Su objetivo no es más que el de una herramienta que deberéis tener en cuenta a la hora de

crear vuestros personajes para animacion o ilustración, tanto si tienen un estilo mas realista,
mas comic o si lo tuyo es la creación de personajes cartoon. Principios o características que
debéis romper y utilizar en vuestro favor cuando vuestros diseños no funcionen.

Según Sergio Pablos los personajes son nuestra herramienta para contar una historia. Aquí no
se trata de de dibujar, si no de crear sentimientos y emociones al espectador. Por lo que si no
conocemos la técnica, por muy buena ilustración que hagamos, no sabremos comunicarlos. Y
es precisamente por este motivo que he tratado de reunir estos principios para que sepas
como hacer un buen diseño de personajes.

1. Personalidad

Dicen que somos lo que hacemos. Nuestra personalidad se refleja en nuestro físico, en
nuestra forma de pensar, nuestras reacciones e incluso en nuestra forma de vestir. Debemos
tener la capacidad de sugerir, en simple golpe de vista, quién es y cómo se siente nuestro
personaje, cuál es su historia, etc. Existen dos tipos de atributos que debemos tener en cuenta
a la hora de darle personalidad a nuestro personaje.

Los físicos y mas evidentes: Género, edad, ocupación, vestimenta, biotipo corporal, etc.

Los Psicológicos: Personalidad, historia, arco narrativo, motivaciones, intereses.

Un funcionario jubilado, un ricachón arrogante, una superviviente, un adolescente inadaptado,

… Son algunos tópicos que podríamos tener que representar y es aquí donde intervienen el
resto de principios que veremos a continuación; el lenguaje corporal, el gesto, la actitud…
Elementos que te ayudarán a transmitir los rasgos de su personalidad. Es por ello, que este
principio es el más relevante de todos.

2. Línea de Acción

La línea de acción es una o varias líneas imaginarias que dibujamos desde la cabeza hasta los
pies y atravesando la espina dorsal de nuestros personajes. Esa curva o línea de acción nos
ayudará a definir la actitud, la personalidad o el estado emocional de nuestro personaje. Esta
característica, además, nos ayudará a eliminar la rigidez y la simetría, a dar más énfasis a
nuestra pose y por lo tanto a conseguir un dibujo mucho más interesante.

Dibujar a nuestro personaje dentro de una línea de acción ininterrumpida nos ayudará a
entender mejor la pose, sus emociones y su personalidad. ¿Qué está haciendo? ¿Cómo lo
hace? incluso, ¿En qué está pensando? Esta es una máxima que guarda aún más sentido en el
mundo de la animación y que recoge el famoso libro Cartoon animation de Preston Blair. Os
dejo algunos ejemplos de sobre el uso de este principio aplicado a personajes.

3. Silueta (Shape)
El uso de formas básicas o primitivas es una fórmula que nunca falla. El círculo, el cuadrado, el
triángulo o incluso el uso de formas redondeadas o formas picudas definen el carácter de un
personaje. Estabilidad, desconfianza, autoridad, ternura, peligro, etc, son solo algunas de las
sensaciones que puedes transmitir solo con el uso de una forma u otra.

El uso de formas simples a la hora de diseñar un personaje va a hacer que nuestro espectador
perciba rápidamente su personalidad. Puedes usarlas de forma global, para definir su silueta
corporal o hacerlo de forma individual (Cabeza, manos, ropa,…).

4. Gesto

En el dibujo gestual buscamos líneas únicas y más o menos precisas con el objetivo de plasmar
en una idea rápida el gesto y el movimiento de nuestro personaje. Aquí no buscamos la forma
geométrica del personaje sino captar el ritmo o el gesto con la máxima rapidez y sencillez
posible.

No te pares a reproducir detalles, deja que el lápiz se deslice libremente por el papel,
siguiendo el movimiento del modelo. Esta primera aproximación nos proporcionará una idea
sobre lo que nuestro personaje está haciendo. Un flujo de líneas que hará que nuestro diseño
tenga ritmo y sea más interesante.

5. Anatomía

El conocimiento anatómico es esencial para crear personajes creíbles. Conozco grandes

diseñadores de personajes a los que la anatomía les suena completamente a chino. Sin
embargo, son artistas que llevan tanto tiempo dibujando que ya tienen una enorme biblioteca
mental y sus conocimientos sobre anatomía están tan interiorizados que la orientan de forma
intuitiva.

Aquí el objetivo de la anatomía no es crear personajes realistas, si no creíbles. Una buena

anatomía orientada al diseño de personajes te permitirá no solo aprender a dibujar seres
humanos o animales, sino que aprenderás a crear monstruos, criaturas y cualquier cosa que
necesites.

6. Estructura & Construcción

Construir a nuestro personaje nos ayuda a darle una estructura sólida. Se trata de crear
volúmenes tridimensionales para definir la anatomía de nuestro personaje. Este «esqueleto
volumétrico» nos facilita la lectura de nuestro personaje y le proporciona direccionalidad,
profundidad, tridimiensionalidad y unas proporciones coherentes. Este es, para mi, uno de los
mejores ejercicios para aprender a dibujar.

Por contra, podemos caer en la trampa de eliminar el gesto y acabar completamente con el
appeal de nuestro personaje. Creando un robot con unas proporciones anatómicamente
perfectas, pero carente de personalidad. Por eso, el proceso debería ser, en primer lugar, crear
nuestro personaje a partir de un gesto y una marcada línea de acción. A continuación,
construir encima los volúmenes para darle estructura, solidez y tridimensionalidad.
Es tan sencillo como definir geometrías básicas tales como esferas, cilindros y dibujar líneas de
superficie para definir cada elemento de la anatomía de nuestros personajes. Esto nos dará el
overlapping que necesitamos para simular la profundidad y la superposición de unos
elementos sobre otros. Es, además, en este punto donde entra en juego la perspectiva, que
podemos utilizar para posicionar, por ejemplo, los pies a profundidades diferentes, crear un
escorzo, usar una vista en 3/4, etc.

7. Volumen

Este principio guarda una estrecha relación con el anterior. Una vez hemos construido la
estructura podemos definir la volumetría (simular volumen) a través de dos cosas. La
superposición de unos elementos sobre otros y el uso de la luz y las sombras.

En resumen, cuando ilustramos en un papel (o una pantalla), en realidad estamos trabajando

en 2 dimensiones. Por lo que la tercera dimensión (la profundidad) debemos crearla simulando
volumen y profundidad. Aunque este es un trabajo que deberéis representar sobre un papel,
una buena forma de aprender volumen es estudiar escultura, ya sea de forma tradicional o
digital.

8. Color

El color es quizá el aspecto más importante a la hora de generar emociones. Existen cientos de
estudios y libros sobre el uso del color y cómo afecta sobre nosotros. Comprende un campo
tan amplio que habría que dedicarle un blog entero.

En el caso del uso del color en el diseño de personajes debemos tener en cuenta dos factores.
La elección del color principal que otorgará la personalidad de nuestro personaje (El color
predominante de su ropa o el tono de su piel). Por otro lado, el uso de colores secundarios que
complementen y acentúen el color principal.

Es importante que sepamos elegir gamas de colores fríos o cálidos en función de dicha
personalidad. Pero cuidado con esto. Los rojos pueden suponer calidez, pero también peligro.
Los azules representan el frio, pero también tranquilidad, bondad, …

Sin embargo, a veces sucede que tomamos decisiones sobre el color de nuestros personajes
sin tener en cuenta el contexto en el que se va a desarrollar su historia. Por ejemplo, en la
película Vaiana (Moana) nuestra protagonista aparece durante el 90% de la película rodeada
del azul del mar. Tiene sentido que la elección de su atuendo (naranjas / rojos) favorezca y
complemente el color de su entorno.