Itoitz Uribe Sarriegi

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INDICE
1.- Orígenes de la guitarra, el laúd y la vihuela. Diferentes teorías.

2.- Época Medieval: desarrollo de estos instrumentos:

a.- Características generales de la música de este periodo.
b.- La guitarra medieval.

3.- Renacimiento
a.- Características generales de la música de este periodo.
b.- La guitarra renacentista:
1.- Características organológicas
2.- Afinación.
3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.
4.- Aportaciones técnicas relevantes.
5.- Autores más importantes. Repertorio.
c.- El laúd renacentista:
1.- Características organológicas.
2.- Afinación.
3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.
4.- Aportaciones técnicas relevantes.
5.- Autores más importantes. Repertorio.
d.- La vihuela:
1.- Características organológicas.
2.- Afinación.
3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.
4.- Aportaciones técnicas relevantes.
5.- Autores más importantes. Repertorio.

4.- Barroco
a.- Características generales de la música de este periodo.
b.- La guitarra barroca:
1.- Características organológicas.
2.- Afinación.
3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.
4.- Aportaciones técnicas relevantes.
5.- Autores más importantes. Repertorio.
c.- El laúd barroco:
1.- Características organológicas.
2.- Afinación.
3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.
4.- Aportaciones técnicas relevantes.
5.- Autores más importantes. Repertorio.
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5.- Segunda mitad del S. XVIII

a.- Características generales de la música de este periodo.-
b.- Evolución de la guitarra de 5 órdenes a la de 6 cuerdas simples.
Principales constructores.
c.- Evolución del sistema de escritura.
d.- Afinación.
e.- Aportaciones técnicas relevantes.
f.- Autores más importantes. Repertorio.

6.- Primera mitad del S. XIX. Periodo clásico-romántico

a.- Características generales de la música de este periodo.
b.- Características organológicas. Principales constructores.
c.- Aportaciones técnicas relevantes.
d.- Autores más importantes. Repertorio.

7.- Segunda mitad del S. XIX. Romanticismo

a.- Características generales de la música de este periodo.
b.- Características organológicas. Principales constructores.
c.- Aportaciones técnicas relevantes.
d.- Autores más importantes. Repertorio.
e.- Antonio de Torres y su aportación a la evolución y a los sistemas de
construcción del instrumento.
f.- Francisco Tárrega y sus discípulos.

8.- Primera mitad del S. XX

a.- Características generales de la música de este periodo.
b.- Características organológicas. Principales constructores.
c.- La influencia de Andrés Segovia. Autores que compusieron para él,
repertorio, características, alumnos destacados (Alirio Díaz, John
Williams…).
d.- Aportaciones técnicas relevantes.
e.- Agustín Barrios y la guitarra en latino-América.

9.- Segunda mitad del S. XX

a.-Características generales de la música de este periodo.
b.- Variantes e innovaciones en la construcción del instrumento.
c.- Nuevos recursos compositivos, formales, interpretativos y de notación.
d.- Guitarristas más destacados del S. XX : R. Sainz de la Maza ,
N. Yepes, J. Bream.
e.- Principales autores : Leo Brouwer. J. Williams Duarte , S Dodgson,
B. Britten.
f.- La guitarra en la actualidad: Intérpretes más destacados, técnica,
grabaciones, concursos etc.
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1.- Orígenes de la guitarra, el laúd y la vihuela. Diferentes teorías.

Si bien está claro que los orígenes de la guitarra se remontan a varios milenios atrás, se da por
bueno que el término guitarra proviene del griego κιθαρα (se pronuncia 'kizara') modificado a su
paso por el árabe. La 'kisara' era un instrumento de la familia de las liras, provisto de siete
cuerdas. Asimismo, según la mitología clásica el primer instrumento de cuerda fue inventado por
el dios Hermes (Mercurio en la mitología romana) utilizando un caparazón de tortuga como caja
de resonancia. Hermes regaló la 'kisara' o cítara a su hermano Apolo, y las transformaciones del
nombre a lo largo del tiempo han ido paralelas a las del instrumento.
Respecto a las teorías que aluden al origen de la guitarra, en principio son dos las más
relevantes, la de Maurice J. Summerfield, y la convencional. Según Maurice J. Summerfield ofrece
en su obra (tercera edición 1992, Ashley Mark Publishing Company), entiende que la guitarra
española ha de descender de los instrumentos.
Romanos tanbur o cithara, que llegaron a España con los romanos hacia el año 400 d.C. Esta
teoría, sin embargo, se contrapone a la teoría convencional, que dice que el antecesor directo de
la guitarra es el ud (llamado más tarde laúd), el instrumento que llevaron a España por los moros
después de la invasión de España durante el siglo VIII. Existen también evidencias de que los
Hititas (quienes ocuparon una región ahora conocida como Asia Menor y Siria) cerca del año
1400 a.C, ya tocaban un instrumento de cuatro cuerdas parecido a la guitarra. Este instrumento
recuerda a la guitarra por sus lados suaves y curvos. Más tarde los griegos fabricaron un
instrumento similar al de los hititas, que luego modificaron los romanos, aunque en estos casos
parece que no tenían los lados curvos tan característicos de la guitarra. Algo que llama
curiosamente la atención es que la cithara romana estaba en España siglos antes de la invasión
morisca. Tras lo anteriormente expuesto, parece que aunque el primer instrumento parecido a la
guitarra que apareció en España fue el Ud, después de la invasión morisca, el verdadero
antecedente sería ya la cithara romana siglos antes.
Concluyendo diré que según la teoría de Summerfield, la guitarra española derivó del tanbur de
los Hititas, a la kithara con "k" de los griegos y finalmente a la cithara con "c" de los romanos.

2.- Época Medieval (siglo V al XV): desarrollo de estos instrumentos.

a.- Características generales de la música de este periodo.
La música medieval, arraigada en la Europa del siglo V al XV, reflejó
la cosmovisión, espiritualidad y sociedad de la época. En un
principio estaba
únicamente ligada a la iglesia, con el canto gregoriano como una
expresión sacra. Más tarde surgieron estilos profanos, como la
música trovadoresca y las danzas cortesanas, y es aquí donde
tenía relevancia la “guitarra” medieval.
Esos instrumentos medievales de la familia de la “guitarra”, como la
vihuela, la zanfona y la flauta animaban fiestas y rituales. El Ars
Nova en el siglo XIV trajo avances en notación y ritmo, y se hicieron
populares los villancicos y las composiciones polifónicas.
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La música era muy importante en la vida diaria, no solo en el mundo religioso, sino también en el
ocio y entretenimiento de las calles e incluso de la corte. Los trovadores y troveros cantaron
sobre el amor y la caballería, mientras que los misteriosos cantos goliardos (de clérigos
vagabundos), exploraron temas profanos.
Inicialmente era música monódica, con una línea melódica cantada a capella. Además utilizaban
modos musicales, para establecer tonalidades y atmósferas específicas, y escalas predefinidas
que otorgaban una atmósfera particular a las composiciones. La notación musical primitiva
permitía registrar las melodías, a pesar de que muchas obras fueron transmitidas oralmente.
Aunque la mayoría de la música se ejecutaba de forma vocal, los instrumentos medievales
incluían laud, vihuela, zanfona y flautas. Algo obvio es que la música reflejaba la estructura
social y los valores de la época, desde el canto gregoriano en los monasterios hasta las danzas
en la corte.
Las funciones que cumplía la música en la edad media, iban desde las ceremonias religiosas, a
las festividades cortesanas y los eventos sociales, conectando a las comunidades. Contrastaba
el tema religioso, con las composiciones de trovadores y los cantos goliardos con temas
amorosos y cortesanos, explorando la pasión y la idealización del amor.

b.- La guitarra medieval:

Durante la Edad Media se llamó guitarra a un pequeño
instrumento con forma de media pera y con tres o cuatro
cuerdas tocadas por medio de un plectro o pluma. El
nombre aparece escrito por primera vez en un documento
hacia el año 1300. Este instrumento fue muy utilizado en
casi toda Europa tanto en ambientes cortesanos como
populares, pero no se ha conservado ninguna música
escrita específicamente para él.
Cuando los violeros (constructores de instrumentos de cuerda) españoles de mediados del siglo
XV llevaron a Italia un nuevo modelo de guitarra con fondo plano y forma de ocho, los italianos la
llaman guitarra española para distinguirla de esta vieja guitarrilla medieval con forma de media
pera. De entonces procede esa denominación que se ha mantenido a lo largo de los siglos.

3.- Renacimiento (1400 – 1600)

a.- Características generales de la música de este periodo.
Este periodo es el que va desde 1400 con el final de la Edad Media y hasta 1600, con el
comienzo del período barroco. Se trata de una música sumamente
influenciada por los grandísimos cambios que el mundo occidental estaba viviendo, tales como:
el nacimiento del pensamiento humanista, el descubrimiento cultural y artístico de las antiguas
Grecia y Roma, mayor innovación, un comercio creciente, nacimiento de la clase burguesa y la
Reforma protestante, entre otros muchos cambios.
La invención de la imprenta de Gutenberg fue fundamental, ya que hizo posible distribuir la
música y la teoría musical a una escala masiva. Comenzó a verse la música como una forma
para entretenerse y a ello contribuyó en gran parte el nacimiento y el aumento de la burguesía.
La música renacentista era como el momento que se vivía, la música dejó de lado los límites y
las restricciones vividas en la edad media, tanto en rango, ritmo, armonía, forma y notación, y la
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música “profana” absorbió las técnicas de la música “sacra” y al revés. Hubo muchos
instrumentos como el violín, la guitarra y los instrumentos de teclas se emplearon de nuevos
modos. Además aparecieron instrumentos de viento, tanto elaborados en madera como en
metal, como por ejemplo el fagot y el trombón, por lo que fue posible ampliar la gama de color y
potencia que se encontraba antes.
Durante el siglo XV, por ejemplo, el sonido de las tríadas (acordes) comenzó a hacerse común y,
hacia fines del siglo siguiente, el sistema de modismos de iglesia comenzó a caer, dando paso a
la tonalidad funcional (acordes alrededor de una tónica), que dominaría la música culta en
occidente en los siguientes 3 siglos.
En el renacimiento se depende del intervalo de la tercera, algo que era curioso teniendo en
cuenta que, en la Edad Media, las terceras eran consideradas disonancias. La polifonía se fue
perfeccionando a lo largo del siglo XIV y con voces que se hicieron cada vez más independientes.
Respecto a las voces, se animaba a la participación de conjuntos más grandes y de conjuntos
de instrumentos que se combinarán con la voz, dejando atrás el canto homofónico de los cantos
gregorianos medievales y dando más fuerza a la polifonía, con múltiples voces, así como ocurría
en la música instrumental.
Asimismo, mientras en el periodo medieval la música era modal (seguía modos musicales en
oposición a la escala mayor o la escala menor), en el Renacimiento esto empieza a cambiar, y
mientras que la música vocal, siguió siendo modal por naturaleza, aparecían nuevas formas que
adoptaron la música tonal, que sigue siendo popular hasta el día de hoy. La música tonal pone un
fuerte énfasis en el final de las secciones o piezas enteras. Asimismo, mientras la música
renacentista inicial mantuvo las reglas armónicas de la música medieval de finales de la Edad
Media, a medida que surgieron nuevos estilos a lo largo del siglo XVI, la música del Renacimiento
empezó a traspasar los límites e introducir momentos de disonancia.
La música a cappella italiana y alemana emplearon un estilo llamado música reservata que
presentaba un cromatismo y una ornamentación notables. Las principales formas que perduraron
durante todo el período del Renacimiento fueron misas y motetes, si bien más tarde se comenzó
a componer la sacra y se inició una adopción secular (como el madrigal) para sus propias
composiciones. Fue el Renacimiento un momento de volver a nacer, gracias al cual se lograron
grandes avances en el campo musical.

b.- La guitarra renacentista:

Características organológicas.
Está comprobado es que las guitarras de cuatro y cinco órdenes
convivieron durante gran parte del siglo XVI y prueba de ello es
que los vihuelistas Mudarra y Fuenllana y algunos guitarristas
franceses como
Adrian Leroy y Robert Ballard incluyeron composiciones para
ambas guitarras en algunas de sus obras. De cualquier forma,
cuando surgieron las primeras formas modernas de la guitarra en
el siglo XV, el instrumento era utilizado en España sobre todo por el pueblo llano para acompañar
canciones y bailes con acordes rasgueados, pero a partir de mediados del siglo XVI, cuando la
guitarra de cinco órdenes comenzaba a despuntar sobre la de cuatro, el popular uso se extendió
entre la aristocracia española, y acabó desplazando a la vihuela de los salones cortesanos. Al
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poco tiempo, la moda española del rasgueo atrajo también la atención de la aristocracia
europea, y desde principios del siglo XVII la nueva guitarra de cinco órdenes conocerá un éxito
extraordinario en países como Francia, Italia o Inglaterra, donde se convertirá en la estrella
principal de fiestas y reuniones sociales. Y aunque la guitarra ya era conocida y utilizada en
algunos de estos países, será a partir de entonces cuando el instrumento comience a ser
conocido por los músicos de todo el continente con el nombre de guitarra española. Finalmente,
la guitarra de cinco órdenes se impuso como modelo estándar en toda Europa y las guitarras de
cuatro órdenes desaparecieron por completo del panorama musical.
Es difícil señalar el momento en que la guitarra de cinco órdenes se convirtió en la guitarra
española, pero se suele hablar de 1596, cuando el médico y músico catalán Joan Carles i Amat
(Monistrol de Montserrat 1572- 1642), escribió el primer tratado sobre el instrumento: "Guitarra
española de cinco órdenes, la cual enseña de templar y tañer rasgado,...". -

2.- Afinación.
Afinación. La guitarra de cinco órdenes estaba afinada como actualmente (LA, RE, SOL, SI, MI), a
falta de la incorporación del bordón grave superior, que son las cuerdas adicionales que resuenan
al aire, sin ser pulsadas, aportando profundidad y riqueza al sonido. afinado en MI, que se
añadiría a finales del siglo XVIII.

3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.

El sistema de escritura musical utilizado por los vihuelistas, laudistas y guitarristas durante el
renacimiento es conocido por el nombre de tablatura. Este sistema es utilizado todavía hoy día
por personas que no conocen el sistema de escritura tradicional de la música.

En esta gráfica, los cuatro órdenes del instrumento se representaban mediante cuatro o cinco
líneas, correspondiendo la línea de arriba al cuarto o quinto orden, la siguiente al tercero o
cuarto, etc., Sobre estas líneas se colocaban luego unos números que indican el traste en que
era preciso pisar la cuerda, siendo “O” la cuerda al aire, “1 “el primer traste, “2” el segundo, etc.
En la llamada tablatura francesa, los trastes se señalan por medio de letras en lugar de
números, así la letra “a” correspondía a la cuerda al aire, “b” al primer traste, etc., y además se
invertía la disposición de las líneas correspondiendo el cuarto orden a la última línea, el tercero a
la siguiente, etc. La duración o valor de las notas se indicaba gracias a unas figuras rítmicas
que se hallaban encima de las líneas. La figura rítmica no sólo determinaba el valor de la nota en
que se encontraba sino también el valor de todas las demás notas hasta la figura siguiente.
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4.- Aportaciones técnicas relevantes.

El hecho fundamental para que la guitarra progresara musicalmente fue la incorporación al
instrumento de una quinta cuerda en el siglo XVI, lo que le otorga unas mayores posibilidades
artísticas. Se trataba de una quinta cuerda aguda, situada por debajo de las cuatro órdenes
dobles anteriores. Durante mucho tiempo se atribuyó su implantación al escritor español
Vicente Espinel, amigo íntimo de Miguel de Cervantes y gran
aficionado al instrumento, pero posteriormente se desechó esta teoría, si bien es cierto que su
labor en pro de la guitarra fue bastante importante en la época.
Asimismo Amat escribió un texto práctico y sencillo en el que se explicaban las posiciones de
los acordes básicos para el rasgueo, fue la primera en divulgar la técnica de la guitarra española
de cinco órdenes y obtuvo un éxito tan extraordinario en Europa entre los aficionados al
instrumento, que el autor se vio obligado a publicar varias ediciones en años posteriores.

5.- Autores más importantes. Repertorio.

Se publicaron trece colecciones y trescientas cincuenta y una piezas. El repertorio básicamente
era el mismo que para el laúd y la vihuela.
Un compositor que realizó muchas composiciones fue Adrian Le Roy que publicó muchos libros de
guitarra renacentista. Las formas del repertorio fueron: Transcripciones de música vocal,
acompañamiento de voz, danzas, y Romances, fantasías, pavanas, villancicos, canciones y
gallardas.
En España, a pesar de que la guitarra fue muy popular, no se compusieron muchas obras, y
además se publicaron muy pocas obras para la guitarra renacentista. Era un instrumento muy
famoso, que tocaba gente de todas las capas sociales, fácil de “mal”tocar, más barato, y que se
aprendía casi siempre de oído.
Los autores que publicaron en España fueron los siguientes:
- Alonso Mudarra: Publicó en Sevilla, la obra "Tres libros de música en cifra para vihuela".
Fue canónigo en la catedral de Sevilla y organista. En su música existe una vinculación
con la estética española y tiene influencia de vihuelistas como Milán y Narváez.
También recibe ciertas influencias de Italia. Escribió cuatro fantasías, una pavana y una
romanesca. La pavana y la romanesca con influencias populares.
- Miguel de Fuenllana: Fue organista. Editó la obra "Orphenica Lyra", en 1554 en Sevilla.
Esta obra, está dividida en 6 libros, que contienen una de las más extensas, detalladas
y claras instrucciones sobre aspectos instrumentales de la época. El sexto libro incluye
su colección para la "vihuela de 4 órdenes que llaman guitarra". Tiene enormes
conocimientos del contrapunto y muchos conocimientos del repertorio de la época. Es
considerado un gran músico y sus transcripciones son fieles a las originales.
- Fray Juan Bermudo: Autor de "Declaración de instrumentos musicales" (1555). Está
dividida en seis libros y trata la teoría musical del órgano, la vihuela, la guitarra, la
bandurria, el rabel y el harpa.
- Juan Carlos Amat: Fue un escritor, médico y músico español de Cataluña. Fue músico
aficionado y buen guitarrista. Escribió el primer tratado de guitarra conocido, titulado:
Guitarra española y vandola, en dos maneras de guitarra castellana y cathalana de cinco
órdenes, (Barcelona. 1596). Sin embargo, no se conserva ningún ejemplar de esta
edición, pero fue muy importante ya que se volvió a editar después.
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c.- El laúd renacentista:

1.- Características organológicas
Fue el rey de los instrumentos durante el siglo XVI. Los primeros
tenían seis órdenes (grupos de cuerdas), pero hacia finales del 1500
agregaron una séptima, y luego una octava, una novena y hasta una
décima cuerda. El primer orden se usaba simple y el resto eran
cuerdas dobles.
A principios del s. XVI, con las nuevas necesidades expresivas de la
polifonía renacentista, el laúd medieval comienza a sufrir una serie de
modificaciones que lo hacen más versátil: deja de utilizarse la pluma
para tocar y pasan a utilizarse los dedos, lo que permite tocar varias
cuerdas a la vez; aumenta su número de cuerdas, de 5 órdenes dobles
en un principio a seis, hasta llegar a diez ya bien entrado el s. XVII.

2.- Afinación.
La afinación del laúd es muy similar a la de la guitarra moderna, con intervalos de cuartas y
terceras. La diferencia es que, en el laúd, la tercera está entre las cuerdas 3 y 4. Podían afinar
por octavas desde el cuarto orden, también desde el quinto o sexto. Otras veces solo con
unísonos. Si bien existieron laudes en muchas alturas diferentes (especialmente en La, Fa, Mi o
Re), la afinación más difundida del laúd renacentista es el Sol.

3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.

El sistema de escritura musical sería el explicado en el apartado de la guitarra renacentista, por

emplear el mismo los vihuelistas, laudistas y guitarristas, y se conocía como tablatura.
En esta grafía, los órdenes del instrumento se representaban mediante líneas, correspondiendo
la línea de arriba al orden más alto. Sobre estas líneas se colocan números que indican el traste
en que era preciso pisar la cuerda
Tal y como se ha explicado en el apartado de la guitarra, en la llamada tablatura francesa, los
trastes se señalan por medio de letras en lugar de números, así la letra “a” correspondía a la
cuerda al aire, “b” al primer traste, etc., y además se invertía la disposición de las líneas
correspondiendo el orden más alto, a la última línea. La duración o valor de las notas se indicaba
gracias a unas figuras rítmicas que se hallaban encima de las líneas, que daban el valor de la
nota hasta la figura siguiente.
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4- Aportaciones técnicas relevantes.

Una de las técnicas más importantes es la utilización del pulgar de la mano derecha para pulsar
las cuerdas. Esta técnica, conocida como plucking, permite una ejecución más precisa y
dinámica de las notas. Además, se utiliza la técnica del fingerstyle, donde se emplean los dedos
índice, medio y anular en la pulsación de las cuerdas, generando diferentes timbres y matices
sonoros.
Otra técnica destacada es la utilización del bordoncillo, una cuerda de bajo que se toca al aire
junto con las cuerdas melódicas. Esto crea un efecto de acompañamiento armónico que
enriquece la sonoridad del laúd. Además, se usan los bajones, posiciones alternativas de los
dedos en el diapasón, que permiten alcanzar notas graves y ampliar el rango tonal del
instrumento. Es importante destacar que el laúd no solo se utilizaba como instrumento solista,
sino también como acompañamiento para la voz u otros instrumentos. En esta función, los
músicos ingleses desarrollaron la técnica de strumming, donde se rasguen rápidamente las
cuerdas con los dedos, creando un ritmo y una textura particular.

5- Autores más importantes. Repertorio.

Su importancia dentro de la música europea de este tiempo queda patente por el amplísimo
legado de obras escritas para él por compositores como Da Milano o Negri en Italia, Attaingnant
o Le Roy en Francia, Judenküning en Alemania...
Otro dato que demuestra su importancia es el hecho de que a los constructores de
instrumentos, desde esta época, se les conoce con la voz francesa de "luthier" (de luth = laúd),
aunque curiosamente en España el término preferido es "violero".
Francesco Da Milano (mediados del S XVI en Italia) o John Dowland (principio del S XVII en Gran
Bretaña) fueron grandes compositores e intérpretes de este instrumento. Además de desarrollar
un enorme repertorio solista, que incluye fantasías, danzas, intabulaciones de piezas vocales
para laúd, y demás, fue el instrumento ideal para acompañar la voz en canciones.

d.- La vihuela:
1.- Características organológicas.
Inicialmente, la vihuela era un instrumento pequeño que se frotaba con arco
para acompañar canciones, pero debido a los avances en la técnica
instrumental su tamaño aumentó, al pasar a ser tocada por los músicos
medievales primero con pluma, y después con los dedos. En el siglo XV ya
tenía una forma muy parecida a la guitarra de la época, con la diferencia de
que contaba con seis órdenes de cuerdas en vez de cuatro, lo que le daba
unas posibilidades musicales mucho mayores.
Los músicos cortesanos desarrollaron la vihuela para contar con un
instrumento de cuerda con condiciones para la música polifónica, ya que el
laúd de la época fue marginado en aquella época, por su procedencia árabe.
Es por ello que durante el periodo renacentista la vihuela fue considerada
como una "guitarra culta" y se convirtió en el instrumento de cuerda preferido por los músicos
cortesanos, mientras la guitarra de cuatro órdenes quedaba relegada al uso popular.
De cualquier modo, lo parecido de guitarras y vihuelas en la época hizo que en muchas zonas de
España se confundieran ambos instrumentos e incluso que en Portugal y en las colonias
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españolas en América, donde los colonizadores llevaron vihuelas, se siguió llamando vihuela a la
guitarra durante varios siglos, a pesar de que la vihuela desapareció en España en el siglo XVII.
En el siglo XVI, mientras en el resto de Europa el laúd se imponía en los salones aristócratas
como instrumento solista, en España, Portugal y el sur de Italia (en manos por entonces de la
Corona española) el protagonismo de la vihuela era total en la música cortesana. A finales del
siglo XV el mestizaje cultural de los reinos hispanos medievales quedó finalizado con la derrota
del último reino musulmán y la expulsión de la población judía por los Reyes Católicos, pero
afortunadamente la técnica instrumental enriquecida durante siglos por juglares, trovadores y
ministriles alcanzó su apogeo artístico en el recién nacido Estado español con las obras para
Vihuela. Desde que la vihuela se impuso en el país al laúd y las guitarras como instrumento
cortesano por excelencia, su presencia fue habitual en casas y palacios de nobles y burgueses y
su uso y aprendizaje fue considerado como un signo de distinguida educación.
Los instrumentos eran adornados con lujo e incluso los propios reyes se convertirán en
promotores del arte holístico y recibirán en la Corte a los intérpretes más conocidos con
honores reservados a las grandes personalidades.

2.- Afinación
La afinación se parece mucho a la de la guitarra actual con excepción que la 3ra cuerda se afina
medio tono más grave: mi, la, re, fa#, si, mi. Existían instrumentos de diferentes tamaños
afinados más o menos graves. La afinación dada anteriormente corresponde a la vihuela en mi.
Los autores mencionan vihuelas en la, sol, fa#, fa, mi y re. Hay que tener en cuenta que la
afinación se especifica de la cuerda más grave a la más aguda.

3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.

La complejidad técnica de la vihuela hizo necesario el uso de un sistema de notación musical

para los músicos profesionales, que fue el método de "tablatura por cifra", utilizado por los
laudistas e inventado según los historiadores a principios del siglo XVI por músicos italianos.
En este sistema se trazaban en las partituras líneas horizontales con las seis cuerdas de la
vihuela y sobre ellas las notas señaladas por el número de traste que correspondía pulsar.
Sobre las líneas, se ponían números, especificando el traste que se debe pisar. El ritmo se
especifica con las figuras musicales apropiadas sobre las cifras. No obstante las similitudes,
existen diferencias entre las tablaturas de los vihuelistas, laudistas y guitarristas europeos.

4.- Aportaciones técnicas relevantes.

Los vihuelistas españoles contribuyeron al desarrollo del lenguaje musical del siglo XVI, entre lo
que destaca. Entre sus aportaciones importantes podemos citar:
- Uso de indicaciones de tiempo. Algunos, como Milán, con descripciones, otros lo hacían
con símbolos. Otros como Luys Milán, hablaban de: Compás apresurado o batido;
Compás algo apresurado; Algún tanto aprisa o algo aprisa, Ni muy a espacio ni muy
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aprisa; Compás a espacio. Luys de Narváez indicaba: algo aprisa; medio, muy de
espacio.; y Alonso Mudarra señalaba: Ni muy aprisa ni muy a espacio; o a espacio.
- Se usa por primera vez el tema con diferencias, que son piezas breves que se
interpretan de manera ininterrumpida, con variaciones.
- Desarrollo del sistema tonal. Se pasa del sistema modal al tonal.
- Desarrollo de un estilo instrumental y creación de un importante repertorio para vihuela
y voz.
- Desarrollo de un estilo armónico de acompañamiento.

Sin embargo el éxito de la vihuela como instrumento, fue tan grande como corto, ya que
desapareció en el Barroco, tras el gran éxito de la guitarra como acompañante de bailes y
canciones y las modas musicales llegadas desde Italia, con el clave y los violines a la cabeza.
La vihuela sacrificó su existencia en favor de la guitarra, que aunque aunque ésta comenzó
triunfando gracias al rasgueado, acabó aprovechando
la sabiduría musical de la vihuela para enriquecer su técnica y elevar la categoría de sus
composiciones.

5.- Autores más importantes. Repertorio.

La primera gran obra para vihuela, publicada por el músico español Luys de Milán en 1535 bajo el
título de "El Maestro", estuvo dedicada al rey portugués Juan III. Uno de los mejores vihuelistas
de la época, Luys de Narváez, ejerció su arte al servicio exclusivo del rey español Felipe II. Pero
además de Milán y Narváez, durante el siglo XVI sobresalen en España otros extraordinarios
vihuelistas como Alonso Mudarra, Enrique de Valderrábano, Diego Pisador, Antonio Cabezón,
Esteban Daza o Miguel de Fuenllana, que también publicaron obras de una calidad artística muy
elevada, por encima incluso de las composiciones para laúd que triunfaba en Europa.

4.- Barroco.
a.- Características generales de la música de este periodo.
Como características más representativas de este momento musical, debemos de destacar las
siguientes:
- La contraposición de las voces más extremas que aparecen en la obra, es decir, se
resaltan las voces instrumentales y agudas, formando de esa manera una textura
denominada monodia acompañada.
- Dentro de esa monodia siempre será constante la voz grave que, dependiendo de los
diversos instrumentos que acompañen la base (violonchelos, violas, contrabajos, etc.)
podrá modular la melodía. A esto se le denomina bajo continuo: soporte de acordes
graves de forma constante.
- El ritmo, ya sea de tempo binario o ternario, es siempre constante mecánico, sin
alteraciones grandes en el pulso.
- Se utiliza el estilo concertato, que consiste en contrastar distintas masas sonoras.
- Música ornamentada, muy polifónica, llena de florituras en su escritura (paralelo al
adorno arquitectónico barroco).
- Utilización de lo que se ha denominado la dinámica en terrazas. Produciéndose en los
momentos que los cambios de intensidad no se producen progresivamente (utilización
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de reguladores de intensidad para ello), sino que se produce de una forma súbita (por
ejemplo se pasa de tener “fff” a “ppp”, o la utilización de muchos esforzados, no hay
punto intermedio).
- Se produce una consolidación de las tonalidades predominantes. Además, se marcarán
los planos sonoros claves dentro de una misma obra.
- En cuanto a la instrumentación, la propia de las orquestas sinfónicas, con predominio de
los instrumentos de cuerda frotada (violines, violonchelos, violas y contrabajos).

b.- La guitarra barroca:

1.- Características organológicas.
Es en las décadas finales del siglo XVI que la vihuela de mano fue perdiendo
su privilegiado lugar en la sociedad española. Se impuso con
fuerza un nuevo instrumento punteado que reunía características de la
vihuela y de la guitarra de cuatro órdenes. Este nuevo instrumento era
llamado generalmente guitarra, aunque a veces se le llamaba vihuela.
Para evitar confusiones con otros modelos de guitarra, se llamaba guitarra barroca, porque existió
en el siglo XVII y gran parte del XVIII.
Era más pequeña que una guitarra moderna, de una construcción más ligera, y empleaba cuerdas
de tripa. Los trastes eran también generalmente de intestino, y se ataban alrededor del mango.
La característica diferencial más importante de la guitarra barroca respecto a otras guitarras
está en el número y la afinación de sus cuerdas. Normalmente se distribuían en cinco órdenes,
todos dobles, salvo la primera.

2.- Afinación.
La música evoluciona asentándose la tonalidad. La guitarra abandona la afinación anterior y se
empieza a usar la afinación por cuartas. Los borbones se definen y se adaptan a la música a la
que acompañan.
Los órdenes cuarto y quinto admitían afinaciones diversas combinando cuerdas graves (o
bordones) y agudas. Había un encordado más indicado para rasguear acompañando canciones, y
otro mejor para las exquisiteces del estilo punteado.
La proximidad de la afinación de las cuerdas sin bordones permitía la ejecución de rápidas
escalas en las que cada nota se pulsaba en una cuerda distinta produciendo un efecto parecido
al arpa. Es la técnica conocida como campanelas, que solo se puede realizar en la guitarra
barroca. Muchas obras mezclaban los rasgueos con los «primores» peculiares del estilo barroco:
trinos, temblores, ligados, etc.
La afinación que se adopta es la misma que la actual, por eso no tenemos que modificar la
afinación como cuando tocamos obras escritas para instrumentos del Renacimiento (vihuela…)

3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción.

La tablatura fue el único sistema de notación musical, casi exclusiva para los instrumentos de
cuerda pulsada, utilizada durante el Renacimiento y el Barroco, exceptuando lo poco que se
escribió para algunas composiciones de órgano y flauta dulce, que tuvieron escasa difusión.
En ella se empleaban símbolos, cifras o letras diferentes a las figuras y notas actuales. Estos
símbolos se disponen verticalmente sobre una tabla con tantas líneas como cuerdas tenga el
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instrumento, mostrando al intérprete qué traste presionar con la mano izquierda, qué dedo de la
mano derecha usar, etc.).
El sistema de notación de tablatura presenta de forma completa el contenido melódico,
polifónico y rítmico de una composición.
Se empleó para la guitarra barroca dos clases de tablatura, la italiana y la francesa, si bien la más
manejada por sus compositores fue la italiana, aunque los franceses usaron su propia tablatura.
La Tablatura italiana, utilizaba números (desde 0 al número total de trastes), siendo el número 0
que la cuerda se toca al aire, y los siguientes el traste en el que tocar. La primera cuerda en la
tabla era la línea inferior. Esta fue la más utilizada por compositores italianos y españoles.
Tablatura Francesa, donde un pentagrama representa las cinco órdenes de la guitarra, figurando
la primera cuerda en la línea superior y en la línea inferior el último orden. Además los trastes se
indican con letras, c, comenzando por la a, para señalar los órdenes al aire, la b el primer traste, y
así sucesivamente, siempre teniendo en cuenta que no existía la letra “j”.
Además se empezó a generalizar el sistema conocido como Alfabeto para indicar los acordes
necesarios para el estilo rasgado, aunque
También se incluirán en las partituras diversos signos musicales para las composiciones con
punteado (ligados, apoyaturas, vibrato,..).

4.- Aportaciones técnicas relevantes.

La guitarra barroca es un instrumento con una rica historia y varias características técnicas que
son relevantes en el contexto de la música barroca. Aquí hay algunas contribuciones técnicas:
- Técnica de mano derecha: La técnica de mano derecha en la guitarra barroca a menudo
implica el uso de la técnica conocida como "rasgueo", donde los dedos de la mano
derecha golpean las cuerdas en un movimiento rápido y rítmico. Este rasgueo es crucial
para crear el ritmo y la textura característicos de la música barroca.
- Digitación: La digitación en la guitarra barroca se basa en patrones específicos que
facilitan la ejecución de pasajes rápidos y complejos. Los guitarristas barrocos
desarrollaron técnicas de digitación que optimizan la fluidez y la eficiencia del
movimiento de los dedos en el mástil.
- Uso de afinaciones alternativas: En la música barroca, se utilizaban afinaciones
alternativas en la guitarra barroca para facilitar la ejecución de ciertas piezas o para
lograr efectos armónicos específicos. Estas afinaciones podían variar según la pieza
musical y el compositor, lo que añadía una dimensión adicional a la interpretación de la
música barroca en la guitarra.
- Técnica de ornamentación: La ornamentación era una parte integral de la música barroca,
y los guitarristas barrocos desarrollaron técnicas específicas para ejecutar trinos,
mordentes, apoyaturas y otros ornamentos de manera elegante y expresiva en la guitarra.
- Uso de la cejuela móvil: Algunas guitarras barrocas estaban equipadas con una cejuela
móvil, que permitía ajustar la afinación de las cuerdas durante la interpretación. Esto
facilitaba la ejecución de ciertas piezas que requerían cambios rápidos de afinación.
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5.- Autores más importantes. Repertorio

Durante el período barroco, varios compositores contribuyeron significativamente al desarrollo del
repertorio para la guitarra, aunque el instrumento no era tan prominente como otros en la música
de esa época. A pesar de ello, la música escrita para laúd y otros instrumentos de cuerda pulsada
influyó en gran medida en el repertorio para guitarra. Aquí están algunos de los autores más
importantes de la guitarra en el contexto barroco y su relevancia:
- Robert de Visée (c.1655-1732): Robert de Visée fue un destacado músico y compositor
francés que sirvió como músico de cámara y guitarrista de la corte de Luis XIV. Es
conocido por sus suites para guitarra barroca, que son ejemplos destacados del estilo
francés del período.
- Gaspar Sanz (1640-1710): Gaspar Sanz fue un guitarrista y compositor español cuya
obra más destacada es "Instrucción de música sobre la guitarra española". Este tratado
es una importante fuente de información sobre la técnica y la interpretación de la guitarra
barroca.
- Sylvius Leopold Weiss (1687-1750): Weiss fue un destacado intérprete y compositor de
laúd y guitarra del período barroco. Escribió numerosas suites para laúd que también son
interpretadas en la guitarra. Su música es conocida por su complejidad técnica y su
belleza melódica.
- Francesco Corbetta (c.1615-1681): Corbetta fue un guitarrista y compositor italiano que
vivió y trabajó en Francia e Inglaterra. Es conocido por sus composiciones para guitarra
barroca, que incluyen suites, danzas y variaciones. Contribuyó al desarrollo de la técnica
de la guitarra y popularizó el instrumento en toda Europa.
- Johann Sebastian Bach (1685-1750): Aunque Bach no escribió música específicamente
para guitarra, muchas de sus composiciones, como las Suites para violonchelo solo y las
Sonatas y Partitas para violín solo, se han adaptado para la guitarra barroca. Su música
es fundamental en el repertorio de este instrumento y proporciona un desafío técnico y
musical para los intérpretes.

c.- El laúd barroco:

1.- Características organológicas. Teorías sobre su desaparición.
El laúd barroco es un instrumento de cuerda pulsada que se caracteriza por su
forma similar a la de una pera y por contar con una caja armónica abombada.
Su origen se remonta al siglo XVII en Europa y fue muy popular durante el
período barroco (1600-1750).
El laúd se continuó utilizando durante el Barroco, incorporando algunas
pequeñas variaciones en su construcción. La principal diferencia respecto a los
anteriores fue que se le incorporaron más cuerdas y llegó a tener hasta diez
órdenes. La caja de resonancia también se hizo sensiblemente mayor. Este
cambio obedecía a otro cambio que se estaba produciendo en la música, ya
que se pasó de la práctica modal a la práctica tonal. En la práctica tonal se
daba mucha más importancia a los acordes y los lutieres buscaban
instrumentos con una mayor sonoridad y un registro más amplio. A partir de la época clásica, la
popularidad del laúd decayó rápidamente para dejar paso a otro instrumento que se convertiría en
el protagonista de la escena musical durante mucho tiempo: el piano.
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No sería hasta el siglo XX cuando se empezó a sentir la necesidad de rescatar las tradiciones
musicales europeas. Se recopilaron tratados, fuentes o repertorios y se estudiaron y reprodujeron
los instrumentos antiguos, incluido el laúd.

2.- Afinación
El laúd barroco se afinaba sobre el acorde de re menor y sus principales versiones fueron de 11 y
13 órdenes.

3.- Sistemas de escritura. Criterios de transcripción

Dada la complejidad técnica de la vihuela se continuó con el uso de un sistema de notación
musical para los músicos profesionales, que fue el método de "tablatura por cifra", utilizado por
los laudistas e inventado según los historiadores a principios del siglo XVI por músicos italianos.

4.- Aportaciones técnicas relevantes

Las peculiaridades que distinguen al laúd barroco son:
- Versatilidad: Se utilizaba tanto en la música de cámara como en la música solista.
- Repertorio: Posee un extenso repertorio de obras escritas específicamente para este
instrumento durante la época barroca.
- Técnica: Requiere de una técnica especial para tocar las cuerdas dobles y producir
ornamentaciones.
En el mundo de la música, el laúd barroco se destaca por su sonoridad cálida y resonante, ideal
para interpretar la música de la época barroca con fidelidad histórica.
Entre sus ventajas destacan su rango dinámico, la posibilidad de ornamentación melódica y su
capacidad de expresividad emocional. Sin embargo su tamaño y peso, son desventajas, así como
lo exigente del entrenamiento que requiere su ejecución, con el fin de dominar la digitación y la
articulación. Tiene un limitado rango dinámico y un sonido más suave.
Fue desapareciendo a finales del Siglo XVIII, porque el repertorio que se estaba tocando en ese
momento exigía otro tipo de instrumentos, otras tonalidades y otras complejidades que el Laúd no
cumplía.

5.- Autores más importantes. Repertorio

El estilo quebrado o style brisse es típico de este instrumento. A su exquisito repertorio solista,
repleto de suites de danzas o tombeaus con gran desarrollo y delicadezas, se debe destacar
también su uso como instrumento acompañante (bajo continuo). Ennemond Gaultier (Siglo XVII en
Francia) o Silvius Leopold Weiss (Siglo XVIII en Alemania) fueron grandes compositores e
intérpretes de este instrumento.
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5.- Segunda mitad del S. XVIII

a.- Características generales de la música de este periodo
El Clasicismo buscará una simplificación de la música: líneas melódicas sencillas, menor uso del
contrapunto, una estructura básica de frases antecedentes y consecuentes de 8 compases y
regularidad y equilibrio entre bloques temáticos.
De estos principios compositivos surgen géneros como la sinfonía, el cuarteto para cuerdas o la
sonata para piano que continúan vigentes en la actualidad. Asimismo, se produjeron muchos
avances y mejoras en las técnicas y el diseño de instrumentos musicales, lo que afectó a la
configuración de la orquesta y al empleo, cada vez mayor, del piano.
Se trata de uno de los períodos más pobres de la música española, marcada por el dominio de la
Iglesia y la hegemonía de la música italiana establecida por los Borbones en la corte. Apenas
existían orquestas o teatros y los músicos españoles tenían que buscar trabajo en otros países.
Entre los músicos españoles que destacan en este periodo se encuentra Vicente Martín y Soler;
y adentrándonos ya en el s. XIX, Juan Crisóstomo Arriaga —conocido con el sobrenombre del
Mozart español, que murió a los 20 años— y Fernando Sor, con su música para guitarra.

b.- Evolución de la guitarra de 5 órdenes a la de 6 cuerdas simples. Principales constructores

Se va de la guitarra barroca de 5 cuerdas donde todas eran
dobles excepto la primera, a la guitarra de 6 órdenes, como la
actual. En el instrumento se produce un período de
transformación organológica. Se mejoran las condiciones
técnicas y la calidad del sonido. También se produce una mejora
de la limpieza del sonido al estar mejor construído en el
instrumento y al haber importantes intérpretes. Hay menos
ornamentación (la boca de la guitarras barrocas estaba muy
recargada y adornada). Se perfecciona el instrumento. Prueba de
ello es la calidad y la limpieza de sonido que proporciona esta
guitarra. Es más sólida. Los clavijeros comienzan a ser de metal y mecánicos. Los trastes se
convierten en fijos. La forma de ocho es más pronunciada. Su tamaño es mayor que el de la
guitarra del período anterior.
Hay cierta controversia sobre el primer constructor de una guitarra española de seis cuerdas, con
dos teorías diferentes que lo atribuyen en un caso a un luthier alemán y en otra a un luthier
italiano. Unos dicen que la sexta cuerda o última cuerda fue añadida al instrumento en 1790 por
Jacob Otto de Jena, en Alemania, después de su introducción desde Italia en 1788, por la
duquesa Amalia de Weimar. Otros dicen que fue el constructor italiano Gaetano Vinaccia,
alrededor de 1766.
De cualquier modo esa sexta cuerda es el hito que marca el cambio más relevante en el origen de
la guitarra española y su evolución hasta convertirse en el instrumento que conocemos en la
actualidad.
La construcción de guitarras alcanzó a finales de siglo gran prestigio en el continente, con
figuras de la talla del francés René Lacôte o el inglés Louis Panormo. Los productos fabricados
por artesanos españoles marcaron la pauta del mercado en muchos aspectos y constructores
como los hermanos Pagés, Francisco Sanguino, Juan Matabosch y José Benedid gozaron de un
considerable prestigio en toda Europa.
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Tradicionalmente, existían en España tres escuelas de construcción de guitarra: la castellana, la

catalana y la andaluza, pero con el paso del tiempo los criterios de construcción se irán
unificando en todo el país hasta alcanzar los cánones clásicos de la guitarra de concierto en la
segunda mitad del siglo XIX.

c.- Evolución del sistema de escritura

En este siglo presenta unas características específicas que repercuten en la escritura en
tablaturas, comenzando a aparecer los pentagramas. Tras los
grandes cambios que se produjeron en esta época, se pasó del estilo barroco al clasicismo. La
guitarra evoluciona, pero la escritura también lo hace al tener que acompañar el instrumento a
una melodía. Francia fue el país donde comienza a cambiar esta escritura y donde se componen
la mayor parte de las canciones para las que la guitarra acompaña. Se comienza a extender el
uso del pentagrama y lo que hacen muchos compositores es usar este pentagrama y debajo de él
se escribía la tablatura (muchas obras de flamenco de hoy en día se encuentran así). Lo que
trajo el sistema de escritura fue el abandono de la improvisación como se hacían en las
fantasías.
La primera obra donde se encuentran la tablatura y el pentagrama "Reglas y Advertencias ", la
obra de Pablo Minguet e Yrol en 1774. El primer método de guitarra conocido (1773), es el de
Juan Antonio Vargas y Guzmán, con un título muy explícito : "Explicación de la guitarra de
rasgueo, punteo y haciendo la parte del bajo" Este método, marca la frontera entre el período
actual y el siguiente; incluye música en tablatura y en pentagrama, pero la tablatura solamente
para tocar música de rasgueo con su cifrado correspondiente y añade un cifrado nuevo con las
iniciales del sistema hexacordal.
En vez de utilizar los alfabetos antiguos, utilizaba este sistema. Añadía una /S/ para los
sostenidos, una/ b/para los bemoles y un /3/ para los acordes que llevaban una tercera menor.
Era un sistema complejo y una prueba evidente del paso de la música modal a la música tonal.

d.- Afinación
La música evoluciona asentándose la tonalidad. La guitarra abandona la afinación anterior y se
empieza a usar la afinación por cuartas. La afinación que se adopta es la misma que la actual,
por eso hoy no tenemos que modificar la afinación como cuando tocamos obras escritas para
instrumentos del Renacimiento como la vihuela y la guitarra renacentista.

e.- Aportaciones técnicas relevantes

Se mejoran las condiciones técnicas y la calidad del sonido. También se produce una mejora de la
limpieza del sonido al estar mejor construído en el instrumento y al haber importantes
intérpretes. Hay que decir que todos los cambios se dan poco a poco y cada uno de ellos tienen
sus propias características y justificaciones.
La tonalidad hace posible la llegada del estilo clásico. Se impone la cadencia se
dominante-tónica frente a la plagal. Se generaliza la melodía acompañada, y las funciones tónica,
dominante y subdominante. La armonía es menos densa y adornada que la barroca. Aparecen las
repeticiones de compases, y los temas e ideas musicales eran fáciles de distinguir.
La nueva configuración organológica de la guitarra, con su afinación más funcional que la barroca,
posibilitó que los bordones, llevarán de forma clara, el bajo armónico y tonal.
Se hacen siete recomendaciones para tocar la guitarra :
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1. La guitarra se debe apoyar en el muslo derecho.

2. Brazo izquierdo en semicírculo.
3. El mástil en vez de apoyarlo en la palma de la mano, se hacía en el hueco que hay entre
el índice y el pulgar.
4. Los dedos de la mano izquierda, flexionados sobre las cuerdas.
5. El brazo derecho apoyarlo en la mitad del antebrazo, casi horizontal con las cuerdas.
6. Las uñas que no incomoden.
7. Mano derecha, meñique y anular apoyados en la tapa.
La posición de la mano izquierda tiene una relación con la estética y práctica del instrumento,
por los muchos adornos que había. Se definen varios tipos de cejillas, y se habla de vibratos
longitudinales, vibratos transversales y glissandos. Empiezan a teorizar las digitaciones de la
mano izquierda. Se comienza a hablar de las distintas posiciones de la mano izquierda. La
digitación de esta mano comenzó por esta época, pero solo aparecía en ejercicios y escalas, en
obras era raro encontrarlas. Los adornos, siguieron practicándose de forma casi masiva, y
también se inclina una tendencia hacia no improvisar.

f.- Autores más importantes. Repertorio

- Juan Antonio de Vargas y Guzmán: Era vecino de Cádiz en 1773 y profesor de guitarra en
Veracruz (México) en 1776. Es el autor de Explicación de la Guitarra de Rasgueo, Punteo
y haciendo la Parte de el Baxo… El libro de Vargas y Guzmán es una obra didáctica sobre
rasgueo, punteo y acompañamiento con guitarra. En el rasgueo explica la afinación,
escribe sobre los trastes, da consejos para estudiar, da consejos sobre técnica de
ambas manos e incluye música de factura sencilla. En el apartado dedicado al punteado,
usaba todavía la cifra para escribir música, al haber demanda de aficionados.
- Federico Moretti (Nápoles - Madrid 1838): Fue compositor, guitarrista y posiblemente
violoncelista. Su obra musical está formada con métodos de guitarra, de teoría musical y
composiciones para el instrumento solo, en formaciones con violín, principalmente dúos,
y acompañamiento de la voz. Es conocido básicamente por su método Principios para
tocar la guitarra de seis órdenes, de 1799 que supone un paso importante en la
evolución de la técnica de la guitarra. Moretti fue un referente fundamental de
guitarristas que fueron importantes en la primera mitad del siglo XIX, como Fernando Sor
y Dionisio Aguado. No se conocen muchos detalles de su vida, pero sí que fue, además de
guitarrista, violinista, compositor y también cantante.
- Antonio Abreu: Este autor era conocido también como “El Portugués” y fue un guitarrista
activo en España a finales del XVIII y principios del XIX. De él es el pequeño tratado
Escuela para tocar con perfección la guitarra de cinco y seis órdenes, editado en
Salamanca el año 1799. Se conocen dúos para guitarra de cinco órdenes y posiblemente
también sea autor de variaciones, contradanzas y tres sonatas para guitarra. En su
método se ocupa principalmente de las digitaciones de mano derecha y en un largo
párrafo se refiere a la uñas.
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6.- Primera mitad del S. XIX. Periodo clásico-romántico

a.- Características generales de la música de este periodo
El romanticismo abre una brecha a la creación y a la expresión individual, por ello los autores de
ésta época tuvieron la oportunidad de experimentar rompiendo con las normas de la música
tradicional. Antes de esta época, las composiciones casi siempre eran encargos. Ahora por
primera vez, el músico crea composiciones por el mero placer de expresión.
Los autores buscabanla originalidad, intentando librarse de las costumbres musicales. El
personaje más reconocido fué Ludwig Van Beethoven, austríaco nacido en 1770, también popular
por su fuerte carácter y su sordera en los últimos años de su vida.
Características musicales del romanticismo:
- Mayor utilización de cromatismos, cambios armónicos y tonalidades menores.
- Armonía muy colorida, intensa, a veces ambigua.
- Uso frecuente de la modulación (cambio de tonalidad), lo cual le requiere al espectador
más atención.
- Ampliación del rango y la variedad musical.
- Crecimiento en la importancia del virtuosismo.
- Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta sinfónica como el piccolo, el corno
inglés, el contrafagot y la tuba, entre otros.
- Aumento en el tamaño de la orquesta, mayor número de músicos.
- Cúspide en la utilización del piano, tanto en forma individual como en la orquesta
sinfónica, gracias a su cualidad expresiva.
- Variedad en estilos musicales, incluyendo adaptaciones de danzas folclóricas y
elementos nacionales.
- Fomento de la improvisación.
- Apreciación de lo exótico.

b.- Características organológicas. Principales constructores

La guitarra a principios del XIX evolucionó desde su antigua morfología hacia lo que puede
denominarse modelo romántico, más larga y simple que las desarrolladas hasta la fecha, con la
cintura más estrecha y bastante parecida al instrumento tal y como lo conocemos actualmente.
En esta época, la experimentación y las innovaciones como por ejemplo el fijar las cuerdas al
puente mediante un juego de clavijas (sistema obsoleto), alargar los trastes por encima de la
abertura sonora, y experimentar con el número de cuerdas que debía tener el instrumento,
cobran importancia.

c.- Aportaciones técnicas relevantes

La guitarra se adapta para la técnica de punteo y rasgueo, pasando a ser un instrumento de
concierto.
También llega la guitarra a Estados Unidos donde le realizan cambios en la estructura y surge la
guitarra flamenca.

d.- Autores más importantes. Repertorio

La guitarra se convirtió en instrumento de concierto en Europa gracias a destacados intérpretes,
especialmente en España e Italia, en la primera mitad del siglo XIX.
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En Italia, el guitarrista más prestigioso de la época pre-romántica fue, además de Giovanni

Carulli, MAURO GIULIANI (Boscegli 1781-Nápoles 1829), figura indiscutible de los auditorios de
Viena, aunque más tarde también alcanzaron bastante fama otros músicos italianos como
Mateo Carcassi (autor del famoso método "Complete method for the guitar"), Luigi Legnani,
Giulio Regondi y Zani de Ferranti.
En España, por su parte, hubo dos guitarristas que destacaron sobre todos los demás en la
primera mitad del siglo XIX: Fernando Sor y Dionisio Aguado.
- Fernando Sor (Barcelona 1778- París 1839): es considerado el más grande compositor
de guitarra del siglo XIX. Desde muy joven destacó en España por su prodigiosa maestría
como guitarrista, aunque pronto tuvo que abandonar el país por causa de su presunta
colaboración con las tropas francesas de Napoleón que invadieron la Península Ibérica a
principios del siglo XIX. Instalado a partir de entonces en París, alterna sus conciertos
en la capital francesa con giras por Francia, Inglaterra y Rusia en las que obtuvo un éxito
tan excepcional que incluso se le llegó a recibir en alguna ocasión como "el Beethoven
de la guitarra". Su labor interpretativa, compositora e incluso didáctica -famoso es su
tratado "Méthode pour la guitare"(1830)- contribuyó de forma destacada al
reconocimiento y prestigio de la guitarra en gran parte de Europa.
- Dionisio Aguado (Madrid 1784- 1849): Fraguó su reputación como guitarrista en España
después de formarse bajo la tutela del Padre Basilio. Sin embargo, Aguado también se
estableció durante varios años en París, uno de los grandes centros artísticos de la
época, y en la ciudad francesa entabló amistad con su colega Sor, con quien compartió
residencia una larga temporada. Su trascendencia musical fue especialmente
importante en el campo didáctico con la publicación de varios estudios sobre guitarra
,"Colección de estudios para guitarra"(1820), "Escuela de guitarra"(1825) y "Nuevo
método de guitarra"(1843).

Los dos artistas se admiraban, y prueba de ello es que Sor compuso una obra, "Los dos amigos",
en la que homenajea su sincero entendimiento a pesar de que uno y otro defendían posturas
contrarias en la gran polémica guitarrística del siglo XIX sobre la conveniencia de atacar las
cuerdas de la guitarra con las uñas (Sor) o con las yemas de los dedos (Aguado).

7.- Segunda mitad del S. XIX. Romanticismo

a.- Características generales de la música de este periodo
La música del Romanticismo busca principalmente la expresión de los sentimientos e implicar
emocionalmente al oyente. Los compositores tienden a resaltar en este período el aspecto
expresivo, y tienden a alejarse de las funciones tonales propias del período anterior.
Hay 3 líneas que definen el nuevo estilo:
- Disolución de las formas clásicas. Ej: la música del último Beethoven, que da paso al
Romanticismo, en la guitarra esto lo vemos en F. Sor.
- El timbre se utiliza como potencia expresiva. Ej: Anton Weber.
- La utilización de una armonía de contenido emocional, con expresión de sentimientos. Ej:
Subbert.
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Los procedimientos armónicos originan tensión expresiva, inestabilidad, usando disonancias con
alteraciones, adornos cromáticos, acordes alterados, notas de paso.
Los guitarristas también tenían la armonía como una meta, que servía para enriquecer la melodía.
Las formas musicales cambian. La sonata es sustituida por composiciones más extensas,
personalizadas y aparece la música programática.
El poema sinfónico también es muy característico, suelen ser narraciones o bocetos
paisajísticos o evocadores de sentimientos que inspiran la naturaleza.
Período romántico en la guitarra:
El período de tiempo que abarca es entre 1840 y 1880 aproximadamente. Julián Arcas, es el autor
español que une las dos generaciones de guitarristas clásico-románticos y la generación de
Tárrega.

b.- Evolución organológica. Principales constructores

La mayoría del instrumento estaba consolidado del período anterior, como la estructura y el
encordado. Además, se siguieron con las mismas plantillas de guitarras.
Debido a la competencia por parte del piano, los luthiers buscaban algo nuevo, por eso
experimentaban añadiendo cuerdas, diversos tipos de clavijas, mecanismos, trastes ajustables,
tubos de resonancia, formas especiales, doble puente etc.
Apareció un luthier, que nació en Almería, que se llamaba Antonio de Torres (1817- 1892). Este
hombre, surgió de pronto, y con una metodología personal, logró hacer guitarras, que por su
calidad sonora, etc, fueron un modelo para los guitarreros europeos. Las medidas de la plantilla,
fueron un patrón universal. Por todo esto, a Antonio de Torres, se le considera el precursor del
desarrollo de la guitarra moderna de concierto. Los luthiers, buscaban algo nuevo, por ello
experimentaban añadiendo cuerdas, clavijeros, mecanismos, doble puente etc.

c.- Aportaciones técnicas relevantes

Durante la segunda mitad del siglo XIX, en el período del Romanticismo, se produjeron
importantes avances técnicos en la guitarra clásica que influyeron en su evolución y popularidad.
Algunas de las contribuciones técnicas más relevantes incluyen:
- Desarrollo del puente moderno: Se introdujeron mejoras en el diseño del puente de la
guitarra, permitiendo una mejor transmisión de la vibración de las cuerdas al cuerpo del
instrumento. Esto contribuyó a una mayor proyección del sonido y una respuesta más
equilibrada en toda la gama tonal.
- Uso de clavijeros mecánicos: A medida que avanzaba el siglo XIX, se adoptaron los
clavijeros mecánicos en lugar de los tradicionales clavijeros de madera o de tornillo. Esto
facilitó el proceso de afinación y permite una afinación más precisa y estable de las
cuerdas.
- Innovaciones en la construcción del mástil: Se implementaron mejoras en la
construcción del mástil de la guitarra, incluyendo refuerzos internos y técnicas de
encolado más avanzadas. Esto ayudó a prevenir deformaciones y aumentó la durabilidad
del instrumento.

- Desarrollo de nuevas técnicas de ejecución: Durante el Romanticismo, los guitarristas

exploraron y desarrollaron nuevas técnicas de ejecución que ampliaron las posibilidades
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expresivas del instrumento. Estas técnicas incluían el uso del vibrato, el rasgueo
expresivo y el uso de la dinámica para dar forma a la interpretación musical.
- Expansión del repertorio: Se compusieron numerosas obras originales para guitarra que
desafiaban las habilidades técnicas de los intérpretes. Compositores como Francisco
Tárrega, Fernando Sor y Mauro Giuliani contribuyeron significativamente al repertorio de
la guitarra clásica, creando obras que aún se interpretan y estudian en la actualidad.

d.- Autores más importantes. Repertorio

En ciudades como París, Viena, Londres y San Petersburgo, los mejores guitarristas fueron
disputados para actuar en sus auditorios, mientras que el estudio de la guitarra ganaba prestigio
en los círculos académicos europeos.
Viena fue posiblemente la ciudad con mayor actividad guitarrística de la época, pues además de
contar con la presencia del maestro Giuliani, del famoso constructor Johan Stauffer y la enorme
afición al instrumento del compositor Franz Schubert, surgieron de su escuela excelentes
guitarristas como Molitor, Schulz, Legnani, Von Call, Kaspar Mertz o Matiegka.
París también disfrutó por entonces de un brillante plantel de intérpretes que actuaron en sus
salones: Sor, Aguado, Carcassi, Carulli y una de las últimas figuras de la guitarra del siglo XIX:
Napoleón Coste.
En el resto de Europa la popularidad de la guitarra en los ambientes nobles y burgueses fue
igualmente importante, con la curiosidad de que en Rusia el modelo de seis cuerdas convivió con
otro modelo original del país, que contaba con siete. Los más famosos guitarristas rusos del
siglo XIX fueron Makarov, Sichra, Aksenov y Swinzov.
Y fuera de Europa, la guitarra de concierto continuaba asentándose en los países
latinoamericanos e incluso comenzaba a introducirse en Norteamérica.

e.- Antonio de Torres y su aportación a la evolución y a los sistemas de construcción del

instrumento
Antonio de Torres (1817-1892) es ampliamente reconocido como el padre moderno de la guitarra
clásica. Su contribución a la evolución y los sistemas de construcción de la guitarra fue
fundamental para establecer los estándares que aún se siguen en la fabricación de este
instrumento.
Revolucionó el diseño de la guitarra al introducir una serie de cambios significativos. Entre ellos
se incluyen la ampliación del tamaño del cuerpo de la guitarra, la reubicación del puente más
cerca del centro del cuerpo y el uso de refuerzos internos para mejorar la estabilidad y la
resonancia del instrumento.
Experimentó con diferentes tipos de madera para la fabricación de guitarras, descubriendo que
ciertas maderas como el ciprés y el abeto tenían propiedades acústicas superiores que las
tradicionalmente utilizadas. Esto influyó en la elección de materiales por parte de los luthiers
posteriores.
Finalmente, entre otras muchas desarrolló un método de construcción que permitía una mayor
precisión y consistencia en la fabricación de guitarras. Esto incluía técnicas como la utilización
de moldes para dar forma al cuerpo y la aplicación de técnicas de encolado más eficientes.
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f.- Francisco Tárrega y sus discípulos

Francisco Tárrega (1852-1909) fue un virtuoso guitarrista y compositor español que dejó un
legado duradero en el mundo de la guitarra clásica. Además de su propio trabajo innovador como
intérprete y compositor, Tárrega tuvo una influencia significativa como maestro, enseñando a
varios alumnos que se convertirían en destacados guitarristas y pedagogos. Algunos de sus
discípulos más destacados incluyen:
- Emilio Pujol (1886-1980): Pujol fue uno de los alumnos más destacados de Tárrega y se
convirtió en uno de los principales pedagogos de la guitarra del siglo XX. Es
especialmente conocido por sus ediciones de música para guitarra clásica y sus
contribuciones a la técnica y la pedagogía del instrumento.
- Miguel Llobet (1878-1938): Otro alumno destacado de Tárrega, Llobet fue un influyente
guitarrista y transcriptor de música para guitarra. Contribuyó significativamente al
repertorio de guitarra clásica mediante la transcripción de obras de compositores como
Isaac Albéniz y Enrique Granados.
- Daniel Fortea (1878-1953): Fortea fue un guitarrista, compositor y pedagogo español
que también estudió con Tárrega. Es conocido por sus composiciones para guitarra y por
su labor como profesor de guitarra en el Conservatorio de Madrid.
- Andrés Segovia (1893-1987): Aunque no estudió directamente con Tárrega, Segovia fue
influenciado por el legado de Tárrega a través de sus alumnos, como Llobet y Pujol.
Segovia fue fundamental en la popularización de la guitarra clásica como instrumento de
concierto y su técnica y estilo de interpretación influyeron profundamente en
generaciones posteriores de guitarristas.

8.- Primera mitad del S. XX

a.- Características generales de la música de este periodo
Los compositores comenzaban a sentir que habían agotado las posibilidades de la escala mayor
menor. Por lo que empezaron a buscar nuevas fuentes de inspiración, lo que les llevó a
desarrollar su afinidad con lo exótico y lo antiguo.
El Impresionismo no trata de expresar sentimientos sino de evocar un clima, una atmósfera con
ayuda de títulos naturales, ritmos de danza, trozos de melodía característicos y cosas similares.
La melodía, muchas veces pierde su sentido tradicional, ya que se convierte en pinceladas. Las
melodías. Con respecto al ritmo hay un fluir continuo de un compás a otro. La propia
composición es la que va determinando la estructuración formal, compleja y muy trabajada,
basada en la superposición de frases, periodos y secciones. La orquesta impresionista es
amplia, a menudo se utilizará una gran orquesta pero no se buscará una sonoridad total, sino que
se recurrirá al uso de sordinas, grupos partidos… También es muy utilizado el contrapunto de
timbres. La armonía no será la clásica, sino que supondrá una ruptura con las reglas
tradicionales. Trata de evitar que la melodía se pueda definir como mayor o menor. - Usan
escalas exóticas como la pentatónica o la escala de tonos enteros. Se emplean las triadas
mayor y menor superpuestas. Utilizan acordes nuevos, o desplazados, la disonancia sin resolver
y títulos poéticos o sugerentes.
 Itoitz Uribe Sarriegi

b.- Evolución organológica. Principales constructores

El siglo xx, es la edad de oro de la guitarra clásica española. En este siglo consigue su definitiva
maduración como instrumento y se establecen las normas de interpretación de éste.
Las grandes generaciones de compositores e intérpretes han llevado a la guitarra a lo más alto
en esta etapa. La guitarra eléctrica revolucionó la música popular, dando lugar a géneros como el
rock, el blues y el jazz.
La guitarra eléctrica permitió amplificar el sonido del instrumento, lo que lo convirtió en un
símbolo de rebeldía y expresión artística.

c.- La influencia de Andrés Segovia. Autores que compusieron para él, repertorio, características,
alumnos destacados (Alirio Díaz, John Williams…)
ANDRÉS SEGOVIA. Fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento
moderno de la guitarra clásica. Nació un 21 de Febrero de 1893, en Linares, Jaén, España. Hijo
de un carpintero, conoció la guitarra desde niño. Fue educado por unos tíos que vivían en
Granada y tenían buena posición económica. Su familia prefería que fuera abogado y no
guitarrista. Aprendió la técnica del instrumento con un tocador de flamenco convertido en
barbero. Practicaba la guitarra a escondidas, ya que era considerado algo más propio de
ambientes tabernarios y cosa de gitanos y bailaores. Realizó su primera aparición pública en
Granada a los catorce años y en 1913 ofreció en Madrid su primer concierto oficial, en el que
interpretó transcripciones para guitarra de Francisco Tárrega y algunas piezas de Johann
Sebastian Bach que él mismo había transcrito. Tuvo que alquilar una guitarra para el concurso a
Manuel Ramírez , quien después de verla probarla se la regaló. No logró encontrar maestro, por lo
que fué autodidacta. Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, si bien
con 31 años y a partir de un Concierto en París, tuvo gran éxito por la gran sonoridad que era
capaz de extraerle a su guitarra sin que eso afectase al sonido,
Tras hacer una gira por América en 1928, autores como el brasileño Heitor Villa Lobos empezaron
a componer piezas especialmente para él. Segovia transcribió también múltiples piezas clásicas
y resucitó algunas de las transcripciones de Tárrega. Con la Guerra Civil Española, Segovia decide
ir con su familia Montevideo (República Oriental del Uruguay), entre 1937 y 1946. Allí, conoce a
un joven Abel Carlevaro y lo adopta como su discípulo.
Entre los discípulos de Segovia se encuentran guitarristas como John Williams, Alirio Díaz, Ben
Bolt o Christopher Parkening.
Murió en Madrid el 3 de junio de 1987 a causa de un ataque al corazón a la edad de 94 años.
Discografía:La discografía de Andrés Segovia es dispersa, pues hay grabaciones con diferentes
sellos, innumerables compilaciones y muchas reediciones, lo cual hace difícil hablar de una
discografía oficial. Un listado bastante completo se puede encontrar en Classical Guitarist
Andrés Segovia Discography.
Discípulos de Segovia: tuvo muchos discípulos a lo largo de su carrera, incluyendo a: Abel
Carlevaro, John Williams, Eliot Fisk, Narciso Yepes,José Franco Octavio Bustos, Julian Bream,
Oscar Ghiglia, Charlie Byrd, Christopher Parkening, Michael Lorimer, Alirio Díaz, Antonio
Membrado, Nilda Urquiza Charo.
 Itoitz Uribe Sarriegi

d.- Aportaciones técnicas relevantes

La técnica de Andrés Segovia asombró al público, y desde entonces, la guitarra dejó de
considerarse solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de
concierto. Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, la guitarra seguiría
estando considerada como un instrumento de campesinos, válida para los bares pero no para las
salas de concierto. Descubrió que las guitarras existentes no producían el volumen suficiente
como para tocar en grandes salas de conciertos, lo que le llevó a buscar entre los avances
tecnológicos para intentar mejorar la amplificación natural de la guitarra. Trabajando
conjuntamente con los fabricantes, diseñó lo que conocemos hoy en día como guitarra clásica,
con una madera de más calidad y con cuerda de nailon. La forma de la guitarra se modificó
también para mejorar la acústica, y poder producir notas más bajas que las que hasta entonces
se utilizaban en España y en otras partes del mundo. Realizó aportes a la técnica del
instrumento, como mantener el pulgar de la mano izquierda bajo el mástil en lugar de doblarlo
alrededor del mismo, ya que con ello se lograba extender el alcance de los otros cuatro dedos y
se podía pisar cualquier cuerda sin sordear las inferiores a ella. Otro aporte significativo fue
colocar la mano derecha en posición vertical a las cuerdas, con lo que se incrementa la fuerza al
tocarlas.
El cambio fundamental que se produce con la llegada del siglo XX en el mundo de la creación
guitarrística, es la aparición del compositor no guitarrista que, lejos de encerrarse en los
criterios puramente instrumentales, se encuentra con una guitarra que está en una fase de gran
madurez y que, por lo tanto, le permite desarrollar su línea estética y formal.
Involuntariamente este hecho consigue provocar nuevos replanteamientos técnicos y trae como
consecuencia la paulatina inclusión de la guitarra en ambientes musicales no específicamente
guitarrísticos. También propicia su encuentro con un período musical del que puede ser voz y
ejemplo a seguir.
Se produce la aparición de un tipo de escritura musical y un repertorio que reflejaba
principalmente los aspectos técnicos de un instrumento en plena evolución. Este cambio
importantísimo y sustancial en la historia de la guitarra estuvo encarnado principalmente en la
figura de un guitarrista: Andrés Segovia. El maestro Segovia se propuso, sin prejuicios, reformar
y ampliar sustancialmente el repertorio, a través del acercamiento a los compositores de su
época y de la recuperación de una literatura histórica de calidad.
Logró cambiar la línea interpretativa que a principios de siglo XX acostumbraba a incluir en los
programas de concierto obras de los propios guitarristas junto a un gran número de
transcripciones.
Las inclinaciones estéticas siempre se situaron dentro de un conservadurismo musical y
rechazaba todos aquellos lenguajes que se alejaban del mundo tonal.

e.- Agustín Barrios y la guitarra en latino-América

Hablar de la guitarra en Latinoamérica es hablar de Agustín Barrios Mangoré. Los críticos más
exigentes lo compararon a Segovia como intérprete y como creador lo juzgan precursor,
comparándolo con Chopin. Introdujo en la guitarra un virtuosismo que le acerca a Paganini. Fué
una figura elegante, bohemia y su extraordinaria personalidad de artista. Todos exclamaban a su
paso: "Allá va el gran Mangoré!". Todavía su música es interpretada con entusiasmo y devoción
por los mejores intérpretes de ese instrumento maravilloso que es la guitarra, causando éxtasis
 Itoitz Uribe Sarriegi

y admiración entre los oyentes. En todos los países que visitó dejó una huella que en muchos
casos la causó con su sola presencia, como en Antonio Lauro y su decisión de estudiar guitarra.

El origen de la guitarra en Latinoamérica se ubica en el siglo XV y principios del XVI, cuando en

cumplimiento de las órdenes dadas por los Reyes Católicos a Cristóbal Colón, los
conquistadores debieron introducir por primera vez una pequeña guitarra de cuatro órdenes
dobles.
Durante el siglo XX el desarrollo del estudio y la práctica de la guitarra fue especialmente
notable en Latinoamérica, la afición se extendió visiblemente multiplicándose las escuelas y
los profesionales de este instrumento. Este auge tal vez se debió a que la guitarra se convirtió
en el instrumento inseparable de las danzas, canciones y poemas populares ya fuera en Cuba,
Venezuela, Perú, México o Argentina.
Una característica de la mayoría de los grandes guitarristas clásicos latinoamericanos fue que,
al margen de su formación académica y de la producción que les llegaba de los Maestros
europeos, se preocuparon con verdadera pasión de transcribir, arreglar,interpretar y dar a conocer
la riqueza de la música popular de sus respectivos países, a la vez que de componer nuevas
obras de una riqueza incomparable. Así lo hicieron Antonio Lauro, Alirio Díaz, Rodrigo Riera, Leo
Brouwer y Agustín Barrios Mangoré. Pero no solo se trata de la élite guitarrística conocida
internacionalmente, pues son innumerables los músicos de cada uno de los países
latinoamericanos, con mayor o menor formación académica, que han ampliado el arte de la
guitarra con sus composiciones claramente enraizadas en las formas musicales populares.

9.-Segunda mitad del S. XX

a.- Características generales de la música de este periodo
La música de la segunda mitad del siglo XX se caracteriza por una amplia diversidad de estilos,
enfoques y técnicas que reflejan los cambios sociales, políticos, tecnológicos y culturales de la
época. Aquí hay algunas características generales de la música de este período:
Los compositores exploraron una amplia gama de estilos y técnicas, desde el serialismo y la
música aleatoria hasta el minimalismo y la música electrónica. Esta experimentación reflejó un
pluralismo estilístico y una apertura a nuevas formas de expresión musical.
La música de la segunda mitad del siglo XX desafió las convenciones tradicionales de la armonía,
la melodía y la forma musical. Los compositores buscaron nuevas formas de estructurar el
tiempo y el sonido, así como nuevas formas de organizar los materiales musicales.
Los avances tecnológicos, como la grabación multipista, la síntesis de sonido y el procesamiento
digital de señales, permitieron a los compositores explorar nuevas texturas, timbres y formas de
composición. La música electrónica y la música electroacústica se convirtieron en campos
importantes de experimentación.
Muchos compositores de la segunda mitad del siglo XX se centraron en el sonido mismo como
material musical, explorando nuevas formas de manipular y transformar el sonido para crear
texturas complejas y evocadoras.
La música de este período se relaciona cada vez más con otras disciplinas artísticas, como la
danza, el teatro, el cine y las artes visuales. Esto dio lugar a colaboraciones interdisciplinarias y
nuevas formas de integrar la música con otras formas de expresión artística.
La globalización y la migración llevaron a una mayor diversidad cultural en la música, con la
 Itoitz Uribe Sarriegi

influencia de estilos musicales de todo el mundo en la creación de nuevas obras. Esto llevo a la
fusión de tradiciones musicales..

b.- Variantes e innovaciones en la construcción del instrumento

La segunda mitad del siglo XX fue un período de innovación y experimentación en la construcción
de la guitarra clásica, que dio lugar a diversas variantes y avances en el diseño y los materiales
utilizados. En base a todas esas innovaciones se amplía su versatilidad y capacidad de expresión
en el contexto musical contemporáneo. Algunas de las principales innovaciones incluyen:
- Nuevos materiales: Se experimentó con una amplia gama de materiales para la
construcción de guitarras, incluyendo maderas alternativas, compuestos de fibra de
carbono y materiales sintéticos para mejorar la estabilidad, resonancia y durabilidad del
instrumento.
- Construcción modular: Se desarrollaron técnicas de construcción modular que
permitieron a los luthiers ensamblar guitarras utilizando piezas prefabricadas, lo que
facilitó la producción en serie y la estandarización de la calidad.
- Refuerzos internos: Se introdujeron nuevos métodos de refuerzo interno, como el uso de
varillas de fibra de carbono o refuerzos de abanico más elaborados, para mejorar la
estabilidad estructural y la respuesta tonal del instrumento.
- Técnicas de construcción mejoradas: Los luthiers exploraron nuevas técnicas de
construcción, como el uso de moldes de precisión, prensas hidráulicas y herramientas de
fresado CNC, para mejorar la precisión y la consistencia en la fabricación de guitarras.
- Diseños contemporáneos: Se experimentó con diseños contemporáneos que desafiaban
las convenciones tradicionales de la guitarra clásica, como formas de cuerpo
alternativas, escalas más largas, y cutaways para un mejor acceso a los trastes más
altos.
- Electrificación: Se desarrollaron sistemas de amplificación y electrificación integrados
en la guitarra clásica, como pastillas de contacto y micrófonos de condensador, para
satisfacer las necesidades de los intérpretes en entornos de actuación más grandes y
amplificados.

c.- Nuevos recursos compositivos, formales, interpretativos y de notación

La segunda mitad del siglo XX fue testigo de una profunda transformación en el mundo de la
música, incluida la música para guitarra clásica. Aquí hay algunos de los principales recursos
compositivos, formales, interpretativos y de notación que surgieron durante este período:
Los compositores exploraron nuevas técnicas extendidas en la guitarra, como el uso de
armónicos naturales y artificiales, rasgueos inusuales, golpes en la caja de resonancia y efectos
de percusión en las cuerdas, ampliando así el repertorio de sonidos disponibles para el
instrumento.
Se desarrollaron nuevos sistemas de notación que permitían a los compositores representar de
manera más precisa las técnicas extendidas y los efectos sonoros no convencionales en la
guitarra. Esto incluía el uso de símbolos específicos, diagramas y anotaciones detalladas en las
partituras.
Los compositores exploraron formas musicales no convencionales, como la forma aleatoria, la
música minimalista, el serialismo, el collage sonoro y la música electroacústica, desafiando las
 Itoitz Uribe Sarriegi

estructuras tradicionales de la música clásica y abriendo nuevas vías de expresión musical.

Se fomentó la improvisación y la colaboración entre compositores y guitarristas, dando lugar a
obras que combinaban elementos escritos con secciones improvisadas, así como colaboraciones
interdisciplinarias con músicos de otras tradiciones y artistas visuales.
Los avances en la tecnología musical, como la grabación multipista, la síntesis de sonido y el
procesamiento digital de señales, permitieron a los compositores explorar nuevas texturas y
timbres en la música para guitarra clásica, así como integrar el instrumento con medios
electrónicos y multimedia.
Los intérpretes adoptaron un enfoque más expresivo y personal en la interpretación de la música
contemporánea para guitarra clásica, enfatizando la individualidad artística y la exploración de
nuevas formas de expresión musical.

d.- Guitarristas más destacados del S. XX: R. Sainz de la Maza , N. Yepes, J. Bream
Estos guitarristas no solo fueron maestros en el escenario, sino que también contribuyeron
significativamente al repertorio de la guitarra clásica a través de transcripciones, encargos de
nuevas obras y grabaciones, dejando un impacto duradero en el mundo de la música clásica.

- Rafael Sainz de la Maza: Fue un guitarrista y compositor español. Destacó por su técnica
brillante y su profunda musicalidad. Es conocido por sus interpretaciones y
transcripciones de música española, así como por su propia composición, "Homenaje a la
Guitarra".
- Narciso Yepes: Fue un guitarrista español de renombre mundial. Se le recuerda por su
técnica innovadora de interpretación de guitarra de diez cuerdas, que amplió
enormemente las posibilidades expresivas del instrumento. Yepes realizó numerosas
grabaciones y conciertos, difundiendo la música clásica española y el repertorio
universal para guitarra.
- Julian Bream: Fue un guitarrista británico reconocido por su virtuosismo, musicalidad y
versatilidad. Bream destacó por su habilidad para interpretar una amplia gama de estilos
musicales, desde el Renacimiento hasta la música contemporánea. Su legado incluye
innumerables grabaciones aclamadas y colaboraciones con compositores
contemporáneos.

e.- Principales autores: Leo Brouwer. J. Williams Duarte, S. Dodgson, B. Britten

Estos autores han contribuido significativamente al repertorio de guitarra clásica, cada uno con
su propio estilo distintivo y enfoque creativo, y su importancia radica en la riqueza y diversidad
que han aportado al mundo de la música para guitarra.

- Leo Brouwer: Es un compositor, guitarrista y director de orquesta cubano. Sus obras para
guitarra clásica son ampliamente interpretadas y estudiadas. Brouwer ha creado un
vasto repertorio que abarca desde piezas solistas hasta conciertos para guitarra y
orquesta. Su música a menudo fusiona elementos de la música clásica con influencias
folclóricas y contemporáneas.
- Antonio Lauro: Aunque no mencionado, es un compositor venezolano cuya música para
guitarra clásica, especialmente sus valses venezolanos, es muy popular entre
guitarristas y audiencias de todo el mundo.
 Itoitz Uribe Sarriegi

- John Williams: Conocido no solo como un virtuoso guitarrista, sino también como un
prolífico intérprete y arreglista, Williams ha contribuido significativamente al repertorio
de guitarra clásica. Además de sus transcripciones de obras clásicas, ha encargado y
estrenado numerosas composiciones contemporáneas para el instrumento.
- Stephen Dodgson: Fue un compositor británico cuyas obras para guitarra clásica son
apreciadas por su originalidad y calidad. Dodgson contribuyó significativamente al
repertorio de guitarra con una amplia gama de composiciones, desde piezas solistas
hasta conciertos para guitarra y orquesta.

- Benjamin Britten: Aunque más conocido por sus obras vocales y de cámara, Britten
también escribió música para guitarra clásica. Su obra más destacada para guitarra es
"Nocturnal after John Dowland", una pieza innovadora y desafiante que ha dejado una
marca indeleble en el repertorio de guitarra clásica contemporánea.

f.- La guitarra en la actualidad: Intérpretes más destacados, técnica, grabaciones, concursos etc.
En la actualidad, la guitarra clásica sigue siendo un instrumento vibrante en el mundo de la
música. Algunos de los intérpretes más destacados incluyen a maestros como Andrés Segovia,
Julian Bream, John Williams y Sharon Isbin, así como a talentos emergentes como Ana Vidovic y
Xuefei Yang.
En cuanto a la técnica, los guitarristas clásicos continúan explorando y refinando diversos
estilos y enfoques, desde la interpretación históricamente informada hasta la innovación
contemporánea.
Las grabaciones de música para guitarra clásica siguen siendo una parte integral de la industria
musical, con álbumes que abarcan desde repertorio tradicional hasta nuevas composiciones.
Algunos sellos discográficos especializados en guitarra clásica son Naxos, Deutsche
Grammophon y Sony Classical.
Los concursos de guitarra clásica proporcionan una plataforma para que los músicos jóvenes
demuestren su habilidad y talento. Ejemplos de prestigiosos concursos incluyen el Concurso
Internacional de Guitarra de la Fundación Francisco Tárrega, el Concurso Internacional de Guitarra
de GFA (Guitar Foundation of America), el Concurso Internacional de Guitarra de Andrés Segovia y
XII Concurso de guitarra “Juan Crisostomo de Arriaga” que se celebrará este 25 de Mayo de 2024.
Itoitz Uribe Sarriegi
 Itoitz Uribe Sarriegi

10.- Bibliografia
- ALLORTO, E - CHIESA, R.- DELL´ARA, M. - GILARDINO, A.: La chitarra. Edt/ SIdM. Torino, 1990.
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USA, 1970.
- DELL´ARA, M.-GILARDINO, A.: Manuale di storia della chitarra vol. I-II. Bérben. Ancona, 1988.
- DÍAZ SOTO, R.-ALCARAZ IBORRA M.: La guitarra: Historia, organología y repertorio. ECU,
Editorial club universitario. Alicante, 2009.
- GÁSSER, L.: Estudios sobre Fernando Sor. Instituto Complutense de Ciencias Musicales.
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- HERRERA, F.: Enciclopedia de la guitarra. Piles, Editorial de Música. 2006. JEFFERY, B.:
Fernando Sor. Composer and guitarist. Tecla Editions. London, 1977.
- OSUNA, Mª ISABEL.: La guitarra en la Historia. Opera Omnia Rodrigo de Zayas y Editorial
Alpuerto. Madrid 1983.
- PÉREZ DÍAZ, P.: Dionisio Aguado y la guitarra clásico-romántica. Sociedad española de
musicología. Madrid, 2003.
- PRAT, D.: Diccionario de guitarristas y guitarreros (1934). Editions Orphée. Columbus, 1986.
- PUJOL, E.: El dilema del sonido en la guitarra. Ricordi. Buenos Aires, 1960. PUJOL, E.:
Tárrega. Ensayo biográfico. Autor. Barcelona, 1978.
- RADOLE, G.: Laúd, guitarra y vihuela. Edebé. Barcelona, 1982.
- RAMOS ALTAMIRA, I.: Historia de la guitarra y los guitarristas españoles. Ed. Ecu. Alicante
2005
- RIOJA, E.: La guitarra en la Historia (12 vol.). Festival de Cordoba. Ayuntamiento Córdoba.
Dep. de Cultura y Educación.
Itoitz Uribe Sarriegi
Itoitz Uribe Sarriegi
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