INTRODUCCIÓN

En 1945 se marca la separación entre las vanguardias y post-vanguardias, debido que es cuando acaba la
Segunda Guerra Mundial. El 14 de junio de 1940 los alemanes toman París, centro del mundo del arte, que
va a intentar mantener su ritmo en cuanto al arte y la cultura, pero difícilmente. Todos esos valores artísticos
y sociales, ese mundo en que habían nacido las vanguardias, se acaba transformando por la guerra. Prueba
de ello va a ser un fenómeno conocido por el arte degenerado. Desde que Hitler subió al poder, ocurrieron
cosas curiosas en el arte moderno. Hitler era un amante de los artistas clásicos, y a favor de ese arte heroico,
arremetió contra todo lo que le sonaba a moderno: contra el arte de las vanguardias, que acabó
llamándose arte degenerado.

Este ataque contra la modernidad empezó en Alemania, ya en 1937 se había empezado esa cruzada contra
ese arte perverso, artistas que decían que estaban faltos de talento… y se realizó la Exposición de Arte
Degenerado en Munich el 19 de julio de 1937. Esta fue una especie de escaparate de ese arte degenerado y
que la gente que quisiera, pudiera incluso llegar a atacarlo. La exposición estaba formada por 700 obras que
habían sido incautadas en diversos museos alemanes. La idea era mostrar el horrible final al que había
conducido esa época de decadencia de artistas que no sabían a donde iban. Klimt o Kandinsky fueron
artistas cuyas obras se encontraban en esta exposición. En el interior, las obras se presentaban con unos
escritos a mano en carteles o en la pared, que creaba un ambiente caótico, en los cuales se degradaba el
arte expuesto. Después de esa exposición, muchas obras se destruyeron y la mayoría se perdieron.

También se dedicaron a la quema de libros, como la ocurrida en Berlín el 20 de marzo de 1939. Allí se
quemaron 1000 pinturas y 3000 dibujos de arte degenerado. En otras ocasiones se realizaron subastas,
puesto que se dieron cuenta de que ese tipo de arte valía grandes cantidades de dinero. Vendían las obras a
otros países, como puede ser la Subasta de Arte Degenerado en el Gran Hotel Nacional de Lucerna el 30 de
junio de 1939. El dinero conseguido era para los jerarcas del gobierno, además de para la compra de armas.

Junto a esto, el resto de países se empezaron a movilizar, los ocupados por los alemanes vaciaron sus
museos ocultando las obras para protegerlas. A pesar de esto, algunas obras sí fueron localizadas. En EEUU,
los personajes importantes de la cultura empezaron a dar la voz de alarma de lo que estaba ocurriendo. Uno
de los personajes más importantes fue el director del Metropolitan de Nueva York. Este hombre sabía que
había que hacer algo, por lo que fueron a la Casablanca y hablaron con Roosevelt, quien dio permiso para
que se creara en 1943 una comisión americana para la protección y el salvamento de los monumentos
artísticos e históricos en áreas de guerra. Esta iniciativa acabó llegando a otros países y, al final, se organizó
un grupo de 345 hombres y mujeres de 13 países diferentes, y crearon una sección dedicada a la
salvaguarda de todos estos bienes. Una vez acabada la guerra, siguieron la labor recuperando obras. Rosse
Valland, que era una historiadora del arte, miembro de la resistencia francesa que estaba como
conservadora en el Die D’Pont, elegido por los nazis para llevar las obras incautadas para que se catalogara y
organizara. Esta mujer se dedicó a inventariar todas las obras, catalogarla y dónde iban. Cuando acabó la
guerra, ella tenía muchos datos que ayudaron a la recuperación de obras. Además, declaró en los juicios de
Núremberg y aportó muchos datos para la condenación de algunos nazis.

Esta situación llevó a que muchos de los artistas europeos empezaran a salvarse, muchos se refugiaron en
otros países menos problemáticos durante la guerra. Ejemplo será Joan Miró, quien vivía en París en aquel
momento, en 1940 con la invasión de París, acabó marchando a Mallorca, donde se dedicó a hacer la serie
de las constelaciones (1939-1941). Matisse se marchó primero a Niza y luego a Venecia, donde se quedó
hasta que murió. En esa época realizó los recortes de papel, debido a que ya estaba bastante enfermo, por lo

1
que no podía pintar. En el caso de Picasso, se encontraba en ese momento en París y allí se quedó durante la
guerra. Él no va a tratar de huir de lo que ve alrededor, y realizará las denominadas mujeres monstruo, que
son mujeres histéricas que empiezan a aparecer en su pintura cuando él, a principios de los 30, se separa de
su primera mujer. Comienza a representar a esta, Olga, como una depredadora que se come al macho, una
mujer siempre vociferante, con la boca abierta. Esto es lo que se verá en El Guernica (1937). Las obras de
Picasso irán cambiando en relación con sus amoríos. En esta época, a pesar de que siga con el cubismo, hay
expresividad debido a que es la época en la que se siente influido por los surrealistas, aunque él nunca lo
reconoció. Realiza en 1942 la Cabeza de toro.

Marsella, sobre todo en los primeros años de la guerra, concentró a un gran número de escritores, pintores,
intelectuales… que trataban desesperadamente sobrevivir y, se juntaron con la intención de marcharse a
otros lugares como Estados Unidos o Latinoamérica.

Las cosas estaban complicadas en Europa, por lo que se descapitalizó de artistas. Cuando acaba la guerra, el
panorama sociopolítico y geopolítico había cambiado radicalmente. Europa se quedaba dividida en dos
bloques, habían desaparecido cantidad de imperios coloniales de África y Asia… EEUU se convierte en la
potencia más poderosa del mundo, ya que era un país joven y no había sufrido el varapalo directamente de
la guerra y estaba viviendo un momento de progreso enorme en un régimen democrático bastante estable.
Aquí es donde acaban muchos artistas como pueden ser Breton, Chagall o Mondrian. Es una época donde
vamos a encontrar grandes fotógrafos, que habían sido los que habían documentado la guerra, como Robert
Capa o Cartier-Bresson.

Hay varios acontecimientos claves para esta elección de los artistas para irse a Nueva York. Uno de ellos es el
éxito de la Exposición Armory Show (1913), que se celebra en un edificio militar de grandes dimensiones.
Esta es organizada por Arthur Davis, que era el presidente de la Asociación de Pintores y Escultores
Americanos. Esta exposición fue muy visitada, pero también muy criticada, ya que era un arte al que no
estaban acostumbrados en EEUU. Jugó un papel decisivo que los artistas se enteraran de lo que se estaba
realizando, semilla que fructificó en la Escuela de Nueva York.

Otro elemento que también creó ambiente fue la presencia del foco dadaísta neoyorquino. Aquí había una
serie de artistas dadás, que ya estaban desde la Primera Guerra Mundial, como pueden ser Marcel Duchamp
y Francis Picabia. Ambos eran de origen francés, pero a ellos se les unieron artistas americanos como Man
Ray. Duchamp contribuirá a romper con la idea de arte que había hasta el momento al llevar el urinario
como una obra artística a la exposición.

Hay un fotógrafo, Alfred Stieglitz, que era un hombre que hizo un montón de cosas para crear ese ambiente.
Él había estado con el fotógrafo Nadar en París, había conocido la obra de los impresionistas y todo esto se
lo llevó a EEUU, a su estudio galería (Studio 291), donde se dedicó a presentar obras de artistas como
Picasso, Matisse, Rousseau… esto se convirtió en la cuna del arte moderno que venía de Europa, así como el
centro del dadaísmo. Fue muy atacado por la sociedad americana.

Los artistas se comenzaron a dar cuenta de que tenían que hacer cosas nuevas, por lo que se crean las
agrupaciones de artistas de Nueva York, como la FAPS (Federación de Pintores y Escultores Americanos). El
mundo del arte contemporáneo va a estar unido a los críticos.

2
También estaba el Grupo de Los 10, que eran diez artistas entre los que estaban Mark Rothko y Adolf
Gotlieb. El Grupo AAA, que son los Artistas Abstractos Americanos. Fueron los que empezaron a escribir
sobre la Escuela de Nueva York. Clement Greenberg estaba allí como mentor y cabeza de este grupo.

Los museos estadounidenses van a tener un protagonismo importante, serán elementos de acogida y
hospitalidad. De hecho, los museos norteamericanos brindaron su hospitalidad a los artistas de vanguardia
europeos. Entre estos museos, encontramos el MoMA, nacido en 1929. El MoMA va a crear un comité de
rescate, el Comité de Rescate Internacional, y en él se invitaba a los artistas que estaban en Europa, a ir a
Estados Unidos, como a Matisse. Este museo va a ser un museo pionero y muy implicado en la defensa de
la vanguardia europea, pero ahora también une fuerzas para apoyar el arte norteamericano. Va a ser un
museo que quiere acercarse más a lo que es el mundo, a la cotidianeidad, y por eso va a introducir las artes
aplicadas. Es decir, el MoMA tendrá un departamento de diseño además de arquitectura, fotografía… Un
museo de arte moderno debe saber qué está pasando y conocer los nuevos movimientos que estar
surgiendo, pero no puede convertirse en un lugar de experimentación, según Alfred Barr. Este museo
empezó por la élite cultural a trasmitir lo que era el arte moderno, con la intención de que una vez que se
habían implicado a aquellas élites, hacer llegar el arte a los ciudadanos para que lo entendieran
debidamente. Son los primeros que van a hacer una exposición de la Escuela de Nueva York, en la exposición
“15 Americanos” en 1952.

Se creará una rivalidad entre el Metropolitan y el MoMA. El Metropolitan es un museo surgido a mediados
del siglo XIX, y era el museo de las grandes familias americanas de siempre (con cierto componente
conservador), por lo que va a defender el arte tradicional americano, que tenía un toque nacionalista y
nada preocupado por las novedades. El MoMA había sido creado por millonarios, pero eran esos nuevos
ricos, que son los que van a querer que haya un museo de arte moderno en Nueva York. Tenía una
orientación más abierta y liberal. El primer movimiento típicamente americano será esa Escuela de Nueva
York, que será una ciudad con una mentalidad mucho más abierta.

Las galerías van a tener un protagonismo bastante importante. Hay algo distinto entre las galerías
americanas y las europeas: las galerías en Estados Unidos tenían una relación estrecha con los museos, lo
que en Europa no era lo común. Las galerías refuerzan el arte que los museos luego van a adquirir, las
galerías son los intermediarios entre el artista y el público. Algunas de las galerías más importante serán la
Galería Pierre Matisse (hijo del pintor), quien era marchante, siempre abierto a lo que venía de Europa y a
las nuevas corrientes e incluso llegó a celebrar la exposición “Artistas en el exilio” en 1942, cuando recién
llegaban los artistas europeos.

Peggy Guggenheim tratará de buscar su propia realización personal como galerista y como coleccionista.
Encontrará en el mundo del arte esa libertad que no le daba su familia y entorno social. Montará una galería
en Londres: la joven Guggenheim, donde nunca ganó dinero, tuvieron un lugar muy importante los artistas
de la vanguardia europea para poderse relacionar y hacer exposiciones. Cuando estalla la guerra en 1939, se
da cuenta de que es imposible seguir allí y marcha a París. En 1941 decide regresar a Estados Unidos y ayuda
a ir allí a otro grupo de artistas europeos, por lo que contribuirá a que aquellos artistas que no tenían dinero
para ir a EEUU, lleguen a este país. En Nueva York es donde abre su segunda galería: Galería Art of This
Century, en Manhattan. Será una galería que tiene una vida corta debido a que volvería a Europa. Tratará de
convertir su nueva galería en un foco importantísimo para lo que será la Escuela de Nueva York. Fue una
mujer que se rodeó de gente que sabía de arte y de buenos consejeros (puesto que ella no sabía mucho de
arte), como podría ser Duchamp. Junto a él, había un crítico británico que le ayudó mucho en Inglaterra.

3
Cuando Peggy llega a esta segunda galería, se propone crear un núcleo abierto y dinámico donde ella no
gana dinero, pero donde se propone poner en contacto y dar soporte físico para que puedan conocerse y
convivir en una relación estrecha los artistas europeos más veteranos y consagrados, con esos jóvenes
norteamericanos que serán la base de la Escuela de Nueva York. Aquí, por primera vez expusieron artistas
jóvenes que iban a formar parte de la Escuela de Nueva York, que no eran valorados en ese momento y ella
fue quien acogió sus obras en exposiciones, como Jackson Pollock. Las mujeres jugaron un papel
fundamental en la defensa de las nuevas corrientes artísticas, pues aceptaban propuestas más arriesgadas
que los hombres, como es el caso de Peggy.

Otra mujer importante fue Betty Parsons, quien en 1946 abrió su galería. Esta era una mujer miembro de la
alta sociedad neoyorquina, pintora y muy inquieta. Desde muy joven supo que quería dedicarse al arte. Era
una galería en la que hay otro tipo de innovaciones. En el caso de la galería de Peggy, la propia exposición
parecía una obra de arte en sí misma; en el caso de Betty, pondrá de moda esas galerías que hoy en día
siguen siendo así en gran medida: la galería de arte contemporáneo aséptica, es decir, sin adornos, con
paredes, blancas, neutras… se busca un espacio neutro, donde nada distraiga la concentración de la obra
de arte. También tuvo mucho que ver en apoyar a esa Escuela de Nueva York, a ese expresionismo
abstracto. Ella fue la que hizo en 1974 la exposición sobre expresionismo abstracto, pero este movimiento
estaba tomado por figuras con una personalidad muy fuerte que se independizaron rápidamente.

Dorothy Miller tuvo una estrecha relación con todo lo que ocurría en el MoMA. Los propietarios de las
galerías están más cerca de lo que está ocurriendo en la sociedad y en la vida cotidiana que los museos,
quienes se encuentran un tanto al margen de esto.

Estados Unidos se convierte en la gran potencia mundial, en el garante de la paz mundial. América está
viviendo un momento de gran triunfalismo en todos los sentidos, son los defensores de la democracia, de la
cultura y del arte, y a ello ayudaba el poderío económico que tenía el país y la fuerza del capitalismo. Es un
capitalismo que va muy unido al mundo del consumo, un mundo en continuo movimiento.

Después de la Segunda Guerra Mundial nos encontramos con un arte que va a seguir evolucionando.

- Modernidad: desde principios del siglo XX hasta finales de los años 60, con las primeras
vanguardias y la posvanguardia (segundas vanguardias).
- Posmodernidad: desde finales de los años 60 hasta la década de los 80.

Cuando hablamos de Modernidad, hay críticos y teóricos que van a tener diferentes conceptos de la
modernidad. Para Harold Rosenberg, uno de los grandes teóricos del momento, la modernidad son
rompimientos, es decir, es algo que está en continuo cambio, está formada por rupturas que se van
sucediendo. Va a ser uno de los grandes defensores del papel de Estados Unidos, puesto que los convierte
en el centro de la cultura internacional, especialmente la Action Paiting, que la define como la más avanzada
de sus formas culturales.
También se encuentra el teórico Clement Greenberg, quien afirma que la modernidad es un cambio
continuo, sin fisura alguna con la tradición. Expone que es un proceso que empezó con Manet y que
acabara con el reduccionismo extremo del minimalismo.

4
La Posvanguardia o segundas vanguardias. Corrientes artísticas:

1. Desde 1945 hasta 1960: la abstracción: