LECTURAS

LA CÁMARA: UNA EVOLUCIÓN

La fotografía es una tecnología y, como tal, las características específicas
de la imagen fotográfica —y el modo en que se “leerá”— estarán
determinadas por la naturaleza del equipo y por los procesos utilizados:
una copia de una fotografía realizada con una cámara de gran formato
tendrá una apariencia muy distinta de la realizada con la cámara de un
móvil; el blanco y negro es muy distinto del color. La elección de la cámara
influye en el modo en que reacciona la gente. Una cámara grande resulta
intimidatoria e invita a dar una respuesta seria y formal, mientras que una
cámara pequeña que se lleva en la mano provoca una reacción más
espontánea y expresiva. Por otro lado, una cámara pequeña que “te
plantan en las narices” resulta agresiva o intrusiva. La fotografía ha
evolucionado desde la invención de Frederick Scott Archer del proceso del
colodión húmedo en 1851. Este combinaba con éxito el concepto del
daguerrotipo con la reproductibilidad del proceso negativo-positivo de Fox
Talbot, pero obligaba a una complicada manipulación con productos
químicos sobre una placa de cristal. Después llegó la comodidad relativa
de la invención de Richard Leach Maddox en 1871: la placa seca de
gelatina; y en 1889, la película de celuloide. Esta se convirtió durante un
siglo en el medio fotográfico dominante, hasta la aparición de la tecnología
digital en la década de 1990.
Salkeld, R. (2016). Cómo leer una fotografía: ( ed.). Barcelona, Spain:
Editorial GG. Recuperado de
[Link]

USOS DE LA FOTOGRAFIA
La camara fue inventada por Fox Talbot en 1839.
En el siglo xx empezo a sustituir a la palabra como testimonio inmediato, lo
que dio paso a su uso deliberado para propaganda.
La certeza es instantánea mientras que la duda requiere tiempo
Una foto sin título no tiene significado

FUNDAMENTOS DE LA FOTOGRAFIA
Antecedentes.- 3 Fenómenos:
1. Formación de imágenes en la “cámara oscura”
2. Transformaciones que la energía luminosa produce en la materia
3. Acción de sustancias quimicas que han sido afectadas por la energía
luminosa
 Formación de imágenes
Las imágenes captadas con ayuda de medios técnicos se basan en un
curioso fenómeno óptico, por el que en un receptáculo oscuro, en el que se
haya practicado un pequeño agujero en una de sus caras, se formará una
imagen óptica en la cara opuesta. La imagen formada estará invertida de
arriba abajo y de izquierda a derecha, y será tanto más nítida y oscura
cuanto más pequeño sea el agujero.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de España. Recuperado de
[Link]

Este fenómeno fue descrito por Aristóteles, se usaba para observar

eclipses, en el Renacimiento se le llamo “camara oscura”
Todos los instrumentos empleados en la captación de imágenes desde la
más sencilla cámara fotográfica de usar y tirar, hasta la más compleja, las
cámaras de vídeo y cine e incluso las de fotografía digital, se basan en
éste curioso fenómeno óptico. Lo único que varía son los sistemas de
registro, los procedimientos y los soportes empleados para materializar las
imágenes.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de España. Recuperado de
[Link]

En la difusión de la fotografía la figura de George Eastman (el fundador de

Kodak) marca un hito fundamental con sus esfuerzos tendentes a ponerla
al alcance de todo el mundo. No sólo inventó el rollo, primero de papel y
luego de película de celuloide, sino que, en 1888, comercializó una cámara
(por 25 dólares), que permitía efectuar 100 exposiciones. Una vez tomadas
las mismas, la cámara se enviaba a la fábrica, donde revelaban las
fotografías y se enviaban a su dueño, junto con la cámara cargada de
nuevo, por 10 dólares. Al año siguiente perfeccionó su invento. Si así se
deseaba, uno mismo podía revelar las fotos y cargar la cámara
nuevamente. En 1900 aparece la Kodak Brownie, una máquina que
permitía tomar seis vistas y era tan sencilla que estaba destinada a los
niños y de la que se fabricaron infinidad de modelos a lo largo de sus más
de 60 años de comercialización.
En 1889 Eastman sustituye el papel, como base de las emulsiones
fotográficas, por celuloide. Tomás Edison inventó, en 1893, la película
perforada de 35 mm. (La que usábamos habitualmente casi todos, hasta la
llegada de la fotografía digital), en un principio destinada al cine. En 1924
Oscar Barnack empleó esta película en una cámara de su invención, la
famosa Leica, comercializada en 1925, que fue la "abuela" de las cámaras
actuales.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de España. Recuperado de
[Link]

La primera cámara con una pantalla de cristal líquido en la parte posterior

data de 1995 (Casio QV-10). Y la primera en utilizar tarjeta de memoria
Compact Flash fue la Kodak DC-25 al año siguiente. En estos años todas
las cámaras dirigidas al consumidor doméstico eran de baja resolución,
puesto que en el año 1997 casi todas se ofrecían con un máximo de un
megapíxel. Desde entonces hasta nuestros días ha sido una carrera
imparable en el aumento de las resoluciones, que corrieron a la par de la
bajada de los precios, especialmente desde el momento en que las
cámaras fotográficas digitales sustituyeron casi de forma total las
preferencias de todos los consumidores.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de España. Recuperado de
[Link]

Características de la luz
El aspecto de la foto depende de la cantidad y calidad de luz.
Se denomina fotografía en exposición a la que ha de realizarse con una
velocidad de obturación superior a la empleada habitualmente para
trabajar sujetando la cámara con la mano.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de España. Recuperado de
[Link]

Lo normal son velocidades que duran mas de 1/30 como:

● 1/15
● 1/8
● 1/4
● 1/2
● 1 sg, etc.
¿Qué es la velocidad de obturación?
Es la velocidad a la que se cierra el obturador de la cámara. Una velocidad
de obturación rápida crea una exposición más corta —la cantidad de luz
que capta la cámara— y una velocidad de obturación lenta brinda al
fotógrafo una exposición más larga.
[Link]
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Realizar foto en exposición

Para realizar una foto en exposición, como la anterior (tiempo de

exposición 30 segundos):
● La cámara ha de poseer las velocidades correspondientes, pues
no todas las cámaras poseen tiempos de exposición superiores a
1/30.
● La cámara ha de colocarse sobre un trípode o apoyada en una
superficie estable, pues si la sujetamos entre las manos la foto
saldrá borrosa.
● Habrá de emplearse un cable disparador o, en su defecto el
disparador retardado de la cámara si lo tiene, para evitar el
movimiento de la cámara al disparar.
Habitualmente la mayor parte de las fotografías de aficionado se
realizan sin recurrir a esta técnica, pues se suele trabajar en las horas
en que la luz ambiente es suficiente o se emplea el flash.
Conviene probar alguna vez la obtención de fotografías nocturnas,
cuyos resultados son, algunas veces, muy interesantes.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación
Profesional de España. Recuperado de [Link]
Los días nublados son buenos para tomar fotos.
La película o el sensor no responden a las diferencias de iluminación
como el ojo humano y que, por ello, debíamos medir la luz
selectivamente sobre el motivo principal y no sobre la totalidad del
encuadre, para asegurarnos un buen resultado. Pero, ¿cómo se
comporta la luz?
La luz:
● Se desplaza en línea recta.
● Es absorbida por superficies oscuras y reflejada por superficies
claras.
● Puede reflejarse.
● Puede difundirse.
Según el tipo de luz que incide sobre los objetos se puede hablar de
dos tipos de iluminación en cuanto a su calidad:
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación
Profesional de España. Recuperado de [Link]

Luz Dura: Cuando se trata de una iluminación directa, que provoca

luces y sombras muy definidas y diferenciadas (la del sol en un día
descubierto, la de un foco potente en la oscuridad...)

Suave: cuando es difundida o dispersada por una superficie (por

ejemplo: la que se filtra a través de las nubes en un día nublado; la que
entra en una habitación clara, donde no dé el sol directamente, a través
de los visillos; la de una lámpara de pie con pantalla o un tubo de neón;
la que hay en una zona de sombra clara...).
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de
España. Recuperado de [Link]
La elección de suave o dura depende tanto de las intenciones del
fotografo como de los recursos a su alcance.
Colocar LUZ AZUL compensa el exceso de radiación rojiza del foco
incandescente.
Usar una pelicula especial para cada tipo de luz
En el siguiente ejemplo hemos colocado el balance para luz natural y,
evidentemente, la iluminación que había era artificial, esto para
conseguir que la foto saliera con una dominante "cálida".

El flash puede utilizarse para una película de luz natural

La potencia de los flashes depende de la cantidad de luz que emiten o,

dicho de otra manera, del alcance del disparo. Este alcance se conoce
mediante el "número guía". Dicho número indica la distancia máxima, en
metros, a la que se encontrará un objeto para que podamos obtener
una fotografía bien expuesta, empleando una película de 100 ISO.
Si nuestra cámara permite ajustar la velocidad manualmente, lo
primero será colocar la adecuada, que en la mayoría de ellas es de
1/125 ó 1/60 y suele ir indicada en otro color, rojo o naranja o con un
pequeño símbolo en forma de flecha zigzagueante. Si la velocidad
seleccionada es más rápida, por ejemplo 1/250 o superior, nos
llevaremos la desagradable sorpresa de que la fotografía sólo se
encuentra impresionada parcialmente, en forma de banda horizontal o
vertical según el recorrido de la cortinilla, pues aunque el destello es
muy rápido, es difícil sincronizar un tiempo tan corto de disparo con el
también corto tiempo en que el obturador permanece abierto.
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de
España. Recuperado de [Link]
 1. Sujetarlo a la zapata de accesorios de la cámara, girando la rosca
para asegurarlo.
2. Si la cámara tiene un contacto eléctrico en la zapata, ambos
estarán conectados. Si no lo tuviese hay qua emplear un cable de
sincronización entre ambos.
3. Pulsar el botón de encendido del flash, esperando la indicación
luminosa de "listo para el disparo". Algunos modelos tienen un
botón comprobador de las baterías, qua indica su estado
correcto al encenderse un diodo.
4. Colocar la velocidad de obturación adecuada (generalmente 1/60).
5. Colocar la sensibilidad de la película en el indicador de ajuste de
la misma en el flash.
6. Enfocar al objeto que se va a fotografiar y mirar, en el aro da
distancias del objetivo, la distancia a la que se encuentra.
7. Mirar la escala de distancias del flash, buscando la
correspondiente al objeto que se va a fotografiar.
Tenemos dos opciones:
a) Trabajar en modo manual: Comprobar en la escala de diafragmas del
flash, que se encuentra sobre la de distancias, cuál es el que le
corresponde y ajustarlo en al selector de diafragmas del objetivo
(supongamos que el objeto se halla a 4 m., correspondiéndole el
diafragma que se encuentra sobre la misma, es decir, en nuestro
ejemplo: f/16).
b) Trabajar en modo automático: Una vez buscada la distancia en la
escala del flash, localizar las flechas que indican los diafragmas
automáticos para distancias iguales o superiores a las que se halle el
objeto (en nuestro caso C), fijándonos en el diafragma que corresponde:
f/22).
Bergondo, E. (2014). Fundamentos de la fotografía: ( ed.). Madrid, Ministerio de Educación y Formación Profesional de
España. Recuperado de [Link]

Reflejos no deseados que se perciben como manchas blancas, sin

detalle, sobre las copias. Dichos reflejos se deben a la colocación del
haz de luz en sentido perpendicular a una superficie pulida, barnizada
o reflectante como cristales, cuadros, muebles y otros materiales
sintéticos.
Para evitar reflejos no deseados
1. Separar el motivo del fondo.
2. Situar el flash en un ángulo mayor o menor de 90 grados con
respecto al objeto.
3. Girar el cabezal de los flashes orientables, para que la luz llegue
al objeto por reflexión sobre una superficie clara (techo o pared).
1. Separar el motivo del fondo. 2. Situar el flash en un ángulo mayor o
menor de 90 grados con respecto al objeto. 3. Girar el cabezal de los
flashes orientables, para que la luz llegue al objeto por reflexión sobre
una superficie clara (techo o pared). Así se consigue una iluminación
indirecta y suave. Cuando se emplee la luz de flash reflejado, conviene
trabajar en modo automático. De esta forma se aumenta la distancia
de la fuente de luz al objeto y parte de ésta luz se perderá por
dispersión. Para estar seguros de obtener un resultado correcto,
conviene trabajar con una posición de automatismo que permita una
mayor distancia al objeto de la que halla en línea recta. Puede ser muy
útil verificar si la potencia del disparo es suficiente pulsando el "botón
de disparo de prueba", que tiene casi todos los flashes automáticos; si
la potencia es suficiente, al diodo del "testigo de alcance" se encenderá.
Ojos rojos y brillantes en los retratos producidos por el reflejo del
destello en el fondo del ojo. Se corrige intentando desplazar el flash
respecto a la cámara, separándolo lateralmente de la misma; si no es
posible, se indicará a los retratados que no miren directamente al
objetivo.

REVISAR LEY MEXICANA DERECHOS DE AUTOR EN IMAGEN

Converger/ convergir: Concurrir, juntarse varios (cosas o personas) en

un mismo grupo.
Divergente: Contrario, discordante, discrepante, disconforme.

LA CÁMARA DIGITAL

Características
Es un dispositivo con un conjunto de lentes convergentes y divergentes,
que tiene como misión enfocar y dirigir los rayos de luz hacia el sensor.
Dentro de él se encuentra el diafragma. - El diafragma, cuya misión es
la de limitar el rayo de luz que entra a través de las lentes hacia el
sensor. Cuando hablemos de números f, nos referiremos a la abertura
del diafragma. Cuanto menor sea el número f, mayor cantidad de luz
entra en el sensor; por ejemplo, si escogemos f1.4 entrará el doble de luz
que si escogemos una abertura f2.8 - El obturador que se encuentra
entre el objetivo y el sensor digital, cuya misión es la de controlar el
tiempo. Podemos darle más o menos velocidad medida siempre en
segundos o fracciones de segundo. Por ejemplo si le damos una
velocidad de 1/4 segundos, el obturador estará el doble de tiempo
abierto que si escogemos 1/8 s. - El sensor que es la parte donde se
capta la imagen, a semejanza de lo que se hacía en la película de las
cámaras analógicas. - La pantalla y el visor, que son los sistemas
ópticos que permite encuadrar la escena. No todas las cámaras
digitales tienen el visor, pero sí que todas cuentan con la pantalla LCD,
que sirve para pre-visualizar de forma exacta el encuadre y
composición de la escena que vamos a fotografiar. - El botón
disparador que sirve para capturar la imagen en el momento de su
presión. - El soporte de almacenamiento o tarjeta de memoria. - La
batería. - El flash incorporado. - El dial. Todas las cámaras, excepto las
de “mirar y disparar” tienen un dial que nos permite escoger el modo y
el tipo de escena que queremos fotografiar. El modo puede ser manual
o automático. En tipo podremos escoger paisaje, retrato, personas en
movimiento (niños), escenas donde tengamos muy poca luz, prioridad
de velocidad, o de abertura de diafragma, etc.
Calleja López, J. A. Durante Molina, J. L. y Trabadela, J. (2015). Fotografía digital: ( ed.). Madrid, Spain: Ministerio de Educación
y Formación Profesional de España. Recuperado de [Link]
Las cámaras fotográficas digitales tienen muy pocas características
comunes con las cámaras basadas en la utilización de película
fotográfica. Estos aspectos comunes son el obturador (con- trola el
tiempo de exposición) y el diafragma (limita el tamaño del rayo de luz
que penetra). En función de la gama a la que pertenezca la cámara
digital, compacta, réflex, formato medio o respaldo digital, podemos
incluir otro elemento común, el visor. – En la gama de cámaras
compactas se tiende a la desaparición del visor óptico, aunque muchas
de ellas, al ver que la pantalla en ciertas situaciones de mucha luz
imposibilita poder ver bien el objeto que vamos a fotografiar, lo
incorporan como un elemento añadido; pero en general, la función de
encuadre y composición de la foto- grafía se realiza mediante la
pantalla LCD de la cámara. – En la gama de las cámaras réflex digitales,
además de llevar la pantalla LCD, incor- pora un visor basado en el uso
de un pentaprisma (bloque reflectivo de cristal de cinco caras, donde el
rayo de luz se refleja dos veces permitiendo ver la imagen en posición
real, no invertida. Véase el esquema anterior). También conviven
algunos modelos ba- sados en un visor réflex de tipo “Porro” así como
cámaras réflex digitales (DSLR) que permiten el encuadre y composición
desde la pantalla LCD al igual que las cámaras compactas.
Calleja López, J. A. Durante Molina, J. L. y Trabadela, J. (2015). Fotografía
digital: ( ed.). Madrid, Spain: Ministerio de Educación y Formación
Profesional de España. Recuperado de
[Link]

Tipos de cámaras digitales

Cámaras compactas:
Son las más baratas y fáciles de manejar, ideales para llevar a cualquier
sitio por su tamaño reducido, aunque su sensor también lo es, por lo
que la calidad de la imagen será menor.
Hoy encontramos cámaras digitales compactas para expertos que
incorporan el control totalmente manual e incluso permiten capturar
en formato RAW,

Existen otras cámaras compactas más sencillas, muy ligeras, que se

denominan de “apuntar y disparar”. Son lo suficientemente pequeñas
como para llevarlas en un bolsillo, pero que poseen una variedad de
objetivos con distintos tipos de zoom, con sensores CMOS de gran
sensibilidad, incluso con sistema WIFI, que permite una conexión
sencilla a dispositivos como impresoras, tablets o smartphones. Son
muy sencillas y versátiles.

Calleja López, J. A. Durante Molina, J. L. y Trabadela, J. (2015). Fotografía digital: ( ed.). Madrid, Spain: Ministerio de Educación
y Formación Profesional de España. Recuperado de [Link]

Cámaras Réflex:
Son las cámaras más recomendables por la gama de posibilidades tan
amplia que ofrece. Su característica principal es que en este tipo de
cámara sí vemos a través del visor exactamente lo que vamos a
fotografiar. Por ejemplo, si colocamos parte de nuestra mano delante
del objetivo, lo veremos a través del visor y lo podremos corregir (es muy
frecuente en cámaras con visor directo que en alguna fotografía
aparezca un dedo del fotógrafo o la correa de la cámara debido a que
no nos dimos cuenta de que estaban delante del objetivo).
Calleja López, J. A. Durante Molina, J. L. y Trabadela, J. (2015). Fotografía digital: ( ed.). Madrid, Spain: Ministerio de Educación
y Formación Profesional de España. Recuperado de [Link]

PRINCIPIOS DE LA FOTOGRAFIA
La fotografía trata de imágenes hechas con luz. Esto incluye, aunque
no se limita a, las imágenes obtenidas con lentes u objetivos, y por este
motivo existe actualmente una categoría en arte y enseñanza que se
denomina lens-based media, es decir, “medios basados en lentes”.
Se usa para compartir, para recordar una emoción, para exponer una
idea o para llamar la atención de la gente sobre una situación.

Para ser capaces de crear nuestras propias imágenes de calidad,

necesitamos conocer qué es lo que hace que una fotografía sea buena.
Andreas Feininger (1906- 1999) que la describió como fotografía
“efectiva”: una combinación de buena técnica y de composición
contundente.
Präkel, D. (2013). Principios de fotografía creativa aplicada: ( ed.). Barcelona, Spain: Editorial GG. Recuperado de
[Link]

En España La ley interviene en la relación entre el fotógrafo y el cliente.

Un contrato es un acuerdo legalmente vincu- lante, lo que significa que
puede llevarse a los tribu- nales en caso de incumplimiento. Existen
algunos ele- mentos que deben aparecer en un contrato: una oferta,
una aceptación que reconozca el acuerdo sobre un propósito común, y
una forma de gratifica- ción o pago. No es obligatorio que los contratos
se hagan por escri- to, pero es mejor para todos que sea así. Un
acuerdo verbal resulta difícil de probar por ambas partes si no existe
un testigo. Es conveniente que los fotógrafos obtengan todo lo que
puedan por escrito y un contra- to legalmente vinculante para cada
trabajo. Si esto no ocurre así, el fotógrafo debe insistir para que
quienes le hacen el encargo le confirmen por escrito todos los aspectos
del trabajo. El contrato es la protección del fotógrafo; sin él, el trabajo
puede ser cuestionado o ISS VADaIS no pagado.
Präkel, D. (2013). Principios de fotografía creativa aplicada: ( ed.). Barcelona, Spain: Editorial GG. Recuperado de
[Link]

Tras una conversación inicial, el cliente presentará un brief al fotógrafo

y éste elaborará un presupuesto. El cliente entonces hará un encargo y
se lo enviará al fotógrafo, junto con la aceptación del presupuesto. Este
encargo contendrá los términos del acuerdo y las condiciones, incluida
una información detallada sobre el copyright, el modo de pago, la
propiedad de los materiales, el uso consensuado y otros derechos que
se hayan negociado. Es muy importante el uso, ya que puede ayudar al
fotógrafo a recuperar algún dinero del destinatario final del trabajo, si
la agencia que le hizo el encargo quiebra antes de pagarle sus
honorarios. Es posible que el fotógrafo deba negociar otros contratos
con gente a la que subcontrate, como, por ejemplo, estilistas, modelos y
escenógrafos.
Präkel, D. (2013). Principios de fotografía creativa aplicada: ( ed.). Barcelona, Spain: Editorial GG. Recuperado de
[Link]
Copyright
La ley del copyright existe para establecer un equilibrio entre los
derechos del creador y las necesidades de aquellos que quieren utilizar
una imagen (o tener acceso a ella, por ejemplo en el ámbito de la
investigación). En este libro sólo podemos contribuir a que el fotógrafo
sea consciente de la multitud de aspectos complejos que envuelven el
copyright y sugerir que siempre recurra a algún profesional que le
aconseje sobre las últimas actua- lizaciones y la legislación local acerca
de cualquier tema relacionado con el copyright fotográfico.
El copyright puede ser vendido o cedido.
Präkel, D. (2013). Principios de fotografía creativa aplicada: ( ed.). Barcelona, Spain: Editorial GG. Recuperado de
[Link]

Suplantación y Plagio
El plagio es el termino tecnico que designa la accion de una persona
que toma las ideas y el trabajo de otro y los hace pasar por suyos.
Suplantar significa atribuirse unas ideas que no son nuestras; la clave
está en el “conocimiento del engaño” por parte de otros.
Al tratar con el cliente no uses el trabajo de otros fotografos para
sugerir el enfoque que deseas dar al encargo, siempre piensa que serás
capaz de hacerlo mejor.
¿COMO CREAR UNA FOTO?
Un medio de posibilidades

REALIZACION AUDIOVISUAL
Toma es la captación dela imagen por la cámara desde que se pone en
marcha hasta que se detiene, sin ninguna interrupción. Puede haber
toma y no haber plano. Por ejemplo, en las repeticiones de un rodaje,
todo son tomas hasta que se alcanza la buena. Esa toma buena pasa a
ser plano cuando se monta o edita.
Bestard Luciano, M. (2011). Realización audiovisual: ( ed.). Barcelona, Spain: Editorial UOC. Recuperado de
[Link]
El plano surge de la necesidad de seleccionar el espacio real, a través
del encuadre, eliminando y/o transformando los elementos que
contiene, según nuestros intereses. Del resultado de estas operaciones
obtendremos diferentes tipos de planos. 2.2. Tipos de plano 2.2.1.
Respecto a la medida de su encuadre Tomando el cuerpo humano
como referencia en el encuadre, podemos considerar las siguientes
medidas de plano: º Gran Plano General (GPG) es aquel que encuadra un
amplio escenario, interior o exterior, en donde la figura humana no es
protagonista. Se utiliza mucho como transición, o para localizar los
hechos en general, al principio del relato.
Bestard Luciano, M. (2011). Realización audiovisual: ( ed.). Barcelona,
Spain: Editorial UOC. Recuperado de
[Link]
Plano General (PG) es aquel que representa al sujeto de cuerpo entero,
rodeado por su escenario. Según la proporción de este en relación al
personaje podemos considerar el plano general largo o corto. ¡Plano
General Largo (PGL) es aquel en el que predomina el escenario sobre el
sujeto y se utiliza sobre todo para situar a los personajes y enfatizar
sus movi- mientos en relación al ambiente que los rodea.
Bestard Luciano, M. (2011). Realización audiovisual: ( ed.). Barcelona,
Spain: Editorial UOC. Recuperado de
[Link]
– Plano General Corto (PGC) es aquel que presenta al personaje como
protagonis- ta en relación al escenario, recortándolo el encuadre de la
cabeza a los pies y permitiendo una descripción corporal y expresiva
de sí mismo.
– Plano americano (PA) es aquel que corta al sujeto por las rodillas o por
debajo de ellas. Sirve para mostrar a un personaje en movimiento,
mostrando su en- torno pero centrando nuestra atención en su
expresión y sus reacciones por encima del escenario.
El Plano Medio (PM) nos muestra al personaje hasta la cintura. Es un
plano muy utilizado porque se aproxima a él sin enfatizar sus
sentimientos. Se utili- za muy frecuentemente en televisión, tanto en
ficción como en programas informativos.
Bestard Luciano, M. (2011). Realización audiovisual: ( ed.). Barcelona,
Spain: Editorial UOC. Recuperado de
[Link]
Plano Medio Largo ÚºML) es aquel que se alarga un poco más, cuando
intere- sa ver el movimiento de brazos y/o manos. — El Plano Medio
Corto (PMC) recorta al personaje por debajo del pecho, acercán- dose
más al rostro pero con una cierta distancia. Es muy utilizado en el caso
de un diálogo entre dos personajes, en que el realizador crea un ritmo
entre los encuadres de ambos. ' E1PrimerPlano (PP) encuadra al sujeto
cortándolo por los hombres. En el encua- dre, el entorno desaparece y
predomina la intimidad del personaje por encima de lo demás.
Bestard Luciano, M. (2011). Realización audiovisual: ( ed.). Barcelona,
Spain: Editorial UOC. Recuperado de
[Link]
Plano Corto ÚºC) es aquél que, relacionado con un plano general de la
acción que se esté desarrollando, encuadra una parte de la acción,
intervenga o no el sujeto. Puede tratarse de un trozo de ventana por
donde se ve a alguien, de un perro entrando por una puerta, etc.
Plano Detalle (PD) es aquél que nos encuadra alguna cosa muy
significativa en un momento determinado. Por ejemplo, una mano con
un anillo de compro- miso, un objeto fuera de lugar, etc. Este plano no
tendría significado por sí mismo si no fuera incluido en un discurso y
suele utilizarse para dar pistas al espectador de posteriores acciones o
sucesos.
Bestard Luciano, M. (2011). Realización audiovisual: ( ed.). Barcelona, Spain: Editorial UOC. Recuperado de
[Link]

VIDEO1
Cámara análoga
camara digital
GÉNEROS/ESTILOS FOTOGRÁFICOS
● Reportaje
● Pictionarismo
● Photo succesion/seccesion
● Man Ray
CONCEPTOS CLAVE
Fotografía: La Real Academia Española (2021) define a la fotografía como el
procedimiento o técnica que permite obtener imágenes fijas de la realidad mediante
la acción de la luz sobre una superficie sensible o sobre un sensor.
Bergel (2016) señala que “Las fotografías testimonian una elección humana en una
situación determinada. Una fotografía es el resultado de la decisión del fotógrafo de
que merece la pena registrar que ese acontecimiento o ese objeto concretos han
sido vistos.” (p.34)
 De igual modo Salkeld (2016) describe la fotografía como “El fantasma de un
momento pasado —la huella de la luz que hace visible el mundo—. La palabra
“fotografía” significa literalmente “dibujar con luz”. La cámara detiene el tiempo y nos
permite ser testigos de momentos de la historia, al menos aparentemente.” (p.12)

Derechos de autor de la fotografía: La fotografía es una obra protegible conforme

al artículo 10 LPI (ley de propiedad intelectual), en la medida de su originalidad.
Según el artículo 10.1 de la vigente LPI se protege con el derecho de autor, toda
creación original, literaria, artística o científica, expresada por cualquier medio,
tangible o intangible, actualmente conocido o que se invente en el futuro.

Diferencias prácticas entre las cámaras digitales y análogas (de película)

Son básicamente: La forma en que se almacena y recupera la imagen. Lo que
se espera de la calidad de imagen. El costo. El diseño y la tecnología.
Las cámaras digitales no utilizan película sensible a la luz (el tradicional carrete de
fotos) que se impresiona y luego se tiene que revelar.

Brief: EL brief es un esbozo, un resumen o conjunto de instrucciones sobre cómo

realizar un encargo o tarea. El brief es un mapa que conduce a los creativos por la
vía correcta hacia la producción “El proceso creativo no es un tiro a tientas , sino
más bien depende de saber lo más posible acerca del, producto, el consumidor.
Portafolio Un portafolio es un conjunto de trabajos reunidos y ordenados de forma
reflexiva , para mostrar un proceso artístico o de aprendizaje. Permite comunicar y
hacer un balance de avances y logros personales. Es una herramienta útil y valiosa
para construir el aprendizaje y mostrar el trabajo que se realiza de manera
ordenada y lógica.
Fotografía y comunicación: La invención de la fotografía ha hecho avanzar la
comunicación visual de tal modo que su importancia ya corre paralela a la de la
comunicación escrita. Ambas están cada vez más ligadas, a través de los libros,
revistas y folletos ilustrados y, en el futuro, lo estarán aún más gracias a la
popularización creciente de los sistemas informáticos con capacidad para tratar y
almacenar imágenes junto a textos y sonidos, lo que ha hecho aparecer el término
de "comunicación multimedia" para referirse a este nuevo fenómeno. (Bergondo,
2014. p. 116).
Antecedentes históricos:Desde sus inicios hasta el momento la fotografía no ha
dejado de evolucionar. Los orígenes sobre la fotografía se remontan desde tiempos
muy antiguos Bergondo (2014) señala lo siguiente respecto a la evolución de la
fotografía:
“La creación de imágenes estuvo relacionada, en un principio, con el dominio de
lo mágico; era un conocimiento oculto, y por tanto, destinado a unos pocos, los
 magos y hechiceros. La imagen funcionaba como un doble de lo que
representaba y se creía que lo que se hacía sobre una representación afectaba a
su modelo; por ejemplo, el hombre primitivo al pintar en las paredes de su cueva
un ciervo herido por una flecha creía que lo cazaría más fácilmente, de modo
similar a cómo aún hoy los practicantes del "vudú" clavan alfileres sobre muñecos
que representan a las personas sobre las que quieren efectuar algún maleficio.”
(p.14)

Cámara oscura: Uno de los antecedentes de la cámara actual, es la cámara

oscura, sobre este aparato, durante el resto del capítulo se retoma lo señalado por
Pérez (2013), quien explica la evolución de la fotografía de la siguiente manera:
“La cámara oscura era un instrumento óptico que permitía la proyección plana de
una imagen, se utilizaba para observar eclipses solares, dibujar y finalmente para
fotografiar. El término cámara deriva del latín camera: “habitación' o 'cámara'.
Consiste en una habitación cerrada con un orificio como única fuente de luz por
donde los rayos entran reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes,
el orificio funciona como una lente convergente proyectando la imagen del exterior
invertida en una de sus paredes. El árabe Alhazán (965-1038), considerado uno
de los físicos más importantes de la Edad Media se cree que fue el primero en
describir los principios de la cámara oscura en el siglo XI. Argumentó en su
“Tratado Óptico” que son los objetos los que emiten los rayos luminosos al ojo que
los observa y no al revés como creían los griegos Euclides (alrededor del 300 a.c)
y Aristóteles (384-322 a.c).” (p.12)
Caja oscura y lúcida: “Su evolución comenzó en el siglo XVIl cuando disminuye
su tamaño y comienza a ser móvil, es el momento en que la cámara oscura se
transforma en la caja oscura. A mitad del siglo XVII siguiendo el principio de la
cámara oscura se inventó la cámara lúcida, una mesa de dibujo portátil que
consiste en una caja y un prisma. Pero lo que realmente la convirtió en fotográfica
fue el uso de la lente, porque al usar un simple orificio como objetivo las hacía
limitadas (el diámetro de la abertura tenía que ser reducido para que el tiempo de
exposición no fuera demasiado largo y la imagen tuviera una definición aceptable o
suficientemente grande). Probablemente la primera lente de la historia la introdujo
en 1550 el italiano matemático, médico y astrólogo Gerolamo Cardano (1501-1576)
quién añadió a la caja oscura un disco de cristal.” (p.15)

La primera fotografía permanente:“ (1765-1833) utilizó e investigó la técnica de la

“Heliografías” (Helio de sol y Grafos de escritura) con placas de peltre, con la que
obtuvo imágenes positivas, aunque invertidas de derecha a izquierda. Pero fue en
1816 partiendo del “betún de Judea” cuando descubrió un procedimiento para fijar
imágenes, por medio de la cámara oscura con una placa metálica fotosensible y
como componente químico el betún.” (p.16)
Daguerrotipo: “Daguerre siguió los hallazgos de los que le informó Niépce.
Después de unos años de investigación, comercializa la fotografía en forma de un
positivo en papel bajo el nombre de "daguerrotipia o daguerrotipo" con tres cambios:
sustituye el Betún de Judea por el Yoduro de Plata (compuesto químico usado como
antiséptico en medicina), redujo media hora el tiempo de exposición de la sustancia
química a la luz y sustituyó la placa de peltre por la placa de plata (Ag). Se dice que
la posibilidad de obtener imágenes con Joseph Nicéphore Niépce los colores de la
naturaleza fue el motivo de su retraso en lanzar el descubrimiento, con la idea de
lanzarlo en color. Daguerre finalmente dio a conocer el primer procedimiento
fotográfico entre 1837 y 1839. El primer daguerrotipo que se conoce es un bodegón
de 1837 pero es en 1839 cuando el diputado Francois Argo (1786- 1853) hombre de
ciencias amigo de Daguerre, hace oficial el Daguerrotipo en la Academia de
Ciencias de París.” (p.17)

Alternativas de los Daguerrotipos “Otros inventos como alternativa más

económica al daguerrotipo son la placa de cristal "ambrotipo", y aún más barato la
placa de hierro "ferrotipo" que fue la técnica más utilizada por los retratistas
callejeros en España durante las dos últimas décadas del siglo XIX, por su poco
peso en relación con los otros dos positivos directos de cámara.” (p.18)

Caliotipo, el primer negativo-positivo: “William Henry Fox Talbot (1800-1877)

realizó su primer negativo del ventanal de su casa en Lacock Abbey en Inglaterra, al
que tuvo que darle una exposición de media hora en 1835. Patentó su hallazgo en
Inglaterra en 1841, bajo el nombre de calotipo o calotipia(…). El calotipo consistía
en un negativo de papel transferido sobre otro papel, que por medio del contacto
creaba un positivo. A pesar de sus inconvenientes, el calotipo es el auténtico origen
de lo que hoy conocemos como copia fotográfica. Su mayor problema partía de la
textura del papel que se usaba como negativo, ya que se plasmaba en la copia final
cuando se realizaba por contacto sobre otro papel idéntico para obtener una imagen
en positivo.” (p.18)

Materiales fotosensibles:“La propiedad que tienen las sales de plata de

oscurecerse cuando les da la luz, la descubrieron los alquimistas en la edad media
entre los siglos V y XV. Pero no es hasta el siglo XVIII, que son objeto de estudio
fotográfico. Hasta el momento se conocía la acción de la luz sobre los cuerpos, pero
aún faltaba el descubrimiento químico para poder hacer una imagen permanente.
Muchos fueron los que contribuyeron a la química fotográfica, proceso técnico con el
que se fija una imagen en una superficie mediante la acción directa de la luz sobre
un material fotosensible.” (p.19)

Impresión: “En 1856 el fotógrafo e investigador francés Louis Alphonse Poitevin

(1819-1882) inventa la “fototipia”, proceso de impresión fotomecánica que permite
un número limitado de 500 de copias. Se empleó hasta mitad del siglo XX en la
impresión de postales. En 1868 fue perfeccionada por el fotógrafo alemán Joseph
Albert (1825-1886) bajo el nombre de “albertipos”, muy populares en la reproducción
de pintura. Joseph Albert realizó 1874 la primera impresión en tricromía,
procedimiento fotográfico de reproducción de todos los colores mediante la
estampación sucesiva del rojo, verde y azul.
Louis Ducos de Hauron (1837-1920) pionero de la fotografía en color, utilizó
pigmentos en 1868. Al utilizar pigmentos en vez de colorantes, producía imágenes
más permanentes. Este procedimiento se utilizó para imprimir copias hasta la
llegada de otros sistemas como la impresión Offset.” (p.22)

Cámara estenopeica

“La cámara estenopeica es una cámara hecha por el propio fotógrafo, en la que la
imagen pasa a través de un pequeño agujero que hace la función de diafragma.
Como requería una abertura de diafragma muy pequeña, para conseguir imágenes
nítidas, los tiempos de exposición eran muy largos. El obturador era una lámina
opaca que se acciona manualmente permitiendo que entre o no la luz, en el interior
de la caja. Las primeras cámaras fotográficas son similares al primer modelo ideado
por Johann Zahn en 1685: cajas de madera herméticas a la luz que debían ser
descargadas en un cuarto oscuro, la exposición se realizaba quitando y poniendo
una tapa sobre un orificio. La acción de quitar y poner la tapa, es lo que hoy en día
conocemos como velocidad de obturación.” (p.22)

Cámara estereoscópica
“La cámara estereoscópica, es una cámara con doble objetivo que presenta una
doble imagen que se mezcla en nuestro cerebro como una sola creando la ilusión
de la profundidad en una imagen, similar a la visión de los dos ojos. Fue inventada
en 1840 por el científico británico Charles Wheatstone (1802-1875). Las primeras
imágenes estereoscópicas son unos daguerrotipos de 1842, pero su uso se
generaliza en 1849 gracias a la exposición en la Royal Society of Edinburgh del
escocés David Brewster (1781-1868), quién además de perfeccionar el
estereoscopio inventó el caleidoscopio en 1816 y realizó investigaciones en el
campo de la óptica sobre la polarización de la luz con la que obtuvo el mayor
reconocimiento científico otorgada por la Real Sociedad de Londres, la Medalla
Copley en 1815.” (p.24)

Cámaras de cajón

“Las cámaras de cajón tienen forma de caja, de ahí su nombre. Es la sucesora de la

estenopeica, ambas, son cámaras muy simples que no permitían regular la abertura
(diafragma) ni la distancia focal. La cámara de cajón es de mediados del siglo XIX,
pero se siguió utilizando hasta mediados de 1950, fue muy popular, motivo por el
que se hicieron variantes con las que poder utilizar carretes.” (p.24)

Cámaras de Zeiss
“El óptico Carl Zeiss (1816-1888) es conocido por la compañía que fundó y que lleva
su apellido, Zeiss (actualmente Carl Zeiss AG). Hizo grandes contribuciones al
mundo de la óptica, dedicó toda su vida a la construcción de lentes. Se crio en
Weimar (Alemania), dónde destacó como un notable constructor de las primeras
lentes empleadas como piezas en la construcción de microscopios. A la vez que
empezaba a descubrirse la cámara fotográfica, Zeiss empezó la manufactura de
lentes para cámaras en 1840. Creó lentes de gran calidad con una gran abertura
que permitían imágenes muy nítidas. La serie de cámaras Nettar es una de las más
exitosas de todas las cámaras de Zeiss Ikon.” (p.25)

Los primeros inventos fotográficos

Pérez (2013) nos hace un recorrido histórico sobre los géneros de la siguiente
manera: “Con la fotografía se abre un nuevo mundo porque proporciona imágenes
inimaginables de lo desconocido: paisajes, viajes, plantas o animales. Lo que hasta
entonces había sido representado a medias por dibujantes, pintores y grabadores.
Pero la verdadera clave del desarrollo del comercio fotográfico es el retrato, que
sirvió para retratar a familias enteras. Nacen los estudios fotográficos, que se
dedican a una producción de imágenes con el mismo formato, técnica y hasta la
postura de los retratados. Posturas, en las que tenían que permanecer
completamente inmóviles durante minutos junto a accesorios como columnas, sillas
y fondos de telones pintados, en poses imposibles.”. (p.46)

Pérez (2013) nos hace un recorrido histórico sobre los géneros de la siguiente
manera:

“Con la fotografía se abre un nuevo mundo porque proporciona imágenes

inimaginables de lo desconocido: paisajes, viajes, plantas o animales. Lo que hasta
entonces había sido representado a medias por dibujantes, pintores y grabadores.
Pero la verdadera clave del desarrollo del comercio fotográfico es el retrato, que
sirvió para retratar a familias enteras. Nacen los estudios fotográficos, que se
dedican a una producción de imágenes con el mismo formato, técnica y hasta la
postura de los retratados. Posturas, en las que tenían que permanecer
completamente inmóviles durante minutos junto a accesorios como columnas, sillas
y fondos de telones pintados, en poses imposibles.”. (p.46)

El comienzo de los géneros fotográficos

“La fotografía fue considerada un arte porque a la hora de elegir el encuadre, el

fotógrafo aporta una visión artística con una voluntad estética. Lo que motivó que
surgieran los movimientos que dieron paso, a multitud de formas de expresión
artísticas como: el impresionismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y
surrealismo, entre otros. La llegada de estas vanguardias conocidas como "ismos",
transformó la fotografía que se integró en estos movimientos gracias a las técnicas
de reproducción masiva. Desde que se inventó la cámara fotográfica el álbum
familiar se convirtió irremediablemente con el paso del tiempo: en género
documental.” (p.54)

Stieglitz

“De la mano de Alfred Stieglitz (1864-1946), considerado el padre de la fotografía

estadounidense, surgió en 1902 el movimiento conocido como "Photo-Secession"
en EEUU dirigido a que la fotografía se entendiese como arte. Algunos fotógrafos
famosos de este movimiento son: Edward Steichen, Clarence White, Paul Strand,
Edward Weston, Berenice Abbot, Man Ray y Ansel Adams. Stieglitz puso en marcha
en 1903 la revista Camera Work, que dirigió hasta 1917. En un principio impulsó el
pictorialismo buscando la aproximación a la pintura, pero en la década de 1920 se
unió a la Straight Photography: corriente sobre la fotografía pura que sobre todo
retrataban paisaje urbano. A principio del siglo XX, abre una galería donde se
exponen fotografías como piezas de arte.” (p.55)

Grupo f/64

“En 1932 Weston, Ansel Adams, Cunningham, John Paul Edwards, Sonya
Noskowiak, Henry Swift y Willard Van Dyke forman el "Grupo 1/64" que se disolvió
en 1935. Sociedad fotográfica que responde al afán estético y técnico por conseguir
la mayor nitidez y profundidad de campo posibles mediante diafragmas cerrados.
Ansel Adams, es el más conocido del Grupo 1/64, por sus fotografías y manuales
didácticos.” (p.55)

Edward Weston

“Edward Weston (1886-1958) dejó de lado la influencia de la pintura apartándose

de la estética pictorialista. Abandonó el pictorialismo en 1922 en busca de la pureza
del medio fotográfico para crear un o SLR más directo y puro, Weston fue un
fotógrafo que influyó por su técnica y estética en los comienzos de la fotografía de
principios del siglo XX. Se caracterizó por utilizar placas de 18 x 24 cm, valorar la
nitidez y la fidelidad de la reproducción dejando de lado el efecto floue para trabajar
con la mayor nitidez posible y tamaños grandes, estableciendo nuevos criterios
como previsualizar el resultado final.” (p.55)

Man Ray

“El norteamericano Man Ray (1890-1976) que se integra en esta vanguardia

artística desde el movimiento surrealista, abandonó los viejos métodos para
aprovecharse de la diversidad que le brindaba la fotografía. Fotografió objetos fuera
de su contexto para integrarlos en un mundo, fijándolos por medio de la luz y de la
química al soporte A fotográfico, consiste en la alteración de una placa sensible a la
luz. mediante la aplicación directa de diversos objetos. La imagen abstracta
obtenida con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado se
conoce como Rayograma, procedimiento fotomecánico desarrollado por Man Ray
en 1920.” (p.55)

Ansel Adams

“Las imágenes del californiano Ansel Adams (1902-1984) empezaron a volverse

símbolos de Norteamérica. La gran mayoría de su trabajo está centrado en el
Parque Nacional Yosemite. Con el auge del proceso de urbanización de las
ciudades entre 1930 y 1940, las calles de las metrópolis se convirtieron en fuente de
inspiración para muchos fotógrafos, momento en el que el paisaje pasó a un
segundo plano hasta que apareció Ansel Adams, quien luchó por defender la
naturaleza siendo los paisajes su principal tema. (p.56)

Movimientos Artísticos

“ Se dividieron entre quienes seguían utilizando su cámara para captar imágenes sin
ninguna intención, y los que vieron que la fotografía era una nueva forma de arte
visual. La fotografía artística es subjetiva y no objetiva porque altera la imagen
mediante el uso de la luz, el enfoque, el ángulo de la cámara con picados y
contrapicados, además modifican los procesos de revelado y positivado e incluso
mezclan las fotografías con otros elementos como la pintura, el dibujo, objetos y
otras fotografías o recortes de prensa para conseguir una forma de composición
artística como el collage.” (p.56)

El reportaje

“Nace la fotografía como documento, adquiere carácter social y se utiliza como

crítica para denunciar acontecimientos. Con la incorporación de las fotografías a la
prensa nace el fotoperiodismo. Esa capacidad de registro de la fotografía fue
aprovechada para modificar la realidad de lo fotografiado ahora en mayor medida
con la aparición de la digital, perfectamente manipulable. Debemos diferenciar entre
las fotografías realizadas con carácter informativo de las realizadas con sentimiento
personal, recordemos a Fenton que no alteró la imagen, pero si influyó porque evitó
tomar fotografías de los caídos en las batallas. Aun así, se considera el trabajo de
Fenton durante la Guerra de Crimea, como el primer trabajo fotoperiodismo.” (p. 59)

Imagenes Registradas
Te has preguntado ¿A quién pertenecen las fotografías que tomas de otras
personas con tu celular y que subes a la red?

La fotografía es una obra protegible conforme al artículo 10 LPI (ley de propiedad

intelectual), en la medida de su originalidad. Según el artículo 10.1 de la vigente LPI
se protege con el derecho de autor, toda creación original, literaria, artística o
científica, expresada por cualquier medio, tangible o intangible, actualmente
conocido o que se invente en el futuro. (Serrano, 2008, p. 10).
Ahora más que nunca, la sociedad contemporánea, como ninguna otra antes , en la
historia realiza, archiva y transmite constantemente millones de fotografías gracias a
las cámaras digitales, insertadas en otros dispositivos como los celulares, tabletas,
computadoras entre muchos más. Generando diariamente millones de fotografías
en los archivos de millones de usuarios, almacenados en ordenadores y, con
frecuencia, transmitidas a terceros, de forma alámbrica o inalámbrica (Serrano,
2008, p. 9).

El fotógrafo, puede tomar las fotos de la realidad circundante como un profesional

libre o un amateur autónomo, lo puede hacer bajo encargo o por su propia iniciativa.
Sin embargo esta actividad lo puede llevar a situaciones o estatutos de la fotografía
diferente y con facultades distintas. Por lo que conocer estas circunstancias a las
que se puede enfrentar el creador de imágenes fotográficas es parte de los
conocimientos que debe poseer, para no caer en alguna violación o no poder
proteger sus creaciones. Como por ejemplo cuando el fotógrafo capta imágenes de
cosas o personas que a su vez pueden ser menores o mayores de edad y puede
hacerlo con y sin su consentimiento.

Serrano (2008). Comenta al respecto: “Pero, si la mirada es libre, la fotografía no es

una actividad artística libre porque la realidad que es tomada por el fotógrafo como
objeto de su trabajo puede quedar legalmente prohibida o limitada para él por razón
de las personas o por razón de los titulares de los bienes, o por motivos de
seguridad.” (p. 81).

Por lo que el fotógrafo además de proteger la dimensión creativa producto del

esfuerzo intelectual, (-talento, inteligencia, ingenio, inventiva, o personalidad)
también deberá tener en cuenta qué o a quien fotografía en cada caso y los límites
jurídicos de su actividad.

Copyright: Es un derecho legal para publicar, o para publicar de forma restringida,

una imagen, y unos derechos atribuidos a terceros autorizados a publicar la imagen
por los que se cobrará un dinero. Lo cierto es que se trata de un tema legal
complejo que puede cambiar según la legislación y la jurisprudencia o sentencias de
los tribunales. El fotógrafo no debe hacer nada para registrar o crear un copyright;
los derechos son suyos en tanto que creador desde el momento mismo en el que
realiza la imagen; así es en el Reino Unido, aunque las leyes estadounidenses
difieren en el tratamiento, al distinguir entre imágenes registradas y no registradas.
La duración del copyright varía según el país. (Präkel D., 2013, p. 154)

VIDEO 2 PROYECTO FOTOGRAFICO

BRIEF: El brief es un mapa que conduce a los creativos por la vía correcta hacia la
producción “El proceso creativo no es un tiro a tientas, sino más bien depende de
saber lo más posible acerca del, producto, el consumidor y los beneficios
esperados” ( Russell J. Thomas, 2001, p. 715).
El brief es un esbozo, un resumen o conjunto de instrucciones sobre cómo realizar
un encargo o tarea. (Präkel D., 2013, p. 138)

El brief puede ser informal o formal estar escrito escritos o basarse únicamente en el
entendimiento entre el cliente y el fotógrafo. Es de gran importancia que las partes
interesadas manejen el mismo lenguaje técnico en el momento de ponerse de
acuerdo sobre el brief con el objetivo de que se establezcan los límites de los
enfoques creativos, así como los límites temporales y económicos.

No existe un modelo universal de brief, de hecho cada empresa o creativo ha

desarrollado su propio sistema de trabajo de acuerdo a sus necesidades. El brief
contiene las especificaciones para el trabajo fotográfico; algunas serán muy
detalladas y otras más generales, los datos que contiene cada brief pueden variar
de un formato a otro sin embargo elementos como:

○ Cliente
○ Fecha de entrega
○ Marca
○ Presupuesto
○ Breve de descripción del producto
○ Objetivo
○ Requisitos ejecucionales

El brief establece el carácter o estilo de la fotografía y el uso final de las imágenes:

si aparecerán en una página web, un espectacular, serán impresas, etc. El brief
tiene que ver más con los aspectos creativos del encargo. Lo habitual es que
existan para cada trabajo un brief y un contrato.

El fotógrafo puede recibir el brief directamente de los clientes: un director de arte o

un director creativo quien será se encargue de discutir el trabajo con el fotógrafo y
de llegar a un acuerdo sobre el enfoque. Otra alternativa es que el brief provenga de
una agencia publicitaria contratada por el cliente. En este caso, el fotógrafo recibirá
las instrucciones del responsable de la cuenta o de los creativos que trabajan para
esa agencia.

Los brief puede ser “cerrados” o “abiertos”.

○ CERRADO: Un brief cerrado especificará con detalle la apariencia, la

composición y el uso de la imagen final. Un ejemplo sería cuando el
fotógrafo deba trabajar en la creación de la imagen teniendo en cuenta
que se incluirá texto en el diseño final. Es muy probable que un brief
cerrado obligue al fotógrafo a trabajar a partir de un dibujo detallado o de
una página diseñada.
○ ABIERTO: Un brief abierto consiste en una lista de los requisitos del
cliente y de las ideas acerca de posibles enfoques. El fotógrafo necesitará
 saber cómo se utilizará la imagen final o las imágenes finales ya que esto
influirá en el tratamiento, por ejemplo, lo que puede ser adecuado para
una nota de prensa, puede no serlo para un anuncio.

Es importante para ambas partes llegar a un acuerdo sobre la cantidad de dinero

que se quiere gastar y el tiempo disponible para la realización del proyecto. Antes
de empezar deben aprobarse un presupuesto claro y un plazo de entrega. A veces
existe la posibilidad de renegociar el brief cuando el trabajo ya se ha iniciado.

En los ámbitos de la fotografía publicitaria, comercial y editorial, los clientes

establecen el brief. Sin embargo, hay fotógrafos que ofrecen servicios altamente
especializados, como la fotografía aérea monitorizada desde el suelo mediante
cámaras utilizadas por control remoto y pueden imponer un brief muy concreto a sus
clientes que dé la vuelta a la relación habitual procurando siempre un entendimiento
entre el cliente y el fotógrafo. (Präkel D., 2013, p. 137-140)

Proceso creativo: El proceso creativo pertenece al fotógrafo y al viaje personal que

realiza al trabajar para plasmar sus ideas. Exige curiosidad hacia el mundo, pasión
por la forma de interpretar, observaciones o experiencias y, hasta cierto punto,
obsesión en el modo de abordar y resolver los problemas que surgen al investigar.
Por lo tanto, es esencial tener en cuenta toda una gama de posibilidades e
implicaciones. Esto ayuda a ampliar los horizontes creativos, a construir un marco
para desarrollar soluciones innovadoras para materializar las ideas y a encontrar
una voz personal para expresarlas. (Simmons, 2016, p. 14)
Las distintas etapas del proceso creativo se conceptualizan como un ciclo de
actividades interrelacionadas que, en conjunto, estimulan para ampliar límites
artísticos a través de la experimentación con herramientas y materiales, que animan
a explorar el tema de algún proyecto para ampliar así el conocimiento del mismo, lo
que determinará las decisiones que se tomen sobre el enfoque del trabajo.

La creatividad es un proceso a veces desordenado; las etapas no se suelen seguir

de manera lineal o en una secuencia lógica, sino de la forma que responde mejor al
estilo de trabajo. En ocasiones se repasan algunas etapas una y otra vez, pero otras
no. La comprensión del trabajo que se realiza, el porqué y el cómo se lo hace,
constituye la medida hacia el objetivo. De forma gradual, con la experiencia, este
ciclo de actividad se convertirá en algo natural a medida que crece la confianza,
experiencia y habilidad. (Simmons, 2016, p. 16).

La finalidad última en el proceso creativo consiste en lograr un trabajo fotográfico

original. El aprendizaje a partir de la práctica es fundamental en el proceso creativo
y para la realización de un trabajo fotográfico original. Se trata de un proceso
apasionante, pero también difícil en la misma medida. Al principio de cualquier
proyecto siempre hay una cierta incertidumbre y el viaje de descubrimiento puede
adoptar distintos aspectos al avanzar hacia la resolución de nuestras ideas.
(Simmons, 2016, p. 98)
Proceso Creativo: El proceso creativo pertenece al fotógrafo y al viaje personal que
realiza al trabajar para plasmar sus ideas. Exige curiosidad hacia el mundo, pasión
por la forma de interpretar, observaciones o experiencias y, hasta cierto punto,
obsesión en el modo de abordar y resolver los problemas que surgen al investigar.
Por lo tanto, es esencial tener en cuenta toda una gama de posibilidades e
implicaciones. Esto ayuda a ampliar los horizontes creativos, a construir un marco
para desarrollar soluciones innovadoras para materializar las ideas y a encontrar
una voz personal para expresarlas. (Simmons, 2016, p. 14)
Las distintas etapas del proceso creativo se conceptualizan como un ciclo de
actividades interrelacionadas que, en conjunto, estimulan para ampliar límites
artísticos a través de la experimentación con herramientas y materiales, que animan
a explorar el tema de algún proyecto para ampliar así el conocimiento del mismo, lo
que determinará las decisiones que se tomen sobre el enfoque del trabajo.

La creatividad es un proceso a veces desordenado; las etapas no se suelen seguir

de manera lineal o en una secuencia lógica, sino de la forma que responde mejor al
estilo de trabajo. En ocasiones se repasan algunas etapas una y otra vez, pero otras
no. La comprensión del trabajo que se realiza, el porqué y el cómo se lo hace,
constituye la medida hacia el objetivo. De forma gradual, con la experiencia, este
ciclo de actividad se convertirá en algo natural a medida que crece la confianza,
experiencia y habilidad. (Simmons, 2016, p. 16).

La finalidad última en el proceso creativo consiste en lograr un trabajo fotográfico

original. El aprendizaje a partir de la práctica es fundamental en el proceso creativo
y para la realización de un trabajo fotográfico original. Se trata de un proceso
apasionante, pero también difícil en la misma medida. Al principio de cualquier
proyecto siempre hay una cierta incertidumbre y el viaje de descubrimiento puede
adoptar distintos aspectos al avanzar hacia la resolución de nuestras ideas.
(Simmons, 2016, p. 98)

Estilo Creativo y de autor: El estilo creativo se refiere a la forma personal del

fotógrafo de hacer fotografía, es lo que lo distingue de otros fotógrafos y del mismo
modo a sus imágenes. Es lo que hace que el espectador distinga una imagen de
entre muchas otras.
El aprendizaje a partir de la práctica es fundamental en el proceso creativo y para la
realización de un trabajo fotográfico original. (Simmons, 2016, p. 98). A este
respecto Kippin, (2011) dice. “No siempre sé lo que estoy haciendo cuando empiezo
algo” . De manera que practicar es indispensable para comenzar a desarrollar un
estilo creativo propio.

A pesar de que cada día nacen nuevas tecnologías para hacer fotografía, el trabajo
del fotógrafo se trata de como dice el artista fotomontador Peter Kennard (2011) de
“encontrar un modo de utilizar mi trabajo como manera de representar lo que
pensaba.” Es decir, expresar en fotografía la perspectiva personal y la forma de ver
la realidad.

De acuerdo a Simmons (2016) una forma para desarrollar un método real, práctico y
original para decidir cuál es el mejor enfoque para desarrollar el trabajo creativo
consiste en dividir el proceso en tres preguntas clave: ¿qué?, ¿por qué? y ¿cómo?

1. Qué: se refiere al tema o idea que forma la base del estudio fotográfico,
los objetivos que se plantean para el trabajo. Es la fuerza conductora
que está detrás del proceso de la realización de las imágenes y la que
condiciona cualquier decisión tomada en relación con el contenido del
trabajo.
2. Por qué: tiene que ver con la forma del trabajo; por qué tiene una
apariencia determinada y da una impresión visual concreta. Crea una
asociación tangible entre la idea y la forma en que se expresa y comunica
al público.
3. Cómo: tiene que ver con los procesos prácticos de producción de las
imágenes que se utilizan para conseguir el estilo visual que se desea.
Estos métodos de producción consolidan el proceso de realización de las
imágenes.

El desarrollo de una obra fotográfica original surge de un paulatino proceso

inventivo. La manera en que se da forma al trabajo final determinará cómo se
explora estilísticamente el tema en relación con los objetivos del proyecto, y se le da
expresión artística a través de la aplicación de los procesos técnicos elegidos.
(Simmons, 2016, p. 105)

El qué, el porqué y el cómo de cualquier proyecto vienen determinados por la

investigación que se lleva a cabo para dar forma al trabajo que se crea. Esa
información sirve como inspiración para el trabajo y, además, aporta conocimiento
sobre el contexto del mismo.

El proceso creativo de cada fotógrafo es único y de un estilo inigualable, de manera

que comprender las influencias y los procesos de decisión que han contribuido al
desarrollo de un trabajo, brindan percepciones útiles al aprendizaje y evolución del
estilo del fotógrafo, que le permiten observar el proceso creativo desarrollado desde
la exploración inicial del tema hasta la obra final. (Simmons, 2016, p. 113).

Portafolio: Un portafolio es un conjunto de trabajos reunidos y ordenados de forma

reflexiva , para mostrar un proceso artístico o de aprendizaje. Permite comunicar y
hacer un balance de avances y logros personales. Es una herramienta útil y valiosa
para construir el aprendizaje y mostrar el trabajo que se realiza de manera ordenada
y lógica. (Marín et al., 2017).
El portafolio puede combinar materiales diversos (texto, esquemas, imágenes ).
Pueden ser impresos o digitales. En el caso de los portafolios digitales pueden
incluir enlaces hipertextuales y ser multimedia, integrando también vídeos y audios.
Puede tener un formato de blog o web.

Tipos de portafolios
De acuerdo a Marín et al., (2017) se pueden generar diversos tipos de portafolios
según el criterio necesario, como los que se mencionan a continuación.
Por criterio y contenido.

○ Portafolios de proceso
○ Portafolio de resultados

Por criterio de uso

○ Portafolio de aprendizaje (uso docente)

○ Portafolio de artista (portafolio profesional)

De artista o profesional
El portafolio artístico es igual al conocido dossier de un artista. Tiene un uso
profesional en el que se muestra de forma ordenada y estructurada una selección
de las obras representativas de un periodo determinado de producción. Y que puede
incluir también información de procesos. Para crear un portafolio profesional se
debe tomar en cuenta:

○ Estructurar y organizar el contenido con un criterio claro

○ Documentar y describir de forma clara y correcta.
○ Utilizar nomenclatura adecuada (fichas técnicas completas)
○ Seleccionar las mejores imágenes y cuidar la calidad.
○ Cuidar el contenido conceptual / discurso personal.
○ Cuidar el diseño , priorizando la buena visualización del contenido. (Marín
et al., 2017).

INTERACTIVOS

Fotografía: Procedimiento o técnica que permite obtener imágenes fijas de la

realidad mediante la acción de la luz sobre una superficie sensible o sobre un
sensor.

Número del artículo de la Ley de Propiedad Intelectual que protege con el derecho
de autor, toda creación original, literaria, artística o científica, expresada por
cualquier medio, tangible o intangible, actualmente conocido o que se invente en el
futuro: Artículo 10.1
 Tipo de cámara que no utiliza película sensible a la luz que se impresiona y luego
se tiene que revelar: Digital

Instrumento óptico que permitía la proyección plana de una imagen, se utilizaba

para observar eclipses solares, dibujar y finalmente para fotografiar: cámara oscura

Nombre de la persona que añadió a la caja oscura un disco de cristal: Gerolamo

Cardano

Consistía en un negativo de papel transferido sobre otro papel, que por medio del
contacto creaba un positivo. Es el auténtico origen de lo que hoy conocemos como
copia fotográfica: Calotipo

. Esbozo, resumen o conjunto de instrucciones sobre cómo realizar un

encargo o tarea:

Brief

2. Un brief

cerrado

especificará con detalle la apariencia, la composición y el uso de la imagen

final. Un brief

abierto

consiste en una lista de los requisitos del cliente y de las ideas acerca de

posibles enfoques.

3. La finalidad última en el proceso

creativo

consiste en lograr un trabajo fotográfico original.

4. desarrollar el trabajo creativo consiste en dividir el proceso en tres

preguntas clave: ¿qué?, ¿por qué? y ¿cómo?

5. Conjunto de trabajos reunidos y ordenados de forma reflexiva , para

mostrar un proceso artístico o de aprendizaje. Permite comunicar y hacer un

balance de avances y logros personales:

Portafolio

Desarrollar el trabajo consiste en dividir el proceso en tres preguntas clave:

¿Qué? Refiere al tema o idea que forma la base del estudio fotográfico, los objetivos
que se plantean para el trabajo. Condiciona cualquier decisión tomada en relación
con el contenido del trabajo. ¿Por qué? Tiene que ver con la forma del trabajo. Crea
una asociación tangible entre la idea y la forma en que se expresa y comunica al
público. ¿Cómo? Tiene que ver con los procesos prácticos de producción de las
imágenes que se utilizan para conseguir el estilo visual que se desea. Estos
métodos de producción consolidan el proceso de realización de las imágenes.