Texto 1. Capítulo 5: Las Artes. Juan Acha.

Artes: productos socioculturales. Procesos históricos que se desarrollan de acuerdo con un tiempo y
un lugar concretos. Conjunto o sistema de procesos que surge para satisfacer las necesidades de la
cultura de Occidente y que se desarrolla como extensiones de los movimientos gremiales de los
artesanos.

Tres fases en los procesos de cambio de los conceptos arte y artista, de producción, de consumo y de
distribución:

- La ascendente (de 1300 a 1600) las artes comienzan a introducir los temas religiosos hasta
convertirse en profanas.
Devenir: llegar a ser/convertirse
Profanas: que no es sagrado ni sirve para fines sagrados.
- La de su esplendor (de 1600 a 1900) variantes profanas y naturalistas.
- La descendente (de 1900 a la actualidad) desarraigo social de los productos artísticos de
carácter sagrado.

Características:

Artesanías gremiales Artes Diseños

La producción Tradicionalista – Anti tradicionalista – Funcionalismo
trabajo manual – trabajo intelectual (Movimiento
enaltecido (nivel, sobrevalorado y libre – arquitectónico y de las
dignidad o cargo teorización (desarrollo artes decorativas
superior) y sujeto a de teorías) fundado en el principio
normas – empirismo de que la forma debe
(método que está estar determinada por
basado en la la función.) – trabajo
experiencia y en la conceptivo o
observación de los proyectivo enaltecido
hechos.) y sujeto a prioridades
económicas y
tecnológicas –
teorización
El producto Medio religioso y Profano y puro – Medio industrial y
prácticas de antiornamentalista – masivo –
estructuración social – obra única – antiornamentalista –
ornamentado - en predomina la pintura serie larga y masiva –
serie – predomina la de caballete predominan los
escultura, la utensilios y
arquitectura y el entretenimientos
mural.
El productor Agremiado – Libre – formación Asalariado –
formación empírica académica formación
universitaria
El consumo Pertenecientes a una Aparición y desarrollo Las masas como nuevo
parroquia (la del individuo – personaje histórico –
feligresía) como informado y la cotidianidad
personaje histórico – excepcionalidad de utilitaria y la estética
 la cotidianidad tiempo, lugar y del hombre común en
religiosa y la estética, persona su tiempo libre
ambas empíricas
La distribución Por encargo y muy Predominio del Industrial de los
poco comercio comercio productos

En el producto: de la obra única a su pureza artística – del predominio de la pintura de caballete al

cine y televisión (desarrollo audiovisual) – de naturalismo (exaltación de las bellezas naturales) a lo
analítico y pragmático, pasando por la sintaxis y la expresión individual.

En la producción. De la paganización de las imágenes religiosas a las profanas y de la producción

como vocación a la experimentación, acción científica y satisfacción de necesidades expresivas y
autobiográficas.

En el productor: del carácter intelectual y de la formación académica a su endiosamiento como

innovador o creador.

En el consumo: de la excepcionalidad hedonista (doctrina de la filosofía que considera al placer

como la finalidad o el objetivo de la vida) a la conceptual y de lo estético a los artístico.

En la distribución: de la comercialización a la industrialización – de la iglesia al estado burgués – de la

difusión a la creación de nuevas necesidades artísticas, pasando por las políticas culturales.

Procesos externos:

 Formación del capitalismo con la constante tendencia a reemplazar el trabajo manual,

individual y libre, por el mecánico, asalariado y en beneficio de un capital
 Evolución del hombre hacia la racionalidad (del pensamiento mítico y empírico al lógico y
científico)
 Aparición y desarrollo del individuo. En torno a su capacidad gira el capitalismo
 Lucha del estado burgués para quitar el poder ideológico, político y económico a la iglesia

Al reconocerse el valor del individuo por su propio esfuerzo, surgió en cada artista la voluntad de
lograr al máximo el embellecimiento del tema religioso y dar mayor énfasis a su
honestidad/sinceridad mediante la verdad naturalista. Así los artistas dejaron en sus obras su
impronta particular que las diferenciaba de las de los otros artistas.

El ideal artístico era la mímesis y el naturalismo (la reproducción fiel de las realidades visibles).

Con la evolución de la tecnología la pintura para del temple al óleo y de este a los acrílicos.
Permitieron la aparición del grabado con sus múltiples técnicas.

Como evolución de las artes y como expresión del desarrollo del individuo, aparece la pintura de
caballete.

La tecnología comunicativa evoluciona e inventa la fotografía y luego el cine y la televisión.

Principios del siglo XX nacen el cubismo y los abstraccionismos. Además, se desarrollan los
expresionismos propios del individualismo, promovido por la burguesía progresista. En vez de que el
artista se ponga al servicio del arte, lo usaba a su favor.

En términos grales, los productos de las artes partieron de lo sagrados y bello de las imágenes a la
representación fie de las realidades visibles. Continuaron con resaltar las bellezas formales, de los
ideales, de los sentimientos y conceptos que terminaron como mercancías. Los productos artísticos
abandonaron las iglesias y se fueron a los palacios y de ahí, a los museos y hogares burgueses donde
se convirtieron en decoración.

Según la nueva mentalidad, la producción ya no está dirigida a la confección de pinturas, esculturas

o edificios, como en las artesanías, sino a la realización de obras de arte

Siglo XV aparecen las preocupaciones por las proporciones y perspectivas.

Para los cuatrocentistas la arquitectura del universo era geométrica y bella.

Gran diferencia entre artes y artesanías es que las artes por definición o ideal, siempre aspiran a la
concepción o creación de una obra colmada de innovaciones. Mientras las artesanías se limitan a la
ejecución tradicional. La concepción creadora es la diferencia capital entre las artes y las artesanías.
El artista es, por definición, un renovador y sus producciones contienen elementos estéticos,
artísticos y extra artísticos. El artesano, en cambio, cumple normas tradicionales y sus productos se
basan, mediante adornos, elementos estéticos, religiosos y de organización y jerarquía social. Lo
artesanas existe como ejecución manual o trabajo simple, no como consumo específico ni como un
cuerpo de ideas. Las artes elaboran todo un cuerpo de teorías que sirven para determinar lo estético
de las artesanías y de los diseños.

Con el objetivo de lograr productos estéticos acordes con el momento histórico se fundaron las
academias en Italia, a partir de la mitad del siglo XVI, en Francia después de un siglo y en España a
mediados del XVIII. La meta era formar artistas.

Con el tiempo, los trabajos menores y anticuados y demás trabajos artesanales siguieron a cargo de
los artesanos, quienes tomaban su trabajo por oficio. En cambio, los artistas surgieron como
profesionales con una formación sistémica, social e individual.

La enseñanza artística se cargó de teorizaciones destinadas a promover la concepción de las

innovaciones y a reforzar lo enseñable de la ejecución manual.

Artista: renovador

El consumo de las artes era religioso y estético, aparte de cotidiano, el mito y la religión ocupaban el
dia a dia del hombre.

Las artes se alejan de la cotidianidad, de la sensibilidad, de la racionalidad, de las mayorías

demográficas como de las nuevas generaciones de las clases medias y altas- una de las causas fueron
los diseños.
La evolución de la tecnología comunicativa rompió el monopolio de los artistas en la producción y
reproducción de imágenes y enriquecieron así los recursos y la distribución de las artes en 3
circuitos:

- El comercial, con las galerías que aparecieron a mediados del XIX y las Bienales (exhibición
de arte presentada cada dos años.)
- El de difusión con sus museos y academias, educación artística y políticas culturales.
- La creación de nuevas necesidades artísticas en el momento en que aparecieron nuevas
tendencias.

Las artes sufren un desarraigo social, se han alejado de la cotidianidad religiosa y actualmente
descansas sobre la excepcionalidad.

Texto 1. Capítulo 6: Las Artes. Juan Acha.

Los diseños constituyen una variante industrial – masiva y capitalista- monopólica.

Los diseños son prolongaciones de los procesos de las artes pero con otra dirección. Consisten en
actividades proyectistas y directorales y tienen fines estéticos. Constituyes un fenómeno
sociocultural contemporáneo y se haya ligado a la sociedad de consumo y a la industria cultural. Los
diseños en gral se dirigen al embellecimiento de la vida diaria del hombre.

Uno de los factores principales del fenómeno sociocultural de los diseños es la fotografía. Nace en
1839, pero los objetos que componen a la cámara o que logran la fotografía, surgieron tiempo
después.

1851 primera exposición universal en el mundo, presentada en el palacio de Cristal en Londres. En

ella se exhibieron productos industriales. En ese año aparece el papel en la fotografía y facilita su
reproducción masiva, lo que caracterizará y la acercará a los diseños.

En el siglo 18 los mercantilistas y los smithianos usaban el arte para mejorar el diseño y las
mercancías.

Los diseños giran en torno a dos factores importantes: la fotografía y las masas.

Las masas crecen y obligan a la industria a masificar su producción, como sus productos, con mejoras
tecnológicas y mediante el abaratamiento de los mismo y la publicidad, así a su vez el consumo
promueve el crecimiento de masas. No pueden existir los diseños sin masas.

La fotografía es un producto o procedimiento tecnológico que, por su naturaleza icónica, cabe

también considerarla como lenguaje. Puede tener usos estéticos o comunicativos. Está ligada con los
diseños xq…

 Rompe el monopolio de los artistas en la producción de imágenes t genera técnicas que

suelen traer nuevas artes.
 Transforma la sensibilidad y la visión del hombre, obligando a las artes a cambiar su rumbo
  Su uso implica una actividad similar a la de los diseños: elección de la escena a fotografiar sin
necesitar de la ejecución manual.
 Su producción mecánica y masiva son cruciales para la aparición y el desarrollo del diseño
audiovisual, del icónico verbal y del gráfico. La fotografía concreta la interacción entre la
tecnología (producción de imágenes) y las artes (embellecimiento de los productos
industriales).

La fotografía es arte industrializado.

1859 año en el que comienza el momento top de la fotografía

A partir de finales del siglo 19 nacieron los diseños ícono-verbales con las tiras cómicas publicadas
por los diarios.

En las escuelas de artes y oficios, se introdujeron las enseñanzas del diseño industrial. La primera
cátedra de diseño apareció en Londres en 1901.

1950 difusión mundial de la televisión y el momento top de los diseños en general

3 factores principales de los diseños son el proceso industrial, el artístico y el de la aparición,

crecimiento, constitución y dinámica de las masas.

Diseños: producto exclusivo de la cultura estética de occidente, tiene lugar en los siglos 19 y 20.

La producción de los diseños, se limita a proyectar las configuraciones de un producto, el cual debe
contener recursos estéticos capaces de ser atractivos visualmente y se puedan tocar, mediando así
entre la producción y el consumo.

En el pasado, se diseñaba únicamente con fines tecnológicos, científicos o artísticos, nunca estético-
industriales conscientes no como una división técnica del trabajo.

Operaciones hermenéuticas: destinadas a tomar en cuenta las prioridades del valor de uso y del
valor de cambio del producto por diseñar, así como las de su fabricación o factibilidad industrial. Es
decir, diseñar implica respetar los intereses económicos del fabricante, la utilidad práctica del
producto y las posibilidades tecnológicas de la fabricación. Respetar significa interpretar.

Operaciones heurísticas: refieren al valor estético de la configuración nueva del producto; este valor
ha de ajustarse al valor de uso y al valor de cambio de dicho producto.

En la producción de los diseños se unen el lucro del industrial, las posibilidades tecnológicas de la
industrialización masiva del producto, la utilidad práctica y pública de éste y sus atractivos estéticos
(cuyo valor depende de la efectividad en la persuasión de la belleza)

La innovación separa a los diseños de las artesanías, las cuales tienen ideales tradicionalistas.

La naturaleza estética diferencia a los diseños de la ciencia y las tecnologías. A su vez los diseños se
diferencian de las artes porque estos únicamente proyectan los productos mientras q las artes los
ejecutan.
Diseños: productos culturales o comunicativos. Transforma materiales, usa medios de producción y
obtiene productos.

El producto constituye una innovación configurativa y para su evaluación debemos considerar sus
efectos estéticos y sus relaciones con la función práctica o valor de uso. Esta oposición de funciones
y de valores estéticos y prácticos constituye lo específico del producto de diseño.

Los productos de diseño pueden agruparse en utensilios, espacios y entretenimientos. Los primeros
cubren las info tipográficas, la publicidad y los demás productos tipográficos propios del diseño
gráfico. Este les inserta recursos estéticos en sus planos éticos en sus planos y en términos de
bellezas visuales. Los espacios pertenecen a la arquitectura y al diseño urbano y se encuentra cerca
de las necesidades biológicas. Los entretenimientos comprenden a los audiovisuales (cine y tele) y a
los icónico- verbales (historieta y fotonovelas) todos ellos dirigidos a cubrir el tiempo libre del
hombre. En los entretenimientos pueden intervenir todas las categorías estéticas, no solo la belleza.

Lo específico de los diseños consiste en la innovación de las configuraciones (organización de los

materiales que constituyen al producto y que tienden a armonizar las proporciones, los ritmos, las
simetrías y las direcciones, una vez que el valor de uso o función práctica haya cumplido las
condiciones biológicas) provistas de elementos estéticos con el valor de uso de los productos
industriales y masivos.

Las innovaciones configurativas varían según los distintos diseños. Por un lado, tenemos la
distribución de textos y figuras que en las superficies tipográficas, emprende el diseño gráfico con el
fin de desplegar sus técnicas visuales de persuasión en las informaciones, en la publicidad y en los
señalamientos. Por otro lado, el diseño textil, con sus objetivos puramente ornamentales y el diseño
de modas con una base biológica con fines decorativos. También está el diseño industrial que
articula la materialidad de una variedad de utensilios masivos y de usos prácticos. También
embellece los elementos mecánicos, eléctricos y electrónicos. Luego se encuentra la estructuración
de los espacios de utilidad habitacional y transitable, sin ser masivos ni industriales. Está el
ordenamiento de los diseños audiovisuales y de los icónico-verbales, cuyas técnicas de narración, en
las que usa todas las categorías estéticas, se dirigen al entretenimiento de las masas que pretenden
fluir, en las decisiones prácticas de las mismas. El entretenimiento es una utilidad no práctica.

Las actividades del diseñador conllevan una preparación superior a la del artista y se basa en el
manejo profesional de las formas, con fines utilitarios y masivos, e implica acopio de infos
tecnológicas. Usa los recursos estéticos para mostrar una buena sensibilidad estética o para hacer
visible situaciones autobiográficas. En sus obras el diseñador imprime efectos persuasivos de
acuerdo con los objetivos y con el público al que se dirige.

La distribución, la segunda actividad básica de los diseños es la más social, es social en cuanto a las
instituciones y fines que intervienen en ella, en lo particular es asimismo tecnológica xq
consideramos tanto a los medios de transporte y de exhibición de productos, como a la tecnología
comunicativa, ocupada en la difusión de los medios intelectuales de producción y de consumo. La
distribución tamb es ideológica en la medida que cumple fines políticos y difunde ideologías que
justifiquen los fines. La producción y el consumo, en cambio, están vinculados solamente a lo
estético de los diseños.
Para la producción los diseños exigen una educación especial.

Al consumo de los diseños lo caracterizan el empirismo y la cotidianidad, las mayorías demográficas

como sus destinatarias y el ocupar su tiempo libre. Generalmente, el receptor mira el valor de uso
del objeto o al entretenimiento que éste ofrece. Predomina el consumo masivo.

Texto 2. El diseño industrial en la historia.

CAPÍTULO 1.

Diseño: hace referencia a la preconcepción sistematizada de la forma y las demás caracts del
producto, teniendo en cuenta los aspectos sociales, tecnológicos, estéticos, psicológicos, etc, es
decir a la creación de un modelo del mismo, con todos los detalles antes de hacerlo.

El objetivo del diseñador debe ser crear buenos viene de consumo que puedan ser consumidos y no
buenos bienes de producción que deban ser consumidos.

Hasta comienzos del siglo 19, el artesano (hacedor de objetos) concebía un objeto y él mismo lo
construía, es decir, que era el responsable de todo el proceso constructivo

Industrial: sistema de producción de bienes que nace con la Revolución industrial (proceso que nace
en Inglaterra a fines del siglo 18 comienzos del 19. 1760 - 1830) marcó el comienzo de la fabricación
en serie. Se introdujo sistemáticamente la máquina en el proceso de producción, comienza la
mecanización del trabajo (reemplazo de producción manual por el trabajo de la maquina) y se
instaura un nuevo sistema de producción (el producción industrial). La caract más importante de ese
nuevo método de producción es la separación de las tareas de concepción de las de construcción
(fabricación). Antes de comenzar la fabricación se deben definir todos los detalles a fin de descartar
posibilidades de cambios que puedan complicar el desarrollo del proceso con el correspondiente
aumento de costos.

Hay que tener en cuenta que en la concepción de los objetos no es suficiente resolver problemas en
cuanto a la función que cumple y de cómo funciona, sino que también hay que armonizar esos
aspectos con los de la forma, los tecnológicos, los estéticos, los ergonómicos, etc., de tal manera que
el objeto se adapte lo mejor posible a las exigencias del ser humano.

La preconcepción, etapa previa a la concepción de un producto, es lo que se llama diseño. La

palabra diseño abarca no solo la concepción de objetos, sino en general la de bienes, procesos y
servicios.

Para el inicio del diseño industrial tomamos como punto de comienzo la Gran Exposición
Internacional de Londres de 1851 en donde se presentaron por primera vez al público productos
industriales. Muchos mostraban una falta de armonía entre forma y decoración, lo que llevó a crear
la necesidad de ocuparse del diseño de los objetos antes de producirlos.

Diseño industrial está vinculado a la creación de objetos para ser producidos por medios industriales
y mecánicos, lo que permite que el producto se pueda repetir y reproducir en serie.
El fin del diseño industrial es la producción de objetos que respondan a demandas, necesidades
deseos de la sociedad, teniendo en cuenta, además de las caracts exteriores, las relaciones
funcionales y estructurales del mismo.

Factores estéticos: forma, color, tratamiento de las superficies, todo lo que se relaciona al objeto
con los 5 sentidos.

Factores técnicos: robustez, simplicidad de uso, economía, sensaciones que produce. No basta con
que el objeto cumpla con eso sino que también que su forma resulte agradable, novedosa y
funcional con relación a las caracts de uso del producto para lograr que el producto sea placentero.

Su actividad no consiste como antes en embellecer los productos agregándoles ornamentos, sino
más bien lograr una unión entre la tecnología y estética en la misma etapa de concepción del
producto, para lograr que además de ser funcional sea agradable visualmente.

El diseñador industrial, al realizar el diseño, parte del análisis de:

- Los requerimiento y exigencias sociales y económicas

- La función y de lo que debe expresar la forma del producto
- Del hombre como usuario
- Los materiales más ideales
- Las técnicas constructivas más razonables

Los objetos de diseño industrial comprenden aquellos que:

- Son rtas a necesidades, deseos o demandas de la sociedad, tienen un fin determinado.

- Son el rdo de un trabajo de pre concepción
- Son materiales, o están pensados como objetos materiales
- Están pensados para la producción industrial

Para el inicio del diseño industrial tomamos como punto de comienzo la Gran Exposición
Internacional de Londres de 1851 en donde se presentaron por primera vez al público productos
industriales. Muchos mostraban una falta de armonía entre forma y decoración, lo que llevó a crear
la necesidad de ocuparse del diseño de los objetos antes de producirlos.

Como consecuencia y para satisfacer exigencias estéticas del mercado, y tecnologías de la

producción, surgió el diseño industrial, mezcla de estética y tecnología. La finalidad del diseño
industrial es la producción de objetos que respondan a demandas, deseos, necesidades de la
sociedad, atendiendo los aspectos formales, funcionales, estéticos, tecnológicos, económicos,
ergonómicos, simbólicos y legales.

El término diseño industrial recién empezó a usarse en los años 30 y se generalizó después de la 2°
GM.

Sintetiza conocimientos, métodos, técnicas, creatividad y tiene como meta la concepción de objetos
de producción industrial, atendiendo sus funciones, sus cualidades estructurales y formales (estética
y simbólica), así como todos los valores y aspectos que hacen a su producción, comerciallizacion y
uso, teniendo en cuenta al ser humano como usuario.
El eje del diseño industrial es el modo de pensar el objeto.

Tres conceptos que se manejan en el diseño industrial: forma (es el medio por el cual se hace psible
la función útil de lo material), función y tecnología, dentro del marco que se fijan los factores
económicos y socioculturales.

En el diseño industrial no se habla de arte, pero sí de estética. Refiriéndonos a la obra de arte, una
buena copia puede conservar el valor estético del original, pero no el artístico.

Gui Bonsiepe: “el diseñador no debe buscar la exteriorización de su personalidad en el diseño, sino
la función que el objeto diseñado cumple en la sociedad y el uso que ésta hace de ese objeto”

El diseño industrial está regulado por un sistema de prioridades. Es un fenómeno social.

Meta producto: producto que desde su etapa de proyección intenta incidir en el plano cultural de la
sociedad (cultura de uso, en la visual o en la de la producción)

Definición de diseño industrial de Tomás Maldonado adoptada en 1963 por el Consejo Internacional
de Sociedades de Diseño Industrial:

 Actividad proyectual que consiste en determinar las propiedades formales de los objetos
producidos industrialmente. Con propiedades formales se refiere tanto a las caracts
exteriores como a relaciones funcionales y estructurales que hacen que el objeto tenga
coherencia desde el punto de vista del productor y del usuario.

Definición de la comisión organizadora de la 1° Exposición Internacional de Diseño Industrial – 1963_

Diseño industrial es el conjunto de disciplinas que abarcan el estudio de proyecto, de realización y

del desempeño de un producto que cumpla por lo menos con lo siguiente:

- Haber sido planificado para su producción en serie

- Ser funcional, económico, estético y atractivo

Como resumen, El diseño industrial es:

 Una actividad creadora que, con una visión humanista, sintetiza conocimientos, métods y
técnicas.
 Una actividad proyectual
 Conjunto de disciplinas

Disciplina responsable de la resolución de los productos que intervienen en la conformación,

caracterización, control y mejoramiento de la estructura física, temporal y espacial, donde el
humano desarrolla su vida social.

CAPÍTULO 2.

Tres aspectos que hacen a la historia:

- El pasado vivido por los hombres, que tenga significación social

 - La re creación intelectual de ese pasado, brinda una imagen del pasado. Estas huellas que el
hombre va dejando a lo largo del tiempo que atestiguan su existencia y sus actividades,
pensamientos y emociones, se llaman documentos. Estos se pueden dividir en 2 categorías:
los que son presencia del pasado en el presente (objetos, construcciones, monumentos) y
los que son una elaboración intelectual, productos de la memoria individual o colectiva
(relatos escritos, crónicas, narraciones, tradiciones orales)
- La interpretación y explicación de ese pasado, es una de las funciones del historiador, hacer
una narración ordenada y secuencial de los acontecimientos, es decir, “establecer los
hechos”. Otra es descubrir las causas y consecuencias de la aparición de esos
acontecimientos.

Términos:

 Lo histórico: pasado vivido por los hombres, lo que les pasó, los acontecimientos (hechos
significativos). La realidad histórica.
 La historia: la imagen de ese pasado, producto de la recreación intelectual y de la
interpretación y explicación de ese pasado. El conocimiento histórico, el discurso sobre ese
pasado.

Historia: conocimiento del pasado humanos. Describe y explica las acts y el comportamiento de los
hombres en el pasado. Es la imagen, la interpretación y la explicación de un pasado humano. Es el
proceso dialéctico (persona con capacidad para debatir y argumentar) entre el pasado y el presente,
es decir es un debate entre el pasado y el presente. Debe mostrar la historia del hombre a través de
un enfoque crítico, reflexivo y analítico de su vida y de sus realizaciones.

Se diferencia de la sociología porque esta tiene como fin el conocimiento de la estructura de la

sociedad y de las relaciones sociales. Busca establecer leyes grales del comportamiento social,
mientras que la historia es más bien una disciplina descriptiva que se ocupa de hechos particulares.

La historiografía: son los resultados de la recreación, la interpretación y la explicación llevados a

textos escritos.

El eje de la historia desde el punto de vista del diseño industrial, son los objetos, documentos que
son parte de la información de ese pasado. Nos permiten abrir puertas del pasado para buscar
elementos clave que nos ayuden a comprender e interpretar el presente. Las obras
trasuntan/comunican el clima sociocultural y económico de la época y son muy importantes para
analizarlo, sacar conclusiones y conocer el vínculo que tienen con ese momento histórico.

Trasuntan: transmiten, comunican ideas o estados de ánimo.

Debido a que los objetos cuando perduran en el tiempo se convierten en documentos fieles, dignos,
de etapas del desarrollo de la civilización, se puede decir que a partir en que el hombre comienza a
hacer objetos se puede comenzar a hacer historia, ya que los primeros documentos que hay de la
presencia del hombre en la tierra, son los objetos que fabricó.

Se debe hacer de la historia un diálogo entre el presente (materializado en los humanos) y un legado
del pasado (los objetos). El método que se usa en este caso es la lectura del objeto, es decir la
interpretación del mensaje que denota el objeto y los signos que lo componen, lo que permite
conocer su pasado; tratar de descubrir los condicionantes que marcaron su nacimiento, determinar
caracts de la época y ubicarse en el momento histórico.

Cada objeto representa una etapa en el proceso continuo que es la búsqueda de los distintos modos
de satisfacer una necesidad.

Hacer historia es averiguar lo que sucedió y por qué.

La historia es dinámica, cada nuevo fenómeno que se incorpora permite nuevas y distintas lecturas
del pasado a interpretar.

Lo que interesa desde el punto de vista de la historia del diseño industrial no es solamente el
producto final sino también los por qué, las condiciones de aparición de los objetos, su evolución, los
cambios y lo que permaneció constante, etc. El producto es la interacción entre el diseñador y los
marcos políticos, culturales, económicos, sociales y técnicos.

CAPÍTULO 3.

Durante la primera mitad del siglo 19 los objetos elaborados industrialmente, los cuales debían
imitar los aspectos de los objetos hechos a mano, poseían una muy mala calidad estética, sucedió
una crisis de diseño, se había perdido la vinculación entre la forma y la decoración. La tendencia de
esa época era embellecer los objetos mediante la decoración para mejorar su calidad estética.

Se empezó a culpar a la máquina de todo. “la división del trabajo también alteró de otras maneras la
vida social. El trabajo se volvió más fragmentario, monótono, tedioso y la autosuficiencia de los
individuos se restringió notablemente”. Como consecuencia, artista e intelectuales formularon un
rechazo de la máquina y plantearon una vuelta a las formas de producción artesanas típicas de la
edad media.

Henry Cole, diseñador, escritor especialista en artes decorativas, que organizó en 1851 la Gran
Exposición Universal de Londres, consideraba que el bajo nivel de la producción industrial se debía a
la separación entre el arte y la industria. En 1845 inició un movimiento para relacionar el arte con la
industria, por lo que se considera un antecesor del diseño industrial.

El cuestionamiento a la producción industrial, tuvo en Inglaterra dos importantes portaestandartes,

John Ruskin (1819 – 1900) y William Morris inspiradores del movimiento ARTS AND CRAFTS, que
planteó un retorno a la producción artesanal como alternativa para recuperar el equilibrio entre las
artes y los oficios, entre la forma, la función y la decoración. Este movimiento no podía solucionar
estos problemas, lo único que podía ofrecer el método eran productos de alta calidad para un
público refinado y adinerado.

Por esta tendencia a recuperar la relación entre las artes y los oficios, pero con una actitud de
rechazo hacia el clasicismo de finales del siglo 19, e inspirado más en la naturaleza que en el pasado,
nace el ART NOUVEAU (1890 – 1914 por la guerra), movimiento esencialmente artístico que exaltaba
la artesanía sin cuestionar el uso de la máquina y que planteaba una visión integral del diseño. Sus
productos eran de muy buena calidad pero para una selecta minoría.

En el siglo 20 la trilogía forma- función – decoración se redujo a forma – función, porque los
diseñadores entendieron que en la producción industrial, la calidad estética de los productos no
debe ser en función de la ornamentación, sino de los atributos propios del objeto (forma, material y
función)

Texto: Pevsner Nikolaus, Pioneros del diseño moderno.

CAPÍTULO 1: Teorías del Arte desde Morris hasta Gropius

Las nuevas máquinas permitieron a los fabricantes lanzar al mercado miles de artículos baratos en el
mismo tiempo y al mismo costo que antes se requerían para la producción de un solo objeto bien
elaborado.

Durante el Renacimiento los artistas habían aprendido por primera vez, a considerarse seres
superiores, portadores de un mensaje sublime.

Schiller fue el primero en elaborar una filosofía del arte que convertía al artista en el sumo sacerdote
de una sociedad secularizada*. Su evangelio puede ser la humanidad o la belleza, una belleza
“idéntica a la verdad” (Keats), una belleza que es la “la más completa unidad inimaginable de vida y
forma” (Schiller). Cuando crea, el artista da a conocer “lo esencia, lo universal, el aspecto y la
expresión del espíritu que vive en la naturaleza” (Schelling).

En 1861, Morris abre una firma, la Morris, Marshall y Faulkner, trabajadores artísticos en pintura,
tallas, muebles y metales. Esto señaló el principio de una nueva era en el arte Occidental. El punto
de partida de esta firma era la condición social del arte en su épica. El arte “no tiene ya ninguna
raíz”.

Morris partiendo del artesanado gótico, definió al arte como “el medio de que se vale el hombre
para expresar su alegría en el trabajo”. “El verdadero arte debe ser hecho por el pueblo y para el
pueblo, como una dicha para quien lo crea y para quien lo aprovecha”.

*Que ha abandonado los signos, valores o comportamientos que se consideran propios o

identificativos de una confesión religiosa.

La verdad en hacer es para Ruskin el hacer a mano, y hacer a mano es hacer con júbilo. “El arte (…)
desaparecerá de la civilización, si el sistema perdura. Esto lleva en si mismo, a mi entender, la
condenación de todo el sistema” Morris.

La tarea de Morris de la restauración del oficio manual, es constructiva; la esencia de su doctrina es

destructiva. Abogar* por el oficio manual únicamente. Significa abogar por condiciones del
primitivismo medieval y, antes que nada, por la destrucción de todos los recursos de la civilización
que fueron introducidos durante el Renacimiento. Él no empleaba en sus talleres ninguno de los
procedimientos de producción post medievales, la consecuencia fue el elevado costo de toda su
producción.

*Hablar o declararse en favor de una persona o una cosa.

En una época en la que casi todos los objetos de uso diario estaban hechos con la ayuda de
máquinas, solo un pequeño grupo compraba los productos del artista artesano. Si bien Morris quería
un arte “por el pueblo y para el pueblo” se vio obligado a admitir que el arte barato era imposible,
porque “todo arte cuesta tiempo, molestia y reflexión”

“como condición de vida, la producción mecánica es totalmente perjudicial” (Morris)

El Movimiento de las Artes y Oficios trajo un renacimiento de la artesanía artística, no del arte
industrial. Representantes: Walter Crane (discípulo de Morris, pensaba lo mismo que él en cualto al
uso de las máquinas. Su fin era “transformar a los artistas en artesanos y a los artesanos en artístas”)
y C.R Ashbee (creía que las artes constructivas y decorativas eran la auténtica espina dorsal de toda
cultura artística; que todo objeto debería ser producido bajo condiciones gratas y de que, por
consecuencia, el arte para uso diario no puede ser barato.).

“La verdadera raíz y fundamento de todo arte yace en la habilidad manual del artesano” (Walter
Crane)

“los monstruos de nuestra época recubiertos de hierro y cristales” (Crane)

Ruskin pensaba que la máquina podía ser necesaria y útil como la servidora auxiliar del hombre para
un efectivo ahorro de trabajo, de trabajo pesado y agotador.

Los verdaderos pioneros del Movimiento Moderno fueron aquellos que desde el principio fueron
partidarios del arte en la máquina; se pueden mencionar dos Lewis F.Day (proyectista industrial) y
John Sedding (arquitecto religioso más original de la escuela neogótica. Llegó a ser discípulo de
Street.)

Los poetas y escritores fueron los primeros en predicar el nuevo evangelio.

Los primeros arquitectos que admiraron la máquina y comprendieron sus caracts esenciales y sus
consecuencias sobre la relación de la arquitectura y el diseño con la ornamentación fueron: 2
austríacos, dos americanos y un belga; Wagner, Loos, Sullivan, Lloyd Wright y Van de Velde.

“el juego poderoso de sus brazos de hierro creará belleza tan pronto como la belleza los guíe” (Van
de Velde)

“La única salida posible para la ceración artística es la vida moderna”, “Todas las formas modernas
deben estar en armonía con (…) las nuevas exigencias de nuestra época” “nada que no sea práctico
puede ser bello” (Van de Velde atacaba al Art Nouveau)

“cuanto más bajo es el standard de un pueblo, más profusos son sus ornamentos. Encontrar belleza
en la forma en lugar de hacerla depender del ornamento es la meta a que aspira la
humanidad”(Loos). La belleza pura en una obra de arte individual es “el grado en que alcanza la
utilidad y la armonía de todas las partes en relación con otras”

Llyd Wright en 1901, leyó un manifiesto sobre The Arts and Craft of the Machine (el arte y el oficio
de la máquina): “nuestra época de acero y vapor (…) la Edad de la Máquina, en la que máquinas
locomotoras, máquinas industriales, máquinas de luz o máquinas de guerra o barcos a vapor toman
el lugar que ocupaban las obras de arte en la historia anterior”
Movimiento Moderno: palabra Sachlich como divisa, significa pertinente, positivo y objetivo. “la
perfecta y pura utilidad” es lo que reclama del artista moderno, el movimiento se llamó Sachlichkeit,
los edificios u objetos de uso que sean creados según tales principios, exhibirán “la pulcra elegancia
que nade de la adecuación a la función (…) de la concisa sobriedad”. Muebles prácticos, sin adornos,
con “formas simples, pulidas y ligeras”, cómodas para las amas de casa: por la sachiliche Schonheit,
por anchas ventanas horizontales y torrentes de luz, y por flores frescas en los cuartos.

Hermann Obrist, uno de los artistas más originales del Art Nouveau alemán

Wilhelm Schafer, famoso escritor y poeta

Friedrich Naumann, político de importancia en el desarrollo de las reformas sociales y de la

democracia en la Alemania de antes y después de la Primera Guerra Mundial.

Walter Gruopius: en 1909 compuso un memorándum sobre la tipificación y la producción en masa

de casas pequeñas y sobre los medios aconsejables de financiar tales proyectos. A fines de 1914,
comenzó a preparar sus planes para la reorganización de la Escuela de Arte de Wiemar, la cual
combinaba una academia de arte y una escuela de artes y oficios. Su nombre fue Staatliches
Bauhaus. Era al mismo tiempo un laboratorio para el oficio manual y la tipificación; una escuela y un
taller. Reunía a arquitectos, técnicos y pintores abstractos, trabajando para la construcción. “todo
arte, en tanto es bueno y sólido, sirve a la construcción”

CAPÍTULO 2: Desde 1851 hasta Morris y las Artes y Oficios

1850: Inglaterra mas rica q nunca

Siglo 19 principios, horas de trabajo entre 12 y 14; las puertas y ventanas de las fábricas se
mantenían cerradas. Los niños empezaban a trabajar a los 5/6 años. En 1802 redujeron las horas de
trabajo de los niños a 12hs.

Había un liberalismo tanto en la filosofía como en la industria; significaba completa libertar para el
fabricante de producir cualquier burda imitación o adefesio, si podía darle salida.

Manufacturas de arte: objetos de uso diario.

Texto: Gay, Aquiles y Samar, Lidia. El diseño industrial en la historia.

CAPÍTULO 6: El Art Nouveau (EL ARTE POR EL ARTE MISMO)

Fue un estilo dentro del campo del arte, característico de la última década del siglo XIX y los
primeros años del siglo XX, que se desarrolló en Europa y América, aunque con particularidades
locales; se caracterizaba por su ruptura con el pasado, por oponerse a cualquier imitación de estilos
preexistentes, y por la búsqueda de nuevas formas artísticas inspirándose en diversas fuentes: desde
elementos de la naturaleza, hasta exóticas artes extranjeras.
Su contenido temático abarcaba lánguidas figuras femeninas, plantas, flores y animales (el lirio, el
nenúfar, el cisne, el pavo real, etc.); no se eligieron plantas y flores comunes, sino exóticas,
generalmente no por su belleza, sino porque eran diferentes, plantas de tallo largo y flores pálidas
que trasuntaban éxtasis, exotismo, refinamiento; el blanco fue uno de los colores preferidos; ningún
otro estilo tuvo una cantidad tan grande de símbolos.

Líneas lacias – obras lineales - curvas sinuosas u onduladas que terminaban en un movimiento de
golpe de fusta – líneas y formas vegetales entrelazadas – no hay ruptura de ángulos.

Tres elementos básicos sobre los cuales se apoya el nuevo estilo:

1) la influencia del arte japonés, con sus particulares estructuras asimétricas, en abierto contraste
con el ideal renacentista en el que la simetría constituía uno de los primeros postulados estéticos.

2) el renovado estudio de la naturaleza, interpretada a través del aspecto orgánico de sus formas
estructurales, y no por lo tanto, la reproducción de la naturaleza misma -como todavía habían hecho
los impresionistas- sino el desarrollo de los elementos simbólicos estructurales derivados de ella

3) la admiración por las construcciones técnico-ingenieriles que, voluntaria o involuntariamente,

adoptan en cierto modo el sentido orgánico de las líneas naturales

El Art Nouveau alcanzó su máxima difusión en 1900 y mantuvo su influencia hasta 1905,
extinguiéndose definitivamente con la guerra de 1914-1918.

Algunas creaciones del Arts and Crafts (luchaban por la honestidad de trabajo y la simplicidad de la
forma. Representa un esfuerzo social) ayudó a formar al Art Nouveau (arte por el arte mismo, lo cual
lo llevó a su fracaso)

El Art Nouveau debe entenderse como una respuesta, en el campo del arte, a la nueva realidad
consecuencia de la revolución industrial, a los cambios que implicaban la aceptación del
maquinismo, y al empleo de nuevos materiales en la construcción (el hierro, el vidrio y el hormigón
armado).

Buscó restaurar el equilibrio entre las artes y los oficios y desarrolló al máximo las técnicas
artesanales pero aceptando incondicionalmente el empleo de las máquinas. Estimaba que
transformando el medio ambiente se podía transformar la sociedad.

Podemos decir que el Art Nouveau representa el nexo de unión entre el movimiento Arts and Crafts
(Artes y Oficios) y el Diseño Industrial que nace con la Bauhaus. Heredó del movimiento Arts and
Crafts el concepto de unidad y armonía entre lo artístico y lo artesanal, entre las bellas artes y las
artes aplicadas, y se esforzó por conseguir una síntesis de funcionalidad y belleza en los objetos de
uso.

El organicismo*, característico de las realizaciones del Art Nouveau, se convirtió, en muchos casos,
en un excesivo floralismo decorativo.

*perspectiva filosófica que ve el universo y sus partes como un todo orgánico y, por analogía o
literalmente, como un organismo vivo.
Representantes de esta corriente en el campo de la arquitectura:

- Victor Horta y Henry Van de Veld (belgas)

- Antonio Gaudi (catalán)
- Otto Wagner, Joseph Olbrich y Josef Hoffman (austríacos)
- Charles Mackintosh (escosés)
- Héctor Guimard (frances)
- Louis Sullivan (estadounidense)

Representantes de esta corriente en el campo del diseño:

- Mackintosh (creador de muebles)

- Comfort Tiffany (uno de los mejores diseñadores estadounidenses de artículos de cristal,
metálicos y joyas)
- Henry van Veld (diseñador de objetos de orfebrería y joyas)
- Rene Lauque (joyero francés)
- Emile Gallé de Nancy (fabricante de muebles, lámparas y vasijas de cristal, francés)
- Olbrich y Hoffmann (diseñadores de objetos de orfebrería, cubertería, etc)
- Louis Majorelle (diseñador de muebles y otros objetos, francés)

Representantes de esta corriente en el campo de la pintura e ilustración:

- Gustav Klimt
- Henry van de Velde
- Koloman Moser
- Aubrey Beardsley
- Will Bradley
- Alphonse Mucha
- Alfred Roller
- Fernand Khnopff
- Eugéne Grasset
- Jan Toorop
- Pierre Bonnard

Lema: “La forma siempre sigue a la función”

Art Nouveau tuvo sus orígenes en Bélgica, fue una moda decorativa. Planteó un rechazo al
clasicismo, pero influyeron en sus realizaciones, tendencias estilísticas del pasado, por ejemplo
elementos rococó en las obras de Emile Gallé, góticos en las construcciones de Antonio Gaudi, etc

El nombre Art Nouveau surge de un establecimiento, L'Art Nouveau que inaugurara en París, en
1895, el decorador hamburgués Samuel Bing, en el que se exponían pinturas, diseños para interiores
y muebles en un ambiente "moderno".

«Mientras que en Francia, Bélgica e Italia la evolución del Art Nouveau se caracterizaba por una
abstracción de las formas naturales, con una gran fuerza y sinuosidad de las líneas y molduras
tridimensionales que unifican los diferentes elementos del diseño en un todo integrado, en
Alemania el estilo iba a seguir una orientación diferente. En Munich, en las obras de artistas y
diseñadores, los elementos fluidos y curvilíneos estaban desde un principio controlados y
moderados, y posteriormente dieron paso a composiciones formales de elementos geométricos.

TEXTO: Un mensaje a García

Un perihelio es el punto en la órbita de la Tierra donde está más cerca del Sol.

Contexto: Guerra entre eeuu y españa

La erudición, en quien la posee, supone el conocimiento profundo y extenso sobre diferentes

materias, ciencias, artes, entre otros, aunque los más comunes son aquellos referentes a
disciplinas literarias e históricas.

Azorado: hace alusión como inquieto, preocupado, alarmado, travieso, intranquilo.

Pacota: grupo de gente que acompaña a alguien

Craso: indisculpable, tosco, gordo.

Execrable: digno de execración (se emplea para significar dos acciones diferentes la de atraer o
provocar contra alguien o contra sí mismo, por una especie de juramento, las más terribles
venganzas del cielo.)

Apatía: falta de emoción, motivación o entusiasmo.

Encanecer: envejecer

Filantrópico/filantropía: amor al género humano

Prodigado: gastar en exceso

Aviesas: malvado y retorcido

Atarjea: Conducto o encañado por donde las aguas de la casa van a la red.

TEXTO: Mario de Micheli-Las vanguardias artísticas del siglo XX

Primera parte: Capítulo 1. Unidad del siglo XIX

Arte y realidad:

El arte moderno nació por un quiebre entre la unidad espiritual y cultural del siglo 19, trayendo a
su vez protestas y revueltas.
En los treinta años que preceden a 1848 toma consistencia la moderna concepción de pueblo y
los conceptos de libertad y progreso adquieren nueva fuerza y concreción.
Arte y literatura se empieza a ver como la expresión activa del pueblo. Voz del pueblo que habla
al pueblo.
El poeta crea para el público, para su pueblo y su época, los cuales tienen derecho a exigir que
una obra de arte sea comprensible al pueblo y cercana a él.
El idealismo objetivo de Hegel, a diferencia del formalismo estético kantiano, reintegraba a la
actividad estética un específico contenido histórico.
En ese período de revoluciones, la realidad era el problema central en la producción estética,
después de la poesía a las artes figurativas. Por esto, alcanza su máximo esplendor la gran época
del realismo.

El contenido y la forma:
Rechazo del romanticismo.
Realismo pasa a ser el nuevo modelo: la realidad histórica se hace así contenido de la obra a
través de la fuerza creadora del artista, el cual, en vez de traicionar sus caracts, ponía en evidencia
sus valores.
Hegel: “lo que decide, tanto en el arte como en todas las obras humanas, es el contenido”
Para Hegel el problema es buscar ante todo la idea y luego comparar la forma con ella, hay un
antes y un después.
Para De Sanctis (en 1858), en cambio, la forma no es una idea, sino una cosa, y, por ello, el poeta
tienen ante sí cosas y no ideas. “el estilo es la cosa, yo entendía como cosa lo que más tarde fue
llamado argumento o el contenido” “expresar la cosa es su verdad: eso era el estilo”
De Sanctis: el arte no puede ser más que una representación objetiva de la realidad, una
expresión no deformada de la misma.
Un grupo de jóvenes le pidió que abriera una escuela realista, en diciembre de 1861.
Para Courbet: “lo bello, como la verdad, está ligado al tiempo en que se vive y al individuo que es
capaz de percibirlo” “el arte consiste solo en saber hallar la expresión más completa de la cosa
existente”
Solo un romanticismo fundado en el ímpetu de la historia y de los sentimientos que en ella
surgían podía hallar una plena adhesión (aceptación); un romanticismo de fondo realista.
Victor Hugo: “En el siglo en que vivimos el horizonte del arte se ha ampliado. Hubo un tiempo e
que el poeta decía: el público. Hoy el poeta dice: el pueblo”

Rechazo del arte por el arte:

La revolución de 1830 trajo un duro golpe a la teoría del arte por el arte.
1838: los gustos de la nueva burguesía financiera francesa habían cambiado. “ Las obras de arte
de una originalidad demasiado independiente o de ejecución demasiado audaz ofenden la vista
de nuestra sociedad burguesa, cuyo limitado espíritu no puede abrazar ni las vastas
concepciones del genio ni los arrebatos generosos de amor a la humanidad. El vuelo de la
opinión es de corto alcance; todo lo que sea demasiado vasto, todo lo que se eleve por encima
de ellas se le escapa”
Al cabo de pocos años las cosas habían cambiado. El clero había recuperado su influencia y los
encargos oficiales de cuadros con temas religiosos se habían reanudado.
La conciencia de la relación entre arte y pueblo, entre arte y sociedad, era más viva que nunca.
Courbet: “Al renegar del ideal falso y convencional, en 1848 levanté la bandera del realismo, la
única capaz de poner el arte al servicio del hombre. Por esto, lógicamente, he luchado contra
todas las formas de gobierno autoritario y de derecho divino, queriendo que el hombre se
gobiernes a sí mismo según sus necesidades, en su provecho directo y siguiendo sus propias
concepciones”
Los defensores del romanticismo y del clasicismo salían derrotados por la fuerza histórica de
estas convicciones. El hombre, al margen de las exaltaciones místicas y de las abstracciones
académicas, sin contornos en los pies, ni aureolas en torno a la testa, se convertía en el centro de
la nueva estética. Nacía el socialismo científico, el espíritu de la ciencia se difundía por todas las
disciplinas los progresos de la técnica daban una nueva impronta a la vida y la exigencia de una
visión fuerte y vezas se imponía en todos los campos para los realistas el hombre era el eje en
torno al cual todas estas circunstancias históricas se reagrupaban.
Regla fundamental del realismo: fuera la mitología, el cuadro de revocación histórica, la belleza
convencional de los cánones clásicos. Los artistas más representativos de la escuela realista
fueron Courbet, Daumier y Millet.
Castagnary escribió: “Al pintar (a campesinos y burgueses) de tamaño natural, y dándoles el vigor
y el carácter que hasta entonces había estado reservados a los dioses y héroes, Courbet llevó a
cabo una revolución artística.”
En el siglo 19, París era realmente la capital de las artes y de las nuevas ideas políticas. En estos
años se construye una conciencia renovadora, en Hungría, Rumania y Bulgaria. Empiezan a
florecer los estudios sobre la historia patria y el arte se desvincula del bizantinismo para centrarse
en la observación de la realidad. En Italia, esta es la época del despertar de su cultura naciones y
del arte figurativo en particular.
Con la llegada del Resurgimiento de arte en Italia, caen las fórmulas neoclasicistas en favor de un
romanticismo de inspiración histórica, hasta que toma impulso un arte fresco y vital.
En 1859 surgen los macchiaioli (los manchistas). Lo que perseguían era la sinceridad de
expresión, verdad, apego a las cosas.

Epílogo trágico:
Por la crisis de la unidad histórica, política y culturas de las fuerzas burguesas – populares en
torno a 1848, y por tanto de la ruptura de esta unidad, nace el arte de vanguardia y gran parte
del pensamiento contemporáneo.

Parte dos: Documentos

Expresionismo:
En 1902: se formó un grupo que se llamó Brucke (el puente). El uno animaba al otro. Kirchner
introdujo desde Alemania meridional el grabado en madera. Heckel grababa nuevamente figuras
en madera. Kirchner enriqueció esta técnica coloreando sus trabajos y buscó el ritmo de la forma
cerrada en la piedra y en el estaño. Schmidt- Rottluff hizo las primeras litografías en piedra.
La primera exposición del grupo fue en Drede, en locales particulares, pero no tuvo ningún eco.

Sobre la pintura: es el arte que representa en un plano un fenómeno sensible. El medio de la

pintura es el color, el fondo y la línea. El pintor transforma la obra de arte la concepción sensible
de su experiencia. La alegría sensible por el fenómeno visto es, desde el principio, el origen de
todas las artes figurativas. La obra de arte nace de la transposición total de la idea personal en el
trabajo.

Sobre la gráfica: el móvil de la gráfica es la alegría de transfundir en la mecánica la parte manual

de la personalidad del autor. En el Brucke se cultivan 3 técnicas gráficas: xilografía (valoriza al
máximo el elemento lineal gracias a su simplificación), litografía (reproduce el dibujo del modo
más directo. Gracias al tratamiento con trementina y con el uso de ácidos en la superficie) y
grabado (el grabado en metal se refiere al trabajo a punta seca. La formación automática de los
surcos a mano hace evidente la personalidad del autor)

Esbozo de un manifiesto “noviembrista”: Nos situación en la revolución, con el lema libertad,

igualdad y fraternidad.
Luchan por una Alemania libre. Quieren una libertad de expresión ilimitada y la adopción de una
postura pública al respecto.

Realismo expresionista:
Manifiesto del grupo rojo: los pintores y dibujantes organizados y activos en el Partido
Comunista se reúnen en un grupo comunista de artistas, llamado Grupo Rojo, creen que un
bueno comunistas es primero comunista y luego artista, trabajador especializado, etc. Y que
todos sus conocimientos y capacidades son para él únicamente herramientas de trabajo al
servicio de la lucha de clases.
Programa:
 Organización de veladas unitarias de propaganda ideológica
 Colaboración práctica con todas las organizaciones revolucionarias
 Acción contra los residuos ideológicos nacionalistas de las organizaciones proletarias.
 Trabajo de educación artística en los barrios, modelos ejemplificadores de periódicos
murales, educación para fabricar carteles y enseñas para manifestaciones
 Organización de exposiciones ambulantes
 Trabajo de educación ideológica y práctica, guiado por los propios artistas
revolucionarios
 Adopción de posiciones y acciones contra las manifestaciones culturales
contrarrevolucionarias.
 Trabajo de descomposición, es decir, neutralización entre los artistas burgueses
 Uso de las exposiciones de arte burgués con fines propagandísticos.
 Contactos con los alumnos de los institutos de formación artística, con el objetivo de
revolucionarlos.

Suprematismo:
Se entiende como la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas.
La concretización de la sensibilidad en la conciencia significa, en verdad, una concretización del
reflejo de la sensibilidad mediante una representación natural. Esta representación no tiene valor
en el arte del suprematismo, porque el valor estable y auténtico de una obra de arte, consiste
exclusivamente en la sensibilidad expresada.
Para el suprematista será válido aquel medio expresivo que permita que la sensibilidad de
exprese de modo posiblemente pleno como tal y que sea extraño a la objetividad habitual
A través de la sensibilidad, el arte llega a la representación sin objetos, al suprematismo.
Abstracción = sensibilidad pura.
El arte ya no quiere estar al servicio de la religión ni del Estado; no quiere seguir ilustrando la
historia de las costumbres; no quiere saber nada del objeto como tal y cree poder afirmarse sin la
cosa (sin la fuente válida y experimentada de la vida) sino en sí y por sí.
Sensibilidad hecha forma. La gente considera la ausencia de objetos como el final del arte.
La filosofía del suprematismo está en contra de la realidad del rostro humano, o sea de la figura
humana. Han buscado signos nuevos para interpretar la sensibilidad inmediata y no los reflejos
convertidos en forma de las distintas sensaciones, y eso es porque el suprematista no mira ni
toca, solo percibe.
Las obras de arte aplicadas a la vida práctica, o bien usadas en la vida práctica, quedan en cierta
medida desvalorizadas. Solo cuando sean colocadas en un museo se reconocerá su valor
auténtico/artístico.
El suprematismo, tanto en pintura como en arquitectura, es libre de toda tendencia social o
material.
Toda obra de arte, por mediocre y sin significado que sea en apariencia, nace de la sensibilidad
plástica.
Constructivismo: Manifiesto del realismo 1920:
Espacio y tiempo son las únicas formas sobre las cuales la vida se construye y sobre ellos, por
tanto, se debe edificar el arte.
La actuación de nuestras percepciones del mundo en forma de espacio y tiempo es el único
objetivo de nuestro arte plástico.
En la pintura renuncian al color como elemento pictórico. El color es la superficie óptica
idealizada de los objetos, es una impresión exterior y superficial. Nada tiene en compun con la
esencia más íntima del objeto.
Renuncian a la línea como valor descriptivo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica,
es decoración.
Renuncian al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con
el volumen.
Renuncian a la escultura en cuanto masa entendida como elemento escultural. La línea como
dirección y la profundidad como forma espacial.
Renuncian al desencanto artístico arraigado según el cual los ritmos estáticos son los únicos
elementos de las artes plásticas.
ESOS SON LOS 5 PRINCIPIOS FUNDAMENTALES DE LA TECNICA CONSTRUCTIVA.

De STIJIL:
Prefacio 1: nuevo sentido estético que quiere hacer al hombre moderno sensible a todo lo que hay
de nuevo en las artes plásticas. El artista moderno tiene una doble tarea: crear la obra de arte
puramente plástica y encaminar al público a la comprensión de una estética del arte plástico puro.

Prefacio 2: el fin de la naturaleza es el hombre. El fin del hombre es el estilo.

Primer manifiesto de la re vista De Stijil, 1918

1) Hay una vieja conciencia del tiempo y hay otra nueva. La primera tiende al individualismo. La
nueva tiende hacia lo universal.
2) La guerra destruye el viejo mundo con su contenido: la dominación universal en todos los
campos.
3) El arte nuevo ha puesto en evidencia el contenido de la nueva conciencia del tiempo:
proporciones equilibradas entre lo universal y lo individual.
4) La nueva conciencia del tiempo está preparada para realizarse en todo, incluso en la vida
externa.
5) Las tradiciones, las dogmas y lo natural del individuo se oponen a esta realización.
6) En fin de los fundadores del nuevo arte plástico es hacer un llamamiento a todos los que
creen en la reforma del arte y de la cultura para aniquilar tales obstáculos, del mismo modo
que ellos mismos aniquilaron en su arte la forma natural que obstaculiza una autentica
expresión del arte, ultima consecuencia de toda cognición artística.
7) Los artistas de hoy, movidos en todo el mundo por la misma conciencia, han participado en
el campo espiritual, en la guerra contra la dominación del individualismo.
8) El órgano de Stijil, fundado para combatir espiritual y materialmente por la formación de
una unidad internacional en la vida, en el arte y en la cultura, se esfuerza en sacar a la luz la
nueva conciencia de vida.
Segundo manifiesto de De Stijil, 1920: poesía profunda e intensa. Dar un nuevo significado y un
nuevo poder expresivo a la palabra, usando todos los medios que están a nuestra disposición:
sintaxis, prosodia, tipografía, aritmética, ortografía.

Para el escritor moderno la forma tendrá un significado directamente espiritual; él no describirá

ningún acontecimiento.

TEXTO: El diseño industrial en la historia. Cap 7

Gran Bretaña, la precursora, juzgó más provechoso invertir sus excedentes en el extranjero que
modernizar el entorno y la producción en casa. Con ello, el impulso de la industrialización del siglo
XX no surgió en Gran Bretaña, sino en una nación industrial más nueva como Alemania.

Los cambios en el esquema productivo que tuvieron lugar en Europa y los EE.UU. en el siglo XIX,
provocaron, en los países involucrados, un desplazamiento de la producción artesanal y su
reemplazo por la producción industrial, lo que planteó sus problemas y como consecuencia la
necesidad de analizar en profundidad las relaciones entre el arte, la artesanía y la industria.

N sociedad que surgía con el siglo XX, la sociedad de masas, caracterizada por la presencia de nuevas
y vastas categorías de consumidores.

Art Nouveau, se centró en producir artículos de buen gusto (podríamos decir exquisitos), pero sólo al
alcance de una selecta minoría.

En la búsqueda de solucionar los problemas estéticos que planteaba el nuevo sistema de

producción, el rumbo lo marcó Alemania, el país de Europa continental que encaró más
organizadamente el desarrollo industrial. Para poder competir en los mercados mundiales se planteó
la necesidad de mejorar el diseño y la calidad de sus productos.

En 1905, Hermann Muthesius, publica un libro titulado La casa inglesa, informe sobre los logros
arquitectónicos del movimiento Arts and Crafts, en el que describe cómo los arquitectos ingleses
combinaban la sencillez de la tradición vernácula con una planificación racional.

En 1906, Muthesius planteó la producción en serie, y junto con Friedrich Naumann y Karl Schmidt,
dos defensores de una formación artística orientada a la producción de máquinas, deciden fundar la
Werkbund (Unión para la obra) como lugar de encuentro de artistas, artesanos, diseñadores,
arquitectos, críticos de arte, industriales, etc., dispuestos a buscar la forma de lograr productos
industriales de calidad. La iniciativa se concreta a finales de 1907.

La finalidad de esta nueva asociación era agrupar una selección de las mejores fuerzas que actúan en
el campo del arte, la industria, la manufactura y el comercio. En este sentido, trata de reunir todas
las producciones y todas las aspiraciones de calidad que se desarrollan en el trabajo artesanal.
Constituye un centro de unión para todos aquellos que aspiran y son capaces de creaciones de
elevada calidad.

Theodor Fischer declaraba: "no es la máquina la que hace un trabajo deficiente, sino nuestra
incapacidad para usarla con eficacia". En otros términos nuestra capacidad de ideación artística está
aún por debajo del grado de cultura que ha creado la máquina. El arte, o lo que llamamos con este
nombre, comprende una realidad mucho más restringida que aquella que abarca la ciencia y la
técnica moderna; el individualismo artístico lleva a una experiencia mucho más limitada que aquella
que la industria, como acción colectiva, abre al mundo moderno.

La producción en serie de artículos de consumo planteó la necesidad de reducir las cosas a sus
partes esenciales; esto contribuyó al surgimiento de una estética basada en formas puras y
racionales, la estética de la máquina.

La Werkbund preconizaba esta estética simple y acorde a la nueva era de la máquina, que valorizaba
los materiales y los elementos de fabricación industrial; su programa consagraba la unidad del arte,
la artesanía y la industria, así como los conceptos de: funcional y trabajo de calidad. Por "funcional"
se entiende "adecuado a la función" e implica que el empleo de los materiales esté de acuerdo con
las exigencias económicas y técnicas, y el resultado responda a los requerimientos estéticos.

La Werkbund vio, desde un principio, al diseño como un elemento fundamental en la expansión de

la economía alemana y buscó mejorar el diseño y la calidad de los productos alemanes.

Hermann Muthesius: el rasgo fundamental del espíritu moderno hay que buscarlo en lo funcional, lo
utilitario, lo objetivo (Sachlichkeit).

La Sachlichkeit es objetividad y concreción, correspondencia exacta y calculada de la cosa y la

función, de la forma y el uso.

Muthesius «pronto se convirtió en el reconocido jefe de una nueva tendencia hacia la Sachlichkeit
que siguió al corto florecimiento del Art Nouveau en Alemania. La intraducibie palabra sachüch, que
significa al mismo tiempo pertinente, positivo y objetivo, llegó a ser la divisa del naciente
Movimiento Moderno. Con la Werkbund prácticamente se cierra el ciclo del Art Nouveau para dar
paso al arte moderno.

podría llamar clásica »6 Hermann Muthesius, reconoce que en el proceso de industrialización la

máquina supera definitivamente el trabajo manual. No sólo es consciente de la necesidad social de
la producción por medio de máquinas, sino también de las nuevas posibilidades estéticas que la
máquina lleva consigo, pero en cuestiones de forma deja la última decisión en manos del artista.

La Werkbund, sin reivindicar la artesanía y aceptando como solución válida la producción industrial,
buscó conciliar el arte, la artesanía y la industria, tres actividades que tienen tradiciones diferentes y
métodos de trabajo diferente, lo que lógicamente provocó dos concepciones, una práctica, objetiva,
la otra individualista, idealista. Muthesius sostuvo la tipificación (Typisierung), y van de Velde el
individualismo. Muthesius dijo: "La arquitectura y la total esfera de actividades de la Werkbund
tienden hacia la tipificación. Sólo por la tipificación [....] como una saludable concentración de
fuerzas, puede introducirse un gusto umversalmente aceptado y que ofrezca seguridad". Van de
Velde respondió: "En tanto que haya artistas en la Werkbund [ ] protestarán contra todo canon
propuesto y toda tipificación. El artista es esencial e íntimamente un individualista apasionado, un
creador espontáneo. Nunca, por propia y libre voluntad, se someterá a una disciplina que imponga
sobre él una norma, un canon».9 Por tipificación se entiende la adaptación de los proyectos de
diseño a los requisitos técnicos de la producción.
Esto continuó en la Bauhaus, donde el enfrentamiento se centró más bien entre lo "estético"
(aspectos formales) y lo "ético" (aspectos funcionales, económicos, tecnológicos, valor de uso). La
Werkbund fue un antecedente muy directo de la Bauhaus.