ESTILOS DE TEATRO MUSICAL ANALIZADOS
A continuación se presneta un análisis de las diferentes técnicas vocales y de actuación
utilizadas en los distintos estilos de teatro musical. Los ejemplos mencionados son obras
que incluyen canciones presentes en las listas actuales de eventos de teatro musical. Para
obtener más información sobre cada estilo individual, consulte los álbumes del elenco de
cada una de estas producciones. Al buscar, busque las versiones del elenco original (OBC /
OLC) - esas suelen ser las más precisas para coincidir con las partituras destacadas en la
lista de eventos.
Opereta 1850-1914 (Línea divisoria de la Primera Guerra Mundial, aunque las actuaciones
continuaron hasta la década de 1930) Descendiente cercano de la ópera y la mayoría de las
actuaciones se basan en la voz más que en la historia o la actuación.
Técnicas Vocales: Puro Bel Canto en la Tradición Operística con un fuerte uso de vibrato a
lo largo. Por lo general, se realiza con un acento "Mid Atlantic" o británico modificado.
Ejemplos: El Mikado, HMS Pinafore, Piratas de Penzance
Época del Jazz / Teatro Musical de Comedia a principios de 1900-1940 Caracterizado
por los años 20 y la época del jazz con fuertes temas de amor juvenil y hacia finales de la
década de 1930 insinuaciones sexualizadas.
Técnicas Vocales: Colocación brillante y metálica utilizando resonadores frontales y twang.
Belting se grita y con una calidad brusca y contundente. El vibrato todavía se usa pero más
en el estilo "crooner" - vibrato después de un período de tono recto. Fuerte enfoque en la
dicción ya que las letras ingeniosas son muy comunes y esas palabras deben entenderse.
La mayoría de las actuaciones se prefieren con un acento y entrega "neoyorquino" a menos
que se indique lo contrario en la historia del personaje. Los conceptos de fraseo de frases
traseras y frontales comienzan a ser introducidos para acentuar la sincopación que ahora es
más prevalente.
Ejemplos: Kismet, Los chicos de Siracusa, Escena de la calle, Niños en brazos, Barco de
vapor, Nace una estrella
Musicales de la Edad de Oro 1940 a principios de los 60 Oscar Hammerstein y letristas
similares impulsan la idea de que las letras y las canciones deben avanzar en la trama de la
producción. Las producciones tienden a colocar una lucha moral como el conflicto central de
la historia.
Las canciones ahora se usan como extensiones del personaje en lugar de éxitos
independientes y hacen que las canciones sean el elemento principal de la acción.
Técnicas Vocales: Mientras que la opereta favorece las vocales abiertas y el sonido
hermoso y los musicales de la Era del Jazz favorecen las consonantes y la claridad de las
palabras, los musicales de la Edad de Oro favorecen ambas. Es absolutamente necesario
un sonido como de discurso que coincida con la voz hablada. Hay un sonido ligeramente
cubierto creado por un paladar suave elevado que crea una calidad "más oscura". Si bien
los intérpretes nunca deben tener un sonido clásico, deben tener una técnica clásica de
apoyo. El vibrato todavía se usa en toda la obra y es constante en canciones dramáticas y
baladas. El dialecto ha cambiado de "europeo" y "neoyorquino" a más acento "americano
estándar" a menos que el personaje lo requiera de otra manera. El fraseo se trata de una
entrega lógica que es elaborada por muchos de los grandes compositores de la época. Si
bien el fraseo más suelto es más común, es limpio y de ninguna manera cuadrado o métrico
como en estilos anteriores. El fraseo nunca debe ser demasiado indulgente o
emocionalmente llamativo.
Ejemplos: Todo Rodgers y Hammerstein (Oklahoma, Allegro, El Rey y Yo, Cenicienta),
Todo Lerner y Loewe (Camelot,
MUSICALES CLÁSICOS 1960-1970 A medida que el país ingresaba en la era de Vietnam y
surgía en la música pop el cambio de estilos conocido como la "Invasión Británica", el
Teatro Musical también cambió. Un momento definitorio en la historia del Teatro Musical es
la línea de "Hello Dolly" (1964): una de las primeras veces que los musicales utilizaron
micrófonos corporales para la amplificación del sonido de la voz del cantante. Este
momento es importante porque la gran cantante Ethel Merman usó uno en la producción en
1971. Los cantantes ya no necesitan depender de la resonancia y la proyección para ser
escuchados, cambiando así las cualidades de los sonidos en el escenario de Broadway.
Esta época también empieza a ver temas más ligeros en el escenario con canciones más
brillantes y pegajosas, con numerosas repeticiones, creando temas musicales para los
personajes (algo por lo que Jerry Herman es conocido específicamente). Técnicas Vocales:
Un ligero retorno al sonido más brillante y estridente de la Época del Jazz, ya que las
vocales tienden a expandirse más en este estilo. Aunque debajo aún hay una base clásica
sólida, las formas de la boca tienden a ser más conversacionales y los tonos tienden a ser
más brillantes. El sonido comienza a moverse más hacia los sonidos de pop/rock de la
época, dependiendo del espectáculo exacto y su estilo de escritura (como en shows como
Hair, Jesus Christ Super Star, Joseph y otros). El vibrato aún está presente, pero con un
inicio muy tardío y generalmente reservado para notas o frases largas sostenidas. Al igual
que en la Edad de Oro, el dialecto continúa siendo un acento "estadounidense estándar", a
menos que el personaje lo requiera de otra manera. El fraseo, nuevamente, se trata de una
entrega lógica elaborada por muchos de los grandes compositores de la época. Aunque el
fraseo más suelto es más común que en la Edad de Oro, aún sigue siendo limpio y de
ninguna manera cuadrado o métrico como en estilos anteriores. El fraseo nunca debe ser
demasiado indulgente o emocionalmente llamativo. Ejemplos: Annie, Fiddler on the Roof,
She Loves Me, On a Clear Day..., Pippin, Hello Dolly, Bye Bye Birdie, Chicago, Mystery of
Edwin Drood, Once Upon a Mattress, Oliver!, A Chorus Line, Funny Girl
ÓPERAS POP/ROCK (Poperetta) 1970-Presente (Principalmente de 1980 a 1990) Este
estilo combina la naturaleza épica de la ópera con las orquestaciones contemporáneas de
estilo pop/rock para crear obras muy densas y emocionalmente impulsadas, que a menudo
se consideran indulgentes en su estilo de actuación. Las actuaciones tienden a estar
arraigadas en la honestidad pero intensificadas debido a la naturaleza del material.
Técnicas Vocales: Este estilo aún favorece las vocales clásicas tradicionales pero permite
modificaciones en áreas de belting. El tono es un equilibrio entre la colocación más hacia
adelante de pop/rock y la colocación más suave y oscura de la Edad de Oro y la ópera.
Aunque a menudo es cantado por intérpretes de ópera y clásicamente entrenados, estas
canciones NUNCA deben ser cantadas al estilo de la ópera. Están destinadas a ser
actuadas primero y cantadas después. El vibrato sigue el estilo de las eras de la Edad de
Oro y Clásica. El vibrato tiene un inicio tardío, pero es muy presente y rico una vez que ha
comenzado. El dialecto tiende a favorecer las vocales británicas estándar pero con
consonantes americanas. Muchas de las obras en este género se originaron con equipos de
escritores británicos o hicieron sus producciones originales en el West End. Esto lleva a la
tradición de que estas piezas se canten con una mezcla equitativa entre los estilos de pop y
las técnicas clásicas. El fraseo de retroceso y adelante no solo se usa, sino que se espera,
y muchos momentos de este tipo de fraseo se han convertido en las tradiciones de cómo se
interpretan las canciones. Los álbumes del elenco ahora se convierten en la norma para las
expectativas de rendimiento en lugar de la notación de partitura real debido a estas
técnicas. Ejemplos: Les Misérables, Miss Saigon, El Fantasma de la Ópera, Cats, Jesucristo
Superestrella, Jekyll y Hyde, Jardín Secreto, Rent, Ragtime, Into the Woods, Una Pequeña
Noche de Música, Sweeney Todd, Luz en la Plaza, Floyd Collins, Ajedrez, Martin Guerre
CONTEMPORÁNEO 1990-Presente Esta es una categoría muy grande y amplia que la
industria aún está tratando de definir. Las tendencias actuales en la música pop, así como el
trabajo en TV y cine, han realizado grandes cambios en cómo se canta y se interpreta el
teatro musical. El énfasis en la sutileza y el matiz ha tomado fuerza en las técnicas de
actuación, así como un énfasis más destacado en las técnicas vocales relacionadas con la
voz mixta. Técnicas Vocales: Este estilo también muestra una tendencia alejada de la voz
de cabeza para mujeres (haciendo que las Mezzo / Belters sean más prominentes que las
verdaderas Sopranos) y un rango más alto para hombres (casi eliminando a Barítonos y
Bajos). La tendencia masculina favorece el belting alto y mucho trabajo de falsetto, mientras
que la tendencia femenina tiende más hacia un canto de belt mezclado y de voz de pecho.
Las vocales son muy matizadas en este estilo, ya que se centran menos en la técnica y más
en el personaje. Las vocales se modifican con frecuencia para satisfacer las necesidades
del cantante y muchas veces los "puros" vocales verdaderos son desaprobados, ya que las
tradiciones pop/rock e indie pop están tomando fuerza. Hay una tendencia hacia vocales
más brillantes y poco enfoque en las vocales más oscuras y "clásicas". El uso del vibrato
también es muy matizado. Hay un fuerte impulso hacia el tono recto en este estilo, aunque
los personajes más antiguos y aquellos que aparecen en piezas de estilo más antiguo
tienden a presentar el vibrato de manera similar al estilo de la Ópera Pop/Rock. Las piezas
verdaderamente contemporáneas pondrán más énfasis en el tono recto, ya que el uso del
autoajuste en la música pop, y por lo tanto en el teatro musical, se está volviendo más
común. A veces, esto se conoce como el "Efecto Glee" por algunos profesionales del teatro
musical. El fraseo sigue presentando frecuentes retrocesos y avances, con un enfoque real
en la entrega conversacional. Textos muy verbosos a menudo se "simulan" rítmicamente en
papel, pero se espera que se entreguen de manera realista en lugar de la pureza de lo
escrito. Interpretar estas piezas tal como están escritas tiende a llevar a una actuación muy
rígida y poco natural, ya que los compositores estaban aproximando ritmos en lugar de
escribir expectativas literales. Nuevamente, los álbumes del elenco siguen siendo la línea
definitiva cuando se trata de cómo se interpreta tradicionalmente una pieza. Ejemplos:
Wicked, Songs for a New World, Hairspray, The Addams Family, Bring it On, Next to
Normal, If / Then, Big Fish, Once on this Island, Sister Act, Kinky Boots, 13 the Musical,
Footloose, Spider Man, Memphis, Summer of '42
JUKE BOX MUSICALES 2001-Presente (NOTA: No están incluidos en la lista de Solo &
Ensemble de WSMA, pero la información se presenta aquí para su conocimiento general.)
Los Juke Box Musicales siguen una tradición establecida en los días de Porter, Berlin y los
Gershwins, tomando canciones que ya estaban escritas y creando una historia alrededor de
ellas. El primer Juke Box Musical verdadero en convertirse en un éxito crítico y financiero
fue Mamma Mia!, que se estrenó en Londres en 1999 con un estreno en Estados Unidos
poco después del 11 de septiembre de 2001. Técnicas Vocales: Los Juke Box Musicales
varían en sus técnicas porque generalmente se centran en un estilo de música en particular
o, en muchos casos, en un artista en particular. En algunos casos, especialmente cuando la
producción es una obra musical biográfica que cuenta la historia de un artista en particular,
el uso de las técnicas originales del intérprete es muy importante. En cualquier caso,
mantenerse fiel al estilo de la música interpretada es de suma importancia al interpretar un
musical de jukebox. Se sugiere encarecidamente utilizar el sonido del intérprete original
como referencia e investigación al interpretar en este estilo. Ejemplos: Mamma Mia!, Buddy
– The Buddy Holly Story, Always Patsy Kline, Return to the Forbidden Planet, Lennon,
Jersey Boys, Beautiful, All Shook Up, Movin’ Out, Boy from Oz, Rock of Ages, Ring of Fire,
Disaster!, Motown, On Your Feet!, Donna, The Cher Show, Jagged Little Pill
DISNEY (ish) 1994 - Presente Este estilo es más amplio de lo que la mayoría piensa. Si
bien es cierto que la "toma de control" de Disney en Broadway ofrece muchas piezas
hermosas para explorar, debemos pensar más bien en los espectáculos que la aparición de
Disney en la escena teatral ha permitido incluir en el canon de Broadway. Esta categoría
también incluye espectáculos que tienden a ser muy amigables para la familia y tienen un
tono más brillante, sincero y enérgico. Cuando hay dudas, está bien pensar que Disney
equivale a Teatro para Jóvenes cuando se trata de Musicales de Broadway. Técnicas
Vocales: Esta es otra categoría amplia, ya que los sonidos tienden a variar según la época
en la que se creó la película de Disney. Disney siempre ha tenido la tradición de contratar a
artistas de Broadway para cantar en sus películas, especialmente desde el "Renacimiento
de Disney" a principios de los años 90 hasta los años 2000. La fraseología y el vibrato
tienden a coincidir con los de la película, ya que ese es el punto de referencia para la
mayoría de la audiencia. Se espera que vean y escuchen a sus películas o personajes
favoritos en el escenario. El objetivo de estas producciones es siempre darle a la audiencia
lo que espera, pero hacerlo aún más "épico". Entonces, nuestra regla general es escuchar
la versión original de la canción en la película y luego "hacerla más épica". ¿Qué significa
eso? Significa hacerla llamativa. Esta regla es principalmente para el protagonista
masculino / femenino de una producción. Las canciones a menudo se cambian a nuevas
tonalidades para las producciones teatrales para agregar modulaciones adicionales o crear
momentos más poderosos para el intérprete. En canciones más sencillas, hay una
tendencia hacia voces de personajes y una colocación extremadamente brillante. Esto
ocurre con mayor frecuencia en las canciones escritas para los personajes de reparto, a
menudo interpretados por "actores de carácter". El uso del "Twang" de la Música
Contemporánea Comercial (CCM) es muy común entre los intérpretes de personajes de
Disney y TYA en un esfuerzo por crear un sonido ligeramente caricaturesco. La fraseología
y el vibrato tienden a coincidir con los de la película, ya que ese es el punto de referencia
para la mayoría de la audiencia. Se espera que vean y escuchen a sus películas o
personajes favoritos en el escenario. El objetivo de estas producciones es siempre darle a la
audiencia lo que espera, pero hacerlo aún más "épico". Ejemplos: La Bella y la Bestia de
Disney, El Rey León de Disney, Newsies de Disney, Aladdín de Disney, You’re a Good Man
Charlie Brown, Shrek
