saca la soga de la silla y la pega
alrededor.
• Guernica: obra a encargo, lienzo de 8 metros.
• Configuró el primer collage de la historia.
• Trabaja de forma clásica, hay una cierta triangularidad.
• Hay cubismo porque hay más de dos planos expuestos
• Hay exteriorización de sentimientos.
• Trabaja monocromáticos
• Cuando Picasso la lleva para exponer, había un militar alemán,
él le pregunta a Picasso si él lo hizo, Picasso le responde que
no, que ellos lo hicieron.

• Bodegón con vaso y periódico: cubismo analítico, superpone

toco lo que hay en una habitación.
• El remolcador: otro tipo de cubismo, cubismo órfico (es un
extra, esta pintura no se tomará) es una maquina basada en
figuras geométricas, se genera una especie de mundo
paralelo, en este mundo el hombre no existe tal cual, sino otro
tipo de hombres.

FAUVISMO
• Una libre expresión del color.
• Trabaja color y luego viene la forma.

• La alegría de vivir: esta pintura no es agresiva. Al igual que

Manet trabaja en función a una obra anterior, ese pretexto
nos permite trabajar en función del color.
• Se trabajan manchas de color que luego se delinean, el árbol,
las mujeres, son grandes manchas que luego se delinean.
• A partir de la experimentación del color se delinean.
• Las líneas son onduladas, dan otra sensación, son amigables.
 Futurismo
• Nace en Milán, Italia.
• La danza: el tema, el pretexto es trabajar una experimentación
• Rechazan el mundo pasado.
del color a través de una ronda, no necesita trabajar los
cuerpos de manera perfecta, lo que hace es tomar como • El dinamismo, la velocidad, la máquina, la vida urbana, la
pretexto esta interrelación de los cuerpos para generar guerra y violencia, son expresiones dinámicas, todo eso es el
cromatismo. futurismo.
• Combina con una tonalidad verdosa para generar sensación de • Les servía la técnica puntillista para representar la velocidad.
piso.

• Umberto Boccioni, La ciudad se levanta: toma de referencia al

puntillismo.
• El caballo representa la ciudad de Milán, Da sensación de
• Armonía en rojo: el verde al ser complementario del rojo, el
explosión total.
rojo nos lanza al verde para empezar por ahí
• Guía nuestros ojos de manera natural.

• Mujer sentada con entorno decorativo: esto no es una mujer, • Dinamismo de un ciclista: estudia cómo se mueve un objeto.
es un cuadro, es un campo experimental donde trabaja • El futurista ve cómo el tronco de una persona se inclina hasta
armonías cromáticas. adquirir cierta posición.
• Esto surgió a partir del nacimiento del cine.
• Se sirven del cubismo porque geometrizan, superponen, pero
era necesario porque necesitaban mostrar el movimiento.
• El puntillismo representa la energía alrededor del movimiento
del ciclista.

SUPREMATISMO
• Se va a un mundo sensible y puro.
• Los Funerales del anarquista Galli: sus funerales genero una • Lo que vemos son formas geométricas.
trifulca, esa maraña de personas que luchan una contra otras • Hay un mundo figurativo en el arte, y hay otro no figurativo,
esta facetado. que no se basa en nada de la realidad, eso es suprematismo.
• Utiliza el puntillismo y la geometrización y superposición del
cubismo.
• Hay violencia, entonces pone el rojo para resaltar la violencia.

• Circulo negro: contexto, revolución rusa y la primera guerra

mundial.
• Evasión de la realidad, mucha gente en rusia evadió la cruda
realidad en la que vivían.
• El circulo negro es la creación de un mundo paralelo, un
mundo perfecto.
• Dinamismo de un perro con correa: se ve cómo la correa oscila
• Esto es como el ojo de una cerradura, en ese nuevo universo
junto a la cola del perro.
solo hay formas flotando, solo se ve una fracción de ese
mundo porque se capta por medio de una lente.
• El circulo está en el espacio flotando, y así ha sido captado.
• Esta pintura hoy en día es clasicista porque respeta las leyes
de la pintura, busca el equilibrio en un mundo paralelo.
• Esta es una línea de la abstracción que es la no representación.

• Niña corriendo en un balcón: se trata de capturar el

movimiento.
• Tiene algo de impresionismo, se siente que en algunos lugares
hay más luz.
• Esto requiere un estudio muy concienzudo.
• Cuadrado negro y cuadrado rojo: dos figuras que generan
contrastes, efectos dinámicos, el rojo se inclina ligeramente lo
cual le da un efecto dinámico.
 • Blanco sobre blanco: mínima cantidad de recursos genera
todo aquello que esta en el ámbito de la pintura, nos habla de
contraste, fondo y forma, profundidades.
• La pintura refleja un cuadrado que no esta terminado, porque
el espectador lo compone así, estamos asumiendo que esto es
parte de un fragmento más grande.

• Pintura suprematista: líneas más diagonales, formas más

inclinadas.
• Se deja lo objetual, el artista genera un campo experimental
en el cual hay un cuadrado más cerca del espectador, todos los
elementos están suspendidos en un mundo paralelo, es el
espacio pictórico.
CONSTRUCTIVISMO

• El ámbito más fuerte es la educación.

• Los filósofos del constructivismo hablan de que el hombre es
un constructo de la sociedad.
• Se considera el arte para construir una nueva sociedad.
• La publicidad es un elemento importante para convencer a la
sociedad.

• Cuadrado negro: experimentación de la sensibilidad.

Representa el profundo dolor que estaba pasando

• Construcción Lineal: obra plástica

• Más sintético que Malevich, es una construcción.

• Cartel publicitario para Dobrolet: anuncio publicitario para

una compañía aérea
• Si quitamos todo lo del mundo visible nos quedamos con
formas y colores que están en un espacio en blanco.
• Uso del suprematismo en la publicidad, toma los postulados
del suprematismo y los trabajó dentro del ámbito publicitario.
• Él dijo: ¿cómo logro que se enfatice la idea del avión subiendo?
Poniendo un elemento rojo de tal forma que impacte al
espectador
• El espectador lo primero que ve es el avión al estar encerrado
en un campo rojo, luego los lleva a las letras, con énfasis
porque pone un signo de admiración gigante que se convierte
en dos formas geométricas

• Árbol rojo: artista holandés, trabaja una sensibilidad del color,

se basa en complementarios, en las formas, exterioriza
sentimientos a través de un manejo cromático.
• Uno de los principios de Mondrian es desnudar a la naturaleza
de todas sus formas para quedarse con el estilo.
• El árbol es la naturaleza, desnudarla es olvidarse de que esto
es un árbol, entonces se empieza a concentrar, te acercas al
árbol y ves una porción de él, pero si solo se mostrara esa
porción uno diría que son líneas, espacios rellenados de azul,
si se empieza a desnudar de formas estas se simplifican,
• Cartel publicitario de aceite vegetal: estudia el producto de
también se simplifican el color.
manera que los elementos alrededor resalte el producto.
• Mondrian empezó de eso y empezó a desnudar las formas.

• Libros para el conocimiento: él fue el primero en trabajar el

fotomontaje, enfatiza a través del uso de figuras y formas
básicas, la encierra en un círculo, pone un triángulo que se
• Árbol gris: experimento de simplificación. Experimento de
completa con la boca de ella para expresar que está gritando.
síntesis.
• La abstracción será un referente importante para el manejo de
la publicidad.
• En la publicidad se libera al ojo humano de todo lo que es
innecesario.

• Manzano en flor: experimento de simplificación. Se habla de

líneas, no de formas.

NEOPLASTICISMO

• Líneas horizontales son el principio femenino, las líneas

verticales son el principio vertical.
• Ocean 5: hay cubismo porque esta la forma ovalada, se genera
un volumen, hay geometrización. • Composición en rojo, amarillo, azul, blanco y negro: él estaba
• ¿qué del océano hay aquí? Él desnudo a la naturaleza de sus en parís, se va a Londres, ahí cae una bomba muy cerca y por
formas y se quedó con el estilo, es decir, los brillos del mar por su seguridad se va a nueva york, en Manhatan se quedó
los reflejos del sol, él los vio cómo una especie de cruces y los fascinado, se va a Brodway y ve muchas luces, lugares de
reflejó. bailes, era un gran bailarín, estaba de moda un ritmo
sincopado.
• Hay una gran capacidad de síntesis.

• Brodway Boogie Woogie: hay muchas sincopas, movimiento,

• Bonnard: en parís ve la revolución de las calles, vio muchas rítmica, representa nueva york.
casas nuevas, vio pinturas que reflejaban esas calles de parís, • Los puntos saltan en función de la música. Abstracción de la
es como ver por el ojo de una cerradura. Si se abstrae eso, la ciudad de Manhatan.
arquitectura son líneas horizontales y verticales, me concentro
en las líneas verticales y horizontales y se logra lo siguiente:

• Mondrean tenía muchos TOCS, en la victoria Boogie Woogie lo

• Composiciones neopisticistas de Mondrian: capacidad de
trabaja tanto que ya no logra su cometido.
síntesis, extraer una idea.

• Composición en negro: aquí ya no hay cuadrados, hay líneas,

unas más gruesas que otras, por lo tanto, unas están más
adelante que otras, genera profundidad, contraste, equilibrio,
todos los principios de la arquitectura.
DADAISMO que generó leonardo para lograr la Gioconda? ¿Qué pasa si se
destruye la Gioconda? Una catástrofe porque es
• Los dadaístas están ligados a lo lúdico, al estadio infantil, a la irreproductible, la idea de leonardo se hizo una vez, ya no se
libertad total repite, en cambio, con esta fuente, si se rompe, se trae otra y
• Para elegir el nombre eligieron un diccionario en sueco, listo. Este es el germen del dadaísmo.
eligieron cualquier palabra al azar. • Ready-made: objeto listo.
• DADA esta relacionado con la forma en que balbucean los
bebes.
• La verdadera obra de arte reside en la idea, no en la creación
ni la técnica.

• L.H.O.O.Q: interviene a la Gioconda, esta pintura pretende lo

siguiente: se burla de la Gioconda, las iniciales son “esta mujer
tiene el culo caliente”, lo que trata de decir es que la obra ha
sido prostituida por la sociedad, es un objeto de la sociedad,
nadie entiende nada de la técnica de leonardo y sin embargo
quieren tomarse foto con ella, de eso se trata la crítica, el
dadaísmo es un arte critico de la sociedad.

• Rueda con Taburete: entresaca objetos ampliamente

conocidos y los lleva a la contemplación artística.

• Fresh Widow: es una ventada con 4 letras, la única

intervención es poner cuero a la ventana que la hace negra.
• Marcel empieza a reflexionar sobre la sociedad, sobre todo en
las mujeres, él veía cómo la sociedad es tan hipócrita, a mucha
de las mujeres les llegaba la noticia que el marido murió en la
guerra y en un par de semanas estaba con otro.
• Fuente: urinario que denomina fuente, lo que hizo fue una
• Fresh Widow es una “Fresh Window”, el cuero negro es la
intervención, que es voltear el urinario que de manera que se
viuda, esto viene de la abstracción.
convertia en un repositorio de agua, era una fuente.
• La segunda intervención es poner su seudónimo y el año.

• Objeto para ser destruido: Man Ray venia de una relación muy
toxica, él sufrió mucho cuando se terminó al punto que no
• Estos elementos, la rueda y el urinario, ya existían, pero el
podía trabajar al no dejar de pensar en la relación, se convirtió
artista le da una nueva connotación, eso no es lo único, se
en una cosa que no se podía quitar, tuvo la idea de intervenir
habla mucho de lo irreverentes que eran, que era una forma
este metrónomo y de poner el ojo de ella, entonces ella marca
de burlarse.
el ritmo de su vida todavía, no se la puede quitar.
• ¿qué se premia en los concursos de arte? Aquello que los
jurados consideraban arte, premiaban lo material del arte.
Todo el mundo quiere tomarse selfie con la monalisa, aun
cuando se puede ver cada pincelada en Google, ¿por qué
rendimos culto al material? ¿Cuál es el gusto del público? El
dadaísmo empezó a cuestionar el arte como un culto a la
materia, es decir, ¿es más importante la Gioconda o las ideas
 • Jerónimo Bosch, el Bosco, El jardín de las delicias: es
• El violín de ingres: fotografía de figura humana a la cual por las medievalista en el sentido que eran demostrar las
formas ha puesto estos elementos que simule las formas de deformaciones del alma por efecto del pecado, muestra el
un violín, juega con los elementos. verdadero yo de las personas, las personas están pecando y
convierte la ciudad en un bergel, mundo imaginario de lo que
sería esta ciudad pecadora, esto no es surrealista porque no
es un sueño, sin embargo, esto sirvió a Dali.

SURREALISMO
• Básico el papel de Froyd en la interpretación de los sueños.
• El sueño es automático, eso es el automatismo psíquico.
• El sueño rechaza la lógica del orden establecido, es normal que
pase eso en el sueño. • Asociaciones e interpretaciones delirantes: lo que está en el
• Antecedentes del surrealismo: dada, porque en este mundo sueño, asoció todo lo que está en el sueño, cosas irracionales
todo es posible que se junte, la intensión de dada es demostrar que son objetivadas, se trasladan al plano artístico.
que la idea es más importante que la materia; pintura
metafísica, más allá de la física, cosas que no existen en la
realidad, por ejemplo, un guante gigante del tamaño de una
pared, una cabeza gigante, flotante, junto a una esfera,

• Dali nace cerca de Barcelona, iba mucho a cabo creus, las

costas son llenas de formas, Dali de niño veía estas rocas,
dichas rocas representan su niñez y va a estar presente en sus
obras.

• Love Song: todo lo que está ahí no existe, pero no deja de ser
bello, por las formas, los colores, es como la poesía donde se
inventan mundos, estas son metáforas, símbolos, es una
poesía hecha pintura. Todo es posible en la imaginación.
• El gran masturbador: se reflejan cuestiones que tiene que
• Hay otro espectro en el que son posibles cosas que en el
evidenciarlas asi no quiera
mundo real no son posibles, el sueño.
• Influye la fuerte religiosidad en la que fue educado, de tal
manera que todo lo que tuviera connotación sexual era malo,
pecaminoso, sucio
• Él tenía varias manías, tenía un tema con la suciedad, lo sexual
era sucio, no es extraño que en sus sueños apareciera ese
 elemento como una cuestión liberadora, aparecen sus miedos,
sus monstruos.
• También hay otro elemento: los insectos, las hormigas.
• La forma del elemento es Dali, es una especie de autoretrato
de dali, es un dali surrealista, es él y todos sus traumas,
vivencias, su realidad reflejada en el mundo de los sueños.

• La tentación de san Antonio: tentado por diversos elementos,

ha convertido los insectos en animales grandes, lo cual es un
trauma para él.

• Roca antropomórfica en el jardín de las delicias: Sacamos la

conclusión de que es dali, esto no es un invento de dali, se
encuentra en el jardín de las delicias,

• Leda atómica: creó su mundo ideal, esta presente las costas,

es un lugar cerca al mar, esta su amada, la musa de dali, todos
los elementos flotan, es el mundo paralelo para él.
• El cisne es dali, dali seduce a Gala.

• La persistencia de la memoria: otro autorretrato de Dalí, es su

obra más importante.
• Vemos el rostro de dali trabajado de manera surrealista, con
muchos elementos traumáticos para él, a él todo le daba asco,
era un señorito de la clase aristocrática, por eso se creó
muchas manías, pelos tan largos era repudiable, lengua que
sale de la nariz también genera repulsión.
• La costa representa su niñez
• Sobresalen los relojes blandos, esto tiene que ver con su niñez.
• Él tenía otro trauma: cuando cortaban el queso camemberg y
se chorreaba a él le causaba repulsión, en sus sueños entonces
soñaba con elementos que se chorreaban
• El reloj también representa el paso del tiempo y el trauma de
la muerte, esto también se ve por la presencia de moscas y
hormigas.
• El paso del tiempo es inevitable, se chorrea en dali, pero más
importante que la muerte es la memoria, el hecho que la gente
te recuerde, esto esta representado en las costas, él dice “voy
a morir, pero ojala persista en la memoria”
• Él va a seguir representando esos elementos de manera más
libre.

• El cristo de san juan de la cruz: es una respuesta al cristo de

mathias, en el cual sufre, el cuestiona todo eso, el presenta un
nuevo cristo sin llagas que mira su creación, mira el mundo, lo
representa limpio de todas esas llagas, mirando su creación
 • La condición humana: hay un cuadro pintado, detrás una
ventana de un paisaje, ese paisaje podría ser el mismo que el
del cuadro, pero podría no selo, y lo más probable es que no
lo sea.

• La inversión colectiva
• Gala mirando el mar meditarreneo

• Golconda: construcciones que crea la sociedad a partir de la

representación visual.
• Los Amantes: representa seres cubiertos en diversas • Hay muchos personajes iguales, en eso se convirtió la
situaciones, debido al rauma de su niñez. sociedad, ya no son personas únicas, son un puñado de gente
en las que todos son iguales, caen como lluvia en una escultura
arquitectónica.

• La traición de las imágenes: “esto no es una pipa”, en efecto,

eso es un cuadro, lo correcto sería decir la representación de • Hijo del hombre: autorretrato, visión de la humanidad que
una pipa en cuadro, él cuestiona la manera que la sociedad ve entró al pecado y que luego fue salvada.
la cosas.
 • El expresionismo abstracto trabaja un arte parece a las
improvisaciones de Kandinski.

• La sonrisa de las alas flameantes: en el mundo surreal

interviene lo lúdico y el estadio infantil. Miró trabaja y pinta
como si fuera un niño, el mundo en la libertad de un niño, ese
cromatismo le otorga formas particulares, Miró libera a su
mente del adulto y genera, crea a partir de la mente de un
niño, ese es un mundo paralelo. • Autumn Rhythm: artista más representativo del
expresionismo abstracto.
• El desarrolla una línea del expresionismo abstracto que se
llama “action painting” (pintura de acción)
• Esta forma de pintar fue descubierta de manera casual, Pollock
trabaja el lienzo como si fuera una sábana.
• Él quería pintar algo, y como el óleo es muy líquido empieza a
chorrear, vio el efecto del chorreado y empezó una cuestión
automática (de ahí viene el automatismo) de pronto empezó
a danzar alrededor de la sábana, chorreando la pintura, y este
es el resultado.
• Azul II: los sueños también se representan como luces,
• Es abstracción que trabaja a partir del efecto el chorreado de
manchas.
pintura.
• Similar a kandinski en el sentido que improvisa, no está
premeditado cuál será el siguiente movimiento, o color que se
empleará, cuando se ve el resultado se le ve el nombre.
• Se llama “ritmo de otoño” porque danzó alrededor de la
pintura, y de otoño por los colores generados.

• Divisibilidad indefinida: los sueños también pueden ser

construcciones extrañas.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
• Convergence: los colores expresan una serie de sensaciones
distintas a la obra anterior.
• Debido a las guerras, varios artistas europeos migran a USA.
• Algunas de las obras solo tenían como nombre números
• Ese cumulo de artistas forman una escuela que surge en USA,
porque son expresiones libres
en ese sentido USA es el nuevo centro del arte mundial.
• El artista se hizo muy conocido.
• Esto surge en la década de los 40 con la denominada escuela
de NY, también denominada EXPRESIONISMO ABSTRACTO
• Influido por el surrealismo, específicamente por el
automatismo psíquico, un tipo de pintura automática;
también esta influido por la abstracción.
 POP ART
• New York: él trabaja con escobillones, brochas gigantes, sus
pinturas en algunos casos no salen de una pincelada, son • Está muy ligado a USA
trazos únicos. • La clave de estas obras es emplear imágenes del mundo de las
• Lo que una esta pintura con las anteriores en el hecho que se comunicaciones de masas
puede ver el proceso de la pintura, en convergence se puede • No son imágenes decorativas para una casa, la esencia es de
ver qué pintura fue chorreada primero por la superposición de crítica al capitalismo.
estas, se puede imaginar al artista en el proceso de realización
de la obra; en Line, al ser un solo brochazo se puede ver desde
dónde parte el brochazo por la difuminación de los colores.
• Kline se inspira en la escritura japonesa, su obra es casi como
escritura, por eso solo trabaja en blanco y negro.

• Collage, la publicidad en los 50 venden un estilo de vida.

• Vendían cuerpos perfectos, pero cuerpos plásticos, por ello la
imagen de la mujer
• Hay muchas marcas alrededor
• Naranja y amarillo: él quiere que experimentemos la sensación • En el hombre vendían esos cuerpos perfectos
del color por si mismo, una experiencia del color puro. • La obra es una familia perfecta hecha con recortes
• Él hace una especie de nube al inicio, y algo más solido al final, • Es una crítica a la venta del estilo de vida hacia la sociedad de
esta forma de trabajar es difícil técnicamente, se llaman USA
veladuras, parece que el color amarillo fuera una nube
flotando y que se adelante, dejando detrás al color naranja,
eso se logra con mucha técnica.
• Todas las pinturas son grandes.

• LOVE: esculturas que emplean textos

• Se magnifica un concepto importante como el amor
• Convertir esta palabra en una escultura con la simple variación
de la letra O
• Recorrió todo el mundo
• Negro en gris: Él solo se expresa en colores, pero al sufrir de • Robert explora el mundo de la comunicación de masas porque
depresión hicieron que sus colores se hicieran cada vez más los 60s es la época de movimiento hippie, frente a la guerra se
oscuros. pedía amor, entonces este concepto es fuerte en dicho
• El artista nos habla de su estado anímico solo con colores. momento, Indiana lo lleva al territorio artístico.
• Lata de sopa de tomate Campbells: nos habla del valor
iconográfico de la sociedad de consumo.
• Warhol dice que, en el caso de la coca cola, estamos segura
que la toma desde la persona más rica hasta un mendigo, la
misma coca cola sin variantes, eso es lo que caracteriza la • Marilyn: la imagen elegida es interesante porque Marilyn está
cultura pop, esa es la razón por la cual el trabaja las coca colas sonriendo, pero si le tapamos la boca ella esta triste, es decir,
• Luego pasa a la sopa Campbells para hablar de su carácter muestra cómo ella esta obligada a sonreír, porque está
iconográfico, lo importante de esta sopa es que en los años 60 atrapada en el mundo de las comunicaciones.
se inventa por primera los productos enlatados, en este caso • El manejo de los colores es una crítica al mundo de las
un producto listo como la sopa de tomate, esto significó en la comunicaciones.
historia de la sociedad de USA, específicamente en las
mujeres, una liberación, de pronto las mujeres tienen una lata
a la cual solo hay que calentar, esto está ligado a la liberación
femenina.

• Whaam!: toma referentes del comic.

• USA vivía en la guerra fría, después de la 2da guerra mundial
se pensaba que podría haber una 3ra guerra, la sociedad
estaba desalentada, entonces la gente evadió la realidad por
medio de los comics, porque en ellos estaba los superhéroes,
• Desastre verde: hay un choque de dos autos, el choque se esto era una forma de evasión de la realidad que funcionó
repite muchas veces, es un recurso que usa Warhol, la perfectamente.
repetición. Se repite porque nos habla del mundo de las • Lichtenstein reconoce el valor del comic en un momento tan
comunicaciones. fuerte como la guerra Fria.
• Se dio cuenta en los 60 que la repetición era un elemento que
caracteriza a la sociedad de consumo, esa noticia que se repite
se tiñe de colores, no se habla la verdad, por eso tiñe de color
para decirnos cómo el mundo de las comunicaciones repite la
información pero nos la vende teñida de un color, no es
verídica del todo. Esta es una crítica al sistema de las
repeticiones.
• Alka eltzer: el comic usaba un recurso para ahorrar tinta, los
puntos, él usa esto para generar el fondo.

• Ascention of polka dots: Yayoi es una activista, feminista

• Cono caído: se magnifica productos de la sociedad de
japonesa que vivió en Nueva York, ella trabaja diversos
consumo, los pone en lugares de exposición al público.
formatos, trabaja con luces, proyecciones, en múltiples
plataformas, su mensaje habla de activismo feminista,
también de ecología.
• Venda los arboles con puntos para decir que si los cubre de esa
manera de repente la gente toma el interés de cuidarlos, tiene
un contenido fuerte ecológico.

NEO POP

• Ballon Dog: puso de moda estas esculturas que representan

globos que se retuercen para representar distintas figuras.

• Ignorance=Fear: trabaja en diversos formatos siempre con

esas figuras.
• Es muy importante su vinculación con la propagando y el
terrible mal del VIH, cuando recién se descubrió era un mal del
que se moría definitivamente la gente.
• Nueva York fue un gran foco infeccioso por la no apertura a la
homosexualidad.

• Puppy: las plantas cambian de acuerdo a las estaciones del

año.
• Es una obra que puede mutar.

OP ART

• Vega-nor: El OP ART son ilusiones ópticas logradas a partir de

la seriación, donde se genera una pintura que en el contacto
directo empieza a adquirir movimiento
• Vasarely es el padre de este movimiento
• Fisicromía No 2367: Hace canaletas que pinta en el interior de
• Fragmento de homenaje a New York: para él la dinámica, el
diversos colores, entonces la persona pasa y los colores van arte cinético se completaba cuando las cosas explotaban.
cambiando, crea un efecto óptico.
• Hacía esculturas hechas de material de desecho, luego se iba
a parques y las explotaba.
• No explotó esta obra porque llegó la policía.
• El sentía que la obra vivía si esta explotaba.

• Esfera virtual amarilla: Soto trabaja sobre varillas de naylon

colacadas en diversos lugares, uno pasa y las varillas INFORMALISMO
generaban movimiento, una ilusión óptica.
• El informalismo es tratar el lienzo de manera informal, en el
• Parecen hologramas, pero son varillas colgadas de naylon que
lienzo se pinta, pero no se clavan cuchillos, no se generan
dan esa sensación.
aberturas.
• Concepto espacial

ARTE CINÉTICO

• En el op art hay movimiento por en el ojo, no se mueven de

verdad; el arte cinético son obras que se mueven, se realizan
en movimiento. • Cruz y tierra: trabaja diversos elementos que pega y rasga en
• Luna azul sobre campanario Stabile: es un elemento tipo el lienzo, es abstracción trabajada de manera informal en el
trípode sobre el cual se pone elementos que van flotando, lo lienzo.
que vemos es abstracción.
POSTMODERNIDAD

• 70s en adelante
• Caracterizada por el relativismo, no existen verdades, no hay
corrientes artísticas, cada artista tiene su corriente.
• Volvemos al individualismo, pero no es como el romanticismo,
ahora es que cada quien tiene su verdad.
• Trabaja el concepto por sobre el objeto

• Fotocopia del concepto de arte: cuando lo lees viene

imágenes a la cabeza, todas las imágenes rondan en la cabeza
en un constructo que el humano se hace en base a sus
experiencias personales, uno mismo crea su obra de arte en la
cabeza
• Kosuth nos demuestra que el mundo de lo visual está ligado a
los conceptos.
• Hacía evidente que el arte es una forma de lenguaje

• Arte conceptual: mas del 50% de las obras hechas ahora es de

arte conceptual, porque nos habla del arte como un lenguaje.
• Heredera del dadaísmo, la diferencia es que los
conceptualistas priorizan los conceptos que dan origen a una
obra artística.

• Instalacion: es una modalidad de arte contemporáneo. Hay un

espacio y en el se colocan elementos que ayudan a desarrollar
una idea.

• Las tres sillas: uno se pregunta por la tercera silla, tenemos la

silla real, la imagen de una silla, y el concepto de una silla.
• Demuestra que en el mundo de las asociaciones cerebrales
estas tres cosas son iguales, que el arte, por tanto, hay que
entenderlo como una forma de lenguaje, porque lo que está
haciendo el ser humano es leer, leo la imagen y te imaginas • La manada: El es uno de los grandes artistas del mundo
una silla, lees una fotografía y te imaginas una silla, lees el moderno contemporáneo.
texto y viene la imagen de la silla. • el fue rescatado en el Himalaya luego que el avión donde
estaba se cayera, los lugareños lo rescataron con los
elementos que se muestra en la obra, el tapizon, lo llenaron
de una pomada para curarlo que era de cebo de animal y lo
envolvían con ello, así estuvo un año.
• En Alemania lo dieron por muerto, cuando regresó volcó su
experiencia personal con instalaciones artísticas.
• La manada representa los elementos que lo salvaron de morir,
es una experiencia personal contada a través de esta
instalación.
 • John Cage: no solamente es una obra musical, sino que exige
una performance donde el artista llega, pone la partitura, se
quede sentado por 4 minutos y 33 segundos y luego se retire.
• Él hace una exploración más allá de lo que es la música en sí,
explora.
• Asi como la música es 100% sonido, también podría ser 100%
silencio.

• I Shop therefore I am: “yo compro y luego existo” esto es una

critica a la sociedad del consumo.

• Como explicar pinturas a un conejo muerto: en muchas de sus

performances aparecía con grasa animal utilizada por los
nativos que lo rescataron
• Es una critica a la sociedad, a la gente que no sabe nada de
arte y critica.
• Él decía que la sociedad es como un conejo muerto,
simplemente no te escucha.
• Él se pone en un lugar donde hay un vidrio y la gente lo mira,
entra a una habitación donde esta un conejo, juega con él y de
• Merde d’artiste: critica al endiosamiento de los artistas
pronto lo mata, lo carga tiernamente y le habla de arte. Esta
• Trabaja con latas en las que pone sus deshechos, nos dice que
fue su forma de llamar la atención sobre este tipo de cosas.
un artista consagrado puede vender lo que sea, la gente no va
a objetar nada.

• Se encierra con un coyote, se envuelve con fieltro, se encierra

con este animal, al inicio como el animal había comido recién,
no le hacia nada a Joseph, mientras pasaban la hora el animal
PERFORMANCE pasaba hambre, mientras sentía hambre el animal empieza a
olfatear a Joseph, se convierte en comida, empieza el forcejeo.
• Se refiere a combinar elementos de las artes visuales,
• Finalmente Joseph salía, el coyote simboliza USA y cómo el
poéticas, escénicas, música.
capitalismo se muestra amigable hasta que sentía
• Requiere la presencia de los espectadores para llevarse a cabo.
necesidades, podía matar a quienes son victimas de la
sociedad del consumo.
• The singing sculpture: pareja homosexual muy unida, ambos • Relación en el tiempo: caminaron desde los extramos de la
pintores, iniciaron estas esculturas que cantan y se mueven, muralla china, cuando se encontraron se abrazan y siguen su
ponían un reproductor y hacían su performance. camino. Hicieron esta performance cuando terminaron su
relación.

• Antropometrías: nos dice que el cuerpo humano es la creación

• Desde ahí nunca más se vieron, hasta que Marina en el 2010
perfecta, es muy clásico.
hace una performance, en el Museo de Arte moderno de
• Citaba a la gente, había una orquesta que tocaba una sinfonía
Nueva York.
monótona: sonidos interminables en la misma nota; mientras
• Se llama “el artista esta presente”, ella se sentaba, la gente
se tocaba llegan mujeres desnudas que representaban la
hacía cola y se podía sentar frente a ella durante 1 minuto, ella
perfección humana, entre ellas se tiraban pintura en el cuerpo,
se preparó mucho físicamente para soportar todo el día
se arrastraban por un piso blanco que es un lienzo, si el cuerpo
durante días seguidos para estar en esa posición. Un día su ex
humano entonces es el perfecto pincel, esos arrastres
pareja hace la cola y se sienta frente a ella, ella no pudo
significaban parte de ese perfecto pincel que es el cuerpo
sostener el asunto, lo abrazó y conversaron un rato.
humano trazando líneas.

• Los amantes: esta pareja era muy unida. En su vinculo

sentimental, que fue encendido y toxico, exploraban eso
mismo, los extremos de los vínculos de pareja. LAND ART
• Estaban en una habitación donde se amarraban los cabellos y • Modifica la geografía de una manera no invasiva para llamar la
tenían que hacerlo todo junto, probando cómo llega a atención sobre el problema ecológico que enfrenta el mundo.
extremos el vínculo amoroso.
• Spiral Jetty: utiliza técnicas como las usadas en las líneas de
nazca para evitar que la línea se pierda.
• Coloca varas de metal, esto atrae los rayos, esto genera obras • Calavera: tiene toda la impronta del arte urbano, por sus
de arte ya que las distancias entre las varas han sido bien rayones, tachados, ha trabajdo un mundo de diversos
pensadas. personajes que entran a intervenir las obras

• Street painting: Artistas urbanos.

• Pont Neuf empaquetado: llamaban la atención acerca de lo
que significa el desaparecer las cosas envolviéndolas, que al
final no desaparecen, solo se empaquetan.
• Empaquetaron el famoso Pont Neuf.
• Ellos hacen estos empaquetamientos pero luego hacen
activismo, leen pronunciamientos de comunidades indígenas
llamando la atención de cómo esas sociedad viven
empaquetadas.

• Body Art: forma derivada del arte urbano, convertir el cuerpo

mismo en lienzo

ARTE URBANO Y SUS DERIVADO

• El arte urbano ha cobrado una relevancia a partir de que hay

que observar lo que sucede en las calles
• Graffiti: ha sido influencia para artistas de la línea formal, por
así decirlo.
• En los 80 y 90 el graffiti estuvo muy activo.
REALISMO AMERICANO, NUEVA FIGURACIÓN HIPERRALISMO
• Frente a la abstracción hubo un grupo de artistas que ha • Tres estudios para un retrato de George Dyer: trabaja la
trabajado otra vez el realismo. putrefacción.
• Gas: realismo americano, nos muestra espacios reconocibles. • Se liga al cubismo de Picasso, él veía los cuerpos
• La gasolinera revela soledad descomponerse y como se iba deformando, entonces
deformaba aún más y ponía colores carnes, en función de ello
hacía estudios de diversos ángulos de rostros.

• Painter working reflection: trabaja mucho sobre las

decoloraciones de la carne, trabaja cuerpos no bellos para la
• Nightwalks: representa a la gente que le gusta andar de
sociedad y nos presenta con crudeza muchas cosas.
madrugada

LA NUEVA FIGURACIÓN

• Estudio de Inocencio X de Velazques: se basa en la pintura de • Bus reflection: Realismo fotográfico.

Velazques • Proyecta una imagen y sobre esa proyección empieza a pintar,
• Cuando el papa vio esta pintura dijo “hay demasiada verdad”, se ayuda de ello para configurar sus pinturas
era un tipo con una personalidad tan fuerte que seguramente • Todo es liso, no hay rugosidad
cuando poso se sintió atrapado, es un poco expresionista
HIPERREALISMO
porque exterioriza y deforma los sentimientos que hay dentro
cuando estaba posando, se sentía aprisionado y sale una
especie de grito.
• Mark: trabaja en grandes formatos, hace pinturas en las que al • Viajero: resalta el carácter icónico, en los 80s era común los
trabajar un formato enorme la gente se queda prendada de vuelos atrasados, y la gente se quedaba sentado en los
todo porque se ve cada detalle: poros, pestaña, iris. aeropuertos.
• Elige personajes particulares que llama la atención, ahí esta el
carácter hiperrealista, al magnificar.

• Diane: es como una escultura griega, trabaja en función de la

belleza del cuerpo, lo hace con nuevos materiales: hule, fibra
de vidrio, cabello y dientes reales. • Hombre muerto: el artista hizo una exposición hiperrealista
donde mostro una escultura de su padre que la hizo a partir de
su cadáver, mostrándonos el tema de la muerta de una forma
muy directa.

• Queenie II: en los 0s, dentro de una línea pop trabaja este
artista, esculturas hiperrealistas, esta ligada al pop porque casi
todas las empleadas en USA son personas afrodescendientes • Autorretrato: se ve todos los rasgos del artista.
que tienen ciertas características comúnes, son iconos de la
sociedad.

• Mujer que ha desperado, pero parece ser que algo le impide

levantarse, te invita a la reflexión.
• La ora nona: es algo que se menciona en los libros, “la hora del
juicio final” entonces ponen a Juan Pablo II tirado en el piso
sobre el cual cae un meteorito.
• Maurizio no hace las obras, la hace un escultor reconocido,
Maurizio se la encargó, pero Maurizio las unió. Este escultor
ha lanzado una demanda, pero la ganó Maurizio. Esto lleva a
la reflexión: la idea es más fuerte que la técnica artística.

• Comediante: como en los últimos años ya no se le ha dejado

encargar a otros artistas, trabaja esta instalación que hasta el
día de hoy se comenta, es una respuesta de Maurizio a lo que
le ha sucedido, la interpretación que se le ha dado es que esta
banana es una crítica a la sociedad de consumo, las campañas
hiperagrícolas, etc.