La Virgen y el Niño sobre fondo de paisaje

• Autor: Jacobo Robusti Comin (Tintoretto)

• Dimensión: A. 158 - L. 98,5 cm
• Técnica: Pintura al óleo
• Fecha de ejecución: 1601-1602
• Contexto histórico: Renacimiento, Manierismo
• Ubicación: Museo del Luxemburgo. París
• Género pictórico: Religioso

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA:

Nació el 29 de septiembre de 1518 en Venecia y fallece el 31 de mayo de 1594 con 75 años

de edad en Venecia, Italia; casado con Faustina Episcopi desde 1550. Su vida se desarrolló
entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta de Mori. Así mismo
tomo el sobrenombre “Tintoretto” por la profesión de su padre que era tintador.
Según el escritor Carlo Ridolfi, de pequeño Jacobo (Tintoretto) usaba los tintes de su padre
para pintar en las paredes, por lo que este utilizo sus contactos para que fuese aceptado como
aprendiz del gran Tiziano. Sim embargo un aprendizaje que no duro mucho ya que según
Ridolfi, el veterano pintor solo necesito ver los dibujos del muchacho para percatarse de su
talento y se negó a enseñarle por miedo a que se convirtiera en un peligroso rival. Además,
también se asume que se encontró otro maestro más dispuesto a aceptarlo y que empezó a
tener éxito muy pronto: esto se deduce de un documento de 1539, es decir, sobre los veinte
años de edad, en el que se definía como “maestro pintor de Campo San Cassian”, lo cual
implica que contaba con un taller propio. En la entrada del taller un cartel decía, con cierta
gradilocuencia “EL DIBUJO DE MIGUEL ANGEL Y EL COLORIDO DE TIZIANO”.
Después de este hecho, es posible que hubiera estudiado, o como mínimo entrado en contacto
con pintores de la escuela toscana, cuyo estilo se deja notar sobre todo al principio de su
carrera. Opciones no le faltaban, puesto que después del saqueo que hubo en Roma en 1527
por parte de las tropas imperiales de Carlos V muchos artistas, especialmente toscanos y
boloñeses emigraron a la prospera Venecia, convirtiéndola en un lugar de encuentro entre
grandes corrientes del tardo Renacimiento. Es así que fue considerado, junto a Veronés, el
representante más importante de la escuela Veneciana de la generación posterior a Tiziano.
Resaltando que estudio durante diez días con Tiziano, donde vivió y trabajó siempre en
Venecia, dedicando sus obras de arte a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad;
de tal manera que recibió influencias de Miguel Ángel como de Andrea Schiavone. Así los
rastros de un estilo absoluto en sus obras juveniles tienen a corroborar esta hipótesis. Pero
pronto se dio cuenta de la variedad de enfoques tratados por pintores trabajando entre 1530
y 1540 en Venecia, reaccionando contra el estilo de Giorgione, que era el primero de
combinar formas, subordinando el color local a su tono dominante, tanto así que Tintoretto
incluye un grupo de 14 pinturas de techo octogonal con temas mitológicos que exhiben
singular refinamiento en perspectiva y claridad narrativa; entre otras influencias, recuerdan
la moda de pinturas en el techo importados a Venecia por Vasari. Así mismo, este fue
también el período de colaboración más cercana de Tintoretto con Andrea Meldolla, juntos
ellos, realizaron la decoración del Palacio Zen con frescos. La técnica del fresco tuvo una
parte importante en la formación de Tintoretto, la que sugiere la rapidez de ejecución, que se
convertiría en fundamental para su forma de pintar. Desafortunadamente sólo algunos
grabados de sus frescos y algunos fragmentos de las fachadas de los numerosos frescos que
adornaban Venecia, sobreviven.

TÉCNICAS UTILIZADAS POR JACOBO ROBUSTI:

Los ejercicios de dibujo de Tintoretto fueron hechos de la naturaleza, de estatuas y de

modelos de cera pequeños presentados de varias maneras y artificialmente iluminados, como
en pequeños escenarios. Estos métodos fueron adaptados en concordancia con el interés del
pintor por resolver los problemas de forma y luz. Así mismo, siendo un dibujante infatigable
adquirió gran fluidez narrativa que le permitía trazar con una pincelada enérgica e inspiración
fantasiosa la serie de historias bíblicas, así como los episodios mitológicos para el poeta
Pietro Aretino de la casa en Venecia (1545). Igualmente, su técnica le permitió realizar la
composición del sagrado Cristo y la Adúltera, en la que se iluminan en vastos espacios en
perspectivas caprichosas, figuras en un estilo claramente manierista. Posteriormente,
Tintoretto se convirtió en el centro de atención de artistas y literatos con su obra Marco
Freeing el esclavo. De igual manera, algunas de sus composiciones fueron realizadas con
elementos estructurales del poste-composición del arte romano, por lo que es razonable
asumir que Tintoretto había visitado Roma.
OBRAS IMPORTANTES:

• La Última Cena de San Marcuola (1547)

Tintoretto volvió a una forma anterior de la composición en

esta obra, porque consigue la elección de tipos populares y
ásperos apoyando la escena con un retrato de la realidad
cotidiana ordinaria pulsado con asombro por la revelación del
milagro.

• Cristo y la Adúltera

En esta pintura de Tintoretto, se iluminan vastos espacios en

perspectivas y caprichosas figuras en un estilo claramente
manierista.

• Marco Freeing el Esclavo

Este cuadro es rico en elementos estructurales de poste-

composición del arte romano, por lo que es razonable asumir
que Tintoretto visitó Roma.

• Historias del Génesis, Scuola della Trinità (1550-53)

En esta obra, se muestra una nueva atención en el uso de

técnicas a la manera de Tiziano, así como un conocimiento
palpable de la naturaleza. Tomando también ideas de la obra
Susana y los viejos (1555-56), en el aspecto de la claridad
cristalina en un contexto evocado, para crear este fresco de
sentido poético.

• Susana y los viejos- 1555

En está pintura se muestra la historia de una figura bíblica;

mientras toma un baño, dos viejos la están espiando. La figura
desnuda de Susana y los elementos de color plata en la
composición son impresionantemente llamativos en
comparación con los elementos lúgubres del fondo.
 • San Jorge y el dragón- 1570

La escena muestra las características; primero, el paisaje del fondo

parece irse a la deriva hacia el infinito, lo que hace que la escena se
extienda y traiga las figuras humanas más cerca del espectador. Al
fondo de la pintura, la ciudad erigida sobre murallas está pintada
toda de blanco y de manera tan imprecisa que parece irreal. Las dos
figuras en la pintura emergen con más energía, así de simple.
Además, ambas figuras parecen estar fuera de balance. San Jorge
está cayéndose hacia la izquierda y parece estar ligeramente alejado
del espectador, mientras que la figura femenina en el primer plano
parece estar cayéndose hacia adelante, lugar donde está el
espectador, al tiempo que huye del dragón.

• El paraíso- 1588

El pintor italiano terminó uno de los encargos que le hizo el dux de

Venecia, la pintura El Paraíso. Este fue el lienzo más grande que
jamás hubiera producido y fue colgado a través de toda una pared
de la sala del Gran Consejo de Venecia. Sin embargo, entonces ya
tenía más de 70 años de edad, por lo que es probable que muchas de
sus obras para el palacio fueran ejecutadas y terminadas por
miembros debidamente cualificados del taller de Tintoretto.

• Crucifixión- 1566
En esta escena panorámica del Gólgota, poblada por una multitud
asombrosamente variada, que incluye soldados, verdugos, jinetes,
comerciantes, espectadores, ladrones y apóstoles, involucrados en
todo tipo de diferentes actividades y movimientos con una urgencia
casi parecida a un insecto.
Explora todos los aspectos de la escena. una característica muy rara
para el arte renacentista es la inclusión de los dos ladrones en la
composición, uno clavado en una cruz y el otro elevado. Los cuatro
evangelios relatan que dos ladrones fueron crucificados con cristo.
Según lucas, el que está a la derecha de cristo reprendió al otro,
diciendo que su castigo era merecido mientras que cristo era
inocente.
 • El origen de la vía láctea- 1575

La Vía Láctea es un haz de luz que atraviesa el cielo (un grupo de

estrellas muy lejanas) de donde luego tomará el nombre toda
nuestra Galaxia (palabra que, a su vez, etimológicamente también
proviene de “leche”). Y en cuanto al movimiento, perspectivas
complicadas (vemos escorzos y figura serpentinata), dramatismo.

• Leda y el cisne- 1857

La escena está ambientada en un interior acomodado de la época

donde Leda, desnuda y semirreclinada, sujeta el cisne que procede
de la derecha, mirando a la criada, que está al pie del lecho a la
izquierda, trayendo una jaula de madera que ya guarda un pato.
Otros animales aparecen en la escena, como el perrito que salta
hacia su dueña, el loro en la jaula al fondo, y el gato que olisquea
al pato. La bella protagonista solo luce perlas, en el collar y el
refinado peinado. Muchos estudiosos modernos creen que muchas
de las venus y protagonistas mitológicas en la pintura renacentista
veneciana eran en realidad retratos de
famosas cortesanas venecianas, reconocibles para el público de la
época, lo que explicaría su desarrollo en alcobas, salones o jardines
contemporáneos.

• La traslación del cuerpo de San Jorge 1562- 1566

Este cuadro es uno de los más reconocidos del pintor ya que muestra
un episodio de la leyenda del martirio del evangelista Marcos en la
Alejandría pagana del año 62, representando el momento en que los
cristianos toman posesión de su cuerpo, después de que los paganos
ya lo habían colocado en la hoguera, aprovechando que el cadáver
había quedado sin custodia por una tormenta repentina. Así mismo
en primer plano se puede ver un grupo de siete personas y un camello
en una plaza que se extiende hasta las profundidades, rodeada de
edificios. Esta plaza estaría situada en Alejandría, pero recuerda a la
Plaza de San Marcos de Venecia; se trata de una arquitectura de
fantasía modelada en la Plaza de San Marcos.

• María con el Niño, venerada por San Marcos y San

Lucas
La representación de María con una corona de estrellas sobre la hoz
de la luna como la Mujer del Apocalipsis y la Inmaculada,
apareciendo a los evangelistas como en una visión, es típica de la
veneración de la Contrarreforma a María.
CONTEXTO HISTÓRICO:
El cuadro fue pintado Óleo sobre lienzo en la época del renacimiento, La composición,
inspirada en una escultura de Jacopo Sansovino (Piazza San Marco, Logetta) se puede
encontrar en varias pinturas de Jacopo Tintoret: La Santa Conversación del Museo de Colonia
(hacia 1550 - 1555; ídem p.152 y 160), la Virgen en el Hampton Court Child (Colección
Real) y el de la colección de Barbaro Curtis en Venecia sobre un fondo como aquí paisaje
(Cf. Pierluigi De Vecchi, L'Opera completa del Tintoretto, n°11 - Milano1970). Y más
información sobre la pintura o el año ade ejecución no se sabe los datos no figuran ya que no
es una propia de él, solo lo realizo algo similar al de los otros autores, lo cual modifico ciertas
formas y colores.

1. NIVEL PREICONOGRÁFICO

• DESCRIPCIÓN:

En la pintura se representa a una única figura de la virgen maría junto al niño Jesús, la virgen
está sentada sobre una rama o alguna piedra oscura ya que el fondo hay un poco notable de
ramas y de un paisaje, así mismo la ropa que posee es de color rojo un enterizo y lleva en la
cabeza un maforión de color amarillo turquesa, su color de cabello es de color castaño,
también lleva un escapulario de color verde oscuro con unas franjas cuadradas o de formas,
las telas de su vestimenta según la imagen se nota que son de seda. En cuanto a su rostro la
virgen María ella tiene la mirada hacia abajo mirando el piso, como si estuviese pensativa,
no lleva una sonrisa simplemente se mantiene serena su mirada al piso, su piel se ve de una
tess blanca con las mejillas un poco rojas, sus labios delgados. Las manos tiene la misma
tonalidad que la cara ella está sosteniendo a su hijo (niño Jesús), la mano izquierda lo tiene
sujetando las pierda izquierda del niño y se muestra dos de sus dedos que sobresalen y la
mano derecha mantiene sujetándole al niño Jesús por la cintura; sus pies no se ven mucho,
sin embargo si se notan los dedos y que lleva puesto una sandalia de color café y nos da
entender que no está descalza, así mismo sus dedos de sus pies son de un tamaño grande, sim
embargo cae la capa sobre su pierna derecha hasta casi llegar a los dedos de los pies.

El niño Jesús que esta sobre las manos de su madre ya también está sin ropa, se encuentra
totalmente desnudo igualmente con la mirada hacia el piso y señalando con dos dedos de su
mano derecha y un dedo de la mano izquierda levantan sutilmente, a la vez se nota su
miembro viril del niño ya que no tiene nada cubierto y sus muslitos de sus piernitas son un
poco redonditas y la pierna derecha lo tiene un poco más elevada que la izquierda que esta
recta. Tiene el color de castaño claro, una nariz perfilada y unos ojos pequeños, como una
oreja de tamaño normal.

2. NIVEL ICONOGRÁFICO
Descripción:
En el fondo de la pintura presenciamos de un paisaje de día, se ve una piedra blanca de ahí
el piso la arena color plomo con algo de amarillo, los árboles de color verde y el cielo gris
con nubes oscuras como si fuera a llover, así mismo a tras de la virgen vemos como un tronco
como también podemos inferir que puede ser una tela grande, sin embargo como de fondo
existe un paisaje de la playa describiremos que es un tallo de uno de los árboles que le hace
sombra a la virgen y que ella está sentada sobre una rama o piedra, por ende el color de ese
tallo es como un verde oscuro con una combinación de color negro.

REPRESENTACIÓN DE SÍMBOLOS:
- Naturaleza: Transmitir sensación de profundidad o perspectiva
- Árbol: Simboliza la vida, el aprendizaje y el crecimiento
- Figura de la virgen: Importancia para las personas de fe
- Piedra

3. NIVEL ICONOLÓGICO

• INTERPRETACIÓN:
Podemos interpretar de esta obra primero que va a la religión, lo que demuestra en esta
pintura el rostro de la virgen maría siempre va hacia abajo al igual que el del niño Jesús
podemos inferir de que en algo piensan o ven algo en el piso que les tiene la mirada fija, la
boca de la virgen es pequeña que puede significar un reconocimiento silencioso que no habla
mucho y su túnica amarilla lo lleva para cubrirse la cabeza como modo de respeto hacia dios
ya que en los tiempos de cristo no se podía mucho mostrar el cabello o tener la cabeza
descubierta en eventos religioso, y las manos de Jesús con sus palmas hacia abajo y encima
de las de su madre indican que las gracias de la redención están bajo su custodia, el manto
oscuro que lleva en la espalda y cae encima de una de sus piernas, nos enfocaremos más en
el color ya que es un azul oscuro con fondo negro, estos colores usaban las madres en
Palestina por ende María es dos cosas a la vez una virgen y la otra madre, la mano izquierda
de María con la que sostiene de manera posesiva a Jesús. Ella es su madre. Es una mano
consoladora para todo el que acuda a ella, las sandalias podremos solo deducir que su mirada
va hacia ella que tal vez busca consuelo ante el pensamiento de su pasión.
Como la virgen está sentada sobre las ramas de un árbol es como si tomase un descanso sin
dejar de sostener a Jesús y el paisaje muestra tranquilidad, paz, donde ella está tomando un
respiro o simplemente aire libre.

CONCLUSIÓN:
En conclusión está obra de arte de Jacobo Robusti llamado Tintoretto es similar al de la Virgen
y el Niño del Taller de Tintoret de Giovanni Galizzi por lo que no se encuentra entre sus obras
más importantes o reconocidas, sin embargo analise este cuadro ya que me gusta como esta
pintura es simple y muestra mucha tranquilidad, paz y sobre todo dudas de porque usualmente
la virgen siempre mantiene la mirada hacia el piso, así mismo también me llamo la atención por
la religión como llama la atención y la combinación de colores de claros a oscuros.