Piano

instrumento musical de cuerda percutida y

teclado

El piano (abreviación de «pianoforte», palabra que en italiano está compuesta por los términos
«piano», que significa «suave», y «forte», «fuerte») es un instrumento musical armónico,
clasificado como instrumento de cuerda percutida por el sistema de clasificación tradicional, y
según la clasificación de Hornbostel-Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el piano
se denomina pianista.

Está compuesto por una caja de resonancia a la que se ha agregado un teclado ligado a un
sistema percutor, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con martillos forrados de
fieltro, lo que produce el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla
armónica, que las amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples,
accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores.
Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores
se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el
clavecín (del que deriva la forma y el teclado, pero no la mecánica).

A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes son el
piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la
acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que
estas vibren en las frecuencias adecuadas.
En la música occidental, el piano se puede
utilizar para la interpretación solista, para la
música de cámara, para el acompañamiento, Piano
para ayudar a componer y para ensayar. Las
primeras composiciones específicas para
este instrumento surgieron alrededor del año
1732; entre ellas destacan las doce sonatas
para piano de Lodovico Giustini tituladas
Sonate da cimbalo di piano e forte detto
volgarmente di martelletti. Desde entonces,
muchos han sido los compositores que han
realizado obras para piano y en muchos
casos esos mismos compositores han sido Características
pianistas. Destacan figuras como Frédéric
Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Clasificación Instrum
Mozart, Ludwig van Beethoven, Claude
Debussy o Piotr Ilich Chaikovski. Fue el de
instrumento representativo del romanticismo
musical y ha tenido un papel relevante en la
percus
sociedad, especialmente entre las clases más
Instrum
acomodadas de los siglos xviii y xix.
de cue
Origen del percut

término Instrumentos Clavec

relacionados clavico
La palabra piano deriva del nombre original en dulcém
italiano del instrumento, pianoforte (piano:
«suave» y forte: «fuerte»), asignado por su
espine
primer constructor, Bartolomeo Cristofori: órgano
clavicémbalo col piano e forte (literalmente
«clavecín con [sonido] suave y fuerte»). Esto Hamm
se refiere a la capacidad del piano para
producir sonidos con diferentes intensidades,
dependiendo del peso que se le aplica a las
piano
teclas. Esta característica lo diferenciaba de electró
sus predecesores, que solo podían producir
un único volumen.
Tesitura

Inventor Bartolomeo
Cristofori
Desarrollado Hacia
1700
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Mecanismo de percusión
 Gráfico del mecanismo de percusión
de un piano de cola:
(1) Tecla,
(2) Pilotín,
(3) Puente,
(4) Pilotín del escape,
(5) Palanca de escape,
(6) Tornillo de reborde del macillo,
(7) Rodillo,
(8) Brazo del macillo,
(9) Palanca de repetición,
(10) Cabeza de macillo,
(11) Empujador,
(12) Palanca del apagador,
(13) Apagadores,
(14) Cuchara de apagador,
(15) Apagador,
(16) Cuerda,
(17) Marco,
(18) Grapa,
(19) Enganche de la cuerda, y
(20) Somier.

El funcionamiento básico del mecanismo de un piano es el siguiente: cuando una tecla es

pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto se eleva y el macillo asociado a ella
se pone en movimiento en dirección a la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de
la percusión. Tras el golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y acto seguido aquel cae
hasta ser recogido por la grapa, también conocida como atrape, a una distancia aproximada de
dos centímetros. Al levantar la tecla, esta libera el conjunto de palancas del escape y el macillo
vuelve a estar disponible para volver a tocar la cuerda. Si retiramos la presión por completo,
todo el sistema vuelve a su estado inicial de reposo, en el que el apagador tiene la misión
primordial de interrumpir el sonido.[1] ​
Caja de resonancia

Caja de resonancia de un piano de

cola.

La caja de resonancia, también denominada mueble, es el recinto cerrado del piano que tiene la
finalidad de amplificar o modular el sonido. Es una parte primordial del piano, ya que, además de
amplificar y modular el sonido, es un factor decisivo en el timbre del instrumento, siendo
importante la calidad de la madera con la que está fabricada, el número de piezas con las que
esté construida y su estructura.

La caja está formada por una tapa superior, una tapa inferior, denominada tabla armónica, y una
«faja», que es una sección de madera que une ambas tapas, con formas curvadas mediante un
proceso de prensado con calor. En el interior se encuentra el bastidor, que es una estructura de
refuerzo de las tapas y sirve para controlar la vibración, y el alma.

Tabla armónica

Los barrajes de la tabla armónica de

un piano de cola.
La tabla armónica está compuesta por la tabla propiamente dicha, las barras armónicas, los
puentes de sonido y los barrajes. La tabla armónica se sitúa debajo y también detrás de las
cuerdas del piano. Es una superficie de madera laminada que varía de espesor, desde el centro a
los lados, a lo largo de su superficie. Puede ir de los 12 a los 15 milímetros dependiendo de la
medida del instrumento y el criterio del fabricante. La tabla está formada por una serie de
listones de entre 10 y 15 centímetros de anchura unidos entre sí mediante cola. Es el auténtico
elemento de resonancia del instrumento y su función es amplificar el sonido producido por las
cuerdas, que a su vez es transmitido a las mismas a través del puente tonal.

La calidad y homogeneidad de la madera con la que está fabricada la tabla armónica es de

suma importancia. En un piano de cola moderno, suele estar construida generalmente en
madera de abeto y tiene un espesor de 8 milímetros, el doble de la de un pianoforte.[1] [2]
​ ​Se usa
la madera del abeto para la fabricación de la tabla armónica del piano y de otros instrumentos
porque tiene el mejor cociente entre resistencia mecánica, que permite soportar la enorme
presión de las cuerdas, y ligereza, que favorece la captación de las vibraciones más sutiles de
las cuerdas. La tabla armónica tiene una ligera curvatura de unos 18 metros de radio,
difícilmente apreciable a primera vista, que contribuye a que la tabla resista la presión de las
cuerdas y al mismo tiempo se incremente considerablemente la resonancia del instrumento.[3] ​

Las barras armónicas son un conjunto de listones que están fabricados con el mismo material
que la tabla armónica, generalmente abeto, que están unidos a la tabla mediante cola por
debajo de la misma. Su encolado es en sentido perpendicular a la veta de la tabla para hacer
uniforme la rigidez del conjunto. La cantidad de barras armónicas varía entre 8 y 14, en función
de la medida del instrumento, y sus dimensiones son de dos centímetros de alto por dos de
largo aproximadamente. Las barras más largas se encuentran situadas en el centro de la tabla y
tienen un grosor mayor, mientras que las más cortas se sitúan en los extremos y son más
delgadas.[3] ​

Los puentes de sonido van encolados en el centro de la tabla y en la parte superior de la misma.
Sirven para transmitir la vibración de las cuerdas a la tabla armónica. Su forma es debida a la
disposición de las cuerdas sobre ella y a que es necesario que la longitud de estas se
incremente desde las notas más agudas a las más graves.

Los barrajes son la estructura básica del piano y su finalidad es la de soportar todos sus
elementos. Se sitúan debajo de la tabla armónica, a la que van adheridos mediante cola. De
ellos dependen tanto la solidez como la duración en el tiempo del instrumento y aportan
estabilidad frente a posibles cambios climáticos, tensiones internas, agresiones externas o
cualquier otro tipo de deformación.

Tapa superior
La tapa superior de la caja tiene una doble función: cerrar el mueble y proyectar el sonido hacia
el público. Esta tapa se puede colocar en diversas posiciones según la potencia requerida. En el
caso de realizar una actuación como solista, la tapa debe estar ubicada en su posición más alta.
En cambio, si se está interpretando una obra acompañando a otros instrumentos, la tapa debe
permanecer en su ubicación más baja.[4] ​

Bastidor
El bastidor es un armazón de barras delgadas que suelen ser de hierro. En el cordal,situado en
su extremo posterior, se ajustan las cuerdas, y en el clavijero, situado en el frontal, están las
clavijas de afinación. Alrededor de estas se enrolla el otro extremo de la cuerda. Es necesario
afinar correctamente cada cuerda. Esto se consigue enroscando el extremo final de cada una de
ellas en un eje insertado en el clavijero, obteniendo un tono más agudo o grave según el sentido
de giro.[5] ​
Cuerdas

Cuerdas de un piano. Puede

observarse que las cuerdas de la
parte superior, correspondientes a las
notas más graves, son más gruesas, y
las de la parte inferior,
correspondientes a las notas más
agudas, son de menor grosor.

Las cuerdas son el elemento vibratorio que origina el sonido en el piano. Son segmentos
formados por un material flexible que permanecen en tensión de modo que puedan vibrar
libremente, sin entorpecimiento que provoque una distorsión de la onda acústica. La tensión de
las 224 cuerdas puede llegar a alcanzar del orden de las 15 a 20 toneladas-fuerza[6] ​y depende
proporcionalmente de las dimensiones del instrumento.

Los bordones son las cuerdas de mayor longitud y pertenecen al registro grave extremo del
instrumento. Hay una única cuerda por tecla y están fabricadas en acero, con un contenido del
1% de carbono, y entorchadas con hilos de cobre. Este entorchado tiene la misión de añadir
cierto peso y homogeneidad en la vibración de modo que la cuerda alcance la altura sonora
deseada, mientras la mantiene lo suficientemente delgada y flexible para tocar. En el registro
grave se colocan dos cuerdas por tecla afinadas al unísono y en el registro agudo, tres. Las
cuerdas para el registro agudo están fabricadas exclusivamente con acero. La longitud y grosor
disminuye proporcionalmente desde el registro grave, cuerdas más largas y gruesas, hasta el
registro agudo, de menor grosor y longitud. La longitud de las cuerdas más graves incide
proporcionalmente en las dimensiones exteriores del instrumento. Por tanto, una mayor longitud
de las cuerdas implica una mayor cola del piano, lo que incrementa la calidad del sonido. Ocurre
lo mismo con la altura de la caja del piano de pared.
La fabricación de una cuerda para piano se realiza mediante un proceso de trefilado, que
consiste en la reducción de la sección de una cuerda de diámetro grueso y hacerla pasar a
través de un orificio cónico calibrado practicado en un disco de material más duro que la
cuerda. Tras dicho proceso se obtiene una cuerda con un diámetro exactamente calibrado. Al
iterar este proceso con agujeros cada vez más pequeños se obtienen otras tantas cuerdas con
sendos calibres.

Antiguamente, el alambre de latón se trefilaba a través de discos de acero. Las cuerdas de acero
actuales se trefilan a través de discos de materiales más duros que el acero, como el diamante
o el rubí. Este procedimiento fue inventado en 1819 por Brockedon en el Reino Unido y sigue
siendo usado en la fabricación de cuerdas para los pianos modernos.[7] ​

Teclado

Teclado de un piano con las notas del

pentagrama que le corresponden
según su registro.

Véase también: Instrumentos de teclado

Prácticamente todos los pianos modernos tienen 88 teclas, 36 negras y 52 blancas. El número
de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo xviii los clavecines
tenían poco más de 61 teclas (hasta cinco octavas), mientras que la mayoría de los pianos
fabricados desde 1870 tenían 88 teclas.

Los pianos modernos tienen un registro de siete octavas y una tercera menor; es decir, desde la-
2 hasta do7. Sin embargo, muchos pianos tienen un registro de siete octavas (85 teclas); es
decir, desde la-2 hasta la6 y algunos fabricantes amplían su registro hacia alguno de los dos
extremos, el agudo o el grave. Por ejemplo, un piano Bösendorfer 225 tiene 92 teclas y un
Bösendorfer 290 Imperial tiene 97. Los órganos generalmente tienen 61 teclas por «manual»
(parte del órgano que se toca con las manos).
El peso de las teclas es un factor muy importante del teclado de un piano. En un piano acústico
(de cola o vertical), el peso de las teclas está directamente relacionado con el mecanismo de
percusión del macillo, que golpea la cuerda dentro de la caja de resonancia. En un piano
electrónico la sensación de peso que tiene lugar en los pianos acústicos es reproducida
mediante un mecanismo de martillo debajo de cada tecla.[8] ​

Tesitura del Piano transcrito 3 octavas y las notas escritas

normal.

Pedales

Los tres pedales de un piano de cola, de

izquierda a derecha, son: el pedal unicordio
o una corda; el pedal tonal o «de sostenuto»
y el pedal de resonancia.

Un piano moderno tiene tres pedales. A principios del siglo xx, los pianos tenían tan solo el
pedal de resonancia y el pedal una corda. Pero en épocas anteriores se experimentó mucho, con
registros de laúd, fagot y otros efectos incluso más extravagantes, no siendo raro encontrar
pianos antiguos con más de cuatro pedales. Beethoven poseyó un piano Érard con cuatro
pedales, uno de ellos partido, lo que hacía un total de cinco.[9] ​

En un piano de cola moderno los tres pedales se denominan respectivamente unicordio, tonal y
de resonancia.

El pedal unicordio o una corda se

encuentra a la izquierda y desplaza los
macillos hacia un lado, de modo que,
según el ajuste que se le dé, los
macillos golpean sobre dos de las tres
cuerdas y en la zona del fieltro donde
habitualmente no lo hacen.
El pedal tonal central (también
denominado «'pedal de sostenuto»', del
italiano «sostenido» que también se
encuentra en algunos modelos
verticales de Yamaha) sirve para crear el
efecto llamado nota pedal, que consiste
en mantener durante un tiempo
determinado la misma nota (dejándola
vibrar sin apagarla, lo cual tiene el
mismo efecto, si después de tocar una
tecla, a esta se la mantiene apretada) o
acorde; a diferencia del pedal de
resonancia, la nota pedal no se ve
alterada por las que se toquen después.
El pedal de resonancia, al ser pisado,
libera los apagadores de las cuerdas, lo
que permite que la nota siga sonando
aunque se haya dejado de pulsar la
tecla, añadiendo además una gran
cantidad de armónicos de otras cuerdas
que vibran por simpatía, aumentando de
este modo el volumen sonoro y, en su
 caso, mezclando notas, acordes y
armonías diversas. Usado con destreza,
también permite pequeños efectos
sutiles de expresión, cantabilidad,
fraseo o acentuación.
La disposición en un piano vertical es ligeramente diferente. El pedal de aproximación se
encuentra a la izquierda, pero en este caso difiere del piano de cola. Al pulsarlo, el mecanismo
acerca los macillos a las cuerdas, con lo que, a menor distancia para percutir, menor aceleración
al pulsar la tecla, con lo que sencillamente se reduce el volumen sonoro. Al ser pisado el pedal
sordina, situado en el centro, se interpone una tela entre los macillos y las cuerdas, lo que
reduce enormemente el sonido y permite tocar el piano sin molestar a otras personas. Y,
finalmente, el pedal derecho es el de resonancia, el único que es común a los dos tipos de
piano. En los verticales, su funcionamiento es exactamente el mismo.
Historia

Antecesores

La cítara es el antecesor más antiguo

del piano y data de la Edad del
Bronce.

Al igual que muchas otras invenciones, el piano fue fabricado a partir de otros instrumentos. El
instrumento musical de cuerda más antiguo que inicia la línea evolutiva del piano es la cítara, un
instrumento originario de África y del sudeste de Asia que se remonta a la Edad del Bronce
(alrededor del año 3000 a. C.). La cítara era un conjunto de cuerdas tensas dispuestas sobre una
tabla que se hacían vibrar mediante los dedos, las uñas o algún objeto punzante.

El monocordio fue un instrumento posterior a la cítara, pero tenía leves variaciones respecto a
ésta. Estaba construido con una única cuerda mucho más larga que las cuerdas que se
empleaban en la cítara, que vibraba sobre una pequeña caja de resonancia de madera. Este
instrumento fue utilizado por varios matemáticos a lo largo de la historia para realizar sus
estudios, como el griego Pitágoras, que realizó sus estudios sobre las relaciones entre los
intervalos musicales, y Euclides, que basó la geometría euclidiana en las divisiones de este
instrumento.
Más tarde se inventó el salterio, un instrumento construido sobre los principios de la cítara pero
con una forma trapezoidal en función de las distintas longitudes de sus cuerdas. La tabla
trapezoidal del salterio, mucho más tarde, dio paso al diseño de los primeros clavecines. Se
pretendía encontrar algún tipo de mecanismo que hiciera que las cuerdas no estuvieran en
contacto con los dedos.[10] ​

Se hicieron bastantes experimentos, y uno de ellos fue el clavicordio, un instrumento que

vibraba mediante un pequeño clavo o una aguja metálica que era accionada a través de unas
teclas que hacían mover la aguja o clavo para que vibrara la cuerda. Después de la creación del
clavicordio nació el clave, diferenciado del clavicordio porque para hacer vibrar las cuerdas
utilizaba un plectro o la punta de las plumas de las aves.[10] ​

Los primeros instrumentos de cuerda percutida fueron los dulcémeles que procedían del santur,
un instrumento musical tradicional persa.[11] ​Durante la Edad Media, hubo varios intentos para
crear instrumentos de teclado con cuerdas percutidas.[12] ​El primero de ellos fue la zanfona,
que tiene origen incierto.[13] ​Del siglo xiv son las primeras referencias al escaque, instrumento
poco conocido cuyo mecanismo (descrito en un manuscrito de Henri Arnault de Zwolle) podría
anticipar el del piano. En el siglo xvii, los mecanismos de instrumentos de teclado como el
clavicordio y el clavecín eran bien conocidos. En un clavicordio las cuerdas son golpeadas por
las tangentes, mientras que en un clavecín son presionadas por plumas de ganso. Siglos de
trabajo sobre el mecanismo del clave, en particular, han mostrado los medios más eficaces para
construir la caja de resonancia, el puente y el teclado.
Primeros pianos

La invención del piano se acredita a

Bartolomeo Cristofori.

La invención del piano moderno se atribuye a Bartolomeo Cristofori, de Padua, perteneciente

por aquel entonces a la República de Venecia (Italia), que fue contratado por el príncipe
Fernando II de Médici como conservador de instrumentos. Fue un experto fabricante de
clavicémbalos y fue así como pudo familiarizarse con las técnicas de fabricación de
instrumentos de cuerda con teclado. Se desconoce con precisión la fecha en la que del taller de
Cristofori en Florencia salió el primer piano, pero en un inventario hecho por sus mecenas, la
familia Médici, se indica la existencia de un piano en el año 1709.

Como instrumento de cuerda con teclado, el piano es similar al clavicordio, desde el punto de
vista organológico, y al clavecín, en términos estético-musicales. Estos tres instrumentos se
diferencian en sus mecanismos de producción del sonido. En un clavecín, las cuerdas son
pulsadas por plectros. En un clavicordio, las cuerdas son percutidas por pequeñas púas de
metal (tangentes) que continúan en contacto con la cuerda hasta que se deja de presionar la
tecla. En un piano, las teclas son percutidas por macillos, que rebotan inmediatamente dejando
a la cuerda vibrar libremente.

El gran éxito de Cristofori fue hallar la solución, sin ejemplos previos, al problema fundamental
mecánico del diseño del piano: el macillo de madera cubierto de cuero debía golpear la cuerda,
pero no permanecer en contacto con ella porque amortiguaba el sonido, como ocurría con las
tangentes que se mantenían en contacto con las cuerdas del clavicordio. Por otra parte, el
macillo debía volver a su posición de descanso sin rebotar violentamente y, a ser posible, debía
permitir repetir una nota rápidamente. El mecanismo de percusión de Cristofori sirvió como
modelo para los numerosos enfoques diferentes para las acciones de piano posteriores. Si bien
los primeros instrumentos de Cristofori se hicieron con cuerdas delgadas y fueron mucho más
silenciosos que el piano moderno, en comparación con el clavicordio (el único instrumento de
teclado anterior capaz de controlar mínimamente los matices dinámicos a través del teclado)
fueron considerablemente más fuertes y podían mantener mejor la potencia del sonido.

El piano no tenía un sonido estridente y metálico como el clavicordio o el clave, sino que era un
sonido mucho más suave y sostenido. Además, los macillos estaban dotados de un sistema de
escape mediante el cual era posible variar tanto el volumen como el timbre del sonido. Con él se
incrementaba notablemente la capacidad expresiva musical del instrumento, ya que además de
producir un determinado sonido siempre al mismo volumen como ocurría con los instrumentos
antecesores, era posible producir sonidos con más o menos volumen que otros y producir una
muy ligera variación tímbrica. Todo esto dependía de la forma de ejecutar el teclado del piano:
con movimientos rápidos y bruscos de las teclas se producían sonidos de gran volumen y
brillantes; y con movimientos lentos y apaciguados se generaban sonidos de menor volumen y
con un timbre más dulce.[10] ​

Cristofori lo llamó gravicembalo col piano e forte. Este nombre hacía referencia a la capacidad
del instrumento de producir sonidos con diferentes intensidades, dependiendo de la presión
ejercida sobre las teclas: si se apretaba fuerte, el sonido era de mayor intensidad y si se
apretaba más suavemente, el sonido era de menor intensidad; de aquí viene el nombre que le
puso primariamente, pianoforte (derivado del italiano: piano: suave y forte: fuerte). Cristofori
construyó cerca de una veintena de pianos a lo largo de su vida, de los que solo se conservan
tres, el más antiguo de los cuales se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva
York y data de 1720.[10] ​
 Réplica de un pianoforte elaborada
por Paul McNulty siguiendo la
construcción de uno similar fabricado
en 1804 por el vienés Anton Walter.

El nuevo instrumento construido por Cristofori se mantuvo relativamente desconocido hasta

que el escritor italiano Francesco Scipione escribió un entusiasta artículo en el Giornale de’
Letterati d’Italia sobre el piano en 1711, incluyendo un diagrama de su mecanismo. Este artículo
fue distribuido ampliamente y la mayor parte de la siguiente generación de fabricantes de
pianos inició su trabajo debido a su lectura. Uno de estos fabricantes fue Gottfried Silbermann,
más conocido como fabricante de órganos, que tenía su taller en Freiberg (Sajonia, Alemania).
Los pianos de Silbermann son prácticamente copias directas del piano inventado por Cristofori
pero con una importante adición: Silbermann inventó el precursor del pedal de resonancia
moderno, que elevaba todos los apagadores de las cuerdas a la vez.

Hacia 1726 Cristofori introdujo en sus pianos el sistema una corda que daba al intérprete la
posibilidad, mediante un comando especial, de desplazar el mecanismo de tal modo que cada
macillo golpeara sobre una cantidad de cuerdas menor de lo habitual para lograr un sonido muy
suave. Este mecanismo se sigue manteniendo en los pianos modernos actuales y el una corda
permite que el macillo del piano golpee sobre una única cuerda de cada grupo. Las primeras
composiciones específicas para pianos aparecieron alrededor de 1732, entre las que destacan
las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto
volgarmente di martelletti.
Silbermann mostró a Johann Sebastian Bach uno de sus primeros instrumentos en la década de
1730, pero a Bach no le gustó ese instrumento, alegando que las octavas superiores eran
demasiado suaves para permitir un completo registro dinámico, lo que le granjeó cierta
hostilidad con Silbermann. Al parecer las críticas fueron atendidas y en 1747 Bach dio su
aprobación al instrumento e incluso actuó como agente en la venta de pianos fabricados por
Silbermann.[10] ​

Desde el taller de Gottfried Silbermann se desarrollaron las famosas escuelas de fabricación de

pianos: la «escuela inglesa» que surgió a partir de dos discípulos de Silbermann, llamados
Johannes Zumpe y Americus Backers, que emigraron a Londres, donde desarrollaron un piano
que poseía el mismo mecanismo que el de Cristofori aunque con notables modificaciones, que
más tarde sería denominado «mecanismo inglés»; y la «escuela alemana», surgida a partir de
otro discípulo de Silbermann llamado Johann Andreas Stein, que realizó otras modificaciones al
mecanismo original de un diseñador llamado Schroter, denominado «mecanismo alemán o
vienés».[10] ​

Evolución y desarrollo

Siglo xviii: primeros fabricantes de pianos

Un piano Érard, con caja de

resonancia de palisandro,
perteneciente a Andrés Bello. Museo
del Carmen de Maipú, Chile.
Desde los primeros pianos del italiano Cristofori hasta los pianos actuales, se han producido
muchas mejoras y avances, pero el concepto y la idea fundamental para su construcción
continúan siendo los mismos. Se han optimizado los materiales para lograr una mejor calidad
de sonido, se ha aumentado paulatinamente el número de notas para ampliar la capacidad
musical del instrumento y se ha mejorado el diseño para lograr un mejor rendimiento. Sin
embargo, el concepto fundamental de pianoforte como un instrumento capaz de lograr sonidos
fuertes y suaves sigue siendo el mismo.

El apogeo de la fabricación de pianos tuvo lugar a finales del siglo xviii en la escuela de Viena,
que incluyó a fabricantes como el mencionado Johann Andreas Stein (que trabajó en
Augsburgo, Alemania) y los vieneses Nannette Streicher (hija de Stein) y Anton Walter. Los
pianos de estilo vienés fueron construidos con marcos de madera, dos cuerdas para cada nota y
macillos cubiertos de cuero. Algunos de estos pianos de estilo vienés tenían un colorido
opuesto al de los pianos modernos: las teclas naturales eran negras y las accidentales
blancas.[14] ​Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus conciertos y sonatas para ellos e incluso
se han fabricado réplicas para su uso en interpretaciones de música antigua. Los pianos de la
época de Mozart tenían un tono más suave y claro que los pianos modernos o los pianos
ingleses, con potencia mantenida. El término pianoforte se utiliza a menudo para distinguir los
pianos del siglo xviii de los pianos posteriores.

Entre los años 1760 a 1830 la fabricación de pianos tuvo una gran expansión y sufrió grandes
modificaciones. Esta revolución fue una respuesta a la preferencia de los compositores y
pianistas por tener un piano con un sonido más poderoso y sostenido, y fue posible gracias a
los avances tecnológicos surgidos a partir de la Revolución industrial, que estaba comenzando.
Algunos de estos avances fueron la alta calidad del acero de las cuerdas, llamado
específicamente cuerda de piano, así como la precisión de la fundición para la producción de
hierro fundido. Con el tiempo, la gama tonal del piano también fue en aumento y pasó de las
cinco octavas de la época de Mozart a las siete octavas y un tercio o más de los pianos
modernos.

En 1762 Henry Walsh realizó el primer concierto para piano en toda la historia en Dublín
(Irlanda).[15] ​El diseñador de pianos francés Sébastien Érard construyó en 1776 el piano
rectangular, que era una variante especial del piano de cola. En 1773 se publicaron las sonatas
para piano Opus 2 de Muzio Clementi, que pretendían utilizar al máximo los recursos del piano.
En 1775 se construye en Filadelfia el primer piano en Estados Unidos y en 1795 se fabrica el
primer piano vertical en Londres, diseñado por William Stodart.[10] ​Pascal Taskin también
fabricó algunos pianos entre los años 1786 y 1790.
Los primeros avances tecnológicos se produjeron en gran medida gracias a la empresa inglesa
Broadwood, que ya tenía reputación por el tono esplendoroso y poderoso de sus clavecines.
Broadwood construyó instrumentos que fueron progresivamente más grandes, más fuertes y
más vigorosamente construidos. Enviaron dos pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven
y fue la primera empresa de fabricación de pianos con una gama de más de cinco octavas:
cinco octavas y una quinta en el año 1790, seis octavas de 1810 (Beethoven utilizó las notas
adicionadas en sus obras posteriores), y siete octavas de 1820. Los fabricantes vieneses
también siguieron estas tendencias, sin embargo las dos escuelas de piano utilizaron diferentes
acciones: el mecanismo de Broadwood era más robusto y el de los instrumentos de Viena era
más sensible.

Siglo xix: el impulso de la Revolución

industrial
En 1808 Sébastien Érard patentó un mecanismo de simple repetición e incorporó la grapa, una
pieza que permitía a las cuerdas permanecer en su lugar exacto después de ser golpeadas por
los macillos. Dos años más tarde, en 1810, diseñó el mecanismo de pedales del piano
moderno.[10] ​En la década de 1820 la fábrica de pianos de Érard en París pasó a ser el centro de
la innovación en lo referente al mecanismo del piano. En 1822 introdujo su mecanismo de doble
repetición, que permitía una gran velocidad de repetición al pulsar las teclas del piano, incluso si
la tecla aún no había alcanzado su máxima posición vertical, y facilitaba una rápida ejecución.
Cuando esta invención se hizo pública, en su forma revisada por Henri Herz, el mecanismo de
doble repetición se convirtió paulatinamente en un elemento estándar en el mecanismo de los
pianos de cola y forma parte de todos los pianos de cola modernos.

Una de las principales innovaciones técnicas que ayudaron a crear el sonido del piano moderno
es la utilización del hierro fundido. También el llamado «marco», el hierro fundido que se asienta
sobre la caja de resonancia, que sirve como principal baluarte contra la fuerza ejercida por la
tensión de las cuerdas. El aumento de la integridad estructural del hierro fundido permitió el uso
de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas, en lugar de las cuerdas de latón que se
empleaban hasta entonces, que eran más blandas y no soportaban tensiones tan altas.
Posteriormente se usaron cuerdas de acero, más fuertes que las de hierro y que permitían una
tensión aún mayor. En un piano de cola moderno el total de la tensión de las cuerdas puede
aproximarse a las 20 toneladas-fuerza.[6] ​La pieza simple de hierro fundido fue patentada en
1825 en Boston por Alpheus Babcock, combinando el enganche del marco (creado en 1821 y
reclamado por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y la barra de resistencia (creada por
Thom y Allen en 1820, pero también reclamada por Broadwood y Érard). Más tarde, Babcock
para Chickering & Mackays, empresa que patentó el primer marco de hierro de los pianos de
cola en 1843. Los fabricantes europeos de pianos prefirieron los marcos de hierro fundido hasta
principios del siglo xx, fecha en que el sistema estadounidense fue adoptado completamente.

Macillos

Se incluyeron otras innovaciones en el mecanismo del piano, como el uso de fieltro en los
macillos en lugar de recubrirlos con cuero. Los macillos de fieltro fueron empleados por primera
vez por Jean-Henri Pape en 1826. Al ser un material más consistente, permitía mayores
registros dinámicos como el peso del macillo y el aumento de la tensión de las cuerdas. Otras
importantes innovaciones técnicas de esta época fueron los cambios en la forma de fabricación
de las cuerdas, como el uso de un «coro» de tres cuerdas en lugar de dos para todas las
cuerdas, excepto para las de las notas inferiores, y el uso de diferentes métodos de tensado.
Con el método de tensado over string, también llamado cross-stringing, las cuerdas se colocan
en manera superpuesta inclinada verticalmente, con puentes de dos alturas en la caja de
resonancia en lugar de solo uno. Esto permite cuerdas mayores, pero no necesariamente más
largas, para encajar dentro del piano. El tensado over string fue inventado por Jean-Henri Pape
durante la década de 1820 y patentado para su uso en los pianos de cola en Estados Unidos por
Henry Steinway Jr. en 1859.
A lo largo del siglo xix se fundaron numerosas compañías de fabricación de pianos. En 1828
Ignaz Bösendorfer fundó la suya en Austria y el 1853 supuso un hito en lo que se refiere a
creación de fábricas de pianos, ya que el alemán Heinrich Engelhard Steinweg emigró a Estados
Unidos y fundó en Nueva York la fábrica Steinway & Sons; Julius Blüthner fundó su compañía en
Leipzig y Carl Bechstein hizo lo propio en Berlín. En 1859 August Förster fabrica su primer piano
en Löbau.

En 1844 Boisselot & Fils patentó el pedal tonal o sostenuto (pedal central en la mayoría de los
pianos de cola) que permite el control selectivo de amortiguadores, sin la necesidad de
mantener pulsadas las teclas, produciendo el efecto llamado nota pedal, que consiste en
mantener durante un tiempo la misma nota o acorde sin que sea alterada por las que se toquen
después.

En 1863 Steinway & Sons diseñó y fabricó el piano vertical moderno con cuerdas cruzadas y una
única tabla armónica y en 1874 Julius Blüthner patentó el sistema aliquot, que incorporaba a
cada grupo de tres cuerdas una cuarta adicional más elevada para incrementar la resonancia de
las mismas y que no era percutida por el macillo, sino que vibraba en simpatía. En 1880
Steinway & Sons abrió una sucursal en Hamburgo, lo que incrementó la competencia en el
mercado europeo con Bechstein y Blüthner.

A partir de ese año ya se pudo hablar de piano moderno, tal como se lo conoce hoy en día,
aunque se han realizado modificaciones posteriores al diseño del piano pero sin demasiada
trascendencia.
Tipos de pianos

Piano de cola

Un piano de cola de la casa

Bösendorfer.

Un piano de cola, a veces llamado piano horizontal, es un tipo de piano en el que las cuerdas y la
caja de resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una tapa
superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por las cuerdas salen al
exterior sin barreras de ningún tipo.

Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de cola fabricado, pero
suelen oscilar entre los siguientes valores:

piano de cola mignon: hasta 130 cm de

longitud.
piano de un cuarto de cola: de 131
hasta 189 cm de longitud.
 piano de media cola: de 190 hasta
225 cm de longitud.
piano de tres cuartos de cola: de 226
hasta 255 cm de longitud.
piano de gran cola: superiores a 256 cm
de longitud.
Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase. Algunos solo poseen
decoraciones o modificaciones estéticas, como pies trabajados, marquetería, pintura o
revestimiento. Otras son modificaciones radicales, como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal
diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli.

Piano vertical o piano de pared

Piano vertical o de pared.

En 1795 se desarrolló en Londres el primer piano vertical. Su diseñador fue William Stodart.[16] ​
El piano vertical se caracteriza por tener las cuerdas, los macillos y la caja de resonancia en
posición vertical, perpendicular al suelo.

De modo general, se pueden dividir entre cuatro tipos distintos dependiendo de su tamaño:

Piano vertical espineta: el más pequeño

en su categoría con un sonido
característico, piano de máquina
indirecta (quiere decir que el
mecanismo se encuentra por debajo del
teclado). Su altura es menor de 98 cm.
Piano vertical consola: son pianos de
máquina directa, es decir, el mecanismo
está al mismo nivel del teclado. De 98 a
109 cm de altura.
Piano vertical de estudio: son pianos de
máquina directa, con el mecanismo un
poco más elevado que el nivel del
 teclado. Esta característica proporciona
al intérprete una mayor seguridad. De
110 a 139 cm de altura.
Piano vertical antiguo: son pianos con
una gran capacidad acústica, de
máquina directa aún más elevada que la
del piano de estudio. Su altura es muy
variable dependiendo del fabricante
pero suele medir más de 140 cm.[10] ​

Piano electrónico
Véanse también: Órgano Hammond y Teclado electrónico.

El piano electrónico es una invención del siglo xx. Tiene la misma apariencia del piano, pero la
diferencia es que el sonido proviene de medios de síntesis electrónica. Además puede
reproducir el sonido de diferentes instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos
predeterminados.

Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes con una sola tecla en
diferentes estilos. Algunos tienen todo un sistema educativo, como el Yamaha Education
System, el sistema de aprendizaje de Casio o el DoReMi de Roland. Con estos sistemas
educativos se pueden aprender canciones, porque el sistema indica la tecla a presionar. Se
pueden practicar fragmentos de canción, inclusive. Algunos modelos incorporan un metrónomo
para poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.

El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para volver a escucharlas después.
También puede grabar la melodía para cada mano independientemente. Hay variedades que son
sensibles al tacto, es decir, detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en un
piano real y actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con mayor o menor fuerza, según
el caso.

Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se puede apreciar el
pentagrama, la nota presionada (en un teclado dibujado) y las canciones. Tienen accesorios
opcionales como el pedal y el cable para conectarse con un ordenador y se pueden transferir
canciones a través del mismo. También se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el
computador por medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring). Otros accesorios son
el atril para colocarla y la base para las partituras.

La calidad de su sonido no es la misma que la de un piano normal y la fuerza con que se tocan
las teclas también es diferente, aunque su precio es mucho menor.

Otros tipos

Un piano vertical de juguete. Este tipo

de piano fue un invento de Albert
Schoenhut.
 Un piano con pedales vertical.

El piano de juguete fue inventado por Albert Schoenhut en 1872 y comenzó a ser fabricado a
finales del siglo xix. Es utilizado en ciertas obras de la música contemporánea, como por
ejemplo en las interpretaciones de las obras de John Cage por Margaret Leng Tan, así como por
ciertos artistas populares tales como Pascal Comelade y Pascal Ayerbe.

En 1863 Henri Fourneaux inventó la pianola, que es un piano que reproduce de forma
automática, usando dispositivos neumáticos, las notas escritas en un rollo perforado sin
necesidad de un pianista. Un equivalente moderno a la pianola es el sistema Yamaha Disklavier
que usa solenoides y archivos MIDI en lugar de los dispositivos neumáticos y los rollos
perforados. El piano silencioso, que permite que un piano normal sea usado como un
instrumento digital, es un invento reciente pero se ha hecho muy popular.

Irving Berlin utilizó para componer con más facilidad un instrumento llamado piano transpositor,
creado en 1801 por Edward Ryley. Este instrumento podía cambiar de tonalidad al accionar una
palanca situada debajo del teclado. Uno de los pianos utilizados por Berlin se encuentra en el
Instituto Smithsoniano. En la mayor parte de su carrera, Berlin solo supo utilizar las teclas
negras del piano pero con este piano modificado no tuvo limitaciones con la tecla de fa♯.

El piano preparado es un invento relativamente reciente, que es usado en la música

contemporánea. Este instrumento es un piano de cola normal al que se le han colocado objetos
en su interior para alterar su sonido o que ha recibido algún tipo de cambio en su mecanismo.
Las partituras de las obras para pianos preparados a menudo instruyen al pianista sobre cómo
insertar pequeñas piezas de caucho o metal, como tornillos o arandelas, en medio de las
cuerdas. Estos elementos añadidos reducen el sonido de las cuerdas o crean sonidos poco
corrientes debido a la alteración de la vibración de las mismas.
El piano jirafa o piramidal es un piano de cola, creado en 1735, con la caja de resonancia en
posición vertical hacia arriba, perpendicular al teclado. Su nombre le viene de la similitud que
guarda su decoración, compuesta por una voluta formada por la intersección del lado curvo con
el lado recto, con una jirafa. El objetivo de colocar la caja en forma vertical era reducir el
volumen del mueble del instrumento pero tenían el inconveniente de ser demasiado altos. Este
problema se solucionó bajando la caja hasta el suelo y cruzando las cuerdas para que ocuparan
menos espacio.[17] ​

El piano rectangular es un tipo de piano que tiene las cuerdas horizontales dispuestas en
diagonal a través de la caja de resonancia rectangular por encima de los martillos y con el
teclado fijado en el lado largo. El piano con pedales es un tipo de piano que incluye un pedalier,
habilitando el registro grave para ser interpretado con los pies al igual que un órgano común.[18] ​

Materiales de construcción
Un piano moderno está construido con diferentes clases de madera. Para el armazón sobre el
que se asientan las cuerdas se usa madera de roble, abeto, haya o nogal. Para el mecanismo de
percusión, la madera utilizada suele ser de peral, carpino o arce. El teclado se fabrica con
madera de tilo y para el chapado exterior del instrumento se emplean maderas exóticas.

El marco que constituye el esqueleto del piano se fabrica con acero fundido de una sola pieza y
los bordes con hierro forjado o acero. Las cuerdas están construidas con alambre de acero
entorchado o envuelto en un alambre de cobre enroscado para los bordones. Además se
emplea ébano para recubrir las teclas negras y marfil para las blancas y piel de búfalo y paño
para el mecanismo. Los macillos están fabricados con fieltro.[19] ​

Afinación del piano

Véanse también: Frecuencias de afinación del piano y Acústica del piano.
 Afinador de pianos.

La afinación del piano consiste en realizar la modificación de la tensión de las cuerdas de

manera tal que éstas vibren en las frecuencias adecuadas. Así se logra que la música resultante
sea agradable al oído según los cánones de la música occidental. Esta tarea es realizada por
personas especializadas llamadas «técnicos afinadores de pianos».

El proceso de afinación consiste en que el afinador, valiéndose de un diapasón, afine las tres
cuerdas que corresponden al la4 a una frecuencia de 440 Hz (La 440). Una vez que tiene esta
primera tecla afinada, se basa en la serie armónica (reformada) para afinar el resto.

Se suele realizar al menos una vez al año.

El batimiento
Desde la época de Pitágoras hasta el siglo xvii, los músicos afinaban sus instrumentos
ayudándose con la serie armónica. Esto hacía que solo se pudiera tocar en la tonalidad básica
que se había utilizado para afinar el instrumento (probablemente no había una tonalidad fija, ya
que no se utilizaban diapasones para unificar la afinación).

En el siglo xviii los fabricantes de clavecines aplicaron una manera de afinar los teclados similar
a la desarrollada por Bartolomé Ramos de Pareja para afinar instrumentos con trastes, que
permitía tocar obras modulando a cualquier tonalidad sin tener que reajustar la afinación. La
llamaron «buen temperamento». Aprovechando esta nueva característica, Bach compuso una
obra que mostraba un preludio y fuga por cada una de las 24 tonalidades posibles llamada El
clave bien temperado.
Desde principios del siglo xx los pianos, como todos los instrumentos de afinación variable, se
afinan con el temperamento igual. El afinador sabe cuánta «desafinación» (cuánto batimiento o
golpeteo rítmico generado por la falta de unísono) tiene que agregarle a cada tono para que el
piano quede afinado con temperamento igual.

Cuidados
El cuidado del piano suele llevarse a cabo una vez a la semana. El piano se debe limpiar con un
plumero. Algunas partes requieren cuidados especiales. Se debe utilizar un trapo de microfibra
para madera. La parte metálica de latón y los pedales se deben cuidar con pulimento de metal,
los pedales y el teclado con limpiacristales.[20] ​

El piano en la música

Las 12 Sonate da cimbalo di piano e

forte detto volgarmente di martelletti
compuestas por Lodovico Giustini en
1732 fueron las primeras obras
específicas para piano.

El piano en la música clásica

Muchas obras, célebres en su versión para orquesta, han sido escritas inicialmente para el
piano. Algunos ejemplos son las Danzas húngaras de Johannes Brahms, Cuadros de una
exposición de Modest Músorgski, Gimnopedias de Erik Satie o Canción de primavera de Felix
Mendelssohn-Bartholdy.

A la inversa, muchas obras del repertorio clásico han sido transcritas para el piano, como, por
ejemplo, las transcripciones que realizó Franz Liszt de las sinfonías de Ludwig van Beethoven o
las fantasías sobre temas de óperas. El piano es muy utilizado en música de acompañamiento
de la voz en coros, lieder y melodías. También es utilizado en música de cámara, a dúo con otro
instrumento, que suele ser el violín o la flauta, en tríos, cuartetos o quintetos con piano.

El piano es el instrumento pedagógico por excelencia porque es un instrumento polifónico,

polirrítmico y de simple utilización, relativamente barato y bastante sonoro. Por ello es utilizado
en la mayoría de las clases de solfeo de las escuelas de música y los conservatorios como el
instrumento principal del pedagogo.

Formas musicales en la música clásica

Véase también: Composiciones para piano

Las formas musicales para el piano han variado en cada época. En el período barroco, cuyo
repertorio inicialmente estaba previsto para clavecín u otros instrumentos en teclado,
principalmente se compusieron obras con formas nacidas de bailes y formas contrapuntísticas
como la partita, la suite, la fuga, la tocata, el pasacalle, la sonata, la gavota o las variaciones. En
la época clásica, las formas predominantes fueron la sonata, la fantasía, la bagatela y otras
formas aristocráticas.

En la música romántica, además de la sonata, aparecen formas más libres y de orígenes

diversos como el nocturno, el impromptu, el scherzo, la balada, la fantasía, la mazurca, el vals, la
rapsodia o el preludio. Esta época verá también el nacimiento del concierto para piano en su
forma moderna, generalmente una pieza que necesita un dominio completo del instrumento.
Compositores destacados de música
clásica

Frédéric Chopin fue un destacado

pianista y compositor romántico de
obras para piano.

Véase también: Compositores para piano

Las primeras composiciones específicas para piano aparecieron en torno al 1732, entre las que
destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e
forte detto volgarmente di martelletti.

En el período barroco hubo muchos compositores destacados que compusieron obras y

conciertos para instrumentos de teclado, por ello no se les puede considerar compositores para
piano pero muchas de sus obras han sido interpretadas posteriormente con dicho instrumento.
Entre ellos destacan los alemanes Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, los
franceses Jean-Philippe Rameau y François Couperin, los italianos Domenico Scarlatti y Tomaso
Albinoni y el español padre Antonio Soler.[21] ​

En el clasicismo destacan las obras para piano de compositores como Wolfgang Amadeus
Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven, Muzio Clementi y otros menos conocidos como
Friedrich Kuhlau, Jan Ladislav Dussek y Anton Diabelli. En dicho período también existieron
otros compositores que crearon gran cantidad de sonatinas, rondós y variaciones, en ocasiones
con fines didácticos.[21] ​

El piano fue un instrumento representativo del romanticismo musical, no solo en el ámbito

musical sino también en el técnico ya que debido a los avances logrados gracias a la Revolución
industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma forma que el capitalismo
influyó en el modo de organización jerárquico de las cadenas de producción, el piano se utilizó
como herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a la composición.[22] ​En
este período hubo importantes compositores como Félix Mendelssohn-Bartholdy, Frédéric
Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac
Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores como
Aleksandr Skriabin, Sergéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.[21] ​

Son pocos los compositores para piano que puedan ser considerados impresionistas. Destaca
principalmente Claude Debussy que compuso una amplia variedad de obras para piano y para
orquesta y grupos de cámara, además de 24 preludios, varias suites, estudios y otras obras. La
sinfonía o la sonata para piano fueron composiciones muy usadas por los compositores
románticos y posrománticos, pero Debussy nunca compuso ninguna obra de este tipo. Otro
compositor francés que realizó obras de este estilo fue Maurice Ravel, aunque es considerado
un compositor neoclásico más que impresionista. Compuso un elevado número de obras para
piano que orquestó en su mayoría y también transcribió para piano obras propias ideadas para
orquesta.[21] ​

En la música contemporánea compositores como Béla Bartók, Ígor Stravinski, Serguéi Prokófiev,
Aaron Copland, Dmitri Shostakóvich, Arnold Schönberg y Dmitri Kabalevski, entre otros,
compusieron una amplia literatura pianística.[21] ​
Pianistas destacados

Franz Liszt al piano en 1886.

Véase también: Pianistas

Un pianista profesional puede actuar en solitario, tocar con una orquesta u otra agrupación
musical o tocar en compañía de cantantes u otros instrumentos. En la música occidental
existen muchos estilos de música donde se toca el piano. Consecuentemente, los pianistas
tienen una amplia variedad de formas y estilos para elegir, incluyendo jazz, música clásica y
todo tipo de música popular.

Pianistas de música clásica

Los pianistas clásicos solían comenzar su carrera musical tocando el piano desde edades muy
tempranas, incluso a los tres años. En los siglos xviii y xix, los compositores solían interpretar
sus propias obras, como es el caso de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven,
Frédéric Chopin, Franz Liszt, Félix Mendelssohn-Bartholdy, Carl Maria von Weber, Charles-
Valentin Alkan y Johannes Brahms entre otros. La pianista alemana Clara Schumann
interpretaba las obras de su esposo Robert Schumann.
El ruso Antón Rubinstein destacó a finales del siglo xix como compositor e intérprete, al igual
que su compatriota Aleksandr Skriabin. A principios del siglo xx muchos pianistas realizaron
interpretaciones por Europa Occidental y Estados Unidos, entre los que destacan los polacos
Ignacy Jan Paderewski, Józef Hofmann y Arthur Rubinstein, los españoles Isaac Albéniz,
Enrique Granados y Manuel de Falla, así como el italiano Ferruccio Busoni o el suizo Alfred
Cortot.

En el periodo comprendido entre la Primera y Segunda Guerra Mundial destacaron por encima
del resto el compositor e intérprete ruso Sergéi Rajmáninov, el austriaco Artur Schnabel, la
inglesa Myra Hess, los alemanes Walter Gieseking y Wilhelm Kempff, los españoles José
Cubiles, Ricardo Viñes y la brasileña Guiomar Novaes. En 1945, pasada la Segunda Guerra
Mundial, aparecieron pianistas soviéticos como Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich, Emil
Gilels y Sviatoslav Richter. El chileno Claudio Arrau destacó por ser maestro en un amplio
repertorio. Junto a ellos sobresalieron el intérprete y pedagogo checo Rudolf Serkin, el virtuoso
soviético Vladimir Horowitz y los españoles Rafael Orozco y Alicia de Larrocha. Igualmente, el
cubano Ernesto Lecuona fue un pianista destacado, además de un reconocido compositor de
piezas para piano. En dicha época además destacaron el anglo-austriaco Alfred Brendel,
protagonista de varias controversias estéticas por su enfoque musicológico; el canadiense
Glenn Gould, que grabó la obra de Bach; los estadounidenses Van Cliburn y Murray Perahia, el
soviético Vladímir Áshkenazi, y los argentinos Daniel Barenboim, Bruno Gelber y Martha
Argerich. A finales del siglo xx y comienzos del siglo xxi, la calidad técnica ha ido en aumento, lo
que ha propiciado la proliferación de concursos internacionales que han servido como
plataforma a artistas jóvenes.[5] [23]
​ ​
Pianistas de jazz

Art Tatum en un fotograma de la

película The Fabulous Dorseys de
1947

El ragtime, estilo musical de finales del siglo xix, es considerado uno de los precursores del jazz.
La popularización del ragtime ocurrió entre los años 1895 a 1915 aproximadamente y los
pianistas y compositores clásicos más destacados de dicha época fueron Scott Joplin, James
Scott y Joseph Lamb. Otros músicos, como Jelly Roll Morton y James P. Johnson, sirvieron de
transición entre el ragtime y el jazz. El mencionado James P. Johnson fue el primer pianista
importante del barrio de Harlem y destacó por el uso del piano como instrumento de
acompañamiento en el jazz. El barrio de Harlem, situado en Manhattan, fue durante la década de
1920 el centro del florecimiento de la cultura negra, conocido como Renacimiento de Harlem, y
un lugar de confluencia de numerosos pianistas de jazz, los cuales tocaban según el estilo
denominado stride piano. Dicho estilo consistía en alternar permanentemente una nota tocada
en el bajo en los tiempos nones y un acorde tocado en los pares.[24] ​

En esa época también destacó Earl Hines, por su novedosa aportación de ritmos y acentos y la
influencia que ejerció en los pianistas coetáneos,[25] ​y Fats Waller. En la década de 1930, dentro
del estilo swing, se hizo famoso Art Tatum por su virtuosismo y la creatividad de sus
interpretaciones. Muchos le consideraron el «mejor pianista de jazz de la historia».[26] ​En esa
época también destacó Count Basie, que incluyó en el jazz elementos del swing y el blues, y
Fletcher Henderson.[27] ​El estilo bebop del piano, surge en la década de los 40 por invención de
Thelonious Monk y otros músicos. En dicho estilo destacó Bud Powell como una de las figuras
principales y creador de escuela en el jazz moderno.[24] ​
Bill Evans perteneció al género hard bop y revolucionó el género del trío de piano en el jazz tal y
como se conocía hasta entonces, ya que anteriormente el piano dominaba y dirigía la música
mientras que el contrabajo y la batería marcaban el ritmo. Él cambió esta forma de concebir la
música para dar igual importancia a los tres instrumentos del trío, pudiendo desempeñar el
papel de director del conjunto cualquiera de ellos. En esa época, Milt Buckner incorporó a la
música de jazz para piano gran cantidad de elementos de la música clásica europea desde
Johann Sebastian Bach hasta Darius Milhaud. En el estilo jazz rock, que surgió a comienzos de
los años 1970, destaca Chick Corea, líder del grupo Return to Forever. McCoy Tyner es la figura
más destacada del mainstream jazz aunque se ha aproximado a una amplia variedad de estilos
jazzísticos a lo largo de su carrera como el jazz progresivo, jazz modal y hard bop, entre otros.
Su estilo ha influido a numerosos pianistas, entre los que se incluye la estadounidense Joanne
Brackeen.[24] ​Otros pianistas de jazz destacados son Geri Allen, Ray Charles, Nat King Cole,
Duke Ellington, Egberto Gismonti, Herbie Hancock, Ahmad Jamal, Keith Jarrett, Norah Jones,
Diana Krall, Tete Montoliu, Oscar Peterson, Michel Camilo, Enrique Villegas y Michel
Petrucciani.[27] ​

Pianistas en otros géneros musicales

También se emplea el piano en el rock and roll, usado por Jerry Lee Lewis, por ejemplo; el rock,
con Queen, Elton John, Pink Floyd y Lynyrd Skynyrd, Evanescence, Paul McCartney y John
Lennon, entre otros; el blues, con figuras como The Blues Brothers; el rock en español con
intérpretes como Charly García y Fito Páez y el pop, con grupos como ABBA. Sin embargo y
cada vez más a menudo es reemplazado por el sintetizador o el teclado electrónico. En el
siglo xxi, ciertos grupos como Keane, han desterrado el uso de la guitarra en provecho del piano
en el género musical conocido como piano rock.
Fabricantes destacados de
pianos
Véase también: Fabricantes de piano

Durante el siglo xix se fundaron numerosas empresas de fabricación de pianos. En 1828, Ignaz
Bösendorfer fundó la suya en Austria, La historia de Grotrian-Steinweg se remonta a 1835
cuando la fábrica Steinweg fue creada por Heinrich Engelhard Steinweg (más tarde conocido
como Henry Steinway después de emigrar a los Estados Unidos, donde fundó Steinway & Sons),
el checo Antonín Petrof fundó en 1864 la fábrica de pianos Petrof, como también, en la misma
época, Julius Blüthner hace lo propio en Leipzig.

En la actualidad, las compañías de fabricación de pianos más destacadas se encuentran en

Alemania (como Blüthner, Steinway & Sons, Steingraeber & Söhne, Grotrian - Steinweg y
Bechstein), en Austria (Bösendorfer), en República Checa (Petrof), en Estados Unidos (Baldwin,
Chickering and Sons y Steinway & Sons), en Japón (Yamaha y Kawai) y en Italia (Fazioli).

Ante el creciente aumento de los costes de producción, muchos fabricantes han trasladado la
producción de sus modelos de serie económica a países en los que la mano de obra es más
barata, como China o Indonesia. Otros han simplificado el diseño exterior del instrumento y han
suprimido prácticamente cualquier adorno.

Otras compañías destacadas son Broadwood, la compañía de fabricación más antigua del
mundo, fundada en 1783; las francesas Boisselot, Érard y Pleyel, las checas Weinbach o
Scholze, la coreana Young Chang y las compañías de pianos de juguete Schoenhut.
Papel social del piano

El piano en una velada musical del

siglo xix (Moritz von Schwind, 1868).

El piano es un instrumento fundamental en la música clásica europea, el jazz y otros géneros

musicales occidentales, así como en el cine y la televisión. Gran número de compositores han
sido habilidosos pianistas porque el teclado del piano ofrece un medio sencillo para la
interacción compleja melódica y armónica. El piano a menudo ha sido una herramienta para la
composición.

La historia social del piano es la historia del papel del instrumento en la sociedad. Desde que se
inventó el piano a finales del siglo xvii, su uso se fue generalizando en la sociedad occidental de
finales del siglo xviii y sigue siendo ampliamente interpretado en el siglo xx y comienzos del
siglo xxi. En el siglo xviii, el piano y la mujer estuvieron muy ligados, hasta el punto de que se
tenía muy en cuenta si la joven tenía estudios de piano a la hora de formalizar un matrimonio. El
piano siempre fue un instrumento excesivamente costoso y en sus inicios, solo la alta burguesía
y la aristocracia podían permitirse comprar uno. Con el paso del tiempo y el incremento del nivel
de vida por parte de algunos sectores de la sociedad, el piano se convirtió en un instrumento
con precio más accesible y en un elemento fundamental de entretenimiento dentro de los
hogares. Su uso generalizado comenzó a disminuir a partir de la invención de aparatos
mecánicos y electrónicos como la pianola, el fonógrafo y la radio.
Véase también

Portal:Música clásica. Contenido

relacionado con Música clásica.
Clavicordio
Clavecín
Fortepiano
Frecuencias de afinación del piano
Celesta
Órgano
Órgano Hammond
Piano electrónico
Teclado electrónico
Referencias

1. «Mecanismo actual de un piano» (http

s://web.archive.org/web/2008101416
3926/http://www.portalmargarita.co
m/mecanismoactual.htm) . Archivado
desde el original (http://www.portalma
rgarita.com/mecanismoactual.htm) el
14 de octubre de 2008. Consultado el
13 de octubre de 2008.
2. «Método de funcionamiento de la
tabla armónica del piano» (http://www.
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octubre de 2008.
3. «La tabla de resonancia» (https://web.
archive.org/web/20081119150632/htt
p://www.pianospuig.com/e_son_02.ht
ml) . Archivado desde el original (htt
p://www.pianospuig.com/e_son_02.ht
ml) el 19 de noviembre de 2008.
Consultado el 19 de noviembre de
2008.
4. «Mecanismo actual del piano» (http
s://web.archive.org/web/2012061104
4406/http://thales.cica.es/rd/Recurso
s/rd99/ed99-0653-02/p5.html) .
Archivado desde el original (https://tha
les.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-06
53-02/p5.html) el 11 de junio de
 2012. Consultado el 13 de octubre de
2008.
5. Encarta (ed.). «Piano» (https://web.arc
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es.encarta.msn.com/encyclopedia_76
1553075/Piano.html) . Archivado
desde el original (https://es.encarta.m
sn.com/encyclopedia_761553075/Pia
no.html) el 30 de enero de 2009.
Consultado el 14 de octubre de 2008.
6. Expresado en medidas del Sistema
Internacional de Unidades serían entre
147 y 196 kilonewton.
7. «La cuerda» (https://web.archive.org/
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