EL ARTE GÓTICO

CONTEXTO
El arte gótico es el estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante la Edad
Media tardía, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo
XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más
tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia (Ile de
France) y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en
momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones
profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más
horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia, y con peculiaridades locales en Flandes,
Alemania, Inglaterra y España. Podemos dividir este periodo en 4 etapas:
-Gótico temprano o lineal (1150-1220): Cuando comienzan a emplearse el arco apuntado y
bóvedas de crucería.
-Gótico clásico (1200-1250): Se construyen las catedrales de Chartres, Reims y de Amiens.
-Gótico radiante (1250-1390): Aparecen las bóvedas de terceletes.
-Gótico flamígero (siglo XV): se utilizan las bóvedas de abanico. Es más exuberante y
sinuoso.

ARQUITECTURA
Como hemos comentado anteriormente, la arquitectura gótica surge en Ile de France,
donde el Abad Suger de Saint Denis impulsa unos nuevos esquemas arquitectónicos
basados en la proporcionalidad y simetría. Los dos elementos fundamentales del gótico
son el arco apuntado y la bóveda de crucería.

El sistema de arcos apuntados da mayor esbeltez y disminuye el empuje, lo que permite

vaciar los muros y decorarlos con vidrieras. La bóveda de crucería nace de la de arista al
reforzarse esta con nervios. La esencia de las bóvedas de crucería consiste en concentrar
las fuerzas en los nervios y aligerar los plementos (espacio entre los nervios). Este sistema
se complicó con el paso del tiempo añadiéndose más arcos y llegando a las bóvedas
estrelladas.

Con el uso del arbotante se traslada el empuje de la bóveda a los contrafuertes, los cuales
se aligeran notablemente, que se decoran con pináculos. La arquitectura gótica se
distingue por su impulso vertical y por la ascensionalidad, siendo la catedral el edificio
prototipo del gótico.

La evolución de la ciudad va paralelamente con el desenvolvimiento jurídico, configurado

por franquicias, fueros, cartas pueblas, etc. Las ciudades de este periodo no son
homogéneas, pues dependiendo de la región existen marcadas diferencias de matiz. La
ciudad se configura como una comuna comercial e industrial, dentro de un recinto
fortificado. Es necesario atender al mantenimiento de los servicios comunes, los
ciudadanos promoverán nuevos edificios que dan lugar a la arquitectura civil.
La arquitectura civil se basará en los palacios comunales, ayuntamientos o las lonjas.
Las ciudades italianas rivalizarán desde finales del S.XIII en la construcción de grandes
palacios comunales, expresando su riqueza. El palacio viejo de Florencia y el palacio
comunal de Siena elevan una alta y esbelta torre por encima del muro horizontal de las
fachadas coronadas por enormes almenas, símbolo de poder. Por otro lado, las ciudades
flamencas se convierten desde el S.XIII en el principal foco de comercio textil, con un gran
mercado de paños flamencos en la ciudad de Brujas. También en los ayuntamientos
flamencos se construye una torre como símbolo de poder comunal.

En España, destacan por su gran belleza y suntuosidad las lonjas de las ciudades de
Barcelona, Palma de Mallorca y Valencia. La más antigua es la de Barcelona (S.XIV), la de
Palma de Mallorca se caracteriza por sus pilares estriados helicoidalmente, y la de
Valencia se concibe como un auténtico templo del dinero.

Volviendo al principal edificio gótico, durante generaciones la ciudad trabajó para la

catedral, siendo el centro visual de la urbe y convirtiéndose en el símbolo de la riqueza de
la comunidad. Dentro de la catedral coexisten espacios definidos para los dos principales
estamentos:
-El eclesiástico cuenta con el espacio de la nave mayor, donde está el coro.
-El civil tiene su espacio en las capillas laterales, moviéndose por las naves laterales y el
deambulatorio.

Una de las catedrales más importantes de Francia es la Catedral de Notre Dame de

Chartres que tiene su origen en la reconstrucción de un templo románico destruido por un
incendio y conserva la fachada occidental de dicho templo y la disposición de la cabecera.
Su planta tiene una estructura de tres naves con una cabecera constituida por un
deambulatorio (girola) y tres capillas radiales (absidiolos) de planta semicircular. El
transepto también de tres naves y está abierto en dos portadas laterales.

En el exterior las fachadas quedan divididas en tantas zonas como naves, así como en tres
pisos. La fachada occidental conserva el Pórtico Real románico en el que se alzan tres
enormes ventanales con arcos de medio punto y está coronada con un gran rosetón.

Esta estructura diáfana se manifiesta también en los muros de la catedral, con

contrafuertes y arbotantes que actúan como contrarresto exterior de la elevada bóveda
interna y permiten abrir grandes ventanales con lo que el espacio interior se beneficia de
una nueva luminosidad característica de la arquitectura gótica. El ingreso al interior se
hace por los pies y por los brazos del transepto. El alzado interior tiene tres niveles:
• Las arcadas de acceso a las naves laterales (arcos formeros) compuestas por arcos
apuntados.
• El triforio que es una pequeña galería (angosto pasadizo) que está situada sobre los
arcos formeros y que se abre a ésta mediante arquerías.
• Un elevadísimo claristorio, último piso de la nave central ocupado por ventanales con
vidrieras que aportan un espacio metafísico lumínico y coloreado que provoca una
sensación espacial ilusoria y trascendente.

Las bóvedas de crucería serán dirigidas hacia los pilares cruciformes mediante columnillas
adosadas (baquetones). Por último, rodean el perímetro de la catedral contrafuertes que
reciben los empujes de los arbotantes, aunque normalmente están coronados por
pináculos, en el caso de Chartres no ocurre así.

Conviene hacer un repaso de las principales obras arquitectónicas siguiendo las distintas
etapas:
En Francia, Las Catedrales de Laon y Saint Denis (gótico temprano); las de Riems, Amiens y
Bourges (gótico clásico); las de Blauvais, la Santa Capilla y Rouen (gótico radiante).
En Alemania las de Colonia, Estrasburgo y Ulm, y en Inglaterra las de Canterbury,
Salisbury, Lincoln y King’s College de Cambridge.
En Italia tienen características distintas que dieron lugar al Renacimiento, destacan las de
San Francisco de Asís, Santa María Novella y el Duomo de Milán (es la única obra
planamente gótica), mientras en España destacan el Monasterio de San Juan de los Reyes,
el Hospital de la Santa Cruz y la Lonja de Palma de Mallorca, citada anteriormente.

En España, Castilla asimila perfectamente la nueva arquitectura francesa; sin

embargo, existe una característica propia del gótico español, se trata de cierta
horizontalidad en sus edificios góticos debido a la menor altura de sus naves. Esto puede
verse en las principales catedrales góticas de España, la Catedral de Burgos, Toledo, León,
Barcelona, Gerona y Santa María del Mar.

Podemos ver la importancia de este arte en las influencias que deja en los estilos artísticos
posteriores. El ejemplo más claro de esto se ve en el arte renacentista, que empieza a
surgir en la zona de Italia de forma simultanea en que se desarrolla el gótico en otros
países, pues, mientras se lleva a cabo la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, aún se está
realizando la Catedral de Burgos. A pesar de la nomenclatura de este estilo, conocido
como el arte de los godos, volvieron a recuperarse las características propias de este arte
en el periodo historicista del siglo XIX conocido como neogótico, principalmente en
Europa.

ESCULTURA
El carácter fundamental de la escultura gótica es el realismo, el arte se humaniza y se
inspira en la naturaleza. Sin embargo, al principio de este arte podemos ver todavía restos
de idealismo.

Características que podemos ver en la escultura gótica son: la desaparecen de los pliegues
esquemáticos para ofrecernos un plegado de rasgos más amplios y naturales, aunque se
continúa con la ley de adaptación al marco, las figuras se hacen más esbeltas. Se combate
la inaccesibilidad y el distanciamiento de Dios del románico, Dios baja a la naturaleza.
El artista trata de emocionar, es un arte fuertemente expresivo. Jesucristo está en la cruz
sufriendo como hombre. La corona del rey de reyes está sustituida por la corona de
espinas, la auténtica de la Pasión. Cristo inspira compasión y nos acercamos a Él por la vía
del dolor.

En las representaciones de la Virgen domina la alegría en una escena íntima y maternal. El

Niño y la Virgen sonríen y se miran con ternura. Aunque reaparece el dolor cuando la
Virgen recoge el cuerpo de Cristo (tema de la Piedad). También se desarrollan las
hagiografías o vidas de santos y persiste el bestiario románico.

En el gótico final las fachadas se tapizan enteramente de ornamentación. En los capiteles

desaparecen los temas iconográficos para quedar sólo tallos vegetales.

Los emplazamientos de la escultura serán: El tímpano (escenas del Juicio Final, de la vida
de la Virgen o de vidas de santos), en las arquivoltas (reyes y músicos u otras imágenes),
en las jambas (apóstoles, santos y/o profetas dispuestos bajo doseletes), y en el Parteluz
(la figura del Señor, la Virgen y los santos).

Además, aumentó el campo de la escultura, debido a que también se esculpen retablos,

sillerías de coro y enterramientos. En la escultura gótica hay una mayor unidad y cuentan
poco los caracteres nacionales.
El siglo XIII nos ofrece las más importantes portadas góticas, destacando la fuerza del
volumen, la violencia de los paños, los cuerpos ondulantes y una gran humanidad.

En el siglo XIV los modelos se llenan de gracia y las figuras se liberan de la columna y se
albergan en nichos, aparecen más relacionadas entre sí, formando escenas de
naturalismo. Las esculturas se hacen más realistas, son retratos. El estilo se hace más
suelto y natural; y se mezclan los temas religiosos con los profanos. Abunda la escultura
funeraria, los sepulcros con relieves, donde se acentúa el realismo. El retrato se prodiga
en los palacios de los reyes y nobles. La fresca sonrisa, la naturalidad de las actitudes y las
justas proporciones de las figuras nos indican que la escultura gótica había logrado a
finales del siglo XIV la meta del realismo. En Italia través de las formas góticas se perciben
los síntomas precursores el Renacimiento a finales del siglo XIV.

Durante el siglo XV, mientras que en Italia triunfa el arte renacentista en los demás países
europeos se ornamenta el interior de las catedrales con: retablos, altares, tumbas,
sillerías, etc. La madera es el material más frecuente.

Los Retablos que decoran la capilla principal, se conciben como una portada interior
confeccionada en madera policromada. Su origen lo encontramos en los
trípticos y polípticos italianos y flamencos, pero adquirirá si máximo desarrollo en España;
la principal causa de este desarrollo debe buscarse en la necesidad de embellecer el altar
mayor, que había quedado desnudo tras el cambio en la liturgia española, pues las
autoridades eclesiásticas habían determinado desplazar la sillería del coro desde el
presbiterio a la nave central. Destacan los episodios del Antiguo y Nuevo Testamento, que
puede ser escultórico o pictórico y la disposición que adoptan es del casillero. El esquema
compositivo suele adoptar una disposición geométrica, dividiéndose en
cuerpos y calles. Las ilustraciones se disponen de izquierda a derecha y de abajo a arriba.

Ejemplos importantes de escultura gótica son: en Francia las portadas de Chartres, Reims,
Amiens y en Borgoña, la portada del Calvario o Pozo de Moisés y el Sepulcro de Felipe el
Atrevido. En Alemania destaca la escultura de la catedral de Bamberg y en Inglaterra, el
Sepulcro del Príncipe Negro. En Italia resaltan El Púlpito de Pisa de Nicola Pisano y el
Púlpito de Siena. Mientras que en España destacan la portada de la catedral de León de la
Virgen Blanca, el Sepulcro de Juan de Aragón y el Retablo mayor de la Catedral de Toledo
de Felipe Bigarny.

PINTURA
Decae la pintura mural y surge la vidriera. Se desarrolla la miniatura, tanto religiosa como
Laica y florece la pintura de caballete.

Las características principales de la pintura gótica son la estilización de formas, la

importancia del dibujo, el uso de medios tonos y el sombreado, se intenta dar la
impresión de volumen y se abre paso a la perspectiva (que no aparecerá hasta el siglo XV),
de modo que los fondos son planos y dorados. La luz sólo interviene para manifestar el
volumen de los cuerpos, las figuras se disponen en filas horizontales y en diversas capas.

Ya en el siglo XV empezamos a percibir la existencia de la atmósfera y la luz, se diversifican

los estilos y los temas.

- El Trecento italiano.
La influencia bizantina en la pintura gótica italiana se mantuvo en vigor hasta bien entrado
el siglo XIII. Poco a poco fue desapareciendo al infundir a las figuras nueva vitalidad y
dinamismo y valorar más los efectos de luz y sombra para conseguir la sensación de
volumen. Ya Cimabue (1272- 1302), activo en Florencia empezó a
liberarse de la estética bizantina con su dibujo dinámico.

El Dolce Stil Nuovo trata de conseguir algo muy distinto a la tradición bizantina, los
pintores italianos del trecento propugnan: Una belleza naturalista,
inspirada en la verdad, una síntesis de color y dibujo y una valoración de los volúmenes.
Algunos elementos siguen siendo bizantinos como el amor
al paisaje y a lo pintoresco, generalmente montuoso. En resumen, se acentúa el
naturalismo y disminuye el carácter decorativo.

En Florencia, el precursor de esta pintura es Giotto (1266- 1337). Es un revolucionario y

anticipa el Renacimiento. Inaugura el sentido plástico de la pintura cuyas características
más importantes son: el manejo las figuras en función de su masa, las formas componen
macizos bloques a fin de obtener un efecto plástico y sitúa a las figuras de espaldas
surgiendo de esta forma conjuntos volumétricos. Intuye el sentido de la profundidad
aunque el fondo sea aún como un telón, le interesa más la figura, que, a veces, coloca
dentro de pequeñas arquitecturas.
Además, crea claroscuros, agiganta el sentimiento y el dramatismo e inaugura el episodio
narrativo de la vida de un santo en los frescos (San Francisco de Asís).
Da unidad psicológica al cuadro mediante miradas penetrantes y haciendo los ojos muy
rasgados y los colores son simples.
Su mérito está en crear una nueva idea pictórica en donde se entremezclan color, línea,
luz, composición, paisaje, perspectiva y temática, además de introducir la personalidad
(autor) en el arte.

En Siena, lo bizantino tiene una mayor continuidad prefiriéndose lo lineal a lo volumétrico.

Es un arte miniaturístico, que gusta de acumular figuras y elementos anecdóticos, faltando
la claridad narrativa florentina. El color tiene un sentido preciosista, decorativo y
dominará el dorado por encima de todo; es una pintura delicada, graciosa y
aristocrática de influjo francés. Duccio di Buoninsegna (activo en Siena entre 1278 y 1319)
realiza la Majestad, donde deslumbran los dorados y el rico colorido. Las figuras se
ejecutan con perfección caligráfica. Simone Martini gusta de las caras ovaladas
con ojos diminutos que intrigan, bellos ritmos lineales. En el fresco de La Virgen en trono,
hay detalles bizantinos como la postura frontal del Niño o las telas recamadas
de oro, de carácter decorativo. La Anunciación de los Ufizzi define su inspiración
miniaturistica, el gusto por los perfiles ondulantes y la riqueza de oros y colores. Pietro
Lorenzetti es una síntesis de Siena y Florencia, pues basándose en la pintura del Duccio,
incorpora el dramatismo y los efectos plásticos del Giotto. Ambroggio Lorenzetti conservó
el gusto sienés por el color, la línea y las suaves formas. Pintaron los frescos del Palacio
Comunal, “El Buen y el Mal Gobierno”, inaugurando la pintura de carácter social,
didáctico, con sentido cívico.

-Los primitivos flamencos.

La burguesía gobierna los Países Bajos. Por tanto, en la pintura flamenca el objeto se
representa con extraordinaria precisión ya que el realismo va vinculado a la mentalidad
materialista burguesa. El arte religioso del Norte será proclive hacia la vida ordinaria, hacia
lo común. La Virgen y el Niño serán seres de carne y hueso representados de forma muy
realista.

Características: La mayoría de las obras son de pequeño tamaño, el soporte utilizado es la

tabla, con frecuencia constan de tres tablas (trípticos), introducen la técnica al óleo, que
otorga brillo a los colores y posibilita la minuciosidad en los detalles más minuciosidad y
mayor transparencia, lo que favorece la profundidad. Lográndose en este momento la
perfecta utilización de la técnica de las veladuras (adición de capas, al ser el óleo materia
transparente). Los hermanos Van Eyck la perfeccionaron añadiendo a la sustancia un
secante a base de aceites de linaza y nueces.
Otras características son la minuciosidad, los pintores utilizan una especie de plumilla
finísima que les permite introducir una cantidad increíble de formas en un espacio
reducido de las tablas, el naturalismo, el enfoque cercano de los temas inclina a los
pintores a la representación veraz de la realidad, no existe la idealización, el amor al
paisaje, cuando la escena es una habitación el paisaje aparece a través de una puerta o
ventana, la delectación en la reproducción de objetos, los pintores se detienen más en las
cosas pequeñas que llenan la vida cotidiana, objetos de vidrio o metal, monedas, mesas,
telas, etc.; mantienen el espíritu de formas alargadas del gótico internacional y muchos
temas religiosos son concebidos como escenas burguesas. La temática pertenece al
terreno de lo religioso, existe también un florecimiento del retrato, ya que los burgueses
quieren imágenes que se acerquen a la realidad, reflejando sus propios vestidos y joyas.
En el manejo de las luces y en la pasión por el paisaje, Flandes anticipa los valores de la
pintura renacentista, aunque todavía las formas estáticas, la escasa relación de las figuras
y el predominio de los detalles y las partes sobre el conjunto nos sitúan en la última parte
del gótico.

Jan Van Eyck posee un arte conceptual, cargado de signos y símbolos, complejo, difícil de
desentrañar, cuidadoso en el detalle hasta un punto no alcanzado por los demás, capaz de
crear escenarios de una profundidad que supera con mucho las experiencias más
racionalizadas de sus contemporáneos florentinos, audaz y original.
En 1432 produjo el “Políptico de Gante” junto con su hermano Hubert, del que poco se
sabe, no pudiéndose distinguir que parte de la obra pertenece a cada hermano.
Un gran poema religioso de redención: la Adoración del Cordero. Es compleja
temáticamente. La objetividad, el detallismo y el realismo se añaden a un profundo
sentimiento religioso. Queda también planteado en esta obra el camino de la tercera
dimensión y el ambiente atmosférico. En 1434 realiza el retrato titulado “El Matrimonio
Arnolfini” representación simbólica del matrimonio, es la muestra más acabada del
realismo simbólico. El pintor aborda un problema de interior donde hay una evidente
preocupación espacial, como acredita la utilización del espejo, en cuya superficie se ve de
espalda a los esposos. La obsesión por el color rojo se nos muestra en su obra: El hombre
del turbante.

Roger Van der Weyden funda la escuela de Tournai. Frente la pintura de inspiración
miniaturística, matiz aristocrático, sentimiento equilibrado, que plantea el problema del
espacio, con una efectividad ilusoria, Van der Weyden mantiene un programa más
próximo a buscar efectos plásticos donde encontramos algo buscadamente escultórico de
fuerte corporeidad, por eso los fondos son frecuentemente planos. Es el más dramático
pintor de los Países Bajos. Destaca por su habilidad en el arte de la composición, como
acredita El Descendimiento, en el Prado. Hay en esta tabla un deseo muy estimable de
crear ilusión de movimiento, valiéndose de líneas diagonales y oblicuas; Los tipos son
huesudos y finos de cara, predominando los modelos ovales. “El Juicio Final”, del Hospital
de Beaune es la obra más considerable de la pintura flamenca después del retablo de
Gante.
Para finalizar, conviene hacer mención a la pintura gótica que encontramos en España.
Dentro del estilo franco-gótico, destacan obras literarias de Alfonso X el sabio o las
Cántigas de Santa María; también Pedro de Serra y Ferrer Basa; de Estilo flamenco, España
Jaume Huguet, Bartolomé Bermejo y Fernando Gallego, y, por último, citar al pintor
neerlandés conocido como El Bosco, quien realiza el Jardín de las delicias, que hoy
podemos contemplar en el Museo del Prado, Carro de Heno o La mesa de los pecados
capitales.

CONTEXTO HISTÓRICO ROMÁNICO

El arte románico fue el primer estilo internacional de la cultura occidental tras la caída del
Imperio Romano. La denominación “románico” fue acuñada en 1818, para referirse al arte
de Europa occidental entre los siglos VIII y XII. Se consideraba que el arte de aquella época
era una derivación del arte romano, al igual que las lenguas romances o románicas
procedían del latín. El románico divide su evolución en tres etapas:
1. Primer románico (1000-1075): la arquitectura es pobre y funcional, de piedra mal
tallada y en muchos casos de ladrillo, con cubiertas de madera para las naves y
bóveda de horno para el ábside, aunque también encontramos bóvedas de cañón
con arcos fajones y una cúpula sobre el crucero.
2. Románico pleno (1075-1150): con la adopción de un complicado ceremonial
litúrgico por parte de la Iglesia, se produjo en los templos una gran ampliación que
transformó las cabeceras. Aparecen los deambulatorios y se desarrollan las
tribunas y transeptos. Los arquitectos dominan la bóveda de cañón y la cúpula.
3. Románico tardío (primera mitad del siglo XII): se levantan importantes catedrales
por toda Europa. Aparecen elementos que anuncian el estilo gótico. En España
destacan las catedrales de Plasencia, Salamanca, Zamora y Toro.

INFLUENCIAS POSTERIORES DEL ROMÁNICO