05- LA MÚSICA
Mag. Boris Villegas Tincopa
SESIÓN 05
EL ORIGEN DE LA MÚSICA
A menudo nos preguntamos sobre los orígenes de la música, y es que probablemente no podemos ni imaginar
la existencia del hombre sin ella. Los cánticos, ritmos y los bailes forman parte de la esencia humana, y no
encontraremos culturas en ningún lugar del mundo donde la música no haya sido parte y muestra del modo de
vida de sus gentes.
Conozcamos, hasta donde podemos saber, cuándo empezó todo:
El estudio de las capacidades auditivas de los homínidos, a través de los fósiles de huesos del oído, ha llevado
a descubrir que homínidos de hace entre 2 millones de años y 400.000 ya oían como nosotros. Esto implica
que estaban capacitados para tener un lenguaje tan complejo como el humano (Quamet al., 2015)
No hay evidencias fósiles que demuestren el inicio de la Música a través del canto, ni siquiera el momento
exacto en el que el percutir de dos piedras o de palmas fuese usado para originar un ritmo. Sin embargo,
imaginamos que el canto y la percusión, al usar el cuerpo como primer instrumento musical, fue el origen de
las primeras manifestaciones musicales.
Sí tenemos evidencias materiales del instrumento elaborado más antiguo hasta ahora encontrado: la flauta.
Los hallazgos más antiguos se remontan a la cultura Auriñaciense en el suroeste de Alemania, donde se han
encontrado flautas hechas hace 40.000 años, con huesos de buitre y marfil de mamut (Conard et al., 2009).
Evolución de la música
Para conocer cuál es el origen de la música, antes debes saber que a lo largo de la
historia, la música ha ido evolucionando, así como su importancia y función dentro de la
sociedad. Desde aspectos culturales, pasando por religiosos, bélicos o festivos.
Procedentes de época tan temprana como el Neolítico, conservamos mitos alusivos al poder
de la música sobre los hombres y a su eficacia para exorcizar demonios, por eso el origen
de la música estuvo en manos de magos y hechiceros.
Los egipcios atribuyen la creación de la música a su dios Osiris. En cambio, los hindúes a
Brahma; los judíos a Júbal y los griegos a Apolo o a Orfeo.
Cuando el maestro Píndaro teorizaba sobre la música en el VI a.C., los chinos llevaban ya
2.000 años hablando de octavas y semitonos, y relacionando la música con los doce estados
de ánimo y los doce meses.
Poseían doce campanas cuyos sonidos graduados expresaban los doce tonos
musicales existentes en aquella cultura.
Los aqueos o griegos de la edad dorada relacionaban música, poesía e historia: mediante
esas artes familiarizaban al pueblo con su pasado.
Por su parte, los frigios introdujeron en Grecia, en su culto a Cibeles, la música orgiástica,
música de flauta, el llamado modo frigio popular entre las masas y visto por los moralistas
como un peligro para las buenas costumbres.
Esta música salvaje, la primera en ser imitada por otros pueblos mediterráneos, se extendió
por el mundo griego de Asia Menor y sirvió en los ritos de Dionisos, dios del vino.
En Egipto se distraían escuchando música de laúd, sistro, flauta, arpa y lira. Templos y
palacios mantenían orquesta y coro, y uno de los cargos del palacio de faraón era el de
superintendente musical.
Hubo cantantes famosos hace más de tres mil años, cuyos nombres son
conocidos: Snefrun y Rehemery Ptah. No parece que existiera la notación musical, en
cambio, existían una especie de orquestas que empleaban varios instrumentos.
En el mundo antiguo, se cantaba mucho tanto en público como en privado, en templos y
palacios, en calles y plazas y sobre todo en las fiestas.
Historia de la música en la India
También en la India la música tiene más de tres mil años: los himnos védicos se escribieron
para ser cantados. Poesía, música y danza eran un todo indivisible destinado al ritual
religioso.
De hecho el primer sistema de notación musical del que se tiene constancia, es de la
India, como puedes ver en nuestro artículo de la historia de las notas musicales.
Sin embargo, en aquella civilización músicos, cantantes y bailarines, eran actividades que
estaban reservadas para aquellos que pertenecían a las clases bajas.
Se educaba a la juventud en escuchar música más que en practicarla. Era música descriptiva
y evocativa de la estación del año o del momento del día. Por eso muchas de sus ragas se
llaman primavera, otoño, Ocaso, Belleza del atardecer, Inicio de la lluvia.
Historia de la música en Creta
En Creta, se ganaban el favor de la divinidad pulsando la lira y haciendo sonar la
flauta mientras un coro entonaba himnos de adoración. Se mantenía
una orquesta en el templo para sus servicios religiosos; también lo hacían para su
deleite los poderosos.
Cuando moría un músico era enterrado con una reproducción realizada en arcilla de
un instrumento musical.
Sus bardos se acompañaban de una lira de siete cuerdas, y los pastores cantaban al
son de la doble flauta de ocho agujeros y catorce notas.
También utilizaban la trompeta y el sistro, instrumento de metal en forma de
herradura atravesado por diversas varillas, como en el antiguo Egipto.
Historia de la música en Esparta
Historia de la música en Esparta
Nada tan opuesto a aquella música como el gusto marcial de Esparta o modo dórico,
ya que según los espartanos la música debía servir para reforzar las virtudes
patrias y educar al pueblo en los viejos valores.
No se podían introducir innovaciones: cuando Terpandro añadió una cuerda más a
su lira fue castigado y su lira clavada en la pared. Cuando más
tarde Timoteo sustituyó la lira de siete cuerdas por la de once, le fue prohibido
participar en certámenes.
Esparta tenía grandes músicos, e importaba autores de himnos patrios, y maestros de
coro para adiestrar a las masas. Terpandro que vino de Lesbos y Thaletas de Creta,
fueron grandes compositores y músicos del siglo VII a.C.
Terpandro, denominado “el deleite de los hombres”, inventó las canciones para
beber, los scolia. También modificó la lira e inauguró la gran era musical de Lesbos
una generación antes que Safo.
A Terpandro le sucedió Tirteo y luego Alcmán. Eran músicos y poetas muy famosos,
pero más vitalistas que románticos
Historia de la música en la Grecia clásica
La palabra
En Arcadia, todosmusiqué significó
los hombres entre
libres los griegosmúsica
estudiaban “devoción a la
hasta una Musa”.
edad de treinta años. Todos tocaban algún instrumento y se
consideraba una desgracia la inhabilidad en el canto.
Se llamaba lírica a la poesía porque se escribía para ser cantada y
tocada con la lira, el arpa o la flauta. Los poetas eran músicos e
intérpretes de sus canciones.
Antes del siglo VI, todo en Grecia estaba penetrado por la música: la
guerra y la religión, el amor y el desengaño. Había instrumentos de
aire, de cuerda y percusión, pero la flauta, al menos en Atenas, era
el instrumento que tenía más adeptos.
La flauta o aulos era un tubo de caña de dos a siete agujeros y boquilla
extraíble. Este instrumento dio lugar a la trompeta, la siringa o
zampoña y la flauta de Pan.
La música griega estaba compuesta para una sola voz. Servía de acompañamiento
en el templo, el circo, el teatro y la danza.
Para los griegos, los modos o estilos musicales influían o acompañaban los estados de
ánimo. El modo dórico expresaba la discreción y el valor; el modo lidio representaba
la alegría báquica, la embriaguez.
Cada instrumento determinaba una condición mental diferente. Tenía lugar
importante en la educación de los muchachos. En la mayoría de las casas
de los ricos, había una sala destinada para la danza, y muchos tenían
como parte del servicio de casa
Marcos Terencio Varrón escribió un Tratado de música del siglo I a.C., base de las
teorías musicales posteriores. En el siglo I la música se convirtió en elemento regular
de la educación de mujeres y hombres; los instrumentos básicos eran la flauta y la
lira.
Tanto el sobrio emperador Adriano como el afeminado Nerón se mostraban
orgullosos de su maestría con la lira. De hecho, la poesía se escribía para ser
cantada: Horacio se enorgullecía de que los jóvenes de ambos sexos cantaran
su Carmen saecularis en el coro.
Se institucionalizaron el concierto, el certamen y las competiciones de música,
dominio de instrumentos y canto. La música se introdujo en la vida: hasta las
comidas eran animadas por los músicos. Calígula llevaba en su barco de placer
una orquesta.
Del mismo modo, si analizamos la historia del carnaval, vemos que en época romana
la música estaba siempre presente por medio de flautas, cimbalas y tambores.
Historia de la música en el Imperio romano
La mayoría de las canciones y modas musicales venían de Grecia, y a pesar de su
popularidad los filósofos romanos la consideraban cosa de mujeres.
Marcos Terencio Varrón escribió un Tratado de música del siglo I a.C., base de las
teorías musicales posteriores. En el siglo I la música se convirtió en elemento regular
de la educación de mujeres y hombres; los instrumentos básicos eran la flauta y la
lira.
Tanto el sobrio emperador Adriano como el afeminado Nerón se mostraban
orgullosos de su maestría con la lira. De hecho, la poesía se escribía para ser
cantada: Horacio se enorgullecía de que los jóvenes de ambos sexos cantaran
su Carmen saecularis en el coro.
Se institucionalizaron el concierto, el certamen y las competiciones de música,
dominio de instrumentos y canto. La música se introdujo en la vida: hasta las
comidas eran animadas por los músicos. Calígula llevaba en su barco de placer
una orquesta.
Del mismo modo, si analizamos la historia del carnaval, vemos que en época romana
la música estaba siempre presente por medio de flautas, címbalos y tambores.
DE LA MONODIA A LA POLIFONIA
Monodia o monofonía
Es la más simple de las texturas. Consiste en una sola línea melódica, sin armonía ni
acompañamiento. Cuando estamos cantando bajo la ducha, cuando en un coro cantan toda la
misma melodía en el mismo tono (unísono), o cuando todos tocamos en clase con la flauta la
misma canción... todos estos son ejemplos de monodia o monofonía.
La música litúrgica que se cantaba en las catedrales y monasterios, conocida como gregoriano,
era monódica. Los instrumentos estuvieron prohibidos en los templos durante mucho tiempo,
pues lo que importaba era el texto de la música y su alabanza a Dios
Esquema de la monodia o monofonía
Melodía acompañada
Destaca una melodía sobre un acompañamiento. Cuando tocamos juntos en clase, vosotros la
flauta y el profesor os acompañan con el piano, estamos haciendo una melodía acompañada. Las
flautas tocarían la melodía principal y el piano el acompañamiento. Ésta es la textura más común
en la música moderna y comercial, o la que predomina en la ópera.
La melodía acompañada experimentó un desarrollo importante en Italia durante el siglo XVII
(Barroco). Fue habitual en la música de la segunda mitad del siglo XVIII (Clasicismo) y del siglo
XIX (Romanticismo), manteniéndose vigente hasta hoy día en la música folklórica y popular.
Polifonía
Cuando varias melodías discurren al mismo tiempo, teniendo la misma importancia y cierta
independencia, hablamos de polifonía (poli= varias; fonía= sonidos o melodías). Las obras
polifónicas son más complicadas de escuchar, pues un oyente inexperto puede perderse entre las
distintas melodías.
Un tipo especial de polifonía es el contrapunto o imitación. Un mismo tema entra
escalonadamente en las distintas voces con varios compases de desfase, de manera que se
imitan o persiguen, creándose un efecto musical muy bello.
El contrapunto más sencillo es el canon, donde el tema se imita de manera literal
En la Fuga, en cambio, la melodía imitada sufre transformaciones en su transcurso, partiéndose
en pequeños trozos, alargando o acortando sus valores rítmicos, invirtiendo su direccionalidad e
incluso apareciendo de atrás para adelante. Todas las transformaciones que experimentan el
tema, o sujeto de la fuga, son imitadas por las voces restantes. Por lo general, la fuga se escribe
para cuatro voces o instrumentos distintos.
Homofonía
En la textura Homofónica participan varias voces o instrumentos, como en la polifonía, pero a
diferencia de ésta, las voces no son independientes, sino que se relacionan y avanzan de manera
compacta, a un ritmo semejante, manteniendo relaciones verticales en la partitura y formando
acordes. También se pueden identificar como varias melodías de distinta altura, pero que
avanzan a un ritmo semejante.
GÉNERO Y FORMA MUSICAL
El género musical Por ejemplo, el género «música instrumental» se divide en varias ramas:
el género música de cámara, el género música concertante, el género música sinfónica,
etc. Son estas sub-ramas ―sinfonía, obertura, poema sinfónico, ballet, etc. ― las que
son tradicionalmente consideradas como forma
Al hablar de forma musical, no podemos dejar de lado un concepto más amplio, dentro del cual
caben los estilos y las formas: nos referimos al género musical. El género de una obra musical
hace referencia al espíritu de esa obra y así, podemos encontrarnos, entre otros:
– Música religiosa y música profana.
– Música culta y música popular.
– Música programática.
– Música descriptiva.
– Música dramática.
– Música pura.
Forma musical
En música, forma musical en su sentido genérico designa tanto una estructura musical como
una tradición de escritura que permite situar la obra musical en la historia de la evolución de la
creación musical. Añadidas a un título de una obra, las diferentes formas musicales
como sinfonía, concierto, preludio, fantasía, etc., designan entonces, tanto una estructura que se
ha construido a lo largo del tiempo, como un género musical particular, una composición musical
que ha evolucionado durante siglos: ópera, danza, etc. En ambos casos, el concepto de forma
alude a la pertenencia a una categoría de obra que posee uno o varios criterios más o menos
estrictos propios de una estructura ―número de movimientos, estructura general, proporciones,
etc.― que a lo largo de la historia se han convertido en prototipos, lo que no ha impedido que
hayan seguido evolucionando y olvidando a veces los moldes del principio, ya que los
compositores trabajan, además de los temas, el ritmo, la melodía y la armonía.
Se habla también de formalismo cuando se hace uso de una cierta técnica de composición o de
una categoría de obra que respeta un cierto número de usos, teóricos o históricamente inducidos.
Pero si el contenido de la música es inefable, inmanente, su inscripción en la trama temporal de
nuestro presente le imprime a la vez una estructura y una forma, que operan en nosotros
transformaciones incontrolables por la consciencia. La organización de la música no es de orden
intelectual salvo si se la considera como una estructuración consciente que la teoría podría
paralizar.
Sonata, concierto y sinfonía
La sonata, el concierto y la sinfonía son los géneros instrumentales más caracterizados de la
música occidental y las formas musicales más cómodas para disfrutar con los modernos sistemas
de audición individual. Tanto su estructura como el significado y posibilidades han ido
perfeccionándose, hasta llegar a la riqueza de formas que caracteriza o casi todas las
modalidades del arte en la actualidad.
La sonata era una obra escrita para instrumentos solistas, denominándose dúos, tríos, cuartetos,
quintetos, etcétera, según el número de ejecutantes, en contraposición a la tocata composición
concreta para instrumentos de teclado y la cantata, pieza vocal, para coro o solista con
acompañamiento instrumental que puede versar sobre temas religiosos o profanos. La sonata
clásica consta de varios movimientos de los cuales el primero, suele dar nombre a toda la
composición. Antiguamente se distinguieron las sonatas de cámara, entre las que se encuentran
las suites y las sonatas de iglesia de gravedad más acentuada. La sonata podía aplicarse a un
instrumento solista único o bien con acompañamiento: por ejemplo una sonata para piano y violín;
sin embargo, cuando se aplica a otras agrupaciones instrumentales, hasta llegar a la orquesta, la
composición recibe otras denominaciones como sinfonía o concierto.
La sinfonía es una composición para tres o cuatro movimientos, nació en el siglo dieciocho en el
seno de la escuela alemana de Mannheim; Haydn y Beethoven la perfeccionaron y,
posteriormente, fue evolucionando hasta convertirse en el género más importante de la música
orquestal, enriqueciéndose con nuevos matices y posibilidades como las sinfonías programáticas
de cinco tiempos de Berlioz, Liszt y Richard Strauss, o bien simplificándose en algunas formas
como el poema sinfónico de un solo movimiento. De este modo los grandes maestros han ido
creando diversas variaciones sobre este género musical, Brahms se atuvo a la sinfonía clásica,
Bruckner creó un tema independiente y finalmente Mahler incorporó a la sinfonía elementos
vocales siguiendo el ejemplo magistral que había dejado Beethoven con su novena o sinfonía uno
de cuyos movimientos corales más conocidos ha pasado a ser utilizado como himno de la Unión
Europea. La música del siglo XX, con Stravinski, Honneger o Roussel, ha vuelto a la forma
original, rebajando las dimensiones monumentales de los movimientos sinfónicos del
romanticismo y nacionalismo musical y en ese contexto se ubican las sinfonías de cámara y las
sinfonetas.
El concierto es la forma que adquiere la sonata cuando es orquestal; pero, además, incluye el
protagonismo de instrumentos solistas. En su origen el concierto tuvo un estilo vocal, pero en
tiempo del barroco se transformó en género instrumental, dando lugar al concierto grosso en
cuatro partes con instrumentos solistas que dan réplica a la orquesta por ejemplo en las obras de
Corelli; después vino el concierto de tres tiempos, con instrumento solista, que escuchamos en
las obras de Haendel, Bach y Vivaldi y que encontró sus formas definitivas ajustadas a la razón,
en la época del clasicismo musical de la Ilustración. Finalmente, la fusión del concierto grosso con
la sinfonía dio lugar a la sinfonía concertante, composiciones musicales, todas ellas, que se
completan con otras de naturaleza más sencilla que complementan y perfeccionan la diversidad
de la música instrumental.
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BEETHOVEN - 5ª SINFONIA (youtube.com)
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