TEMA 2.
Las trayectorias poéticas de Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez
1. ANTONIO MACHADO (Sevilla, 1875 - Colliure, 1939)
1.1. IDEAS FILOSÓFICAS
Antonio Machado fue un ateo insatisfecho que siempre “buscó a Dios”. Al igual que
Unamuno al que definió como poeta torpe pero gran filósofo, siempre estuvo preocupado por el
1 tema de la fe. La falta de fe se puede suplir buscando la soledad, “la otredad” del alma, es el
presentimiento y la nostalgia de Dios en el hombre. Machado no fue un escéptico, sino un buscador
de la fe. Unamuno ocultaba su incredulidad bajo la duda, Machado cree en la nada; de ahí brotan
su metafísica y su poesía. Al no encontrar la fe, su interior se refugia en el pesimismo y la ironía,
nunca en la burla. Siempre desemboca en la nostalgia por una fe de la que carecía.
En Soledades está el punto de partida, las experiencias de la niñez y la juventud (“un pasmo
del alma”, asombrada ante las cosas y ante sí misma). En la madurez de Campos de Castilla, tras la
muerte de Leonor, se vuelve irónico, le falta Dios, en el fondo de su corazón espera como el olmo
“otro milagro de la primavera”. En su última etapa aparece la angustia existencial, marcada por la
inquietud ante la muerte. La muerte es concebida como una realización de la existencia, no como
un acontecimiento que la interrumpe.
La deuda ideológica con Unamuno es muy fuerte (le dedicó libros y poemas, artículos
periodísticos y la correspondencia entre ambos es abundante).
La idea central de su poesía es captar la esencia de las cosas por medio de su fluir temporal.
El interés de Machado por el tiempo (Bergson, Heidegger) es un deseo de que la poesía sea
atemporal, no lógica; intuitiva, no elaborada hasta el límite (como en el Barroco). Leía a Manrique,
Bécquer, el Romancero y Bécquer. Entre sus contemporáneos reconoció el genio de Guillén, Salinas,
Lorca, Alberti y Dámaso Alonso.
1.2. POÉTICA
Se suele situar a Machado entre el Romanticismo tardío y el Simbolismo por su voluntad
antirretórica, su sobriedad y su intimismo (influencia de Bécquer y Rosalía de Castro).
Su lenguaje es denso y profundo, aunque manifiesta gusto por la sencillez, la naturalidad y
la expresión directa; es una poesía esencial. Muestra admiración por Rubén Darío, pero condena
los excesos modernistas y barrocos, si bien reconoce la obra de Góngora y Calderón.
Hay una triple concepción del poeta: el cantor herido por la fatalidad que busca los enigmas
del corazón, el hombre reflexivo que medita sobre el destino y la historia y el poeta místico que
canta desde el alma. Esta última es la fundamental. Los tres grandes temas de su poesía son el
tiempo, el sueño y el amor.
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En su poesía el “tempo” es lento, moroso. Hay una intención musical, el verso transcurre
con mayor o menor rapidez; es él quien indica cómo se ha de leer por medio de una acentuación
intensa, con ahínco, aproximando los acentos. Abundan las sílabas cerradas o trabadas y las
sinalefas. Utiliza con profusión las personificaciones, la sufijación con diminutivos, las
exclamaciones retóricas, que abundan en sus diálogos consigo mismo. Era también aficionado a
2 arcaísmos, onomatopeyas, citas, aliteraciones, antítesis, repeticiones…
Su obra es humana, sencilla, como el autor y su “torpe aliño indumentario”. Siempre
intentó escribir sobre los universales del sentimiento con sobriedad expresiva.
El vocabulario machadiano está relacionado con la vejez, la melancolía y la muerte, el hastío,
los tonos apagados, la temporalidad de los adverbios. También aparecen referencias léxicas a lo
sobrenatural y lo fantástico.
“La poesía es diálogo de un hombre con su tiempo”
1.3. TRAYECTORIA POÉTICA. EVOLUCIÓN DE SU OBRA
La obra poética de Machado suele clasificarse en tres etapas según sus inquietudes:
▪ Primera etapa (1889-1907). Intimismo simbolista. En el poemario Soledades se
encuentran algunas claves de esta etapa como son el subjetivismo y la mirada que lleva a
cabo el poeta hacia su interior.
▪ Segunda etapa (1907-1917). Castellanismo regeneracionista. Representada por Campos
de Castilla. La poesía de Machado se vuelca más hacia el exterior.
▪ Tercera etapa (1917-1926). Poesía filosófica y folclórica. En Nuevas Canciones
desaparece la sentimentalidad y se abre paso a lo filosófico y lo aforístico.
1.3.1. Soledades (1903)
Esta obra tuvo una primera edición en 1903 más breve que la definitiva formada por 42
poemas cortos reagrupados en cuatro secciones: -“Desolaciones y melancolías” -“Del camino” -
“Salmodias de abril” -“Humorismos”
El libro fue escrito entre 1899 y 1902 según el propio Machado. En esta época admiraba
a Rubén Darío pero no quiso seguirlo porque pensaba que el elemento poético no era formal sino
“una honda palpitación del espíritu”. El poeta, en una mirada introspectiva, puede vislumbrar los
universales del sentimiento. Junto con los añadidos de 1907 constituyen una misma obra.
Utiliza recursos expresivos modernistas, pero con un modernismo intimista, más cercano
al Romanticismo de Bécquer y Rosalía en sus temas: el tiempo, la muerte, Dios, el destino del
hombre, los recuerdos nostálgicos de la infancia y el amor (más soñado que vivido). El amor aparece
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envuelto en un “aroma de ausencia”, suele haber algo que lo separa de la amada. En la obra se
reconoce o se presiente la imagen de una mujer, la necesidad de amor y la sed de amar.
En la métrica incluye alejandrinos, dodecasílabos y hexasílabos y la silva asonantada es su
expresión más habitual.
Envía el original dedicado “A don Miguel de Unamuno. Al Sabio y al Poeta. Devotamente.
3 Antonio Machado”.
1.3.2. Soledades, galerías y otros poemas (1907)
Consta de 96 poemas repartidos en seis partes: “Soledades” (19 poemas), “Del camino”
(18 poemas), “Canciones” (8 poemas), “Humorismos, fantasías, apuntes” (15 poemas). Hasta aquí
incluye 29 poemas de 1903 y elimina los más extremadamente modernistas. “Galerías” (31
poemas) y “Varia” (5 poemas).
El conjunto es heterogéneo, carece de armonía. Refleja la incertidumbre del poeta. La
métrica es más variada (heptasílabos, octosílabos y endecasílabas) y se insiste en una cierta
preferencia por la silva. Se aprecia una ligera evolución: un cierto abandono del subjetivismo y del
solipsismo estéril y un avance hacia la objetividad y la solidaridad.
Avanza en la línea intimista y el monólogo lírico; se acentúa la nostalgia de la infancia y la
melancolía de la juventud perdida (32 años). Se incrementa la tristeza, lo sombrío, lo otoñal y lo
crepuscular. Los símbolos a los que recurre para expresar este intimismo son los siguientes: galerías
(espejos, criptas, laberintos que representan el alama del poeta buscando recuerdos, la fe, la verdad
y el sentido de la vida), el jardín (intimidad), el parque (escenografía intimista), la tarde (motivo
temporal que denota monotonía o incluso premonición de la muerte), el agua y la fuente (símbolos
de anhelos, ilusiones o también monotonía de vivir), el río que fluye (río=vida y muerte=mar,
influencia de Jorge Manrique), la noche, la luna, las estrellas, la noria, el camino…
1.3.3. Campos de Castilla (1912/1917)
Aunque se editó por primera vez en 1912, Machado siguió añadiendo nuevas
composiciones y editó un nuevo poemario con el mismo título en 1917, donde ya se incluyen los
poemas escritos en Baeza. Pasa de los sentimientos individuales a los colectivos, del yo al nosotros.
Los temas fundamentales son Soria y Leonor, su esposa fallecida, así como las referencias
que responden a una preocupación patriótica por el pasado, el presente y el futuro de España con
actitud crítica. Otro tema fundamental es el paisaje como cauce expresivo de los sentimientos, como
contemplación y evocación.
Incluye el largo romance “La tierra de Alvargonzález” e inicia un tipo de poemas muy
breves, líricos, filosóficos o basados en coplas populares que abundarán en obras posteriores.
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1.3.4. Nuevas canciones (1920-1924)
En esta obra vuelve a lo filosófico y lo gnómico (sentencias y reglas morales condensadas
en pocos versos), al agotamiento lírico. Son poesías heterogéneas que siguen la decadencia que se
apreciaba ya al final de Campos de Castilla. Tiende al epigrama, al aforismo, cercano al “haiku”
japonés. Machado estaba entonces al margen de la renovación poética que se estaba produciendo
4 entre los poetas del 27 y esta obra no fue bien recibida.
El amor y el ensueño aparecen de modo más complejo que en obras anteriores, siempre
acompañados de frustración, recuerdos y olvido. Hay coplas galantes, nostálgicas...; a veces entona
el “adiós al amor”. En esta época estaba viviendo en Segovia, allí nació su idea de los apócrifos. Por
entonces publicaba en la Revista de Occidente y en Alfar, de A Coruña.
1.3.5. Apócrifos
La creación de los heterónimos data de 1926 (Abel Martín) y de 1934 (Juan de Mairena).
Son poetas, filósofos y tienen vocación de periodistas. Dan unidad a lo que de otro modo sería
inconexo y permiten al autor mayor audacia en sus manifestaciones. Lo mismo hizo José Martínez
Ruiz “Azorín”, Pío Baroja con “Silvestre Paradox”, Valle-Inclán con el Marqués de Bradomín o
Unamuno con sus Don Quijote y Sancho.
La reflexión de Abel Martín, poeta y filósofo sevillano (1840-1898) se centra en una teoría
del amor cuyo punto de partida es el culto apasionado a la mujer. Juan de Mairena, discípulo del
anterior, es menos solitario, menos metafísico. Sus comentarios se basan en cuestiones literarias,
filosóficas, metafísicas, políticas, pedagógicas y estéticas. Su teoría del conocimiento se basa en el
“amor a la verdad”.
1.3.6. Últimas lamentaciones de Abel Martín. Cancionero apócrifo. (1933)
Publicado en la revista Mediodía de Sevilla. Es un poema formado por 44 versos dividido
en tres partes. Es un largo lamento, una larga introspección. Utiliza un doble, el niño que el poeta
fue en otro tiempo, que surge como un espejismo.
1.3.7. Canciones a Guiomar (1933)
Son 5 poemas en los que la amada aparece de manera fugaz, nunca descrita. No canta su
amor, sino que se lo dice a su amada, a la que confiesa los estremecimientos de su corazón y su
fantasía. El nombre de Guiomar está tomado de la esposa de Jorge Manrique (el nombre rima con
Pilar, el nombre real de la amada).
1.3.8. Otras canciones a Guiomar (1936). Aparecido en la recopilación de sus poemas. Tono más
sombrío tras la marcha de Guiomar a Portugal en 1935. No se canta el amor sino el olvido.
2. JUAN RAMÓN JIMÉNEZ (Moguer 1881 – Puerto Rico 1958)
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2.1. INTRODUCCIÓN. EL NOVECENTISMO
1910.- Agotados el Realismo y la ideología burguesa, los del 98 se dan cuenta de que nace una
nueva generación más científica y sistemática que la suya. Con la Guerra mundial se replantean la
posición de España frente a Europa.
5 1911. Residencia de Estudiantes, Instituto Escuela desde 1912.
1914. Ortega y Gasset pronunció el 23 de marzo la conferencia titulada “Vieja y nueva política”
en el madrileño Teatro de la Comedia. “La Restauración, señores, fue un panorama de fantasmas,
y Cánovas el gran empresario de la fantasmagoría”.
Nómina: José Ortega y Gasset, Ramón Pérez de Ayala, Gregorio Marañón serían el núcleo del
grupo; también pertenecerían: Juan Ramón Jiménez, Gabriel Miró, Américo Castro, Manuel Azaña,
Salvador de Madariaga, Claudio Sánchez Albornoz, Ángel Herrera, Eugenio D’Ors. Publicaban en
torno a la revista España, y se reunían en la tertulia del Café de Pombo.
Presentaban preferencia por lo urbano, y un punto de vista estético basado en la “deshumanización”
del arte (Ortega, 1925). Su estilo está representado por la pulcritud, clasicismo, la voluntad de ser
un arte para minorías, “arte puro”, la preocupación por la forma, por la obra bien hecha, el uso de
poemas en prosa.
Juan Ramón Jiménez mostró siempre una personalidad solitaria, era hiperestésico,
maníaco-depresivo, hipocondríaco, preocupado por la fugacidad de la vida. Adepto al panteísmo
(el Universo, la naturaleza y Dios son equivalentes, Dios es todo y todo es Dios), hermético.
También solidario con la ayuda para exiliados en América.
Totalmente entregado a la Obra, su intento de lograr una poesía pura que lo lleva a revisar,
corregir, evolucionar. Su preocupación formal se manifiesta incluso en las revisiones de imprenta,
la elección del papel, la tipografía… Su ideal de poesía es la BELLEZA, pero está llena de
melancolía y de dolor; es CONOCIMIENTO, penetración en la esencia de las cosas; es la
expresión de ansia de ETERNIDAD, él estaba obsesionado por la fugacidad de las cosas, de ahí
su panteísmo y su conciencia creadora.
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2.2. TRAYECTORIA POÉTICA
2.2.1. 1ª ETAPA, SENSITIVA, hasta 1915
Comprende todas sus obras hasta la publicación de Diario de un poeta recién casado (1916).
Fuentes: Simbolismo francés, la poesía de raíz arábigo-andaluza y la mística española.
Influencias: Bécquer, Rosalía y la poesía de cancionero, el Romancero Viejo y el
6 Modernismo.
Métrica: romances, versos alejandrinos, sonetos y versolibrismo.
Lenguaje: la lengua hablada, poemas abiertos con títulos en plural que admiten la
posibilidad de continuación.
Tono: tristeza, melancolía, languidez, nostalgia.
Es una poesía subjetiva, impresionista, él ve la naturaleza a través de la impresión que le
causa. Los sentimientos, las sensaciones y los estados de ánimo se reflejan con precisión. Hay
introspección erótica, cercana a la ruptura vanguardista, más que al Modernismo.
El mundo poético está lleno de naturaleza (jardines, parques, fuentes, claustros…), la
atmósfera es vaga, suave. Hay también interiores, como salones elegantes típicamente modernistas.
Los temas que abundan son: el paso del tiempo, la muerte, la crisis de fe, el amor intemporal, la
belleza exaltada y la sed de eternidad.
Llamó a las obras de esta época “borradores silvestres”, hay en ellos ejes de contenido que
atraviesan su obra. Esta etapa presenta una estética unitaria, en la que se establece una relación entre
tradicionalidad y popularismo; todo ello en un contexto romántico y modernista.
a) 1899-1907
En esta etapa priman la espontaneidad y la sencillez formal y la métrica tradicional. Las
características son sentimentalismo, melancolía, sensualidad, alegría, primavera. Se inspira en la
naturaleza. También aparecen el paso del tiempo y la muerte.
1900: Almas de violeta, Ninfeas. No los incluyó en antologías, los consideraba “libros
amarillos”, la crítica le fue desfavorable. Los prólogos iban firmados por Francisco
Villaespesa y por Rubén Darío. En sus “borradores silvestres”, “Plegaria” recuerda a
Espronceda y a Núñez de Arce, son versos de duda, de búsqueda de respuestas a la verdad,
a la muerte, a la finalidad última. Rechazo de cualquier religión convencional: “Vanidad”
(“iremos a la nada”). En “Nocturno”, “Horrible máscara”, “El paseo de carruajes”, “Farsa
triste” aparece subrayada la locura de someterse a los placeres sensuales, destaca lo efímero
de la felicidad y la vanidad de las ilusiones. “Nubes” de Almas de violeta recibe la influencia
de Byron y de Mallarmé. “La niña muerta” está cerca de los poetas metafísicos.
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Pero Juan Ramón Jiménez renunció a estos libros. Años más tarde, después de haber concebido
una feliz “incertidumbre”, no quiso volver atrás.
1902: Rimas, (decepción con el exceso modernista; regresa a Bécquer para explorar las
posibilidades simbolistas de la tradición popular); recibió críticas positivas.
1903: Arias tristes, de tono becqueriano, trata la soledad y la melancolía, la tristeza. Recurre
7 frecuentemente a la personificación, la acumulación, las imprecisiones.
1904: Jardines lejanos, la mujer (monjas, novias, mujeres desnudas, heroínas), la belleza, el
sentimentalismo romántico.
Olvidanzas, obra complicada, con rupturas silábicas y paralelismos. Pastorales, publicado
en 1911. Baladas de primavera, publicado en 1910: alegría, tono juguetón. Estampas de la
vida en Moguer. La naturaleza campesina, no hay jardines interiores. Colorido y variedad
métrica, uso de estribillos.
b) 1908-1915
Es la etapa de Madrid y del encuentro con Zenobia. Hay más preocupación formal que se
refleja en el uso de encabalgamientos y de ritmos marcados, variedad métrica, sobre todo arte mayor,
rimas difíciles, poco habituales; adjetivación colorista, léxico sugerente. Es una poesía más sensorial,
Del Modernismo adopta la tristeza, el intimismo y el uso de flores y pájaros.
1908-1910: Elejías, Elejías puras, Elejías intermedias, Elejías lamentables, Cien poemas. El
tono es triste, como es habitual en él. Se queja de la ausencia del amor en su vida. La mujer
aparece indefinida. El blanco será el color del ideal; el negro, su estado de ánimo habitual
y el símbolo de lo impuro.
1911: La soledad sonora, versos alejandrinos, cada vez más íntimo. Poemas májicos y
dolientes, alejandrinos, endecasílabos, heptasílabos y romances. Es poesía, cada vez
más desnuda presagia una poesía de búsqueda incesante de la belleza total.
1914: Platero y yo (prosa poética)
2.2.2. SEGUNDA ETAPA, INTELECTUAL, 1915-1936.
En esta etapa, además de la publicación de dos de sus obras más representativas, Diario de
un poeta recién casado y Segunda Antolojía Poética, se caracteriza por una reelaboración de toda
su poesía anterior, suprimiendo de su obra sus dos primeros libros y algunos otros poemas,
corrigiendo incansablemente su producción, tarea que continuaría durante el resto de su vida. Si
pretendiéramos encontrar la clave que aúna la obra de JRJ podríamos decir que se trata de un viaje
al conocimiento de sí mismo. El subjetivismo con el que siempre interpretó la naturaleza, junto con
el deseo constante de soledad fueron sus formas de buscar la belleza.
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1914-5: Sonetos espirituales, tensión entre sentimiento y pensamiento. Pretensión de
exactitud elevada a norma, reducción del yo poético hasta el puro pensamiento. Erotismo.
1916: Estío, rima asonante, polimetría. Poesía del intelecto. Intensa depuración poética.
Trasunto del poema “Mutability” de Shelley.
1917: Diario de un poeta recién casado, su mejor obra según él. Poemas en versos blancos,
8 en versos libres. No hay color, solamente luz. Poesía conceptual, abstracta, sin anécdotas.
También emplea prosa poética o poemas en prosa.
El tema es el MAR, símbolo de la vida, de la soledad, del deseo, de eternidad y de plenitud,
también representa la nada, la angustia… El hombre es finitud, el mar es eternidad, el infinito. La
fusión con la naturaleza consigue vencer la tristeza. Pero continúan los accesos de desesperanza. Es
una poesía desnuda, pura, que desató ecos en los poetas del 27. Es la crónica de un viaje interior:
descubrimiento de lo otro, olvido del propio yo. Hay prosa (referida a la opresión de lo natural en
la costa este de los EEUU, sobre todo en Nueva York) y verso, reflexiones profundas y apuntes,
leves observaciones. Preocupación por la inefabilidad del lenguaje.
1916-7: Eternidades, búsqueda del nombre exacto de las cosas.
1917-8: Piedra y cielo, ansia de identificación con la belleza.
1923-4: La estación total, publicado en 1943 con Canciones de la nueva luz. Eternidad,
plenitud, pretende abolir el paso del tiempo.
2.2.3. TERCERA ETAPA, 1936-1958. SUFICIENTE O VERDADERA
Comprende la obra escrita en el exilio americano. Alterna la edición de libros que contienen
poemas anteriores al exilio con la publicación de poemas en revistas.
1936-42, En el otro costado, incluye “Espacio”, poema en prosa, originalísimo.
1948-9: Dios deseado y deseante, misticismo, metafísica, panteísmo. Tensión creadora.
Voces de mi copla, Romances de Coral Gables, Animal de fondo. La realidad se
presenta cada vez más abstracta, más intelectual (piedra-cielo-mar). La poesía no ofrece la
realidad, sino su contemplación intelectual. Evocación de Moguer, el refugio. Trauma del
exilio.
1941: Tiempo, largo poema en prosa, auténtica cosmogonía. Con citas autobiográficas y
monólogo interior. Es contemporáneo de la primera parte de “Espacio”. Inédito hasta
1986. El poeta deja fluir la conciencia para recordar la niñez, los momentos penosos del
pasado como la muerte de su madre y la guerra de España… El libro es “ideolojía y
anécdota”. Recurre a tres motivos: la música, el sueño y la lectura. Está dividido en 7
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fragmentos, número perfecto para la vida. El tema principal es el ser en su paso por la
tierra, como si fuese el poemario un memorial.
2.3. MOTIVOS TEMÁTICOS.
9 La mujer: al principio la concibe como una mujer imaginaria y se obsesiona con la idea de amarla
(ideal, refinada, sensual, melancólica y blanca). Ese ideal le acarrea infelicidad, se muestra dolido,
abandonado. En los poemas que evocan la adolescencia, intenta adaptarse a una mujer real. Desde
que en 1913 conoce a Zenobia, el amor es el logro máximo, es un amor real. Se adapta a esa mujer
aunque al principio hay desilusiones y dolor (Estío). El amor es perfección. El amor puede permitir
la fusión cielo-tierra y toma una dimensión cósmica en el Diario de un poeta recién casado.
La Obra: la creación poética es autocreación, realización de sí mismo, conciencia de plenitud y
anhelo de eternidad. Unido a veces al tema de la mujer y la muerte.
La muerte: devenir, es la total plenitud, la desnudez. La Obra sobrevive a la muerte; así el poeta,
creando, se crea (parte esencial que permanecerá y será inmortal).
2.4. POESÍA.
Para Juan Ramón Jiménez, la poesía es:
Forma de conocimiento. JRJ es simbolista en el lenguaje, trabaja sobre la apariencia de las
cosas.
Ritmo interior: es la intuición poética, la “intelijencia”, el verso libre emana de él. La
intuición hará que su poesía llegue al lector por la emoción, la vía sensitiva.
Poesía desnuda, condensada, utilizando el lenguaje justo, esencial, de sencillez aparente
pero de complicación conceptual. Nombrar es crear la cosa, la palabra-creadora.
Poesía total: universal, pretende captar el mundo en su totalidad, se trata de una obra
dinámica, repensada, reescrita, corregida, anhelo de una poesía perfecta.
Recopiló sus obras en antologías que él mismo diseñaba:
-1917: Pájinas escojidas
-1922: Segunda antolojía poética (probablemente el libro más influyente de la poesía en español)
-1957: Tercera antolojía poética
-Canción es el primer tomo de su Obra, influiría este proyecto en los de Guillén: Cántico, Clamor,
Homenaje.
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El énfasis en la palabra y el lenguaje, influirá en Salinas y en Guillén. Es el poeta de la
sinestesia, de las imágenes fuertes, ya en su primera etapa, influencia de Juan de la Cruz (“calma
oliente”). Podríamos decir que se trata de “Metapoesía”. Está también llena de paradojas.
Se puede detectar asimismo un incipiente vanguardismo: uso del paréntesis como reflejo
caótico del pensamiento, impresiones, simetrías verticales, poemas en prosa, imágenes irracionales.
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