HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE RENACENTISTA EN ESPAÑA.

1. ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA.

1.1.- CONTEXTO HISTÓRICO EN ESPAÑA.

□ Tradicionalmente el Renacimiento arquitectónico en España se ha dividido en tres períodos diferentes comprendidos en
los tres tercios del siglo XVI: el Plateresco, el Purismo y el Herreriano.
□ Al igual que sucedía en el resto de Europa, España siguió durante el siglo XV los principios característicos del estilo
gótico y fue a finales de siglo cuando comenzó a despertarse un notable interés hacia lo que había estado sucediendo en
Italia. Sin embargo, el Renacimiento en España adoptó algunas características singulares, debido al contexto histórico de
España en aquel momento.
□ Mientras que en Italia la burguesía (clase social enriquecida) se convertía en uno de los principales clientes de los artistas
renacentistas, en España lo eran la iglesia, la nobleza y la monarquía autoritaria las que seguían ostentando el poderío
económico y condicionarán de esta forma el arte de la época.
1.2.- PLATERESCO: EL PRIMER RENACIMIENTO.
□ Durante el primer tercio del siglo XVI se desarrolla el estilo Plateresco, con el que se realizó la transición del recargado
Gótico isabelino al afianzamiento de las formas propiamente renacentistas. Geográficamente se ubica principalmente en
Castilla, concretamente en las ciudades de Burgos, Toledo, Guadalajara, Valladolid y sobre todo Salamanca. Se
caracteriza por su extraordinaria riqueza decorativa, manifestada principalmente en las fachadas. El trabajo de talla de la
piedra se hace muy minucioso. La sobrecarga de ornamentación que hacía que los edificios parecieran obras labradas por
el cincel de un platero y los orfebres, sirvió para acuñar el término de Plateresco.
□ Las características del Plateresco son:
 Los edificios, generalmente no abandonan su organización gótica (arcos apuntados, carpaneles, escarzanos,
pináculos, etc) pero la decoración se recubrirá con las novedades italianas que conocieron a través de tratados que
llegaban desde Italia, junto con elementos clásicos como bóvedas de cañón con casetones.
 Los nuevos motivos decorativos de influencia italiana y otros hispanos: almohadillados, balaustradas o columnas
abalaustradas decoración con grutescos (tipo de decoración escultórica que mezcla y entrelaza seres humanos
fantásticos, vegetales y animales), tondos, guirnaldas, medallones, emblemas heráldicos, veneras (gran concha
semicircular y cónvexa, que recibe este nombre por su relación mitológica con Venus).
Toda esta decoración cubrirá las superficies de los edificios hasta desdibujar sus originarias líneas puras.
 Los edificios civiles más representativos son:
 Los palacios son espacios arquitectónicos que suelen tener un patio en el centro con una escalera que comunica
con el piso superior y una puerta importante ligeramente descentrada.
 Los hospitales tienen con planta cruciforme con largos brazos en los que se alojaban los enfermos. En el centro
se situaba la capilla para que los enfermos pudieran asistir a la misa sin desplazarse de su lecho.
 Los monumentos más antiguos están vinculados a la familia Mendoza, a la que pertenece el gran Cardenal
consejero de los Reyes Católicos que fue llamado “el tercer rey de España”.
1.3.- OBRAS DEL PLATERESCO.
□ Estas tres obras destacan por la pervivencia de elementos del Gótico.
 COLEGIO DE SANTA CRUZ en Valladolid. Se inicia en 1492, por encargo de los poderosos Mendoza.
 PALACIO DEL COGOLLUDO en Guadalajara. Es una casa señorial de dos pisos con tendencia a la horizontalidad.
 IGLESIA DE SAN ESTÉBAN en Salamanca. En gran parte de rasgos góticos, destaca su fachada plateresca en
forma de retablo.
□ FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA. No se conoce su autor.
Pertenece a la tradición de las fachadas retablo muy abundantes en el último gótico
español, pero su decoración es puramente plateresca. Sus relieves crecen en
profundidad según se asciende en la fachada.
Sobre dos puertas gemelas escarzanas (la puerta de la virtud y la del vicio),
separadas por un mainel o parteluz se desarrolla todo el programa iconográfico. Tiene
tres cuerpos superpuestos separados por sus correspondientes frisos y cinco calles.
El cuerpo inferior está dividido en cinco espacios apreciándose en el central a los
Reyes Católicos en un medallón, con una leyenda en griego en la que se lee: “Los
Reyes a la Universidad y ésta a los Reyes”. Los cuatro espacios restantes presentan
una decoración vegetal, animal y humana.
En la pilastra de la derecha a la altura del primer cuerpo, aparecen tres calaveras en
una de las cuales encontramos la famosa rana que se posa sobre el cráneo. Es indicio
de que la lujuria conduce a la muerte del alma. El segundo cuerpo también está dividido

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en cinco espacios: en el central aparece el escudo con las armas de Carlos I. A la izquierda el águila imperial bicéfala y a
la derecha el águila de San Juan.
En los medallones de los laterales encontramos la primera controversia entre los expertos: el de la izquierda podría ser
Carlos I o Hércules (héroe mítico, que personificaba la fuerza), mientras que el
de la derecha sería interpretado como Isabel de Portugal o Hebe (hija de Júpiter y
Juno, diosa de la juventud).
En el centro del tercer cuerpo aparece un sumo pontífice sentado en su cátedra,
rodeado de cardenales y otros personajes. Muchos de los personajes que aparecen
se duda si son mitológicos o históricos.
Al final de la fachada nos encontramos con remates en crestería, decoración calada
hecha en piedra que sitúa en el parte alta de un edificio).
La obra se realizó con piedra de Villamayor (arenisca muy blanda procedente de canteras que se encuentran en las
afueras de la ciudad de Salamanca). Esta pieza es muy fácil de labrar y con el paso del tiempo adquiere una mayor dureza y
cambia de color haciéndose de una tonalidad dorada muy característica).
□ LA CASA DE LAS CONCHAS de Salamanca, es una obra anónima que se ajusta
perfectamente a las características de la casa señorial renacentista española: tiene dos
pisos con la puerta ligeramente descentrada alrededor de la que se distribuye la mayor parte
de los elementos decorativos. Su aspecto macizo le confiere un marcado carácter de
fortaleza. Está decorada con conchas o veneras que son el emblema de la Orden de
Santiago, puesto que su propietario pertenecía a esta Orden.
□ HOSPITAL DE LA SANTA CRUZ de Alonso de Covarrubias (1488-1570) en Toledo, que será otra fundación de los
Mendoza.
□ LA ESCALERA DORADA DE LA CATEDRAL DE BURGOS, DE DIEGO DE SILOÉ.
1.4.- EL PURISMO.
□ A partir de 1525 comenzaron a aparecer las primeras muestras de la arquitectura Purista o clasicismo renacentista. El
PURISMO muestra una fuerte influencia italianizante y un claro predominio de lo estructural sobre lo decorativo. Gran
influencia de Italia, le preocupa más la construcción de los edificios que su decoración. Los recuerdos góticos tienden a
desaparecer.
□ Se busca ahora la proporción, el equilibrio y la solución a los problemas estructurales que los recursos góticos no
solventaban con plantas regulares, organizadas y simétricas. Se recupera definitivamente el arco de medio punto y las
cubiertas con bóvedas de cañón decoradas con casetones. Los elementos decorativos son de procedencia arquitectónica:
frontones curvos y triangulares, balaustres y columnillas, los almohadillados en los muros. El resultado final permite
contemplar edificios monumentales, sobrios y equilibrados. A partir de 1526 las bóvedas ovaladas o vaídas van a
sustituir en gran parte a las góticas.
A) OBRAS PRINCIPALES DEL PURISMO O CLASICISMO.
□ ALONSO DE COVARRUBIAS (1488-1570), toledano que alcanza el título de arquitecto real y
que anteriormente había trabajado el estilo plateresco.
 PUERTA NUEVA DE BISAGRA (TOLEDO) como un arco triunfal.
 Alcázar de Toledo, de planta cuadrada con patio central.
 Hospital de Afuera o Tavera, con un patio donde los arcos de medio punto llevan como
único elemento decorativo, un medallón en las enjutas.
□ RODRIGO GIL HONTAÑÓN.
 FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE ALCALÁ DE HENARES. Tiene tres pisos y
en la calle central se concentran los elementos decorativos. Sus arcos de medio
punto, las columnas corintias adosadas y los frontones semicirculares en los vanos
suponen una evolución hacia normas de más claridad y clasicismo.
 PALACIO DE MONTERREY. Prototipo del palacio con torres y decoración rica y
suntuosa, erigido por la gran nobleza. Consta de tres pisos con molduras y rematado
por una típica galería de crestería y arcadas renacentistas con medallones en las
enjutas.
□ ARQUITECTOS DE FORMACIÓN ITALIANA EN GRANADA.
 DIEGO DE SILOÉ.
 CATEDRAL DE GRANADA. Este arquitecto fue llamado para completar la catedral gótica, e
introdujo elementos y soluciones técnicas renacentistas que variaron sensiblemente el
carácter de la obra. Deja los planteamientos góticos e impone la columna clásica.

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El uso de elementos clásicos se adapta a las dimensiones necesarias en una catedral y sirvió de modelo para otras
catedrales andaluzas como la de Jaén de Andrés de Vandelvira.
 PEDRO MACHUCA (1510-50).
 PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA. Se inició en 1527 por el toledano
Pedro Machuca conocedor de los tratados de Vitrubio y del Quattrocento
con formación en Italia (en el círculo de Bramante). Representa por tanto
la introducción del clasicismo italiano en la arquitectura civil española. Tiene
una planta cuadrada de 63 metros de lado con un patio interior circular y
porticado.
La fachada tiene dos cuerpos: el inferior de sillería almohadillada, donde
se insertan grandes anillas de bronce decoradas con ventanas cuadradas y
circulares y el superior con pilastras y vanos adintelados, además de
otros con frontón, todo el conjunto remata en una enorme cornisa; se utiliza la superposición de órdenes, tanto
en el patio como en el exterior.
En la fachada se utiliza el orden toscano en el cuerpo inferior y jónico en el
superior. En el inferior está presidido por una columnata toscana de piedra
con un entablamento, formado por triglifos y metopas con motivos de
guirnaldas y bucráneos. El piso superior lo forma una columnata jónica, más
ligera con entablamento liso. Se emplean motivos alegóricos alusivos a la
figura del monarca, al que se compara con Hércules.
Este palacio busca la proporción y la armonía renacentista y expresa la idea
del poder imperial además de ser un intento por hacer palidecer en Granada la
huella de la presencia islámica.
1.5.- ESTILO ESCURIALENSE O HERRERIANO.
□ Desde el último tercio del siglo XVI el estilo arquitectónico predominante en España es el Escurialense o Herreriano,
denominado así por la obra clave de este período y por su arquitecto, el Monasterio de El Escorial y Juan de Herrera
□ Es heredero de la reacción purista producida en Italia a inicios del siglo XVI (Bramante) y acentúa el purismo o clasicismo
arquitectónico español de la etapa central del siglo XVI y coincide con el Manierismo europeo aunque una diferencia es
el extremado carácter religioso del arte español (puesto que coincide con los inicios de la Contrarreforma). Destaca:
 EL MONASTERIO DE EL ESCORIAL (1563-1584).
Se realizó bajo iniciativa del monarca Felipe II, principal rey del
catolicismo y mayor enemigo de la Reforma protestante. Supone
una muestra de las formas austeras y depuradas que imponía el
espíritu religioso de la Contrarreforma, donde se mezclan razón,
simetría y equilibrio. Es un edificio monumental que representa
la grandeza del Imperio español.
Las obras comienzan bajo la dirección de Juan Bautista de
Toledo, pero al morir en 1567 fue sustituido por Juan de Herrera,
arquitecto y matemático, auténtico artífice de El Escorial. Esta
construcción se caracteriza por el predominio de los elementos
constructivos y la casi total ausencia decorativa, destacando
las líneas rectas y los volúmenes cúbicos, dominando las formas geométricas simples y la horizontalidad, rota
únicamente por las torres de las esquinas y la cúpula de la basílica. En resumen,
La construcción y decoración fue supervisada por el
rey Felipe II gran conocedor de las artes y El
Escorial se convirtió en un foco donde se dieron cita
los mejores artistas del momento.
PLANTA. Todo el conjunto tiene una planta en
forma de parrilla en honor a San Lorenzo (10 de
agosto de 1557, día de San Lorenzo, las tropas
españolas de Felipe II obtuvieron la importante
victoria de San Quintín frente a las tropas
francesas). La estructura de la planta se inspira
también en los trazados de hospitales italianos del
Renacimiento, a partir de un esquema en forma de
cruz griega. La multiplicidad de funciones
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(monasterio, iglesia, panteón, biblioteca, etc) del edificio obligaba a complicar esta estructura, abriendo patios
centrales. Por tanto es un amplio rectángulo del que sólo sobresale al fondo el edificio dedicado al Palacio del rey.
BASÍLICA. En la iglesia se combina la planta de cruz griega con la basilical. Su
crucero se cubre con una enorme cúpula sobre un tambor que recuerda los
modelos italianos. El presbiterio, está separado de la nave central por medio de
unas escaleras. Bajo la capilla mayor se sitúa la cripta o Panteón Real de planta
octogonal de los enterramientos reales. En el interior de la iglesia se utilizan también
las pilastras dóricas con triglifos.
A los lados de la basílica hay estancias y patios entre los que destaca el Patio de los
Evangelistas que recuerda al templete de San Pietro in Montorio.
BIBLIOTECA. Situada frente al templo en el segundo piso del cuerpo central de la fachada oeste. Es una nave
alargada con bóveda de cañón.
EXTERIOR. La decoración es casi inexistente, y se limita a la presencia de
la estatua de San Lorenzo en un nicho u hornacina y del escudo de
España. En las fachadas que son lisas aparecen ventanas rectangulares.
La fachada principal se divide en dos cuerpos. El inferior presenta ocho
columnas toscanas y el superior cuatro jónicas. Hay una decoración de
pirámides decoradas con bolas y un frontón como remate superior.
Desde esa entrada principal se accede al Patio de los Reyes llamado así
porque aquí se ubican las esculturas de los seis reyes del Antiguo
Testamento (como David y Salomón), que es la fachada de la basílica.
La gran cúpula del crucero del templo, las dos torres de los pies y las
cuatro de los ángulos del conjunto son elementos destacados al exterior.
MATERIALES. Los materiales usados fundamentalmente fueron el granito (de la Sierra de Guadarrama) y la pizarra
para los tejados típicos de las arquitecturas de los Austrias, a dos vertientes muy anguladas, buhardillas y chapiteles
rematando las torres. Esto es de influencia flamenca.
REPERCUSIONES. El Monasterio de El Escorial se ha convertido por su equilibrio y belleza en una de las obras clave
de la arquitectura renacentista europea, con notables influencias y repercusiones.
Esta construcción está pensada con un ajustado sistema de proporciones y estudios de geometría, donde Felipe II
pretende construir un nuevo templo de Salomón, donde se reúna todo el saber conocido y se defienda la pureza de la
religión, uniendo en el edificio influencias italianas y flamencas (lugares donde se situaban las posesiones españolas).
Esta obra ejercerá una gran influencia en los primeros momentos de la arquitectura barroca madrileña, aunque su
efecto más inmediato fue la construcción de la catedral de Valladolid, también obra de Juan de Herrera que quedó
inacabada.

2. ESCULTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA.

□ Desde finales del siglo XV la escultura renacentista comienza a penetrar en España, y pronto este estilo sustituye al Gótico
como el predominante. La introducción de las formas renacentistas es favorecida por la compra de obras, por la llegada de
artistas italianos y por la formación en Italia de algunos notables artistas hispanos.
□ Durante todo el siglo XVI el estilo predominante será por lo tanto, el renacentista de inspiración italiana. De cualquier
modo, la escultura renacentista española presenta importantes rasgos singulares:
 La escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está
impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Es por ello que predominan los temas religiosos y se rechazan los
profano o mitológicos quedando relegados a una función decorativa.
 Junto al mármol y al bronce, los materiales más usados en la escultura renacentista española será la madera
policromada (por su bajo coste) tradición procedente del Gótico que se prolongará en el Barroco. Algunos artistas
utilizaron a la vez el barro policromado, con resultados similares a los de la madera.
 Nuevas técnicas que se aplicarán a la madera policromada:
 Estofado, que se realizaba sobre este material sobre el que se daban varias manos de yeso fino para terminar
con una capa de arcilla rojiza. A continuación se aplicaban finas láminas de oro (panes de oro). Sobre él se
pintaba para después rascar la pintura formando diferentes dibujos, de tal forma que la superficie dorada quedaba
al descubierto. Se llama así por imitar la decoración de las telas que formaban los vestidos.
 Carnación: Es un tipo de policromía donde los rostros y las partes del cuerpo visibles se pintaban directamente
imitando el color de la piel, para dar una sensación de realidad mayor a la escultura.
 Se sigue utilizando una escultura de tipo funerario que tanto interés tuvo durante los siglos del Gótico. En este caso
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la muerte adquiere un significado diferente, ya no es ella quien vence al hombre, sino que el hombre a través del cultivo
de su propia personalidad en vida consigue superarla, puesto que sus actos le van a garantizar su inmortalidad.
 Destacan también los retablos, sillerías cuyo desarrollo corre paralelo al de la arquitectura.
 Gusto por los temas dramáticos y expresivos (a veces tratados con una sensibilidad cercana al Barroco). Busca el
patetismo expresivo y realista. En pocos casos busca la belleza ideal.
A) PRIMEROS MAESTROS RENACENTISTAS (PRIMER TERCIO DEL SIGLO XVI): LOS ITALIANOS EN ESPAÑA.
□ Destacan como introductores y primeros artistas renacentistas que introducen las formas de la escultura florentina:
 FANCELLI.
 TUMBA DEL PRÍNCIPE JUAN, hijo de los Reyes Católicos. Es de clara influencia donatelliana. Los motivos
decorativos están encerrados en tondos o medallones e incluyen guirnaldas y putti1.
 TUMBA DE LOS REYES CATÓLICOS en la Capilla Real de Granada. En ésta los difuntos yacen sobre dos
lechos unidos, cuyos lados están decorados con motivos plenamente renacentistas. A los pies dos perros
simbolizan la fidelidad.
 PIETRO TORRIGIANO.
 SAN JERÓNIMO, en barro cocido que recoge la línea de realismo expresivo de algunas obras de
Donatello, con un profundo conocimiento de la anatomía humana.
 Los españoles, inspirándose en modelos italianos destaca sobre todo:
 Vasco de la Zarza. Entre sus obras destacan las obras funerarias y en especial el sepulcro del
“Tostado” en el trasaltar de la catedral mayor de Ávila. Bajo un arco de medio punto aparece la
escena de la Adoración de los Reyes Magos que sirve como fondo a la imagen del obispo sedente.
B) SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO XVI: ALONSO DE BERRUGUETE Y JUAN DE JUNI.
□ Son las dos figuras más notables del Renacimiento escultórico hispano. Ambos trabajan fundamentalmente en Valladolid,
que se convierte en el principal foco de producción escultórica. Ambos fueron fuertemente influenciados por el dramatismo
miguelangelesco, y están muy próximos al Manierismo (casi al Barroco en algunas obras).
□ ALONSO BERRUGUETE (1488-1561).
Se convertirá en el artista más representativo de esta etapa. Hijo del pintor Pedro Berruguete, su formación artística fue muy
completa al permanecer durante diez años en Italia, donde entró en contacto directo con las obras de Donatello, cumbre
de la escultura del Quattrocento italiano, y con las de Miguel Ángel. A su regreso se instala en Valladolid. Pero a pesar
del estudio directo que realizó de las obras del Renacimiento italiano su obra escultórica no se caracterizará por la
plasmación de los valores estéticos de armonía y serenidad, sino que en ella dominarán los rasgos expresivos y
dramáticos, debido al ambiente que se respiraba en aquel momento en la Península, donde el deseo de buscar una relación
entre el espíritu renacentista y la espiritualidad o religiosidad era una hecho que se prolongaría a lo largo del siglo XVI.
Alonso de Berruguete supo canalizar esta búsqueda y lo hizo por medio de esculturas policromadas de volumen
alargado que reflejaban gestos muy acentuados y actitudes inestables, donde el artista huye voluntariamente de las
formas y proporciones consideradas correctas y da primacía a su estilo personal antes que a los normas establecidas
en Italia. Su escultura se caracteriza por un acusado sentido de la expresividad a través de figuras alargadas que se
contorsionan con violencia sobre un eje, dentro del más puro manierismo, buscando la asimetría y el movimiento.
Como obras más importantes, Berruguete recibió el encargo de tallar y policromar el retablo de San Benito en 1526.
 RETABLO DE SAN BENITO DEL MUSEO DE VALLADOLID: el retablo constaba de pinturas, relieves y esculturas
exentas, con los martirios de San Sebastián y el Sacrificio de Isaac entre otros.
La policromía realizada por el taller del mismo Berruguete, contribuye a aportar la expresión final de la escultura. El
proceso era muy laborioso así cuando la talla estaba terminada comenzaba la policromía con la
utilización del estofado y de la carnación.
 SAN SEBASTIÁN. Está realizado en madera policromada. Este santo fue martirizado en
época romana por medio de flechas.
Aparece adherido a un tronco sinuoso, al cual se adapta la figura, claro ejemplo de la postura
inestable típica de las figuras de Berruguete. También muestra magistralmente la angustia
por el martirio y se aprecia un buen estudio del desnudo, con un canon muy estilizado.
La obra es de un dinamismo propiamente manierista, porque la imagen se retuerce
contorsionándose dando lugar a una característica serpentinata de múltiples puntos de
vista, de forma helicoidal.
 SACRIFICIO DE ISAAC. Madera policromada. Este grupo recoge el instante en que
Abrahám se dispone a cumplir con el mandato divino de sacrificar a su hijo, por lo que el

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PUTTI: son motivos ornamentales que aparecen especialmente a partir del Renacimiento y donde aparecen figuras de niños, amorcillos,
angelotes o genios desnudos, tanto en pintura como en escultura.
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dramatismo se acentúa por el contenido de la propia escena. Es por eso que destaca la expresividad y el
movimiento de la figura de Abraham y la actitud asustada de Isaac. Destaca el movimiento de los ropajes y la
tensión muscular. La escena es la mejor imagen de la distorsión manierista en la escultura y de la inestabilidad y
donde aunque la composición sigue un planteamiento general triangular, muchas actitudes rompen el orden
establecido. Los rostros se descomponen por el dolor, las bocas aparecen entreabiertas como si quisieran gritar
y las miradas se muestran suplicantes. Todas las actitudes están pensadas con una enorme carga dramática. Las
formas sirven para exteriorizar, a través de actitudes violentas y expresivas, el sentimiento de dolor y
desesperación.
Su obra está influenciada por los logros de los grandes maestros italianos como Donatello, después de pasar por las
interpretaciones personales características del manierismo.
□ JUAN DE JUNI (1507-1577).
De origen francés, pero de formación también fundamentalmente italiana. Al igual que Berruguete también residirá en
Valladolid Al analizar su obra se observan con claridad sus raíces francesas y la influencia que recibió de Miguel Ángel
(anatomías corpulentas envueltas en voluminosos paños), pero supo transmitir el fervor religioso de sus
contemporáneos. Se caracterizó por sus figuras polícromas de gran tamaño, impregnadas de realismo dramático, de
gesticulación casi teatral, trabajadas con lentitud y detalle, y agobiadas por la falta de espacio, que anuncian el barroco.
En su escultura se tienden hacia un manierismo muy personal.
 EL SANTO ENTIERRO (1541-1544) procede del retablo de un convento de Valladolid.
En esta pieza intensamente dramática, se nota la influencia la obra de Miguel Ángel. De éste tomará prestado su
sentido monumental de la proporción, puesto que es un enamorado de lo gigante, además de algunas expresiones
de los rostros por lo que debió conocer el grupo escultórico del Laocoonte.
La figura de Cristo yacente se sitúa en el eje central flanqueado
por Nicodemo y José de Arimatea (como si fuera un
paréntesis), estableciéndose a partir del mismo los personajes
secundarios en un ritmo simétrico. También aparecen dos santas
mujeres y en el centro el grupo de la Virgen y San Juan.
Sus posiciones están giradas y retorcidas sobre sí mismas,
además de los anchos rostros contraídos por la pena, se
suman a la teatralidad, dándole un sentido que va más allá del
Manierismo y antecede al Barroco (a pesar de la fuente
clasicista en la que se inspira). Los personajes se agolpan alrededor de su imagen al tiempo que han sido congelados
en el momento de máxima tensión. Aquí se decanta por el realismo más que por la belleza idealizada y clásica.
Muy importante va a ser la producción de Juan de Juni con el uso de la policromía que hará consiguiendo reforzar por
medio de la misma el dramatismo, apreciándose en el rostro del Cristo muerto así como en las llagas y heridas que
cubren su piel.
 LA DOLOROSA DE JUAN DE JUNI, también llamada Virgen de los Cuchillos, por la excepcional calidad con la que
consigue plasmar el sentimiento de angustia y dolor de la Madre de Cristo. Servirá de modelo en un futuro.
C) ÚLTIMO TERCIO DEL SIGLO XVI.
□ Se produce una nueva influencia italiana, una nueva época de clasicismo, como reacción al violento
apasionamiento que se había apoderado de la escultura renacentista española, alejándola de toda
norma clásica.
□ Los artistas que mejor representan este momento son los broncistas y escultores que Felipe II reunió
en su corte, sobre todo en el Escorial, que va a ser en esta época el centro artístico por excelencia, como
León y su hijo Pompeyo Leoni, (escultores italianos) que realizan principalmente retratos de la familia
real en un tipo de escultura funeraria orante en un estilo más puramente clasicista que sirvió después
de modelo.
 LEÓN LEONI. CARLOS V DOMINANDO AL FUROR. En bronce dorado, con el emperador
vistiendo una armadura a la romana, bajo la figura de Carlos V se encuentra el enemigo sometido.
Pretende ensalzar el poder del emperador. Es un retrato muy naturalista.
 POMPEYO. ESTATUAS SEPULCRALES DE CARLOS V Y FELIPE II CON SUS ESPOSAS para
los mausoleos del presbiterio de la iglesia del Monasterio de El Escorial en actitud orante y
ejercerá gran influencia en muchos sepulcros nobiliarios de Castilla.

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3. LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA.

□ La influencia de la pintura flamenca se extiende en España hasta bien entrado el s. XVI, destacando por tanto el realismo
y los detalles en los cuadros.
Después llegará la influencia italiana aunque debido a que la clientela principal será la iglesia tendrá un contenido
religioso. La pintura mitológica se reduce a círculos de la familia real y la alta nobleza, así como el retrato.
A.- LA PINTURA MANIERISTA.
□ Se sitúa en la segunda mitad del siglo XVI en ciertos países europeos como Italia y España, y que marca una cierta
transición entre el Renacimiento y el Barroco.
□ Características:
 No existe la necesidad de representar al cuerpo humano según las proporciones y la concepción clásica de belleza,
por lo que se hace más estilizado, más alargado e irreal.
 Es un estilo intelectual, que busca conscientemente lo inesperado, lo extraordinario. Se ha dicho que uno de los
objetivos del arte manierista era intrigar a un público muy erudito y en cierto modo jugar con él.
 El espacio no seguirá a la profundidad matemática y geométrica perfecta por lo que será más dinámica y caótica.
 Utilización de colores intensos donde se busca el movimiento. Surge la línea serpentinata, que dan sensación de
inestabilidad.
B.- EL GRECO. (1541-1614).
□ Doménicos Theotocopoulos, más conocido como “El Greco”, (ya que nació en la isla griega de Creta), es la figura más
representativa y valiosa del Manierismo en España. En su Creta natal, recogió la influencia de la tradición pictórica
bizantina, de donde toma la profundidad religiosa y simbólica de sus composiciones. Todavía joven (en 1567) se trasladó
a Venecia, de donde toma el gusto por el color, la pincelada pastosa y suelta, los fondos escenográficos y la anécdota.
En esta ciudad recogió la influencia de su gran escuela pictórica, atrayéndole sobre todo las obras de Tiziano y de
Tintoretto. También estuvo en Roma donde recogió la influencia de Miguel Ángel del que toma el estudio del desnudo y
las formas helicoidales y hasta deformes. Su pintura se hace cada vez más personal interpretando el color y las formas
con libertad absoluta.
□ Hacia 1575 se trasladó a España y en El Escorial, Felipe II encargó un cuadro que conmemorase la batalla de Lepanto: EL
SUEÑO DE FELIPE II (1577-79), que no fue del agrado del monarca.
□ Finalmente se asentó en Toledo donde realizó varias obras notables. En ésta ciudad controla el mercado artístico a pesar
de su interpretación personal de los temas. En Toledo trabajó intensamente y con gran éxito, aunque para los conventos
del lugar y la nobleza toledana.
□ Además de la pintura de carácter religioso que era la más demandada, pintó retratos, paisajes y cuadros de tema
mitológico.
□ Se puede decir que el Greco es un pintor manierista voluntario donde se produce la fusión de las formas iconográficas
bizantinas, con el colorido de la pintura veneciana y la religiosidad española, creando un nuevo lenguaje artístico
estrechamente relacionado con el manierismo, pero de rasgos estilísticos muy personales. Entre las principales
características:
 Destaca el alargamiento de las figuras creando una mayor espiritualidad y formas serpentinatas, recurso que
tomará de Miguel Ángel tras su paso por Roma.
 Las figuras aparecen en algunas ocasiones cortadas, algo impensable dentro del Renacimiento que postula la
armonía, el equilibrio, la composición dentro de la obra, pero que el Manierismo al romper con las normas no tiene en
cuenta, buscando así unos efectos mayores en el cuadro.
 Gran interés por la luz y el color (colores intensos como el rojo, amarillo, verde y azules y el de los fríos e irreales,
acentuando así las visiones místicas), presente desde sus días venecianos (influencia de Tintoretto y Tiziano),
desapareciendo la línea.
 Gran expresividad, dramatismo y desinterés por el escenario (en muchas de sus obras los fondos son inexistentes).
 En sus composiciones parece que falta el espacio, las figuras aparecen recargadas hacia una de las zonas del lienzo,
parecen ser impulsadas hacia lo alto.
 Cierto horror vacui en sus composiciones.
□ En el siglo XIX, los impresionistas y expresionistas que apreciaban su fuerte capacidad expresiva, se
interesan por él y fomentan de este modo la revalorización de este pintor tras un largo período en el que se
le había ignorado.
 LA SANTÍSIMA TRINIDAD (1577-1579), donde retuerce dramáticamente a las figuras y las alarga
con un espíritu típicamente manierista. Los colores suaves casi pastel, contrastan con la violencia
expresionista de la escena.
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 EL EXPOLIO. (1577- 1579). Representa el dramático momento en el que Cristo va a ser despojado de sus vestiduras.
Destaca el colorido y expresionismo, patetismo y espiritualidad característicos de El Greco;
reminiscencias de Miguel Ángel y su renuncia al espacio.
 EL MARTIRIO DE SAN MAURICIO. (1580-1582), por encargo de Felipe II para El Escorial. La
obra no gustó al monarca, puesto que no invitaba a la devoción y al culto.
 EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO.(1577-1584). Óleo sobre lienzo. El Greco fue un
genial retratista, admirado por Velázquez, que supo trasladar con gran maestría al lienzo la
fisonomía y la personalidad de los sobrios caballeros castellanos. Es un retrato de busto, con las
ropas de terciopelo oscuro de moda en las cortes madrileñas y escurialenses, adornado tan sólo
con una cadena fina con una medalla, con el puño y el cuello almidonado de encaje. Abandona el
culto al detalle de telas y fondos y se centra en la cara.
Utiliza un fondo neutro, sin alusiones espaciales a mobiliario o arquitectura. En este tipo
de retratos, encargados por personajes importantes, altos funcionarios, etc, era
frecuente que apareciera algún símbolo de la dignidad del retratado.
La elegancia y sutileza de El Greco se aprecia en la única distinción que concede al
personaje: el rico pomo de la espada española que presenta en primer término, así
como el gesto de la mano sobre el pecho que alude al rito de la “Fe del caballero”, una
dignidad otorgada sólo a ciertos personajes destacados. El caballero está mostrando
juramento de algún cargo dada la postura de la mano y la espada (utilizada como
elemento ceremonial).
La expresión del caballero cuya identidad se desconoce es grave y melancólica, lo
que desató en su momento las especulaciones. El Greco nos oculta su personalidad, su
mirada es profunda y abstraída.
 EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ. 1587, para la Iglesia de Santo Tomé (Toledo). 4.80 x 3.60 m. Óleo sobre lienzo.
Describe una leyenda local según la cual el conde de Orgaz fue enterrado en esa misma iglesia por San Esteban y San
Agustín.
Este gran cuadro está dividido en dos grandes zonas con dos técnicas y características completamente diferentes.
 En la parte superior, idealizada, representó la Gloria o zona celestial y
la llegada al cielo del alma del conde. Aquí aparece Cristo, la Virgen, los
ángeles, santos y otros personajes.
Cristo señala con la mano derecha hacia San Pedro (que lleva las llaves
del cielo) indicándole que abra las puertas del cielo para este alma que
sube.
Bajo la figura central aparece la Virgen María, vestida de rojo y azul
como lo demanda la tradición, Pasión de Cristo y azul del cielo.
A la izquierda de Cristo (derecha del cuadro) aparece toda una serie de
personajes que miran adorando a Dios. Se destaca a San Juan Bautista,
con su vestimenta de piel de camello, en primer lugar. Se crea así por
tanto la Deésis, muy característico del arte bizantino y de la Edad Media
(Gótico). También aparece Felipe II, que no había muerto aún lo cual no
deja de ser sorprendente. En la parte izquierda del cuadro aparecen
diversas figuras del Antiguo Testamento como el rey David con su arpa,
Moisés con las Tablas de la Ley o Noé al lado de su arca y almas de
niños.
En definitiva toda una serie de personajes importantes a los que se les presupone un lugar destacado en la otra vida.
 En la parte inferior, la terrenal, se presenta un entierro con la pompa del siglo XVI, rodeado de personajes, unos
eclesiásticos y otros civiles. Los rostros recuerdan al caballero de la mano en el pecho donde destaca el luto y la
serenidad. San Agustín aparece con barba y con la vestimenta de Obispo, bordado en oro y una mitra. El otro
personaje principal es San Esteban como diácono de la iglesia que lleva bordada la escena de su propio martirio.
Los ropajes son contemporáneos al autor del cuadro, pero no así a los de la época de las dos figuras retratadas.
Hay un párroco de espaldas y que hace caso omiso al propio entierro, contemplando como el alma sube al cielo. En
la fila de los caballeros algunos son clérigos, nobles y letrados, otros son caballeros de la Orden de Santiago por la
cruz roja bordada.
El señor de Orgaz está vestido con una armadura (aquí se aprecia el conocimiento de la pintura veneciana y
concretamente de Tiziano). También aparecen frailes y el Greco se autorretrata mirando de frente invitando a
entrar al espectador en el misterio y milagro que está ocurriendo, de la misma manera que hace el niño que se
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 HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE RENACENTISTA EN ESPAÑA.

arrodilla en primer plano, (hijo de El Greco) señalando con su dedo al personaje central y que lleva un pañuelo con
la fecha de su nacimiento.
Lo único que une los dos planos es el crucifijo que preside el entierro.
En esta pintura la luz es artificial. La parte celestial tiene una luz diáfana que no emana de una fuente en concreto, en la
parte terrenal el cuerpo del señor de Orgaz y los santos están más iluminados que el resto así como las caras de los
personajes representados. Las antorchas no sirven para crear luces y sombras.
Que el Greco pintase una serie de personajes reales contemporáneos suyos supone el primer retrato colectivo de la
historia del arte español. Representó con más libertad la parte celestial.
También es curioso como consecuencia del Manierismo, que no existe
profundidad en la escena, por lo que no observamos ni suelo ni fondo. No
existe un fondo arquitectónico.
 LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES. (1612-1614). En esta composición
circular tan dinámica la luz parece salir realmente de cada una de las figuras,
el colorido veneciano
 LA MUERTE DE LAOCOONTE Y SUS HIJOS (1610-1614). Tema
mitológico. El retorcimiento de las figuras atacadas por las serpientes le
permite plasmar la anatomía del desnudo de un modo muy personal. La
situación la ha trasladado a Toledo, con un fondo de paisaje de tormenta.