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ACTIVIDAD DE INIICIO DE BIMESTRE

Busque en la sopa de letras los términos que se mencionan en la hoja.

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Director: tiene una idea de cómo va a poner la obra en escena y cómo quiere que se
vea y oiga. Dirige a todos para que quede como él o ella lo desea.
Actores y actrices: utilizan su cuerpo y su voz para dar vida a los personajes en
escena, están al servicio de lo que desea el Director o Directora
Escenógrafo: hace el diseño y supervisa la realización de los objetos grandes que
crean una ambientación del lugar donde ocurre la historia que se narra. A través de
estos objetos nos da información sobre el lugar, la época, la hora del día, el nivel
socio-económico, etc. Ejemplo de esto son las tarimas, muebles, mamparas, telones y
otros decorados.

elabora unos diseños y supervisa la confección de ropajes que serán

realizados o conseguidos para vestir a los actores y actrices.

El vestuario nos indica quién es el personaje, su edad, su oficio, su nivel

socioeconómico, su personalidad, etc.

diseña, confecciona o consigue las cosas que van a

manipular los actores y actrices en escena, tales como vajillas,
carteras, paraguas, maletines, etc.

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 Músico y arreglista: crea las pistas sonoras con los efectos necesarios y la música de
las canciones si es que la obra las lleva. Ejemplos de efectos son un trueno, lluvia, una
explosión, ruido de vidrios rotos, la bocina de un
automóvil, etc.

Luminotécnico: decide adónde van dirigidas

las luces y con qué colores o efectos, esto lo

hace para colaborar con la ambientación.
Algunos efectos de luz que se requieren para
narrar la historia. Por ejemplo: luz de amanecer,
luz de noche, luz con colores determinados para
que transmitan ciertas emociones o sentimientos,
o luces que proyecten determinadas sombras.

Maquillista: es la persona encargada de diseñar

el maquillaje necesario para que el actor o actriz
complete la caracterización de su personaje. En
algunos casos los actores y actrices pueden
llevar también máscaras o prótesis para la
caracterización, esto es materiales que se
adhieren a la piel para crear verrugas, cicatrices, cambiar la forma de la nariz, hacer
bolsas en las ojeras, etc.

Coreógrafo: es la persona que marca los movimientos necesarios en ciertas escenas

como por ejemplo en una pelea con espadas o la que diseña y dirige los pasos de un
determinado baile en escena.

Público: son las personas que asisten a disfrutar de la representación y que

reaccionan de una u otra forma ante lo que ven.

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Hace referencia a tres tipos de obras en el campo de la dramaturgia: los textos escritos por niños y
adolescentes; los escritos para ellos o teatro para niños y los que la tradición literaria ha considerado
adecuados para ellos.
MODALIDADES
Teatro para niños por interiorización: se trata de obras creadas especialmente para el niño, teniendo en
cuenta las condiciones de la cultura infantil, operando el niño como espectador implícito.
Teatro para niños por apropiación: son las obras creadas sin tener en cuenta al público infantil, pero que
son adoptadas por los niños, por un fenómeno de recepción, como el caso de Los viajes de
Gulliver de Jonathan Swift, o Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra.

BENEFICIOS
Con el teatro el niño aumenta su autoestima, aprenden a respetar y convivir en grupo, conocen y controlan
sus emociones, descubren lo que es la disciplina y la constancia en el trabajo, además de desenvolverse
entre el público.
El teatro también puede servir para:

1 - Reforzar las tareas académicas como la lectura y la literatura.

2 - Actualizar al niño en materias como el lenguaje, el arte y la historia.
3 - Ayudar en la socialización de los niños, principalmente a los que tienen dificultad para comunicarse.
4 - Mejorar la concentración y la atención de los niños.
5 - Transmitir e inculcar valores.
6 - Promover que los niños reflexionen.
7 - Fomentar el uso de los sentidos de los niños.
8 - Motivar el ejercicio del pensamiento.
9 - Estimular la creatividad y la imaginación.
10 - Hacer que los niños se sientan más seguros.
11 - Ayudar a los niños a que jueguen con su fantasía.
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Actividades de aprendizaje

#1 Escriba una obra teatral infantil

El montaje de una obra de teatro comprende todas las actividades necesarias para que la obra se pueda
poner en escena. El montaje comprende:

 La elección de la obra a representar

 La selección del director
 La búsqueda, selección y contratación de los actores
 La obtención de los fondos necesarios para poder representar la obra
 La elección de la sala o teatro donde se pondrá la obra
 La elaboración y estudio de los personajes junto con los actores, y definición de su maquillaje
 La práctica del libreto
 La construcción de la escenografía y de la utilería a utilizar
 El armado y puesta a punto de los sistemas de luz y sonido
 La selección del vestuario
 El ensayo de la elaboración de los personajes
 El ensayo de las posiciones y desplazamientos en el escenario
 El ensayo del uso de la utilería, luces y escenografía.

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Es un tipo de presentación teatral que utiliza títeres bidimensionales o tridimensionales operados por
actores llamados titiriteros, que generalmente se ocultan de los espectadores detrás de una pantalla. Cada
uno de los muchos tipos de presentación está determinado por el tipo de títere utilizado y el sistema de
control.

Entre los títeres se incluyen las marionetas, que se manipulan con cuerdas, los títeres de mano (por encima
de la cabeza), los títeres de varilla, y los títeres mecánicos. A veces se utiliza un objeto como un bloque, una
pelota o un palo, que representa metafóricamente a un ser vivo, en lugar de una marioneta. Las marionetas
varían en altura desde varios centímetros hasta el doble del tamaño de un humano.

Definición del Teatro de Títeres

Normalmente el teatro de títeres es una representación dramática con las figuras y con el diálogo o la música
proporcionada por un titiritero. Se trata de una marioneta con una figura humana, animal o abstracta en su
forma, que se mueve con ayuda humana y no mecánica.
Las diferencias en los tipos de presentaciones del teatro de títeres están generalmente condicionadas por la
puesta en escena, el objetivo dramático, las tradiciones nacionales y la influencia de otros tipos de arte como
las artes gráficas, los juguetes popular
es, la escultura, la mascarada y el cine.

¿Cómo se desarrolló el Teatro de los Títeres?

A partir del siglo XI, las iglesias y monasterios presentaban espectáculos que usaban títeres para dramatizar
escenas de los Evangelios en los que el personaje principal era la Virgen María. El nombre Marion o
Marioneta permaneció en los idiomas romano y alemán como un término general para el títere de teatro.
En las lenguas eslavas, el nombre Marion designaba el teatro de marionetas (títeres de cuerda). Las
presentaciones del teatro de marionetas se volvieron cada vez más actuales y seculares y, en consecuencia,
fueron atacadas por la iglesia medieval. Desterrados de las capillas de las iglesias a la parvis, las
representaciones de títeres se escenificaban más tarde en las plazas públicas y en las ferias. Las
representaciones fueron prohibidas por la Inquisición, pero su contenido anticlerical y antifeudal continuó
aumentando.
El teatro de títeres se remonta a las ceremonias y juegos paganos con símbolos encarnados de dioses que
personificaban las fuerzas desconocidas de la naturaleza. Una de las formas más antiguas del arte teatral, el
teatro de títeres generalmente utilizaba tramas y métodos tradicionales y figuras de reserva.

El teatro se enfoca en que la trama exhiba todas las torpezas, debilidades de una persona, varias y de la
misma trama. Tiene un argumento principal, pero va con ánimo de generar risa en casi toda la obra.

Porque hay algunas obras donde no todo es comedia y tiene algunas partes donde son serias.

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Características del Teatro Cómico

 El teatro cómico, muestra una humanidad común, en la poética, Aristóteles define la comedia como la
imitación de hombres de calidad moral inferior en el reino de la risa. Los personajes de la comedia
pertenecen al pueblo, a la burguesía, a veces a la pequeña nobleza.
 La trama está inspirada en la vida cotidiana, riendo de las imperfecciones del personaje, por lo que, el
objetivo de la comedia es moral y didáctico, ya que, desenmascara las imperfecciones de los hombres
y los anima a corregirse.

Historia

El Teatro Cómico fue en sus primeros tiempos, un teatro de madera angosto que podía dar cabida a no más
de 300 personas. Juan Bonel, propietario del Teatro Cómico lo vendió a Manuel García Lovera en el
año 1874 acometiendo obras de rehabilitación total del edificio. Este renombró el teatro como Teatro Principal.
Pintado por José Serrano Bermúdez lucía decoraciones del pintor del Salón Liceo del Círculo de la Amistad,
José María Rodríguez Losada, albergando 21 palcos, 2 palcos de proscenio, 20 plateas, 2 plateas de
proscenio, 238 butacas de patio, 20 anfiteatros de primera fila, 22 de segunda, 60 delanteras de paraíso, 200
entradas principales, y 400 localidades de paraíso. El 17 de julio de 1892, el Teatro Principal sufrió un
pavoroso incendio desapareciendo en pocas horas, no pudiendo levantarse sobre el mismo solar otro, debido
a las ordenanzas municipales del año 1888.
A finales de los años 90 fue remodelado conservando su fachada ecléctica, ordenada con cuatro huecos por
cada una de las dos plantas existentes.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE
Realice un organizador gráfico y escriba aspectos importantes del teatro cómico

El teatro mimico aunque a menudo erróneamente etiquetado como danza, es un grupo de formas teatrales
en las que el intérprete presenta una narración a través de un gesto estilizado, una serie de posiciones de las
manos e ilusiones mímicas para interpretar diferentes personajes, acciones y paisajes.
La mímica grecorromana era una farsa que enfatizaba la acción mimética pero que incluía canciones y
diálogos hablados. La forma preliteraria sólo puede ser adivinada, e incluso los fragmentos supervivientes de
las obras de Epicharmus, un escritor de comedias del siglo V-CE, sólo dan la escasa información de que sus
mimos se ocupaban de escenas de la vida cotidiana o de la parodia mitológica.

Definición del Teatro Mímico

Este teatro se define como una técnica de lenguaje no verbal, para expresar una idea, un estado de ánimo o
de representar un personaje enteramente por medio de gestos y movimientos corporales sin el uso de

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palabras. También llamado, el artista del mimo un intérprete especializado en tal técnica, es por lo general, un
actor cómico. No obstante, también puede hacerse una representación dramática usando tal técnica.
La mímica es una forma de arte silencioso que implica actuar o comunicarse usando solo movimientos, gestos
y expresiones faciales, por ello, la persona o actor que realiza la mímica también se le llama mimo.

¿Cómo se desarrolló el Teatro Mímico?

El teatro mimico, se inició con una forma de mímica italiana nativa. El primero en dar forma literaria al mimo
romano fue el caballero Decimus Laberius (c. 105-43 AEC), que fue eclipsado por el antiguo esclavo Publilius
Syrus. La presentación de mimos era una característica tradicional del festival anual de Floralia, que, al ser de
espíritu licencioso, abrió el escenario popular a las actrices de mimos desnudas.
La trama mímica habitual antigua, aunque libre para permitirse una determinación de lenguaje mordaz, se
centraba principalmente en escenas de adulterio y otros vicios. Existen pruebas de que los actos de adulterio
fueron realizados en el escenario de la mímica durante el Imperio Romano. Igualmente, existen registros de
las escenas de ejecución con criminales convictos en lugar de actores.

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 Gonzalo Sánchez Bonilla El pobre Manco

Ernesto Martén Cuento de Amor

José Fabio Garnier La última Cena, El retorno, ¡Nada!

Eduardo Calsamiglia El Combate 1914

Héctor Alfredo Castro Fernández escribió 15 obras en francés

Después de 1920 los autores escriben obras de corte tradicional, dentro de una
estética modernista, alejados de las corrientes del absurdo y del surrealismo que se
producían en otros países. De esta época son:

Francisco Cruz Santos La iniciación 1914

Francisco Soler y Raúl Salazar Álvarez El hombre que buscaba el verdadero amor
1929

José Basileo Acuña y José Marín Cañas

M. G. Escalante Jeannine 1945, Bruma1948.

Jorge Orozco Castro Germinal 1938

Después de varias décadas de vacío

surgen los destacados dramaturgos que
tratan los temas políticos, sociales y
existencialistas:

Alberto Cañas: La Segua, En agosto

hizo dos años, El luto robado 1962

Daniel Gallegos: El séptimo círculo 1982,

La Casa 1972, La Colina 1968

Samuel Rovinski: Un modelo para

Rosaura 1974, Las Fisgonas de Paso
Ancho 1971, El martirio del Pastor 1983.

En los años 80 la dramaturgia

costarricense empieza a buscar una
identidad cultural y se expresa en temas
históricos:

Lupe Pérez Pancha Carrasco Reclama

1988, Aguirre, yo rebelde hasta la
muerte 1991,

Tatiana Lobo El Caballero del V centenario 1989

Juan Fernando Cerdas Juana de Arco 1986

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Fernado Durán Billy come back 1994

Quince Duncan El trepasolo 1989

Algunos investigadores del teatro consideran que el teatro actual ha sido recibido por
el público como representativo de las inquietudes de la generación, destacan los
siguientes autores:

Antonio Iglesias Las hormigas 1969

William Reuben Teófilo Amadeo 1970

Guillermo Arriaga Última noticia 1979, La guerra como consecuencia 1986, Inquilino
1984, Desempleo 1994.

Melvin Méndez Un viejo con alas 1987, Eva sol y sombra 1989, Meteme el hombro
1993.

Ana Istarú El vuelo de la grulla 1984, Madre Nuestra que estás en la tierra 1988

¿Qué son Géneros Dramáticos?

Los géneros dramáticos con categorías en las que se agrupan las obras dramáticas
según ciertas características. A partir de la obra El Arte Poética, antes mencionada,
surge la primera clasificación del teatro en sus géneros mayores: tragedia, comedia y
drama satírico.

Epopeya: es anterior a la tragedia, se origina en la tradición oral, se compone de

versos largos, narra acciones de personajes heroicos, intervienen los dioses, lo
sobrenatural y maravilloso.

Tragedia: trata temas nobles y sublimes. Presenta conflictos fatales. Imita a los
mejores actuando los personajes y no relatando lo que pasa. Mediante temor y
compasión se da la catarsis en el público. Ninguna catástrofe ocurre a vista del
público.

Comedia: trata temas cotidianos comunes a la mayoría de las personas. Es alegre,

festivo o humorístico con un desenlace feliz. Imita a los peores con sucesos
verosímiles.

Drama satírico: farsa grandiosa de argumento mítico, tenía las mismas características
de la tragedia pero en un tono bufonesco. La única que se encontró completa es “El
cíclope” de Eurípides.

Mimo: era una farsa popular, nacida en las fiestas campesinas, una diversión rústica y
tosca que posiblemente era también improvisada. Nunca se admitió en las
competencias poéticas griegas.

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lenguaje poético de preferencia. Los personajes son catalizadores del amor. No
respeta las normas de los clásicos. Autores: en el Siglo XVI Shakespeare, Lope de
Vega, Tirso de Molina, Calderón de la Barca. En el Siglo XVIII al XIX. Los autores más
conocidos: Goethe, Lessing, Schiller, Brüchner, Leist, Víctor Hugo, Alejando Dumas,
Alfredo de Musset, José Zorrilla. Su conflicto es el del hombre consigo mismo y sus
pasiones.

aspira a reflejar la realidad en todas sus formas pero

imponiéndoles límites. El estilo realista crea tipos sociales. Fundamentalmente este
estilo se refiere a problemas sociales. Se inicia a fines del siglo XVII y continúa hasta
nuestros días. Entre sus precursores figuran Goldoni, Beaumarchais, Lessing. Son
representativos de este estilo Ibsen, Strinberg, Benavente, Brüchner, Achard. En
México Gorostiza, Usigli, Magaña, Carballido, Argüelles, Leñero, González Caballero.

Este estilo se ha utilizado mucho más en pintura y en

música que en teatro. Trata de producir una impresión total a partir de un detalle
determinante de la vida. Chejov es el que maneja mejor este estilo en el teatro.

toma una parte de la realidad y nos la presenta como una

realidad general. Se distingue por asociar fielmente el aspecto plástico de la
representación (escenografía, utensilios, etc.) con el contenido de las obras. Es
importante en este estilo las luchas internas de los caracteres. El período principal de
este estilo corresponde al último tercio del siglo XIX hasta principios del XX. Autores
principales: Zola, Ibsen, Strinberg, Chejov, Gorki y Show

exhibe el desorden espiritual de los caracteres para

mostrar sus cambios de ánimo o ideas. Se escapa del realismo. Las formas externas
ceden ante las formas anímicas. La escenografía se deforma para expresar la
distorsión moral de sus habitantes, dibujos extraños para expresar las ideas obsesivas
de los personajes. El autor puede hacer uso de un lenguaje incorrecto, hasta
incoherente y automático ya que éste va a reflejar el interior del que lo utiliza. Las
máscaras también le serán muy útiles para mostrar esos estados de ánimo. Serán sus
mundos los que veamos en escena. Corresponde al período de la postguerra. Se
origina en Alemania. Sus principales autores: George Kaiser, Ernst Toller, Jules
Romains, Andreiev, John Dos Passos, Eugen O'Neil, Pirandello.

nació a mitades del siglo XX en Francia se le conoce como el

teatro del compromiso social. Juan Paul Sartre fue el mayor exponente del
existencialismo. Sus obras, inspiradas en sus doctrinas filosóficas, tratan diferentes
puntos de vista sobre la existencia del ser humano, su naturaleza, la responsabilidad
que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las
divinidades, así como el objetivo de los humanos. Son de este estilo además de
Sartre, Albert Camus y Jean Anuillh

21
 es una característica de la literatura latinoamericana, la cual
se concentra en fundir la realidad y la magia de tal manera que parezca creíble ante
los ojos de quien lo ve. Refleja creencias y supersticiones de las clases populares.

Surrealismo: Es la ruptura con la

moral y la realidad, además de ser el

rechazo a toda lógica. Sus personajes y
sus escenarios están más cerca de la
fantasía que de la realidad. Es el mundo
de los sueños o de los delirios.

escrito por autores

estadounidenses y europeos entre 1940 y
1960. Sus tramas carecen de significado,
tienen diálogos repetitivos y falta de
secuencia dramática, a veces con
atmósfera onírica. Presenta algunos
elementos existencialistas, cuestionan la
sociedad y el ser humano es ilógico,
incoherente y disparatado. De este estilo
son Albert Camus y Jean Paul Sartre.

entre sus características principales están el anacronismo, la

intertextualidad, la meta ficción, la mezcla de la cultura de élites con la cultura popular,
la parodia, el humor y el énfasis en la sexualidad. El escenario es convertido en un
espacio de intervenciones y experimentos que reflejan la inquietud ante las ideas de
deconstrucción y ruptura, sobre los paradigmas modernos y sociales, propios de la
postmodernidad. Los escenarios y escenografías cambian, deja de ser rectangular. Se
utilizan muchos espacios independientes y diferentes puntos de vista. Pueden tenerse
dos escenarios simultáneos o uno dentro de otro.

Partes del
En la actualidad la mayoría de los edificios teatrales tienen lo que se llama un
escenario a la italiana, esto es con el escenario de frente a los espectadores. También
encontramos escenarios tipo “arena”, esto es con el escenario en el centro y graderías
alrededor, puede ser circular, rectangular o cuadrado. También están los anfiteatros,
que tienen el escenario más abajo y los asientos en gradas que suben alrededor.

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El nombre de las partes específicas de este edificio a la italiana son:

Escenario: parte destinada a la representación.

Boca del escenario: el marco que delimita el escenario hacia los espectadores.
Hombros del escenario: espacio a cada lado del escenario que no está a la
vista del público

Telón de boca: el telón que se cierra por el frente del escenario, casi siempre
elaborado con telas pesadas, con brillo o aterciopeladas.

Ciclorama: telón de forma semicircular muy alto, cubre el fondo y laterales del
escenario, puede ser blanco o negro.

Cámara negra: es el conjunto de telas negras que visten el escenario en el

fondo y las patas.

Proscenio: el espacio donde se inicia el escenario frente al público.

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 Foso: espacio más abajo del escenario, entre el escenario y el público, donde se
sienta la orquesta.

Patas: telas negras o con marco que se encuentran a cada lado del escenario, por

donde entran y salen los actores, casi siempre son tres a cada lado del escenario.

Bambalinas: tiras largas de tela, algunas veces decoradas, de forma horizontal,

que suben y bajan para decorar el escenario.

Peine: entramado metálico de donde se cuelgan luces, telones, contrapesos, etc.

Candilejas: luces que se encuentran en el piso del proscenio y que iluminan de
frente a los actores.

Diablas: varias luces juntas que iluminan desde arriba.

Tachos: cilindros con luz que iluminan desde arriba.

Camerinos: son los cuartos privados donde se preparan los actores, en los

teatros pequeños los actores se preparan solos, en teatros grandes se dispone de

salas donde son atendidos por personal especializado de maquillistas, peinadores y
otros.

Platea: es la parte donde se sienta el público que está abajo, de frente al escenario
con pasillo en medio y pasillos a los lados.

Palcos: son los pisos que se encuentran sobre la platea, que suelen tener forma de
balcón.

Galería General: es el piso más alto, es el más económico y tiene menos

visibilidad.

Foyer: es un espacio para descanso y encuentro del público, suele quedar en el

vestíbulo.

Cafetería: situada casi siempre en el foyer, se le llama también ambigú.

Boletería o taquilla: es el espacio pequeño con una ventanilla donde se

venden los boletos al público.

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 TEATROS EN LA ACTUALIDAD EN SAN JOSÉ

NOMBRE DEL TEATRO DIRECCIÓN NO. DE TELÉFONO

Teatro Nacional San José, av.2da calles 3 y 5 2210-1111 (no hace

reservaciones por teléfono)

Teatro Popular Melico Ave 2da frente al Parque 2295-6032

Salazar Central

Teatro de la Aduana Calle 25 av.7 y 9 2257-8305

FANAL En Centro Nacional de Cultura 2257-5424

Av. 3 y 7 calle 11

Sala Vargas Calvo Av.2 calle 5,detrás del Teatro 2222-1875

Nacional

Teatro 1887 Calle 11 ave 3 y 7 2257-5524

Teatro de la Danza Calle 11, Av.3 y 7 2222-2974

Auditorio Nacional Junto al Museo de los Niños 2222-7647

¿Cómo hacemos

Para asistir al teatro no es necesario vestirse elegante pero si ir bien vestido, no de

facha.

1. Puede revisar qué obras hay en cartelera viendo el periódico o entrando a

internet.
2. Reserva el boleto por teléfono.
3. Llega con media hora de antelación, paga y recoge el boleto.

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 4. Va a escuchar un timbre que suena en tres oportunidades, después de la
tercera llamada entra al teatro.
5. Se sienta en su butaca. Apaga o pone en silencio el celular para que no
interrúmpala función con su sonido y luz, no come cosas ruidosas durante la
presentación, en casi todos los teatros se prohíbe sacar fotos, pero si se
permitiera debe ser sin flash.
6. Aplaude al finalizar la obra.

¿Qué puede hacer como docente

Si usted lleva a sus estudiantes a apreciar una obra teatral, después de haberla visto
tiene una gran gama de actividades didácticas que puede realizar en clase:

1. Haga un comentario de la obra en forma oral, usted plantea preguntas a los

estudiantes de modo que se genere un ambiente coloquial que permita
escuchar sus opiniones al respecto de la obra, la escenografía, los vestuarios,
el maquillaje, las actuaciones, la música, bailes, etc.
2. Pídales que dibujen o pinten algo sobre lo que les hizo sentir la obra que
vieron.
3. Pídales que cambien el final de la obra, que escriban cómo les gustaría que
hubiera terminado.
4. Pídales que en grupos construyan una maqueta del escenario de la obra con
materiales de desecho, reciclados o nuevos.
5. Pídales que en grupos elaboren con papel periódico los vestuarios que
podrían usar esos personajes si ellos montaran la obra.
6. Pídales que improvisen una escena de la obra en grupos, jugando la situación
y los personajes, sin aprenderse el texto, con sus propias palabras.
7. Pídales que en grupos inventen una canción sobre la obra que vieron (rap,
regueton, etc)
8. Pídales que hagan el diseños (dibujos o bajado de internet) de los vestuarios y
maquillajes para los personajes de esa obra para otro montaje.

Con grupos de niños y niñas escolares (preescolar, primer y segundo ciclo) la

evaluación de la visita al teatro puede realizarse por medio de una de las actividades
descritas anteriormente.

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Si usted desea evaluar la visita al teatro como un trabajo extra clase, puede pedirles
que trabajen con la siguiente guía. El objetivo es que el estudiante emita su opinión
como público y que valore cada elemento de lo que vió y oyó. No necesariamente hay
respuestas correcta e incorrectas, sino completas e incompletas. Deben poder
describir y opinar desde el punto de vista de la función que estos elementos cumplen
en la puesta en escena y que se han descrito en las páginas anteriores. Puede
fotocopiarles o dictarles esa parte de este documento como referencia.

Extra clase de la materia Valor: %

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA VISTA

Nombre del estudiante:

Nivel:

Día y hora en que fue a ver la obra de teatro:

Nombre de la obra de teatro:

Explique brevemente quién es el autor y sus principales características:

Describa brevemente de qué trata la obra:

Describa cómo era la escenografía y escriba qué le parece, dé su opinión sobre ella.

Describa el vestuario de dos de los personajes principales y escriba qué le parece, dé

su opinión sobre él.

Describa lo que más le llamó la atención de las actuaciones que observó. La postura
corporal, la forma de moverse, la voz, la forma de hablar, etc.

Dé su opinión sobre la música, canciones, bailes, maquillaje y máscaras, si es que se

utilizaron en esta puesta en escena.

¿Cuál fue la forma de comportarse el público, cómo reaccionaba ante la presentación?

Qué opina usted sobre lo que hizo el público.

Diga si le gustó, si no le gustó y por qué.

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 ¿Por qué es importante que

1. Dependiendo de la concepción de la puesta en escena el teatro se puede

apreciar en un salón, en el patio, etc. pero conocer un teatro de verdad, hace
que comprendan el aparato teatral, las luces, telones, decorados, efectos, etc.
Les hace comprender que es un fenómeno colectivo donde cada cosa cuenta.
2. El teatro estimula la imaginación y la capacidad de ponerse en el lugar del otro.
3. Desarrollan el gusto por el teatro.
4. Aprenden los ritos y modales propios de la asistencia a un espectáculo teatral.
5. Estimula la valoración de las obras literarias que a veces son de lectura
obligatoria en el currículo escolar.
6. Adquieren además una posición crítica ante lo que ven.
7. Aprenden a apreciar la parte plástica del espectáculo en su forma colores y
sonidos.
8. El espectador se siente embelesado con el deleite del espectáculo y se da el
fenómeno de comunicación de público y actores en una situación que aunque
es imaginaria y efímera, es real en el momento en que existe.
9. Porque los niños, niñas y jóvenes tienen derecho a recibir información y a
disfrutar del arte y la cultura y este derecho está consagrado en el Código de la
Niñez y la Adolescencia.

Fábula: es la historia que se narra en la obra de teatro.

Caracteres: son los personajes. Aristóteles considera que dependiendo del tipo de
obra se imita a los mejores, a los semejantes o a los perores.

Peripecia: es un cambio de suerte, que se da cuando el personaje por un error que

comete, pasa de la dicha al infortunio.

Catarsis: se define como “purgar” las pasiones. Esto quiere decir que el espectador se
identifica con lo que le pasa al personaje y deja salir sus sentimientos, provocando un
estado de liberación de esa carga emotiva.

Anagnórisis: palabra griega que significa reconocimiento, se refiere al momento en que

el personaje reconoce a otro personaje o toma conciencia de algo que le hará resolver
la situación.

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Mímesis: imitación, dice que todas las artes imitan algo, varían en qué imitan, cómo lo
imitan y con qué lo imitan. Pueden imitar la realidad o puede ser invención del artista.

Fescennimo: representación de diálogos entre campesinos, embadurnados de heces

y mosto, con máscaras de corteza. Diálogos libres donde se intercambiaban burlas e
injurias.

Satura: espectáculo campesino con un poco de todo, canto diálogo, danza, chistes.

Atellana: actores populares enmascarados que interpretaban personaje fijos: Pappus

(viejo, estúpido, avaro, libidinoso) Maccus (bobo, burlado y apaleado) Bucco (boca
enorme) Dossennus (jorobado, taimado, enredador,

Mimo: representación farsesca de aventuras vulgares, con un actor enmascarado,

algunas veces sin usar palabras (Pantomima)

Milagros: representa la vida de los santos.

Misterio: representa pasajes bíblicos, en especial vida, pasión y muerte de Jesucristo.

“Entremés”: pequeña representación entre los episodios del drama sacro que no
tenían nada que ver con la obra.

Alegoría: personificación de atributos morales que intentan llevar a la persona por el

buen camino.

Auto sacramental: drama religioso que se representaba especialmente el día de

Corpus Cristi

Drama litúrgico: se utilizaba para educar en la fe a las personas analfabetas, el

argumento viene de las sagradas escrituras.

29
 Aristóteles El arte poética en la traducción de José Goya y Muniain (1981) México:
Colección Austral.

D`Amico, Silvio (1961) Historia del Teatro Dramático Tomos I, II, II y IV. México:
UTEHA

Fumero, Patricia (1996) Teatro, Público y Estado en San José 1880-1914 Editorial
UCR: San José

Nerio, Tello (2006) Historia del teatro: Editorial Era Naciente SRL

Pérez Priego, Miguel Ángel (1998) Estudios de teatro del renacimiento: UNED

Padín Zamot, William (1995) Manual de Teatro Escolar San Juan: Editorial de la
Universidad de Puerto Rico

Rojas, Margarita y Ovares, Flora (1995) 100 años de literatura costarricense Farben:
San José

Solís Fonseca, Lianne (2003) Tesis para obtener el grado de maestría Universidad de
Costa Rica.

Páginas de internet consultadas en enero y febrero del 2014:

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htm

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[Link]
Costa/[Link]

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 Elaborado por:
[Link]. Lianne Solís Fonseca.

Agradecimientos a:
Melvin Méndez Chinchilla
y a Gladys Alzate por su iniciativa
de elaborar este material
para docentes.

Diseño e ilustración:
Karina Bejarano.

Coordinador del Proyecto

Teatro en el Aula, MEP:
[Link]. Mauricio Aguilar García.

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