ARTE BARROCO.

CONTEXTO.
Este arte tiene una cronología en el siglo XVII y parte del XVIII.
Empieza a ser utilizado a fines del siglo XVIII para definir está estética, pero con
sentido despectivo.
Se mantiene durante el siglo XIX esta interpretación negativa, como una simple
degeneración de las normas clásicas.
A fines del XIX es cuando se vuelve a valorar el concepto del barroco.

Refleja un contexto histórico diferente al renacentista, en el que se ha producido

un importante cambio de mentalidad: la formación y desarrollo de la Monarquía
Absoluta, el fortalecimiento del poder real.
La “Contrarreforma” o movimiento religioso de la Iglesia Católica, que surge tras la
celebración del Concilio de Trento, de lucha contra las tesis protestantes y que
tienen en la Compañía de Jesús su principal arma.
Por ello se suele distinguir entre dos zonas de producción artística:
- El Barroco de Corte y de Iglesia, propio de los países católicos.
- El Barroco de la burguesía protestante, de carácter más laico.

El significado artístico del arte Barroco, supone una lógica evolución de las formas
manieristas. Supone una distorsión completa de los valores clásicos, su más
perfecta antítesis. Puede decirse que es un estilo anti-Renacimiento:
- Lo sensitivo, lo expresivo viene a sustituir a la racionalidad y al ideal de
belleza renacentista.
- El equilibrio renacentista es sustituido por el movimiento y el dinamismo de
las formas.
Hay gusto por la realidad, lo inmediato y cotidiano. Se trata de acercar el hecho
religioso a la sensibilidad de la gente. Debe ser un arte comprensible y cercano.
Gusto por lo monumental, lo rico y deslumbrante.

Dos etapas:
1. Barroco pleno: gran parte del siglo XVII.
2. Barroco tardío: de fines del XVII hasta mediados del XVIII.

En conclusión se le puede considerar como una de las creaciones más importantes

del arte, una de las más bellas en muchos aspectos y una de las más
representativas de la época en que surgió.
ARTE BARROCO.

1. LA ARQUITECTURA EN ITALIA Y FRANCIA. LAS PLANTAS ALABEADAS DE

BERNINI Y BORROMINI. EL PALACIO CLASICISTA FRANCÉS: VERSALLES.

A. Características generales:
Todas ellas se basarán en un gran principio general y básico: la ruptura con el
equilibrio clásico, lo que supone:
- Gusto por lo grandilocuente.
- Gusto por lo curvilíneo, e incluso por lo quebrado.
- Gusto por el enriquecimiento decorativo, con una progresiva técnica al
aumento de la decoración.
- El edificio debe responder o tener un cierto carácter escenográfico.
Las más importantes serán:
1. Material: aunque se emplea sobre todo los sillares de piedra, también se
hace uso del mármol de colores, e incluso del bronce para resaltar partes o
elementos.
2. Elementos constructivos: se utilizan todos los clásicos pero el resultado es
muy diferente:
- Órdenes clásicos, pero preferentemente de proporciones gigantes.
- Gran utilización de la columna salomónica.
- Junto a los arcos y bóvedas clásicas, se introducen bóvedas más
complicadas como las ovales.
3. Plantas:
- Gran difusión de las elípticas, circulares y mixtas.
- Sus muros dejan de ser rectilíneos, al igual que dejan de cruzarse en
ángulo recto.
- Sus tramos, capillas…dejan de ser rectangulares o cuadradas.
4. Fachadas: tendencia al movimiento e inestabilidad.
- Entrantes y salientes.
- Formas cóncavas y convexas.
5. Elementos decorativos:
- Gran repertorio de elementos curvilíneos: frontones, entablamentos y
cornisas curvos o partidos…
- Sobresale la decoración vegetal sobre la geométrica.
- Utilización de los soportes como elemento decorativo, perdiendo, en
muchos casos, su función tectónica.
Centros importantes:
- En primer lugar está Italia, lugar donde surge, al igual que en el arte
renacentista.
- Francia será otro foco importante, sobre todo en lo referido al tipo de palacio
barroco, decoración interior y mobiliario.
- España ocupará también un lugar destacado, sobre todo por su abundancia
decorativa, principalmente en el exterior de los edificios.
ARTE BARROCO.

[Link] arquitectura italiana: Bernini y Borromini.

Como en el Renacimiento, Italia va a estar a la cabeza de la arquitectura europea
barroca.
Los artífices del nuevo estilo serán los arquitectos Bernini (versión clásica) y
Borromini (versión más radical). Existen grandes diferencias entre los dos:

BERNINI.
Nace en Nápoles y muy joven se traslada a Roma. En 1665 marcha a París,
llamado por Luis XIV. Su clientela fue la clase alta, papas, cardenales, nobles y la
principal orden religiosa, la Compañia de Jesús. Hombre culto y brillante, fue
además de arquitecto, urbanista, escultor, decorador y pintor.
Obras más importantes:
● El “Baldaquino de San Pedro”: es una recogida de todas las características
del Barroco. Colocado bajo la gran cúpula de M.Ángel, sobre el altar mayor.
Palio o dosel de bronce, sostenido por cuatro grandes columnas
salomónicas, divididas en segmentos, unos acanalados y otros tienen una
decoración vegetal.
Cuatro capiteles corintios sobre las columnas y sobre ellos cuatro fragmentos
de entablamento. Las columnas se apoyan sobre cuatro podios. El remate del
palio es con grandes tallos en volutas, cuatro grandes ángeles y con la bola
del mundo y la cruz en la parte superior.
● La “Plaza de San Pedro”: delante de la Basílica. Diseña una plaza
trapezoidal, de la que saldrían dos columnas, a modo de brazos, que
marcaron una plaza oval de grandes dimensiones, que nos puede recordar a
la plaza capitolina realizada por Miguel Ángel.
La columnata simboliza los brazos de la Iglesia que acoge a los fieles,
columnas gigantes de orden toscano, sobre ellas un entablamento corrido, y
por encima de él, una estatua de santo o mártir a la altura de cada columna.
Se complementará con dos fuentes, diseñadas por Bernini y Maderno.
● La principal iglesia que construyó fue “San Andrés del Quirinal” en Roma,
basada toda ella en la línea curva.

BORROMINI.
Nacido en Lombardía, tuvo un complicado carácter y un final dramático, pues acabó
suicidándose. A diferencia de Bernini, tuvo una clientela mucho más humilde,
generalmente órdenes religiosas.
Borromini llevará esta arquitectura a extremos hasta ahora no vistos. Este autor será
realmente novedoso, por la curvatura que toma todas sus superficies en los
edificios.
Obras más importantes:
● La iglesia de “San Carlos de las Cuatro Fuentes” en Roma: fue un encargo
de una orden religiosa española. Construida en un solar pequeño, en un
cruce de calles, dando su fachada a una muy estrecha. La planta está
formada por una especie de elipse. Toda ella cubierta por una cúpula oval,
ARTE BARROCO.

decorada internamente con casetones geométricos de distintas formas y

tamaño.
La fachada, organizada en dos pisos de columnas con sus entablamentos,
separados por una cornisa.
● La iglesia de “San Ivo della Sapienza”, de la antigua Universidad de Roma:
es tal vez, una de sus obras más originales y revolucionarias. Planta formada
por dos triángulos equiláteros que, al cruzarse, crean un hexágono, a modo
de celdilla de un panal. Se ha interpretado que es una alusión al Papa
Urbano VIII, cuyo símbolo era la abeja.
● La iglesia de “Santa Inés”, situada en la famosa Plaza Navona de Roma:
fachada con alternancia de formas cóncavas y convexas, con entrantes y
salientes. Ante la escasa perspectiva de la plaza, aumenta el tamaño de la
cúpula, que queda encuadrada entre dos torres y la aproxima a la fachada,
que comba hacia adentro, para sugerir un espacio más amplio.

B. El palacio clasicista francés: Versalles.

Características diferenciadoras de la arquitectura barroca francesa:
- Gran diferencia con la italiana, al estar totalmente vinculada a la Monarquía
absoluta, controlando y unificando toda la producción artística del país.
- Dichas normas están mucho más vinculadas a las clásicas que en Italia.
- Al mismo tiempo se complementan la construcción con la naturaleza, pero
también domesticada, transformada en importantes jardines cuidadosamente
diseñados.
El “Palacio de Versalles”
- Es el prototipo de resistencia del príncipe absoluto. Será la imagen que
utilizará Luis XIV para transmitir su idea de poder y centralismo absoluto.
- Supone una unión de palacio, jardín y ciudad que surgirá a su alrededor.
- Se construyó a partir de un antiguo palacio de caza de Luis XIII.
- En la obra trabajaron los arquitectos Louis Le Vau y Jules Hardouin
Mansart, el decorador de interiores, diseñador y pintor fue Charles Le Brun
y el jardinero-paisajista André Le Notre.
- El interior es la parte especialmente decorada con terciopelos, mármoles
policromados, tapices, alfombras, pinturas al fresco en las bóvedas, cuadros
de las colecciones reales, esculturas, espejos, entre otros elementos…para
las habitaciones y salones.
- Los salones principales son el “Salón del Rey”, el “Salón de la Reina” y el
“Salón de los Espejos”.
- “La Capilla”
- El exterior, muy clásico, está marcado por la horizontalidad de las dos alas
laterales, así como por la separación entre los tres pisos en que está dividida
la fachada. En ciertas partes el muro avanza, que es la única concesión al
barroquismo que tiene el exterior.
- Los jardines ocupan un extenso terreno, con un rígido trazado geométrico y
racional, que se integra perfectamente en todo el conjunto.
ARTE BARROCO.

- Su influencia se extendió por toda Europa, de manera que los palacios de

España como el “Palacio Real” de Madrid y el “Palacio Real de la Granja
de San Ildefonso”, Prusia, Rusia e Italia imitaron a Versalles.

2. ESCULTURA EN ITALIA: BERNINI.

Características generales de la escultura barroca: va a experimentar un gran
cambio. Van a intensificarse los cambios iniciados por M.Ángel, rompiendo
totalmente con el equilibrio clásico, iniciando los artistas un periodo de libertad
absoluta con respecto a las formas y normas clásicas.
1. Realismo o naturalismo, se plasma la realidad con sus virtudes y defectos.
Se acentúa incluso con los momentos más exaltados, dramáticos, haciendo
hincapié sobre todo en representar los sentimientos.
2. Importancia de la apariencia, muchas veces más que lo real.
3. Intentará captar la fugacidad de un momento determinado.
4. Temática variada: religiosa, mitológica…
5. El movimiento será la gran obsesión de los escultores. No sólo físico, de los
personajes, sino también compositivo, de las escenas.
6. La luz como elemento integrante y fundamental de la obra escultórica, la cual
remarcar ciertos aspectos y zonas.

BERNINI.
Al igual que M.Ángel, dominó otras disciplinas artísticas, pero su vocación fue la
escultura.
Se le puede considerar no sólo como el escultor italiano más importante de este
periodo, sino también uno de los más importantes de toda la historia universal de
todos los tiempos.
Aprendió la técnica escultórica con su padre en su ciudad natal Nápoles. En 1605 se
trasladó a Roma, donde se puso en contacto con la obra de M.Ángel. Por ello sus
primeras obras seguirán esta tendencia. Poco a poco irá evolucionando hacia la
estética barroca.
Evolución y obras más importantes:
1. Etapa Juvenil.
Caracterizada por:
Un gran movimiento por una acción tomada en un instante.
Virtuosismo técnico en el tratamiento de la textura de la piel y de la anatomía
de las figuras.
Reflejo del estado psicológico de los personajes.
● “El rapto de Proserpina”: gran contraste entre la delicadeza de Proserpina
y la corpulencia de Plutón. Gran estudio anatómico de los personajes.
Ruptura total de lo clásico: movimiento impetuoso y sentimiento de los rostros
en Plutón, angustia y temor en Proserpina frente a equilibrio y relajación.
● “Apolo y Dafne”: narra el momento en que Dafne se convierte en Laurel
para escapar de la persecución de Apolo. Capta el deseo de Apolo y el terror
ARTE BARROCO.

de Dafne. Contraste entre la textura de la piel y la materia arbórea. Gran

dinamismo por la composición en grandes diagonales, movimiento de paños
y cabellos.
● “David”: capta el momento en que apunta con su honda a un imaginario
Goliat. Integra el espacio real e imaginario o ficticio. Capta un gesto, una
instantánea. Capta una tensión extrema física y psicológica.

2. Periodo medio. Es el más creativo de su carrera.

● “Tumba de Urbano VIII”: colocada en un nicho del Vaticano. Creará un
nuevo tipo de tumba papal, que será repetido posteriormente en muchas
ocasiones. Sitúa la figura del Papa sobre un pedestal, sentado en su silla y
con la tiara. Debajo coloca su sepulcro, con las figuras alegóricas en los
lados de la Caridad y la Justicia. De éste sale un esqueleto.
Materiales de mármol de colores y bronce.
● “El éxtasis de Santa Teresa” (en la Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa
Mª de la Victoria en Roma): es tal vez su obra maestra unifica escultura y
arquitectura. Refleja perfectamente todas las características del Barroco.
La escena representa a un ángel traspasando el corazón de Santa Teresa
con una flecha de fuego, según relató la propia Santa en una de sus obras,
refiriéndose a una de sus visiones. Santa Teresa aparece sobre una nube
suspendida en el aire, con un rostro en pleno éxtasis y con su hábito, del que
destacan unos grandes pliegues.
Gran virtuosismo técnico en el distinto tratamiento del mármol, creando
diferentes texturas: telas,nube,carne…
Composición en aspa, cruce de dos líneas diagonales. Se complementa con
una iluminación desde la parte superior, acrecentando su efecto con un haz
de rayos en bronce.
Una similar a esta obra, es la del “Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni”
● “La Fuente de los Cuatros Ríos” en la Plaza Navona: realizó una serie de
fuentes en Roma, pretendiendo embellecer la ciudad, para reflejar el
esplendor de los Papas. De todas las realizadas es ésta la más importante.
Personificación del Danubio,Ganges,Nilo y Río de la Plata, en alusión a las
cuatros partes del mundo conocido en esos momentos.
El conjunto está dominado por un obelisco, rematado por una paloma,
símbolo de la familia del Papa Inocencio X.
Otras fuentes “La Fuente de la Barcaza” en la Plaza España y la “Fuente
del Tritón”.
● Llevó a cabo varios retratos como “Luis XIV” y “Richelieu”.

3. Estilo tardío.
Y concluimos con el estilo tardío donde encontraremos:
● La “Cátedra de San Pedro” (Vaticano): fue un encargo del Papa Alejandro
VII. Colocada en el muro del ábside principal de la basílica. Es más una
escultura que arquitectura. Relacionada con la reliquia de la silla que, según
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la tradición, utilizó San Pedro. Los Doctores de la Iglesia, sobre altos

pedestales de mármol de color sostienen en el aire el trono de San Pedro.
Una serie de ángeles y arcángeles desndos colocados en la parte superior
perforan el muro. Será el antecedente de los transparentes que se realizarán
en España.
● “La tumba de Alejandro VII” (Vaticano).

3. PINTURA EN ITALIA. EL NATURALISMO Y LOS PROBLEMAS DE LA LUZ:

CARAVAGGIO. EL CLASICISMO EN LOS FRESCOS DE LOS CARRACCI.
Aspectos generales de la pintura barroca:
A nivel general participa de las mismas características de la escultura: naturalismo,
movimiento, gusto por lo efectista y aparatoso…
Características:
- Naturalismo o realismo, plasmar la realidad tal y como es, en todos sus
aspectos, dolorosos, alegres y rasgos físicos…
- Se multiplicará enormemente el número de temas: religiosos, paisaje,
bodegón, retrato político, profanos…
- Predominio del color sobre el dibujo: acentuada la tendencia a la
utilización de la pincelada suelta sobre la línea. Desaparecen los detalles
menudos y aparecen los contornos no precisados.
- Perspectiva aérea: sustituye totalmente a la lineal: se crea la existencia de
ambiente. Se rompe la correlación de planos, típicamente renacentista,
concibiendo el cuadro como una unidad donde las formas se distancian de
una manera continua, real, sin planos.
- La importancia de la luz: hará que en muchos cuadros haya zonas
completamente oscuras: tenebrismo.
- Movimiento: en contra de las formas estáticas, de la quietud, afán del
movimiento.
- El estudio de la expresión, muy importante sobre todo en la pintura religiosa,
complaciendo incluso en la representación del dolor, para fomentar la
devoción.
- Creación de composiciones efectistas y espectaculares.
- Se sigue utilizando la pintura al fresco, pero tan solo en las bóvedas. Se
generaliza la pintura sobre lienzo, dejando atrás la tabla.

A. El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio.

IL CARAVAGGIO (1610).
Por la localidad pertenece a Bérgamo, es una figura artística y gran creador del
naturalismo y tenebrismo pictórico.
Fue un artista con una vida complicada, visitó la carcel varias veces siendo culpable
de asesinato.
Características de su pintura: es un artista considerado revolucionario en su época,
va a influir en pinturas francesas, holandesas y españolas. De las características
vistas anteriormente, su pintura se refleja en las siguientes:
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1. El tenebrismo, en sus cuadros de luz se proyecta sobre la forma

violentamente y su contraste con la sombra es brusco e intenso.
2. El naturalismo o realismo, toma modelos del natural, de la realidad de la
calle. Esto no agradó demasiado en el ámbito religioso, siendo considerado
como irreverente.
3. La técnica al óleo, tanto en pequeños como en grandes formatos.
4. Sus composiciones, además de los grandes contrastes lumínicos,
incorporan diagonales y aspas.
5. Acentúa la expresividad y el dramatismo de las figuras, entre otras cosas
proyectando la luz sobre rostros y manos.
6. El color se aplica en función de la luz.

Tras la etapa inicial, se da un estilo maduro, donde encontraremos:

● En la Iglesia de Santa María del Popolo:
“La Crucificacion de San Pedro”
“La conversión de San Pablo”
● En la Iglesia de San Luis de los Franceses:
“La vocación de San Mateo”: con esta obra le llegó el prestigio, pues es
una de las más importantes de toda su producción. Representa la escena en
que Mateo, recaudador de impuestos, cuenta las monedas y registra las
cuentas, recibe la llamada de Jesús. Éste aparece en un lateral tapado por la
figura que representa a San Pedro, sólo dejando ver su rostro y sus manos.
Potente foco de luz que viene de una ventana, que no se ve, situada en la
parte de alta de una de los lados, que simula la voz de Cristo, dirigido hacia
los personajes que están sentados en torno a la mesa, quedando muy
oscurecida el resto de la escena.
● “La muerte de la Virgen” (Louvre): esta obra fue rechazada pues utilizó
como modelo para representar a la Virgen muerta una mujer ahogada en el
Tíber, con el vientre hinchado y los pies descalzos.

4. LA PINTURA EN FLANDES Y EN HOLANDA: RUBENS Y REMBRANDT.

A. La pintura en Flandes y en Holanda:
Los antiguos Países Bajos por el Tratado de Amberes (1609) se dividieron en dos
estados muy diferentes: Flandes y Las Provincias Unidas Holandesas.
Todo ello llevó a dos concepciones artísticas diferentes, a dos modos de pintura
completamente diferentes, incompatible se puede decir:
1. Flandes: su principal representante será Rubens.
- Abundancia de los temas religiosos, en grandes lienzos para las iglesias,
donde se relatan la vida de los santos y se exaltan los sacramentos.
- La temática mitológica sigue siendo demandada por la nobleza y la corte
para la decoración de sus palacios, insistiendo en su sensualidad.
- Los retratos, generalmente individuales, quieren representar la
importancia social del representado.
ARTE BARROCO.

- Los bodegones están atestados de comestibles, reflejando una opulenta

cocina y despensa.
2. Holanda: su principal representante será Rembrandt.
- Desaparece la pintura religiosa de la iglesia, ya que el protestantismo no
permite el culto de imágenes. Por ello la pintura religiosa es de pequeño
tamaño, destinada a la contemplación particular en los domicilios. Se relatan
fundamentalmente pasajes del Antiguo Régimen.
- La mitología pierde importancia. Ésta es sustituida por escenas
costumbristas, ocupación caseras, cuadros de interiores, que puede
contener alegorías moralizantes.
- Los retratos preferentemente son colectivos, corporativos, los llamados
doelen, de comunidades gremiales (grupos profesionales).
- Los bodegones son mucho más austeros.

B. Rubens:
Estudió Humanidades y tras el aprendizaje artístico, completó su formación en Italia,
donde permaneció por espacio de ocho años, únicamente interrumpidos por una
visita a España.
Estaba considerado como uno de los artistas más cultos de su época, además de
ser un experto diplomático.
Características de su pintura: pintor de una extraordinaria técnica, es uno de los
mejores maestros de la pintura universal y el pintor del Barroco por excelencia. Es el
gran pintor católico del momento. Su pintura es muy fácil de entender, va dirigida
fundamentalmente a los sentidos, por lo que la Iglesia y los Reyes de diversos
países encontraron en él al artista ideal para representar la ideología triunfante y
propagandística del poder.
- Predominio del color sobre el dibujo. Sobre todo colores que den al cuadro
una luz brillante. Todo ello con una pincelada rápida.
- Corpulencia exagerada de sus figuras.
- Profundidad atmosférica.
- Toma en parte el tenebrismo de Caravaggio.
- Gran importancia de la curva, línea serpentinata.
- Abundancia de composiciones diagonales.
- Gran dinamismo de sus figuras.
- Favoritismo por el desnudo femenino, de carnes blandas y grasientas, lo
que le resta en cierta manera, sensualidad.
- No refleja la psicología de los personajes. Predominó mucho más en su
pintura las formas físicas que el carácter de sus representados.
- Trabajó diversos temas: religiosos, mitológicos, sin duda su género favorito,
históricos, paisaje, así como el retrato, incluyendo el autorretrato.
Obras importantes:
1. Religiosos:
● Se inicia en esta temática con los trípticos, hoy en la Catedral de Amberes:
de “La elevación de la cruz” y el “Descendimiento de Cristo”.
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[Link]ógicos: fue su género favorito

● “El rapto de Proserpina” (Prado)
● “El juicio de París”
● “El jardín del amor”
● Y las famosas “Las Tres Gracias” (Prado)
[Link]: interés sobre todo por las formas, más que por los aspectos
psicológicos.
● “El Duque de Lerma” fue uno de sus primeros y realizado en su primera
visita a España.
● “María de Médicis”

C. Rembrandt:
Rembrandt nació en Leyden (Holanda) de familia humilde.
Aunque su formación la realizó en su localidad de origen, donde incluso llegó a abrir
un taller, va a ser en Amsterdam donde va a pasar la mayor parte de su vida y, a
diferencia de Rubens, no viajó a Italia ni a casi ningún sitio, ni le interesó la
antigüedad clásica.
Debido a su matrimonio, tuvo una vida más holgada. Se casó con una rica heredera,
que tras su muerte quedó totalmente arruinado. Empezando otra relación con la
sirvienta, lo que hizo que surgiera un rechazo social hacia este.
Características de su pintura: será el primer gran artista que no dependa del
mecenazgo de la Corte o de la aristocracia, sino que vende sus propios cuadros en
el mercado, entre la burguesía holandesa. Por ello se convertirá en el gran
intérprete de la sociedad holandesa de su época.
- Trata todos los temas: paisajes, retratos, religiosos, interiores, mitológicos…
- Formado en el tenebrismo de Caravaggio, en su localidad natal, da a éste
un estilo propio, pues no es tan radical como el de aquél, sino que sus
contrastes de luces y de sombras son mucho más graduados, envolviendo a
todas sus figuras como en una especie de penumbra. La luz resultante es
dorada, brillante.
- Su pintura refleja la realidad de los rostros, de los ambientes…
- Le gusta profundizar en las calidades de los materiales, en el brillo de los
objetos y textura de los objetos.
- Utiliza una pincelada suelta generalmente en los cuadros personales,
mientras que ésta se vuelve más precisa en los de encargo.
- Refleja mucho mejor que Rubens el aspecto psicológico de los retratados.
Obras más importantes:
1. Retratos: género al que este artista le dedicó muchas de sus obras. Hizo un
gran número de retratos colectivos que le encargaron los diferentes grupos
profesionales. De ello destacan sobre todo tres:
● “La lección de anatomía del doctor Tulp” (encargo de gremios de
cirujanos):
Parece que el cuadro sufrió la intervención de algún otro pintor que pudo
modificar lo que Rembrandt realizó en origen. El cadáver se convierte en el
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centro de atención de la obra, actuando además como una especie de foco

reflectante, de lámpara que ilumina el resto de la escena, que se desarrolla
en un ambiente tenebrista. Los retratos de los personajes están
individualizados, sin embargo todos ellos están unidos psicológicamente
entre sí por la atención que prestan a las lecciones del profesor.
El realismo queda reflejado además al mostrarnos el haz de músculos del
brazo del cadáver que el doctor está cogiendo con una pinza.
● “La ronda de noche”: indebidamente llamado así, pues la escena transcurre
de día y no de noche, aspecto que se descubrió tras la limpieza y
restauración del cuadro. Destaca sobre todo por su iluminación. Una especie
de luz dorada, sombras… entre la que se mueven los personajes. Al mismo
tiempo llama la atención su dinamismo, no muy corriente en un retrato de
estas características. Dentro de una composición llena de líneas oblicuas.
● “Los sindicato pañeros”
Individuales:
● Pintó varios “Autorretratos”, quedando reflejado su rostro en diferentes
edades.
● Asimismo también pintó a sus dos mujeres “Saskia riendo” y “Mujer en la
ventana”.
2. Religiosos: aparecen, como resultado de la idea protestantem episodios
bíblicos, del Antiguo Testamento, con un tratamiento mucho más íntimo,
menos teatral que los de la iglesia católica.
● “El regreso del hijo pródigo”
3. Cotidianos:
● “Mujer bañándose”
Otro autor holandes muy importante es Vermeer con “La joven de la Perla”.

5. LA ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA.

Podemos dividirlo en tres periodos:
Primer periodo.
Durante la primera mitad del XVII.
Características: pervivencia de las formas herrerianas en las formas:
- Austeridad en las fachadas. La decoración, mucho menos abundante que
en las etapas siguientes, estará siempre en el interior.
- Las plantas de las iglesias son muy simples, amplia nave y capilas
laterales, que abundan en castilla, o bien la de tipo “Cajón” que se desarrolla
en Andalucía.
- La austeridad se manifiesta en los materiales que tienden a ser pobres
recubiertos por la decoración.
Arquitectos y obras más importantes:
JUAN GÓMEZ DE MORA es el más importante.
Donde mejor se ve la influencia escurialense es en las obras civiles que llevó a cabo
en Madrid:
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● “Plaza Mayor de Madrid”, en la que destacan la “Casa de la Panadería”

servirá de influencia para la construcción de la Plaza mayor de Salamanca:
planta cuadrangular, soportales en la parte inferior, donde se situarán los
comercios y sobre ellos las viviendas. Además se concibe como un lugar de
celebración de los principales actos civiles y religiosos de la ciudad.
● “Ayuntamiento”
● “Ministerio de Asuntos Exteriores”

Segundo periodo.
Durante la segunda mitad del siglo XVII aproximadamente.
Características, poco a poco se van abandonando las formas herrerianas,
centrándose en una fase más decorativista:
- Se enriquece la decoración, resultando unas fachadas menos austeras,
incorporando motivos vegetales, volutas, molduras o escudos recortados.
- Las plantas, sin embargo, siguen siendo simples, sencillas.
Arquitectos y obras más importantes:
ALONSO CANO y su “Fachada de la Catedral de Granada”
HERRERA EL MOZO y la “Basílica del Pilar de Zaragoza”

Tercer periodo.
Durante la primera mitad del siglo XVIII aproximadamente.
Características, se abandona totalmente todo resto de influencia herreriana y se
entra de lleno en un estilo caracterizado fundamentalmente por la riqueza
decorativa y la complicación.
- También llamado “Churrigueresco”, por la familia de arquitectos.
- Máximo desarrollo de lo decorativo: columnas salomónicas, frontones
curvos y partidos, textiles, escudos recortados, hornacinas, estípites…
- Sobre todo en las portadas, realizadas a modo de retablos en piedra. El
ejemplo más importante lo tenemos en el “Retablo de San Esteban” de
Salamanca, realizado por José Churriguera.
- Los edificios se verán acompañados por grandes retablos de madera
dorada y policromada, que siguen las mismas características de exuberancia
decorativa.
Arquitectos y obras más importantes. Dos focos importantes:
A. Madrid: PEDRO DE RIBERA:
Es el arquitecto más importante de este periodo. Fue arquitecto municipal de
Madrid, donde realizó tanto construcciones religiosas como civiles y
urbanísticas.
Llevará hasta sus últimas consecuencias las características mencionadas.
● La “Fachada del Hospicio” de Madrid es su obra maestra.
● El “Puente de Toledo”
B. Salamanca: los hermanos CHURRIGUERA:
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Sus componentes serán los hermanos José, que también realizará retablos
(como el de San Esteban), Joaquín y Alberto, los cuales trabajarán también
en Madrid.
● “Plaza Mayor” de Salamanca, realizada por Alberto.
C. Otros focos regionales: generalmente decoran o transforman edificios ya
existentes:
● Galicia: CASAS Y NOVOA con su impresionante “Fachada del
Obradoiro” de la Catedral de Santiago de Compostela.
● Toledo: NARCISO TOMÉ con “Transparente” de la Catedral de
Toledo, influenciado por Bernini.
● Andalucía: en Córdoba y Granada está FRANCISCO HURTADO con
el “Sagrario y la Sacristía de la Cartuja de Granada”, obras de
máximo barroquismo.
En Sevilla la familia FIGUEROA, destacando la “Portada del
Colegio-Seminario de San Telmo”, LEONARDO ANTONIO es el
realizador de la “Iglesia de la Palma del Condado” de Huelva.
● Levante: en Murcia JAIME BORT, que lleva a cabo la “Fachada de la
Catedral”. En Valencia el “Palacio del Marqués a Dos Aguas”.
La llegada de los Borbones traerá otra corriente derivada del clasicismo francés.
Se produce la llegada de arquitectos extranjeros opuestos a la excesiva
decoración del barroco español del momento. Nos encontraremos a la principal
realización:
- Arquitectura palaciega: FILIPPO JUVARA italiano, y el “Palacio Real” de
Madrid, terminado por SACCHETTI, también del mismo país.
“Palacio de San Ildefonso” y “Palacio de Aranjuez”

6. LA GRAN IMAGINERÍA: CASTILLA Y ANDALUCÍA. MURCIA.

A. Aspectos generales:
- Gran desarrollo de la escultura barroca española de los siglos XVII y XVIII,
dando como resultado uno de los episodios más originales y creativos de
todo el arte español.
- Se tratará de un auténtico arte “nacional”, alejado de toda influencia
extranjera, tanto en cuanto a modelos como a técnicas.
- Al mismo tiempo, aunque existan diversas escuelas, esta escultura barroca
española mantendrá una fuerte unidad en cuanto al material, temática y
tipos de obras:
● Material: madera policromada.
● Temática: exclusivamente religiosa, imágenes devocionales de
Cristos, Vírgenes y Santos para impresionar al pueblo.
● Obras: retablos y pasos procesionales.
● Técnica: es la talla de la madera, policromada después con estofados
y encarnados. Abunda el recurso al postizo, es decir, la colocación
de cabellos reales, uñas, dientes de asta, ojos, y lágrimas de cristal…
- Estilo:
ARTE BARROCO.

● Serán imágenes de gran fervor religioso, haciéndose eco del sentir

popular.
● Representaciones realistas, continuando con lo iniciado en la
escultura española del Renacimiento.
● Fuerte expresividad, llegando a reflejar el dramatismo del
sufrimiento de la pasión o, al menos, un sentimiento místico.
● Las composiciones son dinámicas, con personajes agitados y en
tensión.
- El retablo barroco:
● A modo de estructura arquitectónica, dividida en pisos horizontales
por entablamentos y en calles verticales por columnas de fuste liso
entre otras…
● Cumplen una doble función: decorativa de la mesa del altar y
pedagógica de la liturgia católica.
● Forman parte de él no sólo relieves, sino también imágenes de bulto
redondo, que pueden ser sacadas en procesión.
- Los pasos procesionales:
● Se van a convertir en la mejor manera de enseñar a la población
inculta todas las verdades de la Pasión de Cristo, llevando a la calle
las imágenes para que provoquen en él la emoción y el sentir religioso.
● Pueden ser tanto figuras individuales como grupos, pensadas para
ser sacadas en procesión por las calles.
- Escuelas y artistas más importantes:
● SIGLO XVII
- Castilla: Gregorio Fernández.
- Andalucía:
Sevilla: Juan Martínez Montañes y Juan de Mesa.
Granada: Alonso Cano y Pedro de Mena.
● SIGLO XVIII
- Murcia: Francisco Salzillo.

B. SIGLO XVII: Escuela castellana: Gregorio Fernández:

Es una de las figuras más importantes de la escuela castellana.
Nacido en un pueblo de Lugo, se trasladó joven a Valladolid. Allí se desarrollara
toda su labor escultórica, creando un importante taller que tuvo una gran actividad
debido al prestigio que pronto tomó.
Trabajará tanto para las órdenes religiosas, sus principales clientes, como para las
cofradías, la nobleza y hasta el propio rey Felipe IV. Talla retablos e imágenes
además de pasos procesionales los cuales no se conservan ninguno.
Su trayectoria se puede dividir en dos etapas:
1. Una primera etapa de influencia manierista, en concreto de Juan de Juni y
de los primitivos flamencos del siglo XV.
2. Una etapa de madurez en la que afianza el realismo.
Características:
ARTE BARROCO.

- Obra de talla completa.

- Máximo realismo y dramatismo expresivo.
- Modelado blando del desnudo.
- Rigidez en los ropajes: telas pesadas que se quiebran en pliegues
geométricos y artificios.
- Utilización del postizo.
- Crea tipos iconográficos: La piedad, atado a la columna…
Obras más importantes:
● “Inmaculada” de la Iglesia de la Vera Cruz de Valladolid.
● “Piedad” en el Museo Nacional de Escultura.
● “Cristo yacente”, hay dos muy famosos, uno en el Museo de Escultura y
otro en el Convento de los Capuchinos de El Prado, provincia de Madrid.
● “Ecce Homo” en el Museo de Escultura.
● “Cristo atado a la columna” en la iglesia de la Vera Cruz.
Además tenemos varios retablos suyos en la ciudad de Valladolid.
● Convento de Carmelitas Descalzas de Valladolid.
De los pasos más importantes es el del “Descendimiento” de la iglesia de la Vera
Cruz.

C. SIGLO XVII: La escuela andaluza: Juan Martínez Montañés y Juan de Mesa

en Sevilla, Alonso Cano en Granada.
1. SEVILLA: JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS (1649).
Nacido en Jaén, se formó en Granada, pero se marchó a Sevilla donde desarrolló su
labor artística. Salió tan solo una vez a Madrid donde fue convocado por Velázquez
para un encargo de Felipe IV.
Es el imaginero español que cobró mayor prestigio.
Características:
- Obras más serenas y clásicas que las de Gregorio Fernández. Mucho
menor dramatismo.
- Estilo más idealizado, propio del manierismo.
- Inventor de nuevas iconografías como: la Inmaculada y el Niño Jesús.
- Realizó retablos e imágenes devocionales. Sólo talló una única imagen
procesional.
Obras más importantes:
De entre sus retablos podemos destacar:
● “San Isidoro del Campo” de Santiponce en Sevilla, en el que sobresalen
dos relieves, su “San Jerónimo” y la “Adoración de los pastores”.
● “Santa Clara” de Sevilla.
● “San Miguel” de Jerez de la Frontera en Cádiz.
Entre sus imágenes devocionales:
● “Niño Jesús” de la Iglesia del Sagrario de Sevilla.
● “Inmaculada Concepción” de la Catedral de Sevilla, modelo que seguirá
mucho Murillo en sus cuadros.
● “Cristo de la Clemencia” de la Catedral de Sevilla.
ARTE BARROCO.

Su única imágen procesional fue “Jesús de la Pasión” de la Iglesia del Salvador en

Sevilla.

2. SEVILLA: JUAN DE MESA (1627).

Nacido en Córdoba, trabajó como oficial para Juan Martinez Montañes, hasta que se
convirtió en maestro escultor.
Fue el artista predilecto de las cofradías sevillanas.
Características:
- Introduce en la escultura barroca andaluza el naturalismo: consultaba el
natural y estudiaba los cadáveres.
- Mayor dramatismo en sus figuras que Montañés, pero menos que en
Castilla.
- Creó los modelos iconográficos del Crucificado y del Nazareno.
Obras más importantes:
Realizó muchos crucificados como:
● “Cristo del Amor” de la Iglesia del Salvador en Sevilla.
● “Cristo de la Buena Muerte”.
● “Cristo de la Agonía” de la Iglesia de San Pedro en Vergara, Guipúzcoa.
● “Cristo de la Conversión” de la Hdad. de Monserrat.
Su obra, tal vez, más famosa será el nazareno “Jesús del Gran Poder” de la
Basílica del Gran Poder en Sevilla, es una imagen articulada de vestir.
Talló muchos santos y vírgenes, siendo su último trabajo antes de morir la de
“Nuestra Señora de las Angustias” de la Iglesia de San Pedro de Córdoba.

3. PEDRO ROLDÁN.
Realizó el retablo del “Hospital de la Caridad”. Y su hija Luisa Roldán siguiendo
sus pasos, realizó el “San Miguel aplastando al Diablo”.

4. GRANADA: ALONSO CANO ([Link]).

Este escultor granadino fue polifacético, pues además trabajó como arquitecto,
pintor…
Además pasó estancias prolongadas en Sevilla, Madrid y Granada, Alonso Cano
pasó su juventud, formándose en el taller de Francisco Pacheco, donde estaba
Velázquez.
La muerte, asesinada de su mujer y después de ser “investigado” y encarcelado por
la Inquisición por este hecho, fue puesto en libertad y declarado inocente. Estos
últimos años fueron los más importantes de toda su carrera artística como escultor.
Características:
- Idealización de los tipos.
- Obras amables, serenas, equilibradas, casi más propias del Renacimiento
que del Barroco.
- Tratamiento de los paños con enormes pliegues, al principio muy decorados
y sin decoración al final.
ARTE BARROCO.

- Como era también pintor, policroma personalmente sus obras, cuando lo

normal es que lo haga otro artista pintor.
- Realizó multitud de imágenes devocionales, siendo las de pequeño tamaño
las que le dieron más fama.
Obras importantes:
● La “Virgen de la Oliva” para el retablo de la Iglesia de Santa María de Lebrija,
provincia de Sevilla.
● “Inmaculada” de la Catedral de Granada.
Formado por Alonso Cano, conviene citar también a Pedro Mena, que realiza una
escultura del mismo tipo. Ejemplo de ello es su “Dolorosa” del monasterio de las
Descalzas Reales de Madrid.

D. SIGLO XVIII: Escuela Murciana. Francisco Salzillo.

Hijo de un escultor napolitano, con quien se formó, va a ser el mejor continuador de
la imaginería barroca en el siglo XVIII. Nació y trabajó en Murcia.
La principal característica de su escultura será la fusión del dramatismo español
con la gran acia italiana.
Formó un gran taller en el que trabajaron también sus hermanos y un gran número
de aprendices, dando salida a una altísima producción artística.
Aunque realizó todo tipo de esculturas, lo que más famoso le hizo fueron sus pasos
procesionales y su gran Belén.
1. PASOS:
- Formando grupos con figuras fuertemente relacionadas
psicológicamente y unidas por la acción. Muchas veces une
imágenes de vestir con otras de talla.
- Figuras con gran movilidad y expresividad. Gran estudio de
posturas y anatomía.
- Rostros dulces y graciosos, tal vez excesivamente dulzones.
- Carnes aporcelanadas.
- Sentimiento místico de sus figuras y composiciones.
- Obras más importantes:
● “La Última Cena”
● “El Prendimiento”
● “La Columna”
● “La Oración en el Huerto”, es sin duda, su paso más importante.
2. BELÉN:
- Otra de las cosas que trabajó fueron los belenes de origen Napolitano,
que se hicieron famosos en el [Link].
- Pasó gran parte de su vida realizando su Belén, de cientos de figuras y
que le fue encargado por un particular.
ARTE BARROCO.

7. LA PINTURA BARROCA. EL NATURALISMO TENEBRISTA: RIBERA Y

ZURBARÁN. EL REALISMO BARROCO: VELÁZQUEZ Y MURILLO.
A. La Pintura Barroca Española.
La pintura española no solo tendrá una importancia nacional sino también entrará en
el siglo de oro de la pintura española.
Va a ser una mezcla de arte original, como el que hemos visto en la escultura, con
influencias de la pintura italiana y flamenca de su tiempo, dando como resultado
una serie de obras de excepcional calidad y de personalidad propia.
Dos corrientes se van a imponer coincidiendo con las dos mitades de siglo:
1. Primera mitad del siglo XVII: etapa del “naturalismo tenebrista” de
influencia italiana (Caravaggio), donde se copian modelos del natural que
quedan iluminados con fuertes contrastes de luz. Ribera y Zurbarán serán
los principales representantes.
2. Segunda mitad del siglo XVII: etapa del “realismo barroco” en la que la
influencia de Rubens en cuanto a su rico colorido y composiciones más
teatrales, se mezclan con la pincelada más suelta y la luz valenciana de
Tiziano. Velázquez y Murillo representan esta etapa.
Temática:
- La religiosa será, lógicamente, la más importante, al seguir siendo la Iglesia
principal cliente, destacando las numerosas representaciones de la vida de
los santos.
- El retrato también fue muy abundante, sobre todo en el ámbito cortesano y
de la nobleza, intentando destacar no sólo la psicología del personaje, sino
también la categoría social del mismo.
- Sin embargo, el tema mitológico es mucho menos utilizado, salvo por los
reyes y nobles para destacar sus palacios y casi siempre encargado a
pintores extranjeros.
- Otros temas utilizados pero en menor medida fueron la pintura de género, el
bodegón, el paisaje y la pintura de Historia.

B. El naturalismo tenebrista: Ribera y Zurbarán.

JOSE RIBERA.
Nacido en Valencia, pronto se trasladó a Italia, donde se instaló definitivamente
hasta su muerte en Nápoles, aunque nunca pierde contacto con España, recibiendo
la influencia de Caravaggio.
Su estilo adoptará el tenebrismo de Caravaggio, aunque poco a poco lo irá
sintetizando con el color y la luz de Tiziano y Rubens, convirtiéndo se éstos en
verdaderos protagonistas de su pintura.
Gran naturalismo, reflejando a sus personajes tal y como son.
Sus composiciones son muy cuidadas, son muy teatrales, dramáticas, sin evitar la
violencia o la crueldad.
Sus principales clientes fueron las instituciones religiosas de Nápoles, poniéndo
claramente al servicio de las ideas de la Contrarreforma.
Obras religiosas más importantes:
ARTE BARROCO.

● “Calvario” (Colegiata de Osuna Sevilla).

● “Martirio de San Felipe” (Prado), en la mitad superior del cuadro se
desprende del tenebrismo, lo que es excepcional en su pintura.
● “El sueño de Jacob” (Prado).
La pintura de género también fue tratada pro Ribera, describiendo personajes
“especiales”:
● “La mujer barbuda”
● “El patizambo” (Louvre), donde retrata a un niño mendigo y tullido, con una
sonrisa que dulcifica su imagen y en un ambiente de mucha mayor claridad
lumínica.
Practicó muy poco la temática mitológica o clásica.
● “Arquímedes”, reflejado como un personaje vulgar.
ZURBARÁN.
Aunque nacido en Badajoz, se forma y trabaja casi toda su vida en Sevilla, por lo
que se incluye en la llamada escuela andaluza.
Desarrolla un estilo que no varía prácticamente en toda su carrera.
No abandona casi nunca el tenebrismo.
La composición es lo menos logrado de su pintura. Son sencillas, equilibradas,
más bien frías, sin dramatismo, ni escorzos ni diagonales, sin dominar la
profundidad, colocando a los personajes muchas veces en filas paralelas.
Representa fielmente las ideas contrarreformistas, plasmando un fuerte
misticismo en sus obras y personajes, sobre todo de sus monjes. De ahí que sus
principales clientes fueron los conventos, para los que pintó ciclos narrativos de
sus principales figuras religiosas.
Obras más importantes:
● La serie sobre la “Vida de San Buenaventura” para el convento franciscano
de este mismo nombre de Sevilla.
● Para el Monasterio de Guadalupe.
● La serie realizada para la Cartuja sevillana de las Cuevas, donde destaca “El
refectorio de los Cartujos” y la “Virgen de las Cuevas”.
● Para la orden de Predicadores pintó un gran cuadro para el altar mayor de su
Colegio. “Apoteosis de Santo Tomás de Aquino” el cuál nos puede
recordar al cuadro de Greco, el entierro del Conde de Orgaz.
● También pintó los cuadros de la sacristía de la Iglesia de San Juan en
Marchena.
● Realizó destacados bodegones, en composiciones muy sencillas,
sobresaliendo sus valores táctiles y las cualidades de la materia.

C. El realismo barroco: Velázquez y Murillo.

DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660).
Es junto a Goya, el pintor más original de todos los tiempos de nuestro país. Ha
ejercido muchísima influencia en los pintores posteriores.
Nacido en Sevilla, realiza su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco. Se
convirtió en pintor de cámara de Felipe IV gracias al conde del Duque de Olivares.
ARTE BARROCO.

Viajó a Italia en dos ocasiones, por estudios y para realizar compras para el Rey,
conociendo de primera mano las obras de los grandes maestros italianos.
Abarcó todas las temáticas: religiosas, mitológicas, paisaje, retrato, histórica…
Su estilo evoluciona claramente en dos aspectos:
1. De una pincelada muy fina con representaciones volumétricas y realistas.
2. De los fondos oscuros, tenebristas de sus primeros cuadros hasta un total
aclarado de los mismos.
Sus composiciones no poseen movimiento, aunque sus personajes están
hábilmente repartidos que obligan al espectador a varios golpes de vista.
Aunque se basa en la realidad y es un pintor naturalista, no se limita únicamente a
reflejar, sino que interpreta esa realidad a su manera.
Etapas:
1. Etapa sevillana, etapa de formación, inmersa en el tenebrismo de
Caravaggio, con colores terrosos, pincelada fina, presenta sus figuras con
unos contornos precisos. Sus obras más importantes son las escenas de
género:
● “La vieja friendo huevo”
● “El aguador de Sevilla”
También realizó en esta etapa pintura religiosa:
● “La mulata”
2. Primera etapa madrileña, se traslada a Madrid y es nombrado pintor de
cámara del Rey Felipe IV. Realizó una serie de retratos de personajes de la
Corte. Destacan:
● “El infante don Carlos”
● “Felipe IV”
Al final de esta etapa realizará el que es una de sus grandes obras maestras:
● “El triunfo de Baco” (Prado): conocido como Los Borrachos. Aparece
ya una pincelada más suelta y un atisbo de perspectiva aérea en el
fondo. Juego de contraposiciones. Bodegón en un primer plano, propio
de su primera época.
3. Primer viaje a Italia, se traslada allí para conocer la pintura de los grandes
maestros. Su pintura ya va a evolucionar claramente hacia la pincelada más
suelta, abandonando el tenebrismo y profundizando en la perspectiva aérea y
en el estudio del desnudo. Su obra más importante de esta etapa es:
● “La fragua del vulcano”: realiza un análisis psicológico de cada
personaje, con diferentes expresiones en los mismos junto a una gran
cantidad de contrastes.
4. Segunda etapa madrileña, en esta etapa lleva a cabo un elevado número de
retratos de la familia real y de diversos personajes de la Corte:
● Varios retratos de Felipe IV.
● “Conde-duque de Olivares”
● “Bufón Pablos de Valladolid”
● “El niño de Vallecas”
● “El bufón Calabacillas”.
ARTE BARROCO.

De entre sus cuadros religiosos destaca, sin lugar a dudas, su excepcional:

● “Crucificado”
Cabe reseñar, por último, dentro de esta etapa uno de sus cuadros más
famosos, destinado a decorar el Salón de Reinos de Palacios:
● “La rendición de Breda”: conocido como las lanzas. Pintura de
historia, que narra la rendición de esta ciudad de los Países Bajos ante
las tropas españolas. Representa una técnica impresionista y una
atmósfera perfecta.
5. Segundo viaje a Italia, encargado por el Rey para realizar compras para la
colección real. Allí pinta tres obras muy importantes:
● “Retrato del Papa Inocencio X”: es uno de los mejores retratos de
Velázquez, con una gran técnica cromática y estudio psicológico del
personaje extraordinario, influencia de Tiziano en colores venecianos.
● Dos cuadros muy parecidos y de pequeño tamaño sobre “La villa
Médici” con una técnica impresionista.
● “La Venus del espejo” que es considerado el desnudo más bello de
la pintura española.
6. Periodo final, esta etapa supone el culmen de su pintura, realizando dos de
sus obras maestras:
● “Las meninas” (Prado), se refiere a la palabra portuguesa por la que
atendían las damas de palacio que acompañaban a las Infantas. Tiene
la gran originalidad de representar lo que está al “otro lado del cuadro”
y no, a quien supuestamente el pintor está retratando, los Reyes, que
se ven reflejados en un espejo, y que están junto al espectador.
Incluye en autorretrato del artista. Contiene un extraordinario
tratamiento de la luz.
● “Las Hilanderas”, supone una especie de síntesis de su estilo
maduro. Mezcla magistralmente la pintura mitológica con la de género.
Se aprecian dos escenas, la primera más costumbrista en la que están
personas hilando y al fondo escenas mitológicas. Máximo desarrollo
de su pincelada impresionista.
MURILLO.
De una generación posterior a Velázquez, nunca quiso dejar de vivir en Sevilla, sólo
pasó dos años en Madrid, vivió tan solo de las ventas de sus obras. En 1682, tras
caerse de un andamio cuando pintaba una gran composición para el altar del
convento de Capuchinos de Cádiz.
Fundó una Academia del Arte de la pintura, alternando sus clases con su trabajo
como pintor. Tuvo una gran fama en vida, convirtiéndo toda su pintura en muy
popular.
Su temática va a estar dedicada sobre todo a dos tipos, la pintura de género,
especialmente infantil y costumbrista, y sobre todo la Inmaculada. Todo ello dentro
de una interpretación amable, idealizada de sus personajes.
Su estilo también va evolucionando con El Paso del tiempo, mientras que en su
etapa juvenil se caracteriza por un gran tenebrista, pincelada fina y gran sentido
ARTE BARROCO.

volumétrico, al estilo de Zurbarán, en su madurez su paleta se irá aclarando y

haciéndose cada vez más suelta, al mismo tiempo que el colorido se enriquece.
Obras infantiles: muchas de estas obras se hicieron famosas fuera de nuestras
fronteras, exportando varias principalmente a la burguesía centroeuropea:
● “Niños comiendo fruta”
● “Vieja espulgando a un niño”
● “La pequeña vendedora de fruta”
Obras religiosas: fueron las más abundantes de su producción:
● La temática infantil la relaciona con la religiosa: “El Buen Pastor niño”
● También la relaciona con la pintura de género, como por ejemplo en la
“Sagrada Familia del pajarito”
● Aunque fueron sus numerosas Inmaculadas las que le dieron más fama y que
pintó hasta su muerte, como la “Inmaculada” del Museo de Bellas Artes de
Sevilla.
● Hizo también grandes cuadros para iglesias, conventos, cofradías: “San
Francisco abrazando al Crucificado”, “San Antonio de Padua y El Niño
Jesús”…