EVOLUCIÓN DEL DISEÑO GRÁFICO
Inicios del diseño gráfico
ARTS & CRAFTS
Arts & Crafts es un movimiento artístico que surge en las últimas décadas del siglo XIX.
Argumenta que la base verdadera del arte reside en la artesanía, rechazando la
industrialización y producción en serie.
Algunas de las ideas más destacadas del Arts & Crafts:
★ Rechazo de la separación entre arte y artesanía; el diseño de los objetos es
considerado una necesidad funcional y moral.
★ Rechazo de los métodos industriales que separan al trabajador de la obra.
★ Propuesta de un regreso al medievalismo.
★ Proponen la arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.
★ Proponen la agrupación de artesanos en talleres y gremios.
★ Creen en el trabajo bien hecho y satisfactorio.
ART NOUVEAU / MODERNISMO
Nació con la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Predominaba la
inspiración en la naturaleza, creando líneas onduladas y curvas y tipografías más orgánicas. El
Art Nouveau es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de
estilos anteriores.
La calidad visual que identifica al Art Nouveau es una línea orgánica en forma de planta. Con
innovación, se convirtió en la fase inicial del movimiento moderno.
Los diseñadores gráficos e ilustradores intentaron hacer del arte una parte de la vida cotidiana.
Boom del cartel publicitario
A diferencia de las épocas anteriores, donde el texto tenía más peso e importancia, ahora la
imagen pasa a ser el elemento más importante. Y en muchas ocasiones el producto apenas se
muestra, más bien se sugiere. Esto significó un paso de gigante en la creatividad publicitaria.
La cartelera publicitaria, tal y como la conocemos ahora, nació de la mano de estos
diseñadores y artistas.
CONSTRUCTIVISMO
1917, en Rusia se establece la necesidad de generar un arte propio del nuevo Gobierno. La idea
principal es desechar cualquier elemento que pueda estar relacionado con lo decorativo. Los
diseñadores optaron por centrarse en el mensaje principal, las líneas limpias y una paleta
cromática básica.
Las características principales del diseño constructivista son las siguientes:
★ Origen cubista que da prioridad a la línea recta y a los ángulos marcados.
★ Colores reducidos: saturados como el negro, el rojo o el blanco, o primarios.
★ La letra y el mensaje escrito está muy presente, y crea un subtexto fundamental.
★ La tipografía es sencilla para transmitir un mensaje directo.
★ Por primera vez, se utiliza el “collage”.
★ Los contrastes son fuertes, crean imágenes imposibles pero con un sentido claro para
el público.
★ Tiende a la creación de diseños esquemáticos.
★ El constructivismo suele tener un fin político.
★ Inclusión de figuras geométricas puras.
BAUHAUS
Fue una importantísima escuela que combinaba diseño, arte y arquitectura. Influenciados
también por el constructivismo, estudiaban la forma, la importancia del color en el diseño, los
materiales, la composición o el espacio e intentó aportar valor estético al producto industrial
para su resurgimiento después del conflicto.
La Bauhaus desarrolló principios fáciles de comprender: se establecía una jerarquía tipográfica
y se utilizaban líneas gruesas, barras, cuadrados y puntos para dividir el espacio y unir
diferentes elementos, atrayendo así la mirada del espectador.
La geometría era protagonista en estas obras, así como las formas anti ornamentales y
minimalistas que resaltaban sobre un fondo blanco. Era una combinación entre arte y diseño
industrial.
El gran lema de esta escuela era: la forma sigue a la función.
ART DECO
El estilo modernista empezó a sustituirse por trazos más simples y rectilíneos, más en armonía
con la estética plana. El Art Deco buscaba reflejar elegancia, sofisticación y riqueza.
Las influencias provienen de diferentes vanguardias europeas:
★ Del Fauvismo recoge el color
★ Del Cubismo las formas geométricas
★ Del Racionalismo de la Bauhaus recogen los fondos blancos
★ Del Modernismo la elegancia
★ Del Constructivismo coge las líneas duras y solidez de las formas, así como la
aparición de elementos monumentales
ESTILO SUIZO
Los diseñadores definían el diseño como una actividad socialmente útil e importante, y dejaban
de lado la expresión artística y personal buscando una solución más científica y universal.
Principales características:
★ La información se presentaba con claridad, simplicidad y legibilidad
★ Hay asimetría, pero dentro de una retícula tipográfica y una cuadrícula matemática.
★ Utilización de tipografías de san serif.
★ Justificación del texto a la izquierda.
★ Usaban la fotografía, pero sobre todo tipografía, ilustraciones o formas.
★ Utilización austera del color.
Introdujeron una nueva forma de entender la tipografía, dejando atrás el recargamiento y
clasicismo de las tipografías anteriores para pasar a utilizar exclusivamente las nuevas
tipografías Sans Serif.
EXPRESIONISMO GRÁFICO ESTADOUNIDENSE
El diseño estadounidense era pragmático, intuitivo y más informal en su enfoque para organizar
el espacio, a diferencia del europeo que era teórico y sumamente estructurado. La novedad de
la técnica y la originalidad del concepto eran muy apreciadas y los diseñadores buscaron
resolver los problemas de la comunicación a la vez que satisfacer una necesidad de expresión
personal.
Aportaciones de la escuela de Nueva York al diseño gráfico:
➔ Aporto nuevas formas y conceptos
➔ Un estilo más intuitivo e informal
➔ Redujo la complejidad visual
➔ Consiguió la inmediatez en la comunicación
➔ Definió el diseño como la integración de formas y funciones
➔ Experimentación con el diseño, impresión, composición, tipografía…
➔ Se convierte la revista en un medio más visual
➔ Uso del espacio en blanco para conseguir la atención del lector.
➔ El diseño para dar forma a una idea o mensaje.
POP ART
A pesar de ser una corriente artística, fue un movimiento muy influyente en el diseño gráfico.
Mostraba escenas comunes y episodios cotidianos de la vida, tuvo un auge publicitario muy
extendido.
Fue un movimiento revolucionario que expresaba la realidad de la época. Una crítica a la
realidad que se estaba viviendo en ese momento y a la sociedad consumista.
Las características de esta tendencia eran:
★ Colores brillantes o saturados y bastante llamativos
★ Humor y frivolidad
★ Objetos cotidianos y populares descontextualizados
★ Uso de imágenes icónicas
★ Sensación de comic
★ Técnicas de yuxtaposición y collage
POSMODERNISMO
El diseño no tiene que ser funcional, sino visual (a diferencia de la Bauhaus). Manda la intuición,
la espontaneidad, la imagen ambigua, el caos y el desorden visual. El observador tiene que
interpretar el mensaje. Se usa a la vez el collage, tipografía en grande y texto en varias fuentes
y direcciones, etc.
DISEÑO DIGITAL
1984 fue el año que cambiaría para siempre los paradigmas del diseño. Apple y su Macintosh
vinieron a marcar el antes y el después con un sinfín de herramientas que conjugaban diversos
estilos, formatos y nuevas tendencias, como el minimalismo o el diseño 3D, entre otros, lo que
ha permitido la evolución del diseño gráfico de forma constante.
