Tema 22. La música instrumental.
La
sonata, la sinfonía y el concierto a
mediados del siglo XVIII.
Introducción
La música vocal tuvo una influencia importantísima en el desarrollo de las nuevas formas y estilos
musicales de mediados del siglo XVIII. Los elementos de la música vocal enriquecieron a la música
instrumental y esta adquirió una importancia y una independencia hasta ahora nunca vistas. El piano
sustituyó al clave y el cuarteto de cuerda se estableció como principal conjunto de cámara, en
cuanto a las formas la sonata se convertirá en el género por excelencia, adaptadas a la orquesta a
través del concierto y la sinfonía. Es aquí con sus orígenes en el barroco donde surge la “forma
sonata”.
Instrumentos y conjuntos
La mayor parte de la música se ejecutaba en diferentes ámbitos sociales como familia y amigos. Los
que poseían una mayor riqueza empleaban músicos para tocar durante comidas y fiestas. El clave es
sustituido por el pianoforte (suave-fuerte, en italiano). El piano fue inventado por Bartolomeo
Cristofori en Florencia, en 1700. En el piano a diferencia del clave la cuerda suena todo el tiempo
que la mantenemos pulsada, el mecanismo del clave no permitía esto ya que las cuerdas son
pellizcadas. El piano otorgaba un mayor rango dinámico y expresivo, muchos mas contrastes y
efectos.
Existían diversas combinaciones de música para conjunto, empleando instrumentos como el violín,
la viola, el violoncello o la flauta, además de los teclados, el arpa y la guitarra. Entorno a 1770 y
1780, el instrumento de teclado tenía que ejecutar una voz enteramente escrita, este instrumento
tendía a tomar la iniciativa y era acompañado por los demás. La mayoría de estas interpretaciones
se desarrollaba en ámbitos familiares de la clase media y alta, las hijas eran normalmente muy
hábiles al teclado ya que se supone que las mujeres debían cultivar la música mientras que los hijos
(violinistas y violonchelistas) dedicaban menos tiempo, y es por esto que el teclado tocado por las
mujeres ocupaba un lugar central. En el cuarteto de cuerda el violín primero ocupaba con frecuencia
el lugar más importante, el chelo realizaba el bajo y el resto rellenaban la textura. Los compositores
sabiendo que a los intérpretes les gustaba escucharse escribieron cuartetos concertantes, donde
todas las voces tienen la misma importancia. Estos cuartetos al igual que la mayoría de esta música
estaba pensada para el disfrute, no para los conciertos.
El clarinete (1710) en la década de 1780 se incorporó como instrumento habitual, por ejemplo, en
Francia se solía contar con oboes, oboes tenor y fagotes, pero a mediados del siglo XVIII, dos oboes
y dos clarinetes con dos trompas y dos fagotes comenzó a ser lo normal.
La orquesta de concierto habitual en el siglo XVIII rara vez tenía más de veinticinco ejecutantes
(una flauta, dos oboes, dos fagotes, dos trompas, dieciséis cuerdas y un clave, ocasionalmente se
agregaban trompetas y timbales). En Viena, en 1790 las orquestas tenían generalmente menos de
veinticinco intérpretes, e incluían a menudo dos clarinetes. El bajo continuo se va abandonando de
manera progresiva ya que todas las voces esenciales estaban presentes en los instrumentos
melódicos. La tarea de dirigir al grupo, antes ejercida por el clave ahora recayó sobre el primero de
los violines. Asimismo, la orquestación típica daba la parte esencial a las cuerdas mientras que el
viento doblaba y reforzaba la música.
Géneros y formas
Aunque los compositores continuaron escribiendo variaciones y danzas para teclado, la sonata en
tres o cuatro movimientos contratantes pasó a ocupar el primer lugar. Similares a la sonata de
teclado, distintas obras en varios movimientos se escribían para conjuntos de cámara, si había un
solista y teclado se denominan (sonata); cuando estaban escritas para grupos mas grandes se
nombran según el número de intérpretes (dúo, trío, cuarteto, quinteto… ). En cuanto a la orquesta
los géneros mas importantes (concierto y sinfonía) derivaban del concierto a solo barroco y de la
sinfonía de ópera italiana u obertura. Cuando aparecen tres movimientos, el intermedio suele ser
lento y los dos restantes de carácter algo más rápido, posteriormente se hacen más frecuentes las
sinfonías y cuartetos a cuatro movimientos con un minueto después del movimiento lento.
Hay mas continuidad que ruptura en los diversos géneros (concierto, sinfonía y sonata) desde la
segunda mitad del siglo XVII, lo renovador será el interior de cada obra, es decir, se asumió el
estilo galante, melodías expresivas dispuestas en frases breves con acompañamiento ligero.
Otra gran diferencia es el empleo mayoritario del modo mayor en el período clásico frente al modo
menor empleado en el período barroco. El modo mayor se veía como mas agradable y natural, un
movimiento se iniciaba desde una base de felicidad (un tema en modo mayor y un fraseo
predecible), después vienen pruebas y peligros (tonalidades menores, modulaciones y un fraseo
inestable), se termina con el regreso al hogar en la tonalidad y tema iniciales. Este discurso musical
se convirtió en un paradigma de la forma de la época clásica.
Las formas binarias
Muchas de las formas de la época clásica son armónicas, es decir, modulan de la tónica a la
dominante y regresan a la tónica. Las danzas barrocas utilizan una forma binaria simple ( secciones
de igual longitud exponiendo un material musical diferente). Aquí está el origen de la forma binaria
empleada en la época clásica con dos secciones (cada una de ellas repetida), la primera se desplaza
de la tónica a la dominante o al relativo mayor y la segunda sección regresará a la tónica.
Encontramos diversas formas de realizar la forma binaria: una consistía en presentar el nuevo
material en la dominante al final de la primera sección, y luego repetirlo en la tónica al final de la
segunda sección, como una rima musical. A esta forma la llamamos “forma binaria equilibrada” y
aparece en obras de Couperin y en las sonatas de Scarlatti. Otra forma consistía en repetir el
material con el que se inició la primera sección en la segunda sección, justo en el momento del
regreso a la tónica, esta forma da una gran sensación de cohesión y se conoce como “forma binaria
redonda”.
La forma sonata
Hemos visto dos caminos para regresar a la tónica (retomar la idea inicial o reexponer en la tónica
el material que apareció primero en la dominante) y estos se juntan en la “forma sonata”. Es la
forma mas común del primer movimiento de una sonata o sinfonía del período clásico. En el siglo
XIX se considera en términos de varios temas en una estructura a tres partes pero en el siglo XVIII
se entendía más bien como una forma binaria con tres períodos. En el “ensayo introductorio sobre
la composición” (1793), Koch describe esta forma del primer movimiento como una versión
extendida de la forma binaria, de este modo encontramos dos grandes secciones que pueden
repetirse. En la primera sección suelen presentarse cuatro frases, dos en la tónica, una tercera
modulando y la cuarta en la nueva tonalidad. El primer período de la segunda sección puede tener
“x” frases, suele comenzar en la dominante y termina con la dominante preparando el regreso a la
tónica. El segundo período de la segunda sección realiza lo mismo que la primera sección y suele
repetir el mismo material excepto la tercera frase que concluye con una semicadencia en la tónica.
Koch considera que la frase típica tiene cuatro compases, además se percata de que en las sinfonías
las unidades melódicas son mas contundentes y suelen extenderse mientras que en las sonatas las
unidades melódicas están separadas de manera más clara. A partir del 1830, los teóricos vieron que
en el siglo XVIII se había denominado a esta forma como binaria haciendo alusión a la división en
períodos que hacía Koch. Donde Koch vio una forma binaria, en el siglo XIX los teóricos vieron
una forma en tres secciones que correspondían a la exposición, el desarrollo y la reexposición.
Ambos modelos se pueden usar para describir las obras de Haydn y Mozart aunque la división de
Koch funciona mejor para música anterior a 1780 mientras que la forma en tres partes es mas
apropiada para la música posterior a 1800.
Los compositores usaron los modelos que hemos descrito aunque consiguieron en sus
composiciones una gran cantidad de formas diferentes.
Otras formas
Se emplearon otras elaboraciones a partir de la forma binaria:
Los movimientos lentos solían usar una variante de la forma sonata que elimina el primer período
de la segunda sección y no tiene repeticiones (forma sonata de movimiento lento o forma sonata sin
desarrollo)
La forma de variación era usada en movimientos lentos y tenía forma binaria reducida o a veces un
único período, un tema seguido de algunas variantes.
En cuartetos y sinfonías se empleó la forma minueto y trío para dar lugar a un esquema ABA.
El rondó propio de movimientos finales presenta una forma binaria o un único período haciendo el
papel de tema y después lo alterna con otros períodos llamados episodios (en otras tonalidades) con
un esquema a ABACA o ABACADA.
Todas estas formas se apoyan en la progresión de la tónica a la dominante y el retorno a la tónica.
La música para los instrumentos de teclado
El teclado era usado en ámbitos privados y en los hogares, por lo tanto los compositores a mediados
y finales del XVIII crearon muchas obras para teclado, las sonatas eran la forma mas compleja y los
compositores experimentaban con ella, de entre estos destacaremos a dos, Domenico Scarlatti y
C.P.E Bach, en ellos se puede observar el desarrollo del nuevo idioma musical.
Domenico Scarlatti (1685-1757) fue hijo de Alessandro Scarlatti, amigo de Haendel. Abandona
Italia en 1719 para servir al rey de Portugal, alli es profesor de la hija del rey portugues que al
casarse con el principe Fernando de España en 1729 se establece en Madrid y él también lo hace,
permaneciendo el resto de su vida en la corte española. Compuso 555 sonatas para clave y en ellas
usa la forma binaria equilibrada, aunque publico en 1738 una colección de 30 sonatas con el titulo
de “Essercizi”. No podemos decir que el estilo de estas sonatas sea galante, no pone enfasis en
melodias consistentes en breves frases sino que el esquema armónico tiene gran importancia. Lo
nuevo en Scarlatti, y que hace que se aproxime al estilo galante es la fina diversidad en la figuración
y el uso de escalas, cadencias abundantes y modulaciones a la dominante. Scarlatti evoca
frecuentemente a la musica española, en especial, la de guitarra.
Carl Philipp Emanuel Bach fue un importante musico, formado por su padre y estuvo al servicio de
Federico el Grande de 1740 a 1768, pasando despues a ser director de musica de las 5 principales
iglesias de Hamburgo. Compuso oratorios, sinfonias, conciertos y destaca su “Ensayo sobre el
verdadero arte de tocar instrumentos de teclado” (1753-1762) que es una valiosa fuente de
información sobre el pensamiento musical del periodo. Su instrumento de teclado preferido era el
clavicordio. Publico ocho grupos de seis sonatas para teclado (1742-1779) y cinco grupos de
sonatas mezcladas con rondos y fantasias (1780-1787). Los dos primeros grupos (sonatas prusianas-
1742 y sonatas de Württemberg-1744) aportan un modo nuevo de escritura para teclado y tiene gran
influencia en autores posteriores. Estos grupos establecieron el esquema en tres movimientos de la
sonata. Exhiben los rasgos propios del estilo galante: énfasis en la melodía, fraseo claro, cadencias
frecuentes y acompañamiento ligero. Tambien emplea el estilo “empfindsam” o estilo sentimental,
que tuvo gran auge en el norte de Alemania entre 1750 y 1780. Más adelante, Bach emplearía
elementos de sorpresa, giros inusuales de la melodía, silencios en parte acentuada, inesperados
cambios armónicos… También introdujo en sus obras instrumentales secciones de dialogo musical
y pasajes de recitativo aplicando medios de la ópera.
La música para orquesta
La música para orquesta se incremento de manera significativa en el s. XVIII, cuando los conciertos
públicos y privados se hicieron populares.
Sinfonía: fue el genero orquestal mas relevante de mediados a finales del s.XVIII, estaba
dividida en tres o cuatro movimientos en estilo homofónico. Su origen esta en Italia en torno a 1730
y luego se expande por Europa, apareció a menudo al inicio de un concierto público. La sinfonia
procede de la sinfonía italiana u obertura de Opera, y es que, hacia 1700 muchas oberturas de ópera
eran a tres movimientos (rápido-lento-rápido). También los conciertos para orquesta de Torelli
seguían el formato rápido-lento-rápido, también las sonatas de iglesia del norte de Italia tenían esta
misma estructura y hay que decir que durante todo el s. XVIII se interpretaron sinfonias en los
oficios de las iglesias católicas. Tambien la suite orquestal es una fuente de las formas binarias
frecuentes en las sinfonías. Como vemos, hay multiples origenes. Las primeras sinfonías fueron
escritas por compositores de Milan y del norte de Italia, entre ellos destaca Sammartini (ca. 1700-
1775) y su sinfonia en Fa mayor no 32 (ca.1740), esta sinfonia esta compuesta para cuerdas a cuatro
voces y seguramente clave y fagot. Consta de tres movimientos (rapido-lento-rapido) y se interpreta
en menos de 10 min. El presto inicial sigue la estructura de “primer movimiento” de Koch.
Otro centro relevante fue Mannheim, donde la corte del elector del Palatinado era uno de los centros
musicales mas activos de Europa. La orquesta de Mannheim estaba liderada por Johann Stamitz
(1717-1757) y dicha orquesta exploto recursos como el pianissimo y el fortissimo a la vez que
impresionantes crescendos, una dinámica sonora sin precedentes.
Stamitz fue el primero en componer sinfonías a cuatro movimientos con minueto y trio como tercer
movimiento y un ultimo movimiento Presto. Introdujo asimismo un tema de fuerte contraste tras la
modulación a la dominante en la primera sección del movimiento Allegro.
En Viena, destaca Wagenseil (1715-1777) con un lirismo agradable y buen humor y en París
destaca el belga Gossec (1734-1829) que llego a la ciudad en 1751y acabo por establecerse como
uno de los compositores mas importantes de cuartetos, sinfonías y ópera cómica. Hay que ener en
cuenta que en París confluían Sammartini, Stamitz y Wagenseil.
Sinfonía Concertante: en torno a 1770 debido al incremento de los conciertos y del gusto del
público parisino por las melodías agradables y los virtuosos nació la sinfonía concertante, una obra
parecida a un concierto con dos o mas instrumentos solistas. En estas decadas se escribieron en
Paris cientos de estas obras y rapidamente los compositores de Mannheim les siguieron los pasos.
El concierto: el concierto para solista siguió siendo popular como un genero para vistuosos,
quienes a menudo escribian conciertos para si mismos. Uno de los primeros en componer conciertos
para piano fue Johann Christian Bach (1735-1782), el hijo menor de J.S.Bach, estudio y trabajo en
Italia y en 1762 se traslado a Londres, donde prospero como interprete, compositor, profesor y
empresario. Desarrolló el estilo galante y fue conocido en toda Europa. Fue una de las principales
influencias del joven Mozart, quien lo visito en 1764, a la edad de 8 años y arreglo tres sonatas de
Bach (hijo) en conciertos.
Los conciertos tenían tres movimientos (rápido-lento-rápido). El primer movimiento conservo la
forma de los ritornellos de los conciertos barrocos (alternancia entre ritornellos orquestales y
episodios expuestos por el solista) y los combina con los contrastes de tonalidad y de material
tematico caracteristicos de la forma sonata. Koch describe tres secciones del solista encuadradas
entre cuatro ritornellos orquestales, es decir , una forma sonata enmarcada por una forma ritornello.
