PROCESOS DEL DIBUJO ARTÍSTICO PARA LA REPRESENTACIÓN E INTERPRETACIÓN
DE LA REALIDAD O LA IMAGINACIÓN
INTRA-INTERCULTURAL
1 Objetivo general
¿Qué es ?
El dibujo artístico es una de las primeras formas del arte a las que puede acceder el ser
humano para expresarse aún de manera inconsciente.
¿Cómo es el proceso?
Se planteo la siguiente metodología con los siguientes pasos:
1) dibujar sin consigna.
2) analizar.
3) volver a dibujar.
4) evaluar.
5) transferir conceptos.
¿Para qué sirve?
Definiendo el dibujo artístico
Cada una de las técnicas que se emplean en el dibujo artístico busca representar los conceptos
y la realidad de manera tanto objetiva como subjetiva. Es decir que podemos definirlo como un
lenguaje, porque permite la comunicación y la expresión del ser humano, sus ideas y
sentimientos.
[Link]ó teórico
El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que
represente un objeto real, como forma de expresión gráfica. Desde la Prehistoria ha funcionado
como lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información, sean
ideas, descripciones o sentimientos.
En el proceso de dibujo de un objeto, y según van surgiendo las ideas, es fundamental ir
trasladando los frutos de nuestra imaginación a formas cada vez más concretas, claras y
elaboradas. Para eso, el dibujo técnico resulta de gran utilidad.
– Dibujo- en primer lugar, deriva del verbo francés “déboissier”, que puede traducirse como
“dibujar”.
– Artístico-, en segundo lugar, emana del latín ya que es fruto de la suma de tres componentes
de dicha lengua: el sustantivo “ars, artis”, que significa “arte”, y el sufijo “-ico”, que se utiliza
para indicar “relativo a”.
En este artículo te contamos todo lo que tenés que saber sobre el dibujo artístico, sus
principales procedimientos y cualidades.
El dibujo artístico es una técnica de representación gráfica bidimensional de aquello que el ojo
humano percibe de forma tridimensional. Esta técnica permite representar, mediante la línea,
tanto la forma como el volúmen de los objetos
El dibujo artístico se realiza a partir de diferentes técnicas gráficas sobre un soporte
bidimensional. Cada una de las técnicas que se emplean en el dibujo artístico busca
representar los conceptos y la realidad de manera tanto objetiva como subjetiva. Es decir que
podemos definirlo como un lenguaje, porque permite la comunicación y la expresión del ser
humano, sus ideas y sentimientos.
Resumiendo, el dibujo artístico es el lenguaje de las formas, supera las barreras idiomáticas y
sirve para expresar de manera visual las ideas.
Para realizar un dibujo artístico es importante profundizar en el concepto y la representación de
las formas complejas. A su vez, requiere dominar con soltura ciertos materiales y técnicas a fin
de lograr la interpretación adecuada de las formas.
La práctica del dibujo artístico requiere no sólo tener conocimientos técnicos como los
principios básicos del signo visual y de la forma, sino también la capacidad de análisis,
observación e intelectualización de los objetos.
Cualidades del dibujo artístico
El dibujo artístico tiene la propiedad de transformar un pensamiento o idea en una forma visual.
Pero para ello, como ya mencionamos en los párrafos anteriores, se requiere una base de
conocimientos técnicos y el dominio de recursos, materiales, herramientas y técnicas gráficas.
Otra de las cualidades del dibujo artístico es que incluye una profunda intelectualización de los
objetos que se perciben visualmente, con el objetivo de sintetizarlos en una representación
objetiva. El producto final se obtiene a partir de la observación, la intelectualización y una
metodología de trabajo ordenada y racional.
● Dibujante: Es aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o
sentimiento surgido de la subjetividad del autor.
● Dibujo: Es una representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina.
● Dibujo lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas
técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un
delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo
lineal podría ser muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen.
● Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con
palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de
papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan
la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue
trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar
tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se
pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos.
No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante
perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo
se consigue con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos se dividen en dos grupos: aquellos que
solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de
observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su
capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano
para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como el de
los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que
crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso
artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y
señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados
al dibujo del retrato y paisajista.
Entre los elementos básicos de un dibujante artístico pueden citarse los que componen el
siguiente proceso:
[Link]. Es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se
va a dibujar. Es útil cuando se dibujan en exteriores o figuras en movimiento.
[Link]. Es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre,
la composición, qué elementos se incluyen…
[Link]. Son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran
después) que sirven como base del dibujo.
4.Línea. Es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.
[Link]ón. Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras.
Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.
[Link]. Un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo
que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas:
acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador ... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura
(apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica,)[4]
[Link]. Los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con
pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un
programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden
eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.
[Link] a mano alzada. Es decir, realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros,
exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo, de
los que ya fueron maestros Leonardo da Vinci o Alberto Durero, o en épocas más recientes,
Wilhelm Filchner o Julio Caro Baroja.
[Link]ón. La proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto
representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico
al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de esta manera
se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría; esto es muy
útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele
"engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada
puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren
errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto
se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para
que podamos relacionar todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una
representación correcta. Otras formas de evaluar es colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por
el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco más abajo para cambiar la perspectiva al mirarla.
La historia de la pintura ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico paralelo en gran medida
al resto de las artes plásticas, si bien con diversas particularidades en el tiempo y el espacio
debidas a numerosos factores, desde los derivados de las diversas técnicas y materiales
empleados en su confección hasta factores socio-culturales y estéticos, ya que cada pueblo y
cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos de plasmar la imagen que
recibe del mundo circundante.
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de
color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural
(fresco, temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su
género (retrato, paisaje, bodegón, etc). La pintura ha sido durante siglos el principal medio para
documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas
que se han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.
La clasificación de la pintura como arte ha variado a lo largo del tiempo: en la antigüedad era
considerada un mero oficio artesanal, mientras que se consideraban actividades artísticas las
relacionadas con el intelecto. Galeno dividió en el siglo ii el arte en artes liberales y artes
vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual: entre las liberales se encontraban la
gramática, la retórica y la dialéctica —que formaban el trivium—, y la aritmética, la geometría, la
astronomía y la música —que formaban el quadrivium—; las vulgares incluían la arquitectura, la
escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy se consideran artesanía.[1]No
fue hasta el siglo xvi que empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura
eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción
intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto
moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del
diseño), por cuanto comprendían que esta actividad —el diseñar— era la principal en la
génesis de las obras de arte.[2]Por último, en 1746, Charles Batteux estableció en Las bellas
artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, concepto que hizo
fortuna y ha llegado hasta la actualidad.[3]
En la historia de la pintura es primordial el estudio de los estilos artísticos: cada periodo
histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras regiones y
culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los
tiempos. De ahí surgen los diversos estilos, que pueden tener un origen geográfico o temporal,
o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas
formas artísticas claramente definitorias. Actualmente se entiende como estilo aquella cualidad
que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del
artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos
puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente.[4]
También cabe tener en consideración para el estudio histórico de la pintura su clasificación en
diversos géneros: un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir
las diversas artes. En la actualidad se consideran como principales géneros pictóricos: retrato y
autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura de mitología, pintura de
historia, pintura religiosa y pintura de género.[5]
Por último, cabe tener en cuenta los distintos procedimientos técnicos empleados en pintura:
acrílico, técnica pictórica donde al colorante se le añade un aglutinante plástico; acuarela,
técnica realizada con pigmentos transparentes diluidos en agua, con aglutinantes como la
goma arábiga o la miel, usando como blanco el del propio papel; aguada o gouache, técnica
similar a la acuarela, con colores más espesos y diluidos en agua o cola mezclada con miel;
fresco, realizado sobre un muro revocado de cal húmeda y con colores diluidos en agua de cal;
miniatura, decoración de manuscritos con láminas de oro y plata, y pigmentos de colores
aglutinados con cola, huevo o goma arábiga; óleo, técnica que consiste en disolver los colores
en un aglutinante de tipo oleoso (aceite de linaza, nuez, almendra o avellana; aceites
animales), añadiendo aguarrás para que seque mejor; pastel, lápiz de pigmento de diversos
colores minerales, con aglutinantes (caolín, yeso, goma arábiga, látex de higo, cola de
pescado, azúcar candi, etc.), amasado con cera y jabón de Marsella y cortado en forma de
barritas; temple, pintura realizada con colores diluidos en agua temperada o engrosada con
aglutinantes con base de cola (yema de huevo, caseína, cola de higuera, cerezo o ciruelo).
[Link] o metodológica
El teatro se trata de dos personas que una está dibujando un dibujo muy hermoso y el otro un
dibujo que no era bonito pero el que no dibujaba bonito presumía al otro diciéndole que su
dibujo era hermoso y que él iría a Los récords mundiales del mejor pintor, por otro lado el que sí
dibujaba bonito Solamente le decía no presumas algo que tú puedes hacer porque hay
diferentes formas de pensar y hay diferentes formas de hacer las cosas para cualquier persona,
Mientras tanto el otro seguía presumiendo sin escuchar lo que dijo el otro pintor. Pero de una
sorpresa vinieron Los Embajadores y vieron las obras de Artes que habían hecho los dos
pintores ,al pintor que presumía mucho le dijeron que su dibujo no era bueno y al otro pintor lo
aceptaron y le dijeron que su dibujo era hermoso, desde ahí aprendió el otro pintor que no debe
presumir.
[Link]
● Papelógrafos.
● Maqueta.
[Link]
¿Cómo influye la realización de dibujo en la expresión de los sentimientos y emociones
de las personas para mejorar su salud física y mental?
Dibujar es una actividad que favorece la comunicación interpersonal, ayuda a la exteriorización
de emociones y fomenta la creatividad. Ya desde una edad muy temprana las personas
comienzan a realizar primitivos garabatos como forma de expresión, antes incluso de la
aparición del lenguaje.
¿Qué importancia tiene el dibujo tanto a nivel estético como técnico en el entorno
social?
El dibujo es, además, comprendido como una de las formas más estimulantes y útiles para el
desarrollo de capacidades tales como la creatividad, la originalidad, el estilo personal, la
formación de la libertad y de una mejor calidad de vida relacionada con el autoestima ya desde
niños.
¿Como el arte nos ayuda a expresar nuestras emociones y sentimientos?
El arte es una herramienta para poder expresar de forma libre y creativa las emociones.
Permite conectarnos con nuestro interior y así sentir, escuchar y conocer nuestras
emociones.
¿Qué emociones y sentimientos nos genera el observar la obra artistica?
El arte fomenta las reacciones emocionales en las personas que disfrutan de él. Del
mismo modo también favorece el desarrollo de la imaginación y en relación a esto, la
capacidad de reflexión y de comunicación, así como la creatividad.
¿Cómo se puede promover la educación artística en la escuela?
Fortalecimiento de la Educación Artística
● Fortalecimiento del currículum en artes a través de la entrega de equipamiento
artístico a establecimientos educacionales públicos. ...
● Talleres artísticos Mineduc para fortalecimiento de la formación integral de los
estudiantes. ...
● Formación docente. ...
● Redes colaborativas.
6. Recomendaciones 3
¿Cuál es la importancia del dibujo artístico?
El dibujo artístico es una de las primeras formas del arte a las que puede acceder el ser
humano para expresarse aún de manera inconsciente. Así, desde niños se nos
incentiva a dibujar y a practicar nuestra expresividad a través del dibujo.
¿Cómo podemos entender el dibujo artístico?
El dibujo artístico se caracteriza por mostrar de forma gráfica, todo lo que no se puede
expresar en palabras, es una disciplina que se basa en el trazado y delineado de
figuras y/o formas que expresan de manera visual, las ideas y sentimientos del artista.
¿Qué finalidad tiene el dibujo?
El dibujo sirve como una herramienta para la representación de objetos reales o ideas
que, a veces, no es posible expresar fielmente con palabras (o único medio de
expresión ante la carencia de escritura). Los primeros dibujos conocidos se remontan a
la prehistoria, teniendo 73 000 años la primera muestra.
[Link]ía
La historia del arte es el relato de la evolución del arte a través del tiempo, entendido
como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética
o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una
visión del mundo, empleando diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos,
sonoros o mixtos.
Se denomina así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas
con la invención de la escritura, destacando las grandes civilizaciones del Próximo
Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones
artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta
época aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas
delimitadas por grandes ríos: el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el río Amarillo.
Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura, generada
en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. El
primer código escrito fue la escritura cuneiforme, surgida en Mesopotamia alrededor del
3500 a. C., practicada en tablillas de arcilla. Estaba basada en elementos pictográficos
e ideográficos, mientras que más adelante los sumerios desarrollaron un anexo silábico
para su escritura, reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. En
Egipto se desarrolló la escritura jeroglífica, con una primera muestra en la Paleta de
Narmer (3100 a. C.). La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como
método de escritura el alfabeto (abyad, alrededor del 1800 a. C.), que relaciona un
único símbolo a cada fonema; de aquí derivan los alfabetos griego y latino.
El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y
Éufrates (actuales Siria e Irak), donde desde el iv milenio a. C. se sucedieron diversas
culturas como los sumerios, acadios, amorritas, asirios, caldeos, etc. La arquitectura se
caracteriza por el empleo del ladrillo, con un sistema adintelado y la introducción de
elementos constructivos como el arco y la bóveda. Destacan los zigurats, grandes
templos de forma escalonada piramidal, de los que prácticamente no nos han llegado
vestigios, excepto algunos basamentos. La tumba solía ser de corredor, con cámara
cubierta de falsa cúpula, como algunos ejemplos hallados en Ur. También destacaron
los palacios, conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat,
otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de
Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo).
La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve, en escenas religiosas o de caza y
militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos. En
época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas, con piedra de color
o pasta en los ojos, en figuras sin cabello, con las manos en el pecho. En el periodo
acadio son figuras con cabello y larga barba, destacando la estela de Naram-Sin. De la
etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del rey Gudea de
Lagash, con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. En el dominio
babilónico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi. De la escultura asiria
destacan las figuras antropomórficas de toros o genios alados, que flanqueaban las
puertas de los palacios, así como los relieves con escenas de guerra o caza, como el
Obelisco negro de Salmanasar III.[9]
Con la aparición de la escritura surgió la literatura, como medio de expresión de la
creatividad del ser humano. En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh,
del siglo xvii a. C. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias
y acadias más importantes, entre los que destacan: el descenso de Inanna a los
infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz. Otra muestra de
relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta), cuyo
contenido es de tipo didáctico y moral. En época acadia destaca el Atrahasis, sobre el
mito del diluvio. En la literatura babilónica es de remarcar el poema Enûma Elish, sobre
la creación del mundo.[10]
La música se desarrolló en esta región entre el IV y el iii milenio a. C., en rituales de los
templos sumerios, donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. El
canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre sacerdotes y
coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. Tenían varios instrumentos,
como el tigi (flauta), el balag (tambor), la lilis (precursor del timbal), el algar (lira), el
zagsal (arpa) y la adapa (pandero).
Egipto
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Artículo principal: Arte del Antiguo Egipto
Las pirámides de Gizeh
En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte
3elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del
artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poder político
fuertemente centralizado y jerarquizado, otorgando una gran relevancia al concepto
religioso de inmortalidad, principalmente del faraón,[nota 1]para el que se construyen
obras de gran monumentalidad. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte egipcio
perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte
copto y bizantino.
La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra, en
grandes bloques, con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Destacan los
monumentos funerarios, con tres tipologías principales: la mastaba, tumba de forma
rectangular; la pirámide, que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos
(Gizeh); y los hipogeos, tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios
(Valle de los Reyes). La otra gran edificación es el templo, conjuntos monumentales
precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos, un acceso con dos pilonos o
muros trapeciales, un patio hípetro, una sala hipóstila y el santuario. Destacan los
templos de Karnak, Luxor, Filae y Edfú. Otro tipo de templo es el speos, en forma de
hipogeo, como en Abu Simbel y Deir el-Bahari.
La escultura y la pintura muestran las representaciones de forma figurativa,
generalmente con gran rigidez y esquematización. En la escultura egipcia comenzó a
representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose durante
la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte
majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita.
Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo, con formas tendentes a la
geometrización, dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida
ultraterrena. También destacan los ushebti, pequeñas figurillas de tierra cocida o
madera, de mayor realismo que la escultura funeraria, representando escenas
cotidianas.
La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos
superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico, por ejemplo: el
faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su
lado. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las
extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. En Egipto se desarrollaron
notablemente las artes aplicadas, especialmente la ebanistería y la orfebrería, con
magníficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ébano y marfil de las
tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo), o las piezas halladas en la tumba
de Tutankamon, de gran calidad artística.[12]
La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo
conocemos hoy en día: el libro.[13]Una de sus mejores manifestaciones es la Historia
de Sinuhé, un servidor de Sesostris I, cuyo relato data de mediados del siglo xx a. C.
Posteriormente destaca el Libro de los muertos, escrito en el Papiro de Ani, datado
hacia el siglo xiii a. C. La música egipcia era principalmente de signo religioso, con un
gran protagonismo del canto vocal, desarrollando un ciclo anual de festividades cada
una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgia judía
y cristiana—. Entre sus instrumentos figuraban el sistro, el ser (pandero), el ben (arpa),
la seba (flauta), el sneb (trompeta) y el met (clarinete). Al parecer, tenían también un
tipo de órgano hidráulico, y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas
de plata.[14]
La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos,
mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele
restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura,
escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de
estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la
historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia
de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras
manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la
filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente
relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la
distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por
la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la
multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de
la creatividad del ser humano.
La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo xx hasta el
número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía
—entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye los
distintos géneros del teatro y la narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la
historieta (o cómic).
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se
añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión
artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes
nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los
videojuegos.
La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen objetivo
del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y
observando sus características distintivas e influencias. El estudio de la Historia del
Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la
producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha
impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción
global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en
términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no solo de los de la
historia del arte occidental.
El arte goza hoy en día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo
el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo
xx han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público
y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su
exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de comunicación ha sido
fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o la
Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. Premios
como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes, la
Medalla Picasso de la Unesco, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el Premio
Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco
de música clásica, el Pulitzer de fotografía y los Óscar de cine también fomentan la
obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la Unesco con
el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la
conservación de los principales monumentos del planeta.[1]
[Link]
