La Música

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas»)
es, según la definición tradicional del término, el arte de crear y
organizar sonidos y silencios respetando los principios fundamentales de
la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos
psicoanímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en
la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza
como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la
definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores en el
marco de diversas experiencias artísticas fronterizas han realizado obras que, si
bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este
arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples
finalidades, entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de
expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cada
vez más, cumplir una importante función terapéutica a través de la musicoterapia.
La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del
ser humano. Está relacionada con el pensamiento lógico matemático, la
adquisición del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales,
el aprendizaje de lenguas no nativas y a potenciar la inteligencia emocional, entre
otros. Por este motivo, la música debe estar presente en cualquier plan educativo
moderno y ser reconocida como una disciplina imprescindible dentro de la
enseñanza obligatoria.
La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo de la persona;
así, el flujo sonoro puede cumplir variadas funciones
(entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.). En muchas
culturas, la música es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que
desempeña un papel fundamental en rituales religiosos, en las ceremonias de rito
de paso (por ejemplo, la graduación y el matrimonio), en las actividades sociales
(por ejemplo, en el baile) y en las actividades culturales que van desde el canto
aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda amateur de funk o cantar en
un coro comunitario. La gente puede hacer música por afición, como, por ejemplo,
un adolescente que toca el violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como
músico o cantante profesional. La industria musical incluye a las personas que
crean nuevas canciones y piezas musicales (como los cantautores y
los compositores), a las personas que interpretan música (que incluyen a los
músicos de orquesta, de bandas de jazz y de bandas de rock, a los cantantes y a
los directores de orquesta), a las personas que graban música (productores
musicales e ingenieros de sonido), a las personas que organizan giras de
conciertos y a las personas que venden grabaciones y partituras a los clientes.
Incluso una vez que se ha interpretado una canción o pieza, la crítica musical,
el periodismo musical y la musicología pueden valorar y evaluar la pieza y su
interpretación.
Etimología[editar]

En la mitología griega, las nueve musas fueron la

inspiración de muchos esfuerzos creativos, incluidas las artes.
La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de las musas»)1
En la mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban
la literatura, la ciencia y las artes y eran la fuente del conocimiento plasmado en
la poesía, los cantos y los mitos de la cultura griega.
Según el Diccionario etimológico en línea:
El término «música» deriva de «musike, de mediados del siglo XIII, del francés
antiguo musique (siglo XII) y directamente del latín musica "el arte de la música", que
también incluye la poesía (también la fuente del español música, italiano musica, alto
alemán antiguo mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés musik)». Se deriva del
«...griego mousike (techne) "(arte) de las musas", del femenino
de mousikos «perteneciente a las musas», de Mousa «Musa».
La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término
«música» se refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero
especialmente la música y la poesía lírica.2
Definición[editar]

La música académica occidental ha desarrollado un

método de escritura basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del
tiempo, y el vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por
la forma de las figuras musicales.
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales,
culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que
pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música.
Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad
organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta
definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede
denominar «música»— se pueden percibir ciertos patrones del «flujo sonoro» en
función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los
humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales). La
definición que se atribuye a Edgard Varese de música como sonido organizado,3 y
también la de la Enciclopedia Británica que en su 15a edición describe que
«aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos como inherentemente no-
musicales, en cada cultura los músicos han tendido a restringir la gama de sonidos
que estaban dispuestos a admitir». John Blacking añadió este detalle importante a
la definición de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente». 4
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres
atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este
sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta
solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del
lenguaje. En cuanto a la función «estética», se trata de un punto bastante
discutible; así, por ejemplo, un «jingle» publicitario no deja de ser música por
cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte,
hablar de una función «estética» presupone una idea de la música (y del arte en
general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad,
tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales
en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su Dictionnaire de la
Musique,5 la definió como el «arte de combinar los sonidos de una manera
agradable al oído».6
Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas
expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el
creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta:
«la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición
no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones
«bien hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos
ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o
estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por
ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo alemán Johann Wolfgang von
Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la
arquitectura como «música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en
el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una
organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba
ser placentero o agradable.
Parámetros del sonido[editar]
Véase también: Nota musical
 Distribución de las notas musicales en el
teclado de un piano. Cada nota representa una frecuencia de sonido distinta.
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión
generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por
el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La
ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa,
ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

 La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es

decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz)
que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos
como graves y agudos. Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto)
será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de
propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es
idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante. 7
 La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un
sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene
representada en la onda por los segundos que esta contenga.
 La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la
energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
 El timbre es la cualidad que permite distinguir los
diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con
la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son
complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos
(tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno
(sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la
forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos,
a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el
dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se
representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la
suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras
verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a
cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura
indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.
Elementos de la música[editar]
 Un ejemplo de las escalas de la antigua Grecia es
la octava hipofrigia de género enarmónico (en mi). Ya existía el concepto
fundamental de octava. La nota varía según la armonía (αρμονία), transcritas
como modos griegos. La polifonía y variedad de
instrumentos aerófonos, cordófonos y membranófonos, han sido documentadas en
infinidad de grabados y dibujos.
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual.
Ambos no se hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan,
en la música, para formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la
idea intelectual, el material acústico experimenta una preparación pre-musical,
mediante un proceso de selección y ordenamiento.8
La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un
ordenamiento que la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual.
Con el fin de un entendimiento general previo, dentro del material acústico para la
organización de la música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las
cuales la más habitual en ambientes académicos es la que divide la música en
melodía, armonía y ritmo.9 La manera en la que se definen y aplican estos
principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

 La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito

sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro
(concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. Los
silencios también forman parte de la estructura de la melodía, poniendo
pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase bien construida
semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una
secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay
dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
 La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad
básica es el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan
simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
 El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con
variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la
capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las
diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a
la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y
el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
 La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición
entre dos (o más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas
a lo largo de la historia, destacan principalmente el legato, el staccato,
el portato, el tenuto, el acento, el marcato y el calderón.
Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-
cuerpo-mente) convierte el material acústico en arte, y así la música adquiere
historia, vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal.
La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo XX, produjo a veces
dificultades de información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo,
y es por eso que otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y
estudiar el fenómeno de la música, como son la forma, la instrumentación, la
textura, etc. A partir de todos estos elementos, se originan nuevos principios de
ordenamiento y posibilidades de composición.8
Historia[editar]
Artículo principal: Historia de la música

Prehistoria[editar]
Artículo principal: Música en la Prehistoria
La flauta de hueso encontrada en Divje Babe (Eslovenia), con más de 40 000 años
de antigüedad.
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los
sitios arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en
huesos en los que se han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban
en un extremo como el shakuhachi japonés. Se piensa que la flauta de Divje Babe,
tallada en el fémur de un oso de las cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han
recuperado instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos
de instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de los yacimientos
arqueológicos de la civilización del valle del Indo.10 La India tiene una de las
tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica
india (marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la
tradición hindú.11 La colección más antigua y más grande de instrumentos
musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre el 7000 y el 6600
a. C.12 El «Himno hurrita a Nikkal», que se encuentra en tablillas de arcilla que se
remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la obra musical escrita más antigua
que se conserva.1314
Antiguo Egipto[editar]
Artículo principal: Música de Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la
música, y Osiris, a su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el
mundo. La evidencia material y representativa más antigua de los instrumentos
musicales egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está
atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas,
flautas y clarinetes dobles.15 Durante el Imperio Medio se agregaron instrumentos
de percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los platillos16 frecuentemente
acompañaban a la música y danza, como lo hacen todavía hoy en Egipto.
La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es
el género musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto y
han conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.1718
Culturas asiáticas[editar]

Mujeres indias vestidas con atuendos regionales

tocando una variedad de instrumentos musicales populares en diferentes partes
de la India.
Categoría principal: Música de Asia
La música clásica india (marga) es una de las tradiciones musicales más antiguas
del mundo.19 La civilización del valle del Indo tiene esculturas que
muestran danzas20 e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete
agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de
cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro mediante excavaciones realizadas
por Mortimer Wheeler.21 El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con
una notación musical para denotar la métrica y el modo de cantar.22 La música
clásica india es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga,
organizada rítmicamente a través de talas. Silappatikaram de Ilango
Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas
mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente.23 La música hindi
actual fue influenciada por la música tradicional persa y por los mogoles afganos.
La música carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional;
la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay
muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene
una historia que se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas
únicos de notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y
estilos musicales o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica,
con una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de
influencia europea.
Referencias en la Biblia[editar]
Artículo principal: Anexo:Música en la Biblia
 David componiendo salmos, Salterio de París, c.
960 (Constantinopla).
El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias
literarias en la Biblia y fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música
Herbert Lockyer escribió que «la música, tanto vocal como instrumental, fue bien
cultivada entre los hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la iglesia
cristiana a través de los siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo
Testamento revela cómo el pueblo antiguo de Dios se dedicó al estudio y la
práctica de la música, que ocupa un lugar único en los libros históricos y
proféticos, así como en el Salterio».24
Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología
de la cultura semítica y judeocristiana temprana han descubierto vínculos
comunes en la actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos
y las de los griegos y romanos posteriores. El área común de actuación se
encuentra en un «fenómeno social llamado letanía», una forma de oración que
consiste en una serie de invocaciones o súplicas. Journal of Religion and
Theatre señala que entre las primeras formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo
acompañada de una rica tradición musical»:25
Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and pipe",
the Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music in the early life
of Israel. In I Samuel 10, there are more depictions of "large choirs and orchestras". These
large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This had led some scholars
to theorize that the prophet Samuel led a public music school to a wide range of
students.25
El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el arpa y la
flauta», el Pentateuco casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción de la música
en la vida temprana de Israel. En I Samuel 10, hay más representaciones de
«grandes coros y orquestas». Estos grandes conjuntos sólo podían ejecutarse con
ensayos extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a teorizar que el
profeta Samuel dirigió una escuela pública de música para una amplia gama de
estudiantes.

Antigua Grecia[editar]
 Epitafio de Sícilo

Duration: 50 segundos.0:50

La inscripción cantada, según la

pronunciación del griego koiné.

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Artículo principal: Música de la Antigua Grecia

La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua
Grecia. Los músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro
griego.26 Se realizaban interpretaciones de coros mixtos para el entretenimiento, la
celebración y ceremonias espirituales.27 Los instrumentos incluían el aulós de
doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo
especial llamado kithara. La música era una parte importante de la educación y a
los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización
musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la
música griega incluía los modos musicales griegos, que finalmente se convirtieron
en la base de la música clásica y religiosa occidental. Más tarde, las influencias
del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música
griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que se conserva de
una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte
del mundo.28 La obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría
musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.29
Antigua Roma[editar]

Trío de músicos
tocando aulós, cymbala y tympanum (mosaico de Pompeya).
Artículo principal: Música de la Antigua Roma
La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos
más remotos. Las canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los
eventos sociales.30 El Carmen saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado
por Augusto e interpretada por un coro mixto de niños en los Juegos Seculares del
17 a. C.31 La música era habitual en los funerales y la tibia (el aulós griego), un
instrumento de viento-madera, se tocaba en los sacrificios para protegerse de las
malas influencias.32 Bajo la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que
la música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba particularmente con las
matemáticas y el conocimiento.33
La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los romanos.
Durante el período imperial, los romanos llevaron su música a las provincias,
mientras que las tradiciones de Asia Menor, África del Norte y la Galia se
convirtieron en parte de la cultura romana.34
La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la
forma de artes escénicas llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana
de ballet narrativo que combinaba danza expresiva, música instrumental y
un libreto cantado.35
Edad Media[editar]

El introito de Gaudeamus omnes, escrito

en notación neumática en el Graduale Aboense de los siglos XIV y XV, rinde
homenaje a Enrique, patrón de Finlandia.

Gaudeamus omnes

Duration: 3 minutos y 0 segundos.3:00

Artículo principal: Música de la Edad Media

La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del
canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la Iglesia católica.
La notación musical se usó desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la
Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la Iglesia católica para
que las melodías de los cánticos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las
mismas melodías para la música religiosa en todo el mundo católico.a36 El único
repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma escrita desde antes
del 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición
central se llamaba canto gregoriano.
Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de
canto secular. Ejemplos de compositores de este período
son Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide.
Renacimiento[editar]
Artículo principal: Música del Renacimiento

Amicus meus

Duration: 2 minutos y 47 segundos.2:47

De Tomás Luis de Victoria.

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La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares,
como el amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que
hacía partituras impresas mucho menos costosas y más fáciles de producir en
masa.b La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos
musicales más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes a
menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades. Los coros de la
iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió siendo un mecenas importante de la
música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra
ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas
melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Josquin
des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de
Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso. A medida que la actividad musical
pasó de la Iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron
por los mejores compositores. Muchos compositores importantes provenían de
los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se les llama compositores franco-
flamencos y ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia.
Otros países con una gran actividad musical fueron Alemania, Inglaterra y España.
Barroco[editar]
 Johann Sebastian Bach fue un destacado
compositor de la era barroca de la música.

Tocata y fuga en re menor, BWV 565

Duration: 8 minutos y 34 segundos.8:34

Artículo principal: Música del Barroco

La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico
barroco floreció en toda Europa y durante este tiempo la música se expandió en su
rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las
primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta).
Durante la época barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se
utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo
importante.c Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños
conjuntos que incluían cuerdas, metales y viento-madera, así como para coros
e instrumentos de teclado, como órgano, clavecín y clavicordio. Durante este
período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en
períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida
la fuga, la invención, la sonata y el concierto.37 El estilo barroco tardío era
polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores
importantes de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach, Georg
Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.
Clasicismo[editar]
 1. Luigi Cherubini
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn
4. Johann Christoph Friedrich Bach
5. Ludwig van Beethoven
6. Franz Xaver Richter
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
11. Maria Anna Mozart
12. Johann Christian Bach
Artículo principal: Música del Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se
consideraba los elementos clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia
y Antigua Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. d La
música del período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente
más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue
la homofonía,38 donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento
de acordes subordinados son claramente distintas. Las melodías instrumentales
clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y
el fortepiano, el precursor del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y
al órgano de la época barroca como principal instrumento de teclado, aunque este
último siguió utilizándose en la música sacra, como las misas.
Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor
desarrollo de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la
sonata, el concierto y la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío, el cuarteto
de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más importante y
desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el
estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas
instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta
las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los
instrumentos tocaban música de cámara y la orquesta se volvió más
estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que
consistía en clavecín, órgano o laúd junto con varios instrumentos bajos
seleccionados a discreción del líder del grupo (por
ejemplo, viola, violonchelo, tiorba o serpentón), los grupos de cámara clásicos
usaron instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto de
cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La
interpretación de acordes improvisados de la época barroca del tecladista de
continuo o el laudista se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.
Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el
desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel
importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los
compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o
príncipes. La creciente popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en
el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales
requirió la construcción de grandes espacios para espectáculos públicos. La
música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los
géneros vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron
más populares.
Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp Emanuel
Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang
Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert
también se consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que
comenzó a moverse hacia el Romanticismo.
Romanticismo[editar]

El piano fue la pieza central de la actividad

social de los urbanitas de clase media en el siglo XIX (Moritz von Schwind, 1868).
El hombre al piano es el compositor Franz Schubert.
Artículo principal: Música del Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en
común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época.
El Romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se
caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la
glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió
más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones
expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores románticos
como Richard Wagner y Johannes Brahms intentaron aumentar la expresión
emocional y el poder en su música para describir verdades más profundas o
sentimientos humanos. Con poemas sinfónicos, los compositores intentaron contar
historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos
compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica
inspirada en la música folclórica. Las cualidades emocionales y expresivas de la
música llegaron a prevalecer sobre la tradición.
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en
el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como
la literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma.
El amor romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras
compuestas durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las
estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en
cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En
muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones
existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más
adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando
música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.26
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van
Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el
caso de Beethoven, los motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a
reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más significativa.e
Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich Chaikovski, Antonín
Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para
crear una tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo,
mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores
exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como
los acordes extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos colores de
sonido. A finales del siglo XIX se produjo una expansión espectacular en el tamaño
de la orquesta y la Revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos,
creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una
parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva
diversidad en la música para teatro, incluida la opereta, la comedia musical y otras
formas de teatro musical.26
El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito
musical sino también en el técnico ya que gracias a los avances logrados debido a
la Revolución industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma
forma que el capitalismo influyó en el modo de organización jerárquico de
las cadenas de producción, el piano se utilizó como herramienta para conseguir la
expresión musical y como ayuda a la composición.39 En dicho período hubo
importantes compositores como Félix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz
Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac
Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan
compositores como Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.40
Siglo XX y XXI[editar]

Enrico Caruso con un gramófono

Artículo principal: Música clásica del siglo XX
En el siglo XIX, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se
dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes
de la música aficionados de clase media tocaban en casa en su piano u otros
instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX, la invención de
nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad
de discos de gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones
sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o
en su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas
canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida
que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y
distribuir música, porque mientras que en el siglo XIX, el enfoque en las partituras
restringió el acceso de la nueva música a las personas de clase media y alta que
podían leer música y poseían pianos e instrumentos, en el siglo XX, cualquier
persona con radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes
bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos,
que no podían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar
esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de
diferentes partes del país, además de diferentes partes del mundo, incluso si no
podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos
musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de
nuevos ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra
Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos
compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los
compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música
folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Ígor Stravinski, Arnold
Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música artística del
siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música
dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de
composición electrónica acusmática41 y música concreta. La grabación de sonido
también fue de gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales
populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se
distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación
multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía hacer mucho
más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una
banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de
instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una
actuación en vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis
Armstrong, Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.

El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del

siglo XX y durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El
jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios de
siglo en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos a partir de
una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África
Occidental del estilo es evidente en el uso de notas de
blues, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota swing.42
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de
1960 a partir del rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la
música country.43 El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra
eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección
rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo
blues se utilizan como instrumentos solistas. La sección rítmica tradicional de la
música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas
también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de
1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los
músicos pop comenzaron a usar sintetizadores digitales, como el Yamaha
DX7, cajas de ritmos electrónicas como el Roland TR-808 y dispositivos de bajo
sintetizado (como el Roland TB-303) o teclados de bajo sintetizado. En la década
de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos e instrumentos
musicales de hardware computarizado y software (por ejemplo, estaciones de
trabajo de audio digital). En la década de 2020, los sintetizadores de software y las
aplicaciones de música de computadora permiten crear y grabar variados tipos de
música, como música electrónica de baile en su propia casa, agregando
instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la
década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu metal comenzaron a
incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando música grabada en
tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.
Cultura y música[editar]
Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la
versión actual de este artículo o sección.
En la página de discusión puedes consultar el debate al respecto.

Violinista en la catedral de Dublín.

Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. La mayoría de las
especies animales también son capaces de producir sonidos de una forma
organizada para comunicar una gran variedad de mensajes. Lo que define a la
música de los hombres no es tanto el ser una combinación «correcta» (o
«armoniosa» o «bella») de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los
seres humanos dentro de un grupo social determinado.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos
pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la
diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir música, en cuanto
a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía,
y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes
sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración
religiosa, que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se
baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música
determinada desempeña en un contexto social determinado, podemos ser más
precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más
respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra
sociedad.

La Música, representación alegórica de la música,

diseñada por Józef Gosławski en un edificio en Varsovia.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas
producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus
características son «universales», es decir, comunes a todos los seres humanos
de todas las culturas y de todos los tiempos. Dice Schopenhauer, «(la música)
repercute en el hombre de manera tan potente y magnífica, que puede ser
comparada a una lengua universal, cuya claridad y elocuencia supera a todos los
idiomas de la tierra».44
Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», puesto que varios de
sus elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación
entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de
explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor
medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes
creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales
humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical
universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los
últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura
occidental[cita requerida] porque representa un estadio más «avanzado» o «superior»
de la «evolución» de la música.
La división del trabajo en la práctica musical occidental contemporánea distingue a
esta cultura de otras. Históricamente, los compositores e intérpretes solían ser una
misma entidad.45 Sin embargo, investigaciones recientes (Scientific Reports, 2024)
indican un cambio hacia patrones musicales más repetitivos y accesibles en
respuesta a su consumo a través de plataformas de streaming preferidas por la
sociedad actual. En paralelo, los intérpretes contemporáneos tienden a estar más
orientados hacia la autoexpresión.46
La notación musical occidental[editar]
Artículo principal: Historia de la notación en la música occidental
 Fragmento de uno de los himnos dedicado al dios
de la música Apolo, en Delfos, Grecia. El templo oracular era una acrópolis y fue
construido en su honor. Este fragmento contiene la notación musical introducida
por los helenos, situando las notas por sobre las estrofas (a modo de «cancionero
popular»).
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas
de notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la Edad Media
(principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de
notación musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los
rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo
lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el
transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del
sonido. Las alturas se leen en relación con un pentagrama (del griego «πεντα»,
«penta»: cinco; y «γραμμa», «grama»: líneas), que al comienzo tiene
una clave que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una
determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la «clave de sol en
segunda línea» nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la
segunda línea (contando desde abajo), como la el sonido que se escribe en el
espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea,
etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales.
Las claves más usadas son las de:

 do en tercera línea (clave que toma como referencia al do4 de 261,63 Hz,
el do central del piano),
 sol en segunda línea (que se refiere al sol que se encuentra una quinta por
encima del do central), y
 fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas
compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un
compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una
fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que
tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda
(representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito
vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo negro), la
corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta
de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos
horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad
que una redonda y el doble que una negra, etc.
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo
en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación
del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada
blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una
negra, etc. Así, una partitura encabezada por un 3
4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o
una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4
8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un
silencio de redonda, de blanca, etc.
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o
mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con tresillos.
Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración,
se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure,
además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une
por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras
escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo,
las intensidades se indican mediante el uso de una «f» (forte, fuerte) o una «p»
(piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica con
palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de
velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.
Beneficios de la música a nivel psicológico y
neurológico[editar]
 El canto de los ángeles (obra de William
Bouguereau), siglo XIX.
La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un
mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan ambos
hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina
de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la
capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se
ve retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión,
como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros,
mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la
Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos
musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones,
cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los
campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico
español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la
única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el
piano, ya que en este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta,
enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies,
que también tienen una importante función al utilizarse los pedales. 47
A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el
aprendizaje de otros idiomas. Características importantes de la música, como el
tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones
del habla en los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en
la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían
acoplar a los diferentes idiomas.48
Véase también[editar]
 Portal:Música. Contenido relacionado con Música.
 Música clásica
 Música navideña
 Mujeres en la música
 Música surrealista
 Solfeo
 Cultura de Europa#Música
 Historia de la ópera
Notas y referencias[editar]
Notas

1. ↑ Véase Historia de la notación en la música occidental.

2. ↑ Antes de la invención de la imprenta, toda la música anotada se copiaba a
mano.
3. ↑ El contrapunto era importante en la música vocal de la época medieval.
4. ↑ La música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en
general, un término que se refiere a la música de arte occidental desde el
siglo V hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de
varios períodos.
5. ↑ Un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía.
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Chilena 76 (237): 213-222. ISSN 0717-6252. Consultado el 29 de marzo de 2024.
«Desde la perspectiva de lomundial, la música occidental es solamente una
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canciones se volvieron más simples y repetitivas | CULTURA». Peru21.
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