CLASE 1

Aristoteles: teoría de los géneros.

Sistematiza los géneros, es el primero en elaborar la teorización.
Propone TRES:
● Épico: [Link]: odisea. Historias de los grandes héroes. Relato de historia,
el personaje vive aventuras por ejemplo.
● Drama: obra escrita para ser representada. Drao: hacer (griego). Comunica un
complicó que vive un personaje central con el otro con el entorno o con el
mismo
● Lírica: sentimientos (poesía).

Los géneros dramáticos

Es sobradamente conocida la distinción entre tragedia, drama y comedia. Es asaz
notorio también que la pureza de tales géneros es difícil de mantener en muchas obras.

● Aristóteles definía la tragedia como:

○ El poema dramático que encarna una acción grandiosa en la que, por medio
de la lucha heroica con el destino o del choque de la voluntad contra las
pasiones, se suscita en el espectador la impresión de temor y de compasión.
○ El desenlace es fatalmente funesto. Fatal, por inevitable; funesto, por las
malas consecuencias para el protagonista. En la tragedia el hombre ha de
plegarse a las exigencias del destino sin solución.
○ Características fundamentales de la tragedia son la calidad literaria del verso
o de la prosa poética. Ante todo ello el espectador ha de recibir el impacto
artístico de la catarsis que actúa como purificación de sus emociones.

Como es lógico, no puede decirse que la tragedia sea un género dramático

especialmente apto para los niños cuya literatura exige un final feliz.
Pero no cabe negar que algunas representaciones religiosas, tal la Pasión de Cristo,
crean momentos en los que aflora el sentimiento trágico, a la vez que se produce de algún

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modo la catarsis. En estos casos el final feliz, por lo menos esperanzador, de la
Resurrección, rompe, sin duda, el esquema de la tragedia clásica.

La comedia
● La comedia desarrolla una acción ordinaria que refleja incidentes de la vida humana
a través del prisma festivo, en busca de la alegría y la risa del público.
● El desenlace ha de ser feliz.
● Esta observación de la realidad, aparentemente superficial, puede realizarse desde
los ángulos severos de la crítica y del ridículo, pero también desde el ángulo
benevolente de la indulgencia y del entretenimiento.
● Destacar las aristas cómicas de la realidad es una manera de manifestar su
disconformidad con ella. Y la risa del público ha sido calificada por Bergson como
castigo. Crítica a la realidad.
● Tratándose de teatro infantil en el que la ironía necesita la oportuna dosificación,
provocar la sonrisa del niño es, a menudo, el medio ideal para inspirarle simpatía
hacia el personaje amable o hacia la situación, así como suscitar sus iras hacia el
personaje malvado es afirmar la conciencia del niño en el rechazo del mal.
● La presencia de niños en escena mezclados con actores adultos suele crear
dificultades a la hora de la puesta en escena. Por eso, a menudo, más que el niño
protagonista de una obra de teatro, que la condiciona sobremanera, se insiste
reiteradamente en el niño partícipe y testigo de la acción, modelo de vicisitudes ante
la misma y, en definitiva, objeto de identificación por parte del niño espectador, que
sufre, llora, lucha y triunfa con él. Las reacciones externas e interiores del niño
espectador ante los hechos que presencia son la máxima garantía de la
participación del niño en el teatro, anhelo siempre perseguido por autores y
directores. Hay casos de textos aniñados en su conjunto con la pretensión de
acercar a los niños temas elevados. Sus resultados son de lo más grotesco y
lamentable que se haya dado en la historia del teatro infantil.

El drama o tragicomedia.
● Con frecuencia se le ha negado al drama entidad independiente de la comedia y de
la tragedia. Con poca lucidez lo han considerado a veces híbrido de los otros dos
géneros e incluso como posible subgénero de cualquiera de los dos.

● Desde el punto de vista etimológico, drama significa: acción y como tal aparece en
denominaciones genéricas como arte dramático, interpretación dramática,
dramaturgia... sin matices hacia la tragedia o hacia la comedia. Incluso el
término drama aparece vinculado a la bibliografía del texto infantil y de la
dramatización, sobre todo por influencia de las versiones angloamericanas.

● Su uso fácilmente se justifica por la posibilidad de calificación determinante: así

tenemos
○ el drama lírico con fusión equilibrada de poesía, música y escenografía, que
en su máxima expresión constituye la ópera.
○ el drama religioso, cuya determinación debe buscarse en el tema, y nos da
el auto, el auto sacramental, los milagros, los misterios y las moralidades.
○ De la misma forma podemos hablar de drama histórico y drama
psicológico por no multiplicar los ejemplos.

● La perspectiva dramática moderna le atribuye al drama una posición equidistante

entre la tragedia y la comedia. Su desenlace, fundamental para su clasificación,
puede ser funesto o feliz, pero por medios naturales, sin intervención de fuerzas
superiores insuperables, como sucede en la tragedia, en la que es fatalmente
funesto.

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 ● La admisión del drama en el repertorio del teatro infantil no sólo libera de la
exclusividad de lo cómico, sino que permite ampliar la gama de los temas y de los
tratamientos dramáticos propiciados por los textos. En definitiva, se enriquece el
panorama del teatro infantil, y, aunque la exigencia del final feliz limite la aportación
del drama como género, introduce estímulos para la variedad y la matización.

subgéneros del género dramático.

Mayores:
-La comedia: desarrolla una acción ordinaria que refleja incidentes de la vida humana a
través del prisma festivo, en busca de la alegría y la risa del público. El desenlace suele ser
feliz: final feliz. Es lo contrario a la tragedia: hombre inferior.
Esta observación de la realidad, aparentemente superficial, puede realizarse desde los
ángulos severos de la crítica y del ridículo, pero también desde el ángulo benevolente de la
indulgencia y del entretenimiento. Destacar las aristas cómicas de la realidad es una
manera de manifestar su disconformidad con ella. Y la risa del público ha sido calificada por
Bergson como castigo.
-tragedia: muestra personajes ejemplares en un conflicto. Ej: Edipo, pasa de ser el rey más
querido al más despreciable, el final presenta CATÁSTROFE.
-tragicomedia: argumentos al borde de la tragedia con condimentos visibles y final feliz.

Menores:
– auto sacramental
– entremés
– sainete

Teatro aristotélico:
Mimesis: imitación, imita la realidad. Toda disciplina artística es una IMITACIÓN de la
realidad. No tiene que ser verdadero porque es FICCIÓN.
Verosímil: la literatura siempre tiene que ser verosímil, tiene que parecerse a la realidad, a
la verdad, pero no tiene que ser real. Cada género crea su verosímil: PACTO FUNCIONAL.
Catarsis: purificación de los sentimientos (emocionar, reír, etc..), cuando se produce
mimesis logrará en el espectador que tenga catarsis. Ej: vemos una tragedia y nos
emocionamos.

Género dramático: texto dramático.

Lo primero que hay que recordar respecto a textos dramáticos para niños es su escasez y, a
menudo, su falta de calidad.
Hay que dejar bien claro que si el texto no es bueno desde el punto de vista dramático, es
preferible no intentar representarlo.
A la vez hay que urgir para que estos textos aumenten en cantidad y en calidad.

La determinación de la calidad de un texto dramático es difícil. Por ello hay que centrarla en
su viabilidad dramática y ha de ser objeto de estudio.
Tratándose de textos para ser representados por niños y para niños, este estudio le
corresponde, en primer lugar, al director, como es lógico.

Tres puntos fundamentales han de ocupar su atención:

• -el encuadre histórico del texto;
• -su estructura dramática;

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• -la adecuación a los niños a los que va destinado.

dramaturgo: persona que se encarga de elegir un texto que sea bueno para que se actúe
Esta persona puede coincidir con el director o no, dispone de abundante bibliografía teatral
y va leyendo y estudiando obras.
Entre las mejores de éstas propone al director las que parecen más adecuadas para el
momento apetecido. Entre éstas se elige la definitiva.

Encuadre histórico
A este respecto puede considerarse que hay textos dramáticos de marcado carácter
histórico.
➔ pasado, es decir de época
➔ los hay contemporáneos
➔ los hay intemporales.

● Salta a la vista que en los textos referidos a épocas pasadas debe cuidarse el
marco histórico.
Este marco histórico siempre se reproduce de forma convencional mediante el
empleo de los recursos expresivos. Es decir, que si tenemos que representar, por
ejemplo, un pasaje de la vida de Don Quijote de la Mancha, o algo que haga
referencia a él, la huella histórica tendrá que reflejarse en su expresión lingüística,
en la expresión corporal, en su traducción plástica y en la contribución
rítmico-musical.
El personaje tiene que actuar de acuerdo al MARCO HISTÓRICO.
La aplicación adecuada de estos recursos a los personajes consigue la
caracterización de los mismos
El marco histórico debe ser estudiado por todos aquellos que intervengan en la
puesta en escena, desde actores hasta decoradores.

● Lo dicho vale también para las obras de carácter contemporáneo, y no es

menos difícil. El encuadre histórico comporta especialmente aquí rasgos
sociológicos y etnológicos determinantes.

● En cuanto a las obras temporalmente indefinidas, es evidente que el

director tendrá que decir si responde a una ambientación histórica o
contemporánea. O puede pretender precisamente ambigüedad, proyección
hacia el futuro, hacia situaciones fantásticas o irreales.

En cualquier caso el texto exige que se respete su intención

A este respecto hay que denunciar una tendencia extendida en poner muchas cosas que
identifica toda ambientación de lo pasado con una confusa mezcolanza de elementos y
signos pretéritos sobre todo en el vestuario; mixtura preferente de aportaciones barrocas y
medievales poco afortunada.

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Es preferible la caracterización indicativa, sobria e incompleta, pero significativa, a la
exageración de elementos que solo consigue distanciar de la realidad actual, pero que no
ayuda a situar temporalmente.

EN UN TEXTO DRAMÁTICO:
Emisor: autor literario
Receptor: actores, aquellos que REPRESENTAN, y llevan la puesta en escena que nos
llega a nosotros.
Obra dramática: acción. Es un texto escrito por un autor llamado dramaturgo
- Obra literaria
- Está escrita
- Tiene lectores
- Aparecen personajes

Obra teatral: representación física, material, de la obra dramática o de cualquier carácter y

es el director teatral el encargado
- Espacio Físico donde tiene lugar un espectáculo artístico
- Tiene espectadores
- Aparecen actores

En primer lugar debemos distinguir entre la estructura externa y la estructura interna.

La estructura externa
● La estructura externa de la obra dramática está señalada por los
actos: por lo general, son tres, frente a las jornadas del teatro clásico que eran
cinco. Pero también hay obras que cuentan con un solo acto o con dos actos. En
general la obra en un acto suele ser una obra menor.
● Los actos, a su vez, se dividen en escenas, aunque éstas no suelen estar marcadas
en las ediciones modernas.

Los actos: están marcados en la puesta en escena por las caídas de telón con
interrupción de la representación.
Las escenas: se desarrollan sin interrupción de la representación, puesto que se
cambia de escena cada vez que se altera el número de personajes presentes en el
escenario. O sea que cada entrada o salida de un actor supone una escena nueva.

● La división en actos no es arbitraria.

● De ordinario cada acto recoge una fase de la acción que constituye una unidad
dentro del desarrollo de la misma.
● El acto termina cuando la acción agota una situación o serie de situaciones que en el
siguiente serán reemplazadas por otras o adquirirán una intensidad emocional
distinta.
● Hay autores que a cada uno de los actos de la obra le dan un título adecuado..
Cuando no sucede así, es conveniente que el director invente un epígrafe para cada
uno de ellos. Así se centra mejor la atención de los actores sobre el contenido del
acto.

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 ● Cuando se presentan cuadros distintos dentro del mismo acto, es interesante hacer
lo mismo, inventar un epígrafe señalando.
De esta manera se consiguen varios objetivos:
-fijar puntos de referencia que faciliten los ensayos,
-favorecer la comprensión del texto y la profundización en la obra;
-dar a cada escena la entidad que le corresponde dentro de la estructura general de
la obra.
En la actualidad muchas obras se presentan con una sola interrupción hacia la mitad. Esta
interrupción sirve de descanso entre la primera y la segunda parte.

La estructura interna
La estructura interior, en cambio, está constituida por el planteamiento, el nudo y el
desenlace.
Esta estructura interior es la que marca la dinámica de la obra.

● El planteamiento está vinculado a la presentación de datos que nos permiten

entender la acción. Lógicamente está incluido en la acción y se logra por ella.
● El nudo constituye lo fundamental de la acción y hasta la acción misma.
● Y el desenlace es su final, tras la culminación de fuerzas que dan vida a la acción.

A todo esto conviene añadir el argumento y el tema.

● El argumento es la selección ordenada de escenas que, ensambladas, nos
transmiten la sensación de estar presenciando un relato completo cuando sólo se
nos ofrecen algunos fragmentos de la acción.
● El tema traduce la intención final del autor a la que el espectador cree ver en la
obra. El tema no se capta hasta ver el desenlace.

Argumento y tema no son elementos superpuestos al planteamiento, nudo y desenlace,

sino que están entrañados en ellos. A veces el análisis de estos elementos resulta difícil,
pues mientras la acción dramática acumulada en el argumento se compone de hechos
tangibles y verificables, su significación general y conjunta -tema- no siempre se adivina a
primera vista.
● A menudo en el teatro se emplea el término trama, en vez de argumento. En
realidad es lo mismo. Sólo que la trama parece aludir preferentemente a las líneas
determinantes de la estructura interna que se cruzan y entrecruzan en el desarrollo
de la acción.
● El argumento es lo que nosotros contamos, por ejemplo, de una película, cuando
alguien nos pregunta qué sucede en ella. El argumento le sirve al autor para revestir
corpórea y artísticamente una idea que quiere comunicar al lector o al espectador.
La idea, de formulación general, que debe descubrir el espectador, es lo que
llamamos tema.
● Así, por ejemplo, en Las aceitunas, de Lope de Rueda, es evidente que el
argumento es el conjunto de peripecias y discusiones en torno al precio a que deben
vender las aceitunas que se recogen de un árbol que todavía no se ha plantado. El
tema es la crítica que hace el autor de lo absurdo de las ilusiones humanas cuando

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 no sólo rozan la irracionalidad, sino que impiden la realización de los mejores
propósitos.

Transtextualidad

Los diferentes vínculos entre textos forman parte del macro concepto transtextualidad.
Por transtextualidad entendemos todo lo que relaciona un texto con otro, de forma
explícita o implícita.

La transtextualidad es una macrocategoría que se divide en arquitextualidad,

hipertextualidad, intertextualidad, metatextualidad, paratextualidad. Estos conceptos no
son excluyentes; por el contrario, pueden coexistir. Por ejemplo, cuando en un
comentario se cita el texto que está siendo comentado, confluyen la metatextualidad y la
intertextualidad.

Architextualidad
Es la relación que existe entre un texto y todas las categorías generales a las que
pertenece, por ejemplo: tipo de discurso, género literario, etc. Estas categorías son
discutibles y pueden venir adelantadas por algún elemento paratextual, como
expresiones del tipo ensayo, poemas, etc.

Hipertextualidad
Es la relación de un texto con otro anterior del cual deriva por transformación o imitación.
La parodia es un ejemplo típico.

Intertextualidad
Es una relación de co-presencia entre dos o más textos, es decir, se reconoce la
existencia de un texto B en lo dicho en un texto A. Una de las formas más típicas de esta
existencia es la cita —además de ser la forma más explícita—, pero también está la
alusión.

Metatextualidad
Consiste en la relación de comentario de un texto B sobre el texto A que se comenta,
como en la recensión. El ejemplo más acabado de metatextualidad es la crítica textual.

Paratextualidad
Es la relación que el texto en sí mantiene con sus paratextos: títulos, subtítulos, prólogos,
epílogos, índice, referencias, notas al pie, epígrafes, tapa, contratapa, lomo, imágenes, pie de
foto, etc.

TRAGEDIA
Según Aristóteles:
Definición:
La tragedia es imitación de una acción esforzada y completa, de cierta amplitud, en lenguaje
sazonado, separada cada una de las especies [de aderezos] en las distintas partes,

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actuando los personajes y no mediante relato, y que mediante la compasión y el temor lleva
a cabo la purgación de tales afecciones.

Así, la tragedia se diferencia de otros géneros:

-por los medios de la imitación: lenguaje sazonado (verso y canto: “Entiendo por ‘lenguaje
sazonado’ el que tiene ritmo, armonía y canto, y por ‘con las especies [de aderezos]
separadamente‘, el hecho de que algunas partes se realizan sólo mediante versos, y otras,
en cambio, mediante el canto”),
-por el objeto de la imitación: (acción esforzada y completa),
-por la forma de imitación: actuación de los personajes, y no relato, y
-por los efectos psicológicos especiales de la tragedia, la catarsis trágica.

Desde el punto de vista ético, la tragedia muestra el castigo del hombre culpable de
soberbia, violador del orden universal con actos no permitidos por su destino.

● HAMARTIA: sufrimiento extremo.

● Desmesura, exceso, soberbia, pecado.

● Personajes muestran que tienen una MOIRA: un destino dado por los dioses.

Aristóteles habla de cuatro clases de tragedia:

● la compleja, “que es en su totalidad peripecia y agnición”;
● la patética;
● la de carácter;
● y una cuarta cuyo nombre no conocemos.
En las tragedias diferencia partes cualitativas (distinguiendo partes formales: canto,
espectáculo, elocución, y partes de contenido: fábula, carácter y pensamiento) y partes
cuantitativas o de estructuración externa (prólogo, episodio, parte coral y éxodo).

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Partes esenciales o cualitativas de la tragedia:
6 ELEMENTOS:

3 elementos tienen que ver con QUE imito:

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 ● Caracteres: personajes con características particulares, actuar de acuerdo a su
condición, tienen que ser creíbles y constantes. Las formas de ser y comportarse de
los personajes, se reducen al del hombre esforzado y al del hombre de baja calidad,
siendo el primero el que domina en la tragedia, aunque puede haber tragedia sin
caracteres –no sin fábula.
● Pensamientos: ideas que comunican. Si el carácter se situaba en el nivel de la
decisión, el pensamiento se sitúa en el de la opinión. Carácter y pensamiento son
las causas de las acciones, y el pensamiento es el aspecto discursivo de la acción,
que consiste en saber manifestar lo que está implicado en la acción.

● Fábula: argumento, historia. Es la parte principal de la historia, Debe imitar una

acción sola y completa, y sus partes deben estar ordenadas.
Las partes de la fábula son
- Peripecia o “cambio de la acción en sentido contrario”
- Agnición, o “cambio desde la ignorancia al conocimiento, para amistad o para
odio, de los destinados a la dicha o al infortunio”.
- Lance patético, “acción destructora o dolorosa”, como las muertes en escena,
las heridas, etc.
La fábula puede ser simple: cuando hay cambio de fortuna pero sin peripecia ni
agnición, o compleja: si el cambio de fortuna va acompañado de peripecia,
agnición o ambas.

3 elementos tienen que ver con el MEDIO de imitación

● Canto: coro, partes de diferente manera, canto y acompañamiento musical. Es uno
de los aderezos del lenguaje de la tragedia, y algunas partes de la tragedia se
matizan mediante versos solos, y en otras mediante versos cantados (aunque las
partes cantadas no son consustanciales al argumento o fábula)
● Espectáculo: puesta en escena, obra pensada como espectáculo. Aristóteles lo
considera un aspecto no literario, por tanto es preferible que sea la fábula la que
provoque los efectos de la tragedia, no el espectáculo. “es cosa seductora, pero muy
ajena al arte y la menos propia de la poética”.
● Elocución: diálogo de personajes, hay una forma particular de composición según
el género. Parte de la tragedia, relacionada con la forma de imitación o actuación.
Tiene que ver con el pensamiento, que es expresado con el lenguaje.

Partes cuantitativas de la tragedia:

1. El prólogo es una parte completa de la tragedia que precede a la primera aparición
del coro (o párodos). Su función es hacer un resumen de la situación dramática.
Siempre hay un prólogo, personaje, a veces puede ser autor o director de la obra.
El prólogo se presenta ante el público y te dice lo que vas a ver
2. Parodos: es el canto del coro cuando entra en la orquestra. Es su primera
intervención. Cuando el coro entra con un canto, canto de entrada
3. Estasimos: cada canto del coro cuando ya está en la orquestra. Entre los diálogos.
4. El episodio es cada una de las partes completas de la tragedia que se desarrolla
entre cantos corales completos (corresponden a los actos del teatro tradicional). es
parte dialogada entre cada estásimo. Intervenciones de los personajes
5. El coro o parte coral debe ser considerado como un actor, formar parte del conjunto,
y contribuir a la acción.

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 6. El éxodo, una parte completa de la tragedia después de la cual no hay canto del
coro. Canto de salida.

Acción y conflicto dramático:

toda obra comienza en estado de armonía y se quiebra con el CONFLICTO DRAMÁTICO. Y
el desarrollo me lleva al desenlace.

Protagonista: personaje principal

Antagonista: personaje que impide que el protagonista logre su objetivo
Objetivo: recuperar el equilibrio inicial

Estructura
● Interna de la obra

1-presentación del conflicto

2-desarrollo dramático
3- climax
4-desenlace dramático

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 ● Externa de la obra
Obras clásicas 5 actos 3 actos
1 acto: Introducción; personajes y ambiente 1 acto: exposición. Planteo
2 acto: Increscendo 2 acto: Increyendo y sube tensión
3 acto: Clímax; momento de mayor tensión 3 acto: Clímax y desenlace
4 acto: Decrescendo; va bajando la tensión.
5 acto: Desenlace; solución del problema.

Lenguaje dramático
Características del texto: 2 textos; parlamento y acotaciones o didascalia
No hay narrador, todo sale de diálogos: parlamento entre 2 personajes.

Discursos: intervenciones/parlamentos de personaje y acotaciones

1- Diálogo; conversaciones entre personajes y hacen que la acción avance. 2 o más
personajes.

2- Monólogo o soliloquio; discurso del personaje, normalmente solo en el escenario,

como si fuese en modo pensamiento o reflexión. Muestra emociones y sentimientos.
Puede haber otros escuchando mientras NO respondan.

3- Aparte; el personaje se separa del resto o desvía su mirada y hace un comentario

en voz alta para el público, no para los personajes (más que nada en la comedia).
Ej: visto en “Mucho ruido y pocas nueces” cuando Benedicto le habla al público o al
coro.
➔ El aparte es un recurso dramático que permite convencionalmente que un
actor diga en voz alta algo que está pensando.
➔ Es como la transmisión de su pensamiento que llega al público, pero que no
llega a oír su interlocutor o el resto de actores en escena. Mediante el aparte
se busca la complicidad de los espectadores, creándose una situación
equívoca en escena. Por consiguiente se propician así lances imposibles de
otro modo.
➔ Tipográficamente el aparte se solía encuadrar entre paréntesis, como una
acotación cualquiera precediendo al párrafo que entra en esta convención. El
actor marca el aparte bajando el tono de la voz, de forma que destaque en el
discurso.
➔ Por lógica el aparte suele ser breve, y frecuente en el teatro cómico. Pero si
se prodiga en exceso, llega a producir cansancio en el auditorio.

4- Voz en off; escucho, pero no veo quién lo dice. Voz que narra, describe o explica
una escena.

5- Acotación/didascalia; aclaraciones que el autor realiza acerca de la puesta en

escena, descripción del escenario, vestuario, etc. Didascalia interna y externa.
Acotación interna: ej “¿Por qué me pegas?” solo el diálogo sin aclarar.
PODEMOS DISTINGUIR entre las introducciones o notas y las acotaciones
propiamente tales.

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 INTRODUCCIONES O NOTAS: son las que se colocan al principio de un acto o
escena para indicar cómo debe organizarse el escenario. En realidad son
descripciones pormenorizadas que el autor destina al director. Pero otras veces las
introducciones figuran entre las intervenciones de los actores con el fin de situar
acciones que se realizan independientemente del actor o que debe realizar el mismo
actor fuera del parlamento.
■ Las notas de introducción suelen ser muy esquemáticas. Por ejemplo
se pone: «Bosque. Aparece un leñador manejando el hacha con
lentitud y desgana...». Otras veces hacen referencia a la música o a
los efectos especiales.
■ Las que van entre dos intervenciones sucesivas de actores, por lo
general se refieren a acciones que se realizan en silencio o suceden
paralelamente a los parlamentos. Por ejemplo: «Lanza con fuerza un
taco de madera al aire. Abre la fiambrera y se dispone a comer».
● Las acotaciones, por el contrario, le indican al actor lo que tiene que hacer mientras
habla o cómo tiene que realizarlo.
Así, por ejemplo: «Sacando la nariz entre los árboles». «Con voz ronca y
gangosa». Otras veces indican gestos o movimientos con que tiene que
acompañar la elocución; y, a menudo, le señalan las características que ha
de dar a la entonación.

Las introducciones se distinguen por ir en letra cursiva o de menor tamaño y

sangradas, o sea, con mayor margen que el resto del texto. Las acotaciones van en
cursiva y siempre aparecen entre paréntesis, antes de iniciar su parlamento el actor,
o bien en medio del parlamento para matizar la frase o para designar la acción que
la acompaña.

Texto dramático

Esta situación incide en la forma del texto dramático, que en principio está escrito para ser
leído únicamente por los actores y el director, por lo que Bobes Naves distingue:

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 ➔ Texto literario: constituido fundamentalmente por diálogos
➔ Texto espectacular: descripción minuciosa del espectáculo
EL GÉNERO TEATRAL: EVA

● Llamamos teatro a aquellas obras literarias que son escritas para su representación
por unos actores en un escenario.
● Sus rasgos más característicos son el uso del diálogo y que no aparece la figura del
narrador.
● En el teatro conviene distinguir entre obra dramática, o texto literario, y la
representación teatral sobre un escenario, con actores, vestuario, decorados, etc.
● En una obra dramática aparecen los siguientes rasgos fundamentales:
- a) La acción (Serie de acontecimientos escénicos, que definen a los personajes
según su comportamiento)
- b) Los personajes (realizan la acción a través del diálogo)
- c) La tensión dramática (estado anímico de excitación, impaciencia o exaltación
producido del espectador por ante un acontecimiento inminente de la obra y su
finalidad es mantener la atención hasta el desenlace final).

Por otra parte, la acción dramática debe tener como cualidades:

1. Unidad. Los clásicos exigían que la historia representada cumpliera la "regla de las tres
unidades" (un lugar, un día y una acción). Hoy día sólo se sigue la unidad de acción: todo
gira sobre un tema central);
2. Integridad (la acción debe ser completa: exposición, nudo y desenlace);
3. Verosimilitud (si el drama está relacionado con la vida lo representado debe tener
apariencia de verdadero);

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4. Interés (atraer la atención del espectador).

División de la obra: ESTRUCTURA DE UNA OBRA DRAMÁTICA

Una obra de teatro está formada por dos tipos de textos: texto principal o primario y texto
secundario.
➔ TEXTO PRINCIPAL (EL CONTENIDO, PROPIAMENTE, DE LA OBRA)
A) ESTRUCTURA Puede presentar la siguiente división:

ACTO: unidad temporal y narrativa, marcada por la subida y bajada el telón.

El teatro griego no conocía las subdivisiones en actos.
Fueron los autores latinos, y sobre todo los renacentistas, quienes dividieron las
obras en cinco actos: (presentación, intensificación, climax, declinación y
desenlace).
El teatro de Lope redujo el número de actos a tres: exposición, nudo y desenlace.
El teatro moderno suele estructurarse también en tres actos. La distinción entre
actos se suele señalar de diversas maneras: caída del telón, intervención del coro,
cambios de luces, etcétera.

CUADRO: Parte del texto que está marcada por el cambio total o parcial del decorado.

ESCENA: Parte de la obra que viene determinada por la entrada o salida de los actores.
Cada vez que entran o salen personajes, se cambia de escena.

B) FORMA DE EXPRESIÓN
Además se observan estas posibles FORMAS DE EXPRESIÓN:
DIÁLOGO: Es la conversación entre dos personajes.

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MONÓLOGO: Es el modo de expresarse cuando un solo personaje está hablando. Se llama
también soliloquio.
APARTE: Es la forma de hablar de uno o varios personajes que utilizan cuando dicen algo
sobre la obra, y los demás personajes fingen no enterarse.
EL CORO (como un personaje colectivo que puede:
a) Ser la conciencia o los recuerdos del personaje que habla;
b) Encarnar la figura de una especie de adivinador o profeta que predice los
acontecimientos que se van a desarrollar más tarde;
c) Servir de narrador o encarnar las reflexiones generales del autor;
d) Encarnar a una comunidad. Aparece el coro en las tragedias clásicas sobre todo.

C) DESARROLLO DE LA ACCIÓN
La acción dramática, al igual que la acción narrativa, se estructura en:
EXPOSICIÓN: Es el principio de la obra y en ella se presentan los datos más importantes
de la obra.
NUDO: Coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.
DESENLACE: Es el momento en que se resuelve el problema planteado en el desarrollo de
la obra.

➔ TEXTO SECUNDARIO (APORTA INFORMACIÓN PARA LA REPRESENTACIÓN

TEATRAL)
ACOTACIONES: Sobre la acción:
1) Datos e indicaciones sobre el lugar en el que se desarrolla la acción: decorados, época,
mobiliario, etc. La escenografía es otro de los elementos esenciales de la representación
teatral, con ella se sitúa la historia en un tiempo y espacio concretos. Elementos necesarios
para ambientar el escenario.

2) Iluminación, con la que se expresan la hora del día, un espacio concreto, etc. Luces y
elementos luminosos para provocar efectos: día, noche, tormentas...

3) Sonidos, para indicar o provocar diversos efectos. Música y efectos sonoros para
complementar lo que aparece en escena: ruidos, etc.
Sobre los personajes: Vestuario, movimientos, gestos, tono de voz, intencionalidad
expresiva, etc.

Tipos de personajes
PERSONAJES:
protagonista, antagonista y secundario, lo demás corresponde a lo que aristóteles
dice acerca de los personajes: bondad, semejanza, propiedad, consecuencias, debe
ser VEROSÍMIL, el personaje debe estar de acuerdo a lo que representa, debe ser
creíble.
Cada personaje representa un carácter y un valor.
Ejemplo: en Electra la reacción de los 3 personajes femeninos, reaccionan todos
distintos. Pero dan argumentos sólidos.

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 ● BONDAD, de carácter moral, no se refiere a la representación poética.
● SEMEJANZA, el poeta tendrá que representarlos de forma semejante a la tradición
consagrada.
● PROPIEDAD,

Antes había solo 1 en escena, experimentando todo el sufrimiento: protos; protagonista.

Después se suma un personaje que se opone; antagonista.

1) PRINCIPALES: son aquellos sobre los que recae el peso de la acción. Pueden ser:
Protagonista: actúa de una forma decisiva y fundamental en la obra. Antagonista: actúa de
forma contraria al protagonista.
2) SECUNDARIOS: ayudan a los principales.
3) ALEGÓRICOS: encarnan ideas abstractas como la justicia, la libertad, la muerte; o
también conceptos religiosos: la Eucaristía, el pecado, el demonio...

Protagonista; el 1º sufriente, puede ser bueno o malo, personaje colectivo (romeo y Julieta)
Antagonista: fuerza de choque, en contra del protagonista.
Secundarios: personajes complementarios que apoyan a alguno de los principales, suelen
ser de uno u otro bando.
Colectivos: personaje desempeñado por muchos, REPRESENTA a muchos. Personaje sin
individualidades. Ej coro representa al pueblo
Ausente: su referencia permanente constituye parte de la tensión dramática. Es un
elemento de tensión, nunca aparece en escena.

CORO: rol del coro en la tragedia, la consuela y le da consejos. Le marca el error trágico,
“es demasiado”, marca la desmesura. El coro también cuenta aquello que no se puede ver,
lo que no se puede mostrar, para garantizar que el público sepa lo que el autor quiere
mostrar.

Superó objetivo: pensamiento el tema de la obra y que comunica

TEATRO
Orígenes:
● surge en Grecia.
● Culto a los dioses, el teatro nace como expresión religiosa. Por el dios Dionisio, el
dios del vino. Surge como expresión de lo dionisio.
● Se usan máscaras y elementos.
● Empezaron con ritos con sacrificios de animales. Pero después se reemplazaron por
personajes.
● La Asamblea conforma el coro, pero luego pasa a ser el público.
● El primer personaje que luego vamos a llamar protagonista es el que se suma al
coro.
● Antes de un antagonista hay un personaje mimico, agonista, completamente mudo,
sin diálogo. Luego se abandona la mímica y se pone diálogo. Y la asamblea ya no
forma parte de la representación sino que es el público.

17
 ● Esto va a dar lugar a la época de oro de la tragedia: fin de la tiranía. Este tipo de
tragedia muestra a familias reinantes, con vicios y defectos. y muestran este cambio
a favor de la democracia.

● Cambio: argumentos, anfiteatros, certámenes. Porque se abandonan los rituales

religiosos.
● Como premio a los certámenes se daban una corona de laureles porque el laurel es
una planta perenne, tiene hojas todo el año, y esto demuestra lo que perdura, la
gloria, la fama, el buen nombre..
● De estos certámenes a la consagración estábamos a un paso.
● Sófocles Esquilo y Eurípides fueron los más populares, sus historias eran conocidas
pero cada uno le daba un carácter distinto, uno más religioso, otro más político, etc..

ANFITEATRO DE MADERA: croquis. se incendiaron por lo que después pasó al anfiteatro

de piedra. Pasaban entre 6 y 7 hs mirando el teatro. fue muy popular,

El croquis representa la recreación de la acrópolis. A pesar que el espectáculo no tiene

relación religiosa hay un templo a Dionisio.

PARTES DEL ANFITEATRO:

parte circular donde van los músicos: orquesta
el escenario: esquema.

Efectos especiales:
● Maquinaria con arnés para subir y bajar al actor como un dios; Deus ex machina.
● Sonoros: ejemplo para simular un trueno
● Iluminación: ejemplo con antorchas y velas

Esquene; tiene dos niveles, el que está más cerca del público; proscenio, punto más
cercano al público, y en la orquestra está el coro, personaje colectivo, TODOS cantan,
cada uno de los integrantes se llama courestas y Colifeo es UNO SOLO, el solista, un
couresta.

COMEDIA AUTORES; aristófanes y menandro.

TEATRO DE EPIDAURO: mayor anfiteatro que construyeron en la realidad.

El teatro con mejor acústica del mundo: eva origen del teatro o teatro antiguo.
En la Argólida (Peloponeso) se encuentra el Teatro de Epidauro, el teatro de la antigüedad
con mejor acústica del mundo. Los espectadores de las filas superiores, situadas a 70
metros de distancia, escuchan perfectamente a los actores del escenario.
En este teatro fue proclamada la independencia de Grecia en 1822.

18
PARTES DEL TEATRO GRIEGO
El género teatral es de creación griega y el edificio que alberga el espectáculo también es
una construcción típicamente griega.
Todos los grandes teatros se construyeron a cielo abierto.
En un principio se utilizaba un espacio circular de tierra lisa y compacta denominado
«orchestra» en cuyo centro se ubicaba un altar («thymile») donde se sacrificaba un cordero
en honor del dios Dioniso.
Más tarde se construyeron edificios adyacentes de madera para que los actores se vistieran
y gradas para el público aprovechando generalmente la ladera de una colina.

Conforme la representación teatral se fue complicando el tamaño del altar fue disminuyendo
hasta salir fuera de la «orchestra» que quedó reservada para el coro, se construyó un
escenario elevado o «proskenion» donde los actores realizaban la representación, una
«skené» o caseta para que los actores se cambiaran de máscaras e indumentaria y las
gradas se construyeron de madera o de piedra.
Las partes de un teatro griego clásico son las siguientes:
▪ «Orchestra»
▪ «Skené»
▪ «Koilon»

19
«ORCHESTRA»
● Del griego «orcheisthai», bailar.
● Espacio circular o mayor de un semicírculo de tierra lisa y compacta, situado al aire
libre, donde el coro bailaba y cantaba.
● Los miembros del coro entraban en la «orchestra» por unos pasillos denominados
«parodoi» (plural de «párodos»).

«SKENÉ»
● Zona de forma rectangular alargada y estrecha con el lado mayor de cara al público
situada detrás de la «orchestra» y elevada tres metros por encima de la misma
mediante una plataforma de tablas sostenida por una columnata.
● En la parte posterior se ubicaba una construcción de madera que servía a la vez de
decorado, de bastidores y de camerinos para los actores.
● La parte anterior de la «skené» más cercana a los espectadores se denomina
«proskenion» (delante de la escena) y era el lugar donde los actores realizaban la
representación.
● La «skené» podía adornarse con estatuas y columnas donde se fijaban los
decorados («pinakes»). También podía disponer de complejos recursos escénicos
como pantallas giratorias («periaktos») para cambiar de decorado, plataformas
móviles («ekkyklema») para trasladar personas por la escena, grúas
(«theologheion») que bajaban dioses o personajes relacionados con el Olimpo y
escaleras subterráneas por las que aparecían los dioses o héroes que procedían del
Hades.

«KOILON»
● «Koilon» o graderío significa «lugar desde donde se contempla».
● Es el espacio de forma semicircular reservado para el público. Siempre se utilizaba
la falda de una colina que se acondicionaba con asientos de madera o de piedra. El
graderío se dividía en sectores («kerkís»).
● Para facilitar el paso del público existían uno o dos pasillos semicirculares
(«diazoma») y escaleras.

20
 ● La asientos de la primera fila, situada más cerca de la «orchestra», se reservaban
para las autoridades y sacerdotes de Dionisos, se construían con mármol y se
decoraban con inscripciones.
● Un pequeño muro denominado «balteus» separaba las gradas de la «orchestra»

TEATRO GRIEGO

El público estaba conformado por personas de todos los estratos sociales.

● El Teatro griego fue pionero en representaciones teatrales, las que se desarrollaban

al aire libre, con danzas y música, en festivales religiosos en honor al dios Dioniso.
● El arte dramático nació en la cuna de la civilización griega. En un principio (alrededor
del siglo V antes de nuestra era) se trataba más de una serie de representaciones
de carácter religioso que de la puesta en escena de relatos o poemas. El teatro
comenzó como rituales de campesinos y pastores para honrar a Dionisio, dios de la
agricultura y del vino. Se trataba de cantos corales que imitaban a los animales y a
los ruidos del bosque, donde moraba este dios, ajeno al Panteón oficial.
● Las obras se representaban al aire libre en una tarima, cerrada por un muro al fondo,
y galerías escalonada al frente, en semicírculo. El Estado griego proveía alimento
para los miles de asistentes, pues las representaciones duraban todo el día, y
pagaba la admisión de los ciudadanos que no contaban con recursos.
● A partir de estas fiestas rituales surge la tragedia y la comedia del teatro clásico,
cultura teatral de la antigua Grecia entre los siglos V y III antes de Cristo.
● Características del Teatro Griego

1. Estructura

21
En la Grecia antigua, la palabra “teatro” se refería al sitio en donde se encontraban los
espectadores. La “orquestra” era el lugar en donde se interpretaban los instrumentos, se
cantaba y danzaba, y el proscenio era donde actuaban los integrantes de la obra, con los
párados, las puertas a la derecha e izquierda del escenario.

2. Géneros
Los relatos del teatro griego se dividen en dos grandes grupos: las comedias y las
tragedias. Las distingue un tono (ligero en la comedia, grave en la tragedia) y su temática.
Las comedias narran el choque de las clases sociales en clave burlesca. La tragedia el
choque de los dioses con la humanidad.

3. Máscaras y vestuario
En el Teatro griego solamente actuaban hombres, los que solían llevar una máscara, peluca
y túnica, en colores vivos para los personajes principales, en color negro para los
personajes tristes y en colores neutros para la gente del pueblo. Algunos actores calzaban
coturnos (zuecos), para simbolizar la superioridad de los personajes en la obra.
Las máscaras del Teatro griego eran individuales para cada uno de los protagonistas y un
mismo actor podía utilizar varias en una obra, adoptando varios personajes. En su lugar, los
actores podían utilizar barro en sus rostros, o pinturas en base a azafrán. El uso de las
máscaras era un ritual, aunque también era útil para reducir el número de actores y para
aumentar el volumen de sus voces.
Carátulas:
● máscaras para caracterizar a los personajes, siempre la misma carátula para Electra por
ejemplo, son fijas.
● En su momento no había mujeres actuando, solo hombres.
● Generalmente los que hacian de mujeres eran jóvenes por su voz.
● No todas las máscaras estaban huecas, las que no, las voces salían proyectadas.
● En la comedia a veces se usaban máscaras hasta la nariz para gestualizar más.

Vestuario:
● paleos o togas (tipo túnicas).
● Coturnos: Los personajes importantes, divinidad, algún rey.

4. El Coro
El Coro era una de las partes más importantes en el Teatro griego y consistía en un grupo
de hombres que cumplían varios roles que influían sobre el desarrollo del drama. Estaba
compuesto por hasta 50 hombres, pero Sófocles estableció su número en 15.
Con el tiempo, el coro en el teatro griego fue perdiendo importancia, limitándose a
acompañar la obra y marcar la separación entre los distintos episodios.
El rol del coro en la tragedia, la consuela y le da consejos. Le marca el error trágico, “es
demasiado”, marca la desmesura. El coro también cuenta aquello que no se puede ver, lo
que no se puede mostrar, para garantizar que el público sepa lo que el autor quiere mostrar.

5. El público

22
El público estaba conformado por personas de todos los estratos sociales, y su
concurrencia era masiva. Existían ubicaciones preferenciales, destinadas a los magistrados,
sacerdotes y ciudadanos ilustres, y localidades comunes para el público en general.

6. La Tragedia griega
● La Tragedia griega es el género teatral de la Antigua Grecia que se caracteriza por
dos formas expresivas, una dionisíaca, relacionada con la música y la embriaguez, y
la otra caracterizada por la contención y la mesura.
● Revela los problemas del mundo griego y su acción se sitúa en el cruce de dos
mundos, un mundo heroico, del género del héroe homérico y el mundo del guerrero
ciudadano o la polis, la comunidad mayor en la Grecia antigua.

7. Autores y representantes de Tragedia Griega

● Esquilo (525 al 456 A.C) es considerado el creador de la Tragedia griega. Sus obras
son inspiradas en temas mitológicos y sus personajes son dioses, semidioses o
seres sobrehumanos que se expresan en un lenguaje grandilocuente y metafórico,
viven pasiones tormentosas y son arrastrados por la fatalidad.
● Sófocles (496 al 406 A.C) incorporó diversas innovaciones a este género: en el
coro, la coreografía, la estructura y la técnica actoral. Las obras de Sófocles relatan
los sufrimientos de los hombres expuestos a las situaciones extremas que les
depara el destino. La voluntad y la toma de decisiones fueron los temas principales
de sus obras.
● Eurípides (480 al 406 A.C) se dedicó por completo a plasmar en la Tragedia griega
los problemas y pasiones de sus contemporáneos, con un enfoque más humano que
sus antecesores. En las obras de Eurípides se destacan los héroes de carne y
hueso, y sus obras invitan a la reflexión.
Aunque no se conserva ni el 10% de las cientos de obras escritas por Aristófanes,
Esquilo, Sófocles y Eurípides, entre otros, los temas, estructuras y conflictos que
reflejaban en sus obras siguen permeando la manera en que escribimos, y hacemos
teatro, cine y televisión.

8. La Comedia griega
● La Comedia griega nace en Atenas al igual que la Tragedia, pero se diferencia por
su carácter cómico, burlesco u obsceno.
● La base de la Comedia consistía en exponer las críticas del autor sobre temas
sociales, literarios o políticos, por medio de chistes, burlas y situaciones ridículas.

9. Las Fiestas Dionisicas

● Las Fiestas Dionisicas eran festivales en honor al dios Dioniso, en donde se incluían
las obras de Teatro griego.
● En Ática se celebraban las Dionisias Rurales en el mes de diciembre (Poseidón) y
en Atenas se realizaban las Dionisias Urbanas, en el mes de marzo (Elafebolion).
Las Leneas se celebraban en invierno, en los meses de enero y febrero (Leneón).
Leneas significa “el del lenos” (tinaja de vino) y también “las lenai” (las ménades).

10. Autores y representantes de Comedia griega

23
 ● Aristófanes fue el autor de numerosas comedias griegas representadas en Atenas
en el siglo V y VI A.C, llamadas Comedia antigua o Comedia aristofánica. Otros
autores de Comedia antigua fueron Cratino, premiado seis veces en las Dionisias
Urbanas y tres veces en las Leneas, Crates, con tres victorias en las Dionisias
Urbanas, Eupolis, Ferécrates, Aristónimo y Amipsias.

11. Partes de la Comedia antigua

● La Comedia antigua o aristofánica se divide en siete partes:
● • Prólogo o prólogos: una escena que abre la obra antes del coro.
● • Entrada del coro o parodos: escena en la que entra el coro y se presenta ante el
público.
● • Agón: el debate entre dos adversarios en el cual presentan argumentos sobre el
tema principal de la obra.
● • Parábasis: la escena en la que todos los personajes abandonan el escenario y
actúa el coro.
● • Epeisódia: los episodios que ilustran la conclusión.
● • Éxodos: la escena final.

PRIMER TEXTO: “Electra”: tragedia griega

Resumen
La historia inicia cuando el Pedagogo, antiguo ayo del palacio en Argos, le muestra a
Orestes lo que hay allí, pues siendo él pequeño, Electra, su hermana mayor, se lo entregó
por miedo a no ser asesinado al igual que su padre, Agamenón, por Clitemestra (madre de
Orestes, Electra y Crisótemis) y Egisto (actual esposo de Clitemestra y rey en Argos).
Oresetes fue enviado a Fócide junto con Estrofio, sobrino de su padre, 20 años atrás y
ahora está a punto de llevar a cabo la venganza de su padre, ya que a través del oráculo
pítico, Orestes debe planear la muerte justiciera por su mano, sin escudo ni ejército. Orestes
explica su plan de acción, el cual consiste en que el Pedagogo tendrá que hacerse pasar
por extranjero de Fócide y notificar en el palacio la muerte de Orestes, de esta manera, con
astucia y engaños, podrán asesinar a Clitemestra y Egisto; pero no sin antes, presentar
ofrendas a la tumba de su padre.

Electra se encuentra dentro del palacio lamentándose y exigiendo justicia por el asesinato
de su padre. El coro, conformado por doncellas del lugar, entra en escena durante sus
lamentos e inicia un largo diálogo lírico que representa la reflexión de Electra y queda
resuelta su actitud de fidelidad a su padre y la esperanza de venganza de Orestes.

Crisótemis, hermana menor de Electra, entra en escena y ambas comienzan a discutir, pues
Electra cree que Crisótemis está defraudando la memoria de su padre por carecer de ávidos
deseos de venganza, sin embargo, Crisótemis refleja prudencia y cordura en sus palabras.
Ante una discusión sin resolución alguna entre ambas, Crisótemis se retira de escena para
presentar sus ofrendas a la tumba de su padre.

24
Electra permanece en escena y el coro anuncia que Clitemestra ha tenido una visión
nocturna que predice que pronto será vengado el espíritu de Agamenón. Clitemestra entra
en escena y sostiene una fuerte discusión con Electra, pues ella se justifica al mencionar
que Agamenón había sacrificado a su hija ante los dioses y por ello debía de morir, sin
embargo, Electra le recrimina su deslealtad, asesinato y complot con Egisto (actual esposo
de Clitemestra) para degollar a su padre y apoderarse de Argos. Mientras ambas se
recriminan, el pedagogo entra en escena, haciéndose pasar por el extranjero de Fócide que
anuncia la supuesta muerte de Orestes. Ante esta noticia, Clitemestra se siente mucho más
tranquila y confiada e invita al pedagogo a pasar al palacio. Electra permanece
desconsolada y frustrada ante su deseo de venganza.

Crisótemis entra en escena y le comenta a Electra que Orestes permanece vivo, pues
encontró otras ofrendas en la tumba de su padre, sin embargo, Electra le da la noticia y le
pide que lleven a cabo la venganza juntas. Crisótemis se niega a ayudarla y se retira de la
escena.

Mientras Electra continúa lamentándose, Orestes entra en escena y tras ver su enorme
pesar, le confiesa quién es él y su plan justiciero. Electra se llena de dicha, pero sabe que
debe disimular, pues Egisto estaba por llegar al palacio. Orestes entra al palacio mientras
Electra permanece afuera esperando la llegada del traidor. Egisto sostiene un
enfrentamiento verbal con Electra y se burla de ella. Electra, por el contrario, le contesta de
forma evasiva y lo envía al palacio. Egisto, confiado, entra al palacio y se encuentra con la
muerte, tanto suya, como de Clitemestra.

● Sofocles, de colono, 496.405 ac.

● Obras: escribió 123, pero llegaron 7: antígona, edipo rey, áyax, las traquinias,
filoctetes, edipo en colona, y electra.
● Fecha de estreno supuestamente 418 ac; electra.

● Sófocles introdujo cambios que renuevan el teatro;

● Sofocles pone un tercer actor en la obra,esto dio más dinamismo
● decoración del escenario; escenografía
● Desarrollo psicológico de los personajes, son personajes reflexivos, hablan de
conflictos, dudas, temores.

● Estas características produjeron un cambio en el teatro.

Relación tragedia griega y Electra de Sófocles:

● Sófocles introduce la escenografía: los bastidores se siguen utilizando hoy.
● La peridacta es un rectángulo de 3 caras que me permite cambiar cada una de las
obras de la tragedia. NUNCA CAMBIA LA ESCENOGRAFÍA en la tragedia antigua.
● La obra tenía que ocurrir en un solo cuadro, en un día y en un solo conflicto porque
sino no era verosímil.
● Electra ocurre solo en la puerta del palacio. Y no se permite mostrar escenas crueles
por eso NO se ve la muerte de la madre ni de egisto.

25
 ● Para hacerle creer al público que estoy en X espacio le hablo.

Familia pelopida o atrida:

● Hipodamia es una joven bellísima, cuyo padre no permite que se case.
● Pélope, uno de los muchos pretendientes de Hipodamía, logra ganársela en una
competencia de carros gracias a las trampas de un cochero, Mirtilo.
● Pélope se lleva a Hipodamia y después de un tiempo mata al cochero de quien cree
que in­tenta seducir a la joven.
● Hermes, padre de Mirtilo, cumple con la última voluntad de su hijo: que la
descendencia de Pélope sea maldita.
● Pélope engendra en Hipodamia dos hijos, Atreo y Tiestes, y en la ninfa Axíoque
concibe a Crisipo.
● Cuando Atreo y Tiestes crecen, por pedido de su madre, asesinan a Crisipo.
● Pélope los maldice y destierra.
● Los jóvenes se refugian en Micenas, donde reina un rey sin descendencia.
● Siguiendo un mandato de los dio­ses, los habitantes de Micenas convocan a los hijos
de Pélope para elegir un heredero al trono.
● Esta convocatoria desata la ri­validad de los hermanos. Atreo tiene un vellocino (una
piel de oveja) de oro. Tiestes seduce a la esposa de Atreo, Aérope, quien entrega el
vellocino a su cuñado-amante.
● Por esto, frente a los micénicos, Tiestes propone que sea rey el que posea un
vellocino de oro. Atreo, aconsejado por Zeus a través de Hermes, convence a
Tiestes de considerarse verdaderamente rey si el sol repite una vez más su recorrido
habitual (de este a oeste). Si el sol invierte su curso, Tiestes deberá admitir que el
rey sea Atreo.
● En cuanto el confiado Tiestes acepta la propuesta, el sol se pone por el este.
● Confirmado como rey, Atreo finge perdonar a su hermano la traición cometida con
Aérope. Lo invita a un banquete. Mientras tanto, Atreo mata a tres hijos de Tiestes,
los despedaza y prepara como manjar para servirle a su hermano.
● Una vez que Tiestes ya ha comido, Atreo le muestra las cabezas de los niños y lo
destierra. Tiestes, por consejo de los dioses, fe­cunda a una de sus hijas, Pelopia, y
así engendra a Egisto.
● Pelopia no sabe quién es el padre de su hijo y poco tiempo des­pués se casa con su
tío Atreo, quien cría a Egisto. Egisto crece y Atreo le encomienda el asesinato de
Tiestes. El joven sale de Micenas en búsqueda de su víctima, pero se entera de que
Ties­tes es su verdadero padre. Vuelve al reino de Atreo, lo mata y devuelve el trono
a Tiestes.
● Atreo concibe en Aérope a Agamenón y Menelao, los hé­roes que encabezan la
guerra griega que destruye a Troya. La leyenda cuenta que el motivo de esta guerra
ha sido Helena, la mujer más hermosa del mundo, envidia de la misma Afrodita y
esposa de Menelao, de quien la rapta el troyano París, guiado por la diosa del Amor.
Agamenón está casado con la hermana de Helena, Clitemnestra.
● Pero la ha forzado a ello, lo ha logrado a través de un crimen: Clitemnestra estaba
casada con Tántalo, hijo de Tiestes; Tántalo y Clitemnestra ya tenían incluso un
ni­ño; Agamenón mata a padre e hijo y consigue de los hermanos de Clitemnestra
una reconciliación que le permite el matrimo­nio, pero no repara el odio que la joven
le profesa.

26
 ● De los hijos de la nueva pareja, los poetas trágicos griegos destacan a Ifigenia,
Electra, Crísótemis y Orestes.
● Agamenón mandó a sacrificar a la hija; ifigenia. Antes ya había matado al hijo de
Clitemestra y a su marido.
● 10 años después se van a troya, vuelve con una amante; casandra y con ella trae
dos hijos;
● Y ella se queda con Egisto como amante. Mientras Agamenón está en Troya, Egisto
y Clitemnestra se aman, unidos especialmente por un odio común a Agame­nón.
Cuando este vuelve de Troya y trae consigo a Casandra, troyana sometida a él por
el triunfo guerrero, Egisto y Clitem­nestra lo asesinan. Electra teme por la vida de
Orestes, hijo va­rón de Agamenón y, por lo tanto, heredero legítimo al trono. En
Fócida se cría Orestes en íntima y sin­cera amistad con el hijo de Estrofio, Pílades.
Cuando es adulto, Apolo le ordena vengar la muerte de su padre.
● Electra decide tomar como hermano a un pedagogo, el amigo con el que llega
Orestes, que lo cría como un noble.
● Orestes se hizo un hombre y aparece lo que él dice en el comienzo de la obra.

TEMAS CENTRALES
Justicia para Orestes
Venganza para Electra
Traición

Análisis del título de la obra: Sófocles pone a la mujer como protagonista en esta obra ya
que ella representa el sufrimiento extremo. Pone al descubierto detalles y hechos generales
de la vida de la mujer en esa civilización. En esta tragedia el héroe o la heroína no terminan
muertos ni castigados. Nos muestra qué pasa con las mujeres de esta época. Electra es
rebelde y va en contra de lo esperado ya que es rebelde y con ganas de vengar, pero
también representa el sufrimiento extremo. Crisótemis, representa a la mujer típica de la
época. La que conserva las tradiciones. Porque va a ser importante en la obra, porque va a
venir con una noticia.

Tipo de teatro: tragedia griega.

Paratextual: el título nos remite a la heroína, ella es la fuerza que alimenta el accionar de
su hermano.

Características:
● Orestes y su venganza quedan en segundo plano
● La heroína no es destruida
● Se produce la liberación de sus sufrimientos
● Clitemestra muere primero por ser la encarnacion
● La justicia tenía una esencia divina y por eso el héroe esta arrastrado hacia un deber
sagrado.
● Electra actúa como un personaje que después de la muerte de su padre provoca el
caos producto de su dolor excesivo y su necesidad imperiosa de venganza.
● Electra busca venganza, Orestes solo justicia.

27
 ● El sentido de justicia que arrastra a electra es que un crimen debe ser borrado por
otro crimen
● el coro cumple función de consciencia colectiva

Personajes principales
● Agamenón: Rey de Micenas, padre de Ifigenia, Orestes, Crisótemis y Electra.
Es asesinado por su esposa Clitemnestra, quien cuenta con el apoyo de
Egisto.
● Electra: Personaje principal, desde cuya perspectiva es narrada esta tragedia
griega. Es hija de Agamenón y Clitemnestra, así como hermana de Crisótemis,
Ifigenia y de Orestes, de quien es hermana mayor. Su móvil más poderoso es
lograr la venganza por la muerte de su padre. En este sentido, desea
fervientemente vengarse de su madre.
● Orestes: Es otro de los personajes principales de esta tragedia, y quien llevará
a cabo la venganza de su padre, en contra de su madre Clitemnestra. Orestes
revela que consulto el oráculo, y le dice como matar a los asesinos de su
padre, para que no sea un asesino sino un JUSTICIERO. No se va a convertir
en un asesino, porque él busca justicia. Mientras que la hermana busca
venganza.
● Crisótemis: Aun cuando también es hijo de Agamenón y Clitemnestra, y
hermano de Ifigenia, Orestes y Electra, en realidad constituye un personaje
secundario. No obstante, es descrito como un joven prudente, quien no está
interesado como sus hermanos en vengar la muerte de su padre, hecho que lo
hace ser identificado a veces como un sujeto cobarde.

● Clitemnestra: Esposa de Agamenón, madre de Ifigenia, Crisótemis, Orestes y

Electa, quien es descrita como un ser rencoroso y con grandes ambiciones de
poder, razones que la llevan a seguir el consejo de Egisto, matando a su
esposo Agamenón y desencadenando la tragedia de su familia y el
advenimiento de su propio destino, en manos de su hijo Orestes.
● Egisto: Otro de los personajes secundarios es Egisto, es el personaje que se
encarga de alentar y apoyar a Clitemnestra en la idea de cobrar venganza
contra Agamenón, asesinándolo.

28
Estructura:
prólogo-parados-episodios-estásimos-éxodo. (tragedia griega).

UNIDAD DE LUGAR, TIEMPO Y ACCIÓN: solo lugar, solo dia, solo conflicto

Recursos:
DISFRAZ: Orestes finge su muerte, mentira sostiene una identidad falsa, misma situación
orestes frente a electra y cuando llega a egisto y se lo engaña diciendo que el cadáver es el
de Orestes.
Simulación: actúan algo que han acordado.
Metateatro: representación, en este caso simulación.
Amartia: situación extrema de sufrimiento, se apiada de su hermana y le dice la verdad.
Anagnórisis: Algo que está oculto y tiene sit extrema de sufrimiento, se apiada de su
hermana y le dice la verdad. Cuando egisto descubre que no es Orestes sino su mujer.
Crisótemis, trae la situación de Orestes que cree que está vivo, esto es también
anagnórisis. Si anagnórisis produce un cambio: PERIPECIA (suele aparecer sólo al final),
peripecia y anagnórisis: escena compuesta. Si NO lo hace: escena simple.
Quienes antes tenían poder, egisto y cliptemestra y al final no: peripecia.
Deus ex machina: común en comedia, solución ante algo que parecía imposible de
resolver. Orestes en esta obra funciona como deus ex machina, pero por MANDATO DE
LOS DIOSES.

Párodos y Prólogos

- Sófocles compone fuera ya del marco de la trilogía temática: le facilita la focalización

en un personaje en contraste con otros personajes, a la par que determina que las
informaciones que aporta al comienzo de sus tragedias sean diferentes y más
complejas.

o Da las claves al conflicto clásico, de donde procede el error trágico de Electra

o Claves de la tragedia vistos en dos planos de percepción y acción:

- Prólogos de la tragedia diálogo entre Orestes y el pedagogo

· Hallamos sendas exposiciones informativas:

o Por un lado, el pedagogo, a la par que muestra aquello que tienen

ante los ojos, aprovecha para recordar a Orestes quién es y qué le
ha llevado allí, recuperar lo que en justicia es suyo y también
vengar la muerte de Agamenón

o Orestes, tras referir el resultado de su consulta al oráculo sobre

cómo se ha de llevar a cabo la acción, no abiertamente,

29
 oponiendo un ejército a otro, sino por medio de engaños pasa a
exponer en todos sus extremos el plan que a tal fin ha ideado.

- Párodos en forma de comos: cantado entre el coro y Electra

· Electra siente vergüenza, es lo primero que manifiesta, y pasa a

exponer las razones de su estado

· Par estrófico central el segundo de los tres que conforman la

párodos: Dos intervenciones de Electra

o Primera intervención: Habla Electra de la soledad en que

se halla desde la muerte de su padre, una soledad
característica del héroe sofocleo, que, en el caso de
Electra, ella achaca al olvido de Orestes, soledad
anticipada de forma dramática en la monodia que entona
Electra

o Segunda intervención: habla Electra de los efectos sobre

ella, de su lamentable estado fruto del largo duelo, con
referencias a su aspecto físico

· En toda la párodos resuena de forma más o menos

explícita la exigencia a Orestes por parte de Electra de que
saliendo a la luz pase a la acción, y la acción exigida
guarda estrecha relación con Hermes, con el envío a la
mansión de Hades de quien ha vertido la sangre de
Agamenón

Coro:

- Mantiene una posición coherente a lo largo de toda la tragedia.

- Desde el principio, exhorta a Electra a la moderación en la expresión de sus

sentimientos y de su dolor, a que deje que las cosas sigan su curso natural confiando en
el destino, en que Orestes, cuando sea en edad, vuelva para poner las cosas en su sitio
y, sobre todo, en la Justicia de Zeus.

- Intenta persuadir a Electra de que su actitud y sus formas, lejos de ayudar a alcanzar el
fin que anhela, son un serio obstáculo, por lo que aconseja una y otra vez la
moderación, la espera paciente.

- Primer estásimo: intenta hacer que Electra recobre la confianza en esos designios,
una confianza que en la estrofa se refiere a que finalmente vendrá la Justicia, una
Justicia que no olvida el destino sufrido por Agamenón,

- Antistrofa: se concreta en la segura llegada de una Erinia, se concreta aún más en

que no quedarán impunes ni los autores (Clitemnestra y Agamenón)

30
- Coro y Crisótemis: En principio sus actitudes coinciden en gran medida, coinciden
también en no entrar en el plano trágico de acción, Crisótemis por convicción, el coro
por convención.

Error de héroe trágico:

- Crisótemis: desconocer la decisión de Egisto, puede ser interpretada como una

aceptación pasiva de la situación. Aquí se halla la clave del error del héroe trágico de
Sófocles: una errónea percepción de la realidad en la que se mueve, que le conduce a
una acción también errónea.

- Electra: consiste en creer conocer la naturaleza de su hermano, al que corresponde

llevar a término la acción.

Segundo texto: HIPATIA

tipo: tragedia mezcla antigua y contemporánea.
La obra se estrenó en 2021, por Miguel Murillo, autor español pero dirige en islas canarias.
Referencia novela histórica escrita por una polaca, maria c diezca; intertexto.

Se estrenó en mérida 2021

● Obra que intenta mostrar tragedia antigua pero es tragedia contemporánea.
● Se la conoce como Hipatia de Alejandría.
● Ciudad de Alejandría, acá tenían la biblioteca más grande, pero se incendió, había
libros de ciencias y filosofía.
● Había un faro importante.
● Ciudad con foco cultural importante
● Siglos 4 y 5 aprox transcurre la obra
● En la obra se ven aspectos filosóficos; la duda, la pregunta, la razón, dicen que no
son sabios, que dudan,
● Obra la escuela de Atenas de Rafael: en esta pintura se representan grandes
filósofos, acá aparece Hipatia, la única mujer. En el centro platon y aristóteles,
heraclito, etc.. Primera filósofa que conocemos.
● HIPATIA: alejandría 355 o 370-415 o 416
● Heroica filosófica y científica egipcia, hija del matemático y astrónomo teón.
● Fundadora en el siglo v d c de una escuela para difundir su conocimiento, tiene su
cátedra.
● Muerta a manos de la intolerancia y el fanatismo de los patriarcas.

Sobre hipatia muchos autores escribieron

El autor tomó una novela muy reciente: su intertexto es: La Versión de Murillo, inspirada en
el libro sobre Hipatia de la polaca María C. Dzielska

AUTOR manifiesta la intención de llevar al teatro una Hagiografía, llevar al teatro la vida de
un santo. Sigue el estilo del resultado de la vida de los santos de carácter ejemplarizante,

31
Recorrido que va desde la juventud al asesinato de hipatia, convertida en protomartir
femenista.

PERSONAJES:
Protagonista: Hipatía. Heroica filosófica y científica egipcia, hija del matemático y
astrónomo teón.
Fundadora en el siglo v d c de una escuela para difundir su conocimiento, tiene su cátedra.
Muerta a manos de la intolerancia y el fanatismo de los patriarcas. Hipatia fue víctima del
patriarca: cirilo.
Contradicción entre la creencia popular y científica, esto es lo que viene a representar
hipatia.

Antagonista: Personaje en contra: cirilo figura del patriarcado. Llegó a ser considerado
padre de la iglesia y fue santificado. Fue considerado santo por la iglesia ortodoxa, católica,
y algunos protestantes. Para entender a quien se enfrenta hipatia hay que tener en cuenta
esto.
➔ La Iglesia romana: tenía sede en roma
➔ Iglesia ortodoxa: sede en distintas ciudades; constantinopla, alejandría (egipto hoy),
etiopía, rusia hoy, cada una con su cabeza de autoridad y poder, equivalente a
francisco; el patriarca.
➔ El Patriarca era una figura de autoridad y poder político muy fuerte.
➔ Cirilo era como un papa.

Teón: padre de hipatia. Teón no correspondia al prototipo masculino de la época, le da voz

y voto a Zaira, a su esclava. Y también a su hija. Desde un primer momento se alerta.

Otro personaje: loco de cirene, iba anunciando cosas que estaban pasando, es la
contracara de todos los personajes.

Orestes: enamorado de la hipatia. Pero hipatia estaba concentrada en otra cosa, no tenía
lugar para eso.

Avances filosóficos de hipatia: posibilidad de pensar y repensar esto que para muchos
era decisión de los dioses. Ella plantea que no es así sino que tiene que haber explicación
científica.

Coro de errantes: dioses para la mirada politeista que se conserva. Contradicción entre la
creencia popular y científica, esto es lo que viene a representar hipatia. Todos los del coro
están representados, se presentan, no es como el coro antiguo, no hay q, coro de errantes
tiene tmb intervención individual de cada uno de ellos. MEZCLA DE ANTIGUA Y
CONTEMPORÁNEA SE VE ACA.

ESTRUCTURA DE LA OBRA:
Primera y última escena funcionan como paréntesis, que presenta la historia pero desde un
tiempo posterior a los hechos, una vez transitada la primera escena ALTERACIÓN DEL
TIEMPO.

32
Escena 1: coro de errantes, voz aparece. Marco contextual posterior a los acontecimientos.
Anuncio y presentación de los errantes y llega Sinesio, diciendo lo mismo que en la última
escena. La última escena es la continuación de la primera. Esa ciudad hermosa del faro que
iluminaba, cuando muere la hipatia se oscurece. Faro muy representativo.
Sinesio habla de hipatia, se presenta, nos introduce en la historia, cuando se corta su
palabra, la historia nos remonta años atrás: se rompe la UNIDAD DE TIEMPO.
Al final volvemos a encontrar a sinesio en el mismo lugar para cerrar la obra

1 y 16 dos escenas que son paréntesis.

La verdadera entre 2 y 15
Escenas que siguen orden cronológico pero aun ahí hay ruptura de la unidad de tiempo y
espacio, sabemos que el tiempo va pasando (no como electra). por ej cuando empieza no
tenía su cátedra.

Escenas centrales: inclusión de transiciones en las que orbita un coro de errantes, cinco
antiguas deidades paganas, júpiter, marte, venus, mercurio, saturno, que auguran lo que
está escrito en los astros y representan el viejo orden en declive

Primer escena; zaira teme por hipatia por como era el rol de la mujer en la sociedad, el
juicio que establece zaira es para prevenirla, cuidarla, por su destino. Zaira era una esclava.
Teón: padre de hipatia. Teón no correspondia al prototipo masculino de la época, le da voz
y voto a Zaira, a su esclava. Y también a su hija. Desde un primer momento se alerta.

Escena 3: vamos viendo como crece hipatia, ya tiene lugar en el ágora, ya se percibe el
peligro por Cirilo. Con cada anuncio del peligro ascendemos en tensión hasta que
lleguemos al climax (meseta).

Escenas paralelas, mientras hay un desarollo paralalelamente hay otros personajes, esta la
representa pedro y los monjes de negro, cada vez que aparecen los monjes aumenta la
presión. Pedro convence a cirilo del peligro de hipatia.

Escena 5: ya tenemos a Hipatia en su cátedra, aparecen discípulos. Todos quieren

aprender, son fieles, cada uno tiene su religión; orestes, prefecto romano, sinesio, olimpio
es el pagano. A lo largo de las escenas va creciendo el peligro. Aceptar una religión era no
seguir sus principios, no poder pensar con la razón, etc.. Es más una crítica al fanatismo
que a la religión.

Escena 6: amenazas más contundentes, 3 fuentes de peligro, cirilo, pedro y monjes en

escena. Escena donde el más fuerte es el peligro y empiezan enfrentamientos.

Escena 7: cambio de cuadro (aca tmb vemos como se rompe unidad de espacio), este se
da en casa de hipatia..

Escena 8: acercamiento orestes e hipatia, acusaciones de brujería, hipatia rompe con el

molde femenino y x eso dice que es una bruja.

33
Escena 9: se llega al Clímax, aparece una mujer judía buscando a su hijo y se enfrenta a
Pedro, quien la mata. Puesta en abismo: esta escena se ve la puesta en abismo, es el
anuncio de la tragedia que va a vivir hipatia en algunas escenas. La misma situación que
Hipatia pero con un personaje secundario. Lo mismo que va a pasar con hipatia, es el
antecedente.
Situación de violencia: muerte de Teon.

Escena 10: orestes convertido en prefecto, busca hacer justicia por la muerte de teon, con
la crucifixión.
Hipatia propone que si quiere hacer algo por ella que los deje, que no los mate. No quiere
más violencia.

Escena 11: cambio de marco de nuevo en al ágora.

Enfrentamiento cirilo e hipatia, momento de tensión que va a ir llevándonos a la muerte de
hipatia, como contracara hay pedido de paz. Aca se atacan a los discípulos y los matan: a
orestes y a Olimpio. Marcaba las casas con cruces para reconocer quien es cristiano y
quien no.

Escena 12: nuevamente acusada de brujería, al verla que va creciendo en logros filosóficos
o científicos. Mirada de bruja sobre el rol femenino.

Escena 13; Hallazgo de la elipse: mayor descubrimiento de hipatia. Es un momento de

hybris, acto de soberbia.. Momento de mayor esplendor, su mayor logro.
El coro de errantes sigue interviniendo.

Escena 14: En las próximas escenas ya llegamos a la caída de Hipatia: primero cae el
serapio y destruyen la biblioteca, la incendian. En este momento muere olimpio.
Derriban la estatua, defensa del lugar de estudio. Ataque ya a hipatia.

Escena 15: defensa de hipatia, crimen de hipatia, destrucción de la biblioteca, se apaga el

faro, oscuridad. Muerte de hipatia. El apagón remonta al comienzo de la obra, la destrucción
del faro y la oscuridad tiene que ver con que se apaga el lugar de aprendizaje donde
conviven ideas y religiones distintas y se termina con hipatia.

Escena 16: de nuevo a la escena 1, volvemos a sinesio, en las cenizas de Alejandría. Frase
sobre hipatia “....mujeres que son obligadas a callar..”. Mirada que nos acompaña también
en nuestros tiempos, posibilidad de que la mujer ocupe un lugar. Ideas contemporáneas,
podríamos decir que hipatia se anticipa.

RECURSOS DRAMÁTICOS:
● se rompe unidad de tiempo y lugar, se conserva unidad de acción,
● Anagnórisis: hallazgo de la elipse. Anagnórisis anticipa la peripecia.
● Peripecia: muerte de hipatia y destrucción de igualdad, convivencia, enseñanza.

Según Murillo: por desgracia y lo vemos cada día el siglo 21 está asistiendo al auge de
ideologías totalitarias, que amenazan con destruir los logros sociales que tanto ha costado

34
alcanzar. Hipatia es protagonista de un momento histórico, esencial para definir la historia
antigua. EL IMPERIO ROMANO entra en descomposición. Teodosio declara el cristianismo

Videos hipati:
● Mujer que se dedicó a la ciencia alfo que antes era sólo de hombres
● Nació en Alejandría en el 355 aprox hasta el 415.
● Se dedicó a la astronomía
● Hija de teon, reconocido científico y astrónomo griego.
● Profesor de matemática y geometría.
● La pasión por la búsqueda de lo desconocido de hipatia por el
● Esta manera de mostrarse ella en la sociedad en una época de grandes tensiones:
época de conflicto entre ciencia vs religión.
● Ella creía que la forma de entender el mundo era a través de la razón. De
contrastar y probar las cosas que uno creía
● No todo era cuestión fe, había que demostrar el por qué de las cosas según hipatia
● Fue acusada y perseguida y finalmente asesinada.
● Por todo esto hipatia representa un personaje muy importante en la historia de la
mujer: primeras mujeres científicas y fue reivindicada por las feministas.
● Su figura es referente del feminismo.

Teatro Isabelino
-Antropocéntrico: concentrado en el hombre
-Había que disfrutar el presente.
-Concentrado en conflictos humanos (NO dioses)
-Grupos protestantes decían que era una actividad inmoral (luego censurado)
-Crecimiento de actividad teatral, gracias a la reina Isabel
-Se produce en un momento en que llega a su declinación el drama medieval reemplazado
por un drama renacentista (notar que el renacimiento inglés es mucho más tardío que el
italiano o español)
-Era un teatro popular, dirigido a un público heterogéneo que veía representarse en el
escenario sus propios problemas y hechos cotidianos (se aprovecha todo, era una crónica
de actualidades y una crónica histórica)
-Los dramaturgos isabelinos no respetan las unidades aristotélicas de tiempo, lugar y
acción: “libre de reglas”
-Había una alternancia en la obra, tanto de situaciones trágicas con cómicas; así como de
poesía y prosa.
-Las mujeres no participaban como actrices, los papeles femeninos eran entregados a
chicos y a jóvenes.

Tipo de teatro en siglo XVII

- Teatro religioso
- Teatro cortesano, en la corte para los nombres
- Teatro de corrales, teatro popular al aire libre

El teatro isabelino (1558-1625)

● Es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas
durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533- 1603), y se asocia
tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616).
● Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales, escritas para
celebrar el ascenso al trono del soberano, como Otelo (1604), El rey Lear (1605),

35
 Macbeth (1606, homenaje a la dinastía Estuardo), y La tempestad (1611, que incluye
entre otros una "mascarada", interludio musical en honor del rey que asistió a la
primera representación.
● El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el
Renacimiento europeo y menos aún con el italiano, mostrando un fuerte acento
manierista y barroco en sus elaboraciones más tardías.

FACTORES HISTÓRICO-SOCIALES
● La época isabelina significó el ingreso de Inglaterra en la Edad Moderna bajo el
empuje de las innovaciones científico-tecnológicas como la revolución copernicana y
de las grandes exploraciones geográficas (es cuando comienza la colonización
inglesa de América del Norte).
● La separación de la órbita del Papado y del Sacro Imperio Romano, con la derrota
de Felipe II de España y de su Armada invencible (1588), el mayor bienestar
económico debido a la expansión del comercio a través de Atlántico, sellaron el
triunfo de Isabel y el nacimiento de la Inglaterra moderna.
● En esta época de intercambios culturales creció el interés hacia las humanae
litterae y por lo tanto, hacia Italia, donde los intelectuales huidos de Constantinopla
(1453) habían llevado consigo antiguos manuscritos de los grandes clásicos griegos
y latinos haciendo surgir un interés sin precedentes por la antigüedad greco-romana
y los estudios del idioma hebreo.
● Nació entonces en Italia el Humanismo (una vocación sobre todo filológica y
arqueológica), destinado a madurar en el siglo XVI durante el Renacimiento, con la
creación de un arte y una arquitectura moderna y una renovación tecnológica a gran
escala (se piensa sobre todo en un Leonardo da Vinci).

EL DRAMA EN LOS TIEMPOS DE SHAKESPEARE

● El drama en tiempos de Shakespeare era de tradición muy antigua en Inglaterra. En
las grandes ciudades era tradicional la representación de “milagros” (ensayos del
drama religioso en la Edad Media), representados en las catedrales y en los
claustros de los monasterios, y sus temas se reducían a las vidas de los santos y a
la exaltación de las instituciones de la Iglesia. Su acción era esquemática y tenían
pocos personajes. Estas representaciones eran realizadas por grupos de cómicos
diestros.
● Así el teatro fue un importante modo de diversión del público en general. Se estimuló
la práctica de la carrera teatral, en casas de la aristocracia.. Eran hábiles
esgrimistas, luchadores, bailarines, músicos y cantores con gran experiencia en los
modos de divertir a la gente.
● El teatro isabelino hereda esta tradición en la formación de lo cómico, a la vez que
la búsqueda de la dependencia de un señor que los protegía.
● Ocurre la independización de estos grupos que adquieren la capacidad de
mantenerse por sí mismos.
● Los primeros teatros que se conocen se establecieron en los patios de las posadas
adaptados para ello, donde se construía un tablado para la representación. Casi
todas estas posadas quedaban en los suburbios o en las carreteras de acceso a la
ciudad.
● Las carretas de cómicos que transportaban los trajes y la utilería llegaban a Londres
buscando hospedaje en las posadas. Y mediante un trato con el hospedero que
participaba en las ganancias, a cambio de comida, el patio de la posada quedaba
reservado para ellos.
● En la evolución del teatro, se supone que una etapa posterior fue utilizar toda la
posada para el uso de los actores.

36
 ● Numerosos financieros se ocupaban de las mejoras en los teatros. De las posadas a
un edificio con fines teatrales hay un paso.
● En cuanto a la ubicación, hubo dos factores que determinaron que se construyeran
en las afueras de la ciudad: primero, la oposición de las autoridades, que influidas
por el pensamiento puritano, pensaban que el teatro era un modo de deterioro de las
costumbres, no sólo morales sino físicas; segundo, la necesidad de no alejarnos
mucho de la ciudad, para tenerlos al alcance de la población.
● Fue tradicional las agrupaciones teatrales formada por niños, que llegaron a
competir con la de los adultos. Cuando llegaba el tiempo en que la edad les hacía
perder la voz, muchos de ellos, ingresaban en compañías de adultos, donde
realizaban el aprendizaje cabal del arte escénico y se convertían en actores
profesionales.
● Además de las representaciones en los teatros públicos, las compañías prestigiosas
lograban muchas veces que fueran invitados a representar en la corte. Así ocurrió
con la compañía de Shakespeare, durante los reinados de Isabel I y Jacobo I. Las
representaciones se realizaban en salones acondicionados para ello. De esta
costumbre, van a surgir los teatros privados

MARCO HISTÓRICO

● Pasados los años de anarquía, el reinado de Isabel I trajo la pacificación definitiva de

las islas, con excepción de los disturbios religiosos de Irlanda.
● Pacificada,Inglaterra tuvo tiempo de ocuparse de su posición en el mundo. La
monarquía se transformó en un centro dispensador de monopolios que le dieron
como retribución, riqueza, poder y dominio, especialmente en el nuevo mundo.
● Paz, riqueza, orden interior, afianzamiento de la monarquía absoluta, temor al
desorden y a la anarquía, son los elementos que encontramos en el reinado de
Isabel I. Pero además, y como nunca antes ni después, conoció Inglaterra tal
florecimiento de las artes y las letras.
● Este período de esplendor y prosperidad se manifestó en la literatura y teatro, se
prolongó incluso en el reinado de Jacobo I Estuardo.

Los rasgos más sobresalientes del teatro isabelino son los siguientes:
● Se produce en un momento en que llega a su declinación el drama medieval
reemplazado por un drama renacentista (notar que el renacimiento inglés es mucho
más tardío que el italiano o español)
● Era un teatro popular, dirigido a un público heterogéneo que veía representarse en
el escenario sus propios problemas y hechos cotidianos (se aprovecha todo, era una
crónica de actualidades y una crónica histórica)
● Los dramaturgos isabelinos no respetan las unidades aristotélicas de tiempo, lugar y
acción: “libre de reglas”
● Había una alternancia en la obra, tanto de situaciones trágicas como cómicas; así
como de poesía y prosa.
● Las mujeres no participaban como actrices, los papeles femeninos eran entregados
a chicos y a jóvenes.

ESBOZO DE UNA TEORÍA DEL ARTE DRAMÁTICO DE SHAKESPEARE

37
● El teatro al que accede Shakespeare, alrededor de 1550, estaba en manos de
actores, quienes pagaban a los poetas para que escribieran sus temas, para un
teatro lleno de vida, laico, amparado por los nobles y también perseguido por el
gobierno puritano.
● La cultura del renacimiento permitió la renovación tanto de los temas, como de
los modos de interpretarlos. El actor adquiere en el momento que Shakespeare
lleva al teatro otra dimensión.
● El poeta crea un nuevo arte interpretativo.
● Concentró en el actor la posibilidad de dotar al texto de fuerza, a partir
exclusivamente de la modulación de la voz y del conocimiento en las
posibilidades expresivas de su cuerpo.
● No hay que olvidar que las grandes obras de Shakespeare carecían de decorados,
por eso, el poeta da al texto, la emoción y el efecto ilusorio que tenía la finalidad de
retener al público.
● Shakespeare tuvo que enfrentar una limitación de la que también supo sacar partido.
Debió utilizar muchachos para interpretar los personajes femeninos de sus obras. En
las escenas amorosas evita todo contacto físico entre los enamorados. El diálogo
insinúa con fina musicalidad, el abrazo, la sensualidad, la pasión. Claro que esto era
una tremenda prueba para el jovencito que desempeñaba el papel.
● Todo el oficio y su concepción del arte escénico derivan de las necesidades y
estructura de los teatros. De ahí deriva el que Shakespeare dejara de lado las
llamadas unidades aristotélicas de tiempo, lugar y acción. El escenario elemental le
obligó a liberarse de ellas. Su drama por esta circunstancia se va a sostener
permanentemente en el texto.
● En el teatro de Shakespeare son los personajes los que señalan los cambios en
la acción, en el lugar o el tiempo.
● El mayor aporte de Shakespeare al teatro es la revelación del carácter como rasgo
principal. Y el primer personaje que entabla esa relación entre él y el público es
Hamlet.
● Shakespeare va deshilvanando en el escenario el infinito trasmundo que transcurre
en el alma del personaje, que se irá revelando ante nosotros lentamente. Para
que esa autorrevelación nos inunde de tal manera que nos sintamos involucrados, el
poeta se vale del monólogo. Es el medio por el cual entrevemos el conflicto que
está en la conciencia del personaje. Para darle más vigor a esta forma de revelación,
Shakespeare va a utilizar alternativamente la prosa y el verso.
● Shakespeare a través del dominio de su arte, sustituye todo elemento foráneo del
cual no pueden prescindir las demás obras de teatro: maquinaria teatral, utilería,
etc.. Shakespeare coloca todo en la potencia de sus versos, y en las posibilidades
del actor.
● Hasta la atmósfera de las escenas aparecen explicadas en el texto. El frío, la
oscuridad en donde esperan la aparición del espectro en Hamlet; la oscuridad en el
castillo de Macbeth señalada por Banquo.

EN RESUMEN
El teatro isabelino, lograba una síntesis de valores populares y renacentistas.
La época de Shakespeare fue una época de marcada individualización, emanada de
las reflexiones filosóficas sobre el hombre, nacida del estudio empírico de las
pasiones y de la teoría de los caracteres, surgida de un estilo de vida caballeresco y

38
 cortesano. Cervantes y Shakespeare son los videntes de la individualización, deben
sus logros a esta captación de la historia que vivieron.
Fueron tres las novedades que introdujo el drama humanístico en el teatro:
Transformó el teatro medieval, que era esencialmente la representación y
pantomima, en obra de arte literaria.
Aisló, para realizar la ilusión, la escena, del público.
Concentró la acción tanto en el espacio como en el tiempo, sustituyendo, la
desmesura épica de la Edad Media por la concentración dramática del
Renacimiento.

Teatro barroco/isabelino: clase.

Situarnos en el teatro isabelino. Esta propuesta teatral corresponde al periodo
renacentista. A un segmento.
Dejamos atrás Edad Media, periodo en que la mirada del hombre está centrada en la
trascendencia espiritual y la vida después de la muerta: mirada teocentrica
Obras con carácter anónimo generalmente

Pero esto va a cambiar con la llegada del renacimiento porque la mirada va a estar
centrada en el hombre: mirada antropocéntrica.
Se va a empezar a buscar llegar a la fama: trascender el límite de la vida humana
quedando en la memoria.
Esto tiene que ver con un cambio de cosmovisión, paradigma. El renacimiento tiene
un foco en Florencia particularmente.
Los artistas empiezan a necesitar de lo que hoy llamaríamos spots, los mecenas en
este periodo: familiar, personas poderosas en político y económico.
Muchos tienen mucho talento para el arte pero con la voluntad de patrocinar la obra
en sí de un artista.

En la Edad Media el teatro era religioso. Representaciones en los templos. Esto fue
cambiando.
● El espectáculo teatral alcanzó gran esplendor y popularidad en el siglo xviii.
Se convirtió en la diversión más importante del pueblo. Sigue siendo una
actividad popular pero fue muy criticada por los moralistas. Se consideraba
que la act. teatral era inmoral. Se decía que reunía vagabundos, gente de
mal vestir.
● Esto va a cambiar en Inglaterra cuando Isabel promueve la ley que
profesionalice a las compañías teatrales.
● Compañías teatrales bajo el liderazgo de un mecenas.
● Isabel tenía una vinculación cercana con el teatro
● Como era un medio de influencia fue sometido a censura y crítica de los
moralistas
● Se utilizó para transmitir la ideología del poder monárquico
● Durante esta época el teatro se convirtió en una actividad profesional, que
contó con una amplia aceptación del público, por lo que constituyó un
negocio.

Entre los siglos XVI-XVII nos encontramos con distintas variantes de teatro: cambia la
cosmovisión y forma de hacer teatro.
● Teatro religioso: continúa el drama litúrgico medieval y deriva en el barroco en los
Autos sacramentos.
● Teatro cortesano: el gusto de los nobles por este tipo de divertimentos hace que
surja un teatro representado por cortes y palacios.
● Teatro popular: representado en plazas y luego en corrales de comedia, dirigido a
la gran mayoría del público. Tiene mayor éxito.

39
Ya no tenemos un héroe trágico que sufre. El que sufre es por sus decisiones. Ej Claudio.

Teatro popular:
● Este teatro popular se desarrollaba al aire libre, los actores eran ambulantes y el
atrezzo rudimentario.
● A medida que fue creciendo en demanda aparecen unas estructuras donde empieza
la representación: los corrales de comedias. Constaba un patio central (patio de
luces) que resultaba de la unión de varios edificios.

Características
● La representación empezaba a las 14 hs en invierno, a las .. en primavera y a las 16
hs en verano, siempre en horarios de luz.
● La obra duraba entre 3 o 4 horas, tiempo durante el cual la escena nunca quedaba
vacía. Participaba el público a veces, les daban comida incluso.
● La estructura de una función era:
-Loa
● Primera jornada
Entremés (obra menor)
● Segunda jornada
Jacaras o mojigangas
● Tercera jornada
Baile final: final de fiesta.

Shakespeare plantea una obra de 5 actos no de 3.

Había que ganar la necesidad del público de no salir de la sala por eso había comida,
participación, etc..
Como eran largas también había que repetir información

Espacio escénico
● Teatro privado: techo, asientos, forma rectangular, heredera de esos patios de
posadas. Imitando ventanas tenemos lo que hoy llamaríamos el palco.
● Este teatro privado, permitía que se representará en cualquier horario porque podía
iluminarse. Y podría representarse cualquier día. Al tener techo, cosa que el teatro
público no.
● Teatro público: si no hay mal tiempo y si hay luz.

Antecedente: corrales de comedia.

Cazuela separaba el público: hombres y mujeres
Público de pie: de mosqueteros
Asientos: platea
Escenario: contaba con músicos pero tienen gradas, donde no puede ir cualquiera del
público va gente de cierto rango distinción o reconocimiento. Acá se situaban aquellos que
querían ser vistos.
Siguiendo este modelo se construyen corrales de comedia.

El formato para el teatro público:

● casi circular
● No tiene techo.
● Público estaba de pie, comunicación más cercana con el espectáculo
● Al no tener techo eran horas de sol o de luz
● Tengo que crear el momento donde ocurren los hechos por eso es muy repetitivo (ej
si es de noche se repite mucho)

40
Aparecen balcones que permiten quebrar ciertas leyes: ya no tengo un solo cuadro, voy a
poder jugar con romper unidad de tiempo, no transcurre en una jornada y romper unidad de
acción: más de 1 línea argumental.

Vestuario o no se creaba para la obra se compraba ropa de algún familiar que había
fallecido y esto era el vestuario.
No se elaboraba una gran propuesta escenográfica se colocaba algún elemento. Ej obra
corte: se ponía un sillón elaborado para simular el trono.
Contaban con cortinas de decoración: no tenían nada que ver con el tema de la obra.

Mucho ruido y pocas nueces:

Resumen:

41
Don Pedro, príncipe de Aragón, acaba de ser victorioso en una gran batalla contra su
hermano ilegítimo Don Juan. Juan se rinde y viaja con el séquito de Pedro a casa, pero
secretamente jura venganza. Don Pedro llega a la finca de su amigo Leonato, Gobernador
de Messina, para quedarse un mes con todos sus seguidores. Uno de sus soldados,
Claudio, está enamorado de la hija de Leonato, Hero, y quiere casarse con ella. Pide a
Pedro que lo ayude a cortejar a Hero en el baile de máscaras esa noche. Don John ve una
oportunidad para empezar mal, sugiriendo a Claudio que Pedro está cortejando a Hero por
sí mismo. El malentendido se resuelve rápidamente, pero John sigue planeando contra la
pareja. Mientras tanto, la sobrina Beatrice de Leonato ha iniciado una relación de insulto
coqueta con Benedick, otro de los oficiales de Pedro. Los dos niegan su atracción por el
otro e insisten en que nunca se casarán. Don Pedro y algunos de sus oficiales planean
juntar los dos. Tienen conversaciones a la escucha de Benedick y Beatrice hablando de
cómo cada uno está locamente enamorado del otro. Beatriz y Benedicto se sienten
halagados de que la otra persona los ame, y sus corazones empiezan a suavizarse.

Don John presenta un plan para desviar la boda de Claudio y Hero. Lleva a Claudio a la
ventana de Hero, fuera de su dormitorio. Allí, ven a dos personas haciendo el amor, que
Claudio cree ser Héroe y otro hombre. De hecho, en realidad es el amigo de John y
Margaret, la sirvienta del héroe. Claudio espera hasta el día de la boda para volcar
dramáticamente el Héroe en el altar, volviendo a todos en la asistencia contra ella, excepto
por unos pocos que deciden ocultarla y decir que ella está muerta hasta que la verdad
puede salir. Irónicamente, es este momento que finalmente permite a Beatrice y Benedick
confesar sus sentimientos el uno para el otro, ya que ambos defienden a Hero contra las
acusaciones. La policía local oye al amigo de John alardeando sobre el plan y lo arrestan.
Don Juan huye de la ciudad. Cuando se revela la trama, Claudio todavía cree que Hero está
muerto. Leonato insiste en que Claudio se case con su sobrina que es casi un gemelo de
Hero.

En la boda, la sobrina se revela para ser héroe, y Claudio está contento de que ella no está
muerta. Beatrice y Benedick anuncian su amor el uno al otro, y su intención de casarse.
También se revela que Don Juan ha sido capturado, pero Leonato decide esperar hasta
después de la boda para castigarlo.

Estructura
Intro acto 1🡪 Increscendo acto 2 y 3🡪 Climax acto 3🡪 Decrescendo acto 4🡪Desenlace acto
5 espectador muy entretenido

Teatro Isabelino: contextualización:

Características del teatro de shakespeare:

tragicomedia de carácter amoroso.

● Saber tomar aspectos de diferentes, intertextos de distintas obras, tomaba

ingredientes de distintas tradiciones y los trabajaba para hacerlo “original”.
combinaba fuentes.

● Grupos antagónicos;
mujeres vs hombres es la más vista
nobles vs dueños de casa
jóvenes vs adultos.

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 ● Duplicación del conflicto, pérdida de solemnidad.
Tema central, amor e impedimentos.
Duplicación: Beatriz y Benedicto y hero y claudio.
➔ A medida que se van duplicando los conflictos se va perdiendo cierta
solemnidad.
➔ El conflicto nos lleva casi a un desenlace trágico.
➔ Los protagonistas hacen del tema un problema más serio, mientras que la
segunda pareja (Beatriz y Benedicto) lo hace con un tono más jocoso
➔ rivalidades por ej, Beatriz y Benedicto son dos “solterones”. Prototipo
diferente a hero, que es angelical, tradicional.
➔ Margarita y borrachio otra pareja, sin conflictos, relación pasional. A medida
que bajamos la importancia de los personajes el tema va perdiendo
solemnidad.
➔ El protagonista a diferencia del héroe trágico, no es presa de un destino
marcado por los dioses. Ejemplo: Claudio está en un dilema porque por
decisión equivocada llega a esa situación. Acá el protagonista está en un
conflicto por sus propias decisiones.

● Mezcla lo serio y lo ridículo: introducción de elementos que rompen con las

situaciones más conflictivas, ej, beatriz y benedicto.
● Esto va de la mano de la presencia de clowns, hay personajes en segundo orden
que rompen la seriedad.
● Lenguaje poético con gran variedad de recursos literarios: por esto de los clowns
Los alguaciles son los clowns, hacen mal uso del lenguaje. Ruptura de los niveles
del lenguaje para mostrar cierta ridiculización. Esto rompe la formalidad. Siempre
hay personajes que funcionan como clown, bufón. Lo paradójico es que estos
clowns aportan la solución para resolver el conflicto porque estamos en
tragicomedia.

TEMA CENTRAL:
Amor
Engaños.
Deshonra: otro tema de la obra, principalmente renacentista, el honor de un
personaje, de una familia, reconocido por la mirada de los otros; honra.
Por eso es tan duro lo que hace Claudio cuando en la boda rechaza a Hero y la
denuncia delante de todos porque este acto de agravio supone deshonrar a toda la
familia.

En la tragicomedia no tienen duelo a muerte entonces el sacerdote tiene una

idea: fingir la muerte. Y hacer que Claudio se case con “la prima” (en realidad era
Hero), ya que la deshonra se lava con acto de honra.
Y finalmente descubrimos que la prima es Hero.
De la manera que deshonra a la flia ahora tiene que honrarla. Entonces se produce
la 2da boda; revelación de Hero.
Deshonra: porque don pedro con borrachio inventan que hero había estado con
borrachio cuando fue margarita.

43
Líneas argumentales: hay 3.
Hero y Claudio
➔ cortejo mascarada
➔ falsas intrigas
➔ engaño
➔ reparación
➔ se sostiene tensión dramática

Benedicto y beatriz:
➔ peleas, matrimonio
➔ plan de engaños
➔ enamoramiento
➔ aportan el tono jocoso

Plan macabro de juan

➔ intriga, celos
➔ plan para evitar matrimonio hero y claudio
➔ complicidad con borrachio
➔ confesión y huida

En la obra se ve una Tradición: deber de hospitalidad.

Por eso se hace la fiesta de disfraces: en la épica clásica se presenta esta obligación de
hospitalidad frente a aquel que llega a casa, reino.
“En este peregrino podía estar oculto un dios y no podía deshonrarlo”
El banquete contribuye para que el argumento pueda llevarse a cabo: el disfraz esconde el
verdadero rostro.

PLANES DE ENGAÑO:
1- Hero y Claudio empieza con mentira: Don pedro se hace pasar por Claudio
Hay otra mentira. Otro plan de engaño: ver a Hero con Borrachio, Margarita es cómplice sin
saberlo.

2- Don Pedro le propone a la familia de Beatriz un plan para engañarlos: Beatriz y Benedicto
para que estén juntos.

3- Plan de don Juan, porque estaba celoso de su hermano, de Claudio, porque este había
ganado fama, reconocimiento.

Estructura exagerada
➔ porque sube rápidamente la tensión al clímax.
➔ Fuerte tensión que rápidamente nos lleva al clímax.
➔ Este esquema lo aplica a los 5 actos (no nos da respiro).
➔ Llenar de conflictos para que el público le llame la atención.
➔ Necesidad de ganar la atención por esto en todos los actos está el mismo esquema.
➔ Recién el final se recupera la armonía del comienzo.

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Recursos dramáticos:
Quid pro quo: Beatriz y Benedicto, situación de engaño, juegan con el doble sentido.
Aparte: Benedicto y beatriz, en los monólogos
Disfraz: Don pedro por claudio. Hero por la prima en la boda.
Metateatro: diálogo en el que actúan sabiendo que Beatriz está al costado escuchando y al
revés con Benedicto. Y escena del balcón margarita y borrachio cuando le muestran a
Claudio.
Duplicación: hay dos bodas y están los mismos personajes. El engaño a Beatriz y
Benedicto también está duplicado.
Anagnórisis: cuando se descubre que hero está viva. Esta anagnórisis trae la peripecia,
hero que estaba muerta para todos, pasa a estar viva, final feliz, recupera la honra.
Deus ex machina; sacerdote, leonato qué es el gobernador y que viene a llevar adelante,
los alguaciles descubren la verdad, hacen anagnórisis más importante, escuchan y revelan
la verdad.
Unidades clásicas: no se cumplen ninguna de las 3.

El neoclasicismo e ilustración:
Siglo 18: siglo de las luces.
Época donde se le dio importancia a la educación y a la producción del conocimiento.
Después del barroco en el siglo 18 se dio lugar al neoclasicismo: movimiento en el que
prima la razón como eje fundamental del pensamiento de occidente y que funda sus bases
en el conocimiento clásico.
Tienen especial interés en la ciencia y el conocimiento.

Neoclasicismos:
● Razón
● Pensamiento clásico
● Ciencia
● Conocimiento

Tiene como principio las ideas de de la ilustración este movimiento surge en Francia con
influencia de descartes y john locke
Sostenía que se debía combatir la ignorancia y las nuevas ideas con la difusión del
conocimiento
En el siglo 18 se afianza El Progreso de la ciencia de Guaidó por la luz de la razón.

La ilustración tiene como hecho principal: la revolución francesa: esto marca un antes y un
después en la historia de la humanidad. Se elimina la monarquía absoluta y se pasa al
sistema republicano.
También rev industrial y crecimiento de las ciudades
La filosofía dispuso el conocimiento desde la razón como la necesidad fundamental del ser
humano. Por lo tanto el arte también tendría fin didáctico y moralista

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Se toma como modelos Aristóteles, Horacio y retoma el canon clásico así se evita mezclar
géneros como la prosa y verso y predomina la supremacía de la armonía y equilibrio
rechazando incluso el exceso de imaginación barroca.
En las obras prevalece el ensayo común. Con Montaigne como género divulgador de ideas
siempre haciendo uso de la razón. Como todo era conocimiento y ciencia en este siglo se
crea en Francia la enciclopedia como género difusor de todo conocimiento humano.
Se desarrolló la fábula: fin moralista con enseñanza final.

Neoclasicismo francés: Moliere

Contexto histórico: el neoclasicismo surgió en Francia en el siglo XVII y se caracterizó por
ser una etapa de transformación y revolución al trabajar la razón como fundamento del
saber.
Aparece como consecuencia de la ilustración: etapa en la que muchos intelectuales
empiezan a buscar diversas maneras de pensamiento y se llama neoclasicismo porque
empiezan a buscar a los clásicos del renacimiento por eso:
Es también conocida como “el siglo de las luces” y significó un gran desarrollo en la
literatura, el arte, la arquitectura. etc..

Características:
influencia del clasicismo a manera de imitación.
Se basaron en la razón moral y la didáctica.
Se difunde por medio del teatro y la fábula.
Las moralejas tienen fin didáctico.
Influencia de Aristoteles y Horacio.
La razón está por encima de los sentimientos.

Representantes:
Pierre Corneille: el cid
Jean Racine: andrómaca
Jean de la Fontaine: fábulas
Jean-Baptiste Poquelin (moliere): el avaro.

Moliere “el padre de la comedia francesa”.

Fue dramaturgo y actor, nacido en una familia rica comerciante.
Su primer éxito fue “las preciosas ridículas” con lo cual se ganó el favor del rey Luis XIV y la
protección de la corte.
Sus enemigos veían sus obras como irreverentes y sacrilegas, lo cual generó polémica e
incluso prohibición de las mismas.
Durante la cuarta representación de su última obra “el enfermo imaginario”. se sintió
enfermo y falleció poco después.

El enfermo imaginario: Teatro neoclásico

Periodo: época de las luces, la razón impulsa el conocimiento.
Mayor crecimiento de la ciencia.
Obra la enciclopedia: más importante de esta época, arte más equilibrado.

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Esto nos influye en el teatro:
➔ en esta época se forman las academias.
➔ Señor encargado de la academia de letras. Nicolas Boeudau, tiene a su cargo la
redacción de la poética
➔ Volvemos a la mirada de antigüedad clásica de Aristóteles.
➔ La diferencia está en que la de Aristóteles era descripción, esta es prescripción;
➔ Los artistas están obligados a cumplir con estas normas, se recuperan las 3
unidades clásicas, el arte se considera didáctico, hay que formar al espectador, al
público, por lo tanto el teatro tiene que transmitir VALORES. Debe ser
MORALIZANTE.
➔ La comedia hace crítica a la sociedad pero hay que apelar al buen gusto, en lo que
se representa y lo que dice; nada grosero, ni uso incorrecto de la palabra.

Moliere era actor, además de director, él hacía, burlas y groserías; antecedente comedia del
arte renacentista.
➔ Había línea argumental y el resto era IMPROVISACIÓN
➔ Los actores siempre eran el mismo personaje: se apelaba a la risa fácil.
➔ Moliere se da cuenta que no puede seguir así, entonces cambia su nombre porque
no se llamaba así antes.
➔ Venía de familia de tapiceros que trabajaban para la corona, era amigo del hermano
que iba a convertirse en Luis 14, con esto accede a beneficios; estudiar derecho,
trabajar para la corte, pero no le gusto y se dedicó al teatro, se va con la flia de su
enamorada, y terminó años más tarde siendo director de la compañía de su novia.
➔ El rey le encarga que cree la comedia francesa.
➔ Estuvo 13 años haciendo giras de teatro.
➔ Vuelve a París y se da cuenta que no puede seguir así.
➔ Se plantea cambiar la comedia, elevarla al rango de la tragedia y para eso cambiar
argumentos, plantear argumentos que sirvan para hacer reflexión moral, y en cuanto
a la forma, usa recursos dramáticos de la tragedia pero para hacer reir; gran
cambio en el teatro francés.

Personajes de las comedias latinas y cambios en Moliere:

➔ servus, esclavo: En nuestra obra tenemos a la criada Antoñita.
➔ semex, el viejo: Tenemos a argán y a la madrastra.
➔ adulescens, el joven: leante, impedimento de amor ambos jóvenes; en este caso
por argán
➔ Meretrix, la joven: Angélica, hija de argan.
➔ miles, soldado
➔ leno, alcahuete
➔ parasitus, parásito
➔ coquus cocinero
(Los últimos, modificados por médicos, ej)

Moliere saca argumentos de la burguesía: esto le da argumentos para escribir o para

criticar institución o iglesia, contra médicos.

47
Moliere muere, su última obra fue el enfermo imaginario, en una obra se descompone y
ningún médico quiso atenderlo por ir en contra de ellos.
Los cementerios eran de la iglesia, no pudieron enterrarlo.
Le pide al rey que lo entierre, y lo hace en secreto y a la noche, en las afueras de París. Su
personaje vestia de amarillo: color mufa para el teatro a partir de eso.

OBRA:
Se estrenó en el palacio real, el 10 de febrero de 1673.
Comedia ballet inspirada en la commedia dell arte
➔ Influencia de aristófanes.
➔ influencias clásicas y renacentistas

Comedia ballet; se ve en la estructura de la obra.

Antecedente de la ópera bufa u opereta: género híbrido, teatro, música y danza.
Heredera del divertimento o ballet corte.
Danzas trabadas en el interior de su trama.

Prólogos: Hay dos.

El primero:
● Obra destinada a representarse ante la corte Luis XIV en conmemoración a gestos
triunfales en la toma de Maestricht 1672.
● reminiscencia clásica
● glorias militares
● adulación al soberano
● palacio real 19 de feb 1673

El Segundo:
● sin alusiones a luis, sin la presencia de ninfas, pan y todo su séquito
● pastora que lamenta amores
● denuncia la real ignorancia del médico
● Moliere introduce aquí el tema de su obra.
● la misma pastora dice que hay remedios ridículos solo servirán a un enfermo
imaginario.

Dentro de la obra: autorreferencia, moliere habla de su propia obra y se ríe de sí mismo

Estructura.
primer acto, 8 escenas,
presentación del conflicto del protagonista, sospechas sobre su esposa, conflicto amoroso
con la hija
plan de tonina
ej de quid pro quo: malentendido, argán le habla de alguien y Angélica cree que es otro:
cleante. Ambos creen que hablan de lo mismo pero no es así. Argan quiere obligarla a
casarse por su beneficio.

48
Tema secundario: sospechas sobre su esposa, segunda esposa de argán, en este acto
indirectamente le interesa la herencia de su marido
Tonina gana protagonismo, personaje clave, ayuda a Angelica. correlato en personaje más
serio; beraldo. Uno lo hace gracioso y bernaldo va a venir a traer la RAZÓN.

Segundo acto 9 escenas

plan de tonina y cleantes: simulación en que cleante se hace pasar por el maestro; disfraz
ridiculización de diafoirus y tomas
representación opereta de angélica y cleantes: para convencer a argan.
enfrentamiento; padre e hija.
intervención de beraldo; rechaza la medicina, habla con la RAZÓN. Voz más autorizada.

Tercer acto
14 escenas
● Ayuda de beraldo a su sobrina
● Discusión sobre la falsa doctrina médica defendida por argán.
● RIDICULIZACIÓN de prácticas médicas
● anuncio de una muerte inevitable
● engaño a tonina, sugerencias médicas inaceptables
● simulación para descubrir la autenticidad de quienes lo rodean
● final feliz.

Antoñita: fingió ser médico. Le dicen que es el hermano. Propone cosas ridículas, para
ridiculizar aún más las prácticas médicas.
Fingen muerte de argan frente a angelica y su esposa: descubre que angelica preferia la
amistad con su padre a darle prioridad. Y la mujer quiere quedarse con su dinero. Esto hace
que argan acepte el matrimonio: final feliz,

Aporte de intermedios: aspectos o temas de la obra: puesta en abismo, en situación

secundari atrato tema que va a estar en el argumento central de la obra

1 intermedio
● serenata de polichinela (personaje de comedia del arte), pretendiente no
correspondido de tonina. Este personaje va a cortejar a Tonina. Va a ser ridículo, se
pelea con violines; tono de humor.
● Amor no correspondido, dificultades para quien está enamorado, amor tema
anticipado.

2 intermedio
● Beraldo le propone a argan asistir a una representación, autorreferencia y burla de
moliere. Cómicos van a hacer representación para el: moros cantan y danzan sobre
la juventud y el amor. Tópica renacentista: APROVECHA EL TIEMPO.
● Tema: juventud que se va.
● Tiene que ver con el miedo de argán a la muerte.

3 intermedio

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 ● Final de la obra
● Celebración del recibimiento de argán como médico cirujano: burla, cualquiera
puede ser médico
● Texto escrito en latin; burla
● Escena entre cánticos y danzas
● Parodia de la ceremonia real de recepción de un médico en el anfiteatro de la
facultad de medicina de París vigente hasta 1862. Todo para burlarse de la
medicina.

TEATRO DEL ABSURDO

video: Marat Sade.

Hay un coro, vestuario particular, poca escenografía, juego de luces a partir de elementos
como telas. El Coro se diferencia del resto por su vestuario.

TEATRO DE LA CRUELDAD: ANTECEDENTE DIRECTO DEL TEATRO DEL ABSURDO.

Canto: la obra busca molestarnos, irritarnos, incomodidad.

Caracterización: expresiones muy marcadas, maquillaje exagerado. Actuación exagerada,
mucha gestualización.
Final de la obra: involucran al público, rompieron distancia espectador y espectáculo.

TENDENCIAS CENTRALES SIGLO XX:

DESDE SIGLO 19 HASTA HOY sigue vigente teatro tradicional: de carácter realista.

En el siglo 20 cambio en el arte, empiezan vanguardias: coexisten distintas vanguardias.

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En el teatro ha distintas corrientes y tendencias que van de la mano de las vanguardias:
más tradicional: surrealismo
➔ Teatro del absurdo: existencialismo
➔ Teatro épico: carácter político
➔ Teatro de la crueldad: antesala de lo que va a ser el teatro del absurdo: Propuesta
de [Link]

Antonin Artaud: poeta, ensayista, dramaturgo, actor y director.

vinculaciones del surrealismo
división de la humanidad en dos grupos
el primitivo
el lógico y civilizado (raíces teatrales)
preferencia por el teatro oriental: sin enfocarse en los textos, centrado en las emociones.

Teatro de la crueldad: antesala del absurdo

● Pretende que el espectador sea consciente de la violencia que domina las fuerzas
naturales y su propio interior. Para ello, propone un teatro basado en el gesto, la
danza y el movimiento, y no en la palabra o en la acción. Basándose en lo
irracional y mágico, busca el trance del espectador, cuyo inconsciente quiere liberar
sumergiéndose en chocantes imágenes físicas. Se inspira en el teatro ritual oriental.
● Expresiones
● Exageración
● Escenografía
● Obras brutales

● Obras que apelan fundamentalmente a incomodar al público.

● Década del 30, post 1 GM.
● Imagenes duras, molestas
● No siempre al público le gustaba, en su momento no sabían que iban a ver.
● Escandalizar
● Escenografía más vacía generalmente

Teatro del absurdo:

● No hay violencia explícita pero imágenes duras. ej viejos en el tacho de basura.
● No violencia física pero sí son susceptibles por su planteo o por algún motivo
despierta impresión o confusión.
● Incertidumbre, parte del teatro absurdo lo que se busca.

Objetivo:
● Llamar la atención
● Provocación
● Incomodidad
● Distorsiona el significado lógico del lenguaje, provoca situaciones límite, en busca de
sentido nuevo para la imagen propuesta, y explora nuestra intimidad por nuestros
temores, nuestras necesidades y nuestras más profundas convicciones.
● No respeta los tradicionales valores literarios.
● No obstante, no pretende derribar nada, sino poner de manifiesto lo absurdo de la
existencia humana.
● Aquello que no tiene lógica, que carece de sentido o de explicación racional está
presente en muchas obras literarias anteriores.
● Es una antiobra, es decir, una obra que viola todos los fundamentos, la estructura y
los procedimientos característicos de una obra tradicional, de una obra canónica

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 ● Clasificaron a ciertos dramaturgos franceses que escribieron durante la década de
1950
● obra considerada como una reacción contra los conceptos tradicionales del teatro
occidental.

Contexto: 1940-1960
● Posterior a la 2º guerra mundial
● muerte permanente, violencia, incertidumbre.
● Hubo un crítico que escribiendo acerca de estas obras encontraba características
comunes y las denominó: absurdas o ligado al concepto del absurdo. MARTIN
ESSLIN: le dio nombre a esta corriente en 1962
● Sentimiento de desilusión y angustia, viviendo en ruinas
● Pasado terrible, futuro incierto
● Posible destrucción de la humanidad

● Pensamiento existencialista (Kafka)

“Absurdo” (1962)

Características:
● Rechazo del teatro realista
● Caracterización psicológica
● Estructura coherente
● Cuestionamiento a la imposibilidad de comunicación
● No se cuentan historias concretas (indefinidas)
● Personajes cambio de sexo, personalidad o estatus
● Repetitivo
● Lenguaje sin sentido

La supervaloración de lo subjetivo con el fin de alejarse de la pretendida objetividad del

realismo y del naturalismo conduce a la revalorización de lo absurdo, caricaturesco y
arbitrario.

De esta forma el teatro del absurdo pretende atacar a la moral burguesa y a las leyes de
la lógica presentes en la tradición dramática.

Aunque se pueden rastrear algunos antecedentes, el teatro del absurdo estalla en 1950 con
el estreno de «La cantante calva», de Ionesco.

El teatro del absurdo distorsiona el significado lógico del lenguaje, provoca

situaciones límite e intenta explorar nuestras necesidades y nuestras más profundas
convicciones. Más que pretender derribar el orden existente, persigue poner de
relieve lo absurdo de la existencia humana.

El teatro del absurdo, incluso en sus creadores, tiene escasa duración. Y fácilmente ellos
mismos derivan, en su producción dramática, hacia otros derroteros. Su influencia en otras
obras es casi siempre parcial y no afecta a su totalidad.

52
VIDA SIN SENTIDO: ESPERANDO A GODOT. tragicomedia.
SITUACIÓN ABSURDA: en el momento más dramático, más terrible da risa. Se quieren
suicidar pero con la soga de su pantalón y se cae al intentarlo.
Tragicomedia.
Ridiculiza salida tragica: suicidio.

Características:
● Situaciones ilógicas
● dialogos absurdos
● personajes incoherentes
● lenguaje ilógico frases sin sentido, descontextualización, incoherencia
● Mezcla de lo ridículo y de lo trágico, de la angustia y de la burla: risa amarga, humor
negro, con estas intervenciones que no parecen seguir logica: temas fundamentales:
imposibilidad de comunicarse.
● Crítica a la sociedad: soledad, aislamiento, no nos comunicamos, esperamos cosas
sin sentido, que nunca va a llegar: temas del absurdo

Obra más profunda de lo que parece: crítica a la sociedad.

Beckett autor de la obra, irlandes: dramaturgo, idealista, fue secretario de otro gran escritor
james joyce, se enamoró de hija de joyce se casó y se fue a francia conmocionada por
2GM, comprometido políticamente, a diferencia de otros autores su obra no tiene mensaje
político explícito, muestra x situaciones más metafóricas un conflicto más humano.
Otras obras: los días felices, molloy, la última cinta de krapp,

Personajes con poca hondura psicológica se muestran, diálogos inconexos, y más

características recurrentes de sus obras.

Tragicomedia en dos actos:

personajes:
● vladimir
● estragón
● pozzo
● lucky
● muchacho

Contenido:
● sin hechos relevantes
● Altamente repetitiva. ej todo el tiempo repiten que esperan a godot
● Simbolismo del tedio y de la carencia de significado de la vida humana
● Relación con el existencialismo.
● Obra circular: vemos siempre lo mismo.

Beckett: estilo del clown: usan sombreros sus personajes.

Personajes con ambigüedad: estragón y vladimir: no se sabe si son soldados.

Vladimir: más cuerdo, atado a la realidad.

Estragón: se olvida las cosas.
Godot: no sabemos quién es. Se pregunta si en godot estaba encerrada la idea de esperar
a Dios, pero no. Obra abierta como para despertar distintas lecturas. El autor dice que no
quiere trabajar con idea religiosa.
Existencialismo: corriente atea.
Personajes relacionados con la época post 2gm, vida sin sentido, su salida era suicidarse.

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Obra repetitiva: parece que siempre va a pasar lo mismo.

Cambio entre primer acto y segundo acto:

Vladimir le pregunta dónde estuvo estragón. Hay una elipsis.
Hay una situación de violencia, cambió para peor, víctimas de la situación de violencia. se
acrecienta la sensación de fracaso, incertidumbre, venganza.

Lucky y Pozzo: situación esclavo y amo. Relacion de esclavitud. Nadie puede decirte que
no tienes derecho a pensar y hablar: pero aca si pasa, hay dominación sobre el.
Humillación extrema a Lucky. Parece que se disfruta frente a cierta humillación.
Este cambio se traduce en que hay mayor dependencia porque bozzo queda ciego.

Vender derechos, se quieren convencer que son felices, comunica angustia existencial.

Recursos dramáticos:
Duplicación: siempre se repite lo mismo.
unidad de espacio y lugar se respeta pero no de tiempo
Anagnórisis: Godot no va a llegar.

Las criadas Genet: AUTOR FRANCÉS 1910-1986, ORIGEN HUMILDE

A LOS 8 AÑOS LO ENTREGAN A SERVICIOS SOCIALES, LO ABANDONÓ
FUE NOVELISTA DRAMATURGO, Y POETA
EXPRESA UNA PROFUNDA REBELIÓN CONTRA LA SOCIEDAD Y SUS COSTUMBRES
PRECURSOR DEL TEATRO DE VANGUARDIA, EN ESPECIAL DE LA CORRIENTE DEL ABSURDO. ESTUVO
PRESO, CONDENA PERPETUA. SALIÓ GRACIAS A OTROS ESCRITORES A FINES DEL 40.
OBRA CARCELARIA: DIARIO DE UN LADRÓN. VIDA MARCADA POR CONTRABANDO, PROSTITUCION Y
EL ROBO.

● ceremonia de representación de lo que viven a diario.

● Obra: hermanas papan o papin, en el año 33 eran empleadas en casa de familia,
eran criadas de ahí. tienen una discusión con la dueña de casa que le dicen que no
había terminado un trabajo y reaccionaron de manera desmedida, mataron de forma
brutal a la madre y a la hija. HISTORIA REAL. Terminaron presas, una muere en
prisión, y la otra sale por buena conducta.

Esta historia real funcionó como disparador de nuestra obra: el autor dijo que les
interesaba mostrar la sociedad que los oprimía. Se representaba a él preso en esta
situación.
Obra año 1947. 14 años después del crimen.
Las criadas obra fundamental siglo xx, clásico del teatro contemporáneo.
Posible representación de la vida en prisión y la opresión
Ambigüedad de sentimientos. amor y odio por las criadas a su dueña. Hay resentimiento y
celos, obsesión, pasión.
La conciencia del destino de las criadas las llevará a un desenlace fatal.

La ama no trataba bien a las criadas, trato cercano de la señora hay desprecio también.

Cuando la obra empieza:

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Espacio escénica: ventana que mira afuera,

Obra transcurre en un acto: dividido en 4 escenas,

Escena 1
Cuando empieza ya estamos asistiendo al ritual que ocurre todas las noches en la que las
hermanas intercambian roles. Solange es clara y Clara por la señora. Juego metateatral.
RECURSO DISFRAZ.
Relación amo-esclavo como beckett.
Nuestra mirada viene a colarse en el ritual que se viene repitiendo.
Plan: enviaron cartas y mandaron preso al marido. Marido personaje: ausente, al igual que
GODOT. La llegada o no que nunca ocurre marca el camino de la obra.
Cuando empieza la obra sabemos que el señor está preso.

ESCENA 2.
Solange, clara, retorna al mundo real.

ESCENA 3:
Solange, Clara la señora.

ESCENA 4:
Solange, clara, juego metateatral.
Homicidio.

Cometen varios errores: casi como auto delatarse: dejaron descolgado el teléfono x
ende todo el plan quedó grabado, ya se sabe que ellas están planeando esto y que las van
a venir a buscar. La señora está siempre a punto de tomar el té pero nunca la tomó: igual
que soga en godot, esperamos que esto ocurra y nunca pasa. Situación casi graciosa que
nunca ocurre.

Obra que domina la duplicación y metateatro.

Las Criadas
plan: eliminar a la dueña
2 FUENTES PARA EL ARGUMENTO DE ESTA OBRA:
Genette intentaba por un lado denunciar la situación de sometimiento de cierta clase social
y de cierto grupo al que él no pertenece.
Asesinato de las criadas tambien es caso real.

TELÉFONO: error.
Plan: envenenarla pero se les va de las manos por dejar el teléfono descolgado por lo cual
escuchan todo el plan y hay otros errores, como la ventana que da al exterior que se las
puede ver de afuera.
La obra abría y cerraba con 2 situaciones de metateatro: simulan el trato que tienen entre la
dueña de casa y ellas. Han quedado AUTO DELATADAS, por eso toman la decisión final: la
dueña amaga a tomar el veneno y nunca lo toma.

Otros errores: reloj, objetos de la dueña de casa, vestido, llave, objetos mal ordenados que
queda claro que algo ocurre que altera la normalidad.

Relación amor-odio alimenta el deseo de vengarse

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Mientras traman vengarse, el señor está en prisión, ella iba a fiestas, cambia cuando
conoce la noticia que el hombre iba a salir de prisión. Esto no estaba en el plan de las
criadas (salir de la cárcel).

Cambio de fortuna en los 2 personajes: las dos terminan en una situación de catástrofe.

UN ÚNICO ACTO:
dividida en 4 escenas
1: solange es clara, clara es la señora, juego metateatral.
2: solange, clara. retoma el mundo real
3: solange clara la señora
4: solange, clara, juego metateatral, homicidio.

RECURSOS DRAMATICOS:
3 unidades se respetan, pocas horas, todo es en un cuarto se respeta la unidad de espacio,
unidad de acción, 1 solo conflicto, venganza.

DISFRAZ; se hacen pasar por otros personajes, por esto nos confunde. Clara llama a su
hermana como clara.
METATEATRO:
ANAGNÓRISIS: cuando nos enteramos la salida del señor de la cárcel, que anticipa la
peripecia
PERIPECIA: desenlace trágico, cambio de fortuna de las protagonistas.
DUPLICACIÓN: metateatro que se repite.

EL GRAN GUIGNOL
TEATRO EN EL DISTRITO PIGALLE DE PARÍS:
apertura 1897 y cierre 1962
Se especializó en shows de horror naturalista
Estilo de teatro provocador, fundado por el autor y director Oscar Metenier.
Se toman experiencias del director que había sido obra jesuita y había trabajado en la
policía, por ende de ahí salieron obras cortas con historias más trágicas que otras.
El quería una experiencia de obra extremadamente violenta, situaciones explícitas, pero
apelando a efectos especiales que quería crear la ilusión que estábamos ante
estrangulamiento, derrames de sangre, etc..
Género estética teatral y se hizo muy popular.
Este teatro fue perdiendo vigencia a medida que fuimos llegando a la 2GM porque el horror
que se vivía supera cualquier ficción

SLOGAN: a falta de guillotina, theatre du grand guignol.

COCINANDO CON ELISA: año 1997

tiene dentro de su propuesta planteos y elementos tomados de esta estética.

LUCÍA LARAGIONE: Bs as, 1946, poeta, autora de cuentos infantiles, obras teatrales

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 ● Lucía Laragione adhiere a la poética del realismo reflexivo que prosperó desde
1960 hasta alcanzar su lugar más relevante en el Teatro Abierto de 1981, donde sus
más importantes exponentes tuvieron una participación decisiva.
● Reconocida en el campo de la literatura para niños y adolescentes, Lucía Laragione
obtiene con esta, su primera obra, el Premio María Teresa León de 1994, instituido
en España solo para autoras dramáticas. Con este galardón Laragione continúa el
curioso predominio que la dramaturgia argentina mantuvo sobre ese certamen; con
anterioridad lo había obtenido Adriana Genta y posteriormente Nora Rodríguez y
Marta Degracia.
● El estreno de Cocinando con Elisa en el Teatro del Pueblo tuvo lugar el 21 junio de
1997 y trajo consigo el habitual desconcierto de los críticos, quienes por pereza
intelectual y adhesión a los lugares comunes esperaban de una autora nueva una
pieza con rasgos parecidos a los cultivados por los dramaturgos posmodernos. En
cambio, Laragione trabajó con un realismo textual que luego la puesta acercaría aún
más a lo icónico y que tomaría para sí las propuestas de sentido y compromiso que
caracterizan al teatro moderno.
● Por otra parte, Cocinando con Elisa fue el espectáculo que por su envergadura y
repercusión representó la fecha de renacimiento del Teatro del Pueblo. Ademàs, la
aparición de esta autora demostraba la productividad docente de Mauricio Kartun, de
quien Lucía Laragione había sido discípula.
● La crítica resume la historia, muy simple en su criterio y mediante la cual “una
inteligente dramaturga, Lucía Laragione, construye una extraña metáfora sobre el
poder”.

PERSONAJES:
Nicole: despiadada le da indicaciones a Elisa para matar animales de manera fuerte. Esta
fue su primera obra teatral. La autora dice que podría leerse de distintas maneras: 1 podría
ser ver a nicole como bruja de los cuentos que está con su caldero permanentemente
preparando cosas extrañas para darles a sus víctimas (elisa), y otra posible, por la época en
que se presenta podría entenderse como una metáfora de un bebe apropiado, una madre
sacrificada y un padre del que se pierde noticia: DICTADURA, padre y madre desaparecidos
y bebe apropiado.

Elisa sabe que el hombre estaba trabajando en esa casa y cuando llega no se sabe nada de
él, al final sabemos que este acto terrible fue orden de la dueña de casa: representa la
autoridad, el poder.

Situación inicial terrible: hay todas piezas de caza, lo que hace nicole tiene que ver con
animales cazados, se desangran en el momento los animales. LA OBRA EMPEZO Y
TÉRMINO IGUAL, nueva y futura víctima, elisa.

OBRA CARÁCTER CIRCULAR: cambiamos de víctima. Parece un plan.

Estructura de la obra: 1 SOLO ACTO, todo transcurre en la cocina de una casa de

campo, llama la atención los animales desangrándose.
Exageración: acento francés. Oculta su origen. y marca distancia con Elisa que se la ve
desde un comienzo, torpe, inocente. Elisa 20 años, nicole 60.
Ejerce poder y autoridad Nicole.
Le molesta la voz de Funes, sus gritos, de afuera.

Espacio: todo ocurre en la cocina, lo que ocurre afuera lo completamos con información
que aparece en cuentagotas.

57
ELIPSIS: algo que no cuento, que no muestro pero se puede DEDUCIR.

2 ESCENAS Y UN SOLO ESPACIO ESCÉNICO.

1: PRESENTACIÓN DE LOS PERSONAJES, LLEGADA DE ELISA, dominio de Nicole. La

toman a Elisa por la necesidad de reemplazo de Nicole.
2: paso del tiempo, 10 días. Mención del
3: regalo de madame, vestido blanco. Agresión y celos. Desde que apareció el vestido era
claro que lo iban a estropear. Se mancha con SANGRE DE CONEJO. El vestido blanco
parece de novia, ligado a la inocencia, la pureza. Al final hay un correlato similar. La rata
altera a Nicole, a partir de ahí se anuncia que alguien va a morir porque ella está
preparando algo con veneno, se la pone en frente a Elisa y la apoya en la cocina. Esto
llama la atención.
Otro animal más: perro y jabalí, lo mata el amigo del dueño de casa CAZANDO.
Acerca del dueño de casa también se dicen cosas: le dice a Elisa que se aleje, da a
entender que era abusivo, podemos suponer que la tocó a ella, que lo dice desde la
experiencia. También llama la atención que cuando muere se burla y se ríe del accidente.
Funes: no le conviene meterse con él, se asemeja a la opinión que tiene del señor de la
casa, pero después nos damos cuenta que cuando mata a la vaca lo hace para comerse “el
feto” y esto marca momento importante de la obra, esto conmueve a Elisa. Indicio de la
desgracia que va a vivir Elisa. En otro momento va a hablar del ternero, del feto, y se le dice
a elisa que se tienen que separar para preparar un buen plato,
Al hablar de las recetas…

Puestas en abismo: recurso dentro de literatura que hace mostrarme en imagen, situación,
descripción de algo pequeño lo que va a vivir el protagonista.
Los animales abatidos prefiguran un sacrificio.
En ese ternero está Elisa, de hecho al bebe lo llaman ternero.
Rata preñada.

PERSONAJES AUSENTES: funes, madame, monsieur. Generan tensión, podemos

ubicarlos en orden de importancia: monsieur menos influencia en elisa, despues le sigue
madame, que por otro lado va a tener mucha injerencia en el destino de elisa primero
ganando su confianza, gestos de afecto, regalos, por último el destino final, y Funes porque
hay prevenciones a lo largo de toda las obra, voz, gritos, disparos, interfieren en la rutina.
Nicole le dice que no se desvíe y eso sucede.

Hay un momento de la obra en que Elisa pega un giro y reacciona en contra de NICOLE:
DIA LIBRE. A medida que avanza la obra se acostumbra a Nicole y va poniendo los puntos.
Hasta que en el día libre reacciona y esto provoca un cambio en Nicole. ya deja de simular
su origen con el francés porque descubrimos que pasa con ella, su verdadero nombre
nicolasa, no conoce al papa, eran campesinos y el papa era peón, iba de un lado a otro por
trabajo y la madre era cocinera en una estancia, esto es reflejo de la historia de la propia
elisa.
Ella dice que solo ha viajado para perfeccionarse y aprender, y ella le dice que en realidad
madame la hace dormir en los sótanos y que todos se burlan de ella. Elisa empieza a
empoderarse, maneja información que ella ha ido ocultando.
Elisa: personaje más débil sobre el que seguramente hay un plan.

indicios de la tragedia: vestido blanco, gotas de sangre, presagio y el tema del bebe.

SONIDOS DEL EXTERIOR, EFECTOS DE INVERSIÓN

58
las tenemos que ir completando porque nunca se ven,. Hay ruidos que interfieren en el
escenario que vemos siempre, estos están vinculados con funes. Esto es un disparo inicial,
después un canto de funes que vuelven a aparecer al final, cuando somos conscientes del
peligro. OTROS RUIDOS situación de caza. Y antes del canto: llanto del bebe, único
elemento que después ingresa a la escena.

SITUACIONES DEL PASADO QUE SE RECUPERAN:

acoso, dueño de casa es acosador y ya lo ha hecho con nicole, por otro lado traicion por
parte de funes, elisa habla de funes como alg que lo esta ayudando a buscar al padre de su
hijo, primero agarra confianza para luego deshacerse de ella.
RECURSOS:
UNIDAD DE ACCIÓN SI, UNIDAD DE ESPACIO SI, UNIDAD DE TIEMPO NO SE
CUMPLE, todas escenas ocurren en días diferentes. Juega con instructivo de cocina como
recurso, paso a paso de recetas.
ANAGNÓRISIS: verdad de nicole
PERIPECIA: cuando muere Elisa.
Puesta en abismo:

TEMAS: crueldad y violencia, conflicto de poder y conflicto racial que se resuelve con
violencia y muerte.

Escena 11 y 12 Elisa anuncia que se va a ir: Nicole reacciona mal. Escena 11 termina con
“fíjese que Funes no se desvíe del camino”.
ESCENA 12: empieza con nicole ensangrentada, evidencia de la crueldad de nicole, de
afuera llega el llanto de un bebe, nicole se limpia las manos con un trapo y sale, trae el bebe
y empieza a darle mamadera, cambia totalmente el tono de voz. Quien estuvo en escena
después de la muerte de Elisa y nacimiento fue Nicole. “los puentes de amor son frágiles”.
Nicole deja en claro que madame le pidió que mate a Elisa o que la llevara funes, Elisa fue
víctima. Terminó diciendo que cuando vio al bebe ya había terminado de gritar Elisa y que
miraba a Funes (como la vaca). te limpie con la batita bordada (como el vestido), te limpie
las manchas como mermelada de frambuesa (como el postre que había descrito antes),
nicole dice que a elisa le faltaba olfato, en otro sentido, no se había visto venir al accidente.
Al final se escucha funes y ella esconde el cochecito. Al final con circularidad, podemos ver
que la futura víctima es el bebe.

30/09

Esta noche se improvisa: luigi pirandello

LUIGI PIRANDELLO: autor siciliano. italiano. Viene de formación filosófica, pero tiene datos
llamativos de su vida.
● inestabilidad económica
● La enfermedad de la esposa 1903.: tema de locura, le sugieren internación. No
acepta y lo denuncian de haber abusado de su hija. se lo enjuicia y del juicio lo
declaran INOCENTE, no hay prueba de delito. No se sabe a quién creerle.
● Esto es el tema de todas su obra ¿cuál es la verdad?.
● Tiene protección política, no sabemos hasta qué punto es inocente en serio. De esta
duda y conflicto hizo el tema de su obra.
● Es un personaje controvertido y cuestionado.
● Ganó el premio nobel de literatura; fue criticado el premio por sus contemporáneos
porque fue escritor intelectual que adhirió a la política de Benito Mussolini.
● Sus obras sin embargo no tienen tinte político.
● 1904: el difunto matías pascal.

59
 ● Fama internacional.

Leonora adio: cuento.

Teatro anti aristotélico: ITALIA.

CONCEPCIÓN DEL TEATRO.

Quiebre del planteo de Aristóteles en la poética, ruptura de la mimesis, eliminación del
objetivo del arte: catarsis.

● Trata de no imitar la realidad

● decir que lo que vemos es una farsa
● no quiere que lleguemos a la emoción, apela a la razón.

● ANTIEMÉTICO
● ANTICATARTICO.
● ANTI ARISTOTÉLICO.

antes de perindadello en italia hay verista semintal, teatro de poesía o grotesca, nada de
esto quiere repetir.

CLASIFICACIÓN: teatro de ideas, teatro de situaciones, teatro de espejos.

● IDEAS: contenido filosófico

● SITUACIONES: no tuvimos introducción, arrancamos en conflicto.
● ESPEJOS: “cuando un hombre vive y no se ve vivir, colocado un espejos ante él y
que se vea a sí mismo en el acto de vivir.. ahora bien colocad un espejo ante el….”
cuando uno se ve a sí mismo entra en un cuestionamiento, una crisis, esto quiere
hacer en el teatro. un espejo que nos permite reflejarnos pero que nos lleve a un
cuestionamiento,

Autor: él está formado en filosofía es profesor, tiene ensayos filosóficos, le interesa el SER
Y PARECER, pero este tema tiene que ver con historia familiar de él,

EL METATEATRO de pirandello: teatro dentro del teatro

● Plantea situaciones donde se producen simulaciones o nos trata de hacer cuestionar
si lo que estamos viendo es verdad o mentira.
● continúa la ruptura de la ilusión escénica
● inversión de la perspectiva teatral tradicional: se rompe LA CUARTA PARED, esto
empieza con pirandello,
● ausencia de personajes nombres propios: ej 1 actor.
● imposibilidad de soluciones
● Nos dice permanentemente que estamos ante una farsa. Para dudar cuanto es
representación y cuanto no.
● Obras sin un cierre, final abierto, deja la sensación que no está concluida que no da
un cierre.
● A cada uno le produce una sensación distinta la obra, esto está hecho de manera a
propósito busca MOVER NUESTRA RAZÓN.

TEATRO:

60
 ➔ Presentación de máximo realismo, los hechos ocurren ante nuestros ojos.
Pretensión de realismo porque vemos una serie de hechos que ocurren delante de
nuestros ojos, pero también pretende artificio, porque es mentira.
➔ La farsa se lleva al EXTREMO en nuestra obra.
➔ Máximo grado de artificialidad. Todo es un engaño, disfraz, simulación.
➔ Pirandello exalta esta ambigüedad para evidenciar la ambigüedad de la vida. Por
esto todos salen con ideas distintas. Pirandello lo piensa como elemento de
llevarnos a conocer otra cosa.
➔ Teatro: instrumento extraordinario de conocimiento y de crítica de la realidad.

PROTAGONISTA ES EL MISMO TEATRO: trilogía sobre el teatro: el teatro es el gran tema.

se rompe la cuarta pared, y se reflexiona sobre los artificios teatrales.
los personajes cobran vida propia y dialogan con sus intérpretes.

OTRAS OBRAS: trilogía del teatro

● SEIS PERSONAJES: conflicto entre actores y personajes. actor limitado.
● CADA CUAL A SU MODO: conflicto entre espectadores y actores.
● ESTA NOCHE SE IMPROVISA: conflicto entre actores y el director. Actores no
conformes por cómo les salió la escena, conflicto con el doctor también, los actores
quieren un texto escrito.

Polichinela: personaje de la comedia del arte, vigencia durante el renacimiento. Después de

moliere hubo autor que recuperó. Comedia del arte no había obras escritas, personajes
representados por un autor. Había líneas argumentales.
Los argumentos se llamaban convaquios.
Lo que les pretende hacer el doctor es lo mismo, que improvisen y ellos no quieren.
Concepción para director de un teatro: apela a la improvisación para verosimilitud, pero los
actores dicen que hay un límite, que no necesitan un argumento sino un libro.

Esta noche se improvisa la obra.

Intertexto: cuento de pirandello, “leonora adios”. 1910. Cuenta la historia de la familia
Lar croce, matrimonio con 4 hijas, viven en Sicilia, les gusta teatro, cantan, disfrutan de la
música y actuar. Llegan a ese pueblo un grupo de soldados, que empiezan a cortejar a las 4
hijas. Hay particularidad atención a la mumina que se enamora de verri. Sobre verri hay una
historia familiar complicada, se sospecha que él haya matado a su madre y está celoso.
verri: enamorado, marido ideal y a pesar que los padres no querían momina termina
casándose con verri.
Lo lleva a un lugar donde solo puede ver y no ser vista: los celos lo enferman, no la deja
salir.
El tiempo pasa Tiene dos hijas, pero la controla y no puede salir ni a hacer las compras.
El empieza salir todas las noches hasta que un día en vez de quedarse sale de nuevo,
hasta que una vez revisa su bolsillo y ve un folleto de teatro: era su hermana cantando en
una obra.
Con esto se empieza a despertar su amor al teatro, cantaba mejor que la hna, empieza a
actuar, cantar para sus hijas. El marido nota que esta distinta, hasta que cree que la engaña
con alguien más. Ella ha caído muerta disfrazada como un personaje: las niñas creen que
está actuando y en realidad ha muerto. EN LA OBRA, LAS HERMANAS LE DICEN “YA
TERMINÓ” Y LA MADRE ESTÁ VIVA. ACA SE EVITA MIMESIS Y CATARSIS.

Este cuento se desprende de otro intertexto “addio leonora” romana de II

TROVATORE.

61
 ● La obra: se presenta como un juego de muñecas rusas, de planos de ficcion y
realidad encadenados.
● El texto que ensayan los actores,
● los pormenores de como transcurre el ensayo
● la representación a la que asistimos como espectadores
● el drama naturalista representado de la familia siciliana: como es la historia de la
ópera de verdi de el trovador, y que sirve como eje musical
● el relato leonora, adiós de pirandello.
● Dentro de la obra se presenta el drama del cuento del intertexto.
● y se burla de sí mismo. de si la obra va a causar risa o no. AL IGUAL QUE
MOLIERE: AUTORREFERENCIA.

➔ IMPORTANCIA DE LAS ACOTACIONES ESCÉNICAS.

➔ Pautas para la representación
➔ explicación del anuncio.

empieza con advertencia: para que nos haga creer que es una improvisación con aparición
de publico. Estoy prevenida que todo esto es una gran farsa desde el cartel: juega con
nosotros.

estructura de la obra: obra en 3 actos y un intermedio. sin embargo esto tiene 5

1. Inicio: aparente situación por fuera de la obra: PLANTEO/ARTE. EN VERDAD LA

OBRA TIENE 5 ACTOS PORQUE ESA SIT INICIAL YA ES UN ACTO.
2. ACTO PRIMERO: familia “la crocce” da inicio a la representación. teatro,
organización de la representación.
3. acto segundo: puesta en escena, ``la flia “la crocce”, acá tenemos mayor contenido
relacionado con la historia de esta familia. intervenciones del director. Pero al final
del acto 2 se produce un anuncio: recurso dramático aparte cuando el director se
dirige al público: “los espectadores que tengan por costumbre salir pueden salir,
pero… porque ahora todo lo que hagan llamará la atención… vayan vayan ustedes,
pero no todos por favor… puedo asegurarles que los que estén sentados en las
butacas no perderán nada… seguirán mezclados entre los espectadores..” se abre
el telón al final. El director (doctor) propone hacer más partícipe a los espectadores,
hay 5 representaciones paralelas: tengo que elegir a dónde quiero ir, es un “juego”,
propone 5 escenas: 1 en la sala teatral y otras 4 en el vestíbulo, en cada lugar
(describe qué lugares) donde se van a realizar pequeñas escenas distintas y yo
tengo que elegir qué voy a ir a ver. Por esto los actores que hacen de público los van
a guiar para que sepan que se tienen que levantar e ir a algún lado.
4. INTERMEDIOS: Cinco escenas, cuatro representaciones simultáneas en puntos
diferentes del vestíbulo. Una escena en la sala teatral. (FALSO INTERMEDIO, acá
me condiciona a hacer algo que tiene que ver con la representación ((lo de arriba)).
interacción con el público: En el vestíbulo: personajes de la obra, actores del público
y el verdadero público.
5. Acto 3: críticas del director, cierre de la obra. Volvemos a entrar en la salsa, reinicio
de la escena, representación e intervención del director. Se cierra la historia de la
familia y retoma con las críticas al director. Los últimos parlamentos es diálogo entre
primer actor y doctor: reclaman un libro que cada uno tiene que decir, y el director,
doctor dice que no, los papeles copiados si, a lo sumo para que volvamos a tener
vida con nosotros mismos, pro lo menos por un rato (aca se produce por primera vez
un detalle muy importante, por primera vez el director se reconoce como personaje
(nosotras ya sabemos pero este se presentó siempre como quien manejaba la
situación, no como un personaje más). Esto tiene que ver con qmiue el autor
entendía que los personajes tenían vida y se le imponían al autor. Le pide perdón al

62
 público (vuelve a su condición de director) y dialoga con el publico hasta criticando
como fue la obra.

Lo que quiere el autor Pirandello es que vos salgas percibiendo algo y el otro algo distinto.

Personajes: agrupados en 4 conceptos

Director de escena, el doctor: quiere que sus actores se comprometan con su
interpretaciones. Demanda representación natural y espontánea, que parezcan reales.
Quiere que improvisen
Otros: familia la rocche: personajes del drama realista, hija madre berry, etc..
Varios: personajes que hacen de público, contribuyen a que nos confundamos no sabemos
si ocurre de verdad o no. (Señores en el patio de butacas, galería, palco, anciana, marido
de joven, etc””.
Compañía de teatro ensayando obra: primera actriz, viejo actor de carácter, la
característica, sarelli.

Recursos:
● Meta teatro: representación dentro de la representación, teatro dentro del teatro.
Representación: puesta en escena obra, improvisación.
Dentro: representación del falso público.
Pero también está la historia de la la croce
Y drama de momina ella actúa para sus hijas
● Aparte: le habla al público.
● Unidad de acción no (?) se cuestiona.
● Unidad de lugar no, totalmente alterada, empieza el teatro (todo es representación
(palco, sala teatral, escenario, vestíbulo, etc, detrás de la cortina y sobre el
escenario hay más de una escenografía (intermedio cambia))).
● Unidad de tiempo si se cumple.
● Anagnórisis: dentro de verri y momina, cuando todo el mundo creía que la
representación seguía y descubren que está muerta (hasta que dsp se rompe
cuando dice que se terminó la historia)
● Peripecia: cambio de fortuna: dentro de la historia.

Reflexión: La obra es en realidad un homenaje al juego de espejos enfrentados al infinito

que llamamos teatro.

PARCIAL: razonar, comparar, sacar conclusiones, ubicar en un CONTEXTO, siglo,

estéticas.

21/10

Planteo Anti-Aristotélico
- Amplio lo que hace Pirandello
Teatro épico: El círculo de tiza caucassiano
Bertoldt Brecht
- Autor Alemán
- Primera mitad del siglo 20
- Primera Guerra Mundial
- Traslado a Munich. Estudiante de Medicina y Filosofía
- 1920: Berlon. El deustche Theater

63
Renovación del teatro épico
- Propone un teatro que quiere cambiar el mundo
- Salir del teatro con la idea de salir de salir del teatro y cambiar la sociedad
- Teatro distanciado
Influencias
- Toma elementos de distintas fuentes
o Política
o Teatro chino: músicos y coros en escena.
▪ Sin telones
▪ Sin bastidores
▪ Incluye la orquestra sobre el escenario
▪ Con la música se acompaña la acción y resalta ciertas escenas
o Teatro expresionista: Parte de la idea de distanciar al público mostrando los
recursos teatrales. Romper la mimesis a través de la puesta en escena.
Teatro épico
- Objetivos: Entretener
- Busca dejar una enseñanza. Teatro de carácter didáctico. Esto se ve al utilizar
parábolas (historias de carácter simbólico que terminan con una moraleja)
- Los personajes no representan personas
- Sino los lados opuestos de un argumento
- Toma argumentos narrativos y los convierte en recursos teatrales
- Termino clave: Efecto V. Efecto de distanciamiento o extrañamiento. Supone que
presento un problema del cual podemos ser todos parte pero lo presento de manera
distante.
o Esto se hace al cambiar la cultura del argumento
o Cambiar el argumento a un tiempo indefinido
- Los espectadores tienen que saber en todo momento que están viviendo teatro
- Y mantener una distancia emocional de la acción
Efectos de distanciamiento: Recursos del teatro épico
- Renuncia a los conflictos psicológicos
- Montaje de escenas muy entrecortadas entre si
- Escenografía esencial y simbólica
- Incorporación de songs (canciones que cuentan una historia, sin autor, pegadizas.
Compone sus obras de forma muy parecida), coros (habla con el público) y
músicos
- Utilización de carteles: (técnica de newspaper: informan cosas de la obra).
- Combina actuación y narración. Hay un cantor (meta-teatro: se cuenta una historia
cantada y atrás pasan otras cosas)
- Cambios en didascálias
- Uso de máscaras o maquillaje muy rígido
- Proyecciones (de imágenes en el telón de fondo)
- Lo puesto en escena es inverosímil y exagerado
- Decorados exagerados
- Todo tiene que ser poco creíble

64
El círculo de tiza Caucasiano
1944 y 1945
Estreno: [Link] 1948
- Berlín: 1954
Critica a los nazis
Se realiza en el Cáucaso, pero después pasa un lugar imaginario
Intertextos:
- Obra de teatro china: El círculo de tiza. Teatraliza la leyenda china
- Esta es similar a una anécdota bíblica del juicio del Rey Salomón. (dividir a un nene
en dos para que dos madres lo puedan tener)
Estructura dramática

- Prólogo (historia principal): Conflicto entre los dos kolijoses. Se disputan la

pertenencia de la tierra
- Se ubica al final de la guerra. Se viene a reclamar las tierras que antes tenían antes
de la guerra, las personas establecidas allí no quieren irse
- Las otras dos historias son metáforas de la historia principal:
o Historia 1: Grusche. Tema: la maternidad. Grusche y Natela actúan como si
fuesen las dos aldeas (se disputan por el valle que sería el nene)
▪ Contraste fuerte entre la riqueza del gobernador y la miseria del
pueblo
▪ Se desata una revolución y el gobernador resultan como víctima.
▪ Natela (madre biológica) plantea escaparse con el hijo (el heredero)
pero solo olvida (no se olvida de llevarse las joyas)
▪ Grusche: Se queda con el nene aunque no lo quiere. Lo intenta dejar
varias veces. La historia se extiende por como siete años.
● Se rompe unidad de tiempo
▪ Grusche busca asilo y se encuentra con dos mujeres que se apiadan,
pero sus manos delatan que criada. (anagnórisis)
● Las manos delatan la verdad del personaje
▪ Duplicación: Sucede lo mismo con la manos de Grusche y el noble

▪ Grusche: La hacen casarse con un hombre moribundo. Al poco

tiempo se acaba la guerra y el mejora visiblemente. Se ve que el
actúa para que no lo manden a la guerra (se cuestiona su moral).
▪ Luego de la guerra: todo vuelve a como era antes

▪ Después vuelve la madre original y su enamorado: Y se corta la

escena para evitar la catarsis
o Historia 2: Azdak. Tema: la justicia
▪ Azdak: hombre simple que le da amparo a un campesino. Después
se da cuenta que en realidad es un noble que escapa de la
revolución. (anagnórisis cuando se da cuenta)

65
 ▪ Quieren elegir a un juez. Plantean hacer una representación.
(metateatro dentro del metateatro)
▪ Lo nombran a Azdak como juez que recibe sobornos. Y que falla en
favor de los pobres
▪ Fin de la revolución: Se llega a Azdak para que el solucione el
problema de Grusche y Natela. Acá se ve la historia de tiza (que las
dos madres tiren de los brazos del nene)
▪ Duplicación: se realiza el circulo tres veces y Grusche suelta la
mano tres veces.
▪ Anula el matrimonio de Grusche: Ella queda libre para casarse con
el soldado. Ya que debe tener final feliz.
▪ Desprender la idea de maternidad con el beneficio económico
▪ Luego de esto vuelve el narrador
- Mensaje de la obra: pertenencia y posesión de la tierra
- Epilogo: Cierre de todas las historias. Moraleja
o Moraleja: Las cosas deben pertenecerles a las personas que más puedan
cuidarlas
▪ Valle: quienes traen un agua para el fruto
▪ Hijo: La madre que mejor lo cuida Grusche
- Tres historias: Una moraleja para las tres
- Las historias de Grusche y de Azdak funcionan con metáforas del conflicto entre los
kolijoses
- Entre ellos se llaman camaradas
- Se llega a un acuerdo pero no dicen cual es. Luego muestra una representación
- Relato enmarcado. Metateatro
- Se rompe la mimesis al mostrar los recursos. Se menciona el intertexto.
- Narración como recurso dramático: Se sienta un personaje y empieza a contar la
historia

Recursos dramáticos:
- Metateatro
- Disfraz: de Grusche cuando se disfraza de noble y el hombre cuando se disfraza de
campesino. El del Falso moribundo
- Duplicación: de ambos casos de disfraz
- Introducción de un narrador en la escena
- Exageraciones: entran un queso gigante

04/11

Las manos sucias: Jb Sartre.

Obra política: 3 fuerzas políticas diferentes se ponen de acuerdo.

66
Hay aspectos de carácter filosófico: escribe esta obra desde un postura filosófica.

Los justos y las manos sucias representan ideas del existencialismo y estan vinculados con
el comunismo, ideas de izquierda y van a debatir de un mismo hecho enfrentados tomando
posturas políticas opuestas.

● Filósofo francés, existencialismo

● profesor en la sorbona, activista político.
● Estuvo en el mayo francés.
● OBRA AÑO 1947 POST 2GM.

existencialismo: rama cristiana y atea, el autor es rama atea.

● como la existencia precede de la esencia, le corresponde al hombre justificar su
existencia y dar sentido a su vida: critica al personaje de hugo en su obra, le dan una
misión y duda de como llevarlo adelante, está justo en este debate, ver si encuentra
sentido, viene de existencia cómoda, familia rica, empieza a militar en partido
comunista.
● El hombre es libre y responsable de sus actos: esto se ve en el centro de la obra,
evaluar si Hugo puede ser “rescatable” o si hay que deshacerse de él. Sus
decisiones fueron de forma libre y responsable y eso tiene consecuencia.
● ese existencialismo ateo será interpretado por sartre como un humanismo
● Esta libertad radica en la acción. por eso la acción de hugo tiene consecuencia: la
cárcel, y al principio de la obra nos lleva a por que llego a la cárcel.
“no somos libres de dejar de ser libres”. pensamiento sartre

OBRA: AÑO 1948 ESTRENO

➔ referencia a otro artista contemporáneo, Jean Cocteau, director de la obra. Ellos
habían sacado a genet de la cárcel.
➔ Misma época, círculo intelectual de otros autores: Genet y Beckett.

DIFERENCIAS AUTORES.-
Sartre pensaba que el fin justifica los medios, mientras que el autor de los justos no está de
acuerdo, hay límites, tienen una diferencia de posturas que los lleva a enfrentarse.

OBJETIVO: intentar una defensa del PC y de su dirigencia, objetivo defensar el comunismo

y su postura, y como defensa el otro crea “los justos”
CONTEXTO: el pc era cuestionado por su obediencia de la cúpula de la urss.
Politica de acuerdos de la URSS, a fines de 2gm con el fascismo y el imperialismo

67
INTERPRETACION: critica al stalinismo
Sastre no estuvo de acuerdo con las criticas y sometio a las representaciones a la
aprobacion del PC para su estreno en cada pais.
DEBATE: ¿el fin justifica los medios?, se ve cuando HODERER dice que tenia las manos
sucias

PLANTEOS OBRA:
planteo del dilema entre ñlas potenciales alianzas entre fuerzas antagonicaS: partidos
opuestos se alian para llegar al poder: HODERER PLANTEA ESTO Y POR ESO EL
PARTIDO QUIERE MATARLO, lo paradojico y absurdo es que cuando arranca la obra
sabemos que el partido esta por tomar la decision por la que llevaron a la muerte a
HODERER, dos años dsp consideran que es una politica correcta. Lo que plantea la obra
sigue teniendo vigencia, estamos en sistema de gobierno que se debate entre dos fuerzas
opositoras que tambien son alianzas para llegar al poder.
debate entre el ser y el deber ser: en hugo, sigue siendo un joven idealista, politico idealista,
por eso cuesta llevar a la practica, lo contrario a lo que plantea HODERER, el verdadero
protagonista segun el autor.
reclamo de luchar por los ideales que se defienden.

ILIRIA: no existe, país inventado, pero podríamos pensar en una nación que ficticiamente
integra la unión de las políticas soviéticas.
● GOBIERNO: en manos de conservadores aliados de alemania nazi
● PROLETARIOS: partido integrado por comunistas y aliado a los soviéticos:
REVOLUCIÓN.
● NACIONALISTAS:, burgueses contrario a los dos bandos
● TIEMPO: plena 2da gm. Pero estructura teatral semejante a HIpatia, la estructura de
la obra es:

ESTRUCTURA:
1 ACTO Y 7 ACTO EN AÑO 1945.
En el medio hay 5 actos (estructura tradicional de la tragedia), que ocurren dos años antes.
● 2 acto: plan
● 3 acto: desarrollo
● 4 acto: bomba
● 5 acto: desarrollo
● 6: crimen

Comienzo: Hugo llega a la casa del partido, se encuentra con Olga y le pide que la proteja,
sabía que lo querían matar, sigue siendo una expresión de la misma contradicción, accionar
y convertirse en asesino no tenía sentido, el partido cuestiona su presencia.

68
Otros militantes le cuestionan a olga si hugo es “recuperable” sino se iban a deshacer de él,
olga tenía la decisión. Hay como un intermedio salto temporal dos años atrás donde se
repasan los hechos que a hugo lo hizo matar a Hoederer.
(esto funciona como metateatro porque los vemos actuar, en la puesta, el hugo del primero
observa actuar a otro hugo que interpreta al de dos años atrás)
Acto 7 dice que no es recuperable, le da un arma a hugo para que se proteja, el dice que
quiere seguir siendo el mismo nombre que tenía antes de ir a la cárcel; RASKOLNIKOF.
Esta decision de hugo implica que no ha cambiado demasiado, no hay un cambio sustancial
en este, por eso la rta de olga es que no va a ser recuperable y le da un arma para que se
proteja.
FINAL A LIBRE INTERPRETACIÓN, no vemos que lo matan pero suponemos.

ACTO 2 REPRESENTACIÓN DENTRO DE REPRESENTACION:

puesta en abismo, si no haces las cosas como corresponde nosotros sí podemos, y tenes
que ser consciente que se puede ir la vida, esto le dice Olga para que pueda decodificar lo
que le va a pasar.
Plan: hacerse pasar por secretario e infiltrarse en donde esta hoederer, tener cercanía,
cotidiana, saber planes y MATARLOS, xq va en contra de los interés del partido. Antes que
esto suceda Hugo es testigo de un acontecimiento, un militante se despide porque va a
colocar una BOMBA, esta bomba puede significar su muerte, puede terminar con su propia
vida. Se deja en evidencia que los militantes tienen que estar dispuestos a morir, por el
partido. El ve irse al militante y se escucha la bomba, se decodifican que el atentado fue
realizado y no sabemos qué pasó con el militante, suponemos que ha muerto. Este
elemento funciona como PUESTA EN ABISMO por el acto 4.
➔ En el acto 4 también hay otra bomba: puesta por Olga. Es un aviso, si no hay muerto
es porque no quisimos pero se demuestra que pueden matar a hoederer y a hugo si
no cumple.

Acto 3:
Jessica no está a favor del conflicto, no se querían mucho, después se acerca, tiene un
coqueteo con Hoederer y eso es el detonante de todo. Se puede comprar con olga, porque
son dos caras contrarias, una participa del atentado, otra no, Jessica estaba “jugando”, por
la forma de actuar, manifestar sus ideas.

A medida que avanzamos al acto 3 y 4 vemos como aumenta el contacto con hoederer y
como este va influyendo en el pensamiento. hoederer, era el político pragmático, es capaz
de ensuciarse las manos, era líder,y ese ensuciarse las manos está presente en la alianza
con las otras, hugo lo contrario, era publicista, escribió para la revista del partido, la orden
era que lo mate antes de la alianza, también estaba presionado por Jessica.

CLIMAX: acto 4.

69
Acto 4 o 5, entran dos personajes que representan ideas distintas (leer de nuevo).

Se coloca una bomba que produce un giro en la obra, está la coloca olga, es una aviso para
Hugo, ya en el próximo acto vemos cambios en hugo, parece un personaje que ha caído, ha
hecho un descenso, ya no es más el joven del comienzo.
En el acto 5 se enfrentan ideas de jessica y hugo, y hoereger tambien convenció a jessica,
hugo representa ese tironeo entre lo que el partido espera de el y lo uqe es, entre el ser y el
deber ser.
Contrapunto olga y Jessica en el acto 5 (leer).

ACTO 6: CRIMEN, jessica no sabemos si se ve seducida o si era a propósito para que hugo
lo mate.
Jesica le dice que que pasaria si se uniria, intenta seducirlo. Después toca hugo y jesica se
esconde.
Entra Hugo y con Hoederer hay una cierta manipulación: se plantea la idea del valor de
ensuciarse las manos, de tener un compromiso activo. Hoederer juega a ponerse de
espaldas, le dice que no puede matarlo mirándolo a los ojos.
Hugo se va, vuelve y esta jessica y hoederer besándose, y asi lo mata.

7 acto: OLGA se da cuenta que no lo mató por ideas sino por CELOS, fue un crimen
pasional. Y por eso no lo considera recuperable.

INTERTEXTO-: al final dice que quiere el nombre que habia sostenido antes Raskolnikof,
evidencia la intertextualidad de la obra, es personaje de obra rusa “crimen y castigo” de
fiodor dostoikeiv, nos situamos en la novel ade transicion entre romanticismo y realismo,
el personaje raskolnikof era pobre, llega para estudiar derecho, contrario a hugo,s e alquila
pensión, se ve caract romanticismo, soledad, habitación aislada, etc,, llega un momento que
su situación económica no le permite seguir, y mata a mujer que hacía la USURA, la mata
excusándose que si la mata y roba la fortuna podrá estudiar y dsp defender a los pobres:
esto es la justificación para convertirse en asesino. Cuando mata a la mujer también tiene
que matar a la hermana, porque llegó cuando estaba por terminar el crimen.
El estava enamorado de prostituta que lo acompaña cuando el juez descubre quien es el
verdadero asesino, el tambien escribia para periódico, sostiene ideas extremas incluso de
coneter delitos lo que hace que el juez desconfie, y le sugiere entregarse para terminar la
pena. En esa prision en ese exilio, lo acompaña la joven que estava enamorado.

PUNTOS DE CONTACTO: con hugo, situaciones extremas, periodico.

Este personaje eligió hugo y despues tiene que resolver la situación y elige el mismo
nombre, personaje, por eso es IRRECUPERABLE.

70
RECURSOS:
metateatro

3 unidades:
● unidad de accion,compromiso político y forma de ejercer política que lleva a
decisiones extremas
● unidad de tiempo: alterada, pero aun dentro de los actos centrales del 2 al 6 también
pasa al tiempo
● unidad de lugar: no hay, 1 y 7 ocurren en la casa, y los 6 actos del metateatro tienen
distintos cuadros, cambia ubicación escenográfica de las escenas.

CITA QUE HACE SOBRE SUS PERSONAJES EL AUTOR:

quise que un cierto número de jóvenes de origen burgués que han sido mis alumnos..
pudieran encontrar algo de ellos en las dudas de Hugo. Con Hugo no está de acuerdo, no
llega a unirse al partido comunista por culpa de la cultura liberal. ESTABA DE ACUERDO
CON HOEDERER.

“Los justos”:
Es la respuesta de Camus a la anterior obra. La escribe para criticar pensamiento de sastre.
“Existen personajes más grandes, auténticos y de corazón más hermoso que otras. y
forman a través del mundo una sociedad invisible muchas veces que justifica el vivir de
todos”
Tiene relación con el protagonista de esta obra, hay personajes con apodos también.

PERSONAJES:
kaliayev: ideas de camus
Stepan: ideas de sartre.

Autor:
nació en una colonia francesa.
novelista ensayista dramaturgo filosofo
recibe premio nobel que sastre habia rechazado
dirige periodico clandestino que escribe cartas en contra de sastre

71
adhiere ideas existencialistas

Novelas: algunas pertenecen al absurdo, esta es todo lo contrario.

EXISTENCIALISMO: “en otras palabras, el ser humano existe desde que es capaz de
generar cualquier tipo de pensamiento. Esta misma libertad convierte al individuo en un ser
responsable de sus actos.”. Idea similar a la que representaba sastre en hugo, a higo lo
cuestiona y camus lo sostiene, el personaje heroico es KALYAVEV, que contraste con
stepan.
“la única manera de lidiar con un mundo sin libertad es llegar a ser tan absolutamente libre
que su existencia misma es un acto de rebelión”. Esto es lo que sostiene y defiende
Kaliayev.

CONTEXTO: drama histórico. LEER ARTÍCULO.

Revolución de 1905, extrema situación de pobreza después de la guerra contra Japón.
● miseria terrible postguerra.
● zarismo: régimen monárquico, como un emperador.
● deseo de establecer régimen liberal
● 22/1/1905 manifestación pacífica de obreros para un cambio, represión, intervención
del ejército, decenas de muertos y centenares de heridos. Aunque no terminan de
calmar el clima de queja.
● 4/2/1905 bomba contra el gran duque sergio, tío del zar, y gobernador de moscú,
terroristas del partido socialista revolucionario (aca estan protagonistas de
nuestra obra) pedido de la gran duquesa para perdonar la vida del asesino. Con
esto no termina el zarismo, este atentado está previsto en función de una salida
anunciada del gobernador de Moscú “el gran duque”, hasta el teatro. Hay un intento
fallido primero.
● HORCA: 23/05/1905, el asesino quiere ser muerto.

Características reflejadas en la obra: todos los personajes existieron.

más allá que yo pueda buscar información en la historia, saber el hecho histórico, el
personaje protagonista kaliayev escribió un diario, y aca estan sus poesías, todo lo que
vemos en la obra sale de su diario, y este llega a manos de camus y escribe la obra a partir
del DIARIO.

ATAQUE DEL GRUPO REVOLUCIONARIO: dos bandos

el gran duque sergio, representa despotismo, tiranía, autoritarismo
y el partido revolucionista realiza el atentado, saben que no destruiran el régimen pero que
ganaran el favor del pueblo.

72
DRAMA HISTÓRICO: hipatia, los justos si, tragaluz y manos sucias NO. leer apuntes
para el examen.
Características generales: el autor que lo teoriza es el mismo que el tragaluz.
CONCEPTO:
● basado en acontecimiento histórico
● subgénero teatral surgido en el siglo de oro español y desarrollado durante el
romanticismo del siglo 19, paralelo a la novela histórica y la leyenda en prosa o
verso
● refleja hechos del pasado y recrea mitos fundamentales de la nación
● habitualmente los sucesos dramatizados son variantes de los conflictos entre
monarquía nobleza y pueblo. ,NO HAY DESTINO DE DIOSES. Conflictos o politicos
● el hecho del pasado representado puede servir para tratar asuntos actuales y
contemporáneos
● es un teatro referencial: acontecimientos historicos o de información
● presenta cierta ilusión de objetividad aunque puede ficcionalizar los acontecimientos.

Carac
● el acercamiento a temas históricos se hacía con la intención de transformarlos en
recreación dramática
● se combina con anacronismos, falseamientos de algunos acontecimientos, falta de
verosimilitud.
● mitificación de algunos personajes y hechos: se muestran como “admirables”.
● pueden existir relaciones entre la composición de la obra y el momento histórico
● presenta visiones contrastadas: ej en los justos stepan y kalyevev
● admite personajes de condición más llana, descender a pormenores más leves, se
acerca más a la vida común y expone características que se enfrenta al poder: se
busca enfrentar al poder de turno.
● me lleva a un acontecimiento anterior para hablar del presente: quiero que sea
creíble pero que esas referencias históricas me saquen las expectativas de como va
a terminar.: ilumina el presente desde un hecho pasado
● tiene función didáctica
● es anti catártico: no hay sorpresa, se como va a terminar porque es un hecho
histórico, pero el autor me va a mostrar otra cosa
● analeptico: separacion de dods tiempos, el tiempo del objeto representado y el
tiempo de la representación propiamente dicha
● nada de lo que plantea es inocente: hay recorte y lectura de ese pasado: eleccion y
seleccion de la materia histórica
● teatro atravesado por ideología política, no es inocente
● los personajes encarnan fuerzas históricas, situaciones, personajes
● esas fuerzas remiten a un doble referente: me puedo quedar con un sentido
interpretativo literalmente o puedo adentrar y ver que me esta diciendo
simbólicamente el autor.

TRAGALUZ.
CONTEXTO: post guerra civil, dictadura de franco que dura hasta el 75

73
Teatro posterior a la guerra civil: de la guerra 40 a los 80.
Al finalizar la guerra habian muerto valle inclan y garcia lorca, y casona que se habia
exiliado.
Vallen inclan: modernismo fines del siglo 19, comienzos del 20, crisis. Antesala de la guerra
civil
Lorca: generación del 27, fue víctima de la guerra civil, lo fusilan, es poeta y autor teatral,
renovó el teatro
Casona: realista pero sentimental, quería evadir conflicto político.

DIFICULTADES: temas se centran en mostrar problemas sociales concretos.

LA VIDA BUERO VALLEJO:

● nació en guadalajara el 29 de septiembre de 1916
● le gustaba la lectura música teatro y pintura
● se traslada a madrid x estudiar bellas artes
● se involucra políticamente en izquierda
● va a prisión, sentencia a muerte pero logra sobrevivir y salir libre.
● se interesó por la guerra civil
● en prisión sigue pintando pero cuando sale se dedica a la literatura
● fue incorporado a la academia española y ganó el premio cervantes, de los pocos
dramaturgos.
escribio obras com mucho simbolismo
temas:
● frustración, alienación: familia.
● la lucha por la verdad y la libertad: padre en nuestra obra.
● la injusticia social
● persecucion politica, tortura
● La historia y el arte: puntos de partida.
Obras de efectos de inmersión: en la ardiente oscuridad, el sueño de la razón, el tragaluz,
la llegada de los dioses. TRABAJA CON EFECTOS SONOROS, en nuestra obra, el sonido
del tren por ej. Estos nos transportan a una representación particular dentro de la obra, nos
remite directamente al sentimiento o pensamiento de los personajes.
En la obra cada vez que aparece el ruido del tren Vicente se pone loco, y el padre, recuerda
el momento de la muerte de su hija menor y la huida de vidente. A medida que avanza la
obra; se hace cada vez más fuerte el ruido del tren y dura más. (esto lo vemos gracias a las
acotaciones). El ruido domina el sentimiento que tiene el padre de LOGRAR LA VERDAD, y
castigar al culpable, es tan fuerte el sentimiento que el ruido va tapando la situación que
observamos: ES MÁS FUERTE EL RECUERDO.

OBRA AÑO 1967: PLENA DICTADURA DE FRANCO, POST GUERRA CIVIL.

74
tragaluz: el tragaluz está en la cuarta pared, nosotros vemos lo que se proyecta a través
del tragaluz en la pared del fondo, solo se ve partes de abajo de las personas, se ven
sombras un tanto distorsionadas.
Se vería un recorte del afuera, una mirada parcial del afuera. Ellos estaban en el sótano.
La familia estaba en situación de pobreza, de aislamiento.

Se relaciona con la ALEGORÍA DE LA CAVERNA: INTERTEXTO por las sombras que

ellos veian, el sotano: la caverna. El único que salió es Vicente: seria como en el mito que
salio.
Mario elige volver a la caverna.
Su percepción de la realidad no es necesariamente lo verdadero.
Tragaluz: evidencia que estan en ese sotano y tiene un valor simbolico: representa la
marginacion de los “perdedores” de la guerra civil
espacio escenico, construcción abierta y escenario multiple
alcance simbolico: la oficina ámbito de sistema. El sotano ambito de las victimas
efectos sonoros: ruido del tren, efectos de inmersión, entramos en las obsesiones de los
personajes.
el lenguaje: sencillez, pulcritud, sobriedad Siempre al servicio de la mas plena comunicacion
con el espectador.

EL Y ELLA: cuánto de lo que vemos ocurrió y cuanto es protección de los personajes: no

plantean duda.
Escenas paralelas: distintas escenografías.

Teatro experimental: toma elementos que vemos en ciencia ficción, juega con eso en esta
obra, a partir de personajes experimentadores: él y ella.
Elementos del drama histórico y manera de cuestionar el presente la dictadura, durante ese
periodo.

COMIENZO DE LA OBRA: EL SIGLO 30, EL Y ELLA, EXPERIMENTÓ, ellos entran de

atrás, interactúan con el público: se rompe 4ta pared, los experimentadores andan entre el
público, se involucran.
Al principio: se muestra experimento con imágenes, calculadoras, y se van a proyectar y no
queda claro que ocurrió y cuales son proyecciones, dicen que es la historia de una familia,
voces son repuestas, se leen los labios, cuando estan de espaldas dicen que se suponen lo
que dijeron. Y cuando hablan o reponen el lenguaje buscan el lenguaje de la epoca.
Nos dicen que estamos en el siglo 30 un futuro lejano, y por medio de imágenes.

75
Que lo que ocurrio era en madrid, una ciudad que ya no existe más.
Los hechos que ocurrieron es en la época del 60, básicamente le digo al público que están
viendo lo que está pasando ahora, es la época donde se estrenó la obra. Para entender lo
que paso, los personajes van a recuperar recuerdos que ocurrieron 30 años antes. El autor
quiere recuperar el postguerra civil y las consecuencias que dejaron en la sociedad.
Lo que vemos es una familia que representa nación, país, devastada por la guerra civil.
Para hacer mas facil: el autor juega a que estamos en un futuro.

TRES PERSPECTIVAS TEMPORALES: FALSO SIGLO 30 DONDE ESTAN LOS

EXPERIEMNATDORES, SIGLO 20, DECADA DEL SESENTA, PRESENTE QUE SE
ESTRENA L AOBRA Y EN EL ARGUMENTO ES EL PASADO, Y EL SIGLO 30 QUE ES LA
GUERRA CIVIL, QUE ES UN PASADO MAS LEJANO QUE NO VEMOS.

estructura obra: dos partes: marcadas por los experimentadores que interrumpen
representación y dialogan con el público: RECURSO APARTE, ruptura espectáculo y
espectador.
La historia que presentan los historiadores es una historia lineal pero no son hechos
sucesivos, hay espacio temporal entre una y otra escena: pasa el tiempo.

1 parte:
expositiva, conocemos a los personajes y nos adentramos en el conflicto de los hermanos.
Primero nos describe la oficina, a encarna y vicente.
● Encarna: 25 años, físico vulgar, tiene encanto, ropa sencilla y pobre, es su
secretaria porque es la amante del jefe, por eso dice que va a acostarse con nuevos
jefes porque esa editorial se vendió. Necesitaba dinero para sobrevivir, por eso
acepta lo que sea.
● Vicente: 40 45 años, apuesto viste ropa cuidada y buena, tiene un anillo de oro.
Editorial se había vendido
● Beltran: personaje ausente, no representa lo que quiere la nueva editorial, si quiere
seguir trabajando tenía que abandonar sus ideas. Tanto en Beltran como en Encarna
hay diferentes formas de prostitución: encarna para seguir trabajando, y beltran,
corrompe sus ideas, para poder seguir publicando.
● Elemento simbólico: proyección de imagen de prostituta, símbolo que atraviesa a
Encarna y a Beltrán.
El padre de Vicente está perdiendo la memoria, recorta postales, para salvarlos. Los quiere
sacar del tren. En su demencia, quiere completar algunas verdades: ese queres salvar,
sacarlos del tren. Al principio no sabemos por qué y después con lo de Vicente nos damos
cuenta.
Vicente les daba plata a ellos, los visitaba poco. La madre le demandaba cariño y él solo le
daba plata. Mario es más moral, no corrompe sus ideas, aunque eso suponga está en los
“perdedores”, quedarse en situación de no corromper sus ideales pero estar en pobreza,
pocas expectativas de progreso o plantearse ser feliz.

76
Relación encarna: conflicto de hermanos, vicente no la quiere, mario si.

Madre: pendiente de vicente, de que no se peleen los hermanos, trata de tapar todo, y cada
vez que el padre habla del tema del tren, de lo que paso, la madre desvia la conversación.
➔ Aca esta el acontecimiento de “de eso no se habla”, se tapa como si no ocurriera.
Padre: confunde a encarna con elvirita, tendría mas o menos su edad, los nombres
empiezan con la misma letra. Elvirita primera victima de vicente, encarna la ultima.

Editorial está arriba: los ganadores, representa al capitalismo, al sistema, lo contrario a lo

que representa el sótano, pobres, manejados por los de arriba.

Segunda parte: climax

padre sigue presionando, funciona como juez, escena en la que están los 3, es como un
juicio, en su locura el padre es el más lucido, busca la verdad, intenta provocar la
ANAGNÓRISIS, lo que la madre quiere tapar.
Aca se lleva al año 30, todos querian subir a ese tren, que iba a madrid,
● la version de al familia es que lo empujaban y no podia bajar, y la flia no subir, le
habian recomendado que vaya a lo de la tia.
● La verdad: se aprovechó, se fue intencionalmente, lo empujaban para bajar y el hizo
fuerza para no salir, murio despues su hermana de hambre: PERDIDA QUE MARCO
A LA FLIA. ANAGNÓRISIS: descubrimiento de esta verdad.
● PERIPECIA:

Padre queria salvar a aquellas personas del tren, pero el hijo mayor tenia herramientas para
salvarla, no mata a su hermana pero es responsable de su muerte.
Aparece reconocimiento de Vicente y se reducen espacios: no hay tantos escenarios en
juego y se concentra en el sótano, y se produce la muerte o el castigo final.

OBRA JUEGO DE ANTÍTESIS:

● mario y vicente antitéticos, opuestos.
● El presente y el pasado, recuperar el pasado para iluminar el presente nos lleva a la
tragedia.
● La locura y la lucidez, el loco saca la verdad,
● individuo y sociedad, la familia representa a la sociedad, y vicente el individuo.

Madre post embarazo de encarna y muerte de vicente, decide que se comprometan mario y
encarna que van a tener el hijo, ser felices: OTRA VEZ QUIERE TAPAR LA VERDAD.
Mario acepta, sometido a situación que otra vez va a la desdicha, desesperanza, falta de
decision.

77
El cambio, la anagnórisis, salio a la luz la verdad, se castigó al culpable, pero volvemos a la
soledad, desesperanza.

ESPACIOS: variedad de escenarios

sotano
tragaluz
oficina
cafe y muro: lugar simbolico
proscenio: donde estan experimentadores

PERSONAJES:
● presentan problemas psiquicos, o fisicos: padre y la locura.
● Dentro de este grupo, pensando desde la actitud vital hay personajes ACTIVOS,
como vicente que generalmente ganan el rechazo (no hay buenos y villanos), hay
personajes con actitud vital pero movidos por falta de escrúpulos, valores, y otros
CONTEMPLATIVOS, como mario, no toman decisiones, no hacen proyectos, van
contra el sistema
● son personajes complejos que evolucionan a lo largo de la obra:
BANDOS: republicano; perdedores, mario, sometidos a los nacionalistas. Nacionalistas,
vicente ligado al franquismo, autoritarismo, ejercen poder. Y el resto, encarna y los padres,
los que quedaron en el medio que estuvieron sometidos al enfrentamiento de dos grandes
bandos

UNIDAD DE ACCIÓN SI, tiempo y espacio NO

ANAGNÓRISIS: revelación
PERIPECIA: muerte de Vicente, castigo.
APARTE: rol de los experimentadores
Falsas proyecciones como METATEATRO.

El círculo de tiza caucassiano 1948

Planteo Anti-Aristotélico
- Amplio lo que hace Pirandello

Teatro épico:
AUTOR: Bertoldt Brecht
● Autor Alemán, condicionado por la época en la que escribe

78
 ● Primera mitad del siglo 20
● Primera Guerra Mundial
● tuvo que exiliarse de alemania
● regresa a alemania: alemaia socialista
● Estudiante de Medicina y Filosofía
● es un teatro burgués y realista, propone un teatro con la intencion de modificar al
mundo: utópico, ambicioso, idealista.
● 1920: Berlín. El deutsche Theater

● Renovación del teatro épico

- Propone un teatro que quiere cambiar el mundo
- Salir del teatro con la idea de salir del teatro y querer cambiar la sociedad
- Teatro distanciado

- El teatro deber ser útil, sacar el velo que cubre las cosas. Para ello debe mostrar
las contradicciones, lo que puede ser discutido

- Una escena no deriva de la anterior. Es una estructura de escenas aisladas,

coordinadas para mostrar distintos procesos que influyen en la resolución.

- Propone un MONTAJE. No debe aparecer improvisado

- Aristóteles dice que el carácter es el motor fundamental de la acción. Brecht lo

contradice y menciona que los hombres actúan por necesidades. Los conflictos
no son luchas de carácter sino de NECESIDADES.

- Influencias
- Toma elementos de distintas fuentes
o Política

o Teatro chino: músicos y coros en escena.

▪ Pocos movimientos
▪ Pocas palabras
▪ Sin telones
▪ Sin bastidores
▪ Incorpora música: Incluye la orquestra sobre el escenario
▪ Con la música se acompaña la acción y resalta ciertas escenas

▪ Teatro expresionista: Parte de la idea de distanciar al público

mostrando los recursos teatrales. Romper la mímesis a través de la
puesta en escena.
■ Escenario vario
■ Luz
■ Elementos simbólicos
■ Política socialista (ideología)

CARACTERÍSTICAS TEATRO ÉPICO:

79
Teatro épico (narración, el relato)

- Objetivos:
o Entretener
o Busca dejar una enseñanza.
o Teatro de carácter didáctico, es didáctico, moral
o Esto se ve al utilizar parábolas (historias de carácter simbólico que terminan
con una moraleja)
o Término clave: Efecto V. Efecto de distanciamiento o extrañamiento.
Supone que presentó un problema del cual podemos ser todos parte pero
lo presento de manera distante.
▪ Esto se hace al cambiar la cultura del argumento

▪ Cambiar el argumento a un tiempo indefinido

- Los personajes no representan personas, sino los lados opuestos de un

argumento

- La actuación en el Teatro Épico necesitaba que los actores interpreten a sus

personajes de manera convincente sin tratar de convencer ni a la audiencia ni a
ellos mismos de que eran en realidad los personajes que interpretaban.

- Toma argumentos narrativos y los convierte en recursos teatrales

- Los espectadores tienen que saber en todo momento que están viviendo teatro
- Y mantener una distancia emocional de la acción
- Impide al espectador identificarse instintivamente y confundir el drama con la
realidad. En la medida en que reconozca como histórica una situación, el mundo
parecerá capaz de ser transformado.

- El teatro épico carece de unidad de acción, con una fábula fragmentada,

discontinua, estructurada por un narrador que posee una clave para el análisis de
la sociedad, y cuya reconstrucción debe recomendarse al espectador.

Efectos de distanciamiento: Recursos del teatro épico

Consiste en que la obra se centra en las ideas y decisiones, y no en intentar

sumergir al público en un mundo ilusorio, para así evitar la catarsis. El espectador no
puede alienarse por la emoción. Se pretende eliminar la emoción inhibitoria del
entendimiento.

Para Brecht era necesario un distanciamiento emocional del espectador ante la

obra, ya que el teatro debía "mostrar y explicar ideas de una realidad que

80
considera cambiante", y el público debía reflexionar de una manera crítica y
objetiva.

Distanciamiento es una percepción política de la realidad. Es un proceso que

permite describir los procesos representados como procesos extraños.
Transforma la actitud aprobatoria del espectador -basada en la identificación- en una
actitud crítica

- Renuncia a los conflictos psicológicos

- Montaje de escenas muy entrecortadas entre sí
- Escenografía esencial y simbólica
- Incorporación de songs (canciones que cuentan una historia, sin autor, pegadizas.
Compone sus obras de forma muy parecida), coros (habla con el público) y
músicos
- Utilización de carteles: (técnica de newspaper: informan cosas de la obra).
- Combina actuación y narración. Hay un cantor (meta-teatro: se cuenta una historia
cantada y atrás pasan otras cosas)
- Cambios en didascálias
- Uso de máscaras o maquillaje muy rígido
- Proyecciones (de imágenes en el telón de fondo)
- Lo puesto en escena es inverosímil y exagerado
- Decorados exagerados
- Todo tiene que ser poco creíble
- Los actores se dirigen directamente a la audiencia, en una especie de aparte
llamativo y abierto.
- La exageración y artificiosidad en la locución o movimientos actorales. Más que
actuar, se narra.
- El uso de luz de escena de manera no convencional
- La locución en verso

- Los actores a menudo interpelaban directamente al público sin estar interpretando

su personaje (rompían la cuarta pared) e interpretaban múltiples papeles.

- Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje
independientemente del texto. Ej: Mei Lan Fang interpretó una escena que requería
que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca, y
todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado, aunque el actor
permaneció completamente calmado durante toda la obra.

81
Su teatro propone sutiles contradicciones, profundos análisis, sobre todo sociales,
acompañados en diversas ocasiones de climas de humor y juego.
El teatro de Brecht analiza profundamente y genera análisis más allá de la escena, es decir,
en ese espacio ocupado por el espectador (espacio también teatral al fin y al cabo).
Brecht propone un teatro al que denominará en un primer momento "épico" y que se
confronta al sistema "dramático". Al hablar de teatro épico (en alemán: Episches Theater),

82
Brecht no quería significar un teatro que fuera excitante, "dramático", lleno de tensiones y
conflictos, sino más bien lento, reflexivo, que diera tiempo a la meditación y a la
comparación.
En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro, en particular contra el
drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. A Brecht no le gustaba el
espectáculo vacío, los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama

Teatro centrado en lo político y social:

● se contrapone a las teorías radicales de Antonin Artaud, quien buscaba afectar al
público en un nivel absolutamente irracional.
● También se contrapone al Teatro Aristotélico en el que el espectador debía
identificarse con el personaje (catarsis).
● Su teatro está inspirado en las reformas sociales y la lucha de la clase
trabajadora

El espectador no es un mero consumidor, toma decisiones a favor o en contra de lo que ve,

transformándose en un "espectador productivo", desarrolla un sentido crítico para llegar a
sus propias soluciones.
● Brecht no está de acuerdo con la identificación (esto no significa que sea un rechazo
a la emoción, sólo que esa emoción no distraiga al hombre para llevar a cabo un
compromiso social, un "accionar")

El teatro épico tiene una fuerte intencionalidad política, inscribiéndose en el

llamado "arte popular". Popular porque de un modo comprensible para los
oprimidos, toma sus formas de expresión y las enriquece; toma su punto de
vista, lo afianza y lo corrige; sostiene la parte más progresista del pueblo a fin de
que pueda tomar la dirección de un proceso de cambio.

OBRA: El círculo de tiza Caucasiano

1944 y 1945
Estreno: [Link] 1948
- Berlín: 1954
Critica a los nazis
Se realiza en el Cáucaso, pero después pasa un lugar imaginario

Intertextos:
- Obra de teatro china: El círculo de Li hsing tao”
- Juicio de Salomón el rey: Esta es similar a una anécdota bíblica del juicio del Rey
Salomón. (dividir a un nene en dos para que dos madres lo puedan tener)

83
 - leyenda del círculo de tiza

Estructura dramática
➔ es un “relato enmarcado” pero que en teatro sería un metateatro dentro de
metateatro.
- Prólogo (historia principal): Conflicto entre los dos koljoses. Se disputan la
pertenencia de la tierra. Hay dos aldeas que se disputan esta pertenencia, una se
fue durante la guerra y otra se quedó cultivando; la aldea originaria vuelve a
reclamar las tierras que eran suyas pero la otra no la quiere ceder, porque dicen que
ellos no abandonaron el lugar en malos tiempos; no se dice cual es la solución pero
para llegar a un acuerdo se hace una representación.
- Se ubica al final de la guerra. Se viene a reclamar las tierras que antes tenían antes
de la guerra, las personas establecidas allí no quieren irse
- Las otras dos historias son metáforas de la historia principal:
o Historia 1: Grusche. Tema: la maternidad. Grusche y Natela actúan como si
fuesen las dos aldeas (se disputan por el valle que sería el nene)
▪ Contraste fuerte entre la riqueza del gobernador y la miseria del
pueblo, esto se ve cuando le muestran el hijo al pueblo (exageración
para romper con la mímesis)
▪ Se desata una revolución y el gobernador resulta como víctima.
▪ Natela (madre biológica) plantea escaparse con el hijo (el heredero)
pero se lo olvida (no se olvida de llevarse las joyas)
▪ Grusche: Se queda con el nene aunque no lo quiere. Lo intenta dejar
varias veces. La historia se extiende por aproximadamente siete
años.
● Se rompe unidad de tiempo
▪ Grusche busca asilo y se encuentra con dos mujeres que se apiadan,
pero sus manos delatan que es una criada. (anagnórisis)
● Las manos delatan la verdad del personaje
▪ Duplicación: Sucede lo mismo con la manos de Grusche y el noble

▪ Grusche: La hacen casarse con un hombre moribundo. Al poco

tiempo se acaba la guerra y él mejora visiblemente. Se ve que él
actúa para que no lo manden a la guerra (se cuestiona su moral).
▪ Luego de la guerra: todo vuelve a como era antes

▪ Después vuelve la madre original y su enamorado: Y se corta la

escena para evitar la catarsis

o Historia 2: Azdak. Tema: la justicia (crítica a cómo se ejercía)

▪ Azdak: hombre simple que le da amparo a un campesino. Después
se da cuenta que en realidad es un noble que escapa de la
revolución. (anagnórisis cuando se da cuenta)
▪ Quieren elegir a un juez. Plantean hacer una representación.
(metateatro dentro del metateatro)

84
 ▪ Lo nombran a Azdak como juez que recibe sobornos. Y qué falla en
favor de los pobres.
▪ Fin de la revolución: Se llega a Azdak para que el solucione el
problema de Grusche y Natela. Acá se ve la historia de tiza (que las
dos madres tiren de los brazos del nene)
▪ Duplicación: se realiza el círculo tres veces (como en los relatos
tradicionales) y Grusche suelta la mano tres veces.
▪ Anula el matrimonio de Grusche: Ella queda libre para casarse con
el soldado. Ya que debe tener un final feliz.
▪ Desprender la idea de maternidad con el beneficio económico
▪ Luego de esto vuelve el narrador

- Mensaje de la obra: pertenencia y posesión de la tierra

- Epílogo: Cierre de todas las historias. Moraleja

o Moraleja: Las cosas deben pertenecerles a las personas que más puedan
cuidarlas
▪ Valle: quienes traen un agua para el fruto
▪ Hijo: La madre que mejor lo cuida Grusche

- Tres historias: Una moraleja para las tres

- Las historias de Grusche y de Azdak funcionan con metáforas del conflicto entre los
koljoses
- Entre ellos se llaman camaradas
- Se llega a un acuerdo pero no dicen cual es. Luego muestra una representación
- Se rompe la mimesis al mostrar los recursos. Se menciona el intertexto.
- Narración como recurso dramático: Se sienta un personaje y empieza a contar la
historia

Recursos dramáticos:
- Metateatro
- Disfraz: de Grusche cuando se disfraza de noble y el hombre cuando se disfraza de
campesino. El del Falso moribundo
- Duplicación: de ambos casos de disfraz
- Introducción de un narrador en la escena
- Exageraciones: entran un queso gigante
- Anagnórisis dentro de las historias.
- Peripecia: Decision de Azadak

Las manos sucias: Jb Sartre. 1948

Obra política: 3 fuerzas políticas diferentes se ponen de acuerdo.

85
Los justos y las manos sucias representan ideas del existencialismo y están vinculados
con el comunismo, ideas de izquierda y van a debatir de un mismo hecho enfrentados
tomando posturas políticas [Link] vez de mandarse cartas en contra, escribieron
sus respectivas obras como críticas al otro.

Autor: Jb Sartre
● Filósofo francés, existencialismo
● profesor en la sorbona, activista político.
● Estuvo en el mayo francés.
● OBRA AÑO 1947 POST 2GM.
● Hay aspectos de carácter filosófico: escribe esta obra desde una postura filosófica.

Existencialismo: Corriente filosófica siglo XIX - XX . Existe una rama cristiana y atea, el
autor es rama atea.
● Como la existencia precede de la esencia, le corresponde al hombre justificar
su existencia y dar sentido a su vida: critica al personaje de hugo en su obra, le
dan una misión y duda de como llevarlo adelante, está justo en este debate, ver si
encuentra sentido, viene de existencia cómoda, familia rica, empieza a militar en
partido comunista.
● El hombre es libre y responsable de sus actos: esto se ve en el centro de la obra,
evaluar si Hugo puede ser “rescatable” o si hay que deshacerse de él. Sus
decisiones fueron de forma libre y responsable y eso tiene consecuencia.
● Ese existencialismo ateo será interpretado por sartre como un humanismo
● Esta libertad radica en la acción. Por eso la acción de Hugo tiene consecuencia:
la cárcel, y al principio de la obra nos lleva a porque llegó a la cárcel.

Pensamiento Sartre
“no somos libres de dejar de ser libres”.
“fin justifica los medios”

“La existencia precede a la esencia”

“La elección es, por lo tanto, fundamental en la existencia humana y es ineludible;

incluso la negativa a elegir implica ya una elección”

Según Sartre, el existencialismo tiene como base dos cuestiones fundamentales:

● El "yo pienso" cartesiano, es decir, el momento en que el hombre se capta en su
soledad.
● El principio derivado de la subjetividad cartesiana que consiste en que "la
existencia precede a la esencia".
"La existencia precede a la esencia" es el principio que tienen en común todas las formas
de existencialismo. Descarta de plano la preexistencia de una naturaleza o esencia

86
humana que pueda determinar de cualquier manera al hombre. Se descree la idea de
algún Dios creador, demiurgo o artesano que haya creado al hombre y, por tanto, una
naturaleza o esencia humana. En palabras de Sartre, un Dios que cuando crea sabe con
precisión lo que crea.
El existencialismo parte, por lo tanto, de la subjetividad del hombre que se piensa y
adquiere conciencia de sí mismo, y, como tal, es un hombre que empieza por ser nada y
se hace en su existencia
El hombre es lo que él elige hacer de sí, lo que hace en su proyecto de vida.
El hombre "está abandonado: no encuentra ni en sí ni fuera de sí a qué aferrarse". Es decir,
debe interpretar por sí mismo todos los signos y decidir hacia dónde encaminar su
proyecto de vida: Sartre nos da el ejemplo de Abraham en la Biblia. Abraham escucha una
voz, pero es Abraham mismo quien decide si la voz que escucha corresponde a un ángel.

El hombre debe asumir la responsabilidad de su propia conciencia, escoger sus valores y

tomar sus propias decisiones. El existencialismo busca:
● “(...) poner a todo hombre en posesión de lo que es, y asentar sobre él la
responsabilidad total de su existencia” (Sartre).
● Sartre invita a tomar decisiones ejemplares: elijo qué tipo de persona quiero ser,
y, al hacerlo, debo elegir de manera responsable respecto al resto de la humanidad.
● Sartre invita a preguntarnos ¿qué pasaría si todos hicieran lo mismo que yo?

Enseñanzas prácticas del existencialismo de Sartre

● Se puede elegir luchar contra los poderes establecidos, salir de la propia
condición, romper la tradición, y tomar "tentativas no basadas en la experiencia".
● Soy yo mismo quien decide cómo interpretar los signos del mundo y cuál es su
sentido.
● Debo considerar mis posibilidades, sólo si están dentro de mi campo de
acción: si me permiten tomar alguna acción y por lo tanto el rumbo de mi destino.
De lo contrario, debo desinteresarme porque no puedo pretender que el mundo se
adapte a mi voluntad.
● El hombre es la realidad de las acciones realizadas en su proyecto de vida. No
sus sueños, esperanzas, afectos, contradicciones. En realidad debe ser juzgado en
concordancia con las acciones tomadas en su vida.

DIFERENCIAS AUTORES.
Sartre pensaba que el fin justifica los medios, mientras que el autor de los justos, Camus
no está de acuerdo, hay límites, no hay que llegar a ese extremo tienen una diferencia de
posturas que los lleva a enfrentarse.

OBRA:

87
ESTRENO: estreno 1948
➔ referencia a otro artista contemporáneo, Jean Cocteau, director de la obra. Ellos
habían sacado a genet de la cárcel.
➔ Misma época, círculo intelectual de otros autores: Genet y Beckett.

OBJETIVO: intentar una defensa del PC y de su dirigencia, objetivo defender el

comunismo y su postura, y como defensa Camus crea “los justos”
CONTEXTO: el pc era cuestionado por su obediencia de la cúpula de la urss.
Política de acuerdos de la URSS, a fines de 2gm con el fascismo y el imperialismo

INTERPRETACIÓN: crítica al stalinismo

Sastre no estuvo de acuerdo con las críticas y sometió a las representaciones a la
aprobación del PC para su estreno en cada país.
DEBATE: ¿el fin justifica los medios?La responsabilidad individual. Se ve cuando
HOEDERER dice que tenía las manos sucias

PLANTEOS OBRA:
● Planteo del dilema entre las potenciales alianzas entre fuerzas antagónicas:
partidos opuestos se alían para llegar al poder
○ HOEDERER PLANTEA ESTO Y POR ESO EL PARTIDO QUIERE
MATARLO, lo paradójico y absurdo es que cuando arranca la obra sabemos
que el partido está por tomar la misma decisión por la que llevaron a la
muerte a HOEDERER y dos años después consideran que es una política
correcta.
○ Lo que plantea la obra sigue teniendo vigencia, estamos en sistema de
gobierno que se debate entre dos fuerzas opositoras que también son
alianzas para llegar al poder.

● Debate entre el ser y el deber ser: en Hugo, sigue siendo un joven idealista,
político idealista, por eso cuesta llevar a la práctica, lo contrario a lo que plantea
HOEDERER, el verdadero protagonista según el autor.
● Reclamo de luchar por los ideales que se defienden.
● Pragmatismo propio de la política: Ensuciarse las manos y retorcer cualquier ideal
en función de la obtención de los logros que se perciben

ILIRIA: no existe, país inventado, pero podríamos pensar en una nación que ficticiamente
integra la unión de las políticas soviéticas. Aliado del Tercer Reich y sujeto a la ocupación
militar alemana. Podría ser una región de la antigua Yugoslavia.
● GOBIERNO: En manos de conservadores aliados de alemania nazi
● PROLETARIOS: Partido integrado por comunistas y aliado a los soviéticos:
REVOLUCIÓN.

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 ● NACIONALIDAD: burgueses contrario a los dos bandos
● TIEMPO: plena 2da gm. Pero estructura teatral semejante a Hipatia
● AUTOR: Representa los problemas de una cierta juventud que a pesar de
sentir una indignación verdaderamente comunista, no llega a unirse al Partido.

ESTRUCTURA:
1 ACTO Y 7 ACTO EN AÑO 1945.
En el medio hay 5 actos (estructura tradicional de la tragedia), que ocurren dos años antes.
● 2 acto: plan
● 3 acto: desarrollo
● 4 acto: bomba
● 5 acto: desarrollo
● 6 acto: crimen

Comienzo: ACTO 1945

● Hugo llega a la casa del partido, se encuentra con Olga y le pide que la proteja,
sabía que lo querían matar, sigue siendo una expresión de la misma contradicción,
accionar y convertirse en asesino no tenía sentido, el partido cuestiona su presencia.
● Otros militantes le cuestionan a olga si hugo es “recuperable” sino se iban a
deshacer de él, olga tenía la decisión. Hay como un intermedio salto temporal dos
años atrás donde se repasan los hechos que a hugo lo hizo matar a Hoederer
○ esto funciona como metateatro porque los vemos actuar, en la puesta, el
hugo del primero observa actuar a otro hugo que interpreta al de dos
años atrás
ACTO 7
● dice que no es recuperable, le da un arma a hugo para que se proteja, el dice que
quiere seguir siendo el mismo nombre que tenía antes de ir a la cárcel;
RASKOLNIKOF.
● Esta decisión de hugo implica que no ha cambiado demasiado, no hay un cambio
sustancial en este, por eso la rta de olga es que no va a ser recuperable y le da un
arma para que se proteja.
● FINAL A LIBRE INTERPRETACIÓN, no vemos que lo matan pero suponemos.
● OLGA se da cuenta que no lo mató por ideas sino por CELOS, fue un crimen
pasional. Y por eso no lo considera recuperable.

ACTO 2: 1943 Plan

REPRESENTACIÓN DENTRO DE REPRESENTACIÓN:
Puesta en abismo, si no haces las cosas como corresponde nosotros sí podemos, y tenes
que ser consciente que se puede ir la vida, esto le dice Olga para que pueda decodificar lo
que le va a pasar.

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Plan: hacerse pasar por secretario e infiltrarse en donde esta hoederer, tener cercanía,
cotidiana, saber planes y MATARLOS, xq va en contra de los interés del partido. Antes que
esto suceda Hugo es testigo de un acontecimiento, un militante se despide porque va a
colocar una BOMBA, esta bomba puede significar su muerte, puede terminar con su propia
vida. Se deja en evidencia que los militantes tienen que estar dispuestos a morir, por el
partido. El ve irse al militante y se escucha la bomba, se decodifican que el atentado fue
realizado y no sabemos qué pasó con el militante, suponemos que ha muerto. Este
elemento funciona como PUESTA EN ABISMO por el acto 4.
➔ En el acto 4 también hay otra bomba: puesta por Olga. Es un aviso, si no hay muerto
es porque no quisimos pero se demuestra que pueden matar a hoederer y a hugo si
no cumple.

ACTO 3: 1943 Desarrollo

Jessica no está a favor del conflicto, no se querían mucho, después se acerca, tiene un
coqueteo con Hugo y eso es el detonante de todo. Se puede comparar con Olga, porque
son dos caras contrarias, una participa del atentado, otra no, Jessica estaba “jugando”,
por la forma de actuar, manifestar sus ideas.

A medida que avanzamos al acto 3 y 4 vemos como aumenta el contacto con Hoederer y
como este va influyendo en el pensamiento. hoederer, era el político pragmático, es
capaz de ensuciarse las manos, era líder,y ese ensuciarse las manos está presente en la
alianza con las otras, hugo lo contrario, era publicista, escribió para la revista del partido, la
orden era que lo mate antes de la alianza, también estaba presionado por Jessica.
Hoederer se encuentra con Karsky y el príncipe:
- Representa el Pentágono: El príncipe y su padre son los que le declaran la
guerra a URSS (no son alemanes pero se ponen del lado vencedor) pero
supuestamente ya no quieren proseguir con la guerra.
- Karsky en un punto no compartía la opinión del príncipe en cuanto a la
política exterior y había creado un partido clandestino de resistencia.
- De todas maneras los dos se unen para crear la paz de mañana realizando la
“Unión Nacional”. Es por esto que le sugieren al partido proletario unirse
al Comité Nacional Clandestino (donde solo le ofrecen tener dos votos
sobre doce)
- Quieren que se una un dictador fascista, el partido conservador y el
partido comunista

ACTO 4, CLIMAX: Bomba

Se coloca una bomba que produce un giro en la obra, está la coloca Olga, es una aviso
para Hugo.

ACTO 5

90
Vemos cambios en Hugo, parece un personaje que ha caído, ha hecho un descenso, ya no
es más el joven del comienzo.
Se enfrentan ideas de jessica y hugo, y hoederer también convenció a jessica, hugo
representa ese tironeo entre lo que el partido espera de él y lo que es, entre el ser y el
deber ser.
Contrapunto Olga y Jessica en el acto 5 (leer).

ACTO 6:
CRIMEN, jessica no sabemos si se ve seducida o si era a propósito para que hugo lo mate.
Jesica le dice que que pasaria si se uniria, intenta seducirlo.
Después toca la puerta Hugo y Jessica se esconde.
Entra Hugo y con Hoederer hay una cierta manipulación: se plantea la idea del valor de
ensuciarse las manos, de tener un compromiso activo. Hoederer juega a ponerse de
espaldas, le dice que no puede matarlo mirándolo a los ojos.
Hugo se va, vuelve y esta jessica y hoederer besándose, y asi lo mata.

INTERTEXTO: obra rusa “crimen y castigo” de fiódor Dostoyevski

● Al final Hugo dice que quiere el nombre que había sostenido antes Raskolnikof,
evidencia la intertextualidad de la obra
○ Raskolnikof es personaje de obra rusa “crimen y castigo” de fiódor
Dostoyevski, nos situamos en la novela de transición entre romanticismo y
realismo,
○ El titulo de la novela refiere más bien al crimen que comete el y a su castigo
interno y personal, un castigo psicológico que nace de su lucha interna
○

● Personaje Intertexto:
○ Era pobre
○ Llega para estudiar derecho
○ Contrario a hugo
○ Se alquila pensión
○ Se ve caract romanticismo, soledad, habitación aislada, etc,,
○ Llega un momento que su situación económica no le permite seguir, y mata a
mujer que hacía la USURA (era prestamista muy rica), la mata excusándose
que si la mata y roba la fortuna podrá estudiar y después va a defender a los
pobres como abogado: esto es la justificación para convertirse en asesino.
○ Cuando mata a la mujer también tiene que matar a la hermana, porque llegó
cuando estaba por terminar el crimen.
○ El estaba enamorado de una prostituta que lo acompaña cuando el juez
descubre quien es el verdadero asesino

91
 ○ También escribía para un periódico, sostiene ideas extremas incluso de
cometer delitos lo que hace que el juez desconfíe, y le sugiere entregarse
para terminar la pena. En esa prisión en ese exilio, lo acompaña la joven que
estaba enamorado.

PUNTOS DE CONTACTO: con Hugo, situaciones extremas, periodico.

Este personaje eligió Hugo y después tiene que resolver la situación y elige el mismo
nombre, personaje, por eso también es IRRECUPERABLE, sigue siendo y pensando igual.

RELACIÓN: Llegar a situaciones extremas para salvarse. Hugo dice que él sigue siendo
ese mismo joven.

RECURSOS:
● Metateatro: al principio
● 3 unidades:
○ unidad de acción, si compromiso político y forma de ejercer política que
lleva a decisiones extremas
○ unidad de tiempo: no, alterada, pero aun dentro de los actos centrales del 2
al 6 también pasa al tiempo
○ unidad de lugar: no hay, 1 y 7 ocurren en la casa, y los 6 actos del
metateatro tienen distintos cuadros, cambia ubicación escenográfica de las
escenas.

CITA QUE HACE SOBRE SUS PERSONAJES EL AUTOR:

“quise que un cierto número de jóvenes de origen burgués que han sido mis alumnos..
pudieran encontrar algo de ellos en las dudas de Hugo”
● Con Hugo no está de acuerdo, no llega a unirse al partido comunista por culpa de la
cultura liberal. ESTABA DE ACUERDO CON HOEDERER.

“Los justos” Albert Camus 1949

Es la respuesta de Camus a la anterior obra. La escribe para criticar el pensamiento de
Sartre.
“Existen personajes más grandes, auténticos y de corazón más hermoso que otras. y
forman a través del mundo una sociedad invisible muchas veces que justifica el vivir de
todos”
Tiene relación con el protagonista de esta obra, hay personajes con apodos también.

92
PERSONAJES y PENSAMIENTO DE AUTORES:
Kaliayev: ideas de camus
Stepan: ideas de sartre.
EXISTENCIALISMO:
● “En otras palabras, el ser humano existe desde que es capaz de generar cualquier
tipo de pensamiento. Esta misma libertad convierte al individuo en un ser
responsable de sus actos.”.
○ Idea similar a la que representaba Sartre en hugo
○ Sartre a hugo lo cuestiona y camus lo sostiene, el personaje heroico es
KALIAYEV, que contrasta con Stepan.
● “la única manera de lidiar con un mundo sin libertad es llegar a ser tan
absolutamente libre que su existencia misma es un acto de rebelión”.
○ Esto es lo que sostiene y defiende Kaliayev

Autor: Camus
● Nació en una colonia francesa.
● Novelista ensayista dramaturgo filósofo
● Recibe premio nobel que sartre había rechazado
● Dirige periodico clandestino que escribe cartas en contra de sastre
● Adhiere ideas existencialistas
● Toma estética que le conviene según lo que quiere comunicar
● Novelas: algunas pertenecen al absurdo, esta es todo lo contrario.
Representante de la literatura del absurdo, vinculada con el existencialismo

Lo absurdo:
Primero que todo la absurdidad es algo que carece de sentido, por lo tanto necesitamos
tener una razón de permanencia en el mundo. Si nuestra vida es siempre igual , una
cotidianidad, se repite siempre lo mismo, nuestro existir no vale la pena, pues no tendremos
metas, no pensaremos en nuestro futuro, sólo sería un pensar en el momento. Carecía de
sentido porque no pensaban más que en la muerte.

Existencialismo:
Centran su interés en problemas específicamente humanos, dejando de lado la ciencia,
debido a la época que tenía una perspectiva desesperanzadora, sentían con particular
agudeza problemas como la soledad, el abandono, la muerte, la incertidumbre, querían
encontrar un sistema nacional, un nuevo amanecer después de la primera y segunda guerra
mundial.

● si el autor los presenta como justos debe estar de acuerdo con ellos
● acontecimiento de rusia 1905, en el contexto de Francia

DRAMA HISTÓRICO:
hipatia, los justos si

tragaluz y manos sucias NO. (estan contextualizados)

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Características generales: el autor que lo teoriza es el mismo que el tragaluz (Buero
Vallejo)
CONCEPTO:
● Basado en acontecimiento histórico
● Subgénero teatral surgido en el siglo de oro español y desarrollado durante el
romanticismo del siglo 19, paralelo a la novela histórica y la leyenda en prosa o
verso
● Refleja hechos del pasado y recrea mitos fundamentales de la nación
● Habitualmente los sucesos dramatizados son variantes de los conflictos entre
monarquía, nobleza y pueblo. ,NO HAY DESTINO DE DIOSES. Conflictos de
orden social
● El hecho del pasado representado puede servir para tratar asuntos actuales y
contemporáneos
● Es un teatro referencial o de información: cargados de información histórica
● Presenta cierta ilusión de objetividad aunque puede ficcionalizar los
acontecimientos.

Características
● El acercamiento a temas históricos se hacía con la intención de transformarlos en
recreación dramática
● Se combina con anacronismos, falseamientos de algunos acontecimientos, falta
de verosimilitud.
● Mitificación de algunos personajes y hechos: se muestran como “admirables”.
● Pueden existir relaciones entre la composición de la obra y el momento histórico
● Presenta visiones contrastadas: ej en los justos stepan y kalyevev
● Admite personajes de condición más llana, descender a pormenores más leves,
se acerca más a la vida común y expone características que se enfrenta al poder:
se busca enfrentar al poder de turno.
● Me lleva a un acontecimiento anterior para hablar del presente: quiero que sea
creíble pero que esas referencias históricas me saquen las expectativas de como va
a terminar.: ilumina el presente desde un hecho pasado
● Tiene función didáctica
● Carácter anti catártico: no hay sorpresa, se como va a terminar porque es un
hecho histórico, pero el autor me va a mostrar otra cosa
● Analeptico: separacion de dos tiempos, el tiempo del objeto representado y el
tiempo de la representación propiamente dicha
Elección y la selección de la materia histórica:
● Nada de lo que plantea es inocente: hay recorte y lectura de ese pasado: eleccion
y seleccion de la materia histórica
● Teatro atravesado por ideología política, no es inocente
● Los personajes encarnan fuerzas históricas, situaciones
● Esas fuerzas remiten a un doble referente:
○ Sentido interpretado literalmente: me puedo quedar con un sentido
interpretativo literalmente
○ Sentido interpretado simbólicamente: puedo entrar y ver que me está
diciendo simbólicamente el autor.

94
La Insignia de Buero Vallejo - Acerca del Drama histórico
- El teatro histórico debe ir por por delante de la historia más o menos establecida,
abrir nuevas vías de comprensión de la misma e inducir interpretaciones
históricas más exactas.
- De todas maneras, el autor no tiene por qué ceñirse a total fidelidad cronológica,
espacial o biográfica respecto de los hechos comprobados.
- Un drama histórico es una obra de invención
- Escribir teatro histórico es reinventar la historia sin destruirla
- Para una buena construcción del drama histórico el autor debe tener:
- El conocimiento profundo de lo realmente sucedido y de sus causas,
tanto sociales como psicológicas
- La intuición de la "intrahistoria" posible que los hechos documentados no
pueden dar
- El teatro histórico es valioso en la medida en que ilumina el tiempo presente, y
no ya como simple recurso que se apoye en el ayer para hablar del ahora. Este
ilumina nuestro presente cuando nos hace entender y sentir mejor la relación viva
existente entre lo que sucedió y lo que nos sucede.
- Toda interpretación histórica es problemática, y en mayor medida de lo
presumible, enigmática. Hacerse cuestión de ese problema y ese enigma; poner
entre sutiles paréntesis dentro de la obra algo de lo que ella misma asevera es,
probablemente, el último y más fecundo secreto de la creación bien entendida. Todo
arte es multisignificativo.

CONTEXTO:
Revolución de 1905, extrema situación de pobreza después de la guerra contra Japón.
Causa:
● Derrota del imperio ruso en la guerra contra el Japón
● Creciente masa de obreros en las ciudades
● Malestar social por la pobreza
● Miseria terrible postguerra.
● Zarismo: régimen monárquico, como un emperador.
● Deseo de la burguesía de establecer régimen liberal
Hechos:
● 22/1/1905 en San Petersburgo se realiza una manifestación pacífica de obreros
dirigida por un sacerdote, para un cambio: se pedían mejoras laborales y cambios
políticos (como una asamblea constituyente), hubo represión, intervención del
ejército, decenas de muertos y centenares de heridos. Aunque con esto no terminan
de calmar el clima de queja.
● En octubre estalló una huelga general revolucionaria, se creaba el primer consejo
de obreros.
● Revueltas en el campo
● Disturbios continuaron a lo largo de todo el año.

95
 ● 4/2/1905 bomba contra el gran duque sergio, tío del zar, y gobernador de moscú,
terroristas del partido socialista revolucionario (aca estan protagonistas de
nuestra obra) pedido de la gran duquesa para perdonar la vida del asesino. Con
esto no termina el zarismo, este atentado está previsto en función de una salida
anunciada del gobernador de Moscú “el gran duque”, hasta el teatro. Hay un
intento fallido primero.
● Su asesino fue un socialista revolucionario llamado Kaliayev.
● HORCA: 23/05/1905, el asesino quiere ser muerto. La gran duquesa le pidió al
emperador NICOLÁS II que perdonara su vida.

Los justos, a pesar de inspirarse en un hecho histórico, tiene como objetivo plantear un
debate moral sobre la legitimidad de matar a un tirano en nombre de la
justicia.

Características reflejadas en la obra: todos los personajes existieron.

● Más allá que yo pueda buscar información en la historia, saber el hecho histórico, el
personaje protagonista kaliayev escribió un diario, y aca estan sus poesías,
todo lo que vemos en la obra sale de su diario, y este llega a manos de camus y
escribe la obra a partir del DIARIO. (diario podría ser un intertexto)

ATAQUE DEL GRUPO REVOLUCIONARIO: dos bandos

▪ El Gran Duque Sergio (gobernador frontal de Moscú), representa despotismo,
tiranía, autoritarismo
▪ Partido revolucionista realiza el atentado, saben que no destruirán el régimen pero
que ganaran el favor del pueblo.

ESTRUCTURA
● Acto I (introducción)
Aquí Kaliayev es designado para lanzar la bomba sobre el gran duque Serguéi (que en la
vida real era Serguéi Románov). En la escena aparece uno de los personajes más
importantes que es Stepán. Stepán ha pasado tres años en la cárcel y acaba de salir con
ganas de revancha y de liberar a su país (Rusia) de la tiranía. En esta escena se da la
primera gran discusión entre Stepán y Kaliáyev, atacando el primero al segundo bajo el
argumento de que la revolución no se hizo para los débiles.

● Acto II (incresendo)
Cuando está todo preparado para el lanzamiento de la bomba, regresa Kaliáyev quien sería
el primero en lanzarla después sería Voinov en caso de fallar, pero el primero no la lanza y
el segundo llega apresurado donde Boria que es el jefe. Kaliáyev explica que al intentar
lanzarla vio cómo había unos niños al lado del Duque, y que no fue capaz porque los niños
no tenían la culpa. Empieza la segunda discusión entre Stepán y Kaliáyev, ya que Stepán
dice que no importan los niños, y que por no haber matado a los dos niños, morirán muchos
más “mañana en Rusia”. Kaliáyev explica a Dora (quien al parecer está enamorada de él)
que la revolución no se hizo para matar niños.

● Acto III (climax)

Kaliayev, después de pedir disculpas por no haber sido capaz de lanzar la bomba, le pide a
Boria que le dé una nueva oportunidad. A partir del día que se dejó de lanzar la bomba

96
 tendrían que esperar dos días más, hasta que el duque volviera al teatro. Stepán se queja
de la pérdida de tiempo y quiere ser él, el que lance la bomba. Cuando la noche llega de
nuevo, Voinov dice que no puede lanzar la segunda y que quiere unirse al comité de
propaganda del partido revolucionario, por lo tanto abandona sus pretensiones de ser el
segundo en lanzarla. A esto Boria respondió que él quiere ser el segundo, ya que se siente
mal de solo “mandar y no ayudar”.

● Acto IV (decrescendo)
Justo después de lanzar la bomba, Kaliayev es detenido y llevado a prisión. Él, finalmente,
cumple su objetivo. Skurátov había amenazado a Kaliayev con publicar una falsa redención
si no accedía a sus peticiones, pero Kailáyev se niega y argumenta que sus amigos jamás
creerían semejante cosa. Finalmente se publica y Kaliayev es condenado a muerte.

● Acto V (desenlace)
Llega la noche de la ejecución. Foka quien es el verdugo y gran amigo de Voinov había
hablado con Kaliáyev la noche anterior en la cárcel, ya que Foka estaba limpiando su celda.
Kaliáyev es ejecutado. Stepán va a ver la ejecución y cuando llega donde Boria y Dora, les
comenta que Kaliáyev no pidió perdón y que él (Stepán) sentía gran envidia por Kaliáyev al
morir como mártir y con sus ideales fuertes.

5 actos
epígrafe de romeo y Julieta (paratexto)
la obra se presenta en 1949 (4 años post 2GM)
destruir la tiranía
lo que ocurre en meses en la obra ocurre en días

Contrastes
amor/odio Muerte:
bomba ● homicidio
● suicidio
● deicidio
PERSONAJES:
dora dulebov – fábrica de bombas
yanek kaliayev
stepan fedorov – reemplazo (fue torturado)
boria annenkov – jefe
voinov
foka
duquesa (religiosa)
skuratov
carcelero

Recursos Dramáticos
Anagnórisis
Peripecia (decisión de dora)
No respeta unidad de lugar ni de tiempo
Unidad de acción

Camus y los justos Eva:

Frente a Sartre, sin embargo, se fue alzando poco a poco la figura de Albert Camus, otra versión del
compromiso que, a diferencia del autor de La náusea, tuvo la habilidad exactamente opuesta: la de

97
escoger el lado acertado en cada una de las controversias del siglo XX. Durante los años de
oposición al nazismo, Camus se comprometió con el periódico clandestino Combat, del que llegaría a ser
el principal editorialista. Advertida la deriva criminal del estalinismo, Camus fue uno de los primeros
intelectuales de izquierda en distanciarse y criticarla, rompiendo la disciplina impuesta por el sectarismo
alentado entre otros por Sartre.
Camus no se burlaba de los grandes ideales, sino que rechazaba que se sacrificaron a ellos seres de
carne y hueso.
En cada uno de sus nuevos escritos, tanto filosóficos como literarios, Camus iba asentando la convicción
de que la vida humana está por encima de cualquier proyecto político, y de que la indagación
intelectual no consiste muchas veces más que en identificar y desactivar los discursos con los que se trata
de sortear ese inexorable orden de valores.
Sacrificar la vida por una idea, ¿es legítimo? Y, sobre todo, ¿es legítimo sacrificar la vida de otros?
Incluidas dentro de una reflexión unitaria, o tratadas como elementos aislados, estas preguntas serán el
eje en torno al que discurre la práctica totalidad de la obra de Camus.

Es lo que sucede con “Los justos'', una pieza teatral estrenada en diciembre de 1949 en el teatro Hébertot.
● En el principal papel femenino, el de Dora Doulebov.
● Considerada durante mucho tiempo como una obra menor en el conjunto de la producción literaria
de Camus, se le criticaba su excesivo conceptualismo, su envarada fidelidad a la exposición de una
tesis, al igual que sucedería con Estado de sitio.
● Camus reproduce en Los justos un episodio verídico en la Rusia zarista de 1905, en la que un
grupo de socialistas revolucionarios llevan a cabo un atentado contra el tío del zar, el conde Sergei,
creyendo contribuir con ello a la derrota de la tiranía.
● Los actos reproducen las jornadas previas al asesinato y las reacciones del comando una vez
alcanzado su objetivo. Desde los primeros parlamentos
● Camus va trazando dos perfiles distintos entre quienes se muestran partidarios del asesinato.
1: El de quienes actúan como reacción a su propia experiencia personal –detención y tortura
en las cárceles zaristas, muerte de correligionarios, represión brutal e indiscriminada
2: Quienes lo hacen con el propósito de liberar al pueblo ruso de la tiranía, de franquear el
paso a una vida mejor a través de un crimen. La frontera entre ambos queda establecida cuando,
antes del primer intento de arrojar la bomba contra el conde, los terroristas hablan de la proximidad
física de la víctima, incluso de su mirada, como uno de los principales obstáculos para perpetrar el
crimen.

● Camus pone en escena uno de los episodios más famosos de la obra: la renuncia de los
terroristas a asesinar al conde por el hecho de ir acompañado por unos niños, que podrían
resultar muertos.
● Stepan, el revolucionario por venganza, no aprueba la decisión de Kaliayev, el revolucionario
por amor al pueblo ruso.
○ Para Stephan: el programa político de la revolución está por encima de los
sufrimientos que provoca.
○ Para Kaliayev: la revolución acabará despertando el odio si no se respeta la vida de
los inocentes. Este rumbo del razonamiento se prolongará después de la muerte del conde
Sergei y Kaliayev sea detenido.
● El bucle de Los justos se cierra tal vez en esta escena, cuando Kaliayev pretende convencer a la
condesa de que su acción contribuiría a que Rusia se sacudiese la tiranía mientras que la condesa,
por su parte, le responde que es al hombre, al marido, al padre, a quien han dado muerte. Si los
revolucionarios pudieran verlo así, reclamarían el perdón. Pero si reclamasen el perdón, replica
Kalaiyev, dejarían de percibirse a sí mismos como revolucionarios y pasarían a engrosar las filas de
98
 los simples y vulgares asesinos. Por esta razón el verdadero revolucionario está condenado al
sacrificio, a la inmolación, y no pretenderá ahorrar su vida con ninguna excusa. Ni siquiera con la
de la revolución, según defendía Stepan.
Frente a una idea del compromiso asociada a Jean Paul Sartre y sus innumerables miserias y
arbitrariedades, cabría reivindicar la que representa Camus. Y obras como Los justos demuestran hasta
qué punto las preocupaciones actuales se corresponden con las preocupaciones de siempre, entre ellas
las de saber qué deben de experimentar y qué tipo de razonamiento deben de hacer quienes, hoy
como ayer, deciden dar la vida por una causa atroz y fantasmal

Por qué la historia en el teatro - Eva

- La historia en el teatro se utiliza para hablar del y para el presente
- Autor establece una serie de relaciones entre los dos momentos —pasado y presente— por
medio de las relaciones «polisémicas» y «polisemánticas» que configuran esos hechos tanto
en el sistema histórico del pasado como en el del presente
- Se convierte en todo lo contrario al compromiso y pasa a ser una vía de escape, teatro escapista
en el que no se continúan viendo los problemas de la sociedad contemporánea ni las
contradicciones del presente.
- La posibilidad de hacer esta revisión, proviene de que el teatro histórico es ante todo literatura y,
por lo tanto, juega con mucha libertad para contradecir los acontecimientos que transmite la
visión oficial e incluso para hablar de aquello que la historia no toca. Así, los escritores pueden
hablar de colectivos marginales —por su sexo, su raza, etc.— que no aparecían nunca antes en
los documentos
- Sirve como discurso portador de ideas, ayudando a construir y a recuperar personajes o mitos de
la historia que sirvan para reforzar el ideario y la identidad colectivos.

“TRAGALUZ” Buero Vallejo.

CONTEXTO HISTÓRICO:
Post guerra civil, dictadura de franco que dura hasta el 75
Teatro posterior a la guerra civil: de la guerra 40 a los 80.
Al finalizar la guerra habían muerto valle inclán y garcía lorca, y casona que se había
exiliado.
● Vallen inclán: modernismo fines del siglo 19, comienzos del 20, crisis. Antesala de la
guerra civil
● Lorca: generación del 27, fue víctima de la guerra civil, lo fusilan, es poeta y autor
teatral, renovó el teatro
● Casona: realista pero sentimental, quería evadir conflicto político.

DIFICULTADES: Los temas se centran en mostrar problemas sociales concretos.

LA VIDA BUERO VALLEJO:

● nació en guadalajara el 29 de septiembre de 1916
99
 ● le gustaba la lectura música teatro y pintura
● se traslada a madrid x estudiar bellas artes
● se involucra políticamente en izquierda
● va a prisión, sentencia a muerte pero logra sobrevivir y salir libre.
● se interesó por la guerra civil
● en prisión sigue pintando pero cuando sale se dedica a la literatura
● Fue incorporado a la academia española y ganó el premio Cervantes, de los pocos
dramaturgos que lo ganó
escribio obras com mucho simbolismo
Temas:
● Frustración, alienación: familia.
● La lucha por la verdad y la libertad: padre en nuestra obra.
● La injusticia social
● Persecucion politica, tortura
● La historia y el arte: puntos de partida.
Obras de efectos de inmersión: en la ardiente oscuridad, el sueño de la razón, el tragaluz,
la llegada de los dioses.
TRABAJA CON EFECTOS SONOROS, en nuestra obra, el sonido del tren por ej. Estos
nos transportan a una representación particular dentro de la obra, nos remite directamente
al sentimiento o pensamiento de los personajes.
En la obra cada vez que aparece el ruido del tren Vicente se pone loco, y el padre, recuerda
el momento de la muerte de su hija menor y la huida de Vicente. A medida que avanza la
obra; se hace cada vez más fuerte el ruido del tren y dura más. (esto lo vemos gracias a
las acotaciones). El ruido domina el sentimiento que tiene el padre ENCONTRAR LA
VERDAD, y castigar al culpable, es tan fuerte el sentimiento que el ruido va tapando la
situación que observamos: ES MÁS FUERTE EL RECUERDO.

OBRA AÑO 1967: PLENA DICTADURA DE FRANCO, POSTGUERRA CIVIL.

Tragaluz: el tragaluz está en la cuarta pared, (esta arriba) nosotros vemos lo que se
proyecta a través del tragaluz en la pared del fondo, solo se ve partes de abajo de las
personas, se ven sombras un tanto distorsionadas.
- Se ve un recorte del afuera, una mirada parcial del afuera. Ellos estaban en el
sótano.
- La familia estaba en situación de pobreza, de aislamiento.

ALEGORÍA DE LA CAVERNA: INTERTEXTO

- Por las sombras que ellos veían, el sótano: la caverna. El único que salió es
Vicente: sería como en el mito que salió.
- Mario elige volver a la caverna. Su percepción de la realidad no es
necesariamente lo verdadero.

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Tragaluz: evidencia que están en ese sótano y tiene un valor simbólico: representa la
marginación de los “perdedores” de la guerra civil (familia), vicente pudo subir al tren
y salir de la caverna (vencedor)
Espacio escénico, construcción abierta y escenario múltiple
Alcance simbólico: la oficina ámbito de sistema. El sótano ámbito de las víctimas
Efectos sonoros: ruido del tren, efectos de inmersión, entramos en las obsesiones de los
personajes.
El lenguaje: sencillez, pulcritud, sobriedad. Siempre al servicio de la más plena
comunicación con el espectador.

EL Y ELLA: no se sabe cuánto de lo que vemos ocurrió y cuanto es proyección de los

personajes: no plantean duda.
Escenas paralelas: distintas escenografías.
Teatro experimental: toma elementos que vemos en ciencia ficción, juega con eso en
esta obra, a partir de personajes experimentadores: él y ella.
Elementos del drama histórico y manera de cuestionar el presente de la dictadura, durante
ese periodo.

COMIENZO DE LA OBRA: EL SIGLO 30, EL Y ELLA, EXPERIMENTO

● Ellos entran de atrás, interactúan con el público: se rompe la 4ta pared, los
experimentadores andan entre el público, se involucran.
● Al principio: se muestra experimento con imágenes, calculadoras, y se van a
proyectar y no queda claro que ocurrió y cuáles son proyecciones, dicen que es la
historia de una familia, voces son repuestas, se leen los labios, cuando están de
espaldas dicen que se suponen lo que dijeron. Y cuando hablan o reponen el
lenguaje buscan el lenguaje de la época.
● Nos dicen que estamos en el siglo 30 un futuro lejano, y por medio de imágenes.
● Que lo que ocurrió era en madrid, una ciudad que ya no existe más.
● Los hechos que ocurrieron es en la época del 60, básicamente le digo al público que
están viendo lo que está pasando ahora, es la época donde se estrenó la obra. Para
entender lo que pasó, los personajes van a recuperar recuerdos que ocurrieron 30
años antes. El autor quiere recuperar la postguerra civil y las
consecuencias que dejaron en la sociedad.
● Lo que vemos es una familia que representa nación, país, devastada por la guerra
civil. Para hacer más fácil: el autor juega a que estamos en un futuro.
● El experimento se basa en que una sociedad más avanzada del futuro, a la que
pertenecemos, ha conseguido los medios tecnológicos necesarios para recuperar
los acontecimientos del pasado. No obstante los sonidos son irrecuperables, por
lo que los diálogos se han añadido artificialmente y deducido a partir del
movimiento de los labios y mediante unas máquinas llamadas calculadores
electrónicos.
● FINALIDAD DEL EXPERIMENTO: En boca de los mismos investigadores es “la
importancia infinita del acto singular”; la sociedad esta formada por hombres, así

101
 los investigadores buscan comprender la sociedad a partir del estudio
de los individuos

TRES PERSPECTIVAS TEMPORALES:

1. FALSO SIGLO 30: donde están los experimentadores, él y ella y los espectadores.
2. DÉCADA DEL 1960:, presente que se estrena la obra (para los espectadores es
el pasado)
3. DÉCADA DEL 1930- GUERRA CIVIL: Se presenta un pasado arcaico y el siglo
donde transcurre la guerra civil no se ve, es un pasado más lejano que no vemos,
pero se lo recuerda.

Estructura obra:
Dos partes: marcadas por las intervenciones de los experimentadores que interrumpen
la representación y marcadas por elipsis temporales
RECURSO APARTE, Ruptura espectáculo y espectador. Cuando él y ella hablan al
público
La historia que presentan los historiadores es una historia lineal pero no son hechos
sucesivos, hay espacio temporal entre una y otra escena: pasa el tiempo.

DOS RAMAS TEMÁTICAS:

- PÚBLICO: la guerra, las circunstancias políticas.
- PRIVADO:la conducta de Vicente, la situación de la familia.

ESTRUCTURA EXTERNA:
Seis movimientos

1ra parte:
Expositiva, conocemos a los personajes y nos adentramos en el conflicto de los hermanos.
Primero nos describe la oficina, a encarna y vicente.
● Encarna: 25 años, físico vulgar, tiene encanto, ropa sencilla y pobre, es su
secretaria porque es la amante del jefe, por eso dice que va a acostarse con nuevos
jefes porque esa editorial se vendió. Necesitaba dinero para sobrevivir, por eso
acepta lo que sea.
● Vicente: 40 45 años, apuesto viste ropa cuidada y buena, tiene un anillo de oro.
Editorial se había vendido
● Beltran: personaje ausente, no representa lo que quiere la nueva editorial, si quiere
seguir trabajando tenía que abandonar sus ideas.
● Tanto en Beltran como en Encarna hay diferentes formas de prostitución: encarna
para seguir trabajando, y beltran, corrompe sus ideas, para poder seguir publicando.

102
 ○ Elemento simbólico: proyección de imagen de prostituta (la del bar),
símbolo que atraviesa a Encarna y a Beltrán.
● Padre: El padre de Vicente está perdiendo la memoria, recorta postales, para
salvarlos. Los quiere sacar del tren. En su demencia, quiere completar algunas
verdades: ese querer salvar, sacarlos del tren. Al principio no sabemos por qué y
después con lo de Vicente nos damos cuenta. Su locura viene marcada por dos
aspectos: el social, producido por el sufrimiento en la época de guerra, y el
ontológico, producido por el suceso en el tren que lo hace convertirse en otra
víctima.
○ Confunde a Encarna con Elvirita, tendría más o menos su edad, los
nombres empiezan con la misma letra.
○ Elvirita, primera víctima de Vicente, encarna la última.
Vicente les daba plata a ellos, los visitaba poco. La madre le demandaba cariño y él solo le
daba plata. Mario es más moral, no corrompe sus ideas, aunque eso suponga está en los
“perdedores”, quedarse en situación de no corromper sus ideales pero estar en pobreza,
pocas expectativas de progreso o plantearse ser feliz.
● Relación Encarna: conflicto de hermanos, Vicente no la quiere, Mario si.
● Madre: pendiente de Vicente, de que no se peleen los hermanos, trata de tapar
todo, y cada vez que el padre habla del tema del tren, de lo que pasó, la madre
desvía la conversación.
➔ Acá está el acontecimiento de “de eso no se habla”, se tapa como si no ocurriera.

Editorial está arriba: los ganadores, representa al capitalismo, al sistema, lo contrario a lo

que representa el sótano, pobres, manejados por los de arriba.
● Tren
○ Arriba los vencedores
○ El capitalismo
● El sótano
○ Los perdedores
○ Los que quedan el perdición

2 parte: climax
El padre sigue presionando, funciona como juez, escena en la que están los 3, es como
un juicio, en su locura el padre es el más lúcido, busca la verdad, intenta provocar la
ANAGNÓRISIS, lo que la madre quiere tapar.
Acá se lleva al año 30, todos querían subir a ese tren, que iba a madrid
2 versiones:
● La versión de la familia es que lo empujaban y no podía bajar, y la flia no pudo
subir, y ellos le habían recomendado que vaya a lo de la tia.
● La verdad: se aprovechó, se fue intencionalmente, lo empujaban para bajar y él hizo
fuerza para no salir, murió después su hermana de hambre: PÉRDIDA QUE MARCÓ
A LA FLIA.
ANAGNÓRISIS: descubrimiento de esta verdad.

103
 PERIPECIA: El padre mata a Vicente

Padre quería salvar a aquellas personas del tren, pero el hijo mayor tenía herramientas para
salvarla, no mata a su hermana pero es responsable de su muerte.
Aparece reconocimiento de Vicente y se reducen espacios: no hay tantos escenarios en
juego y se concentra en el sótano, y se produce la muerte o el castigo final.

ESTRUCTURA INTERNA:
OBRA JUEGO DE ANTÍTESIS Y CONTRASTES:
● Mario y Vicente: antitéticos, opuestos.
● El presente y el pasado: recuperar el pasado para iluminar el presente nos lleva a
la tragedia.
● La locura y la lucidez: el loco saca la verdad
● Individuo y sociedad: la familia representa a la sociedad, y vicente el individuo.

FINAL: Madre post embarazo de Encarna y muerte de Vicente, decide que se comprometan
Mario y Encarna que van a tener el hijo, ser felices: OTRA VEZ QUIERE TAPAR LA
VERDAD.
Mario acepta, sometido a una situación que otra vez va a la desdicha, desesperanza, falta
de decisión.
El cambio, la anagnórisis, salió a la luz la verdad, se castigó al culpable, pero volvemos a la
soledad, desesperanza.

ESPACIOS: variedad de escenarios

● Sótano: Sino que es un reflejo de la austeridad, de la pobreza y la miseria
● Tragaluz: símbolo de la derrota y el fracaso, del estancamiento y de una vida
anclada al pasado frente al dinamismo y la fuerza de tren
● Oficina: Esto refleja un aspecto de superioridad, la que representa Vicente
● Café y muro: lugar simbólico. Es un espacio afectivo que representa la falta de
esperanza
● Proscenio: donde están experimentadores

PERSONAJES:
● Presentan problemas psíquicos, o físicos: padre y la locura.
● Personajes complejos que evolucionan a lo largo de la obra
● Pensando desde la actitud vital hay personajes
○ ACTIVOS: destinados al rechazo del espectador. Sin escrupulos, se mueven
por el egoísmo, utiliza la violencia, el engaño, la crueldad, en favor de sus
intereses o para lograr deseos
■ Como Vicente (no hay buenos y villanos)

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 ○ PASIVOS: Contemplativos, Soñadores. No toman decisiones, no hacen
proyectos, van contra el sistema
■ Como Mario
● son personajes complejos que evolucionan a lo largo de la obra:
BANDOS:
➔ Republicano: perdedores, sometidos a los nacionalistas, más cercanos al publico
MARIO
➔ Nacionalistas: ligado al franquismo, autoritarismo, ejercen poder VICENTE
➔ El pueblo: los que quedaron en el medio que estuvieron sometidos al
enfrentamiento de dos grandes bandos. ENCARNA Y FAMILIA

RECURSOS:
UNIDAD DE ACCIÓN: SI
Unidad de tiempo: NO. Importancia del juego temporal
Unidad de espacio: NO. Importancia del espacio múltiple
ANAGNÓRISIS: revelación de la muerte de Elvirita
PERIPECIA: muerte de Vicente, castigo.
APARTE: rol de los experimentadores
Falsas proyecciones como METATEATRO.

“ARTE”:
1994 año, reciente.
AUTORA: Yasmina Reza
● francesa, actriz, escritora, escribe novelas y directora teatral.
● Es la dramaturga contemporánea más representada.
● “un dios salvaje”, su obra llegó a ser
¿Qué es el arte?. no es un término absoluto, es un término relativo, ligado a otro concepto
que tiene que ver con la belleza,a todo producto artístico intenta generar goce estético, el
concepto de bello está presente y a veces es cuestionado.
Ramas del arte: visuales, escénicas, musicales, literarias.
DEFINICIÓN: actividad o producto realizado con un fin estético, y comunicativo. Expresa
ideas, emociones y una visión del mundo. Vinculado a la idea de cosmovisión del mundo.
Y otros conceptos: relativo, es de carácter subjetivo, depende de la persona, el contexto,
cultura.
Ideas cuestionadas en nuestra obra: intertexto: discurso pictórico: “blanco sobre fondo
blanco” de Kasimir Malevich. Fue nombrado por un vecino.

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Despertó polémicas, esta anécdota la inspiró en la creación de esta obra de teatro. En la
obra, es un artista ficticio: antrios.
La obra de Malevich está ligada a una corriente: suprematismo. Evitar arte figurativo, no
hay paleta de colores, escasa imagen, que esto está discutida en la obra. Hay un discurso
de cierto grupo intelectual o artístico, cierto discurso académico burlado dentro de la obra, y
esto es el disparador para que emergen los conflictos entre estos 3 amigos.

OBRA: comedia pero la autora dice que es una tragedia.

Predomina el color blanco, en cuadro y escenografía, y hay colores determinantes que
tienen valor simbólico.
Aparente comedia considerada tragedia por la autora, encierra “una enorme oscuridad”,
representa la “demolición de una amistad”. Los personajes no son tan transparentes.

NIVELES DE LECTURA:
● Nivel literal: historia 3 amigos, cuadro, que es lo que le molesta a Marcos. y a partir
de esta anécdota vemos otros conflictos.

principio: redundante en detalles, parte de este parlamento está también al final de la obra.
El final quiere dar un intento de giro en el conflicto, la obra se abrio con una parte de alguno
de los personajes. INDICIO DE LO QUE PASA TEMPORALMENTE EN LA OBRA: ya hay
alteración de tiempo
ESCENARIO: 3 asientos, sillas, sillones, fondo blanco, escenografía que se repite excepto
por el cuadro que acapara la atención en el centro de la escena: 3 cuadros en términos
escenográficos.
depende de la casa de cada uno el cuadro cambia de posición: no hay UNIDAD DE
ESPACIO.

que significa el arte, la amistad, la noción de valor en nuestro mundo de amistades virtuales
de emociones normalizadas, de valores intercambiables, relativos¿
Como una controversia sobre el arte pone en cuestión la amistad?

ESTRUCTURA:
1 SOLO ACTO: VARIAS ESCENAS, la obra está compuesta con variantes de un mismo
tema, estas variantes están dadas por la participación de los personajes en el escenario,
PRIMER PARTE: aparte de marcos. Solo
Escrita como partitura musical, hay solos, dúos y tríos: con ritmos diferentes, algunas más
ágiles, otras más lentas.

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Variación de un mismo tema dada por la aparición de personajes, duos, trios, solos.

Compra del cuadro: discusión posterior entre marcos y sergio.

PERFIL DE PERSONAJES:
Sergio:
dermatólogo, tuvo dinero que le permitió comprar un cuadro de mucho dinero, está
frecuentando cierto círculo intelectual, artístico que hasta lo influencia en la forma de hablar,
ahora incorpora lenguaje artístico que también le molesta a Marcos, le molesta que se
independice de él. Independencia respecto de los marcos. Criterio artístico: por el valor del
cuadro, dilema, discusión trivial que va a ir en efecto dominó llevando a otras discusiones.
La inversión en el arte le da a Sergio cierto carácter de snobismo.
Giro en la última parte de la obra: se trata de un pedido de prueba.
Empieza con una mentira la nueva etapa de su relación con Marcos.

Marcos:
● políticamente incorrecto, tosco
● ingeniero aeronáutico
● incomprensión y reacción desmedida
● manipulador, quiere manipular a iván al principio
● más burdo, pragmático, incrédulo con respecto al arte contemporáneo.
● cree que sergio y todos tienen que pensar como el.

Marcos y Sergio:
● más parecidos, son obstinados, categóricos, algo soberbios

Ivan:
● está en el medio, trabajador textil, en crisis. REPRESENTA LOS GRISES, mientras
que sergio y marcos son blanco y negro.
● Trabaja en una papelería, el personaje más débil, se quiebra más fácilmente.
● a punto de casarse.
● hipocondriaco y obsesivo compulsivo
● fracasado algo
● desamor tristeza
● cuestionamiento sobre el éxito en la vida
● neutral frente al cuadro
● víctima de sus amigos.
● Ivan queda al margen, es victima, no esta en la “prueba” de su amistad.

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MIRADA SOBRE EL MUNDO FEMENINO: no hay mirada femenina, hablan los 3 sobre sus
respectivas mujeres.
CATALINA: novia de ivan, controladora, una madre y dos madastras
PAULA: esposa de marcos
Ex esposa de Sergio.
Todas son manipuladoras, hay un excesivo control, se las mira negativamente. Aludidos
despectivamente, se habla de personajes femeninos como histéricos, controladores, hay
cierto rechazo o mirada negativa.

Rotulador obra: sergio lo toma y le dice que dibuje sobre el cuadro, en este dibuja a un
esquiador que atraviesa la imagen, como muestra que no le importa estropear el cuadro si
eso significa volver a la amistad.
Marcos y Sergio están lavando el cuadro, cuando conseguimos marcos y yo jabón suizo
borrar el esquiador.
Sergio: sabía que la tinta era lavable.
FINAL: cierra la obra como comenzó,” Debajo de las nubes blancas, cae la nieve. No se
ven ni las nubes blancas ni la nieve. Ni el frío ni el resplandor blanco del sol. Un hombre
solo, con esquíes, se desliza. Cae la nieve. Cae hasta que el hombre desaparece y vuelve a
su opacidad. Mi amigo Sergio, que es amigo mío desde hace mucho tiempo, se ha
comprado un cuadro. Es una tela de aproximadamente un metro sesenta por un metro
veinte. Representa a un hombre que atraviesa un espacio y desaparece. Representa un
hombre que atraviesa un espacio y desaparece”
Idea que le motivó el dibujo, la historia, lo tranquiliza. Le quiso dar sentido al dibujo, y en un
momento de la obra la discusión se traslada al concepto de los clásicos y para eso hace
mención a obra literaria a obra clásica, y aparece el dilema de que tiene valor, lo innovador
o el texto que apela al criterio de lo clásico.

RECURSOS DRAMATICOS:
Aparte: comienzo y al final tmb se ven.
Unidades: tiempo no, espacio no, acción SI: conflicto es 1 pero hay variantes de 1 mismo
tema.
Anagnórisis: confesión final de sergio.
Peripecia: anunciada por ivan, con ese periodo de prueba que está condenado al fracaso
porque arranca con la mentira.
duplicación: parlamento del comienzo y el final.

Teatro abierto: buenos aires 1981, último periodo de la dictadura.

108
reportaje que le hacen al director del teatro san martín, le preguntan por qué no hay obras
de argentinos, porque no hay producción, esto despierta idea de proyecto teatral que se
conoce como teatro abierto
teatro resistente:
larga tradición militante
● 1792 incendio del teatro de la ranchería, el 1 teatro
● En los años 30 el teatro pueblo fue piedra basal del movimiento de teatros
[Link] TEATRO INDEPENDIENTE Se plantea teatro que no sea
del exterior, necesidad que surjan obras y actores con carácter local.
● ligado al circo criollo
● década del 1960 teatro independiente.
POSIBLE gracias a la previa existencia del teatro independiente
habían demostrado tener una política cultural propia a contramano de la oficial.
No solo busca representar la realidad de la dictadura, sino también recrear una forma de
participación colectiva, primero uniendo a la población dividida, como así también
suscitando en el público gracias a la mediación de las emociones, un sentimiento ciudadano
de pertenencia a un colectivo. PICADERO: primer lugar donde se llevó a cabo el proyecto,
se incendió por culpa de militares. Terminó teniendo más éxito, otros le prestaron sus
teatros.
PROYECTO:
21 obras, 21 autores y 21 directores
obras cortas, 1 acto, con intención de denunciar aquellos conflictos que se vivían en función
de gobierno de facto, que se havia la usura, persecución, algunos exiliados, otros
torturados, perseguidos
cada dia se representan 3 obras, 1 por autor
7 espectáculos
8 semanas de repetición
las obras y sus puestas se crearon sin limitaciones ideológicas ni estéticas
la consigna común era que reflejaran la realidad nacional.
había que jugar con metáfora, simbolismo.

NOMBRE:
TEATRO ABIERTO: “ País cerrado, teatro abierto “
El año 82 se volvió a hacer el proyecto y durante la democracia intentaron reivindicarlo que
fue tal que otras disciplinas se copiaron.

La mala sangre

109
Contextualización: no se estrena dentro de este proyecto pero es paralela al teatro abierto.
La autora pertenece al proyecto pero la obra si.
Autora: griselda gambaro
novelista y dramaturga
autoexiliada en barcelona de 1977 hasta 1980
distinguida con el doctorado honoris causa por el IUNA
estética: teatro absurdo

TIEMPO REPRESENTADO:
IMAGEN: hija de rosas es similar a Dolores.
En la obra se hace mención al matadero.
Periodo indicios del siglo 19, segunda gobernación de jm de rosas, periodo de inestabilidad
política.
evocado por simbología del color rojo: insignia, vestuario, escenografía.
divisa punzó: rojo intenso, de la sangre. Rojo hasta llegar practicamente al negro: el padre.
● Esta divisa era la cinta que identifica a federales, tenian consignas “vivan federales
mueran unitarios”.
mención de unitarios y federales.

CONTEXTO: uso obligatorio de divisa punzó, medio para no ser considerado salvaje y
traidor unitario, su uso era considerado de buen federal

art 1 empleados civiles y militares, oficiales de milicia, seculares y eclesiásticos

art 2: profesores
art 3: empleados militares patria o muerte.
La obra representa este periodo del siglo 19. Hace alusión al pasado, gobierno autoritario,
distancia temporal, pero en realidad habla del presente: de la dictadura. Periodo que al
tener más distancia podemos ser más críticos.
Rafael: se opone, libertad de pensamiento, ideas, poder cuestionar el poder. Vestuario
blanco o celeste, unitario. Si bien no dice que es unitario directamente, nos damos cuenta.

OBRA. PRESENCIA DE OPOSICIONES:

humor negro: fermin, criado del padre, y en el padre, a partir de ciertas sutilezas se
muestran ciertas costumbres cuestionadas que eran dadas como naturales y que a apartir
de la llegada de rafael cambia

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 clima de opresión: excesivo control del padre, ejercicio de poder hay humillación
permanente hacia la madre. Hay violencia, se pone la ropa que el padre quiere.
humillación: a Rafael permanente por su joroba, lo hace desnudar, se burla. Sin embargo,
Rafael vale por lo que es por lo que sabe. También el padre le elige al marido.
amor: al principio dolores la manipula, y después hace un giro, se enamora.
soberbia
sometimiento: todos, también fermin, hace el trabajo sucio del padre, es el torturador.
autoritarismo
injusticia

ESTRUCTURA:
8 escenas, 2 cuadros.
Contexto representado: casa representa bs as, 1840, unitarios y federales, menicon del
color rojo: insignia punzo.
Unitarios y federales: Rafael y el padre.
distintos tonos del rojo que llegan al negro.
Rojo también de lo que va a ocurrir: derramamiento de sangre, muerte de Rafael.

MALASANGRE: nombre irónico. Mala intención por parte del padre. Termina con la muerte
de Rafael.

Obra: 1982 segundo proyecto y esta obra se estrena en paralelo, la obra no pertenece al
teatro abierto pero la autora si.

TRAGEDIA:
Presencia de Oposiciones:
Humor negro: fermin, es el verdugo, mano Humillación e indicios de violencia
derecha del padre, hace el trabajo sucio, Amor, da cierta esperanza, al principio
tortura, llega hasta la muerte con rafael, y dudamos y despues vemos que va creciendo
ademas tiene una cosa perversa con dolores, el vínculo
en algunos juegos por ej, pajarito muerto. Soberbia
Clima de opresión : padre a madre Sometimiento
principalmente Autoritarismo
Injusticia

Hay que tener en cuenta el contexto de los hechos y el contexto en el que se estrena la historia.
La historia quiere distanciarse temporalmente ya que en realidad está hablando de la dictadura. Para
hablar de lo que está pasando ahora nos lleva a un tiempo pasado, que ya pasó. Esto sirve para criticar el
momento en que se estrena la obra.

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Familia: federal ideología, por eso el color rojo en distintas gamas, tanto en el vestuario como elementos
de utileria, escenografia, hay una figura que ejerce autoridad, esto representa a todo un país, manejado
por figura de autoridad, ejerce autoridad extrema, cuando abre la escena el padre está por elegir al futuro
maestro de su hija pero no solo interactúa sino que además dice algunas frases repetidas a lo largo de la
obra: decide qué pensar, cuando hablar y cuando no, es la figura del autoritarismo. Al punto que el padre
disfruta de humillar, a la madre, al maestro.
En un principio elige al jorobado para que no se enamoren, su joroba es la garantía que su hija no la
enamore. Al maestro anterior lo mandó a matar.
Rafael quiere que lo consideren por sus cualidades, no físicas, lo humilla, lo hace desnudarse.
A diferencia de otros criados el come con la familia, le da beneficios, pero desp tiene otros tratos abusivos.
EVOLUCION PERSONAJE: ella y Rafael.

ESTRUCTURA:
obra 1 solo acto: 8 escenas que van marcando el paso del tiempo, aunque no se nos dice con
exactitud cuanto pasa, NO SE CUMPLE UNIDAD DE TIEMPO.
2 CUADROS: casi toda la obra transcurre en la sala pero hay escenas que transcurre en el cuarto
de dolores.
La sala da el exterior, el mundo exterior se hace cada vez mas presente con ruidos que se
escuchan.
Dolores y Candelaria hablan, es la escena de mayor intimidad, donde intenta cambiar el vinculo, se
ve un vinculo mas afectuoso, queda en evidencia que la madre esta sometida, que es golpeada.
Escena de mayor intimidad y por eso nos trasladamos al cuarto, un lugar de intimidad, el cambio de
cuadro es significativo.

Personajes:

● Benigno: domina la autoridad, representa al autoritarismo puro, podria relacionarse

con rosas, sin embargo representa al momento del estreno: dictadura. Impone
silencio, autoriza a hacer o deshacer conductas, a pensar. El nombre es
significativo irónicamente, es contraria a la personalidad del personaje, al padre de
familia. Sabemos que le pega, el padre le tiro la tapa sobre los dedos para que no
toque más (connotación mas importante). Domina a dolores, da las ordenes a
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 fermin que se ensucia las manos por él, elige al futuro marido, porque coincide con
su pensamiento, es un personaje abusivo igual que es, lo elige por interes
economico, y elige a rafael, que después lo manda a torturar y matar.
● Madre/Candelaria: nombre simbólico, viene de vela, luz, y es un personaje que se
mueve en la sombra, al final cuando esta todo oscuro viene con una vela ella y
reclama que le traigan el cuerpo de rafael. Es victima de benigno y victimario de su
hija. Ella esta siempre como observando, controla las clases y ella se da cuenta del
vínculo de Dolores y Rafael y los delata.
● Fermin: poder más bruto, castiga a Rafael, y a otros, con dolores tienen una
relación turbia, juegos como el pájaro muerto de niña, mató al antiguo maestro.
Cuando la ve con Rafael le trae una bolsa con melón y Dolores lo rechaza, porque
antes le había traído la cabeza de su antiguo maestro, nos da indicios de esto.
● Dolores: en un principio se parece al padre, trata de humillar a Rafael, lo provoca
hasta que él le pega, coquetea al padre para que lo castigue. Las mujeres no
recibían educación pero el padre le da para presentarla a la sociedad. El vínculo
con Rafael la abre a nuevas ideas, la libera, evoluciona gracias a Rafael.
● Juan pedro: prometido de dolores, personaje abusivo de entrada, similar al padre,
con pedro el padre y fermín se encarga de burlarse de rafael

es un círculo de poder del que nadie escapa, el que logra salir es el que muere o
desconocemos su destino.

Nombre: expresión popular, enojo, malestar, relación con el contexto y los hechos,
derramamiento de sangre, sufrimiento, preocupación, maldad.

“Con la mala sangre quise contar una historia que transitara esa zona donde el poder
absoluto fracaso siempre, si los vencido lo enfrentan con coraje y dignidad..” AUTORA

personajes “civilizados”: son los más salvajes, crueles, benigno fermin juan pedro

Personajes de la barbarie unitario, Rafael, no viste de rojo, está de celeste o blanco,

pensamiento aparece en su discurso cuando le habla a dolores de libertad de
pensamiento, irse a uruguay, donde escapaban unitarios, libertad de expresión. Dolores y
Rafael son las víctimas de esos salvajes. Candelaria es víctima y cómplice de los
civilizados.

Crítica obra:

educacion: medio para que su hija deje la ingenuidad de la juventud

la educación es limitada para la mujer y aprende sólo lo que el dictador permite

palabra: insulto, ironía, orden, violencia verbal.

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arte: manipulado por el poder según como le convenga, si responde a ideas diferentes es
censurado pero si es utilizado para sus fines es un cómplice, esto hace el padre con
candelaria.

Recursos dramáticos:

● anagnórisis: revelación del destino de Rafael, que además supone peripecia para
él: muerte y para dolores: dolor.
● peripecia: muerte Rafael y dolores dolor.
● unidades: solo de acción.
● RECURSO DE INMERSIÓN: (como en mala sangre) Ruidos de carro que pasaba
vendiendo melones, en ese carro iban cabezas de los enemigos: rosas mandaba a
matar enemigos les cortaba la cabeza y las exponía en una plaza. Se hace cada
vez más presente, se oye más fuerte, cuando Dolores y Rafael planean escapar el
ruido invade cada vez más la escena. Indicio más fuerte que eran cabezas, porque
dicen que en uruguay no cortan cabezas

Final:

Están por escapar pero nos enteramos en esta escena que candelaria delató el plan de su
hija, dolores, cambia hasta el vestuario, abandona el rojo y empieza a utilizar celeste que
marcaba diferencia de pensamiento. Estaba en la oscuridad esperando a Rafael y la
madre le dice que se baya que nunca va llegar: revela que Candelaria sabía todo y la
delató, y que el padre lo mandó a castigar, lo que lo llevó a la muerte. Dolores reclama el
cuerpo, y finalmente lo trae: relación con los desaparecidos de la dictadura.

Dolores dice que no hay ninguna puerta para el dolor

“quiero estar sola, decile gracias, le agradezco que me permita mirar a mi muerto”, el
padre como en el inicio reclama silencio, le dice que los gritos no lo deja pensar, el padre
dice que se deben unos chocolate (de eso no se habla).

Que el odio los consuma, que la memoria no los deje vivir en paz, a vos con el poder, a
vos con las manos sucias, y a vos a la madre: quien ejerce la autoridad, quien ejerce la
violencia y quien es cómplice.

El padre dice que ya le sacan el veneno, y que se vaya a dormir, que es una orden. Ella
dice que ya nadie ordena nada, que ya no tiene miedo y que es libre, el padre vuelve a
pedir silencio “nadie es libre cuando yo no quiero..”, dolores dice “jamas cerrare los ojos, si

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me dejas viva.. mirarte con furia y asco.. es bastante no tener miedo”. (no sabemos el
destino de dolores, le padre ordena que se la lleven)

“Te odio, el silencio grita, yo me callo pero el silencio grita..”.

Tragedia: final cerrado pero con final abierto para dolores, aunque con pocas alternativas

Evolución: Dolores del comienzo, burlona, humilla a Rafael, es totalmente distinta a la del
final.

“Nuevas directrices para los tiempos de paz”

Autor: Bosco brasil

● escritor, periodista y guionista

● parte del movimiento de renovación dramaturgia
● funda el teatro de sao paulo
● Obra: estrenada en 2002, y hecha en 2001. En 2009 se adapta al cine.
● Frase: repite muchas veces el personaje.

Lo que mueve a escribir la obra: el asiste al atentado de las torres gemelas en 2001 y esto
le hizo pensar que sentido tiene le arte en tiempos donde vivimos con el terrorismo y
para dar rta crea esta obra.

Expone barreras que separan a los individuos, ya sea bajo el nombre de nacionalidad,
ideologia politica.

RELACIONES INTERTEXTUALES: “la vida es sueño” de Calderón de la Barca.

Nombre del protagonista: segismundo, cita del monólogo de segismundo.

Es del siglo de oro español, contexto de Shakespeare.

La vida es un sueño nos sitúa en Polonia,donde reina el rey basilio, que cuando nace su
hijo consulta a los astrólogos y le dicen que su hijo es violento, que lo va a destruir para
quedarse con el trono, lo manda a encerrar y crece sin contacto con seres humanos,oye lo
de afuera pero no tiene noción del mundo, lo desconoce. se cria en un estado casi de
salvajismo, es paradójico al personaje de segismundo que es igual al personaje de nuestra
obra de teatro.

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Segismundo se convierte en hombre, lo duermen y lo llevan al palacio, no entiende nada,
se altera y termina reaccionando violentamente y casi arroja a su padre por una ventana.
Lo manda de nuevo a encerrar, el pueblo se entera la verdad y reclama que lo liberen. Lo
liberan y Segismundo demuestra que no es tan salvaje como creían, se concilia con su
padre y hereda el trono.

en el traslado al palacio pronuncia dos monólogos: uno sobre la condición humana, sobre
la libertad del hombre, se compara con elementos de la naturalez ay en todos encuentra la
forma de vincular el río, animal, con el hombre y siempre redunda en la idea que él se
siente con menos capacidad de actuar. Y cuestiona su capacidad para decidir. Planteó
típicamente barroco.

Este monólogo es utilizado literalmente en una parte clave de la obra.

Otras referencias:

● mención del poeta brasileño Drummond de Andrade.

● de fausto de goethe: lucha por trascender sus límites
● tito andrónico de Shakespeare: obra que recuerda el inmigrante polaco en su viaje
a américa.

Contexto obra:

● 1845, día de la finalización de la 2da guerra mundial.

● Horror guerra
● caída del nazismo
● brasil colaboró
● liberación de presos políticos del dictador brasileño Getulio Vargas.
● Cuestionamiento de qué medidas se van a tomar ahora.

TÍTULO: esperando nuevas directrices para los tiempos de paz, frase que repite
segismundo, que él no es capaz de tomar decisiones.

● A la espera de esas decisiones están Segismundo y klasuevich, en un duelo

marcado por la amenaza de que él vuelve a Polonia.

HECHOS: duran apenas unas horas, el tiempo es marcado por el sonido del barco. Sí
hasta que se vaya el barco no logra llorar se vuelve. UNIDAD DE TIEMPO SI.

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SONIDO: marca tensión dramática. Efecto de Inmersión

UBICACIÓN ESPACIAL: oficina interna, aduana del puerto en rio de janeiro, allá de
inmigracion aislada, peligro latente. UNIDAD DE ESPACIO SI

UNIDAD DE ACCIÓN: permiso o no para que pueda entrar a brasil.

Peligro Latente: sospechas al polaco, a él se lo separó, segismundo hoyo cosas sobre el,
cree que es violento, porque alguien hoyo que ejercía violencia, no lleva equipaje, dice ser
agricultor y sus manos no. Habla portugyes y nunca estuvo en brasil, sospechan y por eso
decide interrogarlo.

PERSONAJES:

Juego de manipulación entre ambos: poder y necesidad de escapar

Segismundo:

● nombre significativo, por el personaje que ya conocemos de la obra, este no es un

dato menor porque enseguida llega a la memoria el personaje de la vida es sueño,
algo que segismundo desconoce. No sabe porqué le pusieron ese nombre
● Hombre de mediana edad
● jefe de la aduana de brasil, no siempre fue esto, era torturador, y obedecía
órdenes.
● torturador, frío. EL MÉDICO SE TAPÓ LA CARA Y PRESO POR DECISIONES
POLÍTICAS
● recuerdos y culpabilidad: infancia “Yo era fuerte para mi edad. Para el coro no
servía, pero para romper el pescuezo de las gallinas, servía. Por lo menos me
dejaron quedarme junto con a mi hermana... Yo siempre hice todo lo que me
mandaron hacer”
● condiciones para el salvoconducto: tiene que lograr que llore, dificil con esa
personalidad.
● maneja la tensión
● Teme por que van a salir los presos

Clausewitz:

● actor
● hombre joven
● inmigrante polaco, muestra contradicciones

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 ● testigo de la guerra
● recuerdos del horror: culpa porque siguió actuando mientras a su alrededor la
gente sufre o moría.
● apela a la emoción, recuerdo de su vida pueda conmoverlo.

EMOCIÓN: maestro desangrado.

Monólogo de segismundo de la vida es sueño, le permite identificarse a segismundo, logra

la identificación con este segismundo que empieza a verse reflejado en su poca posibilidad
de libertad y este sentimiento permite conmover: MIMESIS Y CATARSIS, elementos
esenciales del drama. En esta identificación aparece la posibilidad de darse cuenta que
segismundo está manifestando aquello que nunca pudo hacer segismundo, la libertad.

A partir de esta emoción logra el salvoconducto, y al final le dice que era un monólogo, y
confiesa quién era segismundo

RECURSOS:

● disfraz, hasta que confiesa que es actor

● anagnórisis: revelación de quién es y el verdadero maestro (buscar en la obra)
● peripecia: firma salvoconducto
● metateatro: monólogo, recurso que maneja para poder sobrevivir, y echa la
respuesta a la pregunta inicial si tenía o no tenía sentido el teatro en estos tiempos
y si, le permite emigrar, salvar su vida.

OBRA: adaptada en argentina, de Perón, año 2004. en el hotel de inmigrantes.

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