REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA
LA EDUCACIÓN SUPERIOR
UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES MARACAY – ESTADO
ARAGUA.
PNF ARTES AUDIOVISUALES. MENCIÓN: CINEMATOGRAFÍA
MATERIA: ACTUALIZACIONES
Origen del Cine
Estudiante: Josué Belisario
Docente: Katherine Ziems C.I: 30.864.292
INICIO DEL PENSAMIENTO
EUROPA: Este pensamiento es el resultado de muchas variables sociales,
científicas, tecnológicas y filosóficas que estaban sucediendo en la época post
revolución industrial. A la segunda mitad del siglo XIX, cuando se desarrollaron
las primeras ideas sobre el uso de métodos fotográficos para grabar imágenes
en movimiento. Francio Ronalds documentó las primeras ideas sobre el uso de
métodos fotográficos para conseguir grabaciones de carácter científico entre
1840 y 1841.
Durante ese siglo, la tecnología cinematográfica evolucionó a partir de las
"imágenes en movimiento" hasta la actualidad. Las primeras películas
empezaron siendo exhibidas como entretenimiento para la nobleza, pero
pronto evolucionaron para convertirse en grandes herramientas de
comunicación y entretenimiento durante el siglo XX.
El cine fue un paso más en la invención técnica de la fotografía, que en el año
1839 había logrado fijar una imagen de la vida real en una superficie (primero
fueron placas metálicas, luego vidrio, y finalmente celuloide). Este avance
tecnológico revolucionó el arte, el entretenimiento, la prensa, la ciencia, etc.
sin embargo hubo muchos inventos previos que sirvieron de precursores, pero
también el descubrimiento de la llamada persistencia retiniana, un fenómeno
visual descubierto por Peter Mark Roget que demostraría como una imagen
permanece en la retina humana una décima de segundos antes de desaparecer
por completo, permitiendo a nuestro cerebro generar la ilusión de movimiento.
Sesenta años después, nace el cine. Estas imágenes de la vida real se volvían
más reales aún, reproducían el movimiento. Movimiento y proyección en una
pantalla, esto es el diferencial del cine (más tarde también el sonido).
El cine nació con los hermanos Lumière, quienes inventaron el cinematógrafo
y lo patentaron en París el 13 de febrero de 1895. Esta máquina reúne, en un
mismo aparato de pequeñas dimensiones y pesando menos de 5 kg, las
funciones de cámara, impresora y proyector. Esto permitió a los conocidos
operadores Lumière desplazarse y viajar con el aparato fácilmente.
Uno de los presentes en la sala de la primera proyección de cine, fue George
Méliès, hijo de un industrial zapatero que en 1885 abandonó el negocio familiar
para aprender magia y espectáculos de feria, comprando finalmente el teatro
Robert Houdin para realizar sus obras.
A Méliès le encantó el invento de los Lumière, tanto que les pidió que le
vendieran una cámara, ellos no accedieron, principalmente porque no creían
que el invento fuera a durar mucho. El mago consiguió una cámara (algunos
dicen que se la compró a un inglés, otros que la construyó), y empezó a filmar
a partir de 1897, primero imitando a los Lumière, sin manipulaciones ni
interferencias de ningún tipo, haciendo documentales.
El gran cambio apareció de casualidad, en una de sus películas, mientras
filmaba unas escenas en la Place de l’Opéra de París, su cámara se quedó
bloqueada durante más de un minuto. Transcurrido ese lapso, los vehículos y
las personas que llenaban la calle habían cambiado, naturalmente, de posición.
Cuando Méliès proyectó más tarde el fragmento filmado, vio como “un tranvía
se había convertido en un coche fúnebre, y los hombres eran ahora mujeres”,
evidenciando las posibilidades del trucaje cinematográfico, y con él la inmensa
capacidad del cine para hacer soñar al espectador. Simplemente con detener
la cámara para volver a ponerla en funcionamiento poco después, Méliès había
comprobado que podía jugar a las transformaciones y a las desapariciones.
Este descubrimiento fortuito hizo caer en la cuenta que el cine no sólo servía
como posible representación de “la realidad” sino que también para “engañar
al público” haciendo creíbles hechos irreales. Si bien su técnica era
básicamente teatral, con una cámara estática en el plano frontal hacia el
“escenario”, creó una gramática estrictamente cinematográfica, una
narrativa nueva. Hay que tener en cuenta lo difícil que era filmar en esa época
donde las máquinas para registrar las tomas eran tremendos y complejos
andamiajes mecánicos, lo cual hacía difícil y peligroso mover una cámara.
En el año 1902 Georges Méliès maravilla a todos con una producción de 20
minutos de duración (todo un récord para la época), dividida en 30 escenas y
con un costo superior a los 30.000 francos. La película era Viaje a la Luna (Le
Voyage dans la Lune), una obra que toma (con sus licencias) de modelo dos
novelas: De la Tierra a la Luna de Jules Verne y Los Primeros Hombres en la
Luna de H.G. Wells. En ella se mostraba el primer alunizaje cinematográfico:
• “Viaje a la luna” narra la decisión de dos sabios del congreso científico
del club de astrónomos de ir a la luna. Para ello construyen un
gigantesco obús en el que se instalan para el viaje, este es introducido
por unas coristas (del propio teatro de Méliès) en un gigantesco cañón
para ser disparado hacia el satélite terrestre. Los científicos alunizan
en un ojo de la luna (una de las escenas clásicas de la historia del cine)
donde aparecen el rey y los selenitas (interpretados por los acróbatas
del Folies Bergère) que se convertían en polvo cuando eran golpeados
por los paraguas de los terrícolas. Vuelven a la tierra con el obús
cayendo desde un precipicio de la luna y arrastrando sin querer a un
selenita que se había agarrado a su cola y que es exhibido en nuestro
planeta con un gran regocijo popular.
La continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante al montar la
secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna con una
escena de un decorado con la cara animada del satélite, que va creciendo en
travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón,
clavándose en ella.
Utilizaba las técnicas aprendidas en sus shows ilusionistas como trampillas,
fuegos artificiales, decorados pintados… a lo que sumaba la incipiente magia
del cine: sobreimpresiones, simulaciones de imágenes submarinas (utilizando
un acuario como tosco filtro), exposiciones múltiples y fondos negros.
Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos.
Técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la
película y las distribuyeron por toda Norteamérica. A pesar de que fue un éxito,
Méliès nunca recibió dinero por su explotación.
Por un tiempo, los propios inventores, consideraron al cine como una atracción
menor, incluso un número de feria, al igual que los anteriores inventos para
mostrar imágenes en movimiento. Fue el uso y expansión que otros autores
hicieron con el invento, lo que potenció y creó el cine como lo conocemos hoy.
El cine europeo evolucionó a partir de los proyectos individuales de cada uno
de los directores que buscan proseguir su carrera. A partir de los años
cincuenta, sesenta y setenta, el cine europeo se caracterizó por proyectos
singulares, rutinarios, originales, provocadores, insulsos, pretenciosos y
aburridos.
El público europeo continuó accediendo a las salas con el fin de visionar cine
estadounidense; el interés por el cine propio destaca, de manera especial, en
Francia, gracias a un sistema de financiación que permite acometer empeños
de mayor fuste.
ESTADOS UNIDOS: El cine de los Estados Unidos o cine americano, que
consiste principalmente en los principales estudios de cine (también conocidos
como Hollywood) junto con algunas películas independientes, ha tenido un gran
efecto en la industria cinematográfica mundial desde principios del siglo XX.
El estilo dominante del cine estadounidense es el cine clásico de Hollywood, que
se desarrolló entre 1913 y 1969 y sigue siendo típico de la mayoría de las
películas realizadas allí hasta el día de hoy. Si bien a los franceses Auguste y
Louis Lumière generalmente se les atribuye el nacimiento del cine moderno, el
cine estadounidense pronto se convirtió en una fuerza dominante en la
industria emergente.
Hollywood se considera la industria cinematográfica más antigua, en el sentido
de ser el lugar donde surgieron los primeros estudios cinematográficos y
productoras. Es la cuna de varios géneros cinematográficos —entre ellos la
comedia, el drama, la acción, el musical, el romance, el terror, la ciencia ficción
y la épica bélica— y ha servido de ejemplo para otras industrias
cinematográficas nacionales.
En 1878, Eadweard Muybridge demostró el poder de la fotografía para capturar
el movimiento. En 1894, se realizó la primera exhibición cinematográfica
comercial del mundo en la ciudad de Nueva York, utilizando el kinetoscopio de
Thomas Edison. En las décadas siguientes, la producción de cine mudo se
expandió enormemente, se formaron estudios y emigraron a California, y las
películas y las historias que contaban se hicieron mucho más largas. Estados
Unidos produjo la primera película musical con sonido sincronizado del mundo,
The Jazz Singer, en 1927, y estuvo a la vanguardia del desarrollo del cine sonoro
en las décadas siguientes. Desde principios del siglo XX, la industria
cinematográfica de EE. UU. se ha basado en gran medida en la zona de treinta
millas en Hollywood, Los Ángeles, California, y sus alrededores. El director DW
Griffith fue fundamental para el desarrollo de una gramática cinematográfica.
de orson wellesCitizen Kane (1941) se cita con frecuencia en las encuestas de
los críticos como la mejor película de todos los tiempos.
Los principales estudios cinematográficos de Hollywood son la fuente principal
de las películas de mayor éxito comercial y de mayor venta de entradas del
mundo. Muchas de las películas más taquilleras de Hollywood han generado
más ingresos de taquilla y venta de entradas fuera de los Estados Unidos que
las películas realizadas en otros lugares. Estados Unidos es un pionero líder
en ingeniería y tecnología cinematográfica.
En la Edad de Oro de Hollywood, se define como un estilo técnico y narrativo
característico del cine estadounidense de 1913 a 1969, durante el cual se
emitieron miles de películas desde los estudios de Hollywood. El estilo clásico
comenzó a emerger en 1913, se aceleró en 1917 después de que EE. UU. entró
en la Primera Guerra Mundial y finalmente se solidificó cuando se estrenó la
película The Jazz Singer en 1927, poniendo fin a la era del cine mudo y
aumentando las ganancias de taquilla para la industria cinematográfica.
Introducir el sonido en los largometrajes.
LATINOAMERICA: En Latinoamérica, la producción cinematográfica se
centró principalmente en documentales de carácter informativo antes de
1906. Durante este período, el cine latinoamericano evolucionó a partir de los
proyectos individuales de cada uno de los directores que buscan proseguir
su carrera.
En los años sesenta nace un fenómeno de cine llamado: “El nuevo cine
latinoamericano”. Este fenómeno está influido principalmente por el
neorrealismo italiano y otros movimientos de cine social. Su función era ir en
contra de los modelos estadounidenses y a favor de la conflictiva realidad.
Era la esperanza y la nueva posibilidad de restablecer una cinematografía a
nivel continental, un nuevo cine. El inicio se produjo con el Festival del Cine
Latinoamericano de Pesaro en la década del 60, pero el momento clave fue el
Encuentro de Cine Latinoamericano de 1967, que tuvo su motor en el chileno
Aldo Francia, del Cine Club de Viña del Mar, el cubano Alfredo Guevara, del
Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica (ICAIC) y el argentino
Edgardo Pallero. Fue la primera vez que se reunieron hombres y mujeres de
cine de todos los países latinoamericanos
El cine en América Latina nació y se desarrolló dentro del marco de la
“filosofía de la liberación”, producida en América Latina como consecuencia
de los movimientos populares, las guerrillas y las rebeliones estudiantiles de
los años 1960. Otras influencias para la cinematografía de la región fueron la
Revolución Cubana, los movimientos de liberación contra-coloniales en África,
las teorías sobre el subdesarrollo generadas por autores como Frantz Fanon,
así como la intervención de Estados Unidos en la guerra de Vietnam. Todo ello
promovió un discurso antiimperialista y antiburgués, orientado a defender los
pueblos y a denunciar los abusos políticos. El cine en América Latina se
proponía, por tanto, desarmar los paradigmas del cine comercial (sobre todo
el de Hollywood), utilizando la improvisación, la experimentación y captando
las dinámicas de los pueblos que suponían, por sí mismas, un valor estético y
“espectacular”. La realidad latinoamericana, con sus múltiples contrastes,
sus movimientos populares y su riqueza natural y cultural, daba pie para la
realización de filmes que, más allá de la construcción de la ficción, captaran
la vitalidad de una región apenas conocida a nivel mundial.
VERTIENTES MAS IMPORTANTES
EUROPA: El cine europeo ha tenido una influencia significativa en la historia
del cine, especialmente en lo que respecta a la introducción de nuevos estilos
narrativos. El expresionismo es un movimiento cinematográfico se
desarrolló en los años 1920 y 1930 y se caracterizó por la experimentación
con la narrativa y los recursos visuales.
Este movimiento cinematográfico se originó en Alemania y se extendió a
otros países europeos, influenciando a directores como F.W. Murnau y Robert
Wiene. Este estilo se destacó por su uso de sombras, planos inusuales, y una
narrativa más abstracta y simbólica, lo que lo diferenciaba de la narrativa
más lineal y realista del cine clásico
El cine europeo ha sido la experimentación con la narrativa cinematográfica y
ha tenido una influencia significativa en la historia del cine, especialmente en
lo que respecta al realismo cinematográfico, se caracteriza por su enfoque
en representar la vida cotidiana de manera auténtica, sin artificios ni
exageraciones.
Una de las corrientes más destacadas del cine realista europeo fue el
neorrealismo italiano, surgido después de la Segunda Guerra Mundial.
Directores como Vittorio De Sica y Roberto Rossellini retrataron la dura
realidad de la posguerra en Italia, utilizando escenarios reales y actores no
profesionales.
ESTADOS UNIDOS: En el caso del continente americano fue en la era del
cine muda, que se desarrolló desde principios del siglo XX hasta la
introducción del sonido en las películas en 1927. Durante esta época, el cine
estadounidense se caracterizó por la experimentación con la narrativa y los
recursos visuales, y se destacó por la producción de cortometrajes y
largometrajes que se proyectaban en salas de vodevil y teatros de
variedades.
Los directores más influyentes de esta eran incluyeron a Edwin S. Porter,
D.W. Griffith y Thomas Alva Edison, quienes contribuyeron significativamente
al desarrollo del cine estadounidense
Este cine inició con la invención del kinetoscopio por Thomas Alva Edison en
1892. La primera proyección pública de una película en Estados Unidos tuvo
lugar en 1896 en Nueva York. El cine estadounidense se caracterizó por su
primitivismo, con imágenes frontales y alejadas que se diferenciaban de las
películas francesas, como "Voyage dans la lune" de Georges Méliès, que
destacaban por su belleza plástica.
Durante esta época, los cineastas estadounidenses experimentaron con la
narrativa y los recursos visuales.
Edwin S. Porter creó cortometrajes como "Asalto y robo de un tren" y "El
gran atraco al tren", que se convirtieron en éxitos comerciales. D.W. Griffith,
otro director influyente, dirigió "El nacimiento de una nación", que se
considera uno de los primeros filmes de la era muda.
El cine estadounidense de la era muda tuvo un profundo impacto en el cine
internacional. La industria cinematográfica estadounidense se convirtió en
una fuerza dominante en el mercado mundial, gracias a su eficacia en la
producción y distribución de películas.
LATINOAMERICA: Fue durante la llegada del Cinematógrafo en 1896,
después de la primera exhibición de los hermanos Lumière en París en 1895.
Esta fecha marca el comienzo del cine en el continente, y desde entonces,
El cine en Latinoamérica se caracterizó por su lentitud en crecimiento, pero
no por falta de interés. Los primeros años vieron la aparición de directores y
actores destacados, como Antonio Moreno, Dolores del Río, Lupe Veléz y José
Mojica, quienes trabajaron en el cine estadounidense. Brasil, Argentina y
México se convirtieron en los principales productores de cine en la región,
intentando adaptarse a los estándares hollywoodenses de la época.
El Nuevo Cine Latinoamericano se desarrolló a partir de la llegada del
cinematógrafo a la región. Se caracterizó por su compromiso político y su
uso de circuitos alternativos de difusión.
Durante las décadas de 1960 y 1970, este movimiento se caracterizó por su
compromiso político y su uso de circuitos alternativos de difusión, en
oposición al cine comercial de Hollywood.
El Nuevo Cine Latinoamericano se destacó por:
• Un enfoque crítico y comprometido con las realidades sociales y
políticas de la región
• El uso de técnicas cinematográficas innovadoras, como el documental
y el cine directo
• La creación de redes de distribución y exhibición alternativas, como
festivales de cine
Dentro del Nuevo Cine Latinoamericano, surgieron movimientos
cinematográficos nacionales como:
• El Cinema Novo en Brasil
• El Grupo Cine Liberación en Argentina
• Los documentales de Jorge Sanjinés en Bolivia, que abordaban
problemáticas indígenas
El Nuevo Cine Latinoamericano tuvo un impacto duradero en la
cinematografía de la región. Estableció una tradición de cine comprometido
socialmente y contribuyó al desarrollo de una identidad cinematográfica
latinoamericana. Muchos de sus directores y películas siguen siendo
influyentes hasta el día de hoy.
PELÍCULAS DE LOS AÑOS 30 HASTA LOS AÑOS 50
(1935-1955)
EUROPA
1935-1945
• La kermesse heroica (1935)
Una película de comedia francesa, dirigida por Jacques Feyder.
Su historia se remonta en 1616, cuando Flandes formaba parte del imperio
español, la ciudad de Boom, Bélgica, en medio de los preparativos para su
carnaval, se entera de que un duque español con su ejército va a pasar la noche
allí. Temiendo que esto resulte inevitablemente en violencia y pillaje, el alcalde,
apoyado por su ayuntamiento, tiene la idea de pretender hacerse los muertos,
para evitar recibir a los soldados. Pero su esposa Cornelia desprecia esta
estrategia y organiza a las otras mujeres para preparar la hospitalidad y
adaptar sus entretenimientos carnavalescos a los españoles (que insisten en
entrar al pueblo de todos modos).
Tal es la calidez de la bienvenida de las mujeres que no sólo los españoles se
abstienen de mal comportamiento, sino que al salir el duque anuncia un año de
remisión de impuestos para la ciudad.
Cornelia permite que su marido tome el mérito su buena fortuna, pero ella ha
entretanto frustrado sus planes para que su hija se case con el carnicero de
la ciudad en vez del joven pintor Brueghel, al que ella ama.
• Les Misérables (1935)
Una adaptación de la novela con el mismo nobre escrita por Victor Hugo,
dirigida por Raymond Bernard.
Nos narran la historia de Jean Valjean, un exconvicto al que encerraron
durante veinte años por robar un pedazo de pan, se convierte en un hombre
ejemplar que lucha contra la miseria y la injusticia y que empeña su vida en
cuidar a la hija de una mujer que ha debido prostituirse para salvar a la niña.
Así, Jean Valjean se ve obligado a cambiar varias veces de nombres, es
apresado, se fuga y reaparece. Al mismo tiempo, debe eludir al comisario
Javert, un policía inflexible que lo persigue convencido de que tiene cuentas
pendientes con la justicia. El enfrentamiento entre ambos se produce durante
las revueltas de 1832 en París, donde, en las barricadas, un grupo de jóvenes
idealistas planta cara al ejército en defensa de la libertad
• Tiempos modernos (1936)
Un largometraje de 1936 escrito y dirigido por Charles Chaplin, que fue también
el actor principal
Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era
víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran depresión, en la
visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la
producción en cadena.
• La carga de la Brigada Ligera (1936)
Un filme de drama bélico británico, dirigido por Michael Curtiz.
Narra sobre la famosa carga de la Brigada Ligera en la Guerra de Crimea
• La gran ilusión (1937)
Película francesa dirigida por Jean Renoir
Narra la historia de un grupo de prisioneros franceses en un campo de
concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial.
• Le jour se lève (1939)
Un drama francés dirigido por Marcel Carné
El trabajador de la fundición François dispara y mata a Valentín. François luego
se encierra en su apartamento, que pronto es asediado por la policía, la cual
fracasa en un intento de abrirse paso a tiros en la habitación. Mientras se
reagrupan para decidir cómo detenerlo, François comienza a recordar, en un
flashback, cómo llegó a estar en esta situación.
• La regla del Juego (1939)
Pelicula de comedia dramatica satírica dirigida por Jena Renoir
La historia se desarrolla principalmente en un castillo a finales de los años
1930. Varias personas de la alta burguesía y sus sirvientes se reúnen un fin de
semana por diversos motivos. Intrigas galantes, un asesinato, ... Todo se
desarrolla siguiendo las más bajas pasiones, pero sin perder la más estricta
cortesía, es decir, respetando «la regla del juego»
• El gran dictador (1940)
Pelicula de Charles Chaplin estrenada en Reino Unido, y EE. UU
La obra es una feroz y controvertida5 condena del nazismo, del fascismo, del
antisemitismo y de las dictaduras del alemán Adolf Hitler, el italiano Benito
Mussolini, asi como las dictaduras en general.
• El Gran amor (1942)
Película dramática alemana de 1942 dirigida por Rolf Hansen
Narra la intensa historia de amor entre una famosa cantante y un piloto
durante la Segunda Guerra Mundial. A través de sus desafíos y separaciones,
la película explora temas de amor, sacrificio y esperanza en tiempos de guerra.
• Roma, ciudad abierta (1945)
Película italiana dirigida por Roberto Rossellini
se desarrolla en Roma, durante la ocupación nazi, entre 1943 y 1944. Se inspira
en la historia verídica del sacerdote y partisano Giuseppe Morosini, torturado
y fusilado en 1944 por los nazis por ayudar a la resistencia.
En la Roma de 1943 y 1944, se entretejen las historias de varias personas
relacionadas con la Resistencia. Durante la ocupación, el padre Pietro protege
a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi.
Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la
resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el
camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora
ante los ojos de su hijo. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -
este traicionado por su examante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere
por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre
de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo
fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra
el hijo huérfano de Pina.
1948-1949
• Ladrón de Bicicletas (1948)
Drama Italiano dirigida por Vittorio de Sica. Se considera como una de las
películas emblemáticas del neorrealismo italiano.
Basada en la novela homónima escrita por Luigi Bartolini en 1945, El ladrón de
bicicletas fue adaptada a la gran pantalla por Cesare Zavattini junto al director,
y cuenta los acontecimientos de un trabajador que sufre el robo de su bicicleta,
y por extensión su herramienta de trabajo en momentos de una aguda crisis
económica.
• El Tercer Hombre (1949)
Película británica de cine negro, dirigida por Carol Reed.
Un mediocre escritor de novelas del Oeste visita la capital austriaca poco
tiempo después de la II Guerra Mundial. Con la ciudad todavía dividida en
cuatro, Holly Martins visita a su amigo de la infancia, Harry Lime, que le ha
prometido trabajo. Sin embargo, nada más llegar a Viena, Lime muere
atropellado, pero todo indica que se trata de un asesinato, ya que éste estaba
implicado en el mercado negro.
1950-1955
Durante esta década, el Neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague
francesa se consolidaron como movimientos cinematográficos
destacados:
• Crónica de un amor (1950)
Es una película dramática italiana, dirigida por Michelangelo Antonioni.
Cuenta la historia de dos enamorados separados por barreras sociales y
económicas luchan para crear un amor sin engaños ni infidelidad.
Sin embargo, el hombre se da cuenta de que la solución que han encontrado
juntos contrasta con sus principios y la pureza de sus sentimientos.
• Stromboli (1950)
Película italiana de 1950 dirigida por Roberto Rossellini y con Ingrid Bergman
como actriz principal. Es considerada como un ejemplo clásico del
neorrealismo italiano.
Karen es una joven centroeuropea que, para escapar de un campo de
refugiados, se casa con Antonio, un pescador italiano. Él la lleva a vivir a su
lugar de origen, Stromboli, una isla volcánica situada en el mar Tirreno. Allí,
Karen se sentirá aún más prisionera y fuera de lugar que antes, debido al
inhóspito paisaje y a la hostilidad de sus habitantes.
• Milagro de milán (1951)
Es una película de fantasía italiana dirigida por Vittorio de Sica y considerada
una de las películas emblemáticas del neorrealismo italiano junto a sus
precursoras Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas) y Umberto D.
La anciana Lolotta encuentra a un bebé recién nacido abandonado en su jardín.
Cría al bebé como si fuera su propio hijo y lo llama Totó. Tras la muerte de su
madre adoptiva, el niño se ve obligado a vivir en la calle.
• Juegos Prohibidos (1952)
Película francesa dirigida por René Clément. La obra está basada en la novela
homónima de François Boyer
Paulette, una niña parisina de cinco años, se queda huérfana tras un ataque de
la aviación alemana. Escapando del caos, encuentra refugio en el seno de una
humilde familia de granjeros y se hace amiga del pequeño de la casa, Michel.
• Rififí (1955)
Es una película policiaca, francesa de 1955 dirigida por Jules Dassin
Tras pasar cinco años en prisión, «Tony le Stéphanois» sale de prisión con la
idea de reformarse. Pronto cae nuevamente en la mala senda, al conocer la
noticia de que su antigua novia se ha convertido en la amante de un gánster.
Desesperado y sin dinero, acepta participar en un atraco. Junto con antiguos
compañeros de atracos organiza el robo a una importante joyería en plena
ciudad de la luz.
EE. UU
Gran parte de estas películas están mayormente basadas en libro, novelas.
1935-1940
• Mutiny on the Bounty (1935)
Película basada en la novela homónima de Charles Nordhoff y James Norman
Hall. Fue dirigida por Frank Lloyd
Narra la historia de un tiránico capitán de barco decide vengarse de su
tripulación después de que formen un motín contra él, pero el marinero al que
apunta no tuvo nada que ver.
• El capitán Blood (1935)
Basada en la novela homónima de Rafael Sabatini, dirigida por Michael Curtiz
En la Inglaterra, siglo XVII. Bajo el reinado de Jacobo I, primer monarca de la
dinastía de los Estuardo, son constantes los enfrentamientos entre la Corona
y el Parlamento. El doctor Peter Blood, un hombre entregado a sus pacientes,
vive al margen de los problemas políticos. Pero su actitud cambia cuando,
injustamente acusado de traición, es enviado como esclavo a las Indias
Occidentales. Dotado de una gran habilidad y astucia, consigue escapar y se
convierte en el temible pirata Capitán Blood.
• El gran Ziegfeld (1936)
Una película musical de producida por Metro-Goldwyn-Mayer y dirigida por
Robert Z. Leonard.
Se trata de una biografía ficticia de Florenz Ziegfeld desde sus inicios hasta su
muerte. El filme incluye una música original de Walter Donaldson y Irving Berlin.
• The Devil-Doll (1936)
Es una película de Estados Unidos basada en la novela ''Burn, Witch, Burn'' del
autor Abraham Merritdirigida por Tod Browning
la hiatoria trata de Paul Lavond, un respetado banquero de París, es víctima de
una trampa preparada por sus socios. Incriminado por robo y asesinato, es
enviado a la prisión de la Isla del Diablo. Años después, se escapa de la Isla con
un compañero de la cárcel, un científico que había estado trabajando junto a
su mujer en un experimento, un método para reducir humanos.
• The Awful Truth (1937)
Dirigida por Leo McCarey, basada en la obra de teatro homónima de Arthur
Richman.
Jerry y Lucy Warriner están a punto de divorciarse y luchan por la custodia de
su perro, Mr. Smith. Antes de que el divorcio se haga oficial, Jerry decide volver
con Lucy, pero se entera de que ella va a casarse con un hombre que se ha
hecho rico gracias al petróleo. Jerry contraataca anunciando su compromiso
con la aristocrática Barbara Vance.
• The Adventures of Robin Hood (1938)
Dirigida por Michael Curtiz y William Keighley y escrita por Norman Reilly Raine
y Seton I. Miller, basada en la leyenda de Robin Hood.
Robin de Locksey regresa a Inglaterra tras combatir contra los infieles en las
Cruzadas, pero Juan sin Tierra, el hermano del Rey Ricardo I, ha usurpado el
trono y gobierna como un tirano, por lo que el noble sajón decide refugiarse
en el bosque de Sherwood y luchar contra él para devolverle la corona a
Ricardo.
• Gone with the wind (1939)
Es una película de los géneros épico, histórico y romántico, es la adaptación
de la novela homónima de 1936 de Margaret Mitchell, producida por David O.
Selznick y dirigida por Victor Fleming.
Es Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O'Hara,
la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor
de Ashley, pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie.
En la última fiesta antes del estallido de la Guerra, Scarlett conoce al cínico y
apuesto Rhett Butler, un vividor arrogante y aventurero, que no tiene ninguna
intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico
y conquistar a Scarlett.
• The Philadelphia Story (1940)
Basada en la obra teatral del mismo título escrita por Philip Barry dirigida
por George Cukor
La mansión de los Lord se prepara para celebrar la segunda boda de Tracy
Lord con el rico George Kittredge. Para inmortalizar los festejos una pareja de
periodistas, Macauley Connor y Elizabeth Imbrie, son invitados especialmente
por C.K. Dexter Haven, el primer marido de Tracy.
1941- 1949
• Citizen Kane (1941)
Es una película dramática, dirigida, producida y protagonizada por Orson
Welles; escrita por este y Herman J. Mankiewicz. Es considerada como una de
las obras maestras de toda la historia del cine, siendo particularmente alabada
por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa.
Un periodista se obsesiona con comprender el significado de la última palabra
que Charles Foster Kane dijo antes de morir: rosebud. Para descubrir el
misterio investiga a varias personas del pasado del magnate.
• Casabalnca (1942)
Película de drama y romance, dirigida por Michael Curtiz
Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control
del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody Comes
to Rick’s, de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey
Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo
se centra en el conflicto de Rick y el amor y la virtud: Rick deberá escoger
entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar
de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que
éste pueda continuar su lucha contra los nazis.
• For whom the bell tolls The movie (1943)
Película dirigida por Sam Woo, basada en la obra homónima de Ernest
Hemingway que se desarrolla durante el transcurso de la guerra civil española.
Cuenta la historia del estadounidense Robert Jordan, apodado El inglés, que
lucha en la guerra Civil Española (1936-1939) dentro de la Brigada Lincoln, es
un experto en acciones especiales detrás de las líneas enemigas. En vísperas
de una gran ofensiva, el mando republicano le encarga la destrucción de un
puente. María, una joven salvada del pelotón de ejecución, y Pilar, la esposa de
Pablo, un hombre rudo y testarudo, participarán en la operación y mantendrán
el espíritu de lucha hasta el final de la contienda.
• Double Indemnity (1944)
Película cine negro, dirigida por Billy Wilder
Historia de la angustia de una mujer que convence a su amante para que
asesine a su marido para cobrar el seguro, pero aun así las cosas no salen
como estaban previstas.
• The Lost Weekend (1945)
Película basada en una novela del mismo nombre de Charles R. Jackson
publicada en 1944, dirigida por Billy Wilder y producida por Charles Brackett.
Habla de un escritor alcohólico que se enfrenta a una batalla perdida en contra
de su vicio.
• The best years of our lives (1946)
Basada en la novela de 1945 Glory for Me, de MacKinlay Kantor.dirigida por
William Wyler
Tres soldados regresan a sus hogares en los Estados Unidos tras combatir en
la Segunda Guerra Mundial. Cada uno se encuentra, a su manera, con
dificultades para adaptarse a la vida normal después de una experiencia tan
traumática en el frente. Aunque al principio se les trata como héroes, poco
tiempo después comienzan a verse marginados.
• The Ghost and Mrs. Muir (1947)
Basa en una en la novela del mismo nombre de la escritora R. A. Dick
(Josephine Leslie), esta película de romance dirigida por Joseph L. Mankiewicz
Narra la historia de Lucy Muir es una joven y bella viuda que abandona la casa
de sus suegros y se muda con su hija a una pequeña casa junto al mar. Se
rumorea que la casa está encantada y, en efecto, Lucy no tarda en conocer al
fantasma del capitán Gregg, el anterior dueño de la casa. Al principio, el capitán
utiliza los mismos trucos que le sirvieron para librarse de los otros inquilinos,
pero no funcionarán con Lucy.
• The treasure of the Sierra Madre (1948)
Escrita y dirigida por John Huston basada en la novela de 1927 del mismo
nombre, escrita por B. Traven. Fue una de las primeras películas de Hollywood
en filmarse en localización fuera de los Estados Unidos específicamente México
La historia de Fred C. Dobbs, el cual decide ir a Tampico en busca de oro con
la intención de dejar atrás la miseria. Emprende el viaje en compañía de otros
dos vagabundos (Walter Huston y Tim Holt), pero la codicia y la envidia que
surge entre ellos les creará poco a poco más problemas que cualquier otra
dificultad del camino.
• The heiress (1949) Dirigida por William Wyler.
El guion es obra de Ruth y Augustus Goetz, que ya habían hecho la adaptación
teatral de la novela corta de Henry James Washington Square.
Ambientada en el Año 1849, en Nueva York. Catherine Sloper, una rica heredera,
tímida, inocente, poco agraciada y no muy joven, es pretendida por un apuesto
joven. Ella se enamora de él apasionadamente, pero su cruel y despótico padre
se opone a la boda y amenaza con desheredarla.
1950-1955
• The Caine Mutiny (1950)
Producida por Stanley Kramer, dirigida por Edward Dmytryk, basado en la
novela homónima de Herman Wouk.
Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, la película relata el
desencadenamiento de un motín en un buque de la Armada de los Estados
Unidos, el USS Caine, y el consecuente consejo de guerra al que se somete a
dos oficiales del mismo.
• An American in Paris (1951)
Película musical, basada en la obra homónima de George Gershwi, dirigida por
Vincente Minnelli
La historia se desenvuelve Terminando la Segunda Guerra Mundial, Jerry
Mulligan, un pintor americano, se queda en París y expone sus cuadros, que
nadie compra, en Montparnasse. Un día tiene la suerte de conocer a una
americana millonaria que decide promocionarlo. Al mismo tiempo, conoce a
una dependienta y se enamora de ella.
• The African Queen (1952)
Es una película anglo-estadounidense de género de aventuras dirigida por John
Huston, basada en la novela homónima de 1935 escrita por C. S. Forester.
Narra la historia de una imperativa mujer misionera consigue que un capitán
de barco, amante de la ginebra, luche contra los alemanes en el Congo durante
la Primera Guerrra Mundial.
• From Here to Eternity (1953)
Dirigida por Fred Zinnemann, basada en la novela homónima de 1951 escrita por
James Jones.
Corre el año 1941 y Robert Prewitt es un soldado del ejército estadounidense
recién llegado a Hawái con un pasado que le atormenta. El capitán de su nuevo
destino sabe que Prewitt es un antiguo boxeador y quiere que pelee para el
equipo de su unidad.
• On the Waterfront (1954)
Dirigida por Elia Kazan y con guion escrito por Budd Schulberg, inspirado en
una serie de artículos publicados por el New York Sun durante noviembre y
diciembre de 1948
La trama se centra en la violencia sindical y la corrupción entre los
estibadores, al tiempo que detalla la corrupción generalizada, la extorsión y el
crimen organizado en el frente marítimo de Hoboken, Nueva Jersey.
• Rebel Without a Cause (1955)
Adaptación del libro Rebel Without A Cause: The Hypnoanalysis of a Criminal
Psychopathdirigida por Nicholas Ray de 1944 del psiquiatra Robert M. Lindner,
dirigida por Nicholas Ray
La obra cuenta la historia de un adolescente rebelde, recién llegado a Los
Ángeles. Allí conoce a una chica, desobedece a sus padres y desafía a los
líderes de la pandilla del instituto local.
LATINO AMERICA
A pesar de que el cine en América Latina, no estaba muy desarrollada, hubo
varios filmes en donde destacaron y que quedaron marcados en el
pensamiento cinematográfico.
• La virgencita de Pompeya (1935)
La virgencita de Pompeya es una película argentina en blanco y negro dirigida
por Enrique Cadícamo sobre su propio guion escrito en colaboración con
Enrique Pedro Maroni
La disyuntiva de una joven entre el anciano que la protege y el muchacho que
la ama.
• La familia Dressel (1935)
Es una película mexicana dramática de 1935, escrita y dirigida por Fernando
de Fuentes
• Allá en el Rancho Grande (1936)
Es una película de drama romántico mexicana de 1936, dirigida por Fernando
de Fuentes. Está cinta es considerada como la iniciadora de la Época de Oro
del cine mexicano,1 así como la película que inició el género cinematográfico
de comedia ranchera.
narra la historia de la amistad entre el hacendado Felipe y su caporal Martín
se ve amenazada por una serie de enredos y malentendidos alrededor de la
virginidad de Crucita, una joven campesina de la que Martín está enamorado.
Las equivocaciones se van resolviendo entre coplas, bailes y canciones.
• La hechizada (1950)
Pelicula de drma chileno escrita y dirijida por Alejo Álvarez
Trata de la vida de Euríspides Chamorro (Eugenio Retes), quien ha hecho de
todo en un circo, de boletero a payaso, para pagarle los estudios de medicina
a su hijo Fernando (Pepe Guixé). De pronto recibe un telegrama informándole
que su hijo había concluido la carrera. Orgulloso del triunfo de su hijo, parte a
Santiago a buscarlo, pero sufre una gran decepción al ver que se había
retirado de la carrera hace años y pasaba las noches en una boite de la capital,
además de que el telegrama había sido invento de uno de sus empleados para
quitarle el circo. Pese a los embates, solo piensa en salir adelante nuevamente
y recuperar el circo, realizando diversos trabajos, con dispares resultados.
Eso sí, siempre representando el carisma y humor chileno, al amenizar con
chistes, además de muy bien logradas escenas musicales.
• Confesión al amanecer (1954)
Pelicula de drama chileno dirigido por Pierre Chenal
Basado en las leyendas chilenas “Las tres pascualas”, “La venta del diablo” y
“El Caleuche” (o “La desconocida”). Es un film episódico en que los tres relatos
de unen a través de “confesiones al amanecer”. El primero de ellos, “Las tres
pascualas”, cuenta la historia de tres hermanas que viven a orillas de un lago
junto a su padre inválido que se enamoran de un joven extranjero quien se
burla de ellas. El segundo “La veta del diablo”, muestra a un joven ingeniero
que encuentra la desgracia en una mina de oro. “El caleuche” es la historia de
un pescador que se enamora de una misteriosa muchacha que se supone sería
tripulante del mítico barco fantasma.
• El gran circo Chamorro (1955)
El gran circo Chamorro es una película cómico-dramática chilena, escrita por
Eugenio Retes y dirigida por José Bohr
Trata de la vida de Euríspides Chamorro, quien ha hecho de todo en un circo,
de boletero a payaso, para pagarle los estudios de medicina a su hijo Fernando.
De pronto recibe un telegrama informándole que su hijo había concluido la
carrera. Orgulloso del triunfo de su hijo, parte a Santiago a buscarlo, pero
sufre una gran decepción al ver que se había retirado de la carrera hace años
y pasaba las noches en una boite de la capital, además de que el telegrama
había sido invento de uno de sus empleados para quitarle el circo. Pese a los
embates, solo piensa en salir adelante nuevamente y recuperar el circo,
realizando diversos trabajos, con dispares resultados. Eso sí, siempre
representando el carisma y humor chileno, al amenizar con chistes, además
de muy bien logradas escenas musicales.
