Presentación

Carmín Leticia Beltre C

Gilda Blanco

5to de la secundaria

El arte en América,Asia y Europa

Introducción

El arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη, téchnē)[1] es
entendido generalmente como cualquier actividad o producto
realizado con una finalidad estética y también comunicativa,
mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en general, una
visión del mundo, a través de diversos recursos, como
los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos.

El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción

las bases económicas y sociales, y la transmisión de ideas y valores,
inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el
tiempo.

El Arte en América

La problemática de la identidad cultural en el arte de América

Latina ha sido muy cuestionada y discutida en el pasado siglo
XX. Latinoamérica , geográficamente, está comprendida por los
territorios de los países desde México, pasando por todo
Centroamérica y el Caribe, hasta Chile y Argentina en Sur América. La
mayoría de los países de esta región del continente comparten una
serie de elementos comunes, como las lenguas que emplean -
española, portuguesa y francesa-, de raíz latina, aunque también se
encuentran países en el que su lengua es la anglosajona. Todos ellos
comparten historia y problemas de esta parte del mundo, y
presentan características propias a cada una de las naciones que la
integran, es decir, existe una unidad, diversidad e individualidad en
esta imbricada geografía.
Latinoamérica, en la actualidad, posee una rica herencia cultural
como resultado del proceso de mestizaje de las razas que se han
entrecruzado a lo largo de su historia, siendo la conquista española,
el comienzo de la interacción y compenetración de sangre y culturas.
Así como el conquistador se mezcló con el indígena,
la cultura aborigen resultó permeable desde el substrato profundo
del pueblo, de sus artesanías, de su trabajo, de su psicología , de
su conducta, en fin de su modo de ser, e impregnó toda la cultura
latinoamericana.

Los conquistadores impusieron su estructura económica, política,

ideológica: de esta última, la religión católica como columna
vertebral. Asimismo se generalizó la implantación de la lengua
castellana y portuguesa, válidas como vehículo cultural por
excelencia, forma de relación y, también, arma del imperio. En lo
concerniente al legado de África, ésta se hizo patente a partir del
sincretismo de sus dioses con el santoral católico tradicional, en la
aparición del negro como protagonista de la obra de arte y en la
mezcla de los ritmos musicales africanos con los europeos.

En su mayoría, las naciones latinoamericanas alcanzaron

la independencia política a comienzos del siglo XIX, aunque las más
relegadas recién lo lograron en el siglo XX. Nuestra vida espiritual
y pensamiento social siguieron desarrollándose,
predominantemente, bajo la fuerte influencia de Europa la cual, a su
vez, era arena de lucha constante entre sostenedores de muy
diferentes ideales y aspiraciones sociales.

En la búsqueda de su identidad cultural, nuestros pueblos no pondrán

el acento en la hasta ayer buscada semejanza con
los modelos dominantes europeos, sino en los que nos identifique.
Buscamos una cultura en las que todas esas presencias sin
contraponerse se asimilen y sean el punto de partida, la experiencia
sobre la que ha de erigirse la permanente recreación de los pueblos
latinoamericanos en la elaboración de modelos cultorológicos
autóctonos generalizadores, basados en los rasgos tipológicos
comunes de varios países.

Con este proceso de transculturación los conquistadores inician una

larga y incansable tarea de imposición de sus modelos y estilos; sin
embargo los indígenas conservan y perpetúan su patrimonio
cultural, principalmente, en las creaciones artísticas, en la
preferencia de los colorespuros en la cerámica y arquitectura, en la
utilización de temas de motivos fitomorfos y zoomorfos propios de
nuestro específico ámbito natural y cultural: mazorcas de maíz,
pumas, colibríes, piñas, entre otros.

En el ámbito musical, mediante el empleo de instrumentos como

antaras -también conocidas como zampoñas o sikus- y de quenas -
flautas longitudinales sin canal de insuflación pero con bisel- en
algunas regiones, en otras, flautas de pico longitudinales con canal de
insuflación -algunas con llamativos aditamentos que enriquecen su
sonoridad-, idiófonos -principalmente sonajeros de semillas- y el
popular tambor -conocido como mayohuacán.

La identidad del arte latinoamericano alcanza un mayor nivel de

expresión en el siglo XVIII. Algunos críticos a los cuales nos acogemos,
denominan este estilo o corriente como "Barroco Americano", por
sus características propias que lo diferencian del modelo europeo.

El Arte en Asía

A grandes rasgos, podemos decir que el arte de Asia central consiste

principalmente en obras de los pueblos turcos de la estepa euroasiática,
mientras que el arte de Asia oriental incluye obras de China, Japón y
Corea.

El arte del sur de Asia abarca las artes del subcontinente indio, y el arte del
sudeste asiático incluye el arte de Tailandia, Laos, Vietnam, Indonesia y
Filipinas

. Asia central
Excluyendo el arte prehistórico, en cuanto al arte oriental y la pintura se
refiere, el arte de Mesopotamia representa las formas de arte más
antiguas de Asia.

Lamentablemente, ha sobrevivido poca pintura, pero lo que hay sugiere

que, con algunas excepciones, la pintura se usó principalmente para
esquemas decorativos geométricos y basados en plantas, aunque la
mayoría de las esculturas también fueron pintadas. Los sellos cilíndricos
han sobrevivido en gran número, muchos de ellos con escenas complejas
y detalladas a pesar de su pequeño tamaño.

En este sentido, el cuerpo humano fue representado principalmente a

través de esculturas, pero por los fragmentos de frescos que se han
encontrado, se han creado recreaciones arqueológicas de lo que hubiera
sido, por ejemplo, la sala del Palacio de Nínive con sus paredes llenas de
pinturas de un estilo bastante similar al egipcio aunque ciertamente, con
elementos distintivos.
Reconstrucción arqueológica del palacio de Nínive

No obstante, en las artes de Asia central posteriores a este periodo,

podemos encontrar muchas más pinturas que relatan, por ejemplo, el
modo de vida de la clase gobernante de los Hepthalitas en Tokharistán.
Esto alrededor del siglo XIV al XVI. Y aunque se habla de un periodo
hepthalita en la historia del arte de asia central (incluso aparecen en las
pinturas encontradas junto con las famosas estatuas de los Budas de
Bāmiyān) No fueron los únicos.

Detrás traen mucha historia y después de ellos se siguió desarrollando el

arte budista en Bamiyan (Afganistán), el arte de Tarim Basin con su
influencia e interacción con el arte Indio y chino, el arte sogdian y de
turquía, así como el avance que tuvo el arte relacionado con el Islam y que
llegó en la "era de oro musulmana
Pintura Hepthalita

Quizás sea por las inclemencias del entorno o porque que su verdadero
fuerte era la escultura, pero es en esta última donde destacan y ahí sí que
hay gran variedad de piezas que han sobrevivido al paso del tiempo,
aparte de que muchas de estas culturas eran muy diestras en el arte
mobiliar que es muy diverso por sí mismo, ya que no sólo se trata de
creaciones artísticas como estatuillas u ornamentos, sino también objetos
funcionales, herramientas y útiles decorados
Asia Oriental

Muchos dirían que es aquí donde vienen las cartas fuertes de las
representaciones pictóricas Asiáticas. Si el arte oriental y la pintura del
cuerpo humano de Asia central se distinguía por ser un tanto más
pragmático y limitado en cuanto a lo que representaba (en buena parte
por apreciaciones de carácter espiritual y social), el arte de Asia oriental se
puede ver un colorido y una experimentación en las artes mucho más
extenso

La medicina oriental y occidental comenzaron con fusiones similares de

religión, espiritualidad y ciencia. Los anatomistas recurrieron a
observaciones y analogías del universo para explicar el cuerpo ya que las
supersticiones que rodean la muerte y el destino del alma impidieron
acercar más la observación mediante la disección.

Para los anatomistas, la naturaleza también era dividida en elementos,

cada uno determinado por asociaciones complejas con dioses y todo lo
que existe por voluntad divina, y aunque dicha relación podía tener
connotaciones razonables, en muchos casos -y sobre todo en Europa-
solían ser meramente supersticiosas y sin verdaderos fundamentos.
“Pigeon on a Peach Branch,” Northern Song Dynasty, by Emperor Huizong
(1082–1135). Ink and color on silk hanging scroll, 11.3 inches by 10.2
inches. (Public Domain/Private Collection in Japan)

Mientras tanto, en países como China o Japón las filosofías de vida y el

vibrante folclor les dieron un abanico de temas tales como aves, plantas,
insectos, la vida en sociedad, el sexo y demás. No obstante, déjame
decirte que, después de ver imágenes de anatomía y disecciones del
periodo Edo en Japón también resultan bastante más detalladas que lo
hallado en China, comparto una por aquí.
Claro, son temas presentes en toda cultura y civilización, pero la forma y la
apertura para abordarlos pueden variar y esto se verá reflejado en su
evolución, la cual tomó formas bastante interesantes en los pueblos de
Asia oriental, rayando incluso en lo abstracto.

Por otro lado, ¿Sabías que el Tíbet y Mongolia pertenecen a esta región de
Asia? El arte que llegó con el Budismo sigue tan presente como en el siglo
XVIII (ni la invasión china pudo borrar estas raíces culturales tan fuertes) y
ha derivado incluso en frutos contemporáneos bastante llamativos, como
es el caso del artista Tashi Norbu.

Japón

Yamato-e
En Japón podemos encontrar el denominado Yamato-e como la forma de
arte japonés por excelencia.

Yamato-e (大 和 絵) es el estilo de pintura japonesa inspirado en las

pinturas de China, específicamente de las de la dinastía Tang, y fue
completamente desarrollado a finales del período Heian. Desde el período
Muromachi (en el XV), el término Yamato-e se ha utilizado para distinguir
el trabajo de las pinturas contemporáneas de estilo chino kara-e (唐 絵),
que se inspiraron en las pinturas de lavado de tinta de la era Song china y
la Yuan.

Entre los rasgos carácterísticos del arte Yamato-e, encontramos:

figuras pequeñas y representaciones muy detalladas de edificios y otros

objetos

La selección de sólo ciertos elementos de una escena a ser

completamente representados, donde lo demás puede ser
completamente ignorado o cubierto por una “nube que flota”

Una visión oblicua aérea, que muestra los interiores de los edificios como

Si se estuviera viendo a través de un corte del techo

Representaciones muy estilizadas del paisaje

También, en sus inicios la gran mayoría de las obras estaban relacionadas
con el budismo. Posteriormente, la caída de la dinastía Tang permitió a
Japón y otras naciones tener un desarrollo independiente propio mucho
más cómodo.

Decidieron hacer marcadas diferencias en la caligrafía, la filosofía y las

artes, aunque ciertos patrones perduraron hasta después. Probablemente
este periodo de la pintura japonesa es aún muy temprano como para ver
diferencias estilísticas mucho más llamativas.
En el arte oriental y la pintura de este periodo en la historia de Japón, el
cuerpo humano era representado en escenas, más que nada como parte
del todo de una composición, pero no había un verdadero énfasis aún más
que aquel hecho en las características principales de esta forma de arte.
Lo interesante vendría en el siguiente paso que dió el arte japonés.
Tsuchiya Koitsu - Castillo de Nagoya

Shin-hanga (literalmente "nuevos grabados") fue un movimiento artístico

de principios del siglo XX, durante los períodos Taishō y Shōwa, que
revitalizó el arte ukiyo-e tradicional arraigado en los períodos Edo y Meiji
(siglos XVII-XIX).

El arte Shin-hanga mantuvo el sistema de colaboración tradicional ukiyo-e

(sistema hanmoto, así era conocido el sistema donde hacían equipo
artista, tallador, impresor y editor), de manera opuesta al movimiento
paralelo sōsaku-hanga (“impresiones creativas”) que defendía los
principios de "auto-impresión"; dibujado ("jiga"), auto-tallado (“jikoku”) y
auto-impreso (“jizuri”), según los cuales el artista, con el deseo de
expresarse, es el único creador de arte.

Curiosamente, si bien se trató de una necesaria evolución para el arte

oriental y la pintura de Japón, estaba creado para un público
principalmente occidental, debido al mecenazgo de parte de comerciantes
de arte occidentales. Cuenta con imágenes bellamente logradas, que
mezclan ese toque clásico de Japón con las novedades en materia de
pintura artística traídas por los occidentales.

(para saber más sobre el arte oriental y la pintura del continente asiático -
concretamente la japonesa- te recomiendo también nuestra publicación
sobre Nihonga)

China
Guo Xi: Old Trees, Level Distance

China tiene una larga y prolífica historia si hablamos del arte oriental y la
pintura, tanto del cuerpo humano, como de paisajes y otros temas. Fue
desde las Seis Dinastías (222–589) hasta la dinastía Tang (618–907)
cuando artistas tan importantes como Gu Kaizhi (顧 愷 之) y Wu Daozi (吳
道子) (checa la curiosa leyenda sobre éste último en wikipedia)
establecieron gradualmente las bases de la pintura figurativa.

La pintura de paisaje comenzó a popularizarse en las dinastías Sui (581–

618) y Tang gracias al esfuerzo de artistas como Zhan Ziqian (展 子 虔), Li
Sixun (李思 訓) y Wang Wei (王維), y en cuanto a la la pintura de pájaros y
flores -que también se volvió uno de los subgéneros dentro del ukiyo-e-, la
forma decorativa de la noble corte Tang se transmitió en Sichuan a través
del estilo de Huang Quan (黃 筌),

Hay quien dice que la historia de la pintura china se puede comparar a una
sinfonía, y que los estilos y tradiciones en la pintura de figuras, paisajes y
pájaros-y-flores han formado temas que continúan mezclándose hasta el
día de hoy en una sola pieza musical, donde sí se diferencia entre lo
tradicional pero contemporáneo y lo foráneo de manera muy marcada.

En cuanto al arte oriental y la pintura se refiere, China siempre será un

referente histórico con sus siglos de historia artística, la cual estuvo
presente de manera estilística en muchos países que la tomaron como
punto de partida para encontrar sus propios estilos.

Corea

Avalokiteshvar
a. Pintura de la dinastía coreana Goryeo
Los primeros ejemplos de arte coreano consisten en obras de la Edad de
Piedra que datan del 3000 a. C. Estos consisten principalmente en
esculturas votivas y, más recientemente, petroglifos, que fueron
redescubiertos.

En cuanto al desarrollo del arte oriental y la pintura de este país, dicho

período temprano fue seguido por los estilos artísticos de varios reinos y
dinastías coreanos. Los artistas coreanos a veces modificaron las
tradiciones chinas con una preferencia nativa por la elegancia simple, la
espontaneidad y el aprecio por la pureza de la naturaleza.

El arte coreano se caracteriza por transiciones en las principales religiones

de la época: el arte chamanista coreano temprano, luego el arte budista
coreano y el arte confucionista coreano, que siguieron evolucionando a
través de las diversas formas de artes occidentales en el siglo XX.

Sur de Asia
Parvati with her companions, Lepakshi, Andhra Pradesh, 16th century.

Geográficamente hablando, el arte oriental y la pintura del Sur de Asia

comprende todo el subcontinente indio, esto es, incluyendo lo que ahora
es India, Pakistán, Bangladesh, Sri Lanka, Nepal, Bután y el este de
Afganistán. Un fuerte sentido del diseño es característico del arte indio y
se puede observar en sus formas modernas y tradicionales.

La antigua literatura budista e hindú de la India tiene muchas menciones

de palacios y otros edificios decorados con pinturas, pero las pinturas de
las cuevas de Ajanta son las más significativas de las pocas que sobreviven,
ya que las condiciones climáticas no permitieron que mucho de este arte
prevaleciera ante el paso de los años.

En esta región y su evolución como parte del arte oriental y la pintura de

la región, se pueden identificar ciertas clasificaciones principales
concretamente en la labor pictórica

Murales

grandes obras ejecutadas en las paredes de estructuras sólidas, como en

las Cuevas de Ajanta y el templo Kailashnath (generalmente del tipo de un
fresco).

Miniaturas

ejecutado a muy pequeña escala para libros o álbumes en material

perecedero como papel y tela.

Pinturas en tela

Las pinturas sobre tela a menudo se producían en un contexto más

popular, a menudo como arte popular de hecho. Era utilizado, por
ejemplo, por recitadores itinerantes de poesía épica, como los Bhopasde
Rajasthan y Chitrakathi, y se compraban como recuerdo de
peregrinaciones.

En cuanto a lo contemporáneo, este campo fértil para el arte oriental y la

pintura es tan variado como nunca antes. Entre los artistas más conocidos
de la nueva generación se incluyen Bose Krishnamachari y Bikash
Bhattacharjee.
Sudeste de Asia

Frescos de Sigiriya, Sri Lanka

Las comunidades y culturas del sudeste asiático estaban en contacto

directo con la India a través de rutas comerciales y estaban fuertemente
influenciadas por la religión y el arte indios.

El hinduismo y el budismo se llevaron a la región y se convirtieron en las

principales religiones practicadas desde aproximadamente el siglo I a. C.
hasta el siglo XIII. Como es de imaginarse, estas influencias jugaron un
papel considerable en la configuración del arte y la escultura del sudeste
asiático.

 Los ejemplos sobrevivientes más famosos de frescos de estilo del

sudeste asiático se encuentran en la fortaleza de roca y en las ruinas
del palacio de Sigiriya
El Arte en África

Resulta muy difícil establecer algún tipo de clasificación o agrupación en el

arte del África subsahariana. Algunas divisiones geográficas propuestas
(África oriental, Sur del Río Congo, etc.), aunque puedan resultar prácticas
a la hora de estudiar las culturas de forma individual, resultan bastante
arbitrarias. Por lo general, el arte tradicional africano empleó la
madera como material base, realizando obras escultóricas de pequeño y
mediano tamaño, en especial máscaras y figuras rituales. En algunos
casos, se emplea pelo de animal, piedras semipreciosas u otros objetos
con sentido estético o expresivo.

Existen, por supuesto, casos particulares muy notables dentro del arte
africano. Uno de ellos son los Bronces de Benin, un conjunto de más de
mil placas y esculturas de metal, generalmente bronce o latón, de estilo
mucho más naturalista que otras obras de arte del continente, como las
de la cultura Fang o Senufo; y que llamaron la atención de los primeros
exploradores europeos, siendo alabados en el libro “Descripción de África”
publicado en 1668 por Olfert Dapper. En el caso de Etiopía, la temprana e
intensa influencia cristiana llevó a crear obras de arte y arquitectura muy
distintas a las de zona vecinas.

El arte africano tuvo una influencia colosal en las vanguardias del arte
europeo de principios del siglo XX. Como se indica en la cita que da
comienzo a este ensayo, Picasso reconoció su deuda con el arte africano
antes de su Periodo Cubista, y la influencia de las máscaras africanas es
evidente en artistas como Matisse y Modigliani. Tras el fin de la era
colonial, el interés por el arte contemporáneo africano ha ido
aumentando, realizándose exposiciones en los principales museos del
mundo, y con artistas como El Anatsui, cuyo arte se basa en la tradición de
su Ghana natal, logrando el interés de grandes coleccionistas.

Las diferentes manifestaciones Artísticas de África

Máscaras africanas
Las máscaras son artefactos producidos por la mayoría de las sociedades
tribales africanas. Como otras manifestaciones, generalmente pretenden
crear un vínculo entre materialidad y espiritualidad colectiva.
Máscara del pueblo Tchokwe, presente en regiones de Angola, la
República Democrática del Congo y Zambia. Créditos: Rodrigo Tetsuo
Argenton

Estos accesorios se utilizan en diversos ritos y ceremonias, como bodas,

funerales, celebraciones y otros acontecimientos. Los africanos consideran
las máscaras artefactos místicos y sólo deben llevarlas ciertas personas
que tienen permiso para ello.

Por lo general, las máscaras se llevan junto con su propia indumentaria, lo

que contribuye aún más a la caracterización del individuo y a la
representación de seres espirituales, animales y otras entidades.

Para fabricar los objetos se suele utilizar madera, pero también se pueden
hacer con cuero, metales, cerámica y otros materiales.

Para saber más, lea: Máscaras africanas y sus significados

Pintura corporal africana

La pintura también está presente en las sociedades africanas, bien a través

de motivos aplicados a la cerámica y otros objetos, bien en la pintura
corporal.

Pintura corporal africana de los pueblos del valle del río Omo, en Etiopía.

Al igual que las poblaciones indígenas brasileñas, los pueblos de África

también se manifiestan artísticamente mediante la aplicación de tintes
naturales en sus cuerpos.
Danzas Africanas

Las danzas son una parte importante de la expresión cultural de las

sociedades africanas. Como otras manifestaciones, están presentes en los
actos ceremoniales de sus pueblos.
Para los africanos, el cuerpo constituye generalmente un vínculo entre el
mundo terrenal y el divino, y su movimiento es una forma de rendir
homenaje a los espíritus, así como una manera de descargar tensiones y
energía.
A menudo, estas danzas se interpretan en círculos en las comunidades al
son de tambores y otros instrumentos de percusión
Conclusión

En conclusión esto me enseña como el arte se expresa de diferentes

maneras alrededor del mundo, en culturas y países diferentes

Cada quien representa el arte a su manera sus sentimientos y.

Necesidades plasmadas en danzas, pinturas, culturas.

Con esto quiero decir que el arte es la expresión del ser humano más bello
que existe.