RENACIMIENTO

El artista y escritor Giorgio Vasari utilizó la palabra rinascita

(«renacimiento») para describir el resurgir de las artes en Italia desde
el siglo XIV hasta su propia época. El uso que de él hizo Jacob
Burckhardt en su “Civilización del renacimiento en Italia” (1860) dio
al período el nombre con que se lo conoce en la actualidad.
Es difícil determinar el comienzo exacto del Renacimiento, pero al
estudiar la época en el contexto de la historia social, económica y
religiosa, determinados factores se destacan como cruciales para el cambio de
cosmovisión que lo caracteriza.
La llegada de la Peste Negra (1346-1353) a Europa señala el principio del fin del
sistema de civilización medieval. No sólo coinciden la peste, la guerra y una feroz
crisis económica que afectan tanto al campo como a la ciudad, sino que estos
fenómenos son reflejo de la crisis estructural del sistema: los
campos ya no son suficientes para alimentar a una población
creciente desde el siglo XI.
La nueva economía propiciada por el despegue de la agricultura y la
reapertura de las rutas comerciales genera nuevas iniciativas y
necesidades que el sistema feudal no puede afrontar. La burguesía
comerciante rompe el orden establecido, las monarquías nacionales
consolidan su poder frente a la nobleza y los campesinos
protagonizan frecuentes revueltas.
La escolástica (y con ella la iglesia en pleno, por razones teológicas y políticas) entra
en crisis, poniéndose en entredicho el rígido armazón teológico sobre el que se
sustenta la imagen del mundo medieval (dios como centro de todo, luz y guía para el
hombre –teocentrismo-).
Necesariamente, ha de entrar en crisis también el sistema de representación plástico
de la Edad Media, esto es, el gótico, lo que supone la entrada en lo que llamamos, en
términos históricos, Edad Moderna (desde 1453).

El Humanismo
En este sentido, es fundamental la aportación del Humanismo
renacentista, con su recuperación del programa plástico, filosófico y
moral de la Antigüedad Clásica que sitúa de nuevo al hombre en una
posición central (antropocentrismo).
La recuperación del latín y el griego como lenguas cultas, el cultivo en
las cortes de la música, las letras, la filosofía, la recuperación (vía
Bizancio y España) de las obras platónicas y aristotélicas, conocidas en
el medievo, pero releídas a la luz de la razón y no de dios y la
recuperación de las sistematizaciones del arte clásico (Diez libros de la
arquitectura de Vitrubio). El papel que jugará en este proceso la
Imprenta, inventada por Gutemberg en 1448 jugará un papel
fundamental en la difusión de esta nueva corriente del pensamiento.
Autores como Dante, Petrarca o Boccacio en literatura o la escuela
neoplatónica de Ficción patrocinada por los Medicis en Florencia, son
exponentes de esta nueva filosofía, pero también Maquiavelo o
Erasmo.
Esta nueva ideología supone una nueva relación con la naturaleza, una
nueva posición en el mundo y nuevas necesidades de representación
para los nuevos grupos sociales antes mencionados (monarquía,
burguesía, ciudades,…), así como un creciente individualismo que conduce al
mecenazgo y a la valoración del artista.
Surge así un nuevo caballero, que domina por igual las artes y las letras.
Aún así hay que especificar que el modelo clásico se recupera como modelo ideal
político- social, pero, en cuanto a los modelos clásicos no supone el Renacimiento un
proceso de mera mimesis (copia) de lo clásico, sino que se estudia e investiga,
partiéndose de sus presupuestos para llegar a generar los nuevos modelos de
representación que exige la sociedad desde el siglo XV.

Mecenas y artistas
Si en la Edad Media el patrocinio es
exclusivamente eclesiástico, ya desde mediados
del siglo XIV, aparecen otros clientes, con nuevas
necesidades de representación. Si los comitentes
medievales (presentes en los sepulcros o en obras
religiosas con un tamaño menor) buscan en su
patrocinio la salvación eterna, los mecenas
medievales buscan la representación de su
prestigio y poder: La alta jerarquía eclesiástica
(verdaderos príncipes), la nobleza y la monarquía
y la nueva burguesía de los negocios, pretenden a
través del arte reflejar el poder terreno y su
prestigio y posición social (sobre todo la burguesía). El mecenazgo supone no sólo el
clientelismo, sino la protección y patrocinio permanente de todas las artes. Los
artistas (pintores, escultores, poetas, músicos, filósofos,…) viven en las cortes de los
príncipes italianos y de los monarcas europeos.

Nuevos temas
Esta nueva situación provoca
nuevos temas en la pintura.
Aunque se mantiene el tema
religioso, este se desacraliza,
convirtiéndose en vehículo para la
promoción de los mecenas.
Aparece el tema mitológico,
reflejo del mundo de la Antigüedad clásica y sus valores y, sobre todo,
alcanza gran desarrollo el retrato, principalmente desde mediados del Siglo XV.

Origen y Cronología
El Renacimiento como nuevo lenguaje plástico comienza a desarrollarse en las
Repúblicas italianas (sobre todo Florencia), pero también, aunque desde unos
presupuestos distintos desde Flandes, donde los pintores flamencos llegan a
respuestas parecidas a los italianos. A partir de mediados del Siglo XV los contactos
comerciales entre ambas zonas propician la influencia flamenca sobre la pintura
italiana.
Podemos así distinguir tres periodos en Italia:
µQuatrocento (siglo XV), periodo de definición del nuevo estilo.
µQuinquecento (1500-1527), clasicismo renacentista, culminación del
estilo con Leonardo, Miguel Ángel y
Rafael.

µManierismo (1527-1600), periodo en el que, tras el

saqueo de Roma, el clasicismo entra en decadencia y
los pintores manieristas fuerzan formalmente el
Renacimiento, en composiciones de carácter decorativista, etapa
de mediación y definición de lo que será el Barroco.
Este desarrollo será más tardío en otros países europeos, como España o Francia,
donde llega y se desarrolla durante el siglo XVI. A muchos lugares de Europa apenas
llega este modelo italiano.

Novedades Técnicas
Al mismo tiempo, gracias a la observación directa de la
naturaleza, a la experimentación y a la recuperación del
clasicismo grecolatino, se introducen novedades formales:
• Tratamiento del volumen, la luz y el color.
• Armonía, proporción, orden. Idealización a partir de la
observación directa de la naturaleza.
• Perspectiva lineal según modelos matemáticos.
• Fresco y óleo.
• Novedades temáticas: Paisaje, retrato, mitología,
historia,...
 El latín y el griego, la música y la poesía
son aprendidos por los señores que se ro- Venus de Boticelli

dean de artistas y obras de arte para de-

mostrar su estatus social.
La impren- ta,
Al mismo tiempo, gracias a la observa- inventada
ción directa de la naturaleza, a la experi- por Gu-
mentación y a la recuperación del clasi- temberg
cismo grecolatino, se introducen noveda- en 1448,
Desde finales del siglo XIV des formales: Tratamiento del volumen y revolu-
una serie de cambios socia- la luz, armonía, proporción, perspectiva, nuevos colores y, también, no- cionó el
vedades temáticas: Paisaje, retrato, mitología, historia,... mundo de los libros, con-
les, económicos y culturales
virtiéndose en un ele-
anticipan lo que va a ocu- mento fundamental pa-
ITALIA SIGLO XV
rrir en las ciudades flamen- Podemos así distinguir tres periodos: ra la difusión de los idea-
cas y en las repúblicas ita- Quatrocento (siglo XV), periodo de defini- les renacentistas, las
lianas (Florencia, Siena, obras de los clásicos
ción del nuevo estilo
(Platón Aristóteles) y el
Milán...) a partir del siglo Quinquecento (1500-1527), clasicismo rena- aprendizaje del griego y
XV, extendiéndose lenta- centista, culminación del estilo con Leonar- el latín, aunque el pri-
mente al resto de Europa a do, Miguel Ángel y Rafael. mer libro impreso fue
lo largo del siglo XVI, des- una Biblia..La imprenta
Manierismo (1527-1600), periodo en el que, también supuso un fuer-
arrollándose escuelas dife-
tras el saqueo de Roma, el clasicismo entra te impulso para la difu-
renciadas en decadencia y los pintores manieristas sión de ma-
(España, Francia, fuerzan formalmente el Renacimiento, en nuales y
Alemania,...) que composiciones de carácter decorativista, obras teóri-
modelarán el dis- etapa de mediación y definición de lo que cas de
curso italiano. será el Barroco. humanistas
y artistas,
Una nueva clase social de comerciantes y burgueses, nacidos de la prosperidad económica que pro- como los de
porcionan las nuevas rutas comerciales, exigirá del arte nuevas representaciones. El hombre Alberti,
(antropocentrismo) desplaza a Dios (Teocentrismo) como centro del mundo y el idealismo neoplató- Maquiave-
nico a la escolástica anterior. Formas precapitalistas cambian la forma de concebir el mundo, y por lo, Erasmo
tanto también el arte. Se recuperan los textos e ideales clásicos conformando una estética nueva que de roterdam, Leonardo
se confronta con los ideales del gótico. El cristianismo anterior se ve matizado por el humanismo re- Da Vinci y otros.
nacentista y nace un nuevo concepto de caballero, que domina por igual las armas y las letras.
Quatrocento
XV Quinquecento
XVI Manierismo

En este cuadro podéis

contemplar de modo
sucinto lo que supone la
evolución del arte rena-
centista, desde los
modelos del siglo XV
hasta el manierismo. La
búsqueda de unos
modelos ideales que
señalan la evolución du-
rante el siglo XV italia-
no en que se alcanza la
“perfección” del estilo,
pleno de orden, armonía
y belleza. Este ideal es
superado por el manie-
rismo, fase de transición
hacia el barroco, en el
que se “copia” y exagera
la manera de los maes-
tros: Leonardo, Rafael,
Miguel Ángel. Responde
también a los cambios
sociales, políticos y
económicos que surgen
en el siglo XVI. El propio
saqueo de Roma en 1527
por parte de las tropas
de Carlos V generaron
dudas suficientes para
acabar con la Italia que
había alumbrado el Re-
Será interesante comprobar como el Renacimiento y el Barroco (siglo XV, XVI, XVIII,...) se remiten a los nacimiento.
ideales clásicos, en busca de modelos para su propio arte. Esto dará lugar a nuevas escrituras de lo
clásico en el Renacimiento, el Barroco o el neoclásico .
Sistema de Alberti
El “Tratado de pintura ,
de 1435”, estableció el
“mejor método” para
construir la perspectiva
en la pintura. Alberti
imaginó la superficie pic-
tórica como un plano
que cortaba una pirámi-
de de rayos. Estas ilus-
traciones explican su sis-
tema.

Método de Alberti. 1
La base del sistema de Alberti
era la estatua de una figura
humana de tres “braccia”, (me-
dida renacentista) es decir 1’8
metros. En una superficie pictó-
rica rectangular, Alberti dividía
la línea base en las correspon-
dientes “braccia” y fijaba el
punto de fuga a tres “braccia”
de la vertical del centro de la lí-
nea base. Este punto es el
opuesto al punto de vista del ar-
tista: Alberti imaginó al artista y
al espectador de la misma esta-
tura que una figura situada en
el primer plano. Entonces dibu-
jaba líneas “ortogonales” que
unían las divisiones de la línea
base con el punto de fuga.
Pasos 2 y 3. EL SUELO CUADRICULADO.
Alberti dibujaba una vista de perfil, con un corte del plano pictórico. Luego dividía el plano del suelo en “braccia” y marcaba el punto de
vista a la izquierda del corte del plano (a 3 “braccia” de altura y a una distancia previamente fijada). Después, dibujaba rayos visuales
uniendo el punto de vista con las divisiones del plano del suelo. Los puntos donde estos rayos atravesaban el corte del plano pictórico
determinaban las posiciones de las líneas horizontales (“transversales”). Estas líneas se añadían al primer gráfico y se creaba el suelo
cuadriculado escorzado. La línea del horizonte se traza en el punto de fuga y es paralela a la de la base. Alberti recomendó trazar una
diagonal desde la primera “baldosa” de la izquierda a la última de la derecha, para comprobar la correcta construcción.

COLOCAR OBJETOS EN EL ESPACIO

Al crear un suelo de baldosas que disminuyen en la distancia,
Alberti podía colocar objetos utilizando una escala de un “brac-
cio” por baldosa. Dibujaba la base del objeto en una cuadrícula y
luego lo transportaba a la cuadrícula de la perspectiva. La altura
de un objeto en la parte anterior y posterior, se podía obtener
usando las medidas de la baldosas del suelo. Este edificio tiene
paredes de 4 “braccia” de altura. (PF: punto de fuga).
LÍNEAS DE COMPROBACIÓN ANUNCIACIÓN(1486)
Las diagonales que unen las baldosas con el borde Carlo Crivelli (1456-93)
del cuadro demuestran que la perspectiva es correc- Pintor italiano nacido en Venecia, que combina las
ta. Crivelli debió usar estas líneas de comprobación construcciones perspectivas a la manera de Alberti
al acabar la construcción de la perspectiva (como en con unas figuras algo arcaizantes y un sentido del
el método de Alberti). color claramente veneciano.
 8. EL RENACIMIENTO ITALIANO
- Una corriente cultural y artística que surge en Italia en el S. XV y se extiende por Europa
en el S. XVI. Se basa en una nueva mentalidad racionalista y antropocéntrica que fomenta
el espíritu científico– el humanismo- opuesta a la mentalidad teocéntrica medieval e
inspirada en la Antigüedad clásica.
¿Qué es el - Es una época de historia de Europa caracterizada por la formación de los Estados Modernos
Renacimiento? (monarquías autoritarias) y por los descubrimientos geográficos que potenciaron el
desarrollo económico y con ello el auge de la burguesía ya iniciado a finales de la Edad
Media. Los centros económicos principales son las ciudades italianas y los Países Bajos.
- La nueva mentalidad responde a los intereses de la clase burguesa, de gran desarrollo en los
Países Bajos e Italia, que necesita del conocimiento científico para sus negocios.
- El arte se convierte en una disciplina científica basada en reglas racionales. La ciencia y el
arte adquieren un sentido unitario.
- La obra de arte es busca la belleza que se entiende como armonía, orden y proporción
Rasgos entre las partes.
generales - Se recuperan los modelos de la Antigüedad clásica.
del arte - La perspectiva –conseguida mediantes cálculos matemáticos- se desarrolla en todos los
renacentista campos artísticos.
- Se valora el arte por su belleza y al artista. Esto lleva a la aparición del coleccionismo, del
estudio de la historia del arte y del mecenazgo.
 Quatrocento (S. XV): periodo inicial de experimentación y especulación teórica. El
principal centro artístico es la Florencia de los Médicis.
Etapas del  Cinquecento (1500-1527): periodo de plenitud. El foco principal es Roma donde los
Renacimiento Papas actúan de mecenas de los grandes genios. El estilo se empieza a difundir por el
italiano resto de Europa.
 Manierismo (1527-1594): se empieza a romper con las normas clásicas

LA ARQUITECTURA RENACENTISTA

- El edificio es el resultado de un estudio

matemático y geométrico para conseguir orden y
proporción entre las partes y simetría. El
edificio de planta central y simétrica es el ideal
renacentista pero hay otros modelos.

- El espacio interior es unitario y organizado

según las leyes de la perspectiva geométrica.
- El espacio exterior es cuidado y proporcionado.
Hay una preocupación por el entorno urbano.

- Tendencia de la horizontalidad en el exterior e

interior que refuerzan cornisas y molduras.

- Recuperación de los órdenes clásicos (toscano,

dórico, jónico, corintio y compuesto) pero son
utilizados con libertad. El tratado de arquitectura romana de Vitrubio sirve de inspiración.

- Materiales: piedra y mármol preferentemente.

- Los elementos arquitectónicos están tomados del arte clásico. Los soportes son las columnas con fuste liso
y capiteles preferentemente corintios, y muros, a veces, con pilastras adosadas. La cubierta puede ser plana
de madera (artesonado) o, preferentemente, abovedada (bóveda de cañón, de arista baída y cúpula).

- Los elementos decorativos son importantes y variados: arquitectónicos (frontones, arcos, columnas,..) u
ornamentales de inspiración clásica (casetones, escudos, balaustradas, etc.) destacando el grutesco en torno a
un eje (candelieri o candelabro).
- Gran variedad de tipos de edificios. Importancia de la arquitectura civil (palacios, villas, hospitales,
bibliotecas, etc.) y del urbanismo.
El Renacimiento italiano 1
Bóveda baída o vaída Grutescos y medallones Balaustrada A candelieri
Universidad de Salamanca San Pietro in Montorio

QUATTROCENTO (S. XV)

El centro artístico es la Florencia de los Médicis. Se busca la proporción y el espacio unitario. La decoración es
abundante. Iglesias basilicales o centralizadas. Nuevos modelos de palacio.
BRUNELLESCHI es el padre de la arquitectura renacentista. Introduce las leyes de la perspectiva y trabaja con una
mentalidad científica. En su obra destaca la cúpula de la catedral de Santa Mª de
las Flores, la primera obra renacentista, las
iglesias de San Lorenzo y del Santo Spíritu de
planta basilical y la capilla Pazzi de planta
centralizada cubierta por un cúpula en la que
consigue el ideal de espacio unitario; el
palacio Pitti con el que crea un modelo de
palacio renacentista de aparejo almohadillado
(volumen cerrado, amplia fachada organizada
en pisos y patio interior, horizontalidad
reforzada por cornisas) y la logia del Hospital
de los Inocentes.

ALBERTI es un ejemplo de hombre renacentista con amplios

conocimientos y estudioso de la
Antigüedad y escribió obras en la que
crea cánones de belleza. Su
arquitectura busca también el espacio
unitario y proporcionado. Destacan la
fachada de Santa Mª de Novella, un
edificio gótico en el que crea una
fachada clásica con un frontón y dos
grandes volutas. San Andrés de
Mantua, de gran influencia posterior,
de una sola nave con capillas laterales
y bóveda de cañón con casetones. El
templo Malatestiano de Rímini cuya
fachada parece un arco de triunfo y el palacio Rucellai con órdenes
superpuestos.

MICHELOZZO, discípulo de Brunelleschi, construyó la residencia de

los Médicis en Florencia, el palacio Medici-Riccardi, un gran ejemplo de
palacio del Quattrocento (forma cúbica, sillería almohadillada y pisos
superpuestos.

El Renacimiento italiano 2
 CINQUECENTO (1500-1527)
El centro artístico es la Roma de los Papas. Es una etapa clasicista en la que se imponen los ideales renacentistas de
equilibrio y armonía. Arquitectura solemne y grandiosa. Los elementos decorativos se simplifican para resaltar la
estructura del edificio. Importancia de la planta central. El edifico se concibe con un
conjunto proporcionado.

BRAMANTE es también un erudito. Julio II le encarga construir la nueva basílica de

San Pedro, cuyo proyecto de planta de cruz griega modificaría más tarde Miguel
Ángel, y en Roma en contacto con las ruinas clásicas renuncia a lo ornamental creando
una arquitectura de gran simplicidad, grandeza y armonía. El templete de San Pietro in
Montorio representa el ideal del clasicismo.

SANGALLO, discípulo de
Bramante, sigue su mismo estilo.
Es el creador del nuevo modelo
de palacio del Cinquecento, el de ventanas superpuestas, con
el Palacio Farnesio (1514) (sin almohadillado, alternancia de
los órdenes y los frontones curvos y rectos en las ventanas).
Miguel Ángel le añadió la gran cornisa, el portal y la ventana
central provocando un
efecto sorpresa
(manierismo).

PALLADIO es un arquitecto de gran influencia en la historia de la

arquitectura, a través de un tratado (Los cuatro libros de la arquitectura) y
de sus villas y palacios como Villa Rotonda de gran clasicismo. En las
iglesias venecianas rompe con las normas clásicas acercándose al
manierismo.

MANIERISMO (1527-1594)
Se empieza a romper con las normas clásicas de serenidad y equilibrio.
Subjetivismo del artista. Utilización
arbitraria de los elementos clásicos. Efecto
sorpresa. Espacios angostos y asfixiantes.

MIGUEL ÁNGEL inicia el estilo en la

“Sala de Lectura y vestíbulo de la
Biblioteca Laurentina”. En 1546 se
encarga de la basílica San Pedro del
Vaticano. De su labor destaca la “Cúpula
de San Pedro”.

VIGNOLA, discípulo de Miguel Ángel,

construyó Il Gesú, la iglesia madre de la Compañía de Jesús en Roma
siguiendo las indicaciones del Concilio de Trento (única gran nave de salón
con capillas laterales e iluminación en el crucero) que defendían la
importancia de la oración en común y la predicación. La fachada es de
Giacomo della Porta con elementos decorativos que anuncian el
barroquismo (gran frontón y dos
volutas).

PALLADIO con sus iglesias venecianas, el Redentor o rompe las normas

clásicas al utilizar el orden gigante, plantas complejas y frontones
incrustados).

El Renacimiento italiano 3
 ARTES PLASTICAS EN EL RENACIMIENTO
- Interés por el hombre y la naturaleza.
- Diversificación de los temas: religiosos, profanos (histórico, mitológico,..). Importancia del retrato. Tendencia a la
secularización de los temas religiosos.
- La composición es geométrica y equilibrada y el movimiento contenido (contraposto).
- El modo de expresión es el naturalismo idealizado.
- Interés por la belleza formal (cuerpo humano bello y proporcionado)
En el Manierismo se rompe con estos principios.
ESCULTURA
- Reinterpretación de las obras clásicas.
- Liberación del marco arquitectónico. Interés por el bulto redondo.
- Materiales diversos. Preferencia por el mármol y bronce (como en la Antigüedad), barro cocido y esmaltado,
madera, etc.
- Se busca la perfección técnica en la representación del cuerpo humano y en las superficies pulidas y tersas.
- Composición geométrica y movimiento contenido (contraposto) excepto en el Manierismo.
- Estudio de las proporciones (canon).
- Naturalismo idealizado e interés por la belleza formal.
- Iluminación homogénea.
- Los relieves están influidos por la pintura (perspectiva).
- Temas religiosos y profanos (históricos, mitológicos, etc.) en los que se refleja el interés por el hombre y la
naturaleza. Importancia del retrato (busto o ecuestre) y del cuerpo humano desnudo –ejemplo de belleza perfecta-.
QUATTROCENTO (S. XV)
Preocupación por el volumen, la proporción y la perspectiva. El detallismo anecdótico, lo curvilíneo y lo delicado -
procedente del gótico- se mantiene en algunos casos, pero en otros (Donatello) aparece la monumentalidad y
severidad.

GHIBERTI representa la transición entre la escultura gótica

y la renacentista. Destaca por los relieves en bronce, con
figuras humanas y paisajes de gran detallismo según la ley
de la perspectiva. En 1403 ganó un concurso (con el
Sacrifico de Isaac) para decorar la Puerta norte del
baptisterio (28 medallones lobulados). En 1425 le encargan la
Puerta del Paraíso (1º relieves en espacios rectangulares con
historias del Antiguo Testamento).

DONATELLO, formado en el taller de Ghiberti, es el

principal escultor de esta etapa. Destaca su
preocupación por el hombre -al que representa en
todas las edades- y el dominio de la anatomía. Oscila
entre la búsqueda de la belleza ideal y el expresionismo
que se acentúa en su última etapa. Sus obras
principales son: la Tribuna de los cantores (niños
alegres y dinámicos) con numerosos ejemplos de
ornamentación renacentistas; David (armonía,
serenidad, equilibrio), primera escultura exenta, en la
que utiliza el contraposto; San Jorge (serenidad y
fuerza del guerrero); El condottiero Gattamelata es
primera escultura ecuestre de Renacimiento. Las obras
de su etapa final son patéticas y parecen inacabadas:
Magdalena penitente y el profeta Habacuc.

El Renacimiento italiano 4
 CINQUECENTO (1500-1527)
Naturalismo más idealizado. Simplicidad y monumentalidad. Mayor preocupación por el modelo clásico.
Búsqueda de la belleza ideal. El relieve pierde importancia.

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1476-1564). Artista polifacético. Destaca por la representación anatómica
perfecta pero su objetivo no es representar la realidad sino expresar una idea. En su obra se refleja la evolución del
arte renacentista:

- Periodo juvenil. Clasicismo. Influencia de Donatello. La Piedad y La

Virgen de Brujas. Utiliza un tema religioso para expresar la belleza ideal.
Rostros sin sentimientos, cuerpos y modelado perfecto, composición
piramidal, armónica y equilibrada, serenidad y movimiento contenido.

- Periodo de madurez. Se inicia la ruptura con el ideal clásico al aumentar la

expresividad y el movimiento. Abandona la figura humana autónoma –a
partir del David- para crea grupos. En David, expresa la fuerza y la tensión
juvenil y demuestra un gran conocimiento anatómico. En la Tumba de Julio
II, el Moisés (representación de la terribilitá), de gran dinamismo y
monumentalidad, que ocupa el centro y el esclavo moribundo –resignación
del oprimido- hace pareja con el esclavo rebelde –deseo de libertad. La tumba de los Médicis: Lorenzo (vida
contemplativa) y Giuliano (vida activa) junto a figuras alegóricas.
- Periodo final. Manierismo. Predominio de la idea. Alejamiento del realismo, de la belleza y de la perfección
anatómica. Transmite su angustia vital. Figuras inacabadas y composiciones desequilibradas. La Piedad
Rondannini.

MANIERISMO
La escultura manierista rompe con los principios clásicos de equilibrio y belleza
clásica en busca de la tensión y el desequilibrio.
El movimiento se acentúa y aparece la línea
serpentina o helicoidal. Las figuras giran sobre sí
mismas y ofrecen distintos puntos de vista
produciendo inestabilidad. La realidad se deforma
llegando a la irrealidad. El cuerpo pierde las
proporciones y se alarga.

Benvenuto Cellini. Gran escultor y orfebre. Perseo y

el Salero de Francisco I

Giambologna (Juan Bologna), de origen flamenco,

influido por Miguel Ángel. Creador de la línea
serpentinata (giro en espiral ascendente). Rapto de
las Sabinas y Mercurio.

El Renacimiento italiano 5
8. EL ARTE DEL RENACIMIENTO ITALIANO

CONTEXTO HISTÓRICO

El Renacimiento es una corriente cultural y artística que surgió en Italia en el S. XV y se extendió por los
demás países europeos en el S. XVI. También se llama “Renacimiento” a una época de la historia europea
privilegiada por su esplendor cultural y de gran influencia en etapas posteriores. En 1550, el pintor e historiador
Giorgio Vasari consideró el Renacimiento como la cima de la creación artística, una valoración que se ha mantenido
hasta ahora.
Entre los intelectuales se impuso una nueva mentalidad o forma de pensar: el humanismo, que se opone a la
mentalidad tradicional, de la Edad Media, centrada en Dios y la religión (teocentrismo). El humanismo es una
mentalidad racional, abierta y crítica para la que:
- El hombre (antropocentrismo) y la naturaleza se convierten en centros de interés.
- El conocimiento ha de basarse en la razón que, a partir de la experiencia, busca las leyes generales que
rigen la naturaleza (armonía divina del Universo)
Se inspira en la Antigüedad clásica porque ésta parte de los mismos principios y por rechazo a lo medieval. El
acercamiento a la Antigüedad clásica se produce a través de las ruinas romanas presentes en Italia, de los textos
clásicos y las aportaciones de sabios bizantinos que llegaron a Italia después de la toma de Constantinopla por los
turcos.
La nueva mentalidad responde a las necesidades de la burguesía comercial y financiera, que tiene gran fuerza
en el Norte de Italia y en los Países Bajos. Esta clase social necesita el conocimiento científico para perfeccionar la
producción de mercancías mediante nuevos inventos y desarrollar el comercio marítimo. Por ello, en la época del
Renacimiento se producen los descubrimientos geográficos y la aparición de los estados modernos que
protegerán los intereses de cada nación.
El Renacimiento no supone una ruptura total con la Edad Media sino que resulta de una evolución iniciada
en los últimos siglos medievales en los que se fue produciendo una secularización de la cultura y un mayor interés
por el hombre y la naturaleza.

I.- RASGOS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

La creación artística adopta un carácter experimental y racional siendo una ciencia más dentro del
conocimiento que es entendido -en sentido unitario- como el conjunto de todas las ciencias. También hay una
unidad entre todos los campos artísticos.
Las formas artísticas se basan en un conjunto de reglas elaboradas “racionalmente” mediante cálculos
matemáticos que buscan la armonía, la proporción y el orden, lo que se exige a una obra de arte para ser bella.
Las obras humanas han de reflejar la armonía divina del Universo.
La perspectiva, elaborada de forma científica y aplicada en todas las artes es el principal logro del
Renacimiento.
Las obras de arte empiezan a ser valoradas por su belleza –al margen de su utilidad- y adquirirlas da
prestigio lo que hizo nacer el coleccionismo, los estudios de la historia del arte (Giorgio Vasari) y el mecenazgo,
que llevaron a cabo burgueses acaudalados (Médicis), aristócratas o reyes (Papas).
También se empezó a valorar el trabajo del artista (mecánico, artesanal y anónimo en la Edad Media)
que será apreciado por su dimensión intelectual. Los propios artistas reivindican su nuevo estatus: rechazan su
papel de artesanos ya que dicen que no trabajan sólo con las manos, sino que su obra es resultado de una reflexión
intelectual.

El Renacimiento se inicia en Italia y se desarrolla en tres etapas:

 Quatrocento (S. XV): periodo inicial de experimentación y especulación teórica. El principal centro artístico
es la Florencia de los Médicis.

 Cinquecento (1500-1527): periodo de plenitud. El foco principal es Roma donde los Papas actúan de mecenas
de los grandes genios. El estilo se empieza a difundir por el resto de Europa.

 Manierismo (1527-1594): se empieza a romper con las normas clásicas.

El Renacimiento italiano 6
II.- LA ARQUITECTURA RENACENTISTA

2.1. Rasgos generales

Se inicia en Florencia a comienzos del S. XV con la cúpula de Santa María dei Fiore de Filippo Brunelleschi.

- El arquitecto aspira a hacer un edificio racional y objetivo aplicando un conjunto de reglas que resultan de
cálculos matemáticos. Esto se traduce en orden, proporción y claridad.

- Las partes del edificio deben guardar, al igual que las partes del cuerpo humano, una relación recíproca o
proporcionalidad. Debe existir un equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura.

- El edificio ideal (el artista busca un modelo) hace de ser simétrico en todos sus ejes, tanto horizontal como
vertical. El edificio de planta central simétrico respecto a un punto es el que mejor expresa el ideal renacentista
pero también existen otras soluciones.

- El espacio interior es unitario, estático y delimitado, es decir, se ve de una sola vez (la catedral gótica se
proyectaba para ser vista desde diversos puntos lo que exigía un desplazamiento del espectador).

- El espacio interior, al igual que en la pintura

y la escultura, se organiza de acuerdo a las
leyes de la perspectiva geométrica, que
imitan la visión natural. La teoría formulada
por Brunelleschi consiste en la pirámide
visual (el espectador estaría situado en la
base de una pirámide cuyo vértice es el
punto de fuga hacia el que convergen todas
las líneas del espacio). Las líneas
longitudinales quedan cortadas por otras
transversales, originándose cubos en
profundidad hasta el fondo.

- Los edificios tienden a la horizontalidad,

que se subraya con molduras y cornisas, ya
que el hombre de forma natural mira hacia el
horizonte.

- Los espacios exteriores son muy cuidados –debido al gran interés por el urbanismo y la belleza ciudadana- y
repiten el sistema espacial interior.

- Se adoptan las formas de la Antigüedad clásica que también se basaban en reglas fijas (los órdenes). Ahora se
utilizan los cinco órdenes romanos (toscano, dórico, jónico, corintio y compuesto). Sin embargo, no se
respetan las proporciones fijadas por los antiguos sino que se adoptan muchas variaciones según las exigencias.

- Una de las principales fuentes teóricas fue un tratado de arquitectura romana, el de Vitrubio. Este sería editado
numerosas veces, acompañado de numerosas ilustraciones, a lo largo de los siglos XV y XVI, siendo
ampliamente utilizado y conocido.

- Los elementos arquitectónicos están tomados del arte clásico: columnas, frontones, entablamentos.

 Los elementos sustentantes son las columnas y los muros. Las columnas con fuste liso y capiteles
variados con preferencia por el corintio. El muro vuelve a tener un papel básico de elemento
sustentante y sirve para crear un espacio perfectamente abarcable o delimitado. A veces, en los muros
aparecen pilastras con capiteles corintios.

 Los elementos sustentados son el arco de medio punto –elemento tanto constructivo como
decorativo y la cubierta plana de madera (artesanado) o abovedada. Se prefiere la cubierta

El Renacimiento italiano 7
 abovedada (de cañón, arista o baída1). La cúpula es el elemento más dominante que cubre el edificio
entero o la parte más representativa.
 Los elementos decorativos son variados: tectónicos (columnas,
pilastras, frontones, arcos) u ornamentales tomados de la Antigüedad
clásica: laureas, casetones, escudos, balaustradas,2 guirnaldas,
medallones amorcillos, siendo muy típico el grutesco3 (tema vegetal y
animal entrelazado) que se organiza simétricamente en torno a un eje
(decoración de candelieri o candelabro).

 Los materiales empleados con, preferentemente, piedra y mármol.

 Gran variedad de tipos de edificios: iglesias, edificios civiles muy

variados (palacios, villas, hospitales, bibliotecas, etc.) 4 La arquitectura
civil adquiere tanta importancia como la religiosa y no se limita a la
construcción de edificios aislados como el palacio o la villa sino que
aparece una concepción urbanística del espacio.

2.2. LA ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO

En Florencia se produce la búsqueda de los elementos esenciales del nuevo lenguaje. La arquitectura tiene
muchos elementos decorativos.

FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)

Brunelleschi nació en Florencia y aquí realizó sus principales obras. Está considerado el padre de la
arquitectura renacentista al introducir innovaciones que rompen con el gótico.
En 1401 se convocó un concurso para realizar unas puertas de bronce para el baptisterio de la ciudad.
Brunelleschi presentó un proyecto, pero ganó el de Ghiberti, por lo que se marchó a Roma donde estudió los restos
arqueológicos. En 1410 regresó a Florencia formado como arquitecto, escultor e incluso pintor.
Es el típico hombre renacentista con grandes conocimientos en muchos campos del saber: artista, ingeniero,
constructor de máquinas y descubridor de la perspectiva lineal. Trabajó con una mentalidad científica
demostrando grandes conocimientos de matemáticas y geometría que aplicó a sus obras para conseguir perspectiva
y proporcionalidad.
Su obras más famosas son: la cúpula de la catedral de Santa
Mª de las Flores en Florencia y las iglesias de San Lorenzo y del
Santo Spíritu en las que creó un nuevo estilo; la capilla Pazzi, la
logia del Hospital de los Inocentes y el palacio Pitti.

- Cúpula de la catedral de Santa Mª de las Flores.

Es la primera obra renacentista. Pertenece a la catedral gótica
de Florencia, iniciada en el S. XIII, construida según el
modelo típico del gótico italiano: tendencia a la
horizontalidad y policromía al intercalar hiladas de piedra y
mármol de distintos colores. Para la misma catedral había
proyectado Giotto proyectó, en 1331, el célebre Campanille
exento que sería terminado por otros arquitectos.

1
Bóveda baída: cúpula esférica cortada por cuatro planos verticales y perpendiculares entres sí.
2
Balaustre: columnita de perfil compuesto por molduras cuadradas y curvas, ensanchamientos y estrechamientos sucesivos,
que se emplea para ornamentar barandillas o antepechos de balcones, azoteas, corredores y escaleras. Derivado del concepto
anterior sería el de BALAUSTRADA o serie u orden de balaustres, formando barandilla. Es típico de la arquitectura desde el
Renacimiento, siglos XV y XVI.
3
Grutescos Ornamento consistente en seres fantásticos, humanos, animales y vegetales, enlazados y combinados para formar
un todo. Es un tema propio del Renacimiento, inspirado en los hallados en algunos edificios romanos, como la Domus Aurea
de Nerón y suele estar formado por una cabeza o bien un torso humano o animal en la parte superior, que termina en un juego
de elementos vegetales en la inferior. Ejemplo: Fachada de la Universidad de Salamanca, de Estilo Plateresco, principios del
siglo XVI.
4
Casetón: compartimento hueco generalmente en forma cuadrada o rectangular característico de las ornamentaciones en las
techumbres del arte romano y de los clasicismos posteriores.
El Renacimiento italiano 8
 En 1418, la Corporación de la Lana convocó un concurso para construir una cúpula sobre el crucero. La
maqueta, presentada por Brunelleschi, que estaba inspirada en la cúpula de doble emparedado del Panteón,
ganó el concurso al que también se había presentado Ghiberti.
Es una cúpula es de gran tamaño (45 m. de diámetro/ 114 m. de alto) hecha
en ladrillo, piedra y mármol. Brunelleschi utilizó un revolucionario sistema
constructivo sin cimbras (armadura de madera en torno a la que se construye)
sólo con un ligero andamiaje para trabajar y empleó un aparejo de ladrillo
hueco en forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos.
La cúpula se levanta sobre un tambor octogonal de piedra revestido de
placas de mármol (blanco, verde y rosado), con una gran ventana circular
(óculo) en cada uno de sus lados. Tiene un doble cascarón: la interior
semiesférica y la exterior apuntada, con ocho partes triangulares de ladrillo
divididas por nervios exteriores de mármol blanco que la recorren ascendiendo
hacía la cúspide. Entre ambos cascarones hay un espacio hueco, con ganchos
que unen las dos partes, que permite contrarrestar el empuje, aumentar la altura
y aligerar el peso de la bóveda semiesférica mucho más pesada. Su aspecto
exterior es esbelto por su perfil apuntado gracias a la curvatura de los
nervios. En la unión de los nervios aparece una estilizada linterna, punto de fuga del sistema, terminada en
1471, ya muerto Brunelleschi. Aligeran el peso en el exterior diversas semicúpulas de descarga.
La obra da unidad y centraliza el espacio del edificio, principal objetivo de los arquitectos del
Renacimiento. Es el símbolo y orgullo de la ciudad de Florencia ya que domina la perspectiva de la ciudad y ha
tenido gran transcendencia en la historia del arte siendo muy imitada durante el Renacimiento y periodos
posteriores dentro y fuera de Italia. Miguel Ángel se inspiró en ella para su cúpula de San Pedro del Vaticano.

- Las iglesias de San Lorenzo (Ver comentario) y del Santo Espíritu están inspiradas en la basílicas
paleocristianas. En ellas utiliza la planta basilical de cruz latina -para no romper con una tradición muy
arraigada- que no se ajusta bien a los principios renacentistas (desde la nave central no se ve bien el crucero)
pero Brunelleschi consigue un edificio basado en la proporcionalidad entre las partes, la claridad (se destaca
la cruz) y el espacio unitario y abarcable gracias a la aplicación de las leyes de la perspectiva lineal (las líneas
horizontales confluyen en el punto de fuga). No obstante se terminaría imponiendo la planta centralizada.

Basílica de San Lorenzo Basílica del Santo Espíritu

El propio Brunelleschi creó un edificio con una estructura abarcable de una sola vez, la Capilla Pazzi, con
planta de cruz griega. Es una pequeña capilla funeraria encargada por la adinerada familia Pazzi, que está
adosada a la iglesia gótica franciscana de la Santa Croce.
El Renacimiento italiano 9
 El edificio está formado por un pórtico exterior, un espacio rectangular interior en cuyo centro se alza una
cúpula sobre pechinas y un altar.
El pórtico de entrada, cubierto por una bóveda de cañón y cúpula, está dividido en cinco partes separadas
por seis columnas compuestas; la parte central está rematada por un arco de medio punto y las laterales son
adinteladas en contraste con fachada de acceso al interior. La puerta de acceso se sitúa en un eje longitudinal que
conduce al altar.

El edificio, hecho a la medida del hombre siguiendo fórmulas geométricas y matemáticas es un claro
ejemplo de proporcionalidad, armonía y simetría.
Los medallones cerámicos que la decoran en el interior fueron obra de Luca de la Robbia.

- En el Palacio Pitti, Brunelleschi creó el modelo de

palacio renacentista florentino caracterizado por:
 El volumen geométrico cerrado - un cubo con un
patio central- le da un aspecto exterior de fortaleza
(recuerda los palacios góticos pero sin la torre
defensiva).
 La disposición tiene en cuenta las exigencias de
intimidad (la vida privada se hace en el interior) y
de representación (la amplia fachada hacia la calle
simboliza el poder de la familia que lo habita).
 La fachada se articula en pisos en sentido
horizontal. La decoración suele variar según los
pisos.
 El aparejo es almohadillado5 con sillares en relieve
o aplanados.
 Los pisos están separados por frisos o cornisas (en
este caso decoradas con una balaustrada) lo que
contribuye a acentuar la horizontalidad al igual que
la techumbre con una amplia cornisa.

- El Hospital de los Inocentes, un hospicio de niños, es de

remarcada horizontalidad, geometrismo y simplicidad
decorativa. Los elementos arquitectónicos en piedra
resaltan sobre el fondo blanco de las paredes. Los
medallones (tondos) con figuras blancas de niños en
pañales fueron encargados posteriormente a Lucca de
Robbia.

5
Almohadillado: Paramento de sillería donde la cara visible de los sillares ha sido labrada a manera de almohadilla. Las juntas
están biseladas o rehundidas, para dar la sensación de relieve. Es típico de la arquitectura del Renacimiento, siglos XV y XVI.
En España el ejemplo más característico es el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada, de Pedro Machuca, del siglo
XVI.
El Renacimiento italiano 10
LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)

Es el prototipo de perfecto humanista con gran formación - conocimientos de teatro, música, derecho, pintura y
arquitectura- y artista polifacético. Fue un gran estudioso de la Antigüedad y escribió varios tratados de arte en los
que trata de buscar reglas racionales para orientar a los artistas: De re aedificatoria, basado en la obra de Vitrubio,
De pintura y De statua sobre pintura y escultura en las que da cánones y proporciones del cuerpo humano. El
artista para él no es un simple artesano sino un intelectual preparado en todas las disciplinas.
La arquitectura de Alberti sigue la tradición racionalista de Brunelleschi buscando la proporcionalidad y la
armonía. Sus obras principales son:

- La fachada de Santa Mª de Novella (Florencia). Es un edificio gótico en el que introduce una fachada clásica.
En los pisos inferiores hay tumbas con arcos apuntados, al igual que en las fachadas laterales, pero sobre ellas
colocó arcos de medio punto, un frontón presidiendo la fachada y dos grandes volutas que unen el frontón con
las naves laterales dando proporción y armonía a la obra. El empleo de las volutas será imitado en la iglesia de
Il Gesú y tendrán un gran desarrollo en el Barroco.

- El templo Malatestiano de Rímini de una sola nave con capillas adosadas y fachada que asemeja un arco
triunfal.
Santa Mª de Novella de Florencia Templo Malatestiano de Rímini

- San Andrés de Mantua es la obra de mayor influencia de Alberti. Realizó el proyecto por encargo de la
familia Gonzaga y las obras comenzaron el mismo año de su muerte (1472).
La iglesia tiene planta de cruz latina con una sola nave
muy amplia, ya que las naves laterales han quedado
reducidas a capillas, cubierta por una bóveda de cañón
decorada con casetones (influencia de las termas
romanas), cúpula sobre un inmenso crucero y capillas
laterales que se abren a la nave y a las que se accede por
arcos que descansan sobre gruesos pilares. En este
edificio triunfa el concepto de espacio unitario.

El Renacimiento italiano 11
 La fachada (muy alejada del proyecto de Alberti) es una mezcla de templo
clásico y arco de triunfo: un gran arco de medio punto, que se alza sobre
pilastras de orden corintio, se prolonga hacia el interior en forma de bóveda de
cañón con casetones. El arco está flanqueado por tres pisos de vanos diferentes
enmarcados entre pilastras corintias y coronado por un gran friso y un amplio
frontón.
Esta iglesia ejerció gran influencia en el Manierismo (Il Gesú) y el Barroco.

- El palacio Rucellai, encargado por el comerciante

florentino Giovanni Rucellai, sigue el modelo de
palacio del Quattrocento florentino (amplia fachada y
patio interior) pero introduce novedades como es la
superposición de los órdenes en la fachada siguiendo
el modelo del Coliseo romano. Los muros son de
sillería almohadillada de distinta traza en cada uno de
los cuerpos –en el zócalo imita el opus reticulatum.
La fachada se divide en tres pisos con órdenes
superpuestos: pilastras dóricas en la planta baja, jónicas
en el primer piso y corintias en el segundo. Cada planta
está dividida en partes iguales separadas por pilastras
aplanadas. La planta baja es la zona pública del palacio
(comercio y banca) por ello, hay un largo banco para los
clientes. El primer y segundo piso son la zona privada o
vivienda familiar. El edificio se remata con una amplia
cornisa. Es un claro ejemplo de orden y simetría, y de
proporcionalidad.

MICHELOZZO

Es un discípulo de Brunelleschi que realizó el palacio

Medici-Riccardi, la residencia de los Médicis en Florencia.
El edificio es un volumen cerrado concebido como un
cubo con aspecto de fortaleza. La fachada se articula en
sentido horizontal en tres pisos separados por dos cornisas;
los pisos son de desigual tamaño y la decoración y el
aparejo varían. Las ventanas son distintas en cada piso y el
almohadillado sobresale más a medida que descendemos.

El Renacimiento italiano 12
2.3. LA ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO

A las primeras décadas del S. XVI se les denomina Pleno Renacimiento o Cinquecento, etapa caracterizada por
el clasicismo. Roma se convierte en el nuevo centro artístico donde se agrupan artistas de diversa procedencia que
se identifican con los ideales de grandeza del Papado y, a partir del estudio de restos de la antigüedad, crean un arte
solemne y grandioso. La arquitectura busca el equilibrio, la armonía y las proporciones entre las partes; se
eliminan los elementos decorativos superfluos para dejar la simple estructura y se impone el modelo de planta
central.

BRAMANTE (1444-1514)

Es también un erudito que escribe tratados sobre arquitectura y sobre la proporción perfecta de los cuerpos que
desgraciadamente no se conservan. Su labor artística se desarrolló primero en el norte de Italia donde dejó obras de
gran sentido decorativo pero después fue llamado por el Papa Julio II y se estableció en Roma. Aquí, estudiando
las ruinas antiguas renuncia a lo ornamental y realiza obras en las que domina la estructura arquitectónica.
El Papa Julio II le encarga la construcción de la nueva basílica de San Pedro del Vaticano. Bramante hace un
proyecto de cruz griega, con enorme cúpula rodeada por una columnata y cuatro torres en los ángulos, pero se va a
realizar con enorme lentitud por las discusiones entre arquitectos -que intentan crear un proyecto ideal- y quedó
inacabado y, finalmente, Miguel Ángel lo modificó.
Su obra principal es el templete de San Pietro in Montorio, el edificio ideal del Renacimiento por sus
proporciones armónicas y por el espacio unitario y cerrado en sí mismo; también es
expresión máxima de los ideales estéticos del Cinquecento por destacar los
elementos estructurales y renunciar a lo ornamental.
Fue construido en 1502, por encargo de los Reyes Católicos, dentro de un
pequeño patio donde, según la tradición, murió crucificado San Pedro.
Actualmente pertenece a la Embajada de España en Roma.
Es un templo de reducidas dimensiones, circular, períptero (rodeado de
columnas por todos sus lados) e inspirado en los templos de Vesta romanos. El
edificio es totalmente simétrico ya que los forman dos cuerpos cilíndricos en torno
a un eje vertical que va del remate de la cúpula a la cámara subterránea en la que se
venera el agujero donde fue clavada la cruz del martirio.
El cuerpo cilíndrico interior está cubierto por una cúpula con linterna6 sobre un tambor decorado con
pilastras que separan nichos u hornacinas7. El cilindro exterior, que rodea el anterior, se alza sobre gradas, consta
de 16 columnas que forman un pórtico. Las columnas son de orden
toscano8 ya que los arquitectos del Renacimiento conocían mejor el
arte romano que el griego y usaban mucho este orden. Las columnas
sostienen un friso con triglifos y metopas y una pequeña balaustrada.
Los elementos decorativos están reducidos al máximo y, si
exceptuamos el escudo, cumplen también otra función: los vanos
abiertos en la parte superior e inferior del cuerpo central tienen el papel
de fuente luminosa del edificio; el friso decorado con triglifos y
metopas, cuya decoración alude al martirio del apóstol, sirve de
soporte a la balaustrada superior.
El edificio tiene un significado filosófico: Bramante utilizó el
círculo como elemento organizador del edificio por influencia de la
filosofía neoplatónica (difundida por Marsilio Ficino) para la que la
esfera es la forma simple y perfecta que corresponde a Dios.

6
Linterna. Torre pequeña más alta que ancha y con ventanas, colocada sobre la parte más alta de la cúpula para iluminar el
interior del edificio; tiene su origen en algunas construcciones romanas, como el Panteón de Agripa y la Sala de la Domus
Aurea de Nerón. La linterna ha tenido un uso muy frecuente desde la arquitectura renacentista, siglos XV y XVI. Ejemplo: La
Cúpula de San Pedro del Vaticano de Roma.
Tambor. Elemento constructivo cilíndrico que sirve de base a una cúpula a fin de dar a ésta mayor realce; generalmente con
ventanillas u otro tipo de abertura para iluminar el interior del edificio. El tambor ha tenido un uso muy frecuente desde la
arquitectura renacentista, siglos XV y XVI. Ejemplo: La Cúpula de San Pedro del Vaticano, de Miguel Ángel, siglo XVI.
7
Hornacina. Hueco de planta semicircular abierto en un muro para colocar en él una urna o estatua. Se coloca orientada tanto
al exterior como al interior de los edificios y cumple una función ornamental.
8
Orden toscano. Es una variante del dórico: columna con basa y fuste liso que termina en el astrágalo (moldura que separa el
fuste del capitel)
El Renacimiento italiano 13
ANTONIO DE SANGALLO (1484-1546)

Sigue el estilo sobrio y grandioso de Bramante. Es el

creador del modelo de palacio del Cinquecento o de ventanas
superpuestas en el Palacio Farnesio (1514) o de ventanas
superpuestas.
La disposición del edificio es similar al palacio
florentino pero se sustituye el almohadillado por el ladrillo y
la alternancia en la fachada alternan de los frontones curvos y
rectos será muy imitada, incluso en siglos posteriores. Los
órdenes superpuestos sólo aparecen en las ventanas que son el
elemento principal.
Años más tarde, Miguel Ángel le añadió la gran cornisa,
el portal y la ventana central que aparecen como algo extraño
ya dentro de un leguaje manierista.

PALLADIO (1508-1580)

Andrea di Pietro, conocido como Palladio, trabajó principalmente en Vicenza, uno de los centros del
Renacimiento veneciano. Como otros tantos artistas del Renacimiento fue un estudioso de la Antigüedad clásica.
En 1570 escribió su conocido tratado Los cuatro libros de la arquitectura de gran influencia en la historia de la
arquitectura en el que recoge las normas básicas de la construcción y explica cómo construir puentes, edificios
religiosos, civiles, etc.
Palladio realizó edificios civiles como las villas y palacios para las clases adineradas que imitaban la
costumbre de los antiguos nobles romanos de construir casas en el campo. En ellas se funde el edificio con el
paisaje. La más conocida es la Villa Capra o Villa
Rotonda.

Un edificio de planta
cuadrangular con una
sala central redonda –
cubierta por una
cúpula- en torno a la
que se agrupan
simétricamente
distintas estancias
geométricas y con
cuatro entradas iguales
concebidas como la fachada de un templo romano de orden jónico. El frontón y las escalinatas están
enmarcados con estatuas. El edificio se eleva sobre un podio para permitir la contemplación del paisaje. Esta obra
es un ejemplo de clasicismo por su simplicidad y proporcionalidad geométrica.
Palladio se inspiró en las villas y templos romanos para crear un modelo que tuvo gran influencia posterior,
en la arquitectura inglesa del S. XVII (las mansiones de la nobleza) y, sobretodo, en los EEUU en el S. XIX, donde
muchas mansiones de las plantaciones sureñas siguieron este modelo (estilo neopalladiano).

Sin embargo, en otras obras, como las iglesias venecianas,

utiliza de forma libre y caprichosa los elementos clásicos
dentro del espíritu manierista. Las iglesias de Venecia como
“El Redentor” y San Giorgio Maggiore tienen fachadas con
frontones incrustados unos en otros y plantas complejas.

En la iglesia de El Redentor utiliza en la fachada el orden

gigante: dos enormes columnas y dos pilastras sostienen el
frontón principal, combinándolas con otras de menor tamaño.
Se puede decir que la iglesia tiene una triple fachada: el
frontón principal, el pequeño de la puerta y los laterales.

El Renacimiento italiano 14
2.4. LA ARQUITECTURA MANIERISTA

El Manierismo es un estilo artístico que surge y se desarrolla en Italia entre 1527 y 1594, en el que destaca
la pintura. Los artistas trabajan "alla maniera” de los grandes maestros del Renacimiento (Leonardo, Rafael y
Miguel Ángel) -de ahí su nombre- pero recrean sus formas con libertad. Miguel Ángel es el iniciador del nuevo
estilo al romper con las normas clásicas en sus últimas obras.
El estilo es un reflejo de una época de crisis (los enfrentamientos religiosos y políticos sacuden a Europa)
con una mentalidad más pesimista que busca la evasión de la realidad. La desconfianza en la capacidad del
individuo y en la razón hace que en el arte se olvide el equilibrio armónico y sereno. En el manierismo se
manifiesta la angustia o el desequilibrio y se busca el efecto sorpresa, la tensión y la ingeniosidad.

La arquitectura manierista se caracteriza por:

- Utiliza los elementos clásicos con libertad: no respeta su distribución original y los combina de forma
caprichosa.
- Los espacios son agobiantes, comprimidos y angostos.
- Se acentúa el decorativismo, la monumentalidad y el
dinamismo.
- El espacio está compartimentado –cada parte es
independiente- rompiéndose la unidad clásica.

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI (1476-1564)

Es el iniciador de la arquitectura manierista en la Sala de

Lectura y vestíbulo de la Biblioteca Laurentina, construida
para los Médicis.
La escalera, proyectada por él y construida más tarde,
apenas tiene sitio en la estrecha y altísima antesala por la que
se entra a una larga y estrecha sala de la biblioteca. El rechazo
al clasicismo se observa también en la contraposición de líneas
curvas y rectas en la escalera o en las columnas del vestíbulo
que no sustentan nada.
En 1546 fallece Antonio Sangallo, el arquitecto
encargado entonces de la basílica de San Pedro del Vaticano,
y la obra se le encomienda a Miguel Ángel que ya tenía 72
años de edad. De su labor destaca la “Cúpula de San
Pedro”.
Tiene doble casquete, como la de Brunelleschi. En el
exterior es peraltada, se alza sobre un tambor* cilíndrico
con ventanas cuadradas separadas por columnas pareadas y
coronadas por frontones curvos o triangulares y se remata
con una bella linterna*; en el interior, es semicircular y
apoyada sobre cuatro enormes pilares unidos por arcos con
pechinas en sus esquinas. Por sus enormes proporciones (132
m. de altura desde el suelo y 42 m. de diámetro) y su carácter
dinámico dominando todo el edificio representa ya la
transición al barroco.

El Renacimiento italiano 15
VIGNOLA (1507-1573)

Jacopo Barozzi, más conocido como Vignola por su lugar de origen, es un arquitecto y teórico formado en la
escuela romana y discípulo de Miguel Ángel. Construyó villas como la que realizó para el papa: “Villa Farnesio”
de forma pentagonal; pero su obra más destacada es la iglesia de Il Gesú.

Il Gesú es la iglesia madre de la Compañía de Jesús en Roma. La nueva orden religiosa, creada por S. Ignacio de
Loyola, se convirtió en la principal impulsora de las ideas de la Contrarreforma católica que surgieron del
Concilio de Trento (1545-1562). Para construir la iglesia, Vignola siguió las indicaciones del Concilio de Trento
(1545-1562) que afirmaban los dogmas a los que se oponían los protestantes.

- La planta de salón o gran nave abovedada con capillas laterales -inspirada en San Andrés de Mantua de
Alberti- se explica por la importancia dada a la predicación y la oración en común frente a la relación personal
con Dios del protestantismo.
- Las capillas laterales en forma de nicho para las misas por la importancia dada a la Eucaristía, sacramento
negado por los protestantes.
- El interior está poco iluminado –a excepción del crucero-. La decoración barroca posterior oculta su
primitiva sobriedad.
- La única nave y la iluminación tienen como finalidad centrar la
atención de los fieles en el altar mayor.

La fachada es de GIACOMO DELLA PORTA, quien introduce

elementos decorativos que anuncian el barroquismo. Se distribuye en
dos cuerpos y se remata con un gran frontón y dos grandes volutas
(influencia de Alberti) que unen el cuerpo inferior más ancho con el
superior. Los muros están decorados con pilastras y hornacinas: las del
piso superior están rematadas por frontones triangulares y las del piso
inferior por frontones curvos; el cuerpo central está resaltado con
columnas y frontones.

Il Gesú se convertirá en modelo de la iglesia jesuítica de todo el

mundo.

El Renacimiento italiano 16
III.- LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO

3.1. Características generales de la escultura renacentista

 La escultura se libera de la arquitectura ya que su principal interés está en el bulto redondo9. El relieve y las
figuras de los nichos (obras principalmente de broncistas e imagineros) no desaparecen pero tienen un carácter
pictórico gracias a la utilización del schiacciato10 con el que consiguen efectos sorprendentes de perspectiva o
profundidad.

 Los artistas se inspiran en las obras clásicas, debido a la abundancia de restos arqueológicos del pasado, pero
las reinterpretan siguiendo los valores de la sociedad renacentista.

 Los materiales empleados son diversos: se prefiere el mármol y bronce igual que en la Antigüedad, pero
también utilizaron el barro cocido, recubierto con esmalte vidriado y policromado, y la madera (imaginería).
Con todos ellos logran una gran perfección técnica.

 Gran interés por la textura de las superficies con acabados pulidos y tersos.

 La composición es geométrica y el movimiento contenido (contrapposto) excepto en el Manierismo.

 La luz ilumina de forma homogénea y el color no siempre aparece porque se prefiere potenciar las propiedades
del mármol de Carrara.

 La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la belleza formal capaz de producir placer
estético, excepto en el Manierismo.

 El hombre y la naturaleza es el centro de interés tanto en los temas religiosos –todavía los predominantes-
como en los nuevos temas profanos (mitológicos, históricos y alegóricos). El retrato tiene un gran auge en
esta época, como expresión de la importancia del individuo en la sociedad, tanto de cuerpo entero como busto-
retrato o como estatua ecuestre. Su función es política y cívica exaltando al Estado o a personajes ilustres.

- El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia, como ejemplo máximo de la belleza perfecta, se
representa de una manera realista -con estudio de la anatomía y el movimiento- y se buscan las proporciones
basadas en el canon clásico11 de Policleto.

3.2. LA ESCULTURA DEL QUATTROCENTO

La abundancia de obras escultóricas clásicas en Italia, conocidas por los escultores del momento, hizo que
la transición entre el estilo gótico y renacentista no fuera tan brusca como en la arquitectura.
En el Quattrocento se mantiene el gusto por el realismo anecdótico que procede del gótico, lo curvilíneo y
la delicadeza, pero surgen nuevos elementos como la monumentalidad o la severidad (Donatello) que se mantienen
hasta el Cinquecento. Los dos escultores más destacados son:

LORENZO GHIBERTI (13768-1445)

Representa la transición entre la escultura gótica y la renacentista. También fue un humanista como otros
artistas florentinos del momento. Su técnica favorita era el trabajo en bronce destacando por los relieves en los que
los paisajes y la figura humana aparecen representados con gran detallismo.
Su fama se inició en 1403 al ganar un concurso convocado por el gremio de comerciantes de Florencia para
embellecer el Baptisterio.
Trabajó durante 20 años en la Puerta norte del baptisterio lo que le obligó a crear un taller que se convirtió
en un centro de formación de muchos artistas, Donatello entre ellos. La puerta está formada de 28 medallones
lobulados, a la manera gótica, pero la perfección anatómica de las figuras, el naturalismo de los paisajes y el

9
Bulto redondo. Las figuras no están unidas a ningún plano sino que son independientes, exentas.
10
Schiacciato. Deriva del verbo schiacciare que significa “aplastar”. Hace referencia al relieve en el que lo más próximo al
espectador posee más volumen frente a lo más alejado que aparece con relieve muy bajo. También se denomina relieve
pictórico.
11
Contrapposto. Oposición armónica de las distintas partes del cuerpo humano que se hallan en movimiento o en tensión.
El Renacimiento italiano 17
interés por la belleza del cuerpo humano (aparición de un desnudo en el Sacrificio de Isaac) son elementos
renacentistas.
El relieve del Sacrificio de Isaac fue el ganador del concurso.
Recoge el momento en que el ángel detiene a Abraham cuando está a
punto de matar a su hijo tal como Dios le ha mandado para probar su fe. La
composición es muy innovadora: una diagonal divide el espacio en dos
escenas, a la izquierda dos sirvientes y el asno ajenos a lo que está
sucediendo; a la derecha el grupo del sacrificio. Estas escenas se disponen
en planos distintos lo que aporta perspectiva.
Ante el éxito conseguido, el mismo gremio le encarga en 1425 la
decoración de la 3ª Puerta o Puerta del Paraíso que se convertirá en la
obra maestra de Ghiberti. Está compuesta por diez relieves en bronce que
representan historias del Antiguo Testamento. Dentro ya del espíritu
renacentista las encuadra en espacios rectangulares. Los relieves son de
efectos pictóricos con amplios espacios, una valoración de la luz y la
sombra junto al movimiento. Están compuestos según la ley de la
perspectiva en una gradación que va desde un bajorrelieve hasta un
altorrelieve dando la sensación de imagen exenta. Así, las figuras del
primer plano se ven de mayor tamaño y las más lejanas se ven más pequeñas. En las escenas de la Historia de José
introduce un marco arquitectónico renacentista; en la Creación de Adán y Eva, el Pecado original y la Expulsión
del Paraíso, el paisaje es el protagonista junto a personajes de gran belleza.

Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia. Creación de Adán y Eva

DONATELLO (1386-1466)

Es el principal representante de la escultura del Quattrocento. Trabajó como ayudante de broncista en el

taller de Ghiberti. Viajó a Roma con Brunelleschi y a su regreso a Florencia colaboró con su maestro en las Puertas
del Baptisterio. Después desarrolló en Florencia una gran actividad.
El centro de interés de su escultura es el hombre al que representa en todas sus etapas: niñez,
adolescencia, madurez o vejez; en su belleza y fealdad, consiguiendo un perfecto dominio en la representación de
la anatomía humana. Su estilo oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza ideal o cierto
expresionismo que se acentúa en su etapa de vejez.

El Renacimiento italiano 18
En la Tribuna de los cantores representa la alegría y el dinamismo de los niños. Las ánforas, hojas de acanto, rosetas,
conchas y medallones son ejemplos de ornamentación renacentistas tomados de los sarcófagos

Sus figuras juveniles son las más típicas del artista:

- David (1444-1446). Museo Nacional del Barguello. Florencia.

Es una obra revolucionaria por ser la primera escultura exenta del
Renacimiento rompiendo con una larga tradición medieval de supeditación al
marco arquitectónico y el primer desnudo desde la Antigüedad.
La escultura de bulto-redondo, realizada en bronce, trata el tema bíblico del
enfrentamiento entre el joven David y el gigante soldado filisteo Goliat en el
momento posterior a su enfrentamiento. Donatello muestra a un joven
adolescente desnudo- a excepción de las calzas y el sombrero de paja típico
de los campesinos de la Toscana adornado con hojas de amaranto que
simbolizan el heroísmo griego. El pie izquierdo descansa sobre la cabeza de
Goliat, que acaba de cortar con la espada de éste, y que sujeta en la mano
derecha. En la otra mano izquierda lleva la piedra con la que le hirió. La
cabeza gira ligeramente a la izquierda contemplando el resultado de su
victoria.
La belleza idealizada y serena del rostro del joven contrasta con la dureza
de la expresión de Goliat. La anatomía es perfecta –de formas blandas casi
femeninas- y el modelado muy pulido resalta la suavidad de la piel. El
movimiento está contenido y la composición es armónica y equilibrada al
utilizar el contrapposto: cuerpo apoyado en la pierna derecha-hombro
derecho caído, pierna izquierda libre-hombro alzado y la cabeza girando en
sentido contrario al cuerpo.
La influencia de la escultura de Praxíteles es notable
por la curva del cuerpo, la ambigua sexualidad y el
modelado pulido de la figura. Al igual que los clásicos, Donatello utiliza el tema como
una excusa para la representación de la belleza ideal en un cuerpo humano desnudo.
La escultura fue encargada por Cosme de Médicis para los jardines de su palacio lo que
ha llevado a interpretarla como una obra conmemorativa de la resistencia militar de
Florencia frente al ducado de Milán.
El tema de David se convertirá en un clásico de la escultura italiana renacentista y
barroca.

- San Jorge. Museo dell´Opera del Duomo. Florencia (1415). Obra realizada en
mármol por encargo del gremio de fabricantes de armaduras. La figura representa
al prototipo de caballero cristiano medieval dispuesto para el combate que
transmite la fuerza y valentía del guerrero. Las dos piernas se asientan firmemente
en tierra, la mano derecha cae con el puño cerrado con fuerza, el rostro de gran
belleza está ligeramente elevado y la mirada se pierde en el infinito. El escudo, en
forma de rombo, con la cruz de San Jorge, ayuda a dar sensación de solidez, fuerza
y equilibrio. En la composición utiliza también el contrapposto.

El Renacimiento italiano 19
- El condottiero Gattamelata (1444). Piazza del Santo. Padua. Es la
primera escultura ecuestre del Renacimiento. Representa al jefe de los
ejércitos mercenarios al servicio de Venecia. Tomó, posiblemente,
como modelo la de Marco Aurelio que conoció en su estancia en
Roma. Está hecha en bronce sobre pedestal de mármol. Se distingue
por su monumentalidad, perspectiva y realismo del caballo y el
personaje.

En su vejez acentúa el expresionismo en obras con rasgos

patéticos y aparentemente inacabados como la Magdalena
penitente y el profeta Habacuc (Il Zuccone)

Otros escultores:

- Lucca de la Robbia difunde el uso de la cerámica vidriada con figuras

blancas sobre fondos azules y elementos decorativos vegetales de rico
colorido. En mármol hace la Cantoría de la catedral de Florencia de mayor
dinamismo que la de Donatello.

Verrochio acentúa la expresividad. Su Condottiero Colleoni tiene más

energía y tensión que el de Donatello.

El Renacimiento italiano 20
3.3. LA ESCULTURA DEL CINQUECENTO

Roma sustituye a Florencia como centro artístico. En lo formal se impone la monumentalidad, grandiosidad
y simplificación. El relieve casi desaparece sustituido por el bulto redondo.

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1476-1564)

Miguel Ángel nació en Caprese, pero siendo pequeño se trasladó con su familia a
Florencia, donde mostró pronto sus dotes de artista. A los trece años entró en el taller de los
hermanos Ghirlandaio donde conoció las obras de Giotto y Masaccio. Desarrolló su labor
artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma al servicio de sus mecenas:
la familia de los Médicis y de los papas Julio II y León X. En 1564 murió en Roma.
Como sus contemporáneos Leonardo y Rafael, es un genio polifacético (pintor,
arquitecto, escultor, poeta, etc.) que brilló en todos los campos. Fue muy admirado por sus
contemporáneos que le llamaban el Divino. Su larga vida le permitió estudiar con los artistas
del Quattrocento, plasmar su clasicismo en las primeras décadas del Cinquecento y participar en la corriente
manierista de la que se considera su fundador.
Miguel Ángel se sentía por encima de todo escultor trasladando a las demás artes la plasticidad de la
escultura. El concepto que tenía de la escultura lo expresó con esta frase “Por escultura entiendo aquello que se
hace a fuerza de quitar, pues lo que se hace a fuerza de añadir se asemeja más a la pintura”. Para él, la escultura
estaba ya en el bloque de piedra y el escultor sólo tenía que quitar lo sobraba, de acuerdo con la filosofía
neoplatónica de la que participaba.
Continuó la trayectoria de la escultura florentina (Donatello) culminando la búsqueda de la perfecta
representación anatómica pero a diferencia de los anteriores escultores su objetivo no es plasmar la realidad sino
expresar una idea por lo que sus esculturas unen belleza y sentimientos.
Su obra refleja las distintas etapas por las que pasa el arte renacentista:

a) Periodo juvenil (1491-1505). Expresión de la belleza ideal

Es la época clasicista con gran influencia de Donatello. Los

temas religiosos son el instrumento para expresar el ideal de
belleza: los rostros están desprovistas de sentimientos y los
cuerpos carecen de toda deformación física. La composición es
armónica y equilibrada produciendo una sensación de
serenidad - el movimiento está contenido-El modelado es
perfecto: superficies pulidas y representación anatómica
perfecta.

La Piedad (1497-1499). San Pedro del Vaticano. Está obra

realizada en mármol representa a Cristo yacente en los brazos
de su madre. Es una composición piramidal y simétrica.
Consigue la armonía a través de los contrastes: la serenidad y
la belleza juvenil de la madre que insinúa tímidamente el dolor
frente al cuerpo adulto y tenso del hijo; la amplitud de los
ropajes de la madre con la
desnudez del hijo; el
movimiento vertical de la
madre frente a la horizontal
del hijo. Las imágenes están
desproporcionadas a propósito: el volumen de la madre está agrandado
para acoger el cuerpo del hijo y dar mayor protagonismo a la madre.

La Virgen de Brujas produce la misma sensación de equilibrio y serenidad

mediante la oposición de dos movimientos: el movimiento vertical que va desde
el vértice del pliegue del velo hasta la base con el movimiento ascendente que
parte de los pies del niño, asciende por las rodillas, la manos y los brazos de la
Virgen hasta llegar a su cabeza.

El Renacimiento italiano 21
b) Periodo de madurez (1505-1534). Aumento de la expresividad y del movimiento.

En etapa empieza ya a romper con el ideal clásico destacando:

- Un aumento de la expresividad que parece estar relacionado

con el descubrimiento de Laoconte y sus hijos que impresionó
a Miguel Ángel. Las figuras son símbolos de ideas o
sentimientos: fortaleza, indignación, etc.
- Una acentuación del movimiento.
- El abandono de la figura humana autónoma – a partir del
David- para crear grupos dentro de los que cada figura
adquiere su significado.

Esta etapa se inicia con el David, una obra que realizó para la
ciudad de Florencia con tanto éxito que se colocó en la plaza de la
Signoría como símbolo de la ciudad. Actualmente se encuentra en
la Galleria dell´Accademia. Es una escultura en mármol de
dimensiones colosales –más de cuatro metros- A diferencia de
otras versiones, muestra a David en el momento anterior a su
encuentro con Goliat. Su mirada agresiva transmite fortaleza, ira,
tensión y calma aparente como preparándose para la acción. La
escultura manifiesta un gran conocimiento anatómico: se dejan
entrever las venas, los tendones y los músculos en tensión
contenida.

La Tumba de Julio II (1542-1545). Iglesia de San

Pietro in Vincoli. Roma.
En 1505, Miguel Ángel presentó un proyecto para
realizar un monumental sepulcro para el papa Julio
II que debía instalarse en San Pedro del Vaticano.
En su origen era un conjunto exento pero la obra se
interrumpió porque se le encomendaron otros
trabajos como la decoración de la Capilla Sixtina y
cuando se reanudó en 1513 -ya muerto Julio II- el
proyecto se modificó y se convirtió en una tumba
adosada a la pared que se instaló en una pequeña
iglesia.

En ella se representaba a Moisés y a San Pablo, junto a Lía y a Raquel; debajo de ellos se
situaban los esclavos. Finalmente, la obra quedó incompleta, y hoy día
solo quedan Moisés, Lía y Raquel y los Esclavos.

El Moisés –ocupa el centro de la tumba- se caracteriza por su

monumentalidad, el dinamismo y acusado contrapposto; la fiereza de la
mirada y de las poderosas manos que expresan la terribilitá. (Ver
comentario)

El esclavo moribundo hace pareja con El esclavo rebelde (ambos en el

Museo del Louvre). El primero parece significar la sumisión del hombre
al imperio de la naturaleza por los símbolos de la esclavitud que rodean su
torso y el segundo representa la rebelión del hombre. La composición se
caracteriza por las contraposiciones de movimientos: el eje vertical que
trasmite estabilidad con las líneas curvas que producen inestabilidad. Uno
transmite el sentimiento de resignación del oprimido que se refugia en el
sueño y el otro el deseo de libertad.

El Renacimiento italiano 22
El Sepulcro de los Médicis. Capilla de los Médicis, iglesia de San Lorenzo.

Miguel Ángel realizó en la capilla de los Médicis dos tumbas, dispuestas una enfrente de la otra, para Lorenzo y
Giuliano. Ambas se sitúan sobre altos zócalos en los que hay tres hornacinas interrumpidas por entablamentos. En
la hornacina central están representados cada uno de los duques en actitud sedente. Los sarcófagos están delante de
los zócalos y sobre ellos hay imágenes alegóricas. Los dos conjuntos tienen una estructura piramidal. Los duques
aparecen idealizados, vestidos con armaduras romanas, ya que el artista no quiso representar su aspecto físico sino
su carácter. Destaca el modelado de las figuras alegóricas, que simbolizan el paso del tiempo, con exagerados
escorzos. La Aurora está representada por una joven muy bella: el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que
envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza; la Noche, simboliza la muerte en forma de paz suprema; y
el Día, representado por un hombre mayor con la cabeza inacabada por símbolo del cansancio que produce
empezar un día sin desearlo.
Lorenzo en actitud pensativa y relajada, como símbolo Guiliano en actitud arrogante con un movimiento contenido, como
de la vida contemplativa, con las figuras de la Aurora y símbolo de la vida activa, con las figuras del Día y la Noche.
el Crepúsculo. Lleva el casco de los generales romanos Lleva una coraza bajo la que se deja ver su cuerpo atlético.

c) Periodo final (1555-1564). Predominio de la idea.

Esta etapa corresponde al periodo denominado manierista, expresión

de una época de crisis y desconfianza en la razón. Miguel Ángel se aleja del
realismo, no se preocupa por la belleza ni por la perfección anatómica. Su
principal preocupación es transmitir una idea atormentada que refleja su
espíritu pesimista. Desde el punto de vista técnico utiliza el no acabado
frente al perfeccionismo de épocas anteriores. Las composiciones son
desequilibradas.

La Piedad Rondanini (1552-1564). Castello Sforzesco, Milán.

Está hecha cincuenta años después de la Piedad del Vaticano y parece
una obra de un artista contemporáneo. Ha abandonado toda
preocupación por la belleza física; la composición es desequilibrada en
sentido vertical y abandona los movimientos contrapuestos que
producían armonía. La obra transmite un sentimiento dramático en
forma de un abrazo patético entre dos cuerpos que se funden.

El Renacimiento italiano 23
3.4. LA ESCULTURA DEL MANIERISMO

La escultura manierista va a estar muy influida por el hallazgo en Roma, en 1506, del grupo helenístico de
Laocoonte y sus hijos. Miguel Ángel se dejó influir por esta obra y dio un giro a su estilo dotando a las figuras de
monumentalidad y dramatismo y, como él, otros escultores.
En esta etapa se rompe con el equilibrio y la belleza clásica y se busca la tensión y el desequilibrio.
El movimiento se acentúa y aparece la línea serpentina o helicoidal: las figuras giran sobre sí mismas y ofrecen al
espectador distintos puntos de vista produciendo la sensación de inestabilidad. El cuerpo humano pierde las
proporciones y se hace estilizado, alargado o irreal. La realidad se deforma de manera caprichosa llegando al
irrealismo.

BENVENUTO CELLINI es un
importante escultor y orfebre. Su
principal obra es Perseo, que aparece
como un héroe arrogante que enseñan
la cabeza de Medusa12.
Como orfebre trabajó en Paris al
servicio del rey Francisco I para quien
realizó una de las obras más bellas de
la orfebrería: El Salero de Francisco I.

GIAMBOLOGNA (Juan Bologna) es un escultor nacido

en Flandes que llegó a Roma para estudiar las obras de la
Antigüedad y de Miguel Ángel y, atraído por sus obras, fue
a Florencia donde entró al servicio de los Médicis. Su
principal innovación es la línea serpentinata o giro en
espiral ascendente que eleva las figuras. Sus principales
obras son:

El Rapto de las Sabinas, un claro ejemplo de manierismo

por emplear la línea serpentina y por el dinamismo de las
figuras amontonadas de forma que parece que se van a
desmoronar.

El Mercurio, con alas en sus pies, tiene un pie en el aire y

el otro está siendo empujado por la cabeza del viento
Boreas13

12
Perseo es hijo de Zeus y dio muerte a la gorgona Medusa, con cabellos de serpiente, que con sólo mirar a los hombres los
dejaba petrificados. Huyó de las demás medusas supervivientes a lomos de su caballo Pegaso.
13
Mercurio. Hijo de Júpiter, mensajero e intérprete de los dioses y dios del comercio, de los viajeros y los ladrones,
caracterizado por su velocidad. Se identifica por sus sandalias aladas. Este tema interesará mucho en la época por las
posibilidades de sugerir inestabilidad.
El Renacimiento italiano 24
 BASÍLICA DE SAN LORENZO

1. Identificación de la obra. Basílica de San Lorenzo (1422-170). Florencia. Quattrocento. S. XV).

El autor es Brunelleschi (Vida y obra). La construye en 1420 y le sirve de experimento para las nuevas ideas.
La obra fue encargada por los Médicis que pretendían construir una gran basílica similar a las romanas
paleocristianas. La obra se finalizó después de la muerte de Brunelleschi aunque la fachada quedó sin terminar.
La iglesia del Santo Espíritu (1436) es similar A pero las columnas dan la vuelta al crucero y a la cabecera
rodeando todo el edificio y las capillas laterales quedan reducidas a hornacinas.
Tipología: iglesia cristiana inspirada en las basílicas paleocristianas.

2. Análisis del edificio

- Planta: es un edificio de planta de cruz latina con tres naves separadas por
columnas y capillas laterales poco profundas; crucero rodeado de capillas
cuadradas y cabecera rematada por capillas siendo la central de la mima
anchura que la nave central.
- Los elementos constructivos se inspiran en la Antigüedad clásica: Los
soportes son columnas corintias y pilares cruciformes en el crucero, pilastras
corintias a la entrada de las capillas; dos entablamentos: uno individual encima
de las columnas y otro que recorre todo el muro de la nave central con
ménsulas1 bajo el entablamento. El muro que vuelve a adquirir importancia
como cerramiento y soporte con amplios ventanales sobre la nave central y
óculos en los laterales. Los arcos son de medio punto.
La cubierta es de plana de madera en la nave central y con bóveda baída en las laterales; cúpula en el crucero.
- Los elementos decorativos utilizados son sencillos: motivos arquitectónicos (columnas, arcos, pilastras),
casetones en el techo y en la alternancia de los colores de la piedra
(gris oscuro y blanco).
En esta obra se caracteriza por buscar un nuevo concepto del espacio a la
medida del hombre. Utiliza la planta de cruz latina, que era poco
compatible con los nuevos deseos de proporcionalidad y unidad, porque
no podía romper de repente con una tradición muy arraigada en el mundo
cristiano. Pero sobre ella consigue crear un espacio caracterizado por:
- La claridad: la cruz latina perfecta que forma la nave central, la nave
transversal y la capilla de la cabecera se destaca de forma clara
dándole mayor altura y una cubierta - excepto la cúpula del crucero.
Con ello, se opone al gótico donde aparece enmascarada por otros
elementos. La gradación de la luz –más en la zona central, menos en
las laterales y mucho menos en las capillas- contribuye a dar una idea
más clara del conjunto.
- La proporcionalidad entre las distintas partes mediante la aplicación
de reglas matemáticas: la nave central es el doble que las laterales y
éstas el doble que las capillas; el entablamento situado entre las
columnas y el arco da mayor altura a las columnas para que sean
proporcionadas. El muro aparece dividido en dos partes iguales.
- El carácter unitario viene dado por la ordenación según las leyes de
la perspectiva lineal elaborada por Brunelleschi. Las líneas
horizontales dominantes confluyen en el punto de fuga que se sitúa en
el altar mayor; el eje oscuro del suelo orienta en la misma dirección.
Para ello, también amplia el tamaño de la nave de crucero y reduce el
de la nave longitudinal. El espacio es abarcable para el espectador
que, situado en el centro de la nave central, puede observar claramente la estructura del edificio.
3. Análisis estilístico. Brunelleschi se inspira en las basílicas paleocristianas que ha conocido en Roma pero
consigue crear un espacio unitario, proporcionado y abarcable utilizando cálculos matemáticos y aplicando las
leyes de la perspectiva que ha inventado él. Es un espacio hecho a la medida del hombre. Por todo ello, es un
ejemplo de edificio renacentista del Quattrocento florentino.

1
Ménsula: pequeño saliente que sirve de soporte. Se dice de cualquier elemento que sale de una pared o del plano en que está
colocado y sirve para sostener o recibir algún elemento arquitectónico o esculturas, balcones, cornisas, etc. En el
Renacimiento, siglos XV y XVI, podemos apreciar buenos ejemplos en los elementos arquitectónicos de la sala en la que se
encuentra la Escalera de la Biblioteca Laurentiana de Miguel Ángel, del siglo XVI.
El Renacimiento italiano 1
 TUMBA DE JULIO II. MOISÉS.

1.- Identificación de la obra.

- El Moisés es una escultura renacentista del siglo XVI,
Cinquecento en Italia. Realizada en 1515.
- El autor es Miguel Angel Buonarotti (1475-1564), el más
importante del Cinquecento italiano. Imagen del genio
renacentista, ejerce con maestría en todos los campos
(arquitecto, pintor, poeta), aunque se siente escultor. Busca
expresar en sus obras una Idea, en el sentido neoplatónico: una
belleza que sea expresión de un orden intelectual. Toda su vida
será un titánico esfuerzo por liberar la forma de la materia que
la aprisiona.
Su obra escultórica pasa por distintas etapas: juvenil, madurez
y vejez.
- La obra, el Moisés, es de su segunda etapa. Pertenece al
sepulcro del Papa Julio II, su mecenas, que se lo encarga en
1505, aunque el artista no lo termina hasta 1545, de un modo
muy diferente a como lo había proyectado. El proyecto
original consistía en una tumba exenta, a cuatro fachadas, con
más de cuarenta grandiosas estatuas, que se colocaría bajo la
cúpula de San Pedro del Vaticano. Este delirante proyecto irá
reduciéndose por motivos económicos y familiares (ya muerto
el pontífice) hasta que Miguel Ángel lo diseña como un
sepulcro adosado a modo de retablo que se instaló en la pequeña iglesia de San Pedro in Víncoli. Para él
esculpió los Esclavos y la Victoria, pero no se encuentran en el sepulcro definitivo. En este figuran siete
estatuas: Raquel y Lía, que representan la vida contemplativa y la vida activa, y el grandioso Moisés y algunas
otras realizadas por sus ayudantes.
- El tema es bíblico: el profeta Moisés, al regresar de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, portando
bajo el brazo las Tablas de la Ley para enseñárselas a los israelitas, contempla horrorizado cómo éstos han
abandonado el culto de Jehová y están adorando al Becerro de Oro.
- La tipología es de bulto redondo, de cuerpo entero y sedente.
2.- Análisis de los aspectos formales
- El material del que está hecha es mármol de Carrara.
- La figura destaca por la fuerte expresividad: capta el instante en que Moisés vuelve la cabeza y va a
levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su pueblo. Esta ira, la "terribilitá", que le embarga se expresa en
su rostro, que se contrae en un gesto ceñudo. Miguel Ángel ha abandonado los rostros serenos de su primera
época y opta por una expresividad acentuada, anuncio del Barroco. Moisés está lleno de vida interior.
Posiblemente sea producto no sólo de su propia evolución personal, sino también de la influencia que sobre él
ejerció el descubrimiento del grupo helenístico del Laocoonte.
- El modelado es perfecto; Miguel Ángel ha tratado el mármol, su material predilecto, como si fuera la más
dócil plastilina. El estudio anatómico es de un naturalismo asombroso. El mármol blanco pulido deja resbalar la
luz. Las ropas caen en pliegues donde juegan luces y sombras dando a la figura volumen.
- La composición, muy estudiada, es cerrada, y se estructura en torno a un eje vertical desde la cabeza hasta el
pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en
los extremos. Las líneas rectas quedan dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que
forma la larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo derecho estirado hasta la
pierna izquierda. Existe un ligero contrapposto marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición
entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia
dentro. Con esta compleja composición, el artista sugiere el movimiento en potencia; los músculos están en
tensión, pero no hay movimiento en acto.
3.- Análisis estilístico. La obra es de difícil interpretación: algunos han querido ver en el Moisés un retrato
idealizado del propio escultor o del Papa Julio II, temible guerrero y líder espiritual, al igual que el profeta
bíblico. Otros piensan que puede ser un símbolo de los elementos que componen la Naturaleza; así, la barba
representaría el agua y el cabello, las llamas del fuego. Para Miguel Ángel podría simbolizar la fusión de la
vida activa y la contemplativa, según el ideal neoplatónico.
El estilo es renacentista por el naturalismo acentuado, el interés por la figura humana y su anatomía, tal como
corresponde a la cultura antropocéntrica del periodo humanista, al igual que en la Antigüedad clásica:
composiciones equilibradas, armoniosas, movimiento en potencia, perfección técnica.
El Renacimiento italiano 2