Tema 65
Tema 65.
LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX. Tendencias artísticas modernas.
1. Introducción.................................................................................................................... 1
2. Las vanguardias artísticas hasta la II Guerra Mundial ...... ¡Error! Marcador no definido.
2.1 El concepto de vanguardia ...................................................................................... 2
2.2 Expresionismo y Fauvismo...................................................................................... 3
2.3 Cubismo y Futurismo .............................................................................................. 4
2.4 El Dadaísmo y Surrealismo ..................................................................................... 5
2.5 Arte abstracto .......................................................................................................... 7
3. Tendencias artísticas a partir de 1945 ............................................................................ 8
3.1 Op Art ..................................................................................................................... 8
3.2 Pop Art .................................................................................................................... 8
3.3 El Arte Conceptual .................................................................................................. 9
3.4 Otras tendencias ..................................................................................................... 9
4. Concusiones .................................................................................................................. 9
5. Bibliografía ....................................................................................................................10
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Tema 65
1. Introducción
A continuación, voy a hacer la exposición del tema 65: “Las vanguardias del siglo XX.
Tendencias artísticas modernas”. Este tema se recoge dentro del Bloque de Dibujo Técnico de
entre los bloques donde se establecen los contenidos del currículum para la ESO y
Bachillerato de la Comunidad Valenciana, establecido en el Decreto 87/2015.
Los contenidos de este tema son fundamentales para el desarrollo de las capacidades de
abstracción y de concepción espacial, necesarias para la comprensión de los objetos que nos
rodean y de las obras de arte.
Esta parte de la materia pretende facilitar la comprensión del lenguaje de las formas desde
una función instrumental y plástica para posteriormente, analizar, investigar, interpretar y
comunicar ideas, formas y proyectos.
En primer lugar, haremos un breve repaso histórico destacando los personajes históricos que
más influencia han tenido en el desarrollo de la Geometría. También en este punto, se
estudiará la diferente simbología de las formas geométricas a lo largo de la historia.
A continuación, se señalan las principales estructuras geométricas que encontramos en la
naturaleza, nombrando algunos ejemplos.
Finalmente, se hace un recorrido histórico donde se destaca como la geometría ha tenido una
presencia fundamental para el desarrollo del arte desde Grecia hasta la actualidad.
Para desarrollar el tema comenzaremos por hacer un breve apunte sobre la etimología del
término Vanguardia, hablaremos del contexto histórico en el que surge y de sus
características generales. Más tarde, nos dispondremos a hacer un repaso por los distintos
ismos surgidos durante las primeras décadas del S. XX para finalizar con las últimas
tendencias.
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2. Transformaciones y cambios en el arte del siglo XX
2.1 El concepto de vanguardia
El término vanguardismo procede de la palabra francesa avant-garde, un término del léxico
militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la que confrontaría la «primera
línea» de avanzada en exploración y combate. En el terreno artístico, se ha llamado
vanguardias históricas a una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX. Estos
movimientos buscaban innovación en la producción artística; se destacaban por la renovación
radical en la forma y el contenido; exploraban la relación entre arte y vida; y buscaban
reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores.
Se manifiesta a través de varios movimientos que desde planteamientos divergentes abordan
la renovación del arte y/o la pregunta por su función social, desplegando recursos que
quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística,
en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura, música, etc. Algunos autores, como Peter
Bürger (Teoría de la vanguardia) distingue entre "auténticas" vanguardias, a aquellos
movimientos que orientaron su confrontación hacia la institución arte y la dimensión política
del accionar artístico en la sociedad; y concentraron sus innovaciones en la búsqueda de
nuevas funciones y relaciones de poder.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa
en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes,
principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta
alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros
creativos: en poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo aspectos antes
irrelevantes, como la tipografía; en arquitectura se desecha la simetría para dar paso a la
asimetría; en pintura se rompe con las líneas, las formas, los colores neutros y la perspectiva.
Además, se ha de mencionar la importancia de su contexto histórico, un momento de
cambios marcado por las dos Guerras Mundiales y la aparición de nuevas tecnologías (el
automóvil, el avión, el gramófono, el cinematógrafo…) que influyeron fuertemente en la
sociedad y sobre todo en los artistas.
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Una de las características visibles de las vanguardias es la actitud provocadora. Se publican
manifiestos en los que se ataca todo lo producido anteriormente, que se desecha por
desfasado, al mismo tiempo que se reivindica lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y
valores existentes hasta el momento.
Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo,
surrealismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos,
aunque con denominadores comunes:
- La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la
innovación.
- Audacia y libertad de la forma.
- El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas unas tras
otras.
Veamos detenidamente cada uno de estos movimientos destacando de forma resumida cada
una de sus características.
2.2 Expresionismo y Fauvismo
Empezaremos por el Expresionismo. Se trata de un movimiento que surge durante los
primeros años del siglo XX abarcando todas las artes: pintura, escultura, música, teatro, cine…
Se caracteriza por sus formas exageradas y por un lenguaje que transmite fuertes
sentimientos. Responde a la atmósfera que rodea el advenimiento de la 1ª Guerra Mundial,
tanto que, en realidad, tras cada obra expresionista se esconde un grito, siendo frecuentes los
temas de la angustia, el terror, la opresión o la miseria y otros morbosos como la sexualidad y
lo fantástico en sus representaciones.
El Expresionismo extrae el mundo interior de las personas, oponiéndose por tanto al
Impresionismo, que respondía a una mirada atenta al mundo que nos rodea. Aunque cada
uno de los artistas que intervinieron en este movimiento presentan particularidades propias,
podemos decir que a grandes rasgos todos ellos se caracterizaban por la supremacía de la
expresión subjetiva, siendo el centro de esta tendencia Alemania principalmente, donde se
destacarán dos períodos: el grupo Die Brücke (el puente) fundado en Dresde en 1905, y Der
Blaue Reiter (el jinete azul) fundado en Munich por Kandinsky en 1910.
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El primer periodo se caracterizará por su interés por el arte africano y primitivo, por su uso
del color, utilizado de forma arbitraria y aplicado de forma violenta, su esquematismo en las
formas y por su temática insistiendo en temas tabúes. Los artistas más representativos de
este grupo serán Munich, Kirschner o Emile Nolde.
En el segundo período prevalecerán las líneas curvas y sinuosas, los colores serán más claros y
la obra en general más lírica, plasmándose los fundamentos del arte abstracto a partir de la
emoción y la geometrización de las formas. Vemos como máximos exponentes de este grupo
a Kandinsky o Paul Klee.
Por otra parte, el Fauvismo fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904
y 1908 aproximadamente. El importante Salón de Otoño de 1905 supuso la primera
exhibición para el grupo cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color. No se
buscaba la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más
libres que resultaban de la superposición de colores equivalentes a dicha luz. En efecto, los
fauvistas consideraban que mediante el color se podían expresar sentimientos. Henri Matisse
es uno de los mayores representantes de esta vanguardia.
2.3 Cubismo y Futurismo
Casi simultáneamente (entre 1907-1914) surge también en Francia el Cubismo de la mano de
Pablo Picasso. Este movimiento supone la ruptura clara y definitiva con la pintura tradicional y
está definido por el uso personal de la luz, creándose visiones simultáneas de varias
configuraciones de un mismo objeto. Desaparecerá todo efecto perspectivo y de
profundidad, dejando de ser la pintura una copia de la realidad y considerándose como uno
de los pioneros del arte conceptual. En general la gama cromática empleada será apagada,
predominando los colores grises y ocres. Una vez más podemos subdividir este movimiento
en tres períodos: el experimental (1907-09) con las “Señoritas de Avignon”, donde el estudio
del arte primitivo y africano conduce a Picasso hasta la geometrización de las formas; el
analítico, donde se asientan ya las bases del movimiento unificando figura y fondo en las
representaciones, siendo usual el empleo del collage, y cuya temática principal serán los
bodegones, y el sintético, cuando la gama cromática se enriquece, se aplican nuevas texturas
y los planos de amplían. A esta etapa pertenece la obra “Tres Músicos”. A parte de Picasso
podemos destacar a otros artistas dentro del Cubismo como Braque o Juan Gris.
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El Futurismo, movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, surge en Roma,
impulsado por el poeta italiano Marinetti, quien recopiló y publicó los principios del futurismo
en el manifiesto del 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. Al año siguiente
algunos artistas italianos como Umberto Boccioni, firmaron el Manifiesto del Futurismo.
Aunque tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en
las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el
constructivismo ruso. Los textos futuristas trajeron un nuevo mito: la máquina.
Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia
del arte. Consideraba como elementos principales de la poesía el valor, la audacia y la
revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso
gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la
adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y
la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la
estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas
dominantes: la máquina y el movimiento.
2.4 El Dadaísmo y Surrealismo
El Dadaísmo supuso una nueva manera de concebir el arte. Su origen tuvo lugar durante la 1ª
Guerra Mundial al coincidir en Zurich varios artistas exiliados procedentes de varios países
europeos. Dentro de sus motivaciones estuvo reaccionar de manera artística a la violencia
extrema a la pérdida de sentido que trajo la Guerra Mundial. En 1916 se funda el “Cabaret
Voltaire” por Hugo Ball, centro de reunión del grupo al que pronto se une Tristán Tzara y
donde surgirán las primeras manifestaciones Dadá. El término en sí carece de significado,
puesto que Tzara lo designó de forma arbitraria abriendo un diccionario por la letra “d”, ya
que el grupo se opuso siempre a cualquier programa artístico organizado: sólo el interés por
el “ruidismo” en literatura, y por el “azar” y la “simultaneidad” en otros medios expresivos
constituyen sus elementos unificadores, además, claro está, del acto de provocación. El
artista dadá luchaba contra todo lo establecido, propugnando un cambio radical no sólo en la
apariencia real del objeto artístico en sí sino en la concepción del mismo. No en vano, los
dadaístas denominaron a sus realizaciones “antiartísticas” pues, en sentido tradicional,
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ninguna de sus obras podría considerarse como arte. Destaca Marcel Duchamp quien
revolucionará el mundo del arte con sus “ready-made”, objetos del entorno más común que
son descontextualizados y están carentes de todo valor artístico en sí mismos. Un ejemplo de
ellos es su famoso urinario titulado “Fuente” o “Rueda de bicicleta”. Además, reinterpretó
obras emblemáticas como su “Mona Lisa con bigotes”, y materializó sus reflexiones crípticas
en obras como “El gran vidrio”, que constituye un antisentido simbólico en el que destacan
sobre todo las notas que efectuó para llevarlo a cabo.
La difusión del Dadaísmo fue rápida, apareciendo focos muy importantes también en Francia
y EE.UU. Su final se sitúa en 1922 cuando Tzara reza la “Oración fúnebre por dadá” en
distintas ciudades alemanas.
El Surrealismo, por su parte, fue concebido como una actitud vital encaminada a liberar al
hombre de toda clase de restricciones mentales. Reivindicaban el sentimiento y el instinto
como parte consustancial de su personalidad, de tal manera que la única forma de romper
tales ataduras era a través del subconsciente. En un primer momento fue un movimiento
literario acuñado por Apollinaire, que contó con la presencia de André Bretón, quien se
convirtió en el ideólogo del grupo. En 1924 con el “Manifiesto surrealista” artistas de otras
disciplinas se unen al grupo, la mayoría procedían del ya desaparecido Dadá. El punto de
partida de sus ideas habrá que buscarlo en los escritores franceses e ingleses del S. XIX, para
los que según Baudelaire: “lo bello es siempre extravagante”, y los estudios de Freud acerca
del psicoanálisis y del subconsciente: el mundo de los sueños, la asociación incontrolada de
ideas, etc…El Surrealismo hizo suyo el principio de automatismo tras desviarlo de su función
terapéutica y convertirlo en fundamento de su actividad artística. Éste se basaba en una
especie de dictado mágico provinente del subconsciente y consistía en dibujar sin lógica
moviendo libre e incontroladamente la mano y el pincel. De este modo, su estética era
totalmente involuntaria, aunque es cierto que hacían uso de algunos recursos como: animar
objetos inanimados, aislar fragmentos anatómicos, diseñar máquinas fantásticas o recurrir a
temas eróticos. Se documentaban además con los estudios del subconsciente como los
sueños, las visiones oníricas de los deficientes mentales o drogadictos, etc…. Como
movimiento artístico se deshizo en 1944 debido a la 2ª Guerra Mundial, pero para entonces
éste ya se había extendido por todo el mundo, y su estética todavía perdura. Debemos
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destacar como grandes figuras del Surrealismo además de Bretón, al cineasta Luís Buñuel con
películas como “Un perro andaluz” y a Dalí quien refleja su método paranoico-crítico en obras
como “La persistencia de la memoria”.
2.5 Arte abstracto
Llegados a este punto debemos hablar del arte abstracto. La abstracción no es un movimiento
único ni obedece a un programa estético común. Su definición podría ser el escrito de 1913:
el hombre crea la exteriorización de su pensamiento por medio de la palabra. ¿Por qué no
habría de poder crearla en pintura o escultura con independencia de las formas y los colores
que lo rodean? Los abstractos no representan ni seres ni objetos, sino imágenes puras a
través de los recursos estéticos: formas, colores y espacio, haciendo uso de sus valores
expresivos. Es, por tanto, un arte intelectual. Se dice que Kandisnky fue el padre de la
abstracción cuando comenzó a rellenar sus obras con manchas cromáticas irregulares y
erráticas líneas que armonizaban entre sí. Sus títulos se parecían a los de las composiciones
musicales y afirmaba que el color era un medio para ejercer una influencia directa en el alma
y que podía suscitar esas emociones espirituales.
A partir de estos postulados surge el Neoplasticismo en 1917 en Leyden, Holanda. Se
pretendía una nueva estética y su objetivo fue la combinación de la arquitectura, las artes
plásticas y la pintura en una formación clara, simple, ordenada, elemental y pura. Para ello se
elimina todo aquello que pueda considerarse superfluo quedándose sólo con lo elemental. Se
trabaja con figuras geométricas regulares y ángulos rectos, así como los colores primarios, el
blanco y el negro. Aunque en estas obras primará la asimetría se crean composiciones con un
gran sentido del equilibrio visual. Uno de los máximos exponentes del Neoplasticismo será el
pintor Piet Mondrian.
Alrededor de los años 50 se germina lo que se ha denominado Expresionismo abstracto, una
pintura subjetiva que tenía sus orígenes en el surrealismo y que se desarrolla plenamente en
EE.UU. El término lo acuña el crítico de arte Robert Coates y se extiende a toda la pintura
estadounidense no figurativa de la época, que no sea de tipo geométrico. Harold Rosenberg,
teórico de este tipo de arte habla de “Action Painting” para referirse en concreto a la obra de
Jackson Pollock por la importancia que otorga éste al acto de pintar, al gesto como impulso
instintivo incontrolado pero que responde a un clima emocional de libertad e intuición. En
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ocasiones, los artistas de esta tendencia llegan a abandonar los pinceles, utilizando la técnica
del “dripping” arrojando la pintura directamente sobre el lienzo desnudo y dejando intervenir
el azar. Las obras tenderán a ser de gran formato y los materiales normalmente sintéticos:
esmaltes o acrílicos. Además, se hará uso de otros como arena, polvo de mármol, vidrio o
pinturas metálicas. En las composiciones se aprecia el recargamiento y el miedo al vacío que
en ocasiones conducen a la monotonía.
3. Tendencias artísticas a partir de 1945
Durante las últimas décadas del SXX asistiremos a una serie de tendencias que en manera han
continuado hasta nuestros días. Aunque en general predomina el eclecticismo artístico,
podemos concretar algunos de los movimientos que presentan unos perfiles bien definidos: el
Op Art, el Pop Art y el Arte Conceptual.
3.1 Op Art
El Op Art surge en 1965 con la exposición “The Responsive Eye” celebrada en el MOMA de
Nueva York, donde participó Vasarely entre otros. Este grupo de artistas se especializó en los
efectos ópticos y sus impactos en la percepción visual del espectador, modificando y
desestructurando su campo de visualización cotidiano de la realidad. De esta forma se creaba
una ilusión, una virtualidad, una realidad móvil que en realidad es estática.
3.2 Pop Art
El Pop Art data de la misma época. El término procede de la abreviatura de Popular Art, y se
desarrolla en EEUU y Londres. Trata de presentar de forma irónica una realidad cotidiana
dentro de los mitos consumistas de la cultura de masas. Se representan cómics, estrellas de
Hollywood, anuncios publicitarios, comida rápida, etc.. todo ello con un gran colorido muy
saturado. Aunque el movimiento no fue inicialmente aceptado por la crítica, ya que al ser un
arte figurativo refutaba todos los logros artísticos conseguidos con el Expresionismo
abstracto, finalmente se estableció como uno de los movimientos modernos más
representativos de nuestro tiempo. Destacan sobre todo las serigrafías de Andy Warhol
reproducidas de forma seriada, que representan casi de forma exclusiva este movimiento.
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3.3 El Arte Conceptual
En cuanto al Arte Conceptual, éste se desarrolla ya en los años 70. Vemos sus precedentes en
el arte de Marcel Duchamp, quien como ya hemos visto, daba mucha importancia a la
concepción teórica de sus obras. De esta manera, los artistas conceptuales no se
preocupaban de la realidad objetiva de sus obras, sino de sus planteamientos teóricos o
conceptuales. La creación artística es contemplada desde la perspectiva de su propio proceso
generativo. Se desplaza la atención a una idea o hacia el proyecto del mismo, haciendo uso
para ello la combinación de diferentes disciplinas artísticas. Se puede tomar como modelo de
arte conceptual la obra de Joseph Kosuth “Una y tres sillas”.
3.4 Otras tendencias
A partir de estas tendencias surgirán muchas otras en los últimos años: el Minimalismo
(donde se pretende expresar con el menor número de elementos y recursos posible), el
Hiperrealismo (con pintores como Chuck Close, que pretenden emular la realidad como si
ésta se presentase ante una cámara fotográfica) el arte povera (que incluye materiales poco
convencionales, generalmente industriales y pobres) o el Land Art (en donde se crean
intervenciones en el entorno) son algunos ejemplos de ello.
También hay que mencionar que, aunque normalmente al hablar de todos estos movimientos
se suele mencionar sobre todo la pintura, en casi todos podemos observar importantes
intervenciones de otras disciplinas, como la escultura, la arquitectura e incluso la música, la
literatura y el cine.
4. Conclusiones
Como conclusión haremos un breve repaso a lo expuesto. Hemos comenzado por definir el
término Vanguardia, hemos hablado del contexto histórico en el que surgen y hemos extraído
las características principales de los movimientos que participaron de las vanguardias. A
continuación, hemos hecho un repaso de los diferentes ismos hasta llegar a las últimas
tendencias artísticas. Finalizaremos diciendo que las vanguardias son una verdadera muestra
del sentimiento de la sociedad de las diferentes décadas del siglo XX, que han marcado las
bases del arte contemporáneo con sus métodos expresivos. Actualmente asistimos a un gran
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eclecticismo, que más que transmitir el sentimiento o las inquietudes de la sociedad, se rige
por la oferta y la demanda del mercado del arte.
A lo largo del tema hemos demostrado como la geometría es una parte fundamental en todos
los ámbitos del arte y de la naturaleza. La geometría se encuentra en cualquier objeto tanto
natural como artificial de nuestra vida cotidiana y ha sido y es objeto de estudio para el
desarrollo de cualquier obra, tanto arquitectónica, escultórica como pictórica. Con este tema,
además, se pretende que el alumno sea capaz de abstraer construcciones geométricas
básicas en cualquier objeto y del valor de la geometría en nuestro día a día.
La materia de Dibujo Técnico, entendida como medio de expresión y comunicación que es,
ayuda a desarrollar la comprensión gráfica, para así conseguir una mejor concreción visual,
necesaria a la hora de conocer e interpretar el entorno y cualquier tipo de espacio y volumen
que en él se encuentren.
Para concluir y pensando en el modo de impartir esta materia es de vital importancia hacer
uso de todos los medios audiovisuales, tecnológicos e informáticos a nuestro alcance con la
intención de conseguir la mayor eficiencia docente, claridad de exposición y ahorro
considerable de tiempo. Hay que destacar, en este sentido, la página web de Jose Antonio
Cuadrado, en su apartado de Dibujo Técnico donde el alumno puede poner en práctica sus
conocimientos elaborando croquis de las diferentes piezas que en ella encontramos y
comprobando su correcto desarrollo. Además, se utilizará Internet y las redes sociales
educativas como medio de comunicación entre alumno y profesor (Edmodo) con el fin de
poner al alcance del alumno ejercicios, ejemplos y contenidos docentes en formato digital
que complementen la labor docente en las aulas de manera rápida y eficaz, además de
aumentar la motivación del alumnado aproximándonos a él.
5. Bibliografía
ARGAN, G.G.: El arte moderno, 1770-1979. Fernando Torres, 1985
GOMBRICH, E. H, Historia del Arte. Ediciones Garriga, 1975
DE MICHELI, M: Las vanguardias artísticas del S.XX, Alianza, 1979
FIELL, CH: Diseño del siglo XX, Taschen, 2005
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