Los condicionantes históricos: ¿quiénes eran los

griegos?
Los griegos nunca constituyeron una nación o un estado unitario en el sentido
moderno del término. Se trataba más bien de un conjunto de tribus que tenían
en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses y mitos ancestrales, así
como unos mismos antepasados. Es decir, los helenos compartían una misma
cultura. Su organización política se estableció mediante polis (ciudades estado)
independientes cuyas rivalidades en ocasiones desembocaron en conflictos
bélicos (guerras). Así pues, los inicios de la civilización griega hay que buscarlos
en las islas de Creta y Micenas donde, debido a su privilegiada situación dentro
del circuito comercial del mar Egeo-Mediterráneo, disfrutaron de un auge
económico muy importante debido al intenso tráfico comercial que se
desarrollaba en la zona, entre el norte de África y el sur de Asia y Europa. Sin
embargo la invasión de los dorios provocó un período de conflictos, migraciones
de pueblos enteros y destrucción de ciudades. De este modo se inició en Grecia
una época oscura que duró hasta el siglo VIII a. C. Es a partir del siglo VIII a. C.
cuando se produce en el territorio heleno las grandes transformaciones
económicas y sociales. De hecho, los griegos acostumbran a tomar como punto
de arranque de su historia el año 776 a.C., fecha de la décima Olimpiada.

II. ARQUITECTURA
1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• El carácter humanista del arte griego reflejado en la arquitectura; las
construcciones poseen unas proporciones en armonía con el hombre,
evitan las obras colosales
• El material más utilizado es la piedra en forma de sillares
• El principal elemento sustentante es la columna.
• Otro elemento importante es el entablamento (parte horizontal sustentada del
edificio)El principal monumento fue el templo.

2. LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS

ORDEN DÓRICO

• La columna no tiene baza

• El fuste se acanalado
• El capitel se sencillo, tiene equino
• El friso está formado por metopas y triglifos.
• El arquitrabe es liso
• A las metopas se pone la decoración escultórica
• La decoración escultórica también la encontramos al
frontón
 ORDEN JÓNICO

• El capitel tiene dos volutas o espirales

• El entablamento cono esta de un arquitrabe con tres
bandas
• El friso que puede estar decorado con un relevo
continuo o puede ser completamente liso.
• La columna tiene baza
• El fuste se acanalado con aristas aplanadas.
• La decoración escultórica también la encontramos al
frontón.
• El capitel no tiene equino.

ORDEN CORINTIO

• Eje estriado (acanalado)

• Capitales (l decorados con hojas de acanto y
flores
• Los adornos en el capitel asoman hacia afuera,
como una campana, sugiriendo una sensación de
altura.
• Una proporción [Link] capiteles
ornamentales están proporcionados a "todo el
espesor del eje".
• Las columnas corintias se utilizan a menudo en
interiores y arcos de apoyo

3. EL URBANISMO GRIEGO
En Grecia nace el urbanismo. Esta afirmación se circunscribe al hecho de que
los griegos se preocupan de la planificación del espacio urbano: la ciudad deja
de ser una simple acumulación de edificios. Se caracteriza por la relevancia de
los espacios cívicos o públicos. Entre ellos destacan:

• Ágora: plaza pública donde se sitúan los principales edificios públicos.

También es el lugar de las transacciones comerciales.
• Acrópolis: recinto sagrado y amurallado situado en la parte más elevada
de la polis. Alberga los principales templos y también servía como núcleo
defensivo. La acrópolis de Atenas es la más conocida.
• Stoa: pórtico cubierto que protege a la gente reunida, en la que se
localizan a veces los establecimientos comerciales.
• Edificios públicos destinados a la administración (buleterio, eclesiasterio)
o al ocio (estadio, hipódromo, gimnasio, palestra, teatro...).
4. EL TEMPLO
El antecedente del templo griego hay que buscarlo en el mégaron cretomicénico.

Al principio se construyó de madera, con ornamentaciones de cerámica

policromada; posteriormente se utilizó la baldosa y finalmente la piedra y el
má[Link] se le añadió el opistódomo, y, al quedar aislado el
templo, se le rodeó con [Link] el siglo VI a.C. Aparece el templo de planta
circular, y en el periodo helenístico el templo [Link] griego estaba
integrado en la naturaleza, por ello, raras veces se construían dentro de la
ciudad.

La manifestación más representativa y monumental de la arquitectura griega es

el templo. La arquitectura es arquitrabada y en época clásica el material de
construcción favorito fue el má[Link] convirtió el templo griego: en la morada
de la imagen del dios.

EPOCA ARCAICA - EVOLUCIÓN

TIPOLOGIA

Se establece una tipología a partir de tres elementos: el número de columnas de

los pórticos, el número de pórticos y la disposición de las columnas, lo que da
lugar a varios modelos.

Según el número de columnas que presenta en el pórtico hablamos de: Tetrástilo

(cuatro columnas); Hexástilo (seis columnas); Octástilo (ocho
columnas;Decástilo (diez columnas)

In Antis: Presenta dos columnas en la

fachada principal flanqueada por
muros laterales.

- Próstilo: Sólo presenta columnas en

la fachada principal, y los muros
laterales no se prolongan.

- Anfipróstilo: Con columnas en los

dos frentes.

- Períptero: Cuando la columnata

rodea todo el templo.

-Díptero: Cuando la columnata rodea

todo el templo en doble fila de
columnas
5. LA ACRÓPOLIS DE ATENAS
La Acrópolis de Atenas es una fortaleza de tres hectáreas de extensión, situada
al este de Atenas en una colina que desde épocas muy remotas fue un lugar
sagrado (allí estaba la roca hendida por el tridente de Poseidón y el olivo y la
fuente que Atenea había hecho brotar de ella, en su disputa con el Dios del mar)
y de refugio en caso de peligro.

Durante las Guerras Médicas, los persas la saquearon. Tras la victoria, Pericles
al llegar al poder, decide su reconstrucción con parte del botín de guerra y con
el dinero que Atenas conseguía al ser la cabeza de la Liga de Delos.

Los templos se consagraron a Atenea, divinidad protectora de Atenas. Fidias fue

el encargado de la dirección de las obras.

A partir del siglo XIII las invasiones de los bizantinos y de los turcos otomanos la
modificaron. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, el embajador inglés
Lord Elgin compró bastantes esculturas que actualmente se encuentran en el
Museo Británico. Después del terremoto de 1894 se hicieron algunas
restauraciones con criterio científico. Actualmente se está llevando a cabo una
restauración más completa con fondos de la Comunidad Europea al haber sido
declarada Patrimonio de la Humanidad.

Los principales edificios de la Acrópolis son:

• Templo de Atenea Niké

• Partenón
• Erecteion

Templo de Atenea Niké

Sufragado por el general Cimón, rival de Péricos, el proyecto sufrió varios
retrasos , quedando al final un espacio muy reducido para su erección, teniendo
que adaptarse el plan

Es un templo jónico, tetrástilo y anfipróstilo construido en mármol blanco que se

cerraba con una reja de bronce y que tenía la cubierta a dos aguas.

Dedicado a la diosa Victoria, su

construcción se acordó para
conmemorar el tratado de paz
firmado por Calias con los persas.
Se decía que los atenienses habían
erigido el templo a la diosa Victoria
sin alas con el convencimiento de
que la Victoria ya no volaría jamás y
se quedaría siempre en Atenas
Partenón
El Partenón se encuentra en
la Acrópolis de Atenas, a
156 metros sobre el nivel del
mar. Fue construido en el
siglo V a.C, y es la joya de la
acrópolis (ciudad alta).

Es una arquitectura
adintelada o arquitrabada
pues los elementos
horizontales descansan
sobre los verticales. Está
realizada en piedra, en sillares bien trabajados. En su momento estuvo coloreada
aunque sus colores no han llegado hasta nosotros. Es un templo de orden dórico,
octástilo (ocho columnas en el pórtico) y períptero (columnata rodea toda la
planta). El templo se asienta sobre un crepidoma o basamento escalonado que
contribuye a realzar el edificio. Al ser de orden dórico sus columnas presentan
acanaladuras en el fuste y se sitúan directamente sobre el estilóbato. En la parte
alta se sitúa el capitel y sobre él, el entablamento formado por el arquitrabe que
es liso, el friso dividido en triglifos y metopas, éstas últimas decoradas con
relieves, y, por último la cornisa. El edificio se remata con un frontón decorado
con escultura exenta que se ubica en el tímpano. Todo el templo está construido
en función de un canon de proporcionalidad, basado en el número de columnas
y en la proporción de todas las parte con el todo. La planta es rectangular y se
divide en pronaos, naos y opistodomos. La naos está dividida en tres naves,
separadas por columnas, de las cuales la central es más ancha que las otras
dos. Adosada a la naos se construye una habitación cuadrada, cuyo techo está
sostenido por cuatro columnas: es el partenón o habitación de las vírgenes. Esta
habitación sirve para guardar las donaciones hechas al templo; a través de ella
se accede al opistódomo. En la cella o naos se hallaría la estatua del dios. El
Partenón responde a los reajustes ópticos: no hay líneas rectas en todo el
edificio; el entablamento se curva lo mismo que el estilóbato para evitar el efecto
pandeo. Las columnas se inclinan hacia adentro y presentan éntasis. El fuste es
más ancho en las columnas de los ángulos y hay desigual distancia en los
intercolumnios. Todo el edificio responde las características de proporción,
armonía y equilibrio propio del arte griego.

Erecteion
Este templo es un templo de orden jónico, aunque algunas de las columnas, en
concreto las del pórtico de las Cariátides, tienen forma de mujer, de ahí el nombre
de cariátides. También es un templo hexástilo, ya que la entrada principal
contiene seis columnas. El material usado en todo el edificio es piedra y mármol.
Se pueden observar las características típicas del orden jónico: los tres
escalones (dos estereóbatos y un estilóbato), con una basa en la que aparecen
aristas muertas en su fuste.
 En la parte de arriba encontramos el
arquitrabe, el friso y un frontón.
Aunque en la imagen no se aprecia,
al ser un templo griego sabemos que
en su interior se encuentra la
pronaos que conduce a la naos.
Este templo era un templo
policromado. Este edificio es un templo griego, mas concretamente el erecteion
y su función es principalmente religiosa. En este templo destaca la belleza, la
armonía y la proporción típicas de los edificios de estilo clásico griego (gracias a
cómo están colocadas todas las piezas, hace que tenga una proporción
matemática perfecta). Se diferencia así de los templos egipcios, ya que en los
templos griegos sigue predominando el antropocentrismo, aunque en el templo
se venere a uno o más dioses. Este templo fue construido entre el 421 y el 406
a.C. en el extremo norte de la Acrópolis de Atenas. Tras el final de las guerras
Médicas, durante el gobierno de Pericles se emprendió la reconstrucción de la
Acrópolis ateniense. Menesicles, quién había construido los Propileos o puerta
de acceso a la Acrópolis recibió el encargo de construir un templo en un lugar
especialmente sagrado pues, según la tradición, en él se había celebrado la
disputa entre Atenea y Poseidón por el patrocinio de Atenas. Además, en dicho
lugar se conservaba el olivo que se creía que había hecho brotar Atenea y una
fuente natural que había manado tras que Poseidón clavase su tridente sobre la
roca. Todo esto obligó al arquitecto, Menesicles a diseñar un edificio singular que
se adaptase al terreno desigual y respetase estos lugares sagrados.

III. LA ESCULTURA GRIEGA

1. CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA GRIEGA

La escultura griega constituye uno de los capítulos más brillantes de la historia
del arte universal. Gran parte de las piezas originales se han perdido, pero
disponemos de multitud de copias romanas, que si bien no son más que un pobre
reflejo de la escultura griega, provocan la admiración de generaciones de
amantes del arte.

• Reproducción de la realidad.
• Evolución: de casi abstracta a arte extremadamente realista.
• Predominio de la figura humana.
• Raíces orientalizantes que desembocan en formas originales en las que
lo más importante es la búsqueda de la belleza, el equilibrio espiritual, la
expresividad, el movimiento y el volumen. Excepto la primera se dan sobre
todo en el helenismo.
• Canon establecido a partir de la medida de la cabeza.
• Policromía suave.
• Relación entre las partes y el todo, movimiento y escorzo. Todos ellos
elementos de estudio.
 • Conocimiento de la personalidad de los sujetos.
• Belleza formal.
• Materiales principales: bronce y mármol.
• Incrustaciones: materias vítreas para los ojos y láminas rojizas para los
labios.
• Técnica: crisoelefantina para la divinidad. Atenea Partenos de Fidias
como ejemplo.
• El periodo de mayor maduración es el siglo V a. C.

Las etapas o periodización establecida es la planteada para la arquitectura:

• Periodo arcaico: hasta el siglo V a. C.

• Periodo clásico: siglos V-IV a. C.
• Periodo helenístico: de fines del siglo IV a. C. hasta la conquista romana
(siglo I a. C.)

[Link] EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA

MIRÓN

El discóbolo
Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo, figurativa, de naturalismo
idealizado. Está tallada en mármol, aunque casi con toda seguridad, el original
fue fundido en bronce mediante la técnica de la cera perdida. Representa a un
atleta en el instante justo de soltar el disco, con todo el cuerpo flexionado y lleno
de tensión, durante la celebración de unos juegos.

Esta obra podemos considerarla dentro del Pleno Clasicismo y reúne muchas de
sus características. En primer lugar, asistimos a un momento donde la
proporción, la armonía y el número forman parte del concepto estético de belleza.
En la composición, se observa claramente como la figura se inscribe en un
semicírculo formado por los brazos, tratando de representar el equilibrio
inestable dentro de una composición geométrica. También es importante el
concepto de mímesis o copia de la naturaleza, así como el protagonismo del ser
humano, ambos conceptos se funden en una
idealización del cuerpo masculino como se observa en
el canon empleado, perfectamente equilibrado, así
como en la representación de toda la anatomía. Se
supera claramente, el hieratismo arcaico, creando un
movimiento sin precedentes en la escultura, a través
de diagonales contrapuestas, como las que se
observan entre el torso y las piernas, así como con la
contraposición de los arcos formados por los
brazos, creando una multiplicidad de puntos de vista,
que invita al espectador a contemplar la escultura
desde diversos ángulos, aunque sin duda, desde su
punto de vista lateral es donde mejor se aprecia la
magnitud de la obra. El modelado, es bastante plano,
como podemos observar tanto en el pelo como en los músculos, lo que no crea
grandes juegos de claroscuros.
A excepción del pelo, tampoco observamos diferentes tratamientos de las
superficies, sin llegar a obtener contrastes entre las texturas. Frente a la tensión
del momento, contrasta el rostro casi inexpresivo, sin duda, herencia todavía, del
Estilo Severo.

POLICLETO

Pensaba, como otros muchos artistas griegos, que el arte debía estar regido por
principios matemáticos. Esta convicción y su afán didáctico le llevaron a escribir
un tratado (Kanon) en el que establecía las relaciones matemáticas entre las
partes del cuerpo y sus proporciones ideales (por ejemplo, la cabeza respecto al
cuerpo debía tener una relación 1:7).
Su mayor interés estuvo en el cuerpo masculino desnudo, al que trató de
representar en sus proporciones perfectas. Partió para ello del concepto de
symetria

Su obra clave es el Doríforo

Representa a un joven desnudo que lleva en su mano izquierda una lanza. La
pierna derecha recibe el peso mientras la izquierda se
adelanta y parece iniciar un movimiento. Esto hace que la
figura, aunque esté en reposo, presente un notable
dinamismo.

La alternancia de miembros tensos y relajados combinada

con un torso amoldable se denomina contrapposto. Es un
recurso que ha sido utilizado en muchas ocasiones a lo
largo de la historia del arte, por ser tan útil para infundir un
sentido de vitalidad a figuras hechas de piedra, de bronce
o bien pintadas.
La inclinación hacia la derecha de la cabeza del Doríforo
da el toque final a la estatua; describe una suave curva en
forma de "S" invertida. Dicha inclinación mejora el perfil de
la estatua (...) Ambos lados de la estatua presentan cualidades muy distintas,
pero cada uno por separado es armonioso y bello. El lado derecho ofrece una
sensación de reposo gracias a la continuidad de la línea vertical que va desde la
pierna derecha que soporta el peso hasta el brazo en posición relajada. El lado
izquierdo, por el contrario, es angular, y la posición del codo se corresponde con
la curva cerrada de la pierna izquierda relajada

FIDIAS

Representa la plenitud del clasicismo en una época en la que Atenas estaba en

su momento de máximo [Link] de la perfección de las proporciones
que, a estas alturas, era algo completamente aceptado, Fidias se preocupó por
expresar en su obra el sentimiento religioso y cívico que, a su juicio, iba ligado a
la [Link]ó la decoración del Partenón, que centró en sus metopas, frisos
y frontones, en los cuales desarrollaría un programa escultórico para exaltar la
grandeza de la diosa Atenea y de la propia ciudad
Atenea Partenos La monumental estatua se habría situado al final de la cella o
cámara interior del templo, con la intención de abrumar por su tamaño,
riqueza y profusión decorativa y así suscitar alabanzas en el espacio de culto.
Un estanque frente a ella reflejaría su brillo para hacer más diáfano el espacio,
además de mantener una humedad adecuada para el marfil.

Sabemos que estaba compuesta por un núcleo de madera y que de marfil

estaban hechos el rostro, los brazos y manos, los pies y, en fin, toda parte
desnuda de la piel de Atenea; característica que Platón emplea en su diálogo
sobre la belleza Hipias Mayor como ejemplo de principio estético de
adecuación: No hizo [Fidias] de oro los ojos de Atenea, ni
el resto del rostro, ni tampoco los pies ni las manos…, sino
que los hizo de marfil. Para el atuendo y la mayoría de las
partes restantes se emplearon placas de oro; en total
pesaban 40-44 talentos (algo más de una tonelada), y eran
desmontables. Quizá contribuyeron a su magnificencia
otros materiales, como bronce o piedras semipreciosas,
pero no tenemos constancia de ello.
El tratamiento de la anatomía y las formas revela el interés
del antropocentrismo propio del periodo clásico por aunar
belleza física y moral, estableciendo un canon de
proporciones estéticas naturalistas.

Además de los datos que nos ofrece Pausanias, sabemos

que el peplo estaría ceñido a la cintura con dos serpientes
enroscadas simétricamente y caería en forma tubular hasta
el suelo. De él sólo sobresaldrían las sandalias que calza
Atenea, y se distinguiría su pierna izquierda levemente
retraída y doblada en la rodilla. La Niké que sostenía tenía
una altura de unos 2 metros.
La obra tuvo gran éxito y fue el origen de la proliferación de obras
crisoelefantinas por los santuarios helénicos más importantes, como la gran
estatua de Zeus en el santuario de Olimpia que lleva su nombre.

PRAXÍTELES

Hermes y Dionisos
Como podemos observar nos encontramos ante una talla muy delicada y suave.
Las formas son mucho más naturales que las que podemos encontrar en el
periodo clásico, donde los planos geométricos están claramente definidos en la
anatomía, como veíamos en el Doríforo. El canon utilizado es más esbelto que
el de Policleto lo que contribuye a dotar de mayor gracia y ligereza a la escultura,
a lo que añadiremos el uso de la conocida como curva praxiteliana, donde el
contrabalanceo típico del contrapposto, se acentúa de forma extrema como
observamos en el cuerpo de Hermes, aportando un gran dinamismo a la
escultura. Estas formas contribuyen a crear una imagen mucho más cercana y
humana de los dioses en el espectador, que también se manifiesta, al crear un
diálogo de miradas entre Hermes y Dionisos. La misma acción de ofrecer el
racimo de uva al niño, contribuye a dotar de un tono
lúdico y amable que ayuda a crear una imagen más
humana de las divinidades. La talla es rica en texturas
y efectos plásticos, como podemos observar en la
suavidad de la piel, que contrasta con el pelo rizado y
los pliegues del manto que utiliza como estribo y que
ayuda a sostener el peso de la escultura. Tanto los
rizos del cabello como los pliegues del manto crean
efectos de luces y sombras que resaltan el torso de
Hermes. La composición se abre al espectador con el
brazo extendido de Hermes sosteniendo el racimo (no
conservado), a pesar de ser de bulto redondo, está
claramente concebida para observarse desde un
plano frontal .

No conocemos bien, la función y significado de este

grupo escultórico, pero puede que tuviese una función
conmemorativa, tratando de representar la paz entre la polis de Elde (cuyo
protector era Dionisos) y la polis de Arcadia (cuyo protector era Hermes).

Durante el siglo IV a. C. tiene lugar el Postclasicismo, este estilo, heredero del

periodo anterior, continua en la búsqueda de la belleza ideal, sin embargo, ahora
la belleza no reside tanto en la geometría, la proporción y la matemática, sino
que se recurre a conceptos como la elegancia y el refinamiento, dando lugar a
una escultura más esbelta, ligera y con un carácter más humano o amable, se
abandona la representación del “ethos” entendido como el dominio de las
pasiones, y se prefiere representar el “pathos” dejando mostrar las emociones
humanas. Este tipo de arte viene a ser el reflejo de una sociedad que se distancia
del esplendor político y cultural de la época de Pericles y entra en una profunda
crisis marcada por las continuas guerras entre las diferentes polis, así como
también la irrupción de nuevas formas de pensamiento que abandonan el
Platonismo y la búsqueda de la virtud, para dar lugar a otras filosofía como el
Hedonismo, o disfrute de los placeres, al que se acerca este Hermes con
Dionisos niño, o bien el Estoicismo que estará mejor representado por Scopas.
El Postclasicismo tendrá una gran influencia en la etapa posterior o Helenismo
donde asistiremos a un barroquismo de las formas clásicas, que se inicia
precisamente en este periodo.

SCOPAS

Ménade Danzante
Nos encontramos ante la obra conocida
como Ménade Furiosa o Ménade
Danzante, se trata de una copia romana de
un original atribuido a Scopas, escultor
originario de la isla de Paros. La obra está
datada hacia la mitad del siglo IV a. C. y
pertenece al estilo Postclásico o Clasicismo
Tardío. Hoy en día se encuentra expuesta
en el Museo Albertinum de Dresde. Su conservación no es muy buena,
encontrándose en estado fragmentario.

Se trata de una obra escultórica figurativa de carácter naturalista e idealizado.

Es una escultura de bulto redondo, de una figura femenina en actitud danzante,
esculpida en mármol. El tema es mitológico, representa a una ménade, las
ménades eran mujeres que vivían casi en estado salvaje y practicaban el culto
orgiástico de Dionisos, donde a través de la intoxicación etílica derivada del
consumo del vino llegaban a un frenesí extático.

En el siglo IV a. C. los artistas comienzan a buscar nuevas formas de expresión,

se abandona la búsqueda de la belleza ideal y del uso de las matemáticas y la
proporción como medios para plasmar la belleza. En este caso Scopas trata de
transmitir fuerza expresiva y un estado de ánimo, mediante la representación del
éxtasis o frenesí de la danza en el rito dionisíaco. Para ello, esculpe un cuerpo
casi en el estado de convulsión, de una gran sensualidad, que además transmite
gran movimiento y dinamismo, y que se acentúa por la profundidad de los
pliegues creando efectos de luces y sombras. Esta profundidad de los pliegues
junto con las ondas del cabello contrastan con la suavidad de la piel de la figura
femenina. Scopas utiliza una estructura compositiva abierta, alejándose de la
concepción frontal, alcanzando su máxima expresión con la contemplación de la
obra desde un lateral o diagonal. A ello debemos sumar un perfecto estudio de
la anatomía femenina., que se deja adivinar gracias el empleo de la técnica de
paños mojados. El rostro muy deteriorado, es posible que reflejara una expresión
de frenesí o desato de las pasiones, una búsqueda del "pathos" que exalta el
sentimiento, abandonando el "ethos" o dominio de las pasiones del estilo Clásico.

LISIPO
Se puede considerar el último representante de la
escultura griega clásica. Sus
principales aportaciones fueron las siguientes:

• Se interesa por los rasgos individuales, lo que lo

acerca al retrato.
• Modificó el canon de Policleto haciéndolo más esbelto
(1:7,5 entre cabeza y cuerpo)
• Amplia la temática tradicional. Esculpe atletas, pero
también niños, con formas realmente infantiles, y viejos
mostrando los rasgos de la edad.

Apoxiomeno
Se trata de una escultura figurativa, de carácter
naturalista con cierta idealización, esculpida en mármol,
representa un hombre desnudo en pie y de bulto
redondo. El tema representado es uno de los más
tradicionales y predilectos de la estatuaria griega, ya que
representa un atleta, en este caso, en el momento de
limpiarse el cuerpo con un estrígil o estrigilo, que servía
para retirar el óleo o aceite con el que se untaban los
atletas, y que tras la competición se retiraba ceremoniosamente junto con el
polvo y resto de suciedad.

Seguramente Lisipo sea el autor del Postclasicismo con más influencias del
periodo anterior, como se adivina por el tema elegido. No obstante, el atleta no
se muestra en el momento del triunfo como el Diadúmeno de Policleto, sino en
un momento más cotidiano y carente de gloria y heroicidad. Lisipo demuestra un
interés por volver al uso de la matemática y la proporción como medida de
belleza, empleando un canon, aunque en este caso ligeramente superior al de
Policleto, con una altura de 8 cabezas, frente a las 7 que empleaba Policleto.
Emplea también el contrapposto, y la diartrosis o forma desmesurada de
representar las articulaciones como se observa en brazos, hombros y el pliegue
inguinal, aunque con un modelado más fino y elegante, tratando de eludir los
planos duros y geométricos del Doríforo. El rostro del Apoxiomenos aparece
inexpresivo, volviendo al "ethos" clásico o la virtud de ocultar las pasiones o
emociones

[Link] PERIODO HELENÍSTICO

Se llama época helenística al periodo de la historia de Grecia que abarca desde

el 330a. C. en que muere Alejandro Magno y desaparece el imperio que había
creado en pocos años, hasta finales del siglo II a.C. en que los territorios griegos
pasan a ser conquistados por Roma.

Lo más importante de este periodo, desde el punto de vista artístico, es la

extensión de los conceptos del arte griego a todo el Mediterráneo oriental. Se
creó una especie de cultura común a la que se llamó koiné (“comunidad”). Esta
cultura suponía una integración de lo griego, como elemento dominante, con
elementos propios de cada lugar (Egipto, Mesopotamia, Siria, etc.)

Se trata de un periodo de florecimiento artístico que tiene como centro, además

de a Atenas, a las capitales de los nuevos reinos helenísticos: Antioquía,
Alejandría,Pérgamo, etc. A este florecimiento contribuyeron dos factores: el
mecenazgo de los reyes y la aparición de un mercado privado de arte cada vez
más amplio, que daría lugar al coleccionismo.

La escuela de Atenas

En Atenas dominó la sencillez, el reposo y la constante inspiración en los

modelos del pasado. Abundaron los retratos de los personajes más ilustres, así
como repeticiones del tema de Afrodita, entre las que se encuentran la Afrodita
acurrucada de Doisalsas de Bitinia y la célebre Afrodita de Milo, realizadas entre
los siglos II y I a. C. No faltaron los temas infantiles, como el Niño de la [Link]
en el silgo I a. C. destaca la labor de Apolonio, hijo de Néstor, que
firmó el conocido Torso de Belvedere, cuya exuberante musculatura
impresionaría siglos más tarde a Miguel Ángel. Otra obra destacada es el Púgil
sentado.
La escuela de Alejandría

En Alejandría se llegó a la fusión de elementos griegos y egipcios en diferentes

representaciones de las divinidades. Pero lo más importante, aparte del gran
realismo de los retratos, son las figuras de seres deformes y de variados tipos
raciales.

También es interesante la atención concedida a lo alegórico bajo forma humana,

de lo que es un buen ejemplo la representación del río Nilo como un anciano de
barba larga sobre cuyo cuerpo juegan varios pequeños.
Precisamente en esta escuela tuvo lugar la creación del paisaje helenístico de
tipo romántico e idílico y con marcado sentido pictórico, que desarrollarían los
romanos.

La escuela de Pérgamo

Pérgamo fue la sede de otra gran escuela que aportó interesantes novedades.
Lo heroico y lo trágico presidieron las realizaciones de este centro artístico, en el
que se pueden apreciar dos etapas.

De la primera, desarrollada en el siglo III a.C., destacan las representaciones de

los Gálatas que habían intentado invadir aquel territorio y que habían sido
derrotados por los monarcas Átalo I y Eumenes. Así, el Galo moribundo y el Galo
suicidándose, inmortalizaban la fortaleza de ánimo de aquellos enemigos que
tanto había costado detener, lo que era una manera indirecta de ensalzarse a sí
mismos, alabando al fiero contrincante derrotado.

En la segunda etapa, la obra principal es el friso del altar de Pérgamo que

Eumenes II consagra en el año 181 a Zeus y a Atenea. El friso narra, en un estilo
barroco y muy dinámico, la lucha entre los dioses y los gigantes, revelándose en
los rostros la influencia de la escultura de Scopas.

La escuela de Rodas

Por último, la escuela de Rodas llevó a cabo una escultura llena de grandiosidad
y barroquismo. Así lo testimonian obras exentas como la Victoria de Samotracia
de Pitócritos, fechada hacia el año 195 a. C; o grupos de composición más
compleja como el del Castigo de Dirce, más conocido como el Toro Farnesio,que
fue realizado por Apolonio y Tauriscos de Trailes en torno al año 100 a. C.

Desde el punto de vista compositivo está concebido como una gran pirámide
ideal en cuya base se concede una gran atención al paisaje. Pero la escultura
helenística por antonomasia es el grupo del Laoconte y sus hijos, hoy en día en
los Museos Vaticanos, realizado, aproximadamente, en el año 50 a. C., ya en
época romana, por Agesandros, Polidoros y Atenodoros.
Es una sorprendente representación tanto del dolor físico como moral que
describe el castigo que el sacerdote Laoconte recibió de los dioses por oponerse
a la entrada del caballo en Troya una vez que estos habían decidido ya la caída
de la ciudad.

El castigo consistió en la muerte del sacerdote y de sus hijos, todavía jóvenes,

por la acción de unas serpientes. La composición no puede ser más movida
(predominan las diagonales y los cuerpos retorcidos), los rostros están
representados con un profundo dramatismo que se realza con la utilización del
trépano para la realización del fuerte claroscuro en la boca y en los cabellos.
Suhallazgo en la época renacentista sorprendió a escultores como Miguel Ángel
por su dinamismo y su fuerza expresiva.