ESCULTURA III

C OM ISIÓN C - AÑ O 2 0 2 2
Las cátedra de ESCULTURA III C propone potenciar y
desarrollar las capacidades de percepción y creatividad
mediante el conocimiento que proporciona el análisis y la
investigación a través de la práctica escultórica. Dicha
práctica apunta a configurar un enfoque
interdisciplinario atendiendo a la escultura
contemporánea y su contexto cultural: expansión del
campo, análisis de la ocupación del espacio y
producción de sentido y subjetividad

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La escultura es una categoría, al igual que la pintura, el grabado, la
fotografía, el teatro, la literatura, etc. Pero si prestamos debida
atención y revemos la historia del arte de los últimos 150 años, hay una
característica que parece oculta: el carácter híbrido de gran parte de
las producciones estéticas, que comprende todas las experiencias que se
produjeron por fuera de la estructura rígida y delimitada de las
disciplinas. El modelo disciplinar aún permanece fuertemente arraigado
a la idea conservadora de pureza de género, propia del modernismo.

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 El pensador Rodin 1903.
Promediando el siglo XIX, algunos críticos señalaron el agotamiento de
los formatos clásicos de la escultura, a la cual tildaron de aburrida.
Era claro que las transformaciones de la pintura desde mediados del S.
XVII (Neoclasicismo, Romanticismo, Realismo, Impresionismo), no habían
llegado a la escultura, que aún sostenía sus características clásicas.
Pero a finales del siglo XIX, a partir de escultores como Rodin (primer
moderno) o Medardo Rosso, esas transformaciones comenzaron a
apreciarse. La escultura rompe con los cánones clásicos y, de la
figuración mimética en primer lugar o de la representación, en
segunda instancia, comienza a transitar un nuevo camino, el
modernismo llega a la disciplina.

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En pocos años se reduce en escala, deja el espacio público para
recorrer salas y museos, participa en mayor número de los salones.
Además incorpora el color, avanza hacia la abstracción, suprime en
muchos casos su base y los propios materiales se transforman en
significantes.
En algunos casos, la escultura ya no representa el mundo sino que es una
parte de él

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 Principios de Siglo XX: Vanguardias, movimientos de
ruptura, nuevas propuestas que sacan a la escultura del
segundo plano en el que estaba ubicada y comienzan a
experimentar con ella. Los artistas buscan un nuevo lenguaje
expresivo. La ruptura definitiva la hace el Cubismo.

Cubismo: Pablo Picasso, su gran exponente, aproximó

pintura y escultura a través de la técnica del collage y
desarrolló después su obra escultórica, sobre todo en hierro.

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Guitarra, 1914, Picasso

 Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron
los preceptos cubistas a la escultura fueron Alexandre
Archipenko (1887-1964 Kiev – actual Ucrania), Jacques
Lipchitz (1891-1973) y Pablo Gargallo (1881-1934). En la
obra de todos ellos se percibe la articulación de planos y la
síntesis de formas propias del cubismo.

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Gondolero, 1914, Archipenko

 Constantino Brancusi (1876-1957). De espíritu
independiente, experimenta con inquietud cómo penetrar
más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y
alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando
formas. Le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da
vida de forma diferente a los objetos con gran simbolismo y
estilización.
El beso, 1907, Brancusi

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Formas únicas de la continuidad en el espacio, 1913,
Boccioni

Futurismo: la escultura del futurismo italiano aportó

dinamismo y percepción de movimiento a los principios
cubistas de descomposición de perspectivas. El más
destacado escultor futurista fue Umberto Boccioni
(1882-1916).

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Cabeza número 2, 1916,
Gabo

Constructivismo: Los escultores del constructivismo ruso

adoptaron preceptos semejantes, aunque orientados
hacia el maquinismo y el uso de materiales industriales.
En esta corriente sobresalieron Anton Pevsner (1886-
1962) y Naum Gabo fundador del Constructivismo
(1890-1977).

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 El anti-arte planeado por los dadaístas y la valoración
del trasfondo psicológico de los objetos y las formas de
los surrealistas dieron lugar a creadores de importancia
capital para la evolución escultórica del siglo XX. Entre
estas figuras destacan las siguientes:
Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de
la escultura al presentar como obras de arte, en la
década de 1910, una serie de objetos de la vida
cotidiana.

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Urinario - Fuente, 1917, Duchamp

 Kurt Schwitters (1887-1948) fue, junto
a Duchamp, el otro gran exponente de
la escultura dadaísta. Alcanzó su mayor
dimensión creativa trabajando con
materiales toscos y de desecho, a
partir de los cuales obtenía piezas de
notable belleza.

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Relieve en cuadrado azul, 1925, Schwitters

Mujer que camina, 1932, Giacometti

Alberto Giacometti (1901-1966), aportó una personal

interpretación del surrealismo a partir de sus longilíneas
imágenes, la mayoría de ellas en hierro.

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Después del final de la Segunda Guerra Mundial muchas de las grandes personalidades de la escultura
de vanguardia del primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios evolutivos.
Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de
piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética.
Pasó del estatismo al movimiento y cambió radicalmente la posición tradicional de la pieza
escultórica en el espacio: la obra cuelga del techo, en movimiento suave, a veces imperceptible.
Reemplazó elementos como piedra y bronce por alambre.

Triple gong, 1948, Calder

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Henry Moore desarrolló sobre premisas muy personales en la que adquiría especial importancia la figura
humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes.
Moore fue un artista que coleccionaba infinidad de objetos naturales como diferentes piedras de variados
colores, cantos rodados, trozos de madera, restos óseos o conchas. Todos esos objetos y muchos otros los
examinaba una y otra vez, y a partir de ellos hacía bocetos y dibujos transformando sus formas orgánicas
hasta convertirlas en humanas.

Figura yacente, 1938, Moore

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Eduardo Chillida (1924). Trabaja el hierro, el acero, la madera, el hormigón, el alabastro. Se observa gran
elegancia en sus estructuras de corte arquitectónico y majestuosa presencia.

Hierros de temblor II, 1955, Chillida

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 En 1977 se instala la que podría considerarse su obra más
emblemática, realizada en conjunto con el arquitecto Luis Peña
Ganchegui. El Peine del viento, es una triada de garfios de 10
toneladas de peso en acero patinable ubicados entre La Concha
(este) y Ondarreta (oeste). Entre esos muñones que lucen como
esqueletos de la roca se crean una línea que los une con el
horizonte. Pasado, presente, futuro, podrían estar representados
en cada unidad, para describir el tiempo. Peinan el viento del
noroeste y el viento del sur, pero también peinan las olas que
vienen y van. El color cobrizo y la herrumbre le da vida a la obra
en transformación, pues el artista considera que la escultura ya
existía con los elementos de la naturaleza. “El mar tiene que
entrar en San Sebastián ya peinado”, decía Chillida, de allí que
Peine del viento, 1977, Chillida la mano del hombre crea las rendijas por donde el agua dialoga
con el concreto.

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Características primera mitad de Siglo XX y posguerra:
Temática. La figura humana pierde su omnipresencia. Los temas se inspiran en las formas geométricas y
en la naturaleza; representan la abstracción, el movimiento, la antimateria, el espacio, el vacío.
El lenguaje escultórico es expresionista, a través de sus obras se transmite angustia, inquietud,
rechazo, desesperación ante los momentos históricos que toca vivir.
Las innovaciones están basadas en la masa y su deformación, en el volumen (abierto/cerrado).
Representan el movimiento unido a la energía. Esculturas-máquinas o cinéticas.
Están en permanente experimentación con materiales nuevos como hierro, plásticos, plexiglás,
sintéticos, resinas, etc.
Los artistas están en continua transformación circulando entre movimientos.

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 Otra característica: Paso de la representación a la presentación.
La integración del objeto común a la obra de arte se debe a la
necesidad de establecer un contacto directo entre la creación y la
realidad.

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Rueda de bicicleta, 1913, Duchamp

 Pequeña bailarina,
1880 - 81, Degas

Muerte de San Estanislao, 1705, Roma, Pierre Le Gros el joven

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 Teléfono langosta
1930, Dalí

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Vaso de ajenjo,
1914, Picasso
Cadeau,
1921, Man Ray

Desayuno en piel, 1936, Meret Oppenheim

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Mesa con patas de pájaro,
1939, Meret Oppenheim

Mi niñera, 1936, Meret Oppenheim

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Esculturas blandas, Claes
Oldenburg (Suecia)

Transformación de silla #9,

1969, Lucas Samaras (Grecia)

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OBJETOS: se caracterizan por reunir materiales y objetos preexistentes que, descontextualizados,
son resemantizados al ser ubicados en un nuevo contexto. La inclusión de la realidad en el campo
de la representación da lugar a una enorme ampliación de los dominios tradicionales del arte.

1ª definición 1935 – André Breton. En una conferencia en Praga habla de la “Situación del objeto
surrealista”: “…cierto tipo de minúscula construcción no escultórica [que no] merece exclusivamente
el nombre que se le ha dado, nombre que sigue ostentando una falta de definición más ajustada”

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Claudia Contreras

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Emiliano Miliyo

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Martin Roller

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Nancy Fouts

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Marta Minujín Dalila Puzzovio

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Nicola Constantino

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 E S C U LT U R A I I I
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Agatha Ruiz de la Prada

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Agatha Ruiz de la Prada

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 PROPUESTA DE TRABAJO I
Tres objetos intervenidos y resemantizados
Tres objetos construidos – creados

Unidad estética – unidad temática

Autónomos y que entre los tres se realice una lectura (Sistema)
Que sean dependientes uno del otro y la lectura necesite de los tres juntos (Serie)

Fecha de entrega: 01-06 / Cantidad de consultas: 3

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