El canon, palabra que proviene del Griego antiguo Χανων, regla,1 es un concepto
que institucionaliza, que fija normas en un contexto cultural que se extienden a las
conductas y acciones;2 además, se refiere a las proporciones perfectas o ideales
del cuerpo humano y alude a las relaciones armónicas entre las distintas partes de
una figura.
Historia
Sapotin desarrollar el concepto en tratados escritos, ya que los egipcios utilizaron
en la práctica el canon para la representación escultórica de la figura humana,
pero en lugar de tomar la cabeza como módulo, lo hicieron con el puño, de forma
que los cuerpos tenían de alto 18 veces el tamaño del puño, distribuido
proporcionalmente en distintas partes del cuerpo (dos para el rostro, diez desde
los hombros a la rodillas y seis desde éstas hasta los pies).
La plasmación literaria de esta idea fue explicitada en la Grecia
clásica por Policleto, escultor del siglo v a. C., en un libro técnico titulado Canon,
en el que era importante el concepto de symmetría como unas reglas de la
proporcionalidad que debía tener la figura humana en las obras de arte para
conseguir que tuvieran belleza. Aunque el texto no se ha conservado, diversas
fuentes indican que fue ejemplificado por el artista en una escultura
(Winckelmann interpretó que esa escultura era el Doríforo).3 En el siglo siguiente
las figuras aparecen más esbeltas, como en el Apoxiómeno de Lisipo, o en obras
de Praxíteles (Hermes de Olimpia, Apolo Sauróctono), que corresponden a una
proporción en la que la altura total llega hasta las 8 cabezas.4 Para Plinio el Viejo,
esta diferencia respondía a un criterio estético esencialmente distinto: los artistas
del siglo v (Mirón, Fidias, Policleto) habrían representado al hombre tal como es;
mientras que los del siglo iv (Praxíteles, Escopas, Lisipo) lo habrían representado
tal como el ojo los ve, es decir, superaron el canon racional mediante una fantasía
que permite mayor expresividad y refinamiento óptico.5 Vitruvio dejó asentados
estos conceptos, ampliados otras proporciones entre distintas partes del cuerpo
humano, que fueron reelaboradas por los artistas del Renacimiento,
especialmente por Alberto Durero6 y por Leonardo da Vinci (hombre de Vitruvio).
En la Edad Contemporánea, el arquitecto francés Le Corbusier creó un nuevo
canon de proporciones humanas al que denominó modulor (2,26 metros de altura),
para aplicar tanto en la construcción de edificios como en el diseño de mobiliario y
objetos comunes.
ORIGEN
Dibujar un figurín en diseño de moda, implica conocer perfectamente las
proporciones de la figura humana. La figura humana está influenciada por
las leyes de la perspectiva, con el fin de plasmar en papel las proporciones
adecuadas. Para poder representar y determinar las proporciones de la figura
humana, utilizaremos los cánones del cuerpo humano.
Canon, significa regla y es de origen griego. Mediante fórmulas matemáticas se
establece las proporciones ideales del cuerpo humano; el cual se divide en partes
llamadas módulos. Ya lo usaban los egipcios para establecer las medidas
perfectas de la figura.
El griego Policleto fue el precursor del término y estableció las proporciones
ideales usando la medida básica llamada módulo, y así creó el canon de 7
cabezas basado en que la altura de una persona son 7 veces la altura de la
cabeza.
¿Cuáles son las principales características de la figura humana?
La figura humana se puede representar de varias formas: ❖ Realista:
representación del modelo con exactitud sin añadir elementos de fantasía. ❖
Simplificado: representación del modelo de una forma sencilla sin detalles. ❖
Esquemático: representación del modelo atendiendo a sus líneas.
El pintor Miguel Ángel usó el canon de 7,5 cabezas, siendo actualmente la figura
común y Leonardo Da Vinci; el canon de 8 cabezas, usado para figuras heroicas.
Canon de 8 cabezas.
Ca
non de 7 cabezas y media.
Los cánones del cuerpo humano nos sirven para poder dibujar una figura humana
adecuadamente. Así para comenzar un figurín, empezaremos por la cabeza;
tomándola como referencia para el tamaño del resto del cuerpo.
Los cánones nos ayudan a colocar adecuadamente zonas del cuerpo en
nuestro boceto; por ejemplo el pubis se sitúa en el centro de la figura sin importar
su altura. Así la anchura de las sienes establece lo ancho de los hombros, el
muslo tiene la misma longitud que las piernas, los brazos llegan hasta la cintura, el
antebrazo tiene el mismo tamaño que el brazo o la muñeca llega hasta el pubis.
Por tanto, los cánones son guías que nos ayudan a la hora de hacer un boceto
de un figurín.
Por último, vamos a nombrar los 3 cánones que existen actualmente:
Canon de 7 cabezas y media que corresponde a la figura común.
Canon de 8 cabezas, corresponde con la figura ideal. Usado por escultores y
pintores.
Canon de 8 cabezas y media, usado en cómics y figurines.
Figurín con 8 cabezas.
Tipos
Módulo. Del latín modulum, significa modo. ...
Canon artístico. Se refiere a la “representación de formas socialmente admitidas
como relevantes, importantes o necesarias para una comunidad o grupo social”. ...
Canon artístico simbólico. ...
Canon artístico modular.
Qué artistas estudiaron la figura humana?
Artistas más destacados del dibujo de la figura humana
Rafael Sanzio. (1483 - 1520)
Pieter Paul Rubens (1577 - 1640)
Miguel Ángel (1475 - 1564)
Rembrandt Hamenszoon. (1606 - 1669)
Alberto Durero. (1471 -1528)
William Blake (1757 - 1827)
Leonardo Da Vinci. (1452 - 1519)
Boceto de manos femeninas.
¿Qué artistas trabajaron con la imagen del cuerpo humano?
Top 5: artistas que utilizan el cuerpo como estrategia artística
—Joseph Beuys (Alemania, 1921-1986)
—Kazuo Shiraga (Japón, 1924 – 2008)
—Melquiades Herrera (México, 1949-2003)
—SEMEFO (México, 1990-1999)
—Stelarc (Chipre, 1946)
¿Quién es el autor de la figura humana?
La primera revisión del sistema de Goodenough para la evaluación del dibujo de la
figura de un hombre fue propuesta por Harris en 1963 (Harris, 1991) y es conocido
como el test del Dibujo de la Figura Humana de Goodenough-Harris.
¿Quién creó la figura humana en el arte?
Da Vinci fue el inventor de los cortes anatómicos y de la representación de la
figura humana en diferentes planos. La raíz de sus trabajos anatómicos se sitúa
en sus intereses artísticos por la exploración del cuerpo humano y su
funcionamiento; tenía como objetivo perfeccionar la representación de la figura
humana.
Beuys combatió como operador de radio de la Luftwaffe en la Segunda Guerra
Mundial. El 16 de marzo de 1944 su Stuka se estrelló cerca de la aldea Známenka
del Raión de Krasnogvardeyskiy de Crimea. Más tarde mitificó el accidente
narrando cómo, estando inconsciente y a punto de morir congelado,
nómadas tártaros lo rescataron y lo envolvieron en fieltro y grasa animal logrando
evitar su muerte. En cualquier caso, ambos elementos aparecerán
constantemente en su obra posterior.1
De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más
tarde fue profesor de escultura.
Carrera artística[editar]
En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que
llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la
socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de
público.
Trabajó como docente universitario hasta que fue expulsado años después. La
obra realizada en su tiempo de profesor se refiere a la relación de la pedagogía
con el estudio del arte, ya que Beuys cambió totalmente el enfoque de enseñanza
que se tenía hasta el momento.
En Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta (1965) se puso miel y pan de
oro en la cabeza, mientras le hablaba y explicaba sobre su obra a una liebre
muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y
escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal,
a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal. Beuys
asumía el papel de chamán con potestad de curar y salvar a una sociedad que él
consideraba muerta.2
En 1974 llevó a cabo la acción Me gusta América y a América le gusto yo donde
Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo
de su creación. Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos
estadounidenses, símbolo del capitalismo de ese país. Poco a poco el coyote y
Beuys se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote.
Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras. Objetos que difieren de
los ready-made de Marcel Duchamp, no por su naturaleza pobre y efímera, sino
por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con
ellos y haberles dejado su huella. Muchos tienen una relación autobiográfica,
como la miel o la grasa utilizada por los tártaros que le salvaron durante la
segunda guerra mundial. En 1970 realizó asimismo su Traje de fieltro.
En 1970, Joseph Beuys fue profesor de escultura en la Kunstakademie
Düsseldorf. Su estudiante más joven en la Kunstakademie Düsseldorf fue Elias
Maria Reti, quien estudió arte con él a la edad de solo quince años.3
En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una retrospectiva de su
obra desde los años 1940 hasta 1970.
El 12 de enero de 1985, participó junto a Andy Warhol y el artista japonés Kaii
Higashiyama en el proyecto Global-Art-Fusion. Iniciado por el artista conceptual
Ueli Fuchser, este era un proyecto especial de FAX-ART, en el cual un fax con
diferentes dibujos de los tres artistas participantes fue mandado por todo el mundo
dentro de solamente 32 minutos – de Düsseldorf a Nueva York hacia Tokio, siendo
recibido finalmente en el Palacio Liechtenstein de Viena.4
Nacimiento 12 de mayo de 1921
Krefeld (Alemania)
Fallecimient 23 de enero de 1986 (64 años)
o Düsseldorf (Alemania)
Causa de
Insuficiencia cardíaca
muerte
Sepultura Mar del Norte
Nacionalida
Alemana
d
Educación
Educado en Freiherr-vom-Stein-Gymnasium
Academia de Bellas Artes de
Düsseldorf
Alumno de Ewald Mataré
Información profesional
Ocupación Escultor, coreógrafo, pintor, profesor
universitario, ilustrador, fotógrafo,
artista conceptual, artista de
performance, grabador, dibujante, ar
tista gráfico y artista visual
Área Performance
Años activo 1960-1985
Estudiantes Anselm Kiefer y Jörg Immendorff
Movimiento Fluxus
Seudónimo Boĭs, Iosef, Bojs, Joze y Beuys,
Joseph (Joseph Heinrich)
Género Arte conceptual
Partido
Alianza 90/Los Verdes
político
Sitio web www.beuys.org
Distinciones Premio Lichtwark
Goslarer Kaiserring (1979)
Premio Wilhelm Lehmbruck (1986)
Firma
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483-Roma, 6 de abril de 1520),1 también
conocido como Rafael de Urbino o simplemente como Rafael,1n. 1 fue
un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Además de su labor pictórica, que
sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la
arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y
conservación de los vestigios grecorromanos.3
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su
precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de
prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las
Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas,
considerada una de sus obras cumbre.456 Es célebre por la perfección y gracia de
sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.7 Junto
con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del
período.8
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplía 37
años.n. 2 Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller
conformado por numerosos colaboradores,9 y, a pesar de su muerte prematura,
dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su
trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las
habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su
carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por
ayudantes.
Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de
haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable
pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su
obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de
grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su
principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las
cualidades más serenas y armoniosas de Rafael fueron consideradas de nuevo
como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así
por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro
años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la
ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando
para los papas y su corte.10Autorretrato con un amigo (circa 1518), Museo del
Louvre, París
Ascendencia[editar]
Artículo principal: Corte de Urbino
Obra de Giovanni Santi, padre de Rafael; Cristo sostenido por dos ángeles (1490).
Nació en 1483, exactamente el 6 de abril, un viernes Santo en Urbino una
pequeña ciudad de la Italia central—, en la región de Marcas, localidad pequeña,
pero importante desde el punto de vista artístico,11 donde su padre Giovanni
Santi era pintor de la corte del duque. En la pequeña corte de Urbino, Giovanni fue
integrado en el círculo íntimo de la familia en un grado superior al que era habitual
en otras cortes italianas, bajo un gobierno con un importante centro de cultura
literaria y artística.12
Crecer en el seno de esta pequeña corte le dio a Rafael la oportunidad de
aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por
Vasari.13 La vida cortesana de Urbino en esta época sería poco después
considerada por Baldassare Castiglione, (en su obra El Cortesano14 en 1528),
como modelo de virtudes de una corte humanista italiana. Castiglione se instaló en
Urbino en el año 1504, cuando Rafael ya no residía en ella; sin embargo, la
visitaba muy a menudo, lo que dio como resultado una extensa amistad. Otros
visitantes habituales de la corte también se convirtieron en sus amigos: Pietro
Bibbiena y Pietro Bembo, nombrados ambos cardenales más tarde, eran
conocidos entonces como buenos escritores y vivieron en Roma al mismo tiempo
que Rafael.
Se movió con comodidad en las altas esferas sociales durante toda su vida, lo que
ha sido uno de los factores que han contribuido a dar una falsa impresión de una
carrera artística fácil. Sin embargo, no recibió una completa educación
humanística, por lo tanto no se sabe con claridad si leía fácilmente en latín.15
Biografía[editar]
Primeros años (1483-1504)[editar]
Posible autorretrato de Rafael durante su adolescenciaLos desposorios de la
Virgen de Rafael Sanzio, en la Pinacoteca de Brera en Milán. En esta obra, se
puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.
Su madre, Magia di Battista di Nicola Ciarla, murió en 1491, y el 1 de agosto de
1494, Giovanni Santi, su padre, volvió a casarse. Con tan solo 11 años, quedó
huérfano y bajo la custodia legal de su tío Bartolomeo, sacerdote, que inició un
litigio con la madrastra del chico. Sin embargo, Rafael continuó viviendo con ella
cuando no acudía a su aprendizaje con un maestro. Aun así, ya había dado
muestra de su talento, según Giorgio Vasari, quien cuenta que había sido "una
gran ayuda para su padre".1617 Un brillante autorretrato de su adolescencia
muestra su precoz talento.18 El taller de su padre continuó y, probablemente en
compañía de su madrastra, jugó un relevante papel en su gestión desde su
juventud. En Urbino tuvo la oportunidad de conocer la obra de Paolo Uccello, el
precedente pintor de la corte († 1475), y de Luca Signorelli, quien hasta el año
1498 residió y trabajó en la próxima Città di Castello.19
Según Vasari, su padre lo colocó en el taller del maestro de Umbria Pietro
Perugino como aprendiz, «a pesar de las lágrimas de su madre». La evidencia de
un periodo de aprendizaje viene solo de Vasari y de otra fuente,20 y ha sido
discutida, porque su madre murió cuando él tenía ocho años, lo que sería
demasiado pronto para comenzar a formarse. Una teoría alternativa es que recibió
algún adiestramiento de Timoteo Viti, un pintor de la corte de Urbino desde
1495.21 Pero los historiadores modernos están de acuerdo en que Rafael trabajó
al menos como ayudante de Perugino desde alrededor de 1500; la influencia de
Perugino en sus primeras obras es muy evidente: "probablemente ningún otro
discípulo de talento había absorbido las enseñanzas de su maestro como lo hizo
Rafael, aún comparándolo con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel", según
Wölfflin.22 Vasari escribe que, en cuanto a este período, era imposible distinguir
las obras de ambos artistas, pero muchos historiadores del arte modernos afirman
haber detectado las partes que Rafael pintó como ayudante en obras de Perugino
o de su taller. Aparte de la similitud estilística, sus técnicas eran también muy
similares, por ejemplo, en la densa aplicación de la pintura, con el uso de un
medio a base de barniz, en las sombras y los adornos oscuros, pero con una
aplicación más ligera en las partes de carne. Sin embargo, el exceso de resina en
el barniz ha causado a menudo grietas en áreas de las pinturas de ambos
maestros.23 El taller de Perugino estaba activo tanto en Perugia como
en Florencia, quizá con dos sucursales permanentes.24 Se considera que en 1501
Rafael era un Maestro de Pleno Derecho, completamente formado.
Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci —aunque hay una
controversia con La resurrección de Cristo que fue realizada entre los años 1499 y
1501— para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino en Città di Castello, una ciudad
a medio camino entre Perugia y Urbino. Evangelista di Pian di Meleto, quien había
trabajado para su padre, compartió el encargo de la obra, que data de 1500 y fue
terminada en 1501; hoy en día solo quedan algunas porciones y un boceto
preparatorio.n. 3 Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias,
incluyendo la Crucifixión Mond —alrededor de 1503— y Los desposorios de la
Virgen de la Pinacoteca di Brera, así como obras para Perugia, como el Retablo
Oddi —La anunciación , La Adoración de los Magos y La coronación de la
Virgen 1501-1503—. Probablemente visitó Florencia en esta época. Se trata de
obras mayores, algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la
composición al estático estilo de Perugino. En estos años pintó muchas pequeñas
y exquisitas pinturas de caballete, la mayor parte posiblemente para amantes de la
pintura de la corte de Urbino, como Las Gracias, El sueño del caballero o San
Miguel, y empezó a pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.2526
En el año de 1502 fue a Siena por invitación de otro discípulo de
Perugino, Pinturicchio, "al ser amigo de Rafael y conocedor de su capacidad como
artista de la más elevada calidad", porque le ayudó con las obras, y muy
probablemente con los dibujos, para una serie de frescos en la Biblioteca
Piccolomini de la Catedral de Siena.27 Es evidente que en esta etapa temprana
de su carrera ya era un artista solicitado.
Uffizi, Florencia.
Información personal
Nombre de
Raffaello Sanzio
nacimiento
Nacimiento 6 de abril de 1483
Urbino, Ducado de Urbino
Fallecimient 6 de abril de 1520
o (37 años)
Roma, Estados Pontificios
Causa de
Insuficiencia cardíaca
muerte
Sepultura Panteón de Agripa y Tomb of
Raffael
Nacionalidad Italia
Religión Iglesia católica
Familia
Padre Giovanni Santi
Pareja Margarita Luti
Educación
Alumno de Giovanni Santi
Timoteo Viti
Pietro Perugino
Información profesional
Ocupación Pintor, escultor, arquitecto, dibujant
e, dibujante
arquitectónico, diseñador, pintor al
fresco y pintor de cámara
Alumnos Giulio Romano, Raffaellino del
Colle, Giovanni Francesco
Penni, Gaudenzio Ferrari, Timoteo
Viti, Perin del Vaga y Tommaso
Vincidor
Movimiento Renacimiento y Alto
Renacimiento
Géneros Pintura de historia, retrato
pictórico, retrato, alegoría, arte
sacro y pintura mitológica
Distinciones Orden de la Espuela de Oro
Firma
William Blake (Londres, 28 de noviembre de 1757-Londres, 12 de agosto de 1827)
fue un poeta, pintor y grabador británico. Aunque permaneció en gran parte
desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake se
tiene en alta estima. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus
respectivos grabados, suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total».
Según el periódico The Guardian, «William Blake es, con gran margen, el mayor
artista que Gran Bretaña ha producido».1
Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado
sería perjudicial para entender su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos
medios inseparables de un mismo esfuerzo espiritual unificado. Ambas son
necesarias para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones
ilustradas de la obra de Blake no habían sido especialmente valoradas en el
pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión permitieron una
mayor difusión, al hacerse sus obras más accesibles.2
Para ver un mundo en un grano de arena
y un paraíso en una flor silvestre,
sostén el infinito en la palma de la mano
y la eternidad en una hora.
(Fragmento de Augurios de inocencia)3
Información personal
Nacimient 28 de noviembre de 1757
o Londres (Reino de Gran Bretaña)
Fallecimie 12 de agosto de 1827
nto Londres (Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda)
Sepultura Bunhill Fields Burial Ground
Residenci
Battersea
a
Nacionalid
Británica
ad
Familia
Padres James Blake
Catherine Hermitage
Cónyuge Catherine Blake (desde 1782)
Educación
Educado Henry Pars Drawing School (desde 1767)
en
Royal Academy Schools (desde 1779)
Alumno de James Barry (desde 1782)
Información profesional
Ocupación Pintor, poeta,
teólogo, coleccionista, grabador, ilustrador, filósofo, lit
ógrafo, artista gráfico, impresor, dibujante
arquitectónico, escritor, escultor y libretista
Área Poesía
Movimient
Romanticismo y fairy painting
o
Géneros Pintura de historia, pintura religiosa y alegoría
Obras El matrimonio del cielo y el infierno
notables
Jerusalem
Canciones de inocencia y de la experiencia
Milton: un poema en dos libros
El anciano de los días
Firma
Qué representa la figura humana?
La figura humana es uno de los temas más importantes en el arte y la
comunicación visual. Desde los orígenes de la cultura, el cuerpo humano y su
representación han sido dotados de múltiples significados que han ido cambiando
de acuerdo con los valores estéticos predominantes en cada época.
