REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN

INSTITUTO UNIVERSITARIO TECNOLÓGICO INDUSTRIAL RODOLFO LOERO
ARISMENDI
SUBDIRECCIÓN ACADÉMICA NACIONAL
DISEÑO GRÁFICO – TRIMESTRE II
HISTORIA DEL DISEÑO Y LA ARQUITECTURA II - UNIDAD II

Origen del diseño gráfico

Autora:
Sara Fragoza
C.I: 31.557.708
Porlamar, 18, de febrero del 2024
 2.1 EL Arte moderno
El arte moderno es un período de la historia del arte que abarca desde finales del siglo
XIX hasta mediados del siglo XX. Se caracteriza por la reinterpretación y el rechazo de los
valores estéticos tradicionales. El arte moderno abarca muchos estilos diferentes, como la
pintura, la escultura, las artes decorativas y la arquitectura.
El valor dominante de las artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de
la naturaleza o su condición literal. Además está asociado a una serie de transformaciones
asociadas a los profundos cambios económicos, políticos, sociales y culturales derivados
de la revolución industrial vivida en la Europa de finales del siglo XIX. Precede al periodo
de arte contemporáneo que se inicia después de la guerra. Comienza con el movimiento
impresionista y pintores como Edgar Manet y termina con la aparición del Pop Art.
El arte moderno se compone de varios movimientos artísticos (cubismo, futurismo,
surrealismo, impresionismo, expresionismo, art brut, etc.), pero su característica común es
que estos movimientos están en ruptura con las reglas y cánones del arte clásico,
especialmente en lo que se refiere a la figuración. En efecto, durante este periodo, los
pintores, escultores o dibujantes ya no intentan representar la realidad de forma fiel, como
sucedía en los siglos anteriores, sino mostrarla de forma diferente o liberarse de cualquier
deseo de realismo.
Destaca la aparición de la fotografía como nuevo medio de arte visual ha tenido una
serie de repercusiones en los artistas. En primer lugar, lo ven como una razón más para
alejarse de lo figurativo y de los cánones del arte clásico. La fotografía será también una
nueva fuente de inspiración y un medio de trabajo: los artistas fotografían paisajes u
objetos y luego los plasman con mayor o menor fidelidad en sus obras.

Cubismo
El Cubismo fue un movimiento artístico que nació en Francia entre los años de 1907 y
1914. Fue fundado por los artistas Pablo Picasso y George Braque y Su impacto fue tal que
se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido
contemporáneo.
Estuvo encabezado por los famosos artistas Juan Gris, entre otros; pero con
anterioridad, Paúl Cézanne ya habría marcado el camino, quien rompió la corriente del
impresionismo. Se caracteriza por el uso de formas geométricas, como los rectángulos, los
triángulos y los cubos. El cubismo rompe con los modelos estéticos que solo valoraban la
perfección de las formas. El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe
con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los
cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza
por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se caracteriza por:
 Formas geométricas: Uso de figuras geométricas como cubos, cilindros,
triángulos y rectángulos.
 Paleta de colores monocromática: Uso de colores grises, verdes y marrones.
 Plano de imagen aplanado: Poca perspectiva y profundidad espacial.
 Técnicas mixtas: Aplicación de técnicas como el collage y la tipografía.
 Múltiples perspectivas: Aplicación de múltiples perspectivas y fragmentación de
líneas y superficies.
 Influencia del arte africano y primitivo: Influencia de las artes africanas y
primitivas.
  Abstracción y simplificación geométrica: Descomposición de formas y
simplificación geométrica.

Dadaísmo
El dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió en Europa (ciudad suiza de Zúrich)
en el año 1916. También conocido como movimiento Dada, esta vanguardia fue creada por
un grupo de artistas (pintores, escritores y poetas) de la Primera Guerra Mundial
refugiados en 1916 en Zurich, Suiza. Se extendió a una gran variedad de manifestaciones
artísticas, desde la poesía a la escultura, pasando por la pintura o la música. El arte, la
poesía y las representaciones producidas por los artistas dadaístas suelen ser de naturaleza
satírica y sin sentido. El dadaísmo también es conocido como movimiento Dada.
El movimiento se caracterizó por oponerse al positivismo y a las tradiciones literarias y
artísticas. Los dadaístas buscaban romper con las convenciones establecidas y cuestionar la
lógica y la razón.
Fue fundado por el alemán Hugo Ball (1886-1927), pero su representante más icónico
fue el rumano Tristán Tzara (1896-1963). Tzara fue un poeta, líder y fundador del
movimiento, que también es conocido por el seudónimo Samuel Rosenstock. Tzara
escribió los primeros textos del dadaísmo y sus manifiestos conocidos como Siete
manifiestos dadá.
Otros representantes del dadaísmo son:
Marcel Jank, Jean Arp, Hans Richter, Richard Huelsenbeck, André Bretón, Guillaume
Apollinaire, Louis Arangón, Pablo Picasso, Vasili Kandinski, Giuseppe Ungaretti, Marcel
Duchamp.
El dadaísmo suele ser una sucesión de palabras, letras y sonidos a la que es difícil
encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso,
y por la constante negación. Se caracteriza por:
 Rebeldía: Se opone a las convenciones artísticas y literarias, y se burla del artista
burgués y de su arte.
 Irreverencia: Se opone al positivismo, un pensamiento científico basado en la
razón.
 Humor: Se basa en lo absurdo y en lo carente de valor.
 Crítica: Es una crítica aguda en contra de la sociedad occidental.
 Provocación: Utiliza medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el
escándalo, la provocación.
 Carácter provocador e irreverente: Se opone a la idea de una belleza eterna, a las
leyes de la lógica y a la inmovilidad del pensamiento.
 Constante negación: Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte,
lo fantasioso, y por la constante negación.

Surrealismo
El surrealismo es un movimiento artístico y literario que comenzó en Europa en la
década de 1920. El movimiento se caracterizó por expresar imágenes irracionales. El
objetivo del surrealismo era explorar el inconsciente y los sueños a través del arte y la
literatura. Surgió como reacción a las atrocidades de la Primera Guerra Mundial y a los
valores culturales y políticos de la época. El movimiento se concibió como una forma
revolucionaria de pensar y expresar las ideas. se desarrolló entre 1920 y 1930 en Francia y
se caracterizó por reunir artistas visuales, escritores, poetas y cineastas. El movimiento se
extendió por toda Europa y nació en torno al grupo Dadaísta de París.
André Breton (1896-1966) es considerado el padre del surrealismo. En 1924, Breton
publicó el Manifiesto del surrealismo, una obra que apoyaba la libre expresión y la
liberación del subconsciente. El manifiesto estipulaba la teoría del surrealismo y los
métodos para crear obras de arte alejadas de la realidad. Algunas de sus características son:
 Representaciones del inconsciente, fantasías y sueños
 Elementos oníricos e irracionales
 Técnicas que buscan la libertad de creación y olvidando la razón
 Automatismo psíquico puro
 Teoría de lo inconsciente y de lo irracional
 Influencia del psicoanálisis de Freud
 Reniego de la moral y las convenciones
 Arte bizarro

Abstaccionismo
El abstraccionismo es una corriente artística que se aleja del arte figurativo y no busca
imitar ni reproducir elementos reales o naturales. El abstraccionismo se puede considerar
como el movimiento que resulta del impresionismo.
El Arte Abstracto nace en 1910, pero este movimiento artístico surge como resultado de
una tendencia que comienza a finales del siglo XIX con Gauguin, Van Gogh y Cézanne,
continuando con el Fauvismo, Cubismo y Futurismo, donde el Arte Abstracto va tomando
forma para romper con lo conocido hasta entonces.
El creador del abstraccionismo Wassily Kandinsky. Ruso, alemán y después francés, el
pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este
arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del
arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal.
El arte abstracto se basa en elementos como la línea, el punto, el color y el material
como lenguaje autosuficiente e independiente de la reproducción de objetos reconocibles.
Se caracteriza por:
 Oponerse al modelo renacentista y al arte figurativo
 Ser no representativo
 Ser subjetivo
 Carecer de objetos reconocibles
 Valorar las formas, colores, líneas y texturas
 Representar objetos y escenas alejadas de la realidad
 Protagonizar los elementos plásticos
 Basarse en elementos como la línea, el color, el punto y el material como
lenguaje autosuficiente para expresar una idea, concepto o emoción sin que sean
reconocibles

Cinetismo
El cinetismo es una corriente artística que surgió en París a mediados del siglo XX. Es
una tendencia de la pintura, escultura y artesanía contemporáneas que busca producir la
impresión o ilusión de movimiento. El término "cinético" proviene del griego kinesis
(movimiento) y kinetiko (móvil). Está principalmente representado en el campo de la
escultura, donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. La mayoría
de las obras cinéticas son tridimensionales y se despegan del plano bidimensional.
El artista húngaro-francés Víctor Vasarely (1906) es considerado el creador del
cinetismo óptico. Vasarely inició su carrera artística en la década de 1930 como diseñador
gráfico. Su obra Zebra es considerada la obra pionera de esta corriente artística.
El arte cinético tiene mayores representantes como Claude Monet, Edgar Degas y
Édouard Manet.
Entre los pioneros del arte cinético figura el estadounidense Alexander Calder (1898-
1976), quien alcanzó la fama mundial con sus esculturas móviles colgantes, que tienen
entre cuatro y cinco metros de altura. Algunas de sus características son:
 Movimiento
 Estructura: Las obras cinéticas están compuestas por una amplia gama de figuras
geométricas, líneas rectas o paralelas.
 Realismo: La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales y el
movimiento es real, no virtual.
 Participación del espectador
 Percepción
 Planificación: Para realizar la obra, el artista se plantea y sigue una estructura
rigurosamente planificada.

Op – ART
El Op Art, o arte óptico, es un movimiento artístico abstracto que utiliza ilusiones
ópticas para crear imágenes abstractas. Aunque la historia del Op Art se remonta a antes de
la Primera Guerra Mundial, es a partir de la Segunda Guerra mundial cuando aparece una
generación nueva de artistas abstractos que buscaban una participación activa del
espectador en sus obras. Se desarrolla en los años 60, basada en la composición pictórica
de fenómenos puramente ópticos. Los orígenes del Op-Art se remontan a las teorías de
pintura de antes de la guerra. Entre ellas se encuentran las ideas constructivistas de la
escuela de diseño Bauhaus de la década de 1920 en Alemania
Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op
art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se
basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda
suerte de ilusiones ópticas.
Vasarely, de origen húngaro, trabajó en Francia desde 1930. Se considera que sus
aportaciones sobre los efectos del color a partir de formas geométricas y en la creación de
perspectivas son fundamentales para el Op Art.
Otros artistas fundadores del Op Art son: Yaacov Agam, Bridget Riley, Jeffrey Steele,
Richard Anuszkiewicz, Michael Kidner.
El Op Art utiliza figuras geométricas simples, como rectángulos, cuadrados y
triángulos, para crear en el espectador una sensación de movimiento en la superficie de la
pintura. Los elementos dominantes del Op Art son:
 Líneas paralelas rectas o sinuosas
 Contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos
 Cambios de forma o tamaño
  Combinación o repetición de formas o figuras
 El Op Art también se basa en que el observad

Art- POP
El arte pop (Pop Art) es un movimiento artístico que surgió en la década de 1950 en el
Reino Unido (Gran Bretaña) y Estados Unidos a finales de la década de 1960 a mediados
del siglo XX. Se inspiró en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la
época. fue una respuesta al expresionismo abstracto que imperaba en las artes plásticas de
la época. El movimiento estuvo fuertemente influenciado por la publicidad, el consumismo
y la cultura de masas. Los artistas de este movimiento se basaron en gran medida en las
imágenes de los anuncios publicitarios y trataron de reproducir este estilo llamado “kitsch”
en sus obras.
Utilizó elementos que antes no habían sido considerados dentro del mundo del arte,
como los objetos industriales, los carteles, los dibujos animados, el cómic, las ilustraciones
de las revistas, la comida rápida y el mobiliario de las casas y cocinas.
Andy Warhol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928-Nueva York, 22 de febrero de 1987) fue
un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento
y desarrollo del pop art. El artista Richard Hamilton, fue quien definió por primera vez el
arte pop en 1957 y el término "arte pop" fue utilizado por primera vez por el crítico
británico Lawrence Alloway en 1962.
Algunos artistas considerados precursores del movimiento pop son: Marcel Duchamp,
Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst, Jean Arp.
El movimiento se caracterizó por el uso de imágenes de la cultura popular, como
anuncios publicitarios, cómics y objetos culturales. se caracteriza por su estilo visual
llamativo y colorido. Los artistas a menudo utilizan colores brillantes y contrastantes para
llamar la atención del espectador. Además, suelen aplicar técnicas de impresión y
serigrafía para lograr efectos visuales impactantes.
arte pop se caracteriza por:
 El uso de técnicas y materiales de impresión no tradicionales
 La búsqueda de un impacto visual en el espectador
 La repetición de imágenes y símbolos para crear series
 El uso de imágenes icónicas o reconocibles de la cultura popular
 Una fusión de bellas artes y cultura popular
 Una crítica al consumismo

2.3 El constructivismo
El constructivismo es un movimiento artístico y cultural del siglo XX que se centra en
la creación de obras basadas en la construcción, la geometría y la abstracción. Está basado
en la idea del funcionalismo, la simbiosis de la tecnología y el arte, así como el uso de
materiales industriales modernos. El constructivismo se basa especialmente en la corriente
que proponía el movimiento del cubismo. Los constructivistas creen que el arte debe
reflejar de manera directa el mundo de la era industrial. La pintura, el diseño gráfico, la
fotografía o el cine nos muestran su influencia, pero fue en la arquitectura donde encontró
su aplicación más concreta y más revolucionaria. Se caracteriza por la abstracción
geométrica, la simplificación de formas, el énfasis en la función práctica y la fusión entre
el arte y la tecnología.
 Suprenatismo
El suprematismo, que comienza hacia 1915, fue una vanguardia artística desarrollada en
Rusia y que tuvo como telón de fondo las turbulencias de la Primera Guerra Mundial y la
revolución de ese país ante el régimen zarista, que concluye tiempo después con la
instalación de la Unión Soviética. Se trata de una práctica artística basada en formas
abstractas y caracterizadas por "la supremacía del sentimiento artístico puro".
Rechaza el arte convencional y busca apelar a la sensibilidad a través de una imagen
visual abstracta geométrica. Se centra en las figuras fundamentales, como el cuadrado y el
círculo, para así explorar las capacidades expresivas de ciertas estructuras por sí mismas.
El suprematismo surgió en forma paralela al constructivismo. Uno de los artistas más
famosos del siglo XX, Kazimir Malévich, creó a mediados de la década de 1910 una
tendencia de arte abstracto que bautizó como “suprematismo”.
El suprematismo ha influido en pintores, arquitectos o diseñadores de todo el mundo.
Una de las obras más icónicas del siglo XX es Cuadrado negro sobre fondo blanco de
Kazimir Malevich.

Modernismo gráfico post cubista

El modernismo gráfico poscubista es un movimiento artístico que se desarrolló entre
1920 y 1930. Algunos diseñadores gráficos que incorporaron el cubismo a sus obras fueron
E. McKnight Kauffer, de Londres, y A.M. Cassandre, de París.
Es una mezcla de movimientos anteriores, sin normas ni lógica. El diseño no tiene que
ser funcional, sino visual. La intuición, la imagen ambigua y el desorden visual son los
elementos principales. El observador debe interpretar el mensaje.