Maria Gabriela Castillo. C.
I 30956236 / 14-11-2023
TIPOS DE ARTE Y SUS DISCIPLINAS
Artes Literarias: la literatura usa el lenguaje y la escritura para
producir obras artisticas. El arte literario se fundamenta en la
palabra para expresar la visión, el pensamiento y las emociones
del artista. Las disciplinas literarias son:
Poesia: composición literaria que se caracteriza por expresar
ideas, sentimientos e historias de modo estético y bello, se vale
de recursos poéticos con los que expande las fronteras del
lenguaje. Se reconocen las dotes y talento de los escritores de
poesía por las sutiles elecciones de palabras y el uso de
metáforas y rimas que brindan musicalidad a las obras.
Narrativa: composicion literaria escrita en prosa que posee
como rasgo fundamental la presencia de un narrador que cuenta
una historia o relato. La narrativa abarca muchos géneros
narrativos que suelen cambiar historicamente, entre ellos, los
mitos, los cuentos y las novelas.
Drama: composición literaria basada en diálogos entre dos o más
personas, que se caracteriza porque los textos no están creados
solo para ser leídos así como por la exposición de uno o varios
conflictos en la vida de los personajes que se representan o
escenifican en el foro de un teatro con el uso de los diálogos para
desarrollar la obra
CARACTERÍSTICAS DEL ARTE
Es dinámico: El concepto de lo que es y no es arte se transforma
y evoluciona constantemente. Las representaciones artísticas
varían con el tiempo y según las distintas sociedades y culturas,
poco tienen en común las obras de arte de la prehistoria con las
de la edad media o moderna y son estas diferencias las que dan
lugar a nuevas manifestaciones artísticas.
Es subjetivo: El arte está formado por representaciones
artísticas originales y unicas que no pueden ser replicadas y está
abierto a múltiples interpretaciones, lo cual hace que sea tan
difícil valorarlo con objetividad, cada artista traduce, interpreta y
representa el mundo según su propio punto de vista y cada
espectador percibe el arte según su estado emocional, creencias
o experiencias.
Es universal: El arte y la capacidad de producirlo es inherente al
ser humano. Las expresiones artísticas son realizadas por
individuos y grupos sin distinción de cultura, raza o genero.
Es un medio de expresión: El arte se erige como el medio de
expresión por excelencia para el ser humano. A lo largo de la
historia el hombre creo y encontró diversas maneras de
transmitir y expresar emociones, opiniones, pensamientos y
valores a través de los lenguajes artísticos. Decía León Tolstói
que el arte se basa en el hecho de que un hombre ( que ) reciba a
través de su sentido del oído o de la vista una expresión del
sentimiento de otro hombre es capaz de experimentar la
emoción que conmovió al que lo creo.
No tiene utilidad intrínseca: Aunque el arte puede desarrollar
diferentes funciones dentro de una sociedad, lo cierto es que
esos valores son arbitrarios y manipulables, pues carece de un
uso inherente inmediato ya que generalmente su fin estético y
es considerado una forma de expresión que busca la belleza.
Es una actividad creativa: el arte es la actividad creativa por
excelencia. A través de diferentes disciplinas artísticas, el ser
humano utiliza su potencial y capacidades para crear.
Es multidisciplinario: el arte se vale de multiplicidad de
herramientas y métodos para su representación. El sonido, la
escritura, la pintura, la expresión corporal son algunos de los
recursos más utilizados en el arte.
FUNCIONES DEL ARTE
Función simbólica: en el arte está función se enfoque en el
estudio o interpretación de las imágenes, objetos o incluso
gestos y expresiones corporales, para comprender o tener una
idea de lo que se está visualizando.
Función comunicativa: consiste en el intercambio de
pensamientos, sentimientos e ideas por parte del artista.
Función estética: radica en satisfacer las necesidades internas de
placer visual y disfrute sensorial del espectador; ya se por medio
de la sensibilización, contemplacion o iluminación.
Función sociocultural: consiste represe tar de manera crítica, el
contexto social que vivimos, ya que el arte y la sociedad no
pueden ignorarse mutuamente porque el arte en si mismo es un
fenómeno social. Por lo tanto, se le favorece o tolera,
dependiendo de la relación que el artista tenga con la sociedad.
Función cultural: es conservar ampliar y enriquecer el territorio
de lo artístico y lo humano. Mientras que el hombre crea un
objeto para satisfacer su necesidad específicamente humana de
expresión y comunicación, la cultura lo conserva para el futuro,
enriqueciendo así su contexto sociocultural.
ARTE MODERNO
El arte moderno es un período fascinante en la historia del arte
que abarca desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo
XX, caracterizado por una ruptura con las tradiciones artísticas
establecidas y una búsqueda de nuevas formas de expresión.
Este movimiento dio lugar a una gran diversidad de estilos y
enfoques artísticos, desafiando las nociones convencionales de
lo que el arte podría ser. Precedente al periodo de arte
contemporáneo que se inicia después de la guerra, los
historiadores del arte están de acuerdo en que el arte moderno
comienza con los impresionistas y termina con el arte pop. Entre
estos dos estilos de arte hubo muchos movimientos de arte
moderno diferentes y abarcaron nuevos medios visuales más allá
de las artes tradicionales. Los principales movimientos de este
periodo son:
Impresionismo: Durante veinte años, este movimiento artístico
francés se impuso en pintura y música. La luz y el color fueron
sus anhelos principales. Propuso plasmar una nueva forma de
mirar la realidad, con impresiones fugaces, tonos, texturas y
recursos innovadores.
Los principales nombres propios de este enfoque fueron Manet,
Monet, Degas y Pissarro. El nombre elegido refleja la vocación de
capturar impresiones visuales. Para ello, se apoyaban en
pinceladas rápidas, colores bien elegidos, temáticas comunes,
luminosidad y ambientes fotográficos.
Postimpresionismo. Van Gogh, Cézanne,Seurat y Gauguin son
sus principales representantes. Surgió como una reacción directa
contra el impresionismo y se opuso a la espontaneidad y
naturalidad al representa luces y colores.
Mantuvieron también la idea de que color y forma podían ser
independientes. Y que la composición tenía valor emocional y
estético. Abogaron, sin embargo, porque la esencia del arte era
el simbolismo: había que comunicar mensajes desde el
subconsciente. La expresión espiritual y personal se convirtió en
lo principal.
Expresionismo: con artistas como Edvard Munch, se centró en la
expresión emocional a través de colores vibrantes y formas
distorsionadas. Ejemplo: “El grito” de Munch, una obra icónica
que evoca una sensación de ansiedad y desesperación.
Su finalidad es reflejar el efecto de lo exterior sobre la
interioridad. Sus colores son intensos, no naturalistas, y la
pintura se acumula creando texturas muy potentes. Cada obra,
en definitiva, refleja los sentimientos del autor.
Fauvismo: En este movimiento, la emoción y la audacia al
administrar las pinceladas eran esenciales. La fidelidad a la
naturaleza, prescindible. Mujer con sombrero, de Matisse, y el
puntillismo de Signac son algunos de sus referentes. Derain,
Rouault y Dufy también destacaron en este movimiento.
La máxima plástica del fauvismo fue la exaltación del color,
sustentada en la idea de que la creación surgía del instinto más
que del intelecto o de los sentimientos.
Cubismo: Pablo Picasso y Georges Braque lideraron el
movimiento cubista, que representaba objetos desde múltiples
simultáneas geométricas. perspectivas mediante formas “Les
Demoiselles d’Avignon” de Picasso, una obra audaz que desafía
las normas de representación. Rompieron con las técnicas
tradicionales europeas y se apoyaron en otros recursos
expresivos, sobre todo africanos. La angulosidad, los volúmenes,
las fracturas y las combinación de planos y líneas cobran un
protagonismo preferente. En realidad, la ruptura con el pasado
es imparable.
Dadaísmo: El dadaísmo, con figuras como Marcel Duchamp,
desafió las convenciones artísticas y cuestionó la naturaleza
misma del arte. Ejemplo: “Fuente” de Duchamp, un urinario
convertido en una obra de arte, que provocó controversia y
debate.
Surrealismo: El origen del surrealismo fue el dadaísmo, lanzado
en Suiza por artistas como Tristan Tzara y Hans Arp. Como
respuesta a la barbarie de la Primera Guerra Mundial, celebró el
azar, el absurdo y la irreverencia. Marcel Duchamp, uno de sus
precursores, lo asoció al concepto antiarte.
Sin embargo, fue el surrealismo el que consiguió evolucionar ese
término y consolidar obras artísticas de verdadera referencia.
Este movimiento exploró la psique humana y potenció lo
poético, lo revolucionario y lo irracional. El sueño, lo onírico y el
subconsciente fueron sus enseñas y sus temas.
Abstracto: ΕΙ arte abstracto, representado por artistas como
Wassily Kandinsky, eliminó la representación figurativa y se
centró en la exploración de formas, colores y líneas abstractas.
Ejemplo: Composición V||| de Kandinsky, una obra que evoca
emociones a través de la abstracción.
