HISTORIA

EL ORIGEN DE LA MÚSICA

En torno a este tema los musicólogos han elaborado diversas teorías,

siendo la hipótesis más común la que considera que la música nace con el
mismo hombre, fruto de su espíritu de comunicación. Otras teorías opinan que
el hombre quiere imitar a la naturaleza, y a los sonidos que en ella se
encuentran.

LA MÚSICA DURANTE LA PREHISTORIA

Parece ser que la música tuvo un papel de comunicación en el más

amplio sentido de la palabra ( expresiones de alegría, cantos de amor, gritos de
combate, etc.) y guardó una íntima relación con la religión, manifestada en las
ceremonias rituales en las que casi siempre participaba acompañada de la
danza.

Conocemos algo de la música en la prehistoria, gracias a los restos

hallados en los yacimientos arqueológicos y a los datos iconográficos, los
cuales nos hablan, más que nada, del papel que ésta ejercía.

El hombre utiliza para su música los sonidos de la voz, el cuerpo como

instrumento de percusión e instrumentos ajenos a él muy rudimentarios como
piedras, rascadores, huesos sin médula, etc, pero en los que podemos ya
vislumbrar los futuros sistemas de producción de sonido, es decir,
instrumentos de viento y percusión sobre todo.

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 Aunque los documentos
históricos sean tan escasos, por
analogía con la vida de los pueblos
que todavía viven en estadios muy
primitivos, pueden deducirse los
rasgos generales de la música
durante esa época.

LA MÚSICA EN LAS PRIMERAS CIVILIZACIONES

De las primeras civilizaciones, nacidas del fruto de la revolución neolítica

en torno a los grandes ríos, conservamos muchos documentos escritos e
iconográficos, así como algunos instrumentos.

Si bien no podemos saber cómo sonaba la música de aquellos pueblos,

tenemos la certeza que en las ceremonias religiosas y sociales se tocaban
instrumentos, se cantaba y se bailaba.

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EGIPTO

Los egipcios poseían avanzados conocimientos musicales, reservados - al

igual que las matemáticos y los astrónomos- a los sacerdotes; en el Imperio
Nuevo (segundo milenio A.C.). Si la sociedad egipcia giraba en torno a la vida
de ultratumba, es fácil descubrir la importancia de la música, puesto que en
las pinturas del interior de las tumbas, en los papiros con escenas funerarias,
etc, se observa siempre alguna manifestación musical.

Este pueblo contó con muchos y variados instrumentos, laúd, cítara,

flauta, trompeta, tambores, y sobre todo, el arpa.

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MESOPOTAMIA

En las regiones mesopotámicas los músicos sumerios, eran considerados

personas de gran prestigio, se les honra más que a los sabios, inmediatamente
después de los reyes y dioses, Tanto era así, que acompañaban al monarca no
sólo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio
y en las guerras, y en caso de perder la batalla, se sacrificaba a todos los
soldados capturados, y los músicos eran considerados como botín, y se les
perdonaba la vida. ¡Lástima que esto haya cambiado!

Algunos historiadores creen ver en algunos de los signos cuneiformes

una incipiente escritura musical. Al igual que en Egipto el arpa es uno de los
instrumentos más preciados en Mesopotamia.

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EL ANTIGUO ORIENTE

Bajo el genérico nombre de Antiguo Oriente, se agrupan una serie de

ciudades-estado muy influyentes, separadas entre sí, pero con algunas
características comunes entre ellas, que hacen diferentes su música, de la
occidental. Podemos hablar de los asirios, hititas, babilonios, chinos e indios.

Para el oído occidental, la música de las antiguas civilizaciones orientales

suena algo extraña, debido a sus escalas y modulaciones, así como a su
peculiar instrumentación. En la antigua China utilizaban la escala de cinco
sonidos (pentatónica), aunque más adelante adoptaron la de siete
(heptatónica). La música iba muy ligada a la religión.

De la música india tenemos noticias en los libros sagrados de los Vedas,

también en los poemas épicos del Ramayana y Mahahbareta (s. VI y IV A.C.),
hay numerosas citas de músicos e instrumentos.

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EL PUEBLO HEBREO

Conocemos muchos detalles de la música israelita, dado que en la Biblia

hay numerosas citas que nos hablan de su máxima importancia, de los
instrumentos utilizados, y de cuándo y quién los tocaba. De todas formas nada
permite hacerse una idea del sistema musical o del estilo utilizado por los
hebreos; no se ha conservado tratado teórico, ni fragmento músical alguno.

Este pueblo, en medio de todas las civilizaciones politeístas del mundo

antiguo, mantuvo durante su itinerante historia, la creencia de un único Dios.
La música tuvo una gran participación en los actos de culto que se le
dedicaban, además de estar presente en sus fiestas.

El momento de máximo esplendor musical corresponde a los reinados

de David y Salomón, en torno al primer milenio antes de Cristo.

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LA MÚSICA EN EL MUNDO CLÁSICO: GRECIA

El espíritu idealista y racionalista de los filósofos griegos, así como la

nueva visión del hombre, provocarán una concepción del arte y de la música
radicalmente nueva. Esta novedad, base de toda la cultura occidental, puede
concretarse en los siguientes aspectos:

- El idealismo lleva al artista a buscar "la belleza por sí misma" (Platón)

liberando a la música de la funcionalidad a la que se hallaba sometida; esta
inquietud estética será una de las más altas aspiraciones del arte.

- El racionalismo busca una estética en la que la armonía y el orden

sean esenciales para conseguir un resultado "bello", y en la música la
proporción se logrará a base de cálculos matemáticos.

- El nuevo espíritu humanista, "el hombre es la medida de todas las

cosas" (Protágoras), hará que la música se ofrezca por primera vez al hombre
para que disfrute de ella, tanto en su aspecto creativo, o en el placer
interpretativo, como en el gusto por escucharla en espectáculos destinados a
"conciertos" o bien en aquellos en que la música tiene un papel importante
como el teatro, con intervenciones de orquesta y coros, las actividades
deportivas y todo tipos de fiestas sociales y familiares.

- Aparte del aspecto estético y científico, los griegos dan a la música un

valor ético, es decir, creen que la música cultivada por un hombre, por un
pueblo, será un factor decisivo en su comportamiento moral y social; de ahí la
importancia de este arte, tanto en la educación como en la política, ya que la
música, afirma Aristóteles, es "una cuestión de estado".
Gracias a las narraciones mitológicas, sabemos que los primeros pueblos
griegos, consideraban la música de origen divino y que atribuían la invención
de cada instrumento a un determinado Dios.

Ya en los primeros hechos históricos, según vemos en la Ilíada y en la

Odisea, la música además de estar ligado a una función religiosa, cortesana
militar, etc, sirve "para distracción del pueblo".
A partir de la época clásica (S.VI A.C.) la música (llamada sofía =
sabiduría ) ya no es sólo la inspiración de las musas, sino una ciencia con un
conjunto de conocimientos sistematizados especialmente por Pitágoras, quién
estableció un sistema de doce sonidos, y las distintas posibilidades de
combinación, dando lugar a los "modos", comparables al concepto de los
órdenes arquitectónicos.

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 La teoría pitagórica llamada teleion, perfeccionada en el S. IV por
Euclides, fue estudiada por todos los filósofos cristianos y de hecho será el
sistema utilizado por toda la música posterior.

Una disposición de la ”Armonía de las esferas”

Los instrumentos utilizados por los griegos fueron, entre otros:

Cuerda: arpa, lira y cítara

Viento: flauta siringe, aulos y órgano de tubos
Percusión: triángulos, tambores y címbalos.

Grecia es la primera cultura de la que se conservan documentos escritos

sobre la música, aunque son bastante escasas dichas muestras, las cuales
además son de las épocas más tardías, pero puede observarse su notación
alfabética y un ritmo muy ligado a la métrica de la poesía.

ROMA

Los romanos heredan la música griega, pero sin darle tanta importancia,
ni cuidar el aspecto educativo, ya que se inclinaban más por la formación
política y militar, y por otro lado el músico deja de ser la persona libre y noble
que fuera en Grecia.

La música se utilizaba básicamente para las pompas y ceremonias

militares, de manera que los instrumentos más desarrollados por los romanos
serán los de percusión y viento, la trompeta, el cuerno, etc, algunos de ellos de
herencia etrusca. Roma será el puente entre la música griega y la civilización
cristiana.

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 LA EDAD MEDIA

En aquellos tiempos los monjes eran casi los únicos que sabían leer, y en
el Occidente cristiano la música se había refugiado en los monasterios. Por el
contrario, en el Imperio de Oriente o Imperio Bizantino y en su capital
Constantinopla (antigua Bizancio), la música resplandecería por todas partes.

La liturgia musical bizantina ha sido conservada por la Iglesia Griega

(griegos, serbios, albaneses, búlgaros). Sin embargo, el papado se convirtió en
la principal potencia de Occidente, bajo el pontificado del Papa Gregorio hacia
el siglo VI. Este pontífice lo que intentó fue unificar el canto de la Iglesia según
el modelo romano. Era preciso que en toda la cristiandad se cantasen los
mismos himnos, sin dejarse influir por las costumbres musicales de las
diferentes regiones.

Pero el Papa Gregorio nunca compuso nada. Por otra parte, en su tiempo
no se sabía anotar la música. Los cantos litúrgicos se transmitían oralmente de
generación en generación.

Dos siglos después del Papa Gregorio - que se convirtió en San Gregorio
o Gregorio el Grande o Magno -, un emperador, Carlomagno, se interesa a su
vez por la unificación de la liturgia, con un doble objetivo político: disciplinar al
papado, que seguía siendo poderoso y fortificar la unidad de su imperio.
Impone a sus estados un repertorio de cantos de Iglesia que él cree que es el
verdadero canto prescrito por San Gregorio. A lo que llamamos canto
gregoriano es un repertorio carolingio, que sin duda se ha seguido deformando
antes de llegar a nuestros días.

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-10-
 Unos cincuenta años después de la muerte de Carlomagno, unos monjes
imaginaron un sistema de signos (puntos, comas, acentos), no muy preciso,
para recordar los giros melódicos. A estos signos se les llama "neumas". Los
primeros neumas son indescifrables para nosotros: únicamente servían como
ayuda de la memoria para los cantores que conocían ya la melodía.

Pero después se tuvo la idea de colocar los signos más altos o más bajos
según que los sonidos fuesen más agudos o más graves. Ello ya resultaba un
poco más claro. Después se trazaron líneas horizontales para localizar ciertos
sonidos. A partir del s. XI, la notación se hizo completamente descifrable para
los especialistas actuales.

Las formas más importantes dentro del canto gregoriano son: Recitativo,
salmodía, antífona, responsorio, letanía, himnos, tropo, secuencia y drama
litúrgico.

La música da esta época, era denominada como música modal, porque

se basaba en los modos de la música griega. Los modos eran sistemas de
formulas rítmicas, que tenían un determinado altura en cada una de sus
notas, y a los cuales se les dotaba de unas características respecto al carácter
de cada modo. Los modos griegos eran 8, y los gregorianos 4 auténticos, y 4
plagales. Los auténticos son el dórico, frigio, lidio y mixolidio, y los plagales,
hipodórico, hipofrigio, hipolidio e hipomixolidio.

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 Las características de los modos son:

- Dórico: noble, tranquilo, conveniente para la expresión de todos los

sentimientos.
- Hipodórico: severo, conveniente para la expresión de la tristeza.
- Frigio: entusiasta, animado o bien expresión de grave cólera.
- Hipofrigio: apaciguamiento, o alabanza.
- Lidio: amable y alegre, despreocupado...o acción consoladora.
- Hipolidio: voluptuoso...o nostálgico, que expresa pesar.
- Mixolidio: lascivo y frívolo, conveniente para las expresiones de juventud.
- Hipomixolidio: serenidad.

Las características principales del canto gregoriano son:

- Es vocal, colectivo y anónimo.

- Su ritmo es libre, no sujeto a compás.
- Puede compararse a la construcción de un arco arquitectónico con un
punto de arranque que tiende a alcanzar un clímax melódico, y un
progresivo relajamiento final.
- Silábico, si se canta un sonido con cada sílaba del texto.
- Neumático, una sola sílaba floreando de dos a cinco sonidos.
- Melismático, una sola sílaba floreando más de cinco sonidos.

SEGUNDA MITAD DE LA EDAD MEDIA

Durante los siglos IX, X, XI, los dos centros principales donde se
desarrolla la vida social son, el castillo y el monasterio. Mientras la nobleza
ruda e inculta, se ve inmersa en constantes luchas de todo tipo, es la Iglesia la
que se encargará de conservar todo el patrimonio cultural. No obstante, es en
ésta época cuando naca la música profana, que en un principio no era muy
distinta en su música de la litúrgica.

A la hora de realizar un estudio sobre la música profana medieval,

enseguida nos encontramos ante un conjunto de obras, que interiormente
poseen diferencias, pero con una profunda unidad. La obra de los poetas
medievales se nos presenta como una gran selva, de una gran exuberancia, y
donde es fácil perderse.

Podemos pensar, no sin razón, que la música profana tuvo como

principal modelo a seguir, la obra litúrgica. Se dice que nunca llegó a existir
una barrera clara de división entre la música sacra y la profana, y que las
adaptaciones de una melodía litúrgica para convertirla en un poema fueron un
hecho habitual en la época.

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 Las canciones más antiguas que se han conservado dentro de la
literatura profana tienen texto en latín. Las más antiguas forman el repertorio
de las "canciones de goliardos". Los goliardos eran jóvenes estudiantes
letrados, que tras tomar las órdenes menores eclesiásticas, se dedicaban a
vagabundear por toda Europa. El repertorio de estos cantos se recoge entre los
siglos XI y XII.

Otro tipo de cantos que se daban en la época es el cantar épico que se

nos presenta en la historia de la literatura medieval como un hecho
cronológicamente muy temprano. Paralelamente al uso clerical del latín,
Europa contaba ya con una poesía oral cantada, en la que utilizando la
lengua vernácula, se narraban las hazañas de los héroes nacionales. La
difusión de estos cantos corría a cargo de los troveros o juglares.

Los juglares eran personajes emparentados con los goliardos, fueron

artistas viajeros, que repartían entretenimiento y diversión recorriendo plazas
públicas y castillos; se trata en realidad de los primeros cantantes e
instrumentistas profesionales de la historia.

En una etapa posterior al nacimiento de los juglares surge en el sur de

Francia una poesía lírica que habrá de servir de modelo a toda la lírica
europea de los siglos inmediatamente posteriores. Sus creadores son los
trovadores provenzales, refinados poetas que componen la letra y la música de
sus versos en un ambiente cortesano y aristocrático.

Esta línea trovadoresca en "lengua d´oc" nacida en siglo XII, es

novedosa en distintos aspectos; de una parte por lo cuidado de su estilo, muy
distante al estilo sobrio del cantar épico, además de la forma distinta de ver el
amor hacia la mujer, a la que respeta y admira en un acto de purificación
noble.

En España destaca como compositor Alfonso X el sabio, con su obra

"Las Cantígas a Nuestra Señora". Las Cantígas son más de 400 canciones
monódicas dedicadas a alabar a la Virgen y aunque son de tema religioso,
están consideradas como música profana.

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EL ORIGEN DE LA NOTACIÓN MUSICAL

La primera forma de escritura musical se dio entre los siglos VIII y IX, y
hoy se conoce como escritura neumática. Los neumas, palabra que significa
“aire” en latín, no eran notas, sino signos elementales que se colocaban sobre
cada sílaba del texto y que servían de guía para recordar la melodía que debía
ser cantada, perteneciente a un repertorio conocido de antemano.

En el siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta

exactitud la altura de los sonidos musicales. Al principio, una línea roja
trazada en el pergamino señalaba el sonido FA, y servía como referencia para
los demás sonidos. Luego se añadió una segunda línea para el sonido Do.

En el siglo XI, el monje Guido d’Arezzo introdujo dos novedades

importantísimas para la escritura musical, estableciendo el tetragrama (4
líneas) como base del sistema de escritura, y dando nombre a las notas al
poner música al “Himno a San Juan Bautista”, cuyo texto en latín dice lo
siguiente:

UT queant laxis
REsonare fibras
MIra gestorum
FAmuli tuorum
SOLve poliuti
LAbii reatum
Sancte Ioannes (este último verso se añadió más tarde)

Este himno se traduce así: “Para que tus siervos puedan volver a cantar
debidamente la maravilla de tus obras, limpia nuestros labios manchados por
el pecado, ¡Oh San Juan!”.

Para algunos autores, se trataba de un himno que los cantantes de la

época dedicaban a San Juan para que los protegiese de la afonía. La melodía
de Guido daba a la primera sílaba de cada verso un sonido diferente, que
coincidía con los sonidos de la escala.

Con el tiempo, Ut se cambió por Do (en Francia todavía se usa), y el SI salió

combinando las primeras letras de Sancte Joannes.

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CARACTERÍSTICAS DE LA SEGUNDA MITAD DE LA EDAD MEDIA

Las características más importantes que podemos destacar en la

segunda mitad de la Edad Media son las siguientes:

- Se introducen los instrumentos, aunque siempre en un segundo

plano, apoyando la voz.
- Aparece la figura del compositor.
- Sin llegar a tener compases tal y como los conocemos hoy día, si
es posible medir las canciones.
- Se introduce la voz femenina, aunque fuera de la Iglesia.
- Las canciones populares suelen ser de ritmo y letra bastante
repetitivo.
- Fuera de la Iglesia se usan las lenguas vernáculas para los
textos.
- Se desarrollan tanto los textos religiosos, como profanos.
- Se comienza con las bases de la escritura musical.
- A partir de ahora la música pasa a ser polifónica, en vez de
monódica. Polifonía son varias melodías simultáneas.

RENACIMIENTO

Período de la historia de las artes en Europa que se sitúa, por lo que

respecta a la música, aproximadamente en la segunda mitad del siglo XV y en
el XVI. Como su nombre indica, se trata de una era de florecimiento, de
despertar de las ideas, que sucede al oscurantismo de la Edad Media. Se
abandona el espíritu feudal, florecen las artes y la cultura, y se amplía la
comunicación y la difusión de conocimientos, gracias a un invento capital, la
imprenta. Gracias a ella, además se consigue la difusión de las composiciones
tanto vocales, como destinadas a la ejecución instrumental, las cuales
comienzan a tener mayor autonomía, liberándose poco a poco de la rítmica de
la palabra.

Paralelamente se desarrolla y amplía el registro de los instrumentos,

construyéndolos sistemáticamente por "familias" de cuatro (denominadas hoy
día: bajo, tenor, contralto y soprano); es el caso de las flautas dulces, violas y
los instrumentos de metal.

En el siglo XVI el laúd se convierte en el instrumento casero más

utilizado. De esta forma comienzan a nacer géneros específicamente
instrumentales que se apoyan en mayor o menor medida en el virtuosismo y la
ejecución.

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 Estalla la Reforma religiosa, y una de las primeras consecuencias, es
que los cultos se llevan a cabo en lengua vernácula, y aunque no todos los
reformistas apoyaron a la música, ésta se vio fortalecida. Se desarrollaron los
instrumentos, y nacieron nuevas formas musicales, a la vez que florecen las
escuelas musicales.

En el mundo católico, el Concilio de Trento responde a las innovaciones

de los protestantes con un esfuerzo por sanear su propia liturgia y por
aproximarla más a sus verdaderas fuentes y hacerla más eficaz, así pues aboga
por la simplicidad, ya que la música estaba cada vez más compleja al ir
dotando a cada voz de una autonomía y personalidad mayor.

Con el Renacimiento se olvida el espíritu feudal, y los príncipes de

Europa se rigen por el ejemplo de los tiranos ilustrados. Así Europa se eleva
durante dos siglos por, los pintores que descubren la perspectiva, los
arquitectos dejan que entre la luz en las casas y hacen casas y plazas
concebida para el placer, como lo están también las eruditas construcciones de
poetas y músicos.

Los mayores compositores del siglo XV eran de la "Escuela Franco-

Flamenca", su música era la más hermosa que entonces se conociera, si bien
se dejaron influir por el encanto de la música Inglesa.
El compositor más importante de la “Escuela inglesa” de esta época se
llamaba John Dunstable. Fue probablemente él quien empezó aplicando a la
misa el principio del cantus firmus, que se trata de un tema corto y sencillo
que se repite de un extremo a otro, mezclado con la polifonía.

De la "Escuela Franco-Flamenca", uno de sus precursores y

compositores más importantes fue Guillermo Dufay, con él por primera vez la
polifonía no tiene dureza, no es seca. Se puede considerar como el primer
compositor del Renacimiento.

Después de Dufay, el siguiente genio de esta escuela será Josquín des

Prés, el cual pasó gran parte de su vida en Italia, y su obra tuvo una gran
difusión gracias a las transcripciones que se realizaron en la época para laúd,
por lo que su obra tuvo una rápida expansión.

Sin embargo será Italia quien arrebate a Flandes la supremacía musical

en Europa, convirtiéndose en el centro de la creación musical, así los
compositores más importantes de Europa se dan cita en Italia, además este
país vio nacer al más importante compositor del Renacimiento Giovanni
Pierluigi, más conocido por el nombre de su ciudad natal Palestrina, cercana
a Roma.

Palestrina fue el encargado de depurar y regenerar la música litúrgica,

restableciendo la autenticidad del canto gregoriano original, es decir, volvió a

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hacer inteligibles las palabras latinas en la música religiosa. Fue maestro de
San Pedro en Roma.

Tras su muerte, Palestrina se impuso en la memoria occidental como

una especie de "Padre de la música", sintetizando en su obra, esencialmente
vocal y religiosa, todo el arte contrapuntístico del S.XVI, para ofrecerlo como
modelo a las generaciones futuras. Aplicó las consignas pontificales de
inteligibilidad del texto y de sumisión de la música al mensaje litúrgico. Una
leyenda corrió durante largo tiempo sobre su "Misa del Papa Marcelo", que
habría salvado la música litúrgica y el arte polifónico de la proscripción
eclesiástica que les amenazaba, probando a los cardenales y al Concilio de
Trento que ésta podía ser a la vez simple y respetuosa del texto,
inteligiblemente figurativas, y culturalmente compuestas.

Otro compositor casi tan importante como Palestrina, fue Orlando di

Lasso, compositor franco-flamenca, pero vivió en toda Europa, Roma,
Amberes, Munich, etc. Fue el músico más prolífico, más versátil y más famoso
del Renacimiento. Tiene escritas obras de todos los estilo vocales renacentistas,
desde Chansons francesas, hasta lieder en alemán, pasando por los
madrigales, villanescas, misas, magnificats, lamentaciones, letanías,
pasiones, responsorios y, destacando sobre todo sus motetes.

En cuanto al terreno sacro, el verdadero corazón de la música vocal

renacentista está en la escuela española, que durante todo este período
ejercería la más grande influencia sobre toda Europa. Entre la vasta escuela de
compositores españoles podemos destacar a Tomás Luis de Victoria, Mateo
Flecha, Francisco Guerrero, Juan de la Encina, Cristóbal de Morales, Luis
de Milán y Antonio de Cabezón.

Pero muestro compositor por excelencia fue T.L. de Victoria, el cual

desde muy joven se trasladó a Italia para completar se formación musical y al
mismo tiempo realizó estudios de teología en dicha ciudad, donde tuvo como
principal maestro a Palestrina.

La obra de Victoria es uno de los monumentos más importantes de la

polifonía ibérica y europea del S.XVI. Su producción es la más vívida e intensa
expresión del sentimiento religioso de hombre jamás hecho música. Sus obras
más importantes son el "Oficio de la Semana Santa" y el "Oficio de
Difuntos", que se cuentan sin ninguna duda entre los monumentos sublimes y
puntuales de toda la música sacra occidental.

Su música siempre establece los principios estéticos de su modelo

Palestrina, estando siempre al servicio exclusivo de la liturgia católica. Con
esta perspectiva, su música jamás adaptó sus temas al repertorio profano, sino
tan sólo al canto llano o a los motivos derivados de éste, conservando un alto
componente de naturalidad y simplicidad.

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TOMAS LUIS DE VICTORIA

Nació en Ávila 1548/50, y muere en Madrid en 1611. Alumno del colegio

alemán de Roma en 1565 como algunos de sus compatriotas, al parecer había
formado parte anteriormente de la Escuela de Música Sacra de su ciudad
natal, aunque existen documentos precisos sobre sus primeros años.

Victoria se trasladó a Roma para completar su formación musical y al

mismo tiempo realizó estudios de teología en aquella ciudad. Tuvo como
principal maestro a Palestrina. En 1569 fue cantor y organista de la Iglesia de
Santa María di Montserrato, después desde 1573 hasta 1578, ocupó el cargo
de maestro de capilla del seminario romano (en el que sustituyó a Palestrina).
Su primer libro de motetes apareció en 1572 y está dedicado a Jacobus de
Kerle, maestro de capilla del cardenal Otto von Waldburg, que tuvo una
influencia destacada en los estudios del joven español.

En 1575 Victoria recibió las órdenes menores y el mismo año fue

ordenado sacerdote. Cuatro años más tarde entró como capellán al servicio de
la Emperatriz María, hija de Carlos V, y viuda de Maximiliano II de Austria,
conservó este cargo los siguientes veinte años, independientemente de algún
otro cargo de capellán que le unió a San Girolano della Caritá donde colaboró
con San Felipe Neri.

Después de un viaje a Madrid en 1587, regresó a Italia para establecerse

en Roma desde 1594. Dedicó su segundo libro a Misas, a cuatro y ocho voces,
al Cardenal Alberto de Austria, hijo de la Emperatriz María, que residía en el
convento de la Descalzas Reales de Madrid. De 1596 a 1607 residió en Madrid
como capellán de la Emperatriz hasta la muerte de ésta, en 1603, para la cual
escribió una Misa de Réquiem.

Los últimos años del músico son algo difíciles, y siempre vinculados al
convento de las Descalzas Reales no como maestro de capilla sino como
cantante y simple organista. Victoria, que acabó quedándose ciego, al parecer
quería haber terminado su vida en el anonimato total; era una persona
humilde, que jamás había pretendido ocupar un cargo oficial en Roma.
Cuando murió en 1611 era tan ignorado en España como en Italia.

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 BARROCO

Este término se aplica a un estilo en la historia de todas las artes

incluida la música, y corresponde a una época que se sitúa entre 1600 y 1750
aproximadamente. Podemos distinguir tres períodos:
- Barroco primitivo: desde 1580 hasta 1630.
- Barroco pleno: desde 1630 hasta 1680.
- Barroco tardío: desde 1680 hasta 1750.

El barroco musical nació con la monodía acompañada y con la invención

del bajo continuo. El bajo continuo nace a raíz de obras en las cuales sólo se
indican las voces soprano y bajo. La voz del bajo podía llevar anotadas unas
cifras y signos que indicaban la armonía que se debía realizar mientras se
interpretaba. La línea melódica del bajo continuo era realizada por un
instrumento grave de cuerda, y los acordes por algún instrumento polifónico
que iba improvisando y ornamentando dentro de la armonía escrita.

El barroco incluye un gusto por la ornamentación y el virtuosismo, a

menudo elevados por la vanidad humana a excesos de los que hablan
numerosos escritores de la época. El barroco releva la necesidad de crear un
mundo irreal, extravagante, poblado de contrastes bien señalados, como en
música entre "forte" y "piano". Así pues nacen los primeros matices de
intensidad.

Nace la música tonal en contrapartida con la modal. Con la tonalidad la

cantidad de modos existentes se reduce a dos, el Mayor (más alegre y marcial)
y el Menor (más triste y/o sentimental). La tonalidad establece una jerarquía a
los sonidos, dándole la mayor importancia a la tónica, o primer grado, y sus
relaciones con el resto. También fija la distancia entre las determinadas notas
en tonos o semitonos, siempre iguales, aunque sea entre distintas notas (con la
modalidad, la distancia entre dos notas, era distinta si se estaba en un modo o
en otro).

En esta época aparecen nuevas formas musicales y se desarrolla la

música instrumental que fue sin duda la que sufrió un mayor auge y
florecimiento en la época. Las formas del siglo anterior van a seguir un proceso
de perfeccionamiento y a la vez de enriquecimiento, que desembocará en
nuevas formas de composición entre las que destacamos las siguientes:

- Variaciones: Consistentes en ornamentaciones rítmicas y melódicas

del tema original. Las variaciones sobre las canciones populares fueron
también muy del gusto de la época. Progresivamente los compositores van
adoptando un esquema formal que consiste en presentar al principio de la obra
el tema que posteriormente va a ser objeto de elaboración; generalmente suele
ser reconocido a pesar de los cambios a que será sometido.

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 - Sonata: Género muy importante que suele estar escrita para uno o dos
instrumentos eminentemente melódicos y acompañados del bajo continuo. Se
divide en tres secciones, la primera y tercera en tiempo alegre y la segunda
lento.
- La ópera: Nace en Italia a principio del siglo XVII y las primeras
posiblemente se basaban en la mitología griega e históricas. Para destacar
algunas las primeras posiblemente fueron "Dafne" de Jacobo Peri, "Il Satiro" y
"La Disprazione de Fidelio" de Cavalieri, "Il Ritorno d´Ulisse in Patria" de
Claudio Monteverdi. En las óperas del barroco lo más importante era el canto,
es decir, el papel del divo, y la música era un apoyo para la voz.

- Cantata y Oratorio: Son dramatizaciones sobre temas religiosos de la

Biblia. Son de características similares a la ópera pero sin la ostentación de la
ópera al no utilizar escenografía ni vestuarios y dándole más importancia al
texto y la música. La diferencia entre cantata y oratorio es que el oratorio es
de mayor dimensión.

- La Suite: Es la unión de varias danzas en una obra escrita para ser

interpretada en concierto, en vez de para ser bailadas. Se escribían alternando
un tiempo rápido y otro lento.

- Concierto: Era una forma musical en la que existía un solista (soli) o

grupo de solistas (concertino), y un conjunto orquestal (tutti o ripieno). Era una
forma en la que el solista o solistas, ponían de manifiesto toda su técnica y
habilidades interpretativas, e iba dialogando con la orquesta. Estos dos estilos
son el concierto grosso y el concierto para solista. Normalmente tenía un
esquema tripartito, rápido, lento, rápido.

La orquesta tal y como la conocemos hoy día tiene sus inicios en el

barroco, donde estaba compuesta por cuerda (violín, viola, violoncelo y
contrabajo), oboe, flauta y fagot. Ya a finales del barroco se incluyeron
instrumentos como la trompa y los timbales. También se puede considerar
instrumento de la orquesta aunque no fuese siempre utilizado al clavicembalo.

Los compositores más importantes del barroco fueron:

ITALIA: Claudio Monteverdi (1567-1643), Arcangelo Corelli (1653-1713),

Alessandro Scarlatti (1660-1725), Tomaso Albinoni (1671-1751), Giuseppe
Tartini (1692-1770), y sobre todo, Antonio Vivaldi (1678-1741).

FRANCIA: Jean Baptiste Lully (1632-1687), François Couperin (1668-1733), y

Jean Philippe Rameau (1683-1764).

INGLATERRA: Henry Purcell (1659-1741) y Georg Friedrich Haendel, o Händel

(1685-1759).

-20-
ALEMANIA: Dietrich Buxtehude (1637-1707), Heinrich Schütz (1585-1672),
Johahn Pachelbel (1653-1706), Georg Philipp Telemann (1681-1767) y la
máxima figura del barroco, Johann Sebastian Bach (1685-1750).

ESPAÑA: Algunos teóricos, creen ver en Antonio de Cabezón y en Diego Ortiz,

compositores renacentistas, como precursores de la música barroca, por
algunas características de su música, pero fuera de esto, no hay en el barroco
español ningún músico que resaltar.

ANTONIO VIVALDI

Hijo de un violinista, fue tonsurado a los 15 años de edad y ordenado

sacerdote a los 25. Afectado de una enfermedad crónica, que se supone que era
asma, el que en Venecia era llamado Il prete rosso (el cura rojo), por el color de
su pelo, pronto se hizo eximir de sus deberes eclesiásticos (1703) y pudo desde
entonces consagrarse a la composición y a la enseñanza. Fue sacerdote,
maestro de violín y de composición, y director musical de un conocido orfanato
el Conservatorio del Hospital de la Piedad de Venecia, la ciudad donde nació en
1678 y trabajó toda su vida.

Fue un compositor que al igual que hoy día, en su época era muy
popular y bastante bien considerado artísticamente, llegando incluso a ser
obligada visita, por parte de todos los grandes músicos y personalidades que
viajaban a Italia en ésta época.

Una de las grandes innovaciones que aportó Vivaldi a la música fue el

gusto por hacer dialogar a varios coros de instrumentos, prácticas que
aprendió durante sus estudios en San Marcos. Estas dotes de invención y las
facetas descriptivas de su música colocan a Vivaldi en el origen del concepto
moderno de orquestación. Nadie antes que él, se había preocupado hasta este
punto por el color y la precisión melódica de cada instrumento.

Prueba de su preocupación instrumental, fue que dotó al concierto para

solista de una fuerza lírica que lo transforma hasta el punto, que se considera
a Vivaldi como el creador de esta forma musical.

En el Hospital de la Piedad, reunió un grupo de ejecutantes vocales e

instrumentales que le permitieron hacer experimentos con toda clase de
formaciones musicales.

-21-
 Fue un compositor muy prolífico, escribió:

- Alrededor de cuarenta óperas.

- Más de 500 conciertos para instrumentos solistas (doscientos treinta
para violín).
- Sonatas.
- Sinfonías.
- Música sacra.

Algunos de sus conciertos, agrupados en colecciones, han gozado de gran

celebridad:
"La fantasía Armónica", "La Extravagante", "El Fundamento de la
armonía y de la invención", (que contiene las cuatro estaciones).

Poco antes de morir, y a pesar de la gran fama de que había gozado, fue
completamente olvidado, y este olvido duró más de cien años. Murió en Viena
en 1741 pobre y solitario, ya que su excesiva generosidad le había arruinado.

JOHANN SEBASTIAN BACH

Johann Sebastian Bach (1685-1750) era hijo de una familia que contaba
con más de doscientos años de tradición musical. Nació en Eisenach
(Alemania) y a los diez años se quedó huérfano. Su tío Christoph se encargó de
su formación.

A los once años estudió violín, órgano y composición. Acabó los estudios
en el Instituto de Eisenach y dedicaba su tiempo libre a visitar bibliotecas para
copiar, estudiar y conocer las músicas de otros compositores. De los dieciocho
al los veintitrés años fue organista en dos pequeños pueblos cercanos a su
pueblo natal. Se casó con su prima M. Bárbara Bach y empezó su vida de
compositor.
Una nueva vida al servicio del duque de Weimar hizo que compusiera
importantes obras, como los seis conciertos de Brandenburgo. El príncipe, que
también era un experto violinista, ofreció a Bach todas las facilidades para que
formara una orquesta.

Bach permanece nueve años al servicio el duque, hasta que fallece su

mujer y contrae nuevas nupcias esta vez con la hija del trompetista de la
orquesta Ana Magdalena, excelente esposa que cuidó de los cuatro hijos que
Bach había tenido con su primera mujer y de los diez que tuvo con ella.

22
 Convocadas oposiciones para entrar de cantor en la iglesia de Santo
Tomás, en Leipzig, las gana con éxito y se traslada a vivir a aquella ciudad,
donde murió.

Estaba obligado a trabajar muchísimo para poder mantener a tantos

hijos. Compone sin parar día tras día. Gracias a ello su producción es muy
vasta, más de 260 cantatas, pasiones, oratorios, magnificats, una veintena de
conciertos, numerosas obras para clavicémbalo, una de las cuales esta
dedicada a su mujer, "Álbum de Ana Magdalena Bach", y muchas pensando en
la pedagogía del clavicémbalo, sonatas suites, una misa, una ofrenda musical,
el arte de la fuga, etc.

Bach que poseía profundos conocimientos de todas las músicas

anteriores a él, agotó todas las posibilidades de timbre y de armonía de la
música barroca de su tiempo, después de él, la música tomó otra dirección.

Quizás ello explica que Mozart, cincuenta años después de la muerte de

Bach, viajó a Leipzig para estudiar su música y exclamó: "Por fin he hallado la
manera de aprender cosas nuevas". La figura de Bach es extraordinaria,
humanamente era un hombre ardiente, sensual que amaba apasionadamente,
la bondad y la amabilidad también formaban parte de su carácter. Le gustaban
las dificultades y nunca se echaba atrás. La grandeza y originalidad de la
música de Bach provienen de la forma como utiliza el coral del tiempo de
Lutero, de las variaciones, de la fuga y de los famosísimos oratorios y pasiones
(San Juan y San Mateo).

GEORG PHILIPP TELEMANN

Telemann, compositor alemán nacido en Magdeburgo en 1681 y murió en

Hamburgo en 1767.

Por lo fecundo de su obra, es conocido como el compositor más prolífero

de toda la música; se le reconocen unas 6000 obras (siendo prácticamente
imposible hacer un listado de todas ellas.

Hijo de un pastor, no dedicó sus estudios exclusivamente a la música,

compartiendo éstos con los de derecho, geometría, latín y griego. Fue un niño
prodigio y compuso y estrenó su primera ópera a la edad de 12 años (con gran
éxito). En su abundante composición, tomó como modelo a músicos alemanes
(Rosenmüller) e italianos (Corelli y Caldara).

23
 Cursando sus estudios de derecho en Leipzig, fue descubierto por el
burgomaestre Romanus, para el cual escribió en 15 días una cantata para la
iglesia de Santo Tomás. Más tarde interrumpió sus estudios de derecho para
dedicarse plenamente a la música.

Fue director de la Ópera de Leipzig y fundador del Collegium Musicum,

organización de conciertos públicos. Fue también maestro de capilla del conde
Erdman von Promnitz, en Sorau. Escribió para su maestro obras inspiradas en
Lully y Campra, entrando en contacto con la música popular y las danzas
eslavas.

En 1706 estuvo en Eisenach, donde encontró a Bach (del que fue padrino
de su segundo hijo). En 1712 se instaló en Frankfurt-am-Main hasta 1721 que
se trasladó a Hamburgo donde fue cantor del Gymnasium Jonneum y director
de música de las cinco principales iglesias de la ciudad.

Aún no satisfecho con sus composiciones de óperas, música sacra y

música de concierto, en 1728 fundó la primera revista de música alemana.

Entre sus obras más importantes podemos destacar:

- Alrededor de 100 Oratorios.

- Cantatas profanas como "Las horas del día".
- 44 Pasiones.
- 40 Óperas como "Pinpinon", "La serva padrona"
- Numerosos conciertos para solistas e innumerables obras de música de
cámara.

GEORG FRIEDRICH HAENDEL

Georg Friedrich Haendel nació Halle, baja Sajonia en 1685, y murió en

Londres en 1759, fue un gran músico pero tuvo que luchar contra la voluntad
de su padre, quién quería que estudiase leyes. Comenzó sus estudios con
Zachau, famoso organista de la catedral de Hall. Practicó al mismo tiempo
violín, clave y oboe, instrumento este último por el que mostró una especial
predilección.

Aconsejado por su maestro comenzó una serie de viajes, para que fuese
conociendo nuevas formas, estuvo en Berlín y Hamburgo donde llegó a ser
director de la orquesta del teatro de la Ópera. Fue allí donde escribió sus
óperas Almira reina de Castilla, Nerón, Dagne, Florinda y una cantata.

24
 Luego estuvo durante bastante tiempo viajando por toda Italia
(Florencia, Roma, Venecia y Nápoles). En 1710 viajó a uno de los lugares más
importantes a lo largo de su vida, Londres, llevado allí por estar de moda por
esa época las óperas al estilo italiano, o sea con dialogo recitado, en lo que
Haendel era un maestro.

Su prolífica obra está muy influida por los países, y músicos que conoció
a lo largo de una vida marcada por el cosmopolismo. Su profundo conocimiento
de la mente humana, plasmado en la psicología de los personajes de sus
obras, dramáticas y la riqueza de las imágenes que sus composiciones
suscitan, presagian los caminos y los estilos de la música posterior.

Al contrario que ocurre con gran cantidad de músicos Haendel fue muy
querido y admirado durante toda su vida por lo que dispuso de los mejores
medios para poder llevar a cabo todo su trabajo, incluso dispuso de una
orquesta, y de excelentes cantantes para poder llevar a cabo sus
composiciones.

Entre las obras a destacar de Haendel están: óperas, cantatas, pasiones,

conciertos grosso y para solista, especialmente el oboe, música para
ceremonias, suites y música para órgano. De su producción para orquesta
destacan dos piezas: Música acuática y Música para los reales fuegos
artificiales. En total se le reconocen alrededor de unas 1300 obras.

TOMASO ALBINONI

Tomaso Albinoni nació en Venecia en 1671 y murió en 1751, estudió

canto, violín y contrapunto. Perteneciente a una familia acomodada, nunca
tuvo la necesidad de componer para poder sobrevivir, y permaneció toda su
vida en Venecia, exceptuando algunos breves viajes.

.Fue un compositor sumamente importante en la introducción de la

música instrumental que caracterizaría la primera mitad del S.XVIII. Se le debe
junto a Vivaldi la creación de la forma concierto grosso.

El concierto grosso nació de la idea de oponer un grupo pequeño de

instrumentos a otro de mayor número. Aunque sus conciertos no eran de la
madurez de Vivaldi, poseía un encanto melódico muy característico.

Por otro lado casi todos sus conciertos están estructurados en tres cortos
movimientos, de los cuales el primero y el último son rápidos y alegres, y el
tiempo segundo es reflexivo y más lento.

25
 Al igual que Vivaldi escribió muchas obras para violín, pero además
dedicó gran parte de su creación al desarrollo de instrumentos de viento como
el oboe al cual tenía una gran devoción.

Escribió alrededor de 50 óperas, aunque completas sólo nos han llegado

"Zenobia", Engelberta y La Statiza.

CLAUDIO MONTEVERDI

Nació en Cremona en 1567 y murió en Venecia en 1643. Compositor

italiano, Monteverdi se inicia pronto en la música, y recibe enseñanzas de
Marco Antonio Ingegneri, maestro reputado y uno de los primeros polifonistas
de su tiempo.

Ingegneri le da a Monteverdi una formación completa, hasta el punto de

que en 1582, publica su primer Opus, una colección de veinte motetes a tres
voces.

En 1587 el Primer libro de madrigales a cinco voces marca el verdadero

comienzo de la carrera pública del músico. Se trata de la primera obra en que
no se percibe la influencia de Ingegneri y que deja ver un estilo completamente
personal, a lo largo de su carrera compondrá ocho libros de madrigales.

Compositor expresivo y realista, Monteverdi es moderno en todas las

etapas de su producción y en todos los géneros que abordó, desde el madrigal
hasta el drama lírico. Su característica de modernidad fue un rasgo que ya le
conferían su contemporáneos, y del que da prueba la teatralidad de una obra
que siempre invita al oyente a seguir el curso de alguna representación
escénica, y que presenta el soplo de la vida con la verdad de los sentimientos
(ya que como él decía " el compositor moderno construye sus obras
cimentándolas en lo verdadero").

Una de las grandes preocupaciones de Monteverdi será el teatro lírico,

como lo demuestra con sus óperas “Il retorno d’Ulisse in patria” y
“L’incoronacione di Poppea”, que son modelos de ópera histórica y realista en
la que drama y humor intervienen en una atmósfera casi shakesperiana.

El músico lírico, que no ha creado la ópera a partir de nada (como se ha

escrito con demasiada frecuencia en el pasado), sino que, al contrario, ha
sabido aprovechar al máximo los intentos de los melodramáticos -quienes
pensaban recuperar los secretos de la tragedia griega a través de la monodía -
para alcanzar sin tropiezo, con Orfeo, un equilibrio milagroso entre la magia
del canto y las necesidades de la palabra.

26
 Monteverdi aparece como uno de los genios con más inventiva de la
historia musical, como uno de los más actuales y presentes en nuestra época y
también como un gran humanista, apasionado de dignidad y de libertad, el
primero sin duda que comprendió que para ser investida de un poder
dramático ejemplar, la música debía estar totalmente rendida al mundo de los
sentimientos y servir incondicionalmente a la palabra.

JOHANN PACHELBEL

Nació en Nuremberg en 1653, y murió en la misma ciudad en 1706.

Realizó sus estudios musicales en su ciudad natal al lado del compositor
Heinrich Wecker, así como en la Universidad de Altdorf.

Ejerció toda su vida como organista, primero en Altdorf, en Viena en la

Catedral de San Esteban, en la corte de Eisenach, en Erfurt, en Sttutgart y en
Gotha, para regresar finalmente a Nuremberg en la iglesia de San Sebaldo.

Aparte de algunas composiciones para música de cámara, la mayoría de

ellas están destinadas principalmente al culto, con 26 motetes, siete cantatas,
13 magnificat y, sobre todo, piezas para órgano consistentes en corales,
variaciones, preludios y fugas. Entre sus obras más populares hoy día
encontramos su “Canon y Giga”, una de las obras más versionadas a lo largo
de la historia.

Fue muy amigo del padre de J. S. Bach, por lo que ayudó y contribuyó a
templar el arte de Bach, marcado en su juventud por los maestros del Norte,
evitando que su música fuese demasiado fogosa e insuficientemente
estructurada.

Así fue como aprovechando los desplazamientos que le impuso la

necesidad, supo hacer la síntesis de los elementos estilísticos del Centro de
Alemania con los del Sur, aportando una armonía bastante clara y sosteniendo
eficazmente el canto litúrgico.

27
 CLASICISMO

Término que tiende a confundirse a menudo con el de música clásica.

Muy empleado de manera poco clara o precisa, designa según los períodos y
los países, realidades muy diversas. La música clásica puede oponerse a la
llamada popular o ligera y comprende, de esa manera, toda la música europea
llamada seria.

Pero en realidad es un período musical comprendido entre el barroco y el

romanticismo, y que aproximadamente va desde 1750 a principios del siglo
XIX.

Hay que anotar que, tanto en música como en literatura, el término

clásico es de invención reciente y cronológicamente hasta posterior al de
música romántica, habiendo éste suscitado a aquél.

Entre los compositores más importantes de esta época podemos destacar

a Haydn, Mozart y la primera etapa de Beethoven.

Es un período artístico que tiende a expresar el mundo como un ser

bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad,
de lo ideal; los músicos clásicos, aborrecen a los barrocos porque van, según
ellos, contra la naturalidad, buscan lo recargado y el virtuosismo. Ésta es la
razón por la que muchas obras barrocas (incluso de los grandes, como Bach)
se perdieran o destruyeran en ésta etapa de la música.

Una de las grandes diferencias del clasicismo con el barroco, es la

textura vertical o armónica, opuesta a la horizontal o contrapuntística, que
predominaba en el barroco.

El clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad

como sociedad perfecta y sin problemas; por ello el clasicismo lleva consigo
una contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un
período de rupturas, de cambios de todo tipo y no los refleja en su estética.

CUALIDADES QUE DEFINEN LA MÚSICA CLÁSICA

- Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

- La melodía toma una enorme importancia y se convierte en el elemento

básico de esta música. "La melodía es el alma de la música clásica".

- Las melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección,

con frases de ocho compases (divididos en dos períodos de cuatro y cuatro), de
dieciséis compases o de seis compases. Es decir se crean unas melodías
enormemente regulares.

28
 - Se pierde el ritmo mecánico del barroco, en favor de ritmos más
naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía.

- Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos

mayores sobre los menores, estos sólo se usan cuando la música quiere llegar
a fuertes esferas de la expresión; esta es una de las razones por lo que la
música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro.

- El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma sonata y la

sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la
serenata y el divertimento.

- La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es

decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de sí misma, por ello
que no intente servir, representar, imitar, que sea un arte que se sostenga por
sí mismo, sin propósitos concretos.

- La norma del clasicismo es construir una música lo más simple

posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.

- Por fin el clasicismo ayudado por la Revolución Francesa va a conseguir

extender la música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va
a comenzar a valorar en toda Europa enormemente la música.

- La textura es plenamente vertical o armónica, y se abandona el bajo

continuo.

LAS FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO

De lo dicho anteriormente se deduce que lo esencial en este período es el

respeto a las formas, a la ley, a la norma, para llegar a la perfección que
pretende el clasicismo.

Es así como en este período va a tomar una enorme importancia la

sonata y la sinfonía.

29
LA SONATA

Esta forma había surgido ya en el período barroco, pero ahora cambia

imponiendo una forma muy estricta que debía seguir el compositor. La sonata
a tres se construye según el siguiente esquema:

A EXPOSICIÓN

Introducción...................................................Modulante
a) I tema..........................................................En el tono principal
b) puente........................................................Modulante
c) II tema.........................................................En un tono cercano

B DESARROLLO

Desarrollo temático modulante

A' REEXPOSICION

a') I tema.........................................................En tono principal

b') puente.......................................................Modulante
c') II tema........................................................En el tono principal

Coda

LA SINFONÍA

El origen de esta forma no es el mismo que el del concierto o la propia

sonata, que tienen su fundamento en la danza, por el contrario, la sinfonía
proviene de la obertura operística que tenía tres movimientos y aparece al final
del barroco, aunque no llega a constituirse perfectamente hasta el clasicismo, a
través de la escuela vienesa y de Mannheim.

En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos según este

esquema:
1º Allegro
2º Adagio
3º Minueto (o Scherzo)
4º Allegro Finale (Rondó)

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 MOZART

Wolfgang Amadeus Mozart, nació en Salzburgo en 1756 y murió

prematuramente en Viena en 1791. Genio de asombrosa precocidad influido
por su padre Leopoldo Mozart, tanto por su variedad, como por su perfección
formal, representa el punto más alto de la trayectoria evolutiva de la música
clásica.

Junto con su hermana dos años mayor que él, demostró aptitudes
extraordinarias para tocar el clavicordio y el violín, y una gran precocidad para
la composición, sus primeras obras son de cuando tenía cuatro años.

En 1762, Leopoldo Mozart inauguró con sus dos hijos Wolfgang Amadeus
y Ana María, un primer viaje a Munich para dar un concierto, y éste finalmente
se convirtió en una gira efectuada por casi toda Europa, y ante las
personalidades y lugares más importantes de la época, que duraría varios años,
teniendo un éxito indiscutible en todos estos conciertos.

Su creación musical abarca, sin excepción alguna, todos los géneros

musicales, en los que dejó una contribución no sólo de suma calidad, sino de
enorme importancia cuantitativa.

Dada su genialidad, antes de los once años había compuesto, además de

otras obras de menor complejidad, una ópera "Bastian y Bastiana" reveladora
de una intuición y una facilidad creadora auténticamente deslumbrante.

Al volver a Salzburgo, a los 16 años, es nombrado director y compositor

al servicio del príncipe, el Arzobispo de Salzburgo. El contacto con aquel
hombre, autoritario, orgulloso, poco artista y déspota, le desagrada tanto que,
un buen día, después de una fuerte discusión, se decide a dejar el trabajo.

Pero Mozart no quiere volver a ser esclavo de nadie, quiere mantenerse

completamente libre, cosa muy importante para un compositor como él, que a
los veintidós años había ya compuesto trescientas obras.

Entre los maestros más importantes que tuvo Mozart podemos destacar a
Haydn, cuyo pensamiento discursivo y poético le llena de admiración, Mozart
aprende el arte del desarrollo temático, de los encadenamientos lógicos e
irrefutables. Aunque así como Haydn, para disponer una construcción
grandiosa, se contenta a menudo con un tema, un motivo banal, Mozart
también cuenta con el poder expresivo, con la potencia de seducción del bel
canto, y del cantabile flexible, tal y como descubrió por sus viajes a Italia.

Nos dejó escritas más de 700 obras entre las más importantes podemos
destacar:

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 - 41 sinfonías.
- 20 óperas, entre las que cabe destacar; "el rapto de serrallo", "Las
bodas de Fígaro", "Don Juan","Cosi fan tutte", La flauta mágica", etc.
-Conciertos para solista de prácticamente la totalidad de los
instrumentos de la orquesta.
- Diferentes obras de música de cámara.

Su última obra fue "Réquiem en Re menor", famosa además por las

connotaciones que se dieron alrededor de la misma

HAYDN

Franz Joseph Haydn, nace en Rohrau en 1732 y muere en Viena en

1809. Estuvo en la escolanía de la catedral de San Esteban, en la cual estudió
hasta que cambió la voz. Su primer maestro fue el compositor Porpora, pero de
quién sin duda tuvo una gran influencia sobre todo en la sonata fue de, Carl
Philipp Emanuel Bach.

Trabajando para el conde de Morzin, fue cuando compuso sus primeras

sinfonías, en cuyo apartado, fue considerado como el padre de la sinfonía.

En 1761 poco después de su boda, fue contratado por el príncipe

Estherhazy, a cuyo cargo y dado con la tranquilidad que pudo trabajar, ya que
el príncipe era un gran adepto a la música, compuso sin descanso gran
cantidad de obras, e incluso dirigió representaciones de óperas, y obras
teatrales.
Esta época tan próspera llegaría a su término cuando, el príncipe
contrae matrimonio, a causa del cual empieza a perder interés por lo que hacía
Haydn, por lo que éste decide marcharse a Londres, en cuyo lugar es bastante
bien acogido, tanto económica, como artísticamente y es aquí donde compone
sus famosas sinfonías londinenses.

Sus últimos años los vivió en Viena, a cargo de Nicolás II, nombrando a
Haydn director de la capilla, y dejándole plena libertad, ya que lo único que le
pedía es que hiciera una misa por año, por que podía dedicar todo el tiempo
que quería a realizar composiciones a su gusto.

Entre sus obras más importantes podemos destacar:

- 104 sinfonías.
- 17 cuartetos de cuerda.
- Numerosas obras para instrumentos solistas y orquesta.

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- De su música vocal podemos destacar seis misas y dos oratorios, así
como varias óperas tanto de estilo italiano como alemán.
- 11 conciertos para piano, y varias piezas para teclado.

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