EL CUBISMO

1907–1917
 “El viejo con la guitarra” 1904

“Las señoritas de Avignon” - 1907

Pablo Ruiz “Naturaleza muerta con silla de rejilla” 1912

PICASSO
“El sueño”- 1932
CUBISMO

“El Guernica”- 1937

George
“Mujer con mandolina”- 1910
BRAQUE
Juan
“El desayuno”- 1914
GRIS
1907.....
Los postimpresionistas habían despertado la
atención a principios del XX. Los jóvenes artistas
residenciados en París se sintieron
particularmente conmovidos por una
exposición retrospectiva del pintor francés Paul
Cézanne, llevada a cabo en 1907. Cézanne se
caracterizaba por reducir los volúmenes de los
objetos a elementos geométricos esenciales
como el cilindro, el cubo y la esfera.
Los nuevos artistas quedaron prendados de la
sentencia del postimpresionista Paul Cézanne,
para quien “todas las formas de la naturaleza
parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo
tanto, comenzaron a trabajar en la observación
y análisis de la imagen, a fin de hallar sus
elementos geométricos esenciales.
 CUBISMO 1907-1914
• Movimiento nacido en Francia y encabezado por
Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay y
Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al
resto de las vanguardias europeas del siglo XX. Se
trata de la ruptura definitiva con la pintura
tradicional.
• El término cubismo fue acuñado por el crítico
francés Louis Vauxcelles, el mismo que había
bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves
(fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de
“L'Estaque”, Vauxcelles dijo, despectivamente, que
era una pintura compuesta por «pequeños cubos».
Se originó así el concepto de «cubismo».
• El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya
que rompe con el último estatuto renacentista, la
perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la
perspectiva tradicional. Trata las formas de la
naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la
llamada «perspectiva múltiple»: se
representan todas las partes de un objeto en
un mismo plano.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se
pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre
todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran
del impresionismo o del fovismo. En lugar de ello,
utilizan como tonos pictóricos apagados, los grises,
verdes y marrones, el monocromatismo predominó en
la primera época del cubismo, posteriormente se abrió
más la paleta.
El cuadro cobra autonomía como objeto con
independencia de lo que representa, por ello se llega
con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de
objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener
un referente naturalista inmediato, y ello explica que
fuera el primero de los movimientos artísticos que
necesitó una EXPLICACIÓN-INTERPRETACIÓN por parte
de la "crítica", llegando a considerarse el discurso
escrito tan importante como la misma práctica artística.
De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos
de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos
que los explicaban.
María Blanchard
P ICA SSO
Nacido en Málaga en 1881, pasó gran parte de su
vida en Francia, produjo una cantidad ingente de
obra y transitó por distintos estilos: cubismo,
surrealismo y el expresionismo.
Se hizo millonario en vida. Es el artista más
importante e influyente del siglo XX.
Como podremos comprobar, Picasso fue un
innovador incansable. Su continuo proceso de
renovación hace complicado determinar una
constante. Todo lo contrario: es fácil identificar los
cambios y las rupturas. Además, el paso de una
fase a otra no implica que el autor deje encerrados
estilos, sino que se toma la libertad de seguir
abordándolos aun habiéndolos superado. De esta
manera podemos encontrar cuadros cubistas en la
etapa expresionista o mezclas entre el surrealismo
y el cubismo. Lo que realmente caracteriza a
Picasso es su búsqueda imparable de la libertad.
“Ciencia y caridad” 1897
197 x 249,5 cm
 París…
Picasso con 19 años, junto con sus dos amigos
más íntimos, Casagemas y Pallarés que iría algo
más tarde, se animara a viajar a París, donde
varios pintores catalanes que se habían
adelantado en la búsqueda de lo novedoso, les
estaban esperando.
Picasso invita a dos jóvenes modelos hermanas
a su taller, algo que cambiaría sus vidas para
siempre. Casagemas se enamora
perdidamente de una de ellas y esta no
mostraba el más mínimo interés. Intentan
distraerle llevándole a Málaga (donde Picasso
rompe con su familia), pero Casagemas se
adelante en la vuelta a París. Sería la última El pintor Casagemas y Picasso persiguiendo a dos muchachas, París, 1900,
Museu Picasso, Barcelona.
vez que ambos pintores se vieran con vida.
 Periodo azul 1901-04
La noticia de que su
amigo Carles
Casagemas se había
suicidado por un
“tormento amoroso”,
produjo un shock para
el joven pintor, que
quedó muy afectado.
Durante una serie de
años, los cuadros de
Picasso transmitían
una gran tristeza
representada a través
del tono azul y
personajes
desnutridos y
famélicos, poniendo el
rostro de su amigo a la
figura masculina.
“ La vie”, París, 1901
Pablo Ruiz PICASSO
“El viejo guitarrista
ciego” 1904
Época azul
Personas alargadas y con la cabeza
agachada, mendigos, enfermos, ciegos…
personajes aislados en un entorno frío, con
fondos desnudos y vacíos. Son
protagonistas que se encuentran perdidos
y que languidecen. Una de sus obras más
famosas de esta etapa es “El viejo
guitarrista ciego”, de 1904.
Los cuadros de esta fase son melancólicos
y retratan de alguna manera las
condiciones de vida de las clases
marginadas de Barcelona y París a
principios del siglo XX, ciudades en las que
residió durante esta etapa.
Se considera La comida frugal (1904) como
obra final del Periodo Azul.
 Periodo rosa 1904-07
Se instaló en el barrio de Montmartre, entrando en
contacto con un ambiente de circo: juglares, arlequines,
saltimbanquis, acróbatas, payasos, comediantes, pintores,
cómicos, artistas, actores, poetas, escritores… un entorno
de explosión cultural, un espacio bohemio que le inspiró
en su segunda etapa: el Periodo Rosa. A la cultura se le
sumaba el bullicio de la ciudad, un París lleno de bares
abarrotados, teatros, ajetreo, comercios, gente paseando,
terrazas… Sus cuadros adoptaron un tono pastel, con
colores más cálidos, y los protagonistas pasaron a ser esos
personajes del circo. Sin embargo seguía existiendo cierto
trasfondo amargo en sus rostros.
Hay que recordar que este tipo de personajes se venden
como alegres, pero llevan vidas empobrecidas y
sacrificadas. Eran emblema de la soledad, del sufrimiento
humano, de la incomunicación y de la exclusión, para
artistas de vanguardia.
 Periodo negro 1907-09
Fase de transición hacia el cubismo. Durante esta breve
etapa Picasso se va desvinculando progresivamente de lo
establecido en el arte y crea una nueva corriente. Antes
de llegar al cubismo pleno, encontramos un predominio
de colores grises y oscuros en varias obras.
Influenciado por el arte ibérico y el arte africano,
comienza a crear rostros geométricos que se alargan. Los
vemos en “Las señoritas de Avignon” (1907) o “Tres
mujeres” (1908) , cuadro con el que se manifiesta por
primera vez de manera muy evidente el cubismo y con el
que Picasso comienza a investigar nuevas técnicas y
modos de crear arte.
El Periodo Negro se conoce también como protocubismo,
ya que aparecen los característicos trazos angulosos, los
planos angulares sin fondo ni perspectiva y las caras con
apariencia de máscara
Pablo Ruiz PICASSO
“Las señoritas de
Avignon” 1907
“Las señoritas de la calle de
Avinyó”
Vemos a cinco mujeres desnudas y un bodegón compuesto por
algunas frutas: una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una
manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado
Descripción
de color blanco. De las cinco mujeres hay tres que tienen caras
especiales, como si en realidad tuvieran máscaras sobre el rostro. La
mujer de la izquierda parece que entra en la habitación y sujeta un
cortinón con su mano izquierda alzada. La figura que está a su lado
tiene una perspectiva muy especial. A primera vista parece que está
de pie, aunque con una postura forzada. Si el espectador se abstrae
en esta sola figura puede ver que Picasso la pintó tumbada y vista
desde arriba, con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una
pierna cruzada sobre la otra. A continuación la mujer que está en el
centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza. En la
esquina de la derecha está la única figura sentada, en una posición
anatómicamente imposible, de espaldas al espectador pero con la
cabeza completamente de frente. Tras ella se encuentra la quinta
mujer, de pie, que también parece descorrer una cortina.
Picasso va a introducir un nuevo elemento: la respiración en blanco,
es decir, deja una zona en blanco, un límite entre dos colores sin
pintar, de forma que se ve el lienzo, pasando a convertirse el lienzo
en elemento plástico en si mismo.
Esta herramienta le permite así introducir la sensación de
profundidad utilizando el lienzo.
 De espaldas, pero
mirando al frente

Tumbada, vista
desde arriba

Fondos
fragmentados
 El bodegón se
interpretó como
símbolo de la
sexualidad
femenina
En origen, la composición de las
Señoritas de Avignon, está
relacionada con las últimas
Bañistas de Cézanne, pero sobre
todo está influida directamente
por la estética antiacadémica de
la escultura arcaica griega,
egipcia, ibérica y negroafricana.
Durante 6 meses el pintor estuvo
haciendo dibujos previos, cada
vez más simplificados,
eliminando lo anecdótico para
quedarse únicamente con el
espacio y las figuras; después lo
transformó con violencia, y al fin
lo dejó inacabado.
“Las señoritas de Avignon” no es sólo
una pintura como tal objeto: es todo
un conjunto de dibujos, álbumes,
preparatorios, pinturas, esculturas,
objetos y referencias visuales que
acaban configurando la galaxia de Las
señoritas.
Pero de todas formas, con él revolucionó el modo de
concebir la pintura, aunque de momento no fuera
entendido. Al parecer la obra fue concebida como una sátira
erótico-alegórica-literaria de las obras en boga relacionadas
con la Arcadia. Se trataba de cinco mujeres y dos hombres
en la habitación de un prostíbulo, en torno a una mesa con
frutas, flores, cortinas, etc. En principio la figura central
sentada era un marinero, y la que entraba por la izquierda,
un estudiante que llevaba una calavera. Placeres de la carne
y de los sentidos enfrentados a la muerte, que configuraban
una vanitas a la manera barroca, para reforzar la ironía
antiacadémica. En las simplificaciones desaparecieron los
hombres y las flores, quedando las mujeres en un espacio
poco profundo, como en un bajorrelieve.
Del lienzo original pintado en la primavera de 1907 sólo
quedan los desnudos centrales que miran al espectador. Es
patente la norma del antiguo Egipto en la figura de la
izquierda, mientras que el arte ibérico influye en el
modelado de las cabezas, algunas de las cuales fueron
violentadas en el otoño, tras el contacto de Picasso con las
esculturas africanas.
Esta obra supuso una ruptura con la tradición
pictórica europea, basada en el principio de la
representación de la realidad mediante
imágenes que, de un modo u otro, se
asemejaban a su modelo. Picasso desordena o
deconstruye los principios estéticos
occidentales de imitación y equilibrio para
proponer, en su lugar, una visión más
compleja; la confluencia de puntos de vista
distintos, una nueva concepción del equilibrio,
una belleza sorprendente -por su rigor
geométrico y contundencia matérica-, el
quebrantamiento de la perspectiva
tradicional, en fin, un universo personalísimo
que abre brechas en los cánones heredados
de la representación artística tradicional, y
muchas veces lo hizo valiéndose del influjo de
otras culturas.
Resumiendo…
Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o
Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo,
del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un
nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime
de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de
profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del
cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de
planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las
formas están marcadas por líneas claro-oscuras
(descomposición del espacio). Multiplicidad de puntos de vista
en una misma obra.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que
asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano,
cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas
en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son
más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas
esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil
que recuerda las pinturas egipcias.
Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas,
coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época,
que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso,
quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva
corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.
 Cubismo 1909-19
El cubismo trata la naturaleza a través
de formas geométricas, esquematizando
la realidad, simplificándola y a la vez
dotándole de expresividad. Es una
aproximación intelectual hacia el mundo
que rodea al artista, que debe buscar la
pureza en la pintura, las figuras y el
espacio se deforman.
Se distinguen varios tipos o fases dentro
del cubismo, un estilo que desapareció
con el estallido de la Primera Guerra
Mundial, pero que influenció
enormemente a los artistas que
vendrían en el futuro.
 Cubismo
analítico/hermético
•Picasso junto a Braque, influenciados por la
simplificación y la geometrización de las figuras
que había implementado Cézanne, crean el
cubismo analítico 1909-12. Consiste en
“desmontar” las figuras, facetándolas,
geometrizándolas y “voviéndolas a montar”,
reordenándolas en la superficie del cuadro.
Pero esto crea la oportunidad de ver en
simultáneo distintas partes de la figura, desde
distintas perspectivas.
•Son obras discretas, apagadas con ocres,
grises, verdes y claroscuros. Temas: bodegones
con instrumentos musicales, botellas, pipas,
vasos, periódicos y, en menor medida, la figura
humana.
Cubismo sintético
1912-19
El artista descompone la figura en
sus partes más representativas, es
más simple. Se distingue la figura
representada (a diferencia del
estilo anterior), pudiendo decir
que es más figurativo.
Se utiliza mucho mayor colorido.
Y como novedad “el collage”,
incorpora al óleo: telas, recortes
de periódicos, partituras, trozos de
madera... Se recuperan formatos
ovales.
Pablo Ruiz
PICASSO
“Naturaleza
muerta con
silla de rejilla”
1912
 El hule es un objeto industrial, fabricado en serie, que al colocarse
dentro de una obra de arte, pasa a formar parte de ella.

• Lo que más llama la atención de este cuadro, aparte de la cuerda

que le pegó Picasso alrededor, es esa rejilla que ocupa casi un
tercio de su superficie. Aparentemente, es el único elemento
realista del cuadro, sin embargo no está pintado: es un trozo de
tela encerada que Picasso ha pegado al lienzo, un vulgar pedazo
de hule, de los que se usan para proteger las mesas, estampado
con el motivo de una rejilla. Podría haberlo pintando, pero
decidió no hacerlo. Son los inicios del collage. (El inventor del
collage no fue Picasso, sino Braque, pero fue el primero en poner
en práctica la idea.)
• Tenemos un periódico, una pipa, una servilleta, una copa, un
cuchillo, un limón y una vieira… El bodegón representa una mesa
del típico café francés, y más concretamente una mesa redonda
de cristal, por eso se ve la rejilla de la silla que hay debajo.
• Utiliza un lienzo ovalado representando la mesa en perspectiva.
 Tras haber superado sus fases de colores
y haber regalado al mundo del arte el
cubismo, “sufre” una de sus revoluciones
personales y cambia radicalmente de
estilo. Durante los Felices Años 20 el
NEOCLASICISMO autor se deja llevar por las curvas del
ballet ruso y frecuenta ambientes de la
alta sociedad. Ha terminado la Gran
Guerra y vive un momento feliz que los
críticos han llamado su periodo
neoclásico.
Encontramos ambientes familiares,
cálidos, que transmiten paz y
tranquilidad. En 1921 nace su hijo Paul, y
le inspira para realizar varios lienzos. En
esta etapa pinta incluso telones para el
teatro. También tiene una serie de
curiosas obras como La siesta, Dos
mujeres corriendo por la playa o Mujer e
hijo a orillas del mar que presentan
evidentes y sorprendentes rasgos de un
gigantismo nunca antes visto. Una
muestra más de su versatilidad y su
ingenio.
 Etapa surrealista 1925-35
Siempre se declaró no surrealista, fiel a sus principios de independencia.
Los surrealistas estaban muy de moda en la segunda mitad de los años veinte,
aunque siempre quiso mantener su independencia, realizó algunas obras que se
enmarcan en este estilo.
Influenciado por las obras de Joan Miró y Salvador Dalí, y leyendo los escritos de
André Breton, Picasso aborda nuevas formas de expresarse a través de los
elementos surrealistas: aparecen monstruos, figuras sin sentido (aparente), el
mundo de los sueños… metáforas plásticas para transmitir el sufrimiento y el
temor.
Las pinturas surrealistas eran manifestaciones de los sueños y los sentimientos
más hondos en la personalidad de los artistas. Para Picasso, el surrealismo no
era tan libre, pero mantuvo de él los aspectos visuales y emocionales.
Es importante ver que durante el principio del periodo, Picasso entró en crisis con
su mujer Olga. A él le parecía pretenciosa, aburrida, y frustrante. Estos
sentimientos infelices fueron expresados en forma de surrealismo.
Durante los años siguientes, la obra de Picasso tuvo, a diferencia de la del
anterior, un fuerte contenido erótico. Como en otros aspectos de su quehacer,
Picasso –pasional y obsesivo– mostró una actitud cruda en cuanto a los motivos
relacionados al sexo.
 Pablo Ruiz
PICASSO
“El sueño”
1932

Subasta en 1997
 …”SOY PICASSO!
El periodo tardío de Picasso optó por una gama cromática más
amplia y un estilo figurativo, acercándose al surrealismo. La mujer
representada en esta obra es Marie-Thérése Walter, una mujer
sueca que conoció en París cuando ya era un artista consagrado y
ella una joven curiosa de 17 años que salía de las galerías Lafayette
cuando el malagueño la detuvo y le dijo: "Tienes una cara
interesante, me gustaría hacerte un retrato, creo que vamos a
hacer grandes cosas juntos, soy Picasso".
Ese fue el principio de un tórrido y sexual romance entre ambos.
Ella desconocía al artista y según algunas versiones, él mismo la
llevó a una librería cercana para mostrarle los libros sobre su
trabajo. Picasso adquirió el Castillo de Boisgeloup, convirtiéndolo
en studio de escultura y en ese mismo año pintó a Marie-Thérése
de todas las formas que pudo: sentada, parada, de espaldas,
desnuda; de pronto su producción artística se volcó sobre ella. "Le
rêve" es una de sus primeras manifestaciones. En ella, la sueca está
dormida sobre un diván rojo, con un collar y una blusa que
resbala sobre sus hombros, mostrando sus pechos. Su cara está
partida a la mitad y reclinada hacia el costado izquierdo en la
parte superior de la misma, se aprecia un falo, esto junto a sus
manos cruzadas sobre las piernas, hace referencia al erotismo, al
sueño.
Atando el destino de su obra al devenir del mundo,
Picasso sufre cambios al tiempo que éstos se producen
en el escenario internacional. En tiempos de guerra pinta
Expresionismo
deprimido, en tiempos de paz dibuja cálidas escenas.
Como un tornado llegó su periodo expresionista,
profundamente golpeado por la sangrienta Guerra Civil
1937-47
Española, por el auge del fascismo en Europa y por la
Segunda Guerra Mundial.
El expresionismo de Picasso está evidentemente
influenciado por su propio cubismo, pero en esta etapa
son pinturas que transmiten con fuerza sentimientos y
expresan dramáticamente situaciones de dolor. Un buen
ejemplo de esta fase expresionista lo encontramos en La
mujer llorando (1937).
El cambio en los temas (angustiosos, tristes, relacionados
con la guerra y el sufrimiento) no es la única característica
del expresionismo de Picasso. Habrá también una
fractura en la gama cromática, apareciendo colores
oscuros y sombríos. El cambio en la forma lo percibimos
en obras como Naturaleza muerta con cráneo de toro
(1942) y el cambio en el fondo se aprecia en el
desgarrador Gato devorando a pájaro (1939). Pero sin
duda la pintura más famosa de esta etapa es el Guernica
(1937), que a la postre se convertiría en su obra más
reconocida internacionalmente. Todo un símbolo anti-
bélico que elevó a Picasso como icono del pacifismo
mundial.
La serie se llama Mujer que llora. La mujer es Dora
Maar, la gran fotógrafa del surrealismo, que en esa
época está en una relación con Picasso e incluso es
quien acaba de documentar con su cámara todo el
proceso del Guernica.
Pero en realidad, esa mujer que llora en múltiples
óleos, dibujos y grabados es un símbolo: el símbolo
universal del sufrimiento y el horror que causa la
barbarie de la guerra. Es la continuación de la
denuncia que el artista ha planteado en el
Guernica. O su síntesis, digamos.
Pablo Ruiz PICASSO
“El Guernica”
1937
 26 de abril de 1937

Una de las máximas obras pictóricas del siglo XX. Inspirada en el cruel bombardeo a la entonces capital del país
vasco por la aviación nazi en conjunto con el régimen dictatorial de Francisco Franco, fue concebida en menos
de un mes por el pintor. El intenso bombardeo que cobró la vida de entre 120 y 300 personas, caló hondo en el
sentir de Picasso, en ese entonces declarado públicamente comunista y republicano. El estudio original tenía
detalles a color, suprimidos en el lienzo final, limitándose a blanco, negro, gris y azul.
 El cuadro refleja la dualidad de dos escenas
en una: la parte izquierda parece el interior
de una casa y la parte derecha el exterior,
unidos y separados a la vez por umbrales.
La composición de Guernica presenta
nueve personajes: cuatro mujeres, un
caballo, un toro, un pájaro, una bombilla y
un hombre.

“Mi trabajo es un grito de denuncia de la guerra y de los

ataques de los enemigos de la República establecida
legalmente tras las elecciones del 31 (...). La pintura no
está para decorar apartamentos, el arte es un
instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el
enemigo. La guerra de España es la batalla de la reacción
contra el pueblo, contra la libertad. En la pintura mural
en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en
todas mis últimas obras, expreso claramente mi repulsión
hacia la casta militar, que ha sumido a España en un
océano de dolor y muerte.”
Las dos mujeres que claman al cielo por justicia están una en La mujer de la derecha clama por el fuego que la consume.
cada extremo del cuadro enmarcando el sufrimiento. La mujer Representa probablemente el dolor físico. Picasso consigue
de la izquierda clama por la vida de su hijo, quizá símbolo del aumentar la sensación de encierro al circunscribirla en un
dolor psíquico, y nos recuerda la iconografía de la Piedad. cuadrado.

Las otras dos mujeres crean movimiento desde la derecha La otra mujer, semejante a un espectro, se asoma por una
hacia el centro de la obra. La mujer más pequeña parece ventana portando una vela en dirección a la figura central
absorta con la luz que emana la bombilla en el centro de la del caballo. Ella es la única imagen etérea y la única que sale
sala, por lo que su cuerpo (en diagonal) completa la o entra por una ventana o umbral, transitando de un mundo
composición triangular. a otro
 Herido con una lanza, el caballo sufre contorsiones cubistas de
cabeza y cuello. De su boca sale un cuchillo que tiene por
lengua, el cual apunta en dirección al toro.

El pájaro está muy sutil entre

los dos animales fuertes del
cuadro: el toro y el caballo.
Pero eso no le impide graznar
a los cielos de la misma
manera que hacen las
mujeres que se enmarcan a
cada lado del cuadro.

El toro al lado izquierdo del cuadro está sorprendentemente

impasible. El toro es el único que mira al público y se comunica
con él en una forma que los otros personajes no lo logran.
La bombilla circunscrita en una especie de ojo, con rayos como un sol, preside el conjunto de la escena
y da la sensación de observar por fuera todos los acontecimientos.

La bombilla interior juega con la ambigüedad y dualidad de no saber si es noche o día, interior o
exterior. Nos transporta a un mundo fuera de este mundo.
“El osario”

Muestra los
horrores de
los campos de
concentración
mostrando
una gran
cantidad de
cadáveres tras
una ejecución
“Masacre en Corea”
Cuadro inspirado en Los fusilamientos del tres de mayo de Goya, muestra soldados estadounidenses masacrando civiles.
 Con sesenta años y
después de haber vivido
una larga carrera llena de
cambios e innovaciones, y
con el escenario
internacional más calmado,
Picasso entra en su
llamado ‘Periodo Vallauris’,
una etapa de su vida en la
que se dedicó a diseñar
platos y cerámicas
mientras disfrutaba de su
retiro en la Costa Azul.
Abandonó la pintura
durante varios años y
Periodo Vallauris 1947-54 abordó la escultura y el
trabajo sobre arcilla con
mucho interés
 Última etapa 1954-73
Un anciano Pablo Picasso que
definitivamente se ha instalado en ese rincón
del mundo tan tranquilo como es la Costa
Azul descansa en su estudio repasando las
obras de los autores clásicos. Se rodea de
Rafael, Velázquez, Delacroix, Manet, Goya… y
realiza versiones de sus lienzos más famosos.
En esta revisión de los clásicos, Picasso
produjo interesante material. Ejemplo de ello
es la serie de estudios sobre Las Meninas, del
que realizó más de 50 versiones. Las re-
interpretaciones que hizo Picasso estaban
influenciadas por el cubismo que él mismo
había fundado, y suponen un broche de oro
a su carrera.
Pablo Diego
Francisco de Paula
Nepomuceno
Cipriano de la
Santisíma Trinidad
Ruiz y Picasso
 “Mujer recostada y
cabeza”
“La primera comunión” Incompleto,
15 años retocado un día
antes de morir 1973
 “El viejo con la guitarra” 1904 Período azul 1901-1904

Período rosa 1941-1907

“Las señoritas de Avignon” - 1907 Período negro-protocubismo 1907-1909

Pablo Ruiz “Naturaleza muerta con silla de rejilla” 1912

Cubismo analítico 1909-
1912
PICASSO Cubismo sintético 1912-1917
“El sueño”- 1932 Neoclasicismo 17-27

Surrealismo 1925-1935

Expresionismo 1937-1947
“El Guernica”- 1937
Período Vallauris 1947-1954

Última etapa 1954-1973

George BRAQUE
“Mujer con mandolina”
1910
Georges Braque) fue un pintor y escultor francés.
“Mujer con mandolina” fue pintado por Braque
en la primavera de 1910, durante la primera fase
cubista, denominada analítica. Por influencia de
Corot, que le enseñó cómo la introducción de un
instrumento musical dotaba al personaje de una
quietud propia de un objeto, el artista vuelve a la
figura humana tras dos años de dedicación
exclusiva al paisaje y a la naturaleza muerta.
Fondo y figura se funden en un entramado de
líneas verticales y horizontales, en una superficie
espacial continua integrada por pequeños planos
interrelacionados entre sí. Los colores se reducen
a una escueta gama de ocres, grises y marrones,
con los que logra una gran cantidad de efectos
pictóricos gracias a la técnica divisionista y a la
factura suelta y luminosa.
Juan GRIS
“El desayuno”
1914
Papeles y periódicos recortados y pegados,
lápices de colores y carbón, aguada y óleo sobre
lienzo 80x 50
EL paper collé inventado por Georges Braqué y Pablo
Picasso en 1912 , encontró una expresión rica y compleja en
las obras de 1914 de Gris . La concepción de sus papiers
collies los hace más semejante a pinturas que las
composiciones parcamente dibujadas de sus predecesores.
A diferencia de éstos , Gris cubre toda la superficie con
papeles pegados y pigmentos .En obras como “El desayuno”
hace un uso de los papeles impresos de forma literal: los
pedazos con veteado de madera suelen ajustarse al
contorno de una mesa , integrándose así en la composición.
Son dibujos superpuestos de objetos domésticos,
fragmentados pero suavemente modelados y casi siempre
vistos desde arriba, se combinan para crear una
composición pictórica más representacional que las de
Braque y Picasso.