Instituto de Educación Media Superior del Distrito Federal

Plantel Benito Juárez

Punish My Heaven: Death Metal Melódico

Un Pulcro Subgénero del Metal

T R A B A J O

DE INVESTIGACIÓN DEL PROBLEMA EJE

P R E S E N T A

ALUMNO

BARONA CORNEJO MARCOS ALAN

DIRECTOR: LUNA ESPINOSA EDGAR MARIO

TUTOR: HERNÁNDEZ FARFÁN ÁNGEL

REVISOR: CRUZ CRUZ ERNESTO

FECHA: Julio de 2016

Índice

Introducción 4

Capítulo I Génesis del Death Metal Melódico 5

I.I At The Gates 5

I.II Dark Tranquillity 7

I.III In Flames 11

Capítulo II Instrumentos del Género 15

II.I Guitarra 15

II.I.I Laúd, Vihuela, Guitarra Barroca y Guitarra moderna 15

II.I.II Guitarra eléctrica y amplificación 17

II.II Bajo Eléctrico 19

II.III Batería 20

II.IV Sintetizador 21

II.V Voz/Guturales 22

2
Capítulo III Castigando mi Cielo 27

III.I Aspecto Rítmico 27

III.I.I Guitarras I y II 27

III.I.II Bajo 30

III.I.III Batería 32

III.II Aspecto Melódico 33

III.II.I Voz 33

III.II.II Guitarras I y II 33

III.II.III Bajo 35

III.III Aspecto armónico 36

III.III.II Armonía global 36

III.IV Aspecto estructural 37

Conclusiones 39

Bibliografía 40

3
Introducción

La música siempre está en nuestra mente, en cualquier lugar, en cualquier

situación. Hay demasiados estilos musicales, para todos los gustos. El que hace

interesante a uno de ellos es la infinidad de sub-géneros que tiene. Un género que

ha creado controversias a través de los años, debido a su sonido con un estilo

agresivo, ya sea tanto en los instrumentos como en las letras. Este trabajo no

tiene como finalidad hablar de esas controversias, más bien se centrará

únicamente en uno de sus sub-géneros y el respectivo análisis de una canción

representativa del mismo.

Este sub-género, llamado Death Metal Melódico o Melodeath, es único en

su forma de combinar melodías en la guitarra, con un estilo agresivo de voz y con

figuraciones rítmicas en tempo rápido de batería y bajo.

Este sub-género no es tan popular como otros, así que incluso hoy en día

no hay tantas bandas que se inclinen al Deathmetal Melódico. Tampoco hay

trabajos que hablen del mismo con profundidad y es eso lo que me atrajo a

investigar este tema, además de que soy un seguidor del metal y especialmente

de este sub-género.

Es así como hablaré de las bandas precursoras del género y su historia

hasta el presente en el primer capítulo. En el segundo capítulo hablaré sobre los

instrumentos usados en el género. Y en el último capítulo, haré un análisis

musical, de una canción de Dark Tranquillity que se llama Punish My Heaven.

4
Capítulo I Génesis del Death Metal Melódico

En la opinión de los seguidores de este estilo existe división en cuanto a qué

banda fue la que inventó este sub-género. Sin embargo, las siguientes 3 bandas
son las consideradas pioneras: At The Gates, Dark Tranquillity e In Flames. Cabe

destacar que las 3 bandas vienen de la ciudad de Gotemburgo, Suecia, de ahí que

al sub-género también se le llame ‘’Sonido de Gotemburgo’’. Incluso los miembros

de Dark Tranquillity e In Flames eran amigos antes de que las bandas tuvieran su

debido éxito.

La popularidad del género se quedó algunos años en la ciudad de

Gotemburgo, era una escena underground hasta que cada una fue llamando la

atención. Pero veamos la historia de cada banda.

I.I AT THE GATES

Esta banda fue formada en 1990. Los miembros de la banda nunca han cambiado,

estos son: Tomas Lindberg (Vocalista), Adrian Erlandsson (baterista), Martin

Larsson (Guitarrista Rítmico) y los hermanos Jonas Björler (bajista) y Anders

Björler (Guitarrísta Líder). Su primer álbum se lanzó en 1992 y se llamó The Red in

the Sky is Ours. Al respecto, el guitarrista Anders Björler dijo que este disco fue

muy experimental para ellos, estaban buscando un sonido que los caracterizara de
otras bandas. En 1993 se estrena su segundo álbum llamado With Fear I Kiss the

Burning Darkness. Consiguieron un tour en Europa con ese álbum y al acabarlo

deciden componer un nuevo álbum. En 1994 lanzan su tercer álbum llamado

Terminal Spirit Disease. Con este disco ya iba tomando forma su sonido que los

5
diferenciara de otras bandas. Siguieron en tour hasta 1995, ya que decidieron

grabar otro disco. En Noviembre de 1995 se publica su álbum más aclamado,

Slaughter of the Soul. Este disco se considera un punto de referencia para el

Death Metal Melódico debido a su agresividad, velocidad y melodía de los riffs. Se

considera como el mejor álbum de la banda, así como el más enfocado hacia el

Death Metal Melódico. El álbum se encuentra entre los 500 mejores álbumes del
Metal según la revista Hard Rock, también está en el top 10 de álbumes de Heavy

Metal Influyentes ocupando el número 8 según la revista Metal Injection. Este

disco hizo que la banda se hiciera líder en cuanto a la escena Sueca del metal.

Pudieron conseguir un tour por los Estados Unidos, incluso pudieron filmar un
video musical de la canción Blinded By Fear y transmitirlo por MTV. Después de

esta fama internacional, los hermanos Björler deciden dejar la banda, mientras

que los miembros restantes deciden que sin ellos la banda no puede seguir por lo

que deciden separarse.

Los hermanos Björler junto con el baterista Adrian Erlandsson formaron otra
banda llamada The Haunted. El vocalista Tomas Lindberg trabajó en diversos

proyectos e incluso por un tiempo fue maestro de secundaria. En Octubre de 2007

anunciaron que se reunirían para tocar en varios festivales del 20081.

Los integrantes de la banda dijeron que no escribirían un nuevo disco

aludiendo que sería bueno dejar intacto el legado que dejo Slaughter of the Soul.

Se volvieron a reunir como banda para solo tocar en festivales a partir del

2010.

1 http://www.blabbermouth.net/news/exclusive-at-the-gates-guitarist-discusses-reunion-plans-
possibility-of-new-studio-album/

6
 En enero de 2014 la banda anunció su nuevo disco At War With Reality2.

Este disco sigue la línea de Slaughter of the Soul en el sentido que su sonido

pareciera que permanece intacto, sólo un cambio por la voz que suena un poco

más cansada y la velocidad de las canciones que han sido un poco más lentas.

Algo característico del álbum es que las letras de las canciones están basadas en

el realismo mágico de autores como Jorge Luis Borges, Ernesto Sabato, Gabriel

García Márquez, etc3.

Ha sido una banda con un estilo agresivo en sus riffs y bastante rápidos en

cuanto a ritmos, además de su estilo lúgubre con las letras y con los guturales. Es

la banda que más se le adjudica la creación del Death Metal Melódico. Siguen

activos hasta el día de hoy.

I.II DARK TRANQUILLITY

Esta banda fue formada en 1989 por el vocalista Mikael Stanne y el guitarrista
Niklas Sundin. Al principio la banda se llamaba Septic Broiler. No tardaron en

encontrar a miembros para formar la banda, estos eran Anders Friden (Vocalista),

Anders Jivarp (Baterista) y Martin Henriksson (bajista), en ese tiempo Mikael

Stanne era guitarrista.

En 1990 estrenaron un demo llamado Enfleebled Earth. Tiempo después de

ese demo decidieron cambiar su nombre a Dark Tranquillity y cambiar su estilo

musical.

2 http://www.centurymedia.com/newsdetailed.aspx?IdNews=13930&IdCompany=2

3 http://noisefull.com/interviews/gates-anders-bjorler

7
 Sacaron muchos demos hasta que en 1993 pudieron estrenar su primer
álbum llamado Skydancer, el cual fue descrito como un disco único debido a su

rareza en el estilo. Este disco tuvo buena aceptación, era un sonido diferente al

que todos estaban acostumbrados a oír. Era un disco nuevo, debido a la

integración de voces guturales, voces limpias masculinas y femeninas, cambios

repentinos de guitarra eléctrica a guitarra acústica. Después del estreno de su

primer álbum, el vocalista Anders Friden deja la banda. Mikael Stanne deja de ser

guitarrista y pasa a ser el vocalista de la banda y se recluta otro guitarrista llamado

Fredrick Johansson.

En 1995 se estrena un EP4 de la banda llamado Of Chaos and Eternal

Night donde el sonido es más pesado. En ese mismo año, a dos meses de haber

estrenado Of Chaos and Eternal Night, la banda saca su segundo álbum The

Gallery. Este disco se considera una pieza maestra para el Melodeath. Tuvieron

un cambio de estilo sin olvidar el sonido melódico, duelos de dos guitarras, riffs

abstractos, secciones acústicas en casi todas las canciones y partes cantadas por

una vocal femenina. Es el disco que se considera el pionero del Death Metal

melódico junto con Slaughter of The Soul de At the Gates.

En 1996 sacaron su segundo EP Enter Suicidal Angels y en 1997 su tercer

álbum The Mind’s I. Este disco supone un cambio, canciones más lentas, pero con

voces guturales más desgarradoras, riffs de guitarra más agresivos y un poco

4 Los álbumes están divididos por tres tipos: Single (sencillo), EP (Extended Play) y LP (Long
Play), entonces la duración de un EP es muy larga para considerarse un sencillo y muy corta para
considerarse un álbum, usualmente tienen una duración máxima de 20 a 25 minutos.

8
menos melódicos. Es en 1999 cuando se estrena su cuarto disco Projector. Este

disco fue nominado a los Grammys Suecos. Fue un cambio radical en el sonido de

la banda, una evolución de su sonido. Los riffs se hacen más tranquilos, en todas

las canciones se canta limpio, incluso una canción es totalmente cantada limpio.

Se agregan sonidos de teclado en todas las canciones. Después de estrenado el

disco, el guitarrista Johansson sale de la banda debido a que se convirtió en padre

y no quería alejarse de su familia en esos momentos5.

En el año 2000 se estrena su quinto disco llamado Haven. Tiene casi el

mismo sonido que Projector pero se hace más notorio el uso de teclado en las

canciones. Stanne deja de usar voces limpias en las canciones y las voces

femeninas se eliminan de la misma manera. En este disco se une Martin

Brändström como tecladista de la banda. También se une Michael Nicklasson

como bajista de la banda y Martin Henriksson se convierte en el guitarrista rítmico

de la banda.

Empiezan a grabar un nuevo disco y es en 2002 cuando se estrena

Damage Done. Martin Henriksson empieza a crear riffs tomando como idea los de

The Gallery y es así como la banda vuelve a un sonido más agresivo, pero

combinado con una atmósfera de teclado. Las letras del disco se centran en lo

frágil que es la vida.

En 2004 graban un DVD en su gira LIVE DAMAGE.

En 2005 estrenan su séptimo disco Character. Es más agresivo que sus

últimos 3 discos, volviendo a ese sonido característico de The Gallery pero

siguiendo la línea con atmósferas pesadas de teclado.

5 https://en.wikipedia.org/wiki/Projector_%28album%29

9
 Es hasta 2007 que sacan su octavo disco Fiction, donde vuelven las voces

limpias de Stanne y voces femeninas. El estilo del disco mencionan ellos, fue la

combinación de su disco Projector con Haven pero con la agresividad de

Character.

En 2008 se anuncia que el bajista Niklasson dejaba la banda ya que no se

sentía parte de ella6. Un mes después de la partida de Niklasson se encuentra un

nuevo bajista Daniel Antonsson, el cual ya había sido bajista de otras bandas de

esa escena Melodeath.

En 2009 graban otro DVD en un concierto en Italia llamado Where Death is

Most Alive.

En 2009 sale su noveno disco We Are The Void. Se considera que este

disco es la segunda parte de Fiction debido a lo parecido que son las canciones.

Al inicio del año 2013 anunciaron que sacarían un nuevo disco llamado
Construct7. Antes del estreno su bajista Antonsson sale de la banda ya que dijo

que quería centrarse en sus propios proyectos musicales8.

En el mes de Mayo salió a la venta Construct su décimo disco.

Aunque ha sido una banda llena de cambios, permanece su esencia

melódica en todos los discos, debido a que los riffs siguen esa línea, tal vez más

lento o rápido, más o menos agresiva, dependiendo el disco, su sonido melódico

en las guitarras que dejaron marcado en The Gallery no se ha ido. Siguen activos

hasta el día de hoy.

6 https://en.wikipedia.org/wiki/Fiction_%28Dark_Tranquillity_album%29

7 http://www.centurymedia.com/newsdetailed.aspx?IdNews=12299&IdCompany=2

8 http://www.centurymedia.com/newsdetailed.aspx?IdNews=12462&IdCompany=2

10
 I.III IN FLAMES

Esta banda fue creada por Jesper Strömbland en 1990 en Gotemburgo. A partir de

1993 el proyecto se empezó a tomar más en serio por Jesper y reclutó a músicos

para seguir adelante con la banda. Glenn Ljungström en la guitarra y a Johan

Larsson en el bajo, y así se formó su primera alineación oficial de la banda. Los

tres grabaron un demo y se lo mandaron a la disquera Wrong Again Records

quienes, al oír su demo, firmaron con ellos un contrato considerando que su

sonido tenía futuro.

En 1994 debutaron con su disco llamado Lunar Strain. Debido a que la

banda aún no tenía vocalista, le pidieron ayuda a Mikael Stanne de Dark

Tranquillity para grabar las voces. Este trabajo empezaba a tomar forma en cuanto

al sonido de las guitarras melódicas. Es muy recordado el álbum por tener muchos
elementos folk. Las canciones son rápidas y agresivas pero apenas

experimentaban buscando un sonido propio.

En 1995 la banda estrena su primer EP llamado Subterranean, el cual tuvo

mucho éxito y llamó la atención de una de las disqueras más famosas del metal:
Nuclear Blast. Aún seguían sin vocalista, así que le piden a Henke Forss, un vocal

de sesiones, su ayuda para cantar en dicha grabación.

Después de esto, los miembros de In Flames se hartan de tener que pedir

ayuda a músicos de sesión. Le solicitan a Björn Gelotte (quien grabó con ellos la

batería en Subterranean) ser su baterista de tiempo completo, así que Björn

acepta. 6 meses después piden a Anders Friden (ex-vocalista de Dark Tranquillity)

ser su vocalista de tiempo completo y también acepta. Ya con estos miembros

deciden grabar otro disco.

11
 En 1996 sacan su segundo álbum The Jester Race. Su disco más

aclamado. Se considera un clásico del Death Metal Melódico junto a The Gallery

de Dark Tranquillity y Slaughter of the Soul de At the Gates. En esta grabación

exhiben duelos de guitarras líderes sobre una guitarra rítmica, voces guturales y

secciones de guitarra acústica en algunas de las canciones. Con este trabajo se

hicieron la banda más conocida de este género9.

En 1997 sacan su tercer álbum llamado Whoracle. Ljungström y Larsson

saldrían de la banda después de que fuera estrenado el disco, así que ahora

Niklas Engelin tomaría el puesto de guitarrísta y Peter Iwers de bajista en la

banda.

En 1998 Engelin se va de la banda, y sólo se queda Peter Iwers como

bajista oficial, así que se decide que Björn Gelotte pase a ser el nuevo guitarrista

líder de la banda y reclutan a Daniel Svensson para que sea su nuevo baterista.

En 1999 la nueva alineación estrena su cuarto disco llamado Colony. Esta

alineación es la que perduró muchos años. Este álbum toma muchos temas

espirituales. El tempo de las canciones se torna más rápido respecto al anterior

álbum de la banda. Con este disco ganan fama internacional, así que ese año dan

su primer concierto en los Estados Unidos.

En el 2000 estrenan nuevo disco, el quinto, que tomó el nombre de

Clayman. Es un disco que parece la segunda parte de Colony, debido a su similar

sonido en las canciones.

En 2002 hacen un cambio considerable de sonido, su sexto álbum llamado

Reroute To Remain sale a la venta. Se unen a las canciones la voz limpia de

9 https://en.wikipedia.org/wiki/The_Jester_Race

12
Anders Friden, predominando casi todas las canciones mientras que sus guturales

no son muy usados. Este disco fue muy criticado por los seguidores de la banda,

diciendo que se habían vendido a un sonido más comercial.

In Flames decide grabar su séptimo disco en 2003 y sacarlo a la venta en

2004, álbum llamado Soundtrack To Your Escape. Este álbum sigue la misma

línea que Reroute To Remain, un sonido menos agresivo y poco uso de guturales.

Este disco fue un éxito comercial, vendiendo 100,000 copias en los Estados

Unidos10. Su fama iba creciendo con estos dos últimos discos.

En 2006 sale a la venta su octavo disco, Come Clarity. Las canciones de

este disco, suenan similar a las de Clayman, pero sin dejar de lados las voces

limpias que Anders Friden estaba usando. Se creyó un retorno a su viejo sonido.

Vendieron 110,000 copias del álbum en los Estados Unidos la primera semana de

estrenado.

En 2008 sale a la venta su noveno disco, A Sense of Purpose. El disco usa

combinación de teclado con riffs de guitarra melódicos. Tuvo buena recepción el

disco entre los fans.

En un comunicado del 2010, el guitarrista fundador de In Flames, Jesper

Strömbland, decide dejar la banda debido a una lucha que llevaba con el alcohol y

a la dirección en que iba In Flames con su nuevo sonido11. El vocalista Anders

Friden, dice que el que haya dejado la banda no fue por culpa del alcohol, sino

que la relación que llevaba con los demás integrantes ya no era buena, debido al

cambio de sonido que tomo In Flames a partir del disco, Reroute To Remain.

10 http://bravewords.com/news/in-flames-soundtrack-to-your-escape-sells-100-000-copies

11 http://www.metalinjection.net/latest-news/former-in-flames-guitarist-suggests-he-left-because-of-
the-bands-new-sound

13
 El mismo año se anunció que Niklas Engelin, ex-miembro de la banda,

entraría como reemplazo de Jesper Strömbland.

En 2011 estrenan su décimo disco con una nueva alineación, Sounds of a

Playground Fading. El sonido de las canciones es distinto a sus anteriores

trabajos, la distorsión de las guitarras es menos agresiva, la voz hace menos

guturales en las canciones y se cambia por voces limpias en casi todas.

En 2013 graban su nuevo disco y en 2014 sale a la venta, su onceavo

disco, Siren Charms. El sonido se hace más suave que su anterior trabajo, menos

distorsión de guitarras, las voces guturales sólo se usan en una canción y solo en

ciertas partes de la misma. El disco no tiene tan buena recepción en las críticas de

las revistas especializadas de metal y en páginas de internet. El disco se asemeja

más a un rock pesado y no al metal. Aunque su título como Pioneros del

Deathmetal Melódico siga intacto, han recibido muchas críticas de los fans que

adoraban sus primeros discos. Tuvieron una evolución de su sonido a partir de

Reroute To Remain, pero cuando deja la banda Jesper Strömbland, su sonido

cambia radicalmente.

Es una banda con bastante éxito comercial, mucho más que Dark

Tranquillity y At The Gates, pero ya no se les considera Death Metal Melódico

como esas bandas.

14
Capítulo II Instrumentos del Género

En este género se utilizan tanto guitarras eléctricas como acústicas, bajo, batería y

sintetizadores. Hablaré de manera breve la historia de cada uno de ellos.

II.I Guitarra

Al hablar de la historia de la guitarra, tenemos que hablar de los orígenes del

Laúd, ya que la guitarra es un instrumento derivado de éste. A su vez, para hablar

del laúd, hay que remontarnos a Mesopotamia.

II.I.I Laúd, Vihuela, Guitarra Barroca y Guitarra moderna

En Mesopotamia era donde se asentaron los Sumerios alrededor del 4000 A.C. En

el 2350 A.C son conquistados por los Acadios y es a éstos a los que se presume

fueron los poseedores de los más antiguos vestigios del Laúd. Después de que

declina el Imperio Acadio, los Sumerios retoman este instrumento.

También se tienen rastros del Laúd en el Imperio Egipcio (Siglo XV A.C) el

cual tenía buenas relaciones con Grecia, se tiene claro que en ambas culturas, la

música tenía una gran importancia, así que, músicos egipcios viajaban a Grecia

para enseñar música egipcia y a estudiar la griega, del mismo los músicos griegos.

Con estos viajes que realizaban, se puede suponer que hubo introducción

de instrumentos en ambas regiones y se puede ver representado el Laúd con

15
abundancia pictórica. Aun así queda claro que éste, fue introducido a Egipto, ya

que los rastros hallado en Egipto de este instrumento datan del siglo XV A.C y en

Mesopotamia existen evidencias del Laúd más antiguas.

Hubo otra región llamada Anatolia en donde sus habitantes se llamaban a si

mismos ‘’Habitantes de la tierra de Hatti’’, su referencia más antigua se encuentra

en unas tabletas cuneiformes de Mesopotamia, de la época del Imperio Acadio

datada entre los años 2350-2150 A.C. Por fortuna, se guardaban registros

históricos, representaciones visuales, escultóricas o referencias directas y se

encontraron registros de sus instrumentos, así que se puede considerar que en

esa región y en esas culturas hubo instrumentos precursores de los que

conocemos hoy en día.

Se puede establecer entonces, que de estos Imperios se han encontrado

los vestigios más antiguos del laúd.

En cuanto a su evolución en la Edad Media hay que recordar que se impuso

la religión Cristiana. El Imperio Romano fue cayendo ante invasiones y se impuso

el Imperio Bizantino, surgió el Sacro Imperio Romano-Germánico, después

sobrevino la conquista árabe y posteriormente las cruzadas. Todo esto aportó

grandes intercambios culturales, en ese tenor, el desarrollo de los instrumentos

musicales fue un proceso histórico que cambió al mundo occidental12.

Ya en el siglo XVI la guitarra latina evolucionó y dio lugar a instrumentos

diferentes: la vihuela da mano, que fue muy popular en España y Portugal, estaba

dotada de seis ordenes (cuerdas dobles) y que tuvo una difusión amplia entre la

12 Aguilar, A. (2014) Breve Historia de la Guitarra. Tesis de Licenciatura. Universidad Nacional

Autónoma de México.

16
aristocracia, los trovadores y los músicos profesionales. Este instrumento coexistió

con el Laúd que era el instrumento más popular en Europa y Oriente Medio.

El Laúd usado en los países Árabes carecía de trastes, poseía un mástil

más corto que el usado en Europa, y una caja de resonancia más grande,

usualmente contaba con un bordón y cuatro cuerdas dobles, su registro es de dos

octavas y media.

También estaba la guitarra, de cuatro órdenes, de uso más popular. En el

siglo XVII se le atribuye al músico y poeta Vicente Espinel la inclusión de la quinta

cuerda, así como su difusión a todas las clases sociales de España. Iniciando el

siglo XVIII, Jacob Otto agrega la sexta cuerda a la guitarra y se estandariza la

afinación moderna, el cambio más significativo para este instrumento. En 1850

empezó el trabajo de Antonio Torres Jurado, el cual consistió en un aumento del

tamaño de la caja de resonancia y del mástil. Esto hizo que mejorara el volumen

del instrumento, así como la respuesta de los bajos.

II.I.II Guitarra eléctrica y amplificación

En 1909 el norteamericano De Forest comienza con el desarrollo de la

amplificación. Para ello utilizó un tubo al vacío de tres contactos para modular el

flujo de electrones y de esa manera amplificar, a través de parlantes, los impulsos

eléctricos emitidos por un radiorreceptor de ondas electromagnéticas 13. Aún en la

década de 1920, las orquestas de baile y bandas de Jazz en Estados Unidos

utilizaban distintos tipos de guitarras acústicas, pero tenían escasa sonoridad en

comparación con otros instrumentos. Para resolver este problema el Ingeniero

13 http://www.inventosmodernos.cl/amplificador.htm

17
Lloyd Loar, quien trabajaba para la marca Gibson, empezó a experimentar con

imanes y en 1924 diseñó una pastilla que podía acoplarse a las guitarras. La

pastilla convertía las vibraciones en señales eléctricas y eran amplificadas por un

altavoz. Un problema que surgió con la amplificación fue la distorsión del sonido.

Después de diferentes modificaciones se pudo controlar la fidelidad mediante la

ganancia y respuesta a la frecuencia.

Es en 1931 cuando se da un avance mayor en cuanto a las guitarras

electricas: Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional

en California que fabricaba pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para

formar la Electro String Company, la primera que comercializó instrumentos

eléctricos. Ellos crearon las guitarras de acero y aluminio fundido, conocidas como

‘’sartenes’’ por su forma. En 1932, Rickenbacker creó la Electro Spanish. Por su

parte, Gibson produce modelos con gran éxito como la ES-150, lanzada en 1935.

Pero en 1950 Leo Fender produce la primera guitarra eléctrica en serie, la Fender

Broadcaster, llamada más tarde Fender Telecaster. Debido al éxito, en 1954

fábrica otro modelo, probablemente el más famoso de toda la historia de la

guitarra eléctrica, la Stratocaster, que aún hoy se sigue vendiendo14.

Un avance significativo se debió al uso de transistores en 1965, aunque al

principio no producían la calidez de sonido que daba un amplificador de tubos A

partir de 1972 se cambió paulatinamente la respuesta a la frecuencia de los

amplificadores de circuito sólido y se logró imitar y superar la calidad de sonido de

los amplificadores antiguos.

14 http://leer.es/documents/235507/242734/brevehistoriaguitarraelectrica2.pdf/321ab956-420b-
43e2-86d1-126c0c34fa7e

18
 Hoy en día hay gran variedad de amplificadores y bocinas, con diferentes

tipos de efectos así como de distorsiones para el sonido que busca el músico.

Las marcas más reconocidas son: Behringer, Bugera, Fender, Ibanez,

Laney, Line 6, Marshall, Mesa Boogie, Orange y Peavey.

II.II Bajo Eléctrico

La necesidad de fabricar un bajo eléctrico era por las características desfavorables

que tenían los contrabajos: un gran tamaño y un escaso volumen. Era viable sólo

ponerle una pastilla eléctrica al contrabajo, pero Leo Fender pensó en arreglar los

problemas de transporte para ese instrumento, haciéndolo más compacto.

También pensó en el problema que era conseguir una afinación perfecta para el

contrabajo, ya que éste es un instrumento sin trastes con diapasón liso, así que

Leo Fender se basó en la guitarra eléctrica para hacerlo: modificó las dimensiones

del mástil de la guitarra y estableció la medida estándar de 34 pulgadas para el

bajo, cuerdas de metal, control de volumen y tono. Así mismo, añadió

cubrepastillas de metal para el aislamiento eléctrico de las mismas e incluyó

muteadores de goma sobre las cuerdas y fue así como fabricó un instrumento

viable15.

Aunque ese modelo de bajo aún se fabrica, existen otras marcas con

algunas modificaciones, las cuales hacen que tengan un sonido distintivo.

En el presente hay una infinidad de marcas que producen bajos eléctricos,

dando variedad en sonidos y gustos en sus diseños.

15 http://www.aulaactual.com/especiales/historia-del-bajo/

19
 II.III Batería

La creación de la batería se debió a que en las orquestas, varios percusionistas

tocaban elementos por separado, por ejemplo, uno se encargaba de los redobles,

otro tocaba el bombo o tocaban címbalos y panderos. Después de la perdidas de

la primera guerra mundial, la alta burguesía que solía contar con orquestas

privadas se vio en la necesidad de reducir el número de músicos, entonces se

tuvieron que unir los instrumentos de percusión para que solo un instrumentista los

tocara16. Gracias a que en 1910 fueron comercializados los pedales para bombo y
los soportes de los redoblantes por la compañía Ludwig, se pudieron ensamblar

los distintos elementos de la percusión para ser ejecutados por una sola persona,

aunque aún no era la batería que conocemos hoy en día.

Algunos años más tarde surgen otros tipos de soportes para ensamblar

elementos adicionales al bombo. Se comienza a utilizar los toms con la capacidad

de afinarse y se incorporan platillos que se tocaban con un pedal, este concepto

daría lugar a lo que hoy conocemos como Hi-Hat.

En los años 50’s son fabricados los parches con materiales sintéticos 17 y en

1959 se crea un sistema de soportes para que los toms estén fijados al bombo.
Con la llegada de las bandas de Rock como The Beatles y Rolling Stones, la

batería se vuelve un instrumento popular para los jóvenes, y es por eso que se
comienza a producir baterías con sonidos de mejor calidad. Marcas como Tama

(Japonesa), Pearl (Japonesa), DW (Americana), Yamaha (Japonesa), Sonor

16 http://danielmartin-mallets.com/blog-percusion/es/origen-y-evolucion-de-la-bateria-conjunto-de-
instrumentos-de-percusion/

17 Recordemos que hasta antes de esa fecha los parches en los menbranófonos eran de piel de
animal.

20
(Alemana), Mapex (Taiwanesa), Gretsch (Americana) y Ludwig (Americana) son

las más reconocidas debido a la calidad con la que fabrican las baterías.

II.IV Sintetizador

Es un instrumento electrónico, el cual genera señales eléctricas convertidas a

sonidos a través de bocinas. Pueden imitar otros instrumentos o hacer nuevos

timbres. Los primeros sintetizadores fueron construidos en los años 20's, su

desarrollo se llevó a cabo en laboratorios de electrónica en ciertas Universidades

de los Estados Unidos.

Se popularizaron en los 60’s gracias a que inventores como Bob Moog los

empiezan a modificar para que sean más prácticos. En 1968, Carlos Walter en

colaboración con Moog, graban usando un sintetizador algunas obras de Johann

Sebastian Bach, mostrando al público que el sintetizador podía ser usado en la

música tradicional.

Con los nuevos estilos de música de los 70’s, como el Rock Progresivo, se

necesitaban nuevos sonidos y el sintetizador satisfizo esas demandas.

Años más tarde se pudo lograr que los sintetizadores emularan el sonido de
instrumentos ya existentes. En los 80’s se desarrolla el sampler, con el cual se

pueden grabar sonidos reales y reproducirlos. En 1983 se adaptó la interfase MIDI

que permite que los sintetizadores se comuniquen entre sí y graben lo que se

tocaba en un aparato que se llama secuenciador18.

18
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pdf

21
 En la actualidad hay diferentes marcas que comercializan los sintetizadores,
las más famosas son: Moog, Roland, Yamaha y Korg.

II.V Voz/Guturales

El canto nació con el hombre mismo, incluso hay quienes afirman que existió

antes que el lenguaje hablado, ya que transmitía contenidos emocionales en vez

de contenidos textuales.

Este evolucionó y se adaptó a las necesidades religiosas, por ejemplo, en el

siglo VII, la Iglesia Católica aportó un tipo de canto, llamado: Canto Gregoriano.

Desde que inicia la música cristiana se da a entender que es una oración cantada,

que debía realizarse con devoción y sin intentar sobresalir como intérpretes.

Tenía un ritmo sometido al texto latino, entonces, se considera que es de ritmo

libre. Era un canto monódico, o sea, sólo existía una línea melódica y era a

capella19.

Posteriormente la polifonía fue un fenómeno musical de importancia vital en

la Edad Media, debido a que en la antigüedad todas las voces e instrumentos sólo

se limitaban a reforzar, correspondiente con su tesitura, una línea melódica única.

La polifonía se define como el conjunto de sonidos simultáneos en que cada uno

expresa su idea musical, pero formando con los demás un todo armónico. Ello

trajo como consecuencia el aspecto cordal (formación de acordes), el cual

consiste en tres o más notas diferentes que suenan simultáneamente y que

constituyen una unidad armónica. El estudio de la armonía, que implica la

19 http://interletras.com/canticum/caracteristicas.html

22
construcción de los acordes, así como sus progresiones y las conexiones que los

rigen, se da hacia principios del s. XVIII.

La escritura rítmica constituye un sistema formado por patrones de

duraciones largas y breves, que los teóricos musicales del siglo XIII extrajeron de
la polifonía de la Escuela de Notre Dame y que se impuso en la escritura musical.

Fue el primer paso hacia el desarrollo de la moderna notación mensural. Aunque

el uso de los modos rítmicos es el rasgo más característico de la música tardía de

la Escuela de Notre Dame, también predomina en gran parte de la música del Ars
Antiqua a mediados del siglo XIII. Las composiciones impregnadas por el ritmo

modal son los del organum, el conductus y la claúsula de discanto de Notre Dame.

En el mismo siglo, también se utilizó el ritmo modal en los motetes, a menudo con

mayor complejidad que la encontrada a principios del siglo XIII.

La polifonía se divide en tres periodos, en el primero llamado Polifonia

Primitiva, se da el organum, el cual es un canto a dos voces, cuya melodía

superior, llamadas vox principalis, era tomada del canto gregoriano, en tanto que

la voz inferior, denominada vox organalis, era la reproducción del canto superior a

intervalos de cuartas o de quintas paralelas y también se da el Discantus, en el

cual las dos voces ya no van de manera paralela, sino que van en movimiento

contrario, es decir, mientras la melodía principal asciende la organal desciende o

viceversa.

En el segundo periodo llamado Ars Antiqua se desarrolla entre la mitad del

siglo XII hasta finales del siglo XIII. En este periodo se desarrolla el organum, pero

de manera en que se llega a organum de tres y de cuatro voces. También se

23
desarrolla el motete, es una forma polifónica que consta de dos o tres voces, cada

una de las cuales canta un texto distinto y tiene también un ritmo diferente20.

Y el último periodo llamado Ars Nova, que surgió en el siglo XIV, se

desarrollan nuevas teorías musicales que irán concediendo cada vez más libertad

al compositor. Se sigue desarrollando el motete y se da el Canon que es una

composición contrapuntística en la que todas las voces cantan la misma melodía,

pero realizan su entrada de manera progresiva. Y surge una polifonía vocal

profana de carácter cortesano.

En el siglo XVII se desarrolló en Italia el Bel Canto en la época Barroca

como consecuencia del surgimiento de la ópera. Se buscaba la perfección del

Legato, la brillantez de los agudos y sobreagudos y un excelente manejo de la

respiración. Aunque el estilo floreció en la época Barroca, su influencia fue notable

a finales del siglo XVIII, en óperas francesas y en el estilo mozartiano 21.

Otro tipo de canto que se dio en el Romanticismo es el Lied. Eran

canciones líricas breves, cuya letra era un poema, al que se le compuso música y

escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano. Tuvo sus

antecedentes con Mozart y Beethoven aunque su alto desarrollo fue con el

compositor austriaco Franz Schubert en 1814. Se le llamaba ‘’canción de arte’’

para diferenciarla de las canciones populares.

Como ya se mencionó, el canto se ha ido adaptando a las necesidades de

los diferentes tipos de música, ese es el ejemplo de los guturales. Éstos son tonos

bajos (graves) similares a gruñidos. Su uso hoy en día está muy extendido en las

20 https://depmusica.wikispaces.com/file/view/POLIFON%C3%8DA+medieval.pdf

21 http://musicapando.blogspot.mx/2016/03/definiciones-especificas-de.html

24
bandas de Death Metal y sus subgéneros, debido a la necesidad de expresar

agresividad a la música. Aunque el Death Metal es el tipo de música que los usa

de manera regular, a la banda que se le reconoce haber sido la primera en usarlos

en la música popular fue a The Who en sus canciones Boris The Spider en 196622

y summer time blues.

Si bien el Death Metal llamó la atención por su música y voces agresivas en

los 80’s con bandas como Death y Possesed, la banda que le dio otro toque a este

estilo musical, usando guturales profundos y desgarradores en todas sus

canciones, fue Cannibal Corpse.

Existen dos tipos de guturales: inhalados y exhalados. El primer tipo de

gutural se produce cerrando la garganta y poniendo la lengua sobre el paladar

mientras se inhala aire por la boca, estos guturales son usados en el Grindcore y

en algunas bandas de Brutal Death Metal. Los guturales inhalados a diferencia de

los exhalados carecen de potencia, obligando al vocalista a acercarse mucho al

micrófono o a forzar su garganta, pero tienen mucha más profundidad que los

guturales exhalados llegando al punto en que no se perciben con claridad las

palabras. Otra característica de este estilo es que la técnica provoca un sonido

similar en todas las personas que lo cantan: la tímbrica es muy similar.

Los guturales exhalados son un poco más difíciles de hacer debido a su

técnica: Primero se debe inhalar, se aprieta el diafragma y al momento de exhalar

se debe lograr que el aire choque contra el paladar mientras se cierra la garganta,

ya que si el gutural se hace desde la garganta se puede lastimar la misma y para

conseguir que suene más grave, la lengua debe enrollarse hacía la garganta

19 https://en.wikipedia.org/wiki/Death_growl

25
haciendo una barrera. La potencia de estos guturales es muy marcada, así como

la claridad con la que se cantan, además de que se puede percibir el timbre de voz

de cada persona que los realiza.

El sonido producido es natural, cada vocalista tiene su estilo al cantar y

modificando sus técnicas logran diferentes tipos de sonidos guturales.

No importando el tipo de gutural se tienen que llevar a cabo ejercicios de

calentamiento antes de cantarlos, así como beber agua tibia, antes, mientras y

después de hacerlos, ya que de esa manera se relaja la garganta. Un mal cuidado

y una mala técnica pueden hacer que haya daños en aparato de fonación.

26
Capítulo III Castigando mi Cielo

La canción que se analiza a continuación se llama Punish My Heaven de la banda

Dark Tranquillity del disco The Gallery. El análisis, inicialmente se presenta

considerando cada uno de los elementos básicos de la música de manera

independiente y, posteriormente, se sintetizan entrelazando las relaciones de cada

elemento. El presente análisis fue basado a partir de la partitura y la tablatura

descargada en el programa Guitar Pro 5 y 6; así como de manera auditiva.

III.I Aspecto Rítmico

III.I.I Guitarras 1 y 2

G1

G2

Otro elemento rítmico destacado y característico es la síncopa, la cual consiste en

romper la regularidad del pulso, por medio de la acentuación de una nota en un

27
lugar débil o semifuerte de un compás. Un claro ejemplo de síncopas en la guitarra

son en los compases 50, 52 y 54:

La escritura de la pieza, en su mayoría, es con dieciseisavos en los

cuales implícitamente se encuentra el ritmo de la línea melódica:

Una sección importante e identificable es cuando cambia de una subdivisión

binaria, en este caso dieciseisavos y octavos, a subdivisión ternaria, tresillos en

este caso.

28
 La segunda guitarra refuerza tanto el ritmo como la melodía que realiza la

guitarra primera con ligeras variantes: cambio del registro u octava, variantes

rítmicas y melódicas, sin comprometer la armonía establecida.

A partir del compás 29, sección de tresillos, la segunda guitarra también

incorpora la subdivisión ternaria, pero realiza unos tresillos de negra los

cuales establecen una agrupación binaria de las corcheas dentro de la subdivisión

ternaria, la cual coincide con la misma agrupación que realiza la primera guitarra

Algunas de las variantes rítmicas que hacen la guitarra 1 y 2 son estas:

Compás 50 y 51

G1

G2

29
Compás 108 – 111

G1

G2

Como se puede apreciar en las imágenes de los compases 108-111, la

guitarra 1 lleva acabo arpegios mientras que la guitarra 2 toca acordes cerrados a

excepción de su compás 109.

III.I.II Bajo

En el caso del bajo el ritmo es bastante regular. Solamente incorpora la síncopa

justo en la introducción en tiempos 3 y 4.

30
 Después de haber hecho eso, se repite el intro de la canción por parte de la

guitarra 1, pero el bajo en vez de repetir lo señalado en la imagen de arriba ahora

toca con este ritmo utilizando semicorcheas:

La regularidad del bajo con figuras de semicorchea, se ve modificada con la

subdivisión ternaria al tocar los tresillos, al igual que la guitarra 1:

Ya en la sección que va de los compases 116-131, donde la guitarra 1 toca

un solo, el bajo únicamente toca redondas:

31
 III.I.III Batería

En cuanto a la batería, esta refuerza los aspectos rítmicos mencionados en el

bajo y guitarras, pero incorpora subdivisiones mayores, empleando incluso fusas.

Estas subdivisiones intensifican el ritmo rápido de la canción:

Al igual que el bajo, utiliza la síncopa al comenzar la canción:

En lo que tiene que ver con los versos de la canción, utiliza figuras rítmicas

de corcheas:

Y algo destacable es que en el coro, por ejemplo en el compás 29, lo que

son guitarras, bajo y, en este caso, la batería utiliza tresillos:

32
 III.II Aspecto Melódico

En cuanto a la escritura de cada partichela la del bajo es real mientras que las

guitarras emplean una escritura simplificada en cuanto a la tonalidad, bajo el

supuesto de que las guitarras emplean la afinación convencional. La notación es

real en su altura. Recordemos que la afinación habitual en esta banda, es de Mib,

es decir medio tono debajo de la afinación habitual. La afinación de las guitarras

de la primera a la sexta cuerda es: D# (Eb) - A#(Bb) - F#(Gb) - C#(Db) - G#(Ab) –

D#(Eb).

III.II.I Voz

No hay partichela de la voz, por lo que se transcribió una parte de la misma, en

tanto que el resto es repetitivo. Cabe mencionar que, paradójicamente al nombre

del género (death metal melódico) la voz no maneja ningún desarrollo melódico:

únicamente emplea dos notas a lo largo de la canción, mi bemol y re bemol. El

aspecto destacado con estos dos sonidos es el empleo característico del gutural,

en el que al gritar desgarradoramente sube una octava.

III.II.II Guitarra 1 y 2

Dentro de la regularidad de los dieciseisavos surge el ritmo de la melodía al

destacarse solamente ciertas notas. Este tipo de escritura se llama polifonía

oculta: en una escritura, aparentemente para una sola voz o instrumento, se

distinguen dos o más líneas melódicas. En la primera imagen se aprecia con

33
dieciseisavos y en la segunda la melodía de la imagen previa, en este caso, de la

guitarra 1:

En cuanto a la guitarra 2 en el verso se puede apreciar lo mismo, la primera

imagen es con dieciseisavos y en la segunda la melodía:

34
 III.II.III Bajo

En cuanto al bajo, toca secciones junto a la guitarra 1, como por ejemplo del

compás 21 al 23 donde la melodía está marcada igual que las anteriores

imágenes:

35
III.III Aspecto Armónico

La Armonía es el uso de notas simultáneas. De manera general es la combinación

de las notas en forma equilibrada, produciendo en el oyente sensaciones de calma

(combinaciones consonantes) o de tensión (combinaciones disonantes)23.

La consonancia es el conjunto de sonidos que el oído percibe de forma

distendida, es decir, el oído no los rechaza. Es una noción subjetiva según la cual

se considera ciertos intervalos musicales menos tensos que otros.

La disonancia es el conjunto de sonidos que el oído percibe con tensión y

por tal razón, tiende a rechazarlos. La disonancia es un intervalo que es definido

por las reglas de la armonía como desagradable al oído.

III.III.I Armonía global

La canción se encuentra en la tonalidad de D#m. En esta escala menor se

contienen las notas: D#, E#, F#, G#, A#, B y C#.

En una partitura su armadura sería la siguiente:

De izquierda a derecha se notan las alteraciones a las notas ya

mencionadas excepto a B(si).

20 https://es.wikipedia.org/wiki/Armon%C3%ADa

36
III.IV Aspecto Estructural

Intro A B

Compases 8 8 6 5 8 14

4+4 4+4 2+2+2 2+2+1 4+4 4+4+2+4

a a b a c d e c’ f g h i d e j

(Tresillos)

C D Solo de Guitarra 1 (D)

19 16 16

4+4+4+2+2+2+1 4+4+4+4 4+4

k k’ j c’ c’ c’ g h k’ k’ ||: k’’ k’’ :||

E Solo de Guitarras 1 & 2 (E) Coda

16 16 16 8

4+4 4+4 4+4 4+4

||: l m :|| ||: l m :|| ||: l m :|| l m

La pieza musical en su totalidad está dividida en secciones, periodos y frases. Las

secciones es la unión de los periodos, representadas por letras mayúsculas. Los

periodos están conformados de dos o más frases, son el resultado de su suma,

representados por los números debajo de las letras mayúsculas.

37
 Las frases son una unidad estructural, dándoles fin cuando la armonía le da

un sentido de resolución, representadas por letras minúsculas que son los

compases que se suman.

38
Conclusiones

El tema abarcó la historia de las 3 bandas más importantes del sub-género Death

Metal Melódico surgido en los 90´s. Después se centró en la historia de cada uno

de los instrumentos que son empleados en dicho subgénero y, para finalizar, el

análisis musical de una pieza representativa del mismo. Al iniciar el trabajo el

objetivo fue profundizar en este sub-género y buscar lo que lo hacía distinto de los

demás. Posteriormente al análisis realizado, pude descubrir que su nombre está

de más, toda música cuenta con melodía sin excepciones, en ese sentido no se

diferencia de cualquier otro tipo de música, más bien, sus singularidades son las

combinaciones que emplea con voces limpias y guturales, la importancia que le da

a los instrumentos sobre la voz; las líricas de las canciones están más enfocadas

al existencialismo y su sonido excepcionalmente llega a transmitir relajación, a

diferencia del Death Metal puro, el cual se centra en la violencia y su brutalidad al

tocar. Es un trabajo que hizo que mi interés por este sonido de Gotemburgo se

intensificara, una música que no es muy popular, pero que me llena al oírla y me

hace disfrutar, me libera del estrés, de las angustias, me hace olvidar todo por

unos minutos y me gustaría que con esta investigación más personas puedan

llegar a sentir lo que yo.

39
Bibliografía

Aguilar, A. (2014) Breve Historia de la Guitarra. Tesis de Licenciatura. Universidad Nacional

Autónoma de México. 23/04/16

Fuentes Electrónicas

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instrumentos-de-percusion/ 26/03/16

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86d1-126c0c34fa7e 24/03/16

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possibility-of-new-studio-album/ 05/03/16

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the-bands-new-sound 13/03/16

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