INSTITUTO SUPERIOR KYRE’Ȳ SÃSO LEY 3 494/08

PLAN DE RECUPERACIÓN Y CONTINUIDAD DE ACTIVIDADES ACADÉMICAS

Este plan especial, es con el fin de garantizar la continuidad de las actividades académicas y respetar el
cumplimiento sanitario dispuesto por el poder ejecutivo, con el fin de evitar la expansión del COVID-19
en territorio nacional.

SOCIOLOGIA DEL ARTE

CONTENIDOS

1) DEFINICIÓN. SOCIOLOGÍA DEL ARTE

2) TEMAS DE LA SOCIOLOGÍA DEL ARTE
3) INDIVIDUALIDAD Y SOCIEDAD EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA
4) EL ARTE RESPONDE A UNA NECESIDAD DE LA VIDA HUMANA
5) CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES
6) EL ARTE Y JUEGO - ANTECEDENTES
7) LA SOCIOLOGÍA DEL ARTE EN EL SIGLO XX
8) MARXISMO
9) UNA NUEVA DISCIPLINA
10) PLAN DE TRABAJO TEORICO

La Ultima Cena – Leonardo da Vinci

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1. DEFINICIÓN

La SOCIOLOGÍA DEL ARTE es una disciplina de las ciencias sociales que

estudia el arte desde un planteamiento metodológico basado en la sociología.

Su objetivo es estudiar el arte como producto de la sociedad humana,

analizando los diversos componentes sociales que concurren en la génesis y difusión
de la obra artística.

La sociología del arte es una ciencia multidisciplinar, recurriendo para sus

análisis a diversas disciplinas como la cultura, la política, la economía,
la antropología, la lingüística, la filosofía, y demás ciencias sociales que influyan en
el devenir de la sociedad.

Entre los diversos objetos de estudio de la sociología del arte se encuentran

varios factores que intervienen desde un punto de vista social en la creación
artística, desde aspectos más genéricos como la situación social del artista o la
estructura sociocultural del público, hasta más específicos como el mecenazgo, el
mercantilismo y comercialización del arte, las galerías de arte, la crítica de arte, el
coleccionismo, la museografía, las instituciones y fundaciones artísticas, etc.

También cabe remarcar en el siglo XX la aparición de nuevos factores como

el avance en la difusión de los medios de comunicación, la cultura de masas, la
categorización de la moda, la incorporación de nuevas tecnologías o la apertura de
conceptos en la creación material de la obra de arte (arte conceptual, arte de acción).

La sociología del arte debe sus primeros planteamientos al interés de

diversos historiadores por el análisis del entorno social del arte desde mediados
del siglo XIX, sobre todo tras la irrupción del positivismo como método de análisis
científico de la cultura, y la creación de la sociología como ciencia autónoma
por Auguste Comte.

Sin embargo, la sociología del arte se desarrolló como disciplina particular

durante el siglo XX, con su propia metodología y sus objetos de estudio
determinados. Principalmente, el punto de partida de esta disciplina se suele situar
inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, con la aparición de
diversas obras decisivas en el desarrollo de esta corriente disciplinar: Arte y
revolución industrial, de Francis Klingender (1947).

La pintura florentina y su ambiente social, de Friedrich Antal (1948); e Historia

social de la literatura y el arte, de Arnold Hauser (1951).

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 En sus inicios, la sociología del arte estuvo estrechamente vinculada
al marxismo –como los propios Hauser y Antal, o Nikos Hadjinikolaou, autor
de Historia del arte y lucha de clases (1973)–, si bien luego se desmarcó de esta
tendencia para adquirir autonomía propia como ciencia.

Otros autores destacados de esta disciplina son Pierre Francastel, Herbert

Read, Francis Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke, Giulio Carlo Argan, etc.

2. TEMAS DE LA SOCIOLOGIA DEL ARTE

Respecto del arte, la sociología se plantea dos cuestiones, las cuales son
análogas a las preguntas que se formula sobre otras ramas de la cultura: la
Sociología del arte inquiere sobre cuales sean las influencias de los factores
sociales, tanto de los genéricos como de los concretos peculiares de cada situación
histórica, sobre la obra de arte y además indaga las formas de acción del arte
sobre las realidades sociales.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, DE EUGÈNE DELACROIX.

Es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París y
uno de los más famosos de la historia. El lienzo simboliza la Revolución de 1830 del día 28 de julio,
mostrando una escena en la que el pueblo de París se levanta en armas contra el rey Carlos X de Francia.

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 3. INDIVIDUALIDAD Y SOCIEDAD EN LA CREACION ARTISTICA

La obra de arte es siempre y necesariamente creación individual, pues es

creación de algo que previamente no existía. Solo el individuo es capaz de crear,
porque toda creación es obra de pensamiento; y únicamente los sujetos individuales
piensan. Recuérdese que nadie ha visto jamás ni podrá ver un grupo pensante.

No obstante, el hecho de que solo el individuo es capaz de crear, y, por tanto

el hecho de que toda creación artística es necesariamente la obra de un individuo no
quiere decir de ninguna manera que todos los ingredientes de la obra artística sean
individuales, no significa que todos los componentes de esta obra procedan de su
autor como individuo.

Por el contrario, es muy claro que muchos de esos ingredientes el artista los h
recibido del medio socio-cultural en que vive. En efecto, de su contorno socio-
cultural ha recibido ideas, pensamientos, experiencias, estímulos, matices, motivos
peculiares, sugerencias, etc.

Todas esas cosas son como parte de los materiales con los cuales el artista
realiza su creación. Posible y seguramente, si se trata de un gran artista, el añade a
todos esos ingredientes en rama, que recibe de su medio social, otros componentes
que son privativamente suyos, que son ocurrencia individual propia.

Añade además siempre su individual acción configurante, modelante,

expresiva, en suma, la obra propia de articular en una forma suya individual todos
eso materiales son los mismos los que reciben del medio socio-cultural en que vive,
que aquellos otros que el aporto por su propia cuenta.

En definitiva, con la obra de arte pasa algo semejante a lo que sucede con los
otros géneros de creaciones humanas, por ejemplo, con las científicas, con las
filosóficas, con las técnicas, etc.

Todas ellas son siempre individuales: pero esas creaciones individuales contienen
variados ingredientes sociales, y están además condicionadas e influidas
efectivamente por muchos y diversos factores sociales de diversa índole.

Aquí se trata no tanto de catalogar los elementos los elementos sociales de las
variadas creaciones artísticas, sino sobre todo de averiguar de qué manera las
realidades sociales condicionan la obra de arte, y además en que forma y en qué
medida influyen sobre la realidad concreta de la obra artística.

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Y esta averiguación se encamina después de haber apuntado al denominador común
que la obra de arte tiene como las obras de la ciencia, de la técnica, etc., a
esclarecer las modalidades que esa influencia tiene precisamente en el área del arte.

Para ello convendría prestar atención, siquiera sea de modo somero, a algunos
aspectos del sentido de la obra artística.

4. EL ARTE RESPONDE A UNA NECESIDAD DE LA VIDA HUMANA

El hombre lleva consigo, y aun pudiera decirse que es el mismo, un problema

dramático. “Sus actividades todas no son sino funciones de ese problema, pasos que
da para resolver ese problema. E este e tal calibre, que no hay manera de darle
batalla campal: siguiendo la máxima divide el impera, el hombre lo secciona y lo va
resolviendo por partes y estados”.

La religión y la moral son la solución a unas partes de ese problema. La ciencia es la

solución a otras partes a tal problema. El arte es el ensayo para resolver otro rincón
del problema.

Las artes son manifestaciones sensibles por medio de las cuales el hombre
expresa a si mismo lo que no puede formular de otra manera.

Pero sucede además que el problema propio del arte no puede ser resultado de un
modo general. Por eso el hombre para abarcar ese problema separa sus diversos
aspectos en las varias artes. Cada arte particular es la expresión de un aspecto
autentico del problema general del arte en su conjunto. Cada arte pues responde a un
aspecto radical de lo más íntimo e irreductible que encierra en sí el hombre.

No hay posibilidad aquí, en este libro, de tratar, ni siquiera de plantear, el

problema filosófico sobre la esencia del arte.

Es esta una cuestión de demasiado volumen y complicación para que pueda

ser abordada tangencialmente aquí.

Por una parte es verdad que el arte trabaja con elementos de la realidad, pero
nunca es copia de esta, ni siquiera cundo parece proponerse ser tal copia, pues aun
en esos casos le artista ve las cosas desde su propia perspectiva, las selecciona y las
organiza según su propia sensibilidad.

Por otra parte el arte es siempre obra de imaginación construcción, creación,

aunque opere con elementos reales.

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 El arte enfoca el problema de la realidad por caminos diferentes de los de la
creencia de los de la religión, de los de la filosofía y de los de la acción.

El arte intenta penetrar en la realidad de la vida humana, en la realidad de las

relaciones entre el hombre y su mundo por la vía de la expresión de sentimientos
estéticos.

5. CLASIFICACION DE LAS ARTES

¿QUE SON LAS ARTES?

La palabra arte viene del latín art. El Arte aparece desde los Homos sapiens en
donde se usaba como complemento de los rituales y de lo mágico-religioso. Son
todas aquellas creaciones realizadas por el ser humano, donde expresa su visión del
mundo real o imaginario, desde un punto de vista sensible que se puede manifestar
de una forma sonora, plástica o lingüística. En el Renacimiento se distinguen las
artesanías y las bellas artes.

Muchísimas son las clasificaciones de las artes, que los filósofos y los
teóricos de la estética han propuesto. Pero, hágase la clasificación desde el punto de
vista que se quiera, el cuadro clasificatorio será siempre una abstracción, porque en
concreto ni existe el arte, ni existen las artes particulares, sino que lo que realmente
existe son solo las diversas artística.

Las clasificaciones que anteceden abarcan principalmente las llamadas

bellas artes por excelencia. Pero en términos amplios el arte rebasa los límites de
las bellas artes, y se proyecta sobre otros campos, combinándose con otras utilitarias
en las artes de artesanías o industriales mediante las cuales se intenta dar una
dimensión artística a productos que tienen un propósito de utilidad: muebles,
cerámica, vestidos, etc.

Otra combinación entre el arte y una finalidad diferente la hallamos en el

intento de embellecer el estilo de la literatura científica y de la didáctica.

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 6. EL ARTE Y JUEGO

Varios sociólogos y también algunos teóricos de la cultura han puesto en

relación el arte con el juego, por advertir que ambos implican un excedente de
energías, una especie de superabundancia vital.

En este sentido se ha señalado que juego y arte representarían actos que

llevan implícito, en sí mismo su objeto.

El verdadero jugador jugaría por jugar, no para ganar; y el auténtico artista

crearía por placer de crear, y no para cumplir fines extrínsecos.

Aunque tales observadores son correctos, sin embargo no justifican una

equiparación entre arte y juego.

A pesar de que el arte presente algunas características comunes con el juego,

no se puede considerar que sean actividades humanas del mismo género. Esto es así
por varias razones.

En primer lugar, el juego es un tipo de actividades más amplio que el

concepto de actividad artística. Tampoco puede considerarse la actividad artística
como una especie del género “juego”.

Antonio Caso sostenía que “actividad práctica, juego y arte son tres cosas
diferentes”.

Sin embargo, aunque esa diferenciación trimembre esté justificada en

alguna medida, es preciso que nos percatemos de que no debe interpretársela como
una división del campo de las actividades humanas en tres provincias separadas por
los tres tipos de actividades.

Y es necesario también advertir que el juego es uno de los tipos de actividad

más importante en la vida humana, en el cual se engendran muchas de las
creaciones más decisivas en las variadas ramas dela cultura.

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ANTECEDENTES
El Ángelus, de Jean-François Millet.

Si bien diversos autores se han planteado a lo largo de la Historia la función

social del arte –Platón por ejemplo se lo cuestionó en La República–, es
principalmente desde el siglo XIX que empieza a analizarse la relación arte-
sociedad: los cambios sociales producidos por la Revolución francesa y
la Revolución industrial, tanto a nivel político como económico, llevaron a los
filósofos a replantearse la relación del hombre con la sociedad.

Así surgió la sociología del arte, ciencia fundamentada en los principios

metodológicos del positivismo que considera al artista como parte indisoluble de la
sociedad, siendo la obra artística un fiel reflejo de los condicionamientos sociales
que envuelven al artista.

En su génesis, la sociología del arte se opuso al romanticismo, el movimiento

cultural preponderante en Europa a principios del siglo XIX, si bien tomaron de éste
el concepto del arte como reflejo del tiempo –lo que llamaban “espíritu del tiempo”–
, que los positivistas llamaron “contexto histórico”.

Igualmente, se enfrentaron al esteticismo, movimiento que rechazaba el

utilitarismo imperante en la época y la fealdad y materialismo de la era industrial.
Esta tendencia otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la
fórmula de Théophile Gautier “el arte por el arte” (L'art pour l'art), llegando incluso
a hablarse de “religión estética”.7 Esta postura pretendía aislar al artista de la
sociedad, buscando de forma autónoma su propia inspiración y dejándose llevar
únicamente por una búsqueda individual de la belleza, que se aleja de cualquier
componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir su
propia vida como una obra de arte –como se puede apreciar en la figura del dandy–.

Uno de los teóricos del movimiento fue Walter Pater, que influyó en el
denominado decadentismo inglés, estableciendo en sus obras que el artista debe
vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza.

Posteriormente, autores como James McNeill Whistler, Oscar

Wilde, Algernon Charles Swinburne y Stéphane Mallarmé desarrollaron esta
tendencia hasta un elevado grado de refinamiento basado únicamente en la
sensibilidad del artista.

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 El primer teórico que estudió el arte desde un punto de vista sociológico
fue Hippolyte-Adolphe Taine: en su Filosofía del arte (1865-1869), aplicó al arte un
determinismo basado en la raza, el contexto y la época (race, milieu, moment).

Para Taine, el arte opera como cualquier otra disciplina científica, sobre la
base de parámetros racionales y empíricos: el arte “no es más que una especie
de botánica aplicada no a las plantas, sino a las obras del hombre”.

Considera las obras de arte “productos de los que hay que determinar sus
características y buscar sus cauces”, aceptando cualquier forma artística como
“manifestaciones del espíritu humano”. Jakob Burckhardt, en La cultura del
Renacimiento en Italia (1860), esbozó desde la perspectiva del historicismo un
análisis del arte estudiado desde cualquier fenómeno que rodea al mundo del arte:

desde la política y la moral, hasta la vida doméstica y la situación de la mujer.

Igualmente, Jean Marie Guyau, en El arte desde el punto de vista
sociológico (1888), planteó una visiónevolucionista del arte, afirmando que el arte
está en la vida, y que evoluciona como ésta; y, al igual que la vida del ser humano
está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad.

La sociología del arte tuvo en el siglo XIX una gran vinculación con
el realismo pictórico y el naturalismo literario, así como con movimientos
políticos de izquierdas, especialmente el socialismo utópico: autores como Henri de
Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la función
social del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza y
utilidad en un conjunto armónico.

Por otro lado, en el Reino Unido, la obra de teóricos como John

Ruskin y William Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de
Venecia (1851-1856) Ruskin denunció la vulgarización del arte llevada a cabo por la
sociedad industrial, así como la degradación de la clase obrera, defendiendo la
función social del arte. Asimismo, en El arte del pueblo (1879) pidió cambios
radicales en la economía y la sociedad, reclamando un arte “hecho por el pueblo y
para el pueblo”.

Por su parte, Morris –fundador del movimiento Arts & Crafts– defendió un
arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no sólo espirituales.

En Los fines del arte (1887) postuló un concepto de arte utilitario pero alejado de
sistemas de producción excesivamente tecnificados, próximo a un concepto del
socialismo cercano al corporativismo medieval.

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 Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev
Tolstoi: en ¿Qué es el arte? (1898) se planteó la justificación social del arte,
argumentando que siendo el arte una forma de comunicación sólo puede ser válido
si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los hombres.

Para Tolstoi, la única justificación válida es la contribución del arte a la

fraternidad humana: una obra de arte sólo puede tener valor social cuando transmite
valores de fraternidad, es decir, emociones que impulsen a la unificación de los
pueblos.12

7-LA SOCIOLOGÍA DEL ARTE EN EL SIGLO XX

El arte contemporáneo ha presentado una gran atomización de estilos,

reflejando ideas culturales y filosóficas que se fueron gestando en el cambio de siglo
XIX-XX, en muchos casos contradictorias: la superación de las
ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e
individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de
autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un
rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas
teorías científicas: la subjetividad del tiempo (Bergson), la relatividad de Einstein,
la mecánica cuántica, la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las
nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, ya que la fotografía y
el cine ya se encargan de plasmar la realidad.

Los movimientos de vanguardia pretendieron integrar el arte en la sociedad,

buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que
interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía.

Es lo que Umberto Eco denominó “obra abierta”: una obra que expresa con
mayor libertad la concepción del artista, pero que a la vez establece un diálogo con
el espectador, al tener un número ilimitado de interpretaciones.

A veces el arte está más en la visión que le otorga el espectador que no en su

propio proceso productivo, como en los ready-made deMarcel Duchamp.

El arte contemporáneo está íntimamente ligado a la sociedad, a la

evolución de los conceptos sociales, como el mecanicismo y la desvalorización del
tiempo y la belleza.

Es un arte que destaca por su instantaneidad, necesita poco tiempo de

percepción, con oscilaciones continuas del gusto, cambiando simultáneamente: así

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como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables, el
actual, de raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de
masas).

En una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los

sentidos, no al intelecto.

Cobra especial relevancia el concepto de moda, una combinación entre la

rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual.

Las últimas tendencias artísticas pierden incluso el interés por el objeto

artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto.

Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación

espontánea, efímera, del arte no comercial (arte
conceptual, happening, environment).

8- MARXISMO

Bolchevique, de Boris
Mijáilovich
Kustodiev,Galería
Tretiakov, Moscú.

La teoría del materialismo dialéctico formulada en el siglo XIX

por Marx y Engels tuvo derivaciones en el campo de la teoría del arte en el siglo
XX, sobre todo en Rusia. De la obra de Marx se desprendía que el arte es una
“superestructura” cultural determinada por las condiciones sociales y económicas
del ser humano.

Marx consideraba el fenómeno artístico como uno de los factores

integradores de la dinámica social, y puntualizó la alienación del arte en relación a
los grupos sociales. Para Marx, el arte es un componente de la ideología: cada

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ideología se corresponde con una visión del mundo que trata de justificar el orden
social establecido.

Así, la ideología artística equivale a una manera de representar que tiende a

justificar la realidad social resultante de las relaciones económicas de producción.

Para los marxistas, el arte es reflejo de la realidad social, si bien el propio

Marx no veía una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte
que produce. Georgi Plejánov, en Arte y vida social (1912), formuló una teoría
materialista que rechaza el “arte por el arte”, así como la individualidad del artista
ajeno a la sociedad que lo envuelve.

Después de la Revolución Soviética el arte, enmarcado en el realismo

socialista, fue estandarizado en unos parámetros definidos principalmente
por Maksim Gorki y Andréi Zhdánov: el artista ha de ser catalizador de las fuerzas
sociales, fomentando el proceso revolucionario marxista.

Para György Lukács el arte de vanguardia es reflejo del “irracionalismo

burgués”. Influido por Wilhelm Dilthey y su distinción entre “ciencias de la
naturaleza” y “ciencias del espíritu”, aplicó esta diferencia para establecer
una ontología del arte: si la ciencia trata “con los hechos y con sus conexiones”, el
arte “nos ofrece almas y destinos”.

Para Lukács, el arte está ontológicamente ligado a la verdad, a una verdad

mítica perdurable en el trasfondo del hombre durante milenios.

EnHistoria y conciencia de clase (1925) aplicó la dialéctica marxista al arte,

concibiendo este como una estructura profunda y recurrente inherente al devenir
histórico a lo largo del tiempo.

El arte es así un fenómeno mimético que recoge los aspectos más esenciales y
universales de los acontecimientos históricos.

Para Lukács, “el arte verdadero representa siempre la totalidad de la vida

humana”.

Walter Benjamin analizó el arte de vanguardia, que para él es “la culminación

de la dialéctica de la modernidad”, el final del intento totalizador del arte como
expresión del mundo circundante.

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 Intentó dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna, realizando un
análisis semiótico en que el arte se explica a través de signos que el hombre intenta
descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio.

Para él, la modernidad implica una fractura semiótica que sumerge al hombre
en la confusión, impeliéndole a su vez a una búsqueda de la verdad.

Aunque aparentemente el arte tiene una función reconciliadora entre el hombre y el

mundo, la propia naturaleza artificial de este hace que nos conduzca a falsas
premisas de verdad.

En La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (1936) analizó

la forma cómo las nuevas técnicas de reproducción industrial del arte pueden hacer
variar el concepto de este, al perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo
de reverencia mítica; esto abre nuevas vías de concebir el arte –inexploradas aún
para Benjamin– pero que supondrán una relación más libre y abierta con la obra de
arte.

Theodor W. Adorno, como Benjamin perteneciente a la Escuela de Frankfurt,

defendió el arte de vanguardia como reacción a la excesiva tecnificación de la
sociedad moderna. Contrariamente al concepto estructural de Lukács, Adorno puso
énfasis en la forma artística, que para él es donde se manifiesta el contenido
ideológico subyacente en el arte, si bien de una forma distorsionada, como en un
espejo roto.

En su Teoría estética (1970) afirmó que el arte es reflejo de las tendencias

culturales de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de esta, ya que el arte
representa lo inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo que existe pero
como posibilidad de ser otra cosa, de trascender.

El arte es la “negación de la cosa”, que a través de esta negación la trasciende,

muestra lo que no hay en ella de forma primigenia.

Es apariencia, mentira, presentando lo inexistente como existente,

prometiendo que lo imposible es posible.

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9- UNA NUEVA DISCIPLINA

El siglo XX ha puesto de manifiesto una mayor interrelación entre el arte y la

sociedad, lo que se ha hecho patente en la proliferación de nuevos museos.

La sociología del arte como disciplina metodológica aplicada de forma

sistemática al estudio del arte nace después de la Segunda Guerra Mundial,
debida sobre todo a la obra de Friedrich Antal y Arnold Hauser, provenientes ambos
delformalismo de la Escuela de Viena.

Antal sentó en La pintura florentina y su ambiente social (1948) las bases de

este nuevo método de estudio del arte, relacionando arte y sociedad como una
estructura unificada regida por principios causales.

Para este autor, el arte ha de analizarse desde todos los factores que
intervienen en su génesis, sean sociales, políticos, económicos, culturales, etc.

Aun así, no reniega del análisis formal de la obra de arte, ni del aporte que
puede proporcionar la sensibilidad al estudio del hecho artístico.

La obra de Arnold Hauser tuvo más éxito y difusión, y supuso una mayor
sistematización y categorización de esta disciplina, por lo que muchos le consideran
el padre de la moderna sociología del arte.

Discípulo de Heinrich Wölfflin y Max Dvořák, su adscripción al marxismo

será evidente en toda su obra, por lo que recibió numerosas críticas. Sin embargo, la
obra de Hauser, una vez eludida su ideología, es fuente indispensable para el estudio
sociológico del arte.

En Historia social de la literatura y el arte (1951), Hauser intentó explicar la

historia del arte desde el materialismo histórico, por lo que, si bien adolece de
excesiva esquematización ideológica, este primer intento de análisis social del arte
sentará las bases de la sociología del arte.

En Teorías del arte (inicialmente Filosofía de la historia del arte, 1958),

sentó de forma más elaborada las bases del estudio sociológico del arte, delimitando
sus objetivos y analizando el arte por estratos culturales. Por último, en Sociología
del arte (1974), realizó la aportación más completa a esta disciplina, analizando de
forma rigurosa los distintos componentes teóricos que repercuten en esta ciencia.

Más adelante, Pierre Francastel supuso un intento de abandonar el

determinismo al que se había encaminado la sociología del arte, intentando
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establecer unas bases más amplias de análisis, sustentadas sobre todo en el
componente cultural del arte y de la sociedad.

Defiende el carácter específico del lenguaje artístico, optando por la obra de

arte como punto de partida, en vez del contexto social.

Su análisis es multidisciplinar, aportando a la sociología del arte recursos

provenientes del estructuralismo y lasemiología.

En Pintura y sociedad (1951), analizó la historia de la pintura desde la

evolución del pensamiento, si bien no profundiza demasiado en el componente
social, por lo que se ha criticado a Francastel como formalista que aplica el método
sociológico sin sacar conclusiones de él.

Igualmente, Lucien Goldmann abre la sociología del arte a otras disciplinas

como la antropología, la lingüística o la psicología, proponiendo un “estructuralismo
genético” en el que el lenguaje es reflejo de una determinada “visión del mundo”
presente en toda estructura social.

Asimismo, Pierre Bourdieu enfatizó el origen sociocultural del arte

vinculándolo al comportamiento humano, analizando pautas de comportamiento
presentes en distintas sociedades, desde las más primitivas hasta las más avanzadas.

Progresivamente la sociología del arte fue ampliando su horizonte

metodológico, surgiendo en los años 1970 varias tendencias que analizan el arte
desde diversos factores:Jean Gimpel, en Contra el arte y los artistas (1968), hizo un
repaso histórico al arte producido desde Giotto desde el punto de vista de la
condición social del artista y de la inserción de la obra de arte en el contexto
económico que la produce, incidiendo especialmente en factores como el
mecenazgo y el coleccionismo.

De igual manera, Raymonde Moulin analizó en El mercado de la producción

artística en Francia (1967) los factores incidentes en un campo específico como es
el mercado del arte, sentando las bases de gran número de obras que incidirán en el
tema. De forma similar, Michael Baxandall sintetizó la sociología del arte con la
estética, la lingüística y la semiótica, creando un método que denominó “explicación
histórica de los cuadros”: la obra de arte debe interpretarse, afirma, como una
“verbalización” de la imagen proveniente de diversos estereotipos inherentes a
estructuras de pensamiento producidas en cada momento histórico. Svetlana
Alpers elaboró una teoría basada en la representación de los lenguajes culturales y
su estructura gnoseológica, relacionando diversos campos de manifestación cultural:

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arte, ciencia, religión, técnica, poesía, junto a demás aspectos sociales y semióticos
de la cultura.

Peter Burke, pese a no ser historiador del arte, incluyó el arte en sus estudios
de historia social, que aglutina el análisis antropológico y cultural, analizando en El
Renacimiento italiano (1972) la posición social del artista, así como el mecenazgo y
la función del arte. Por otro lado, Rudolf Wittkower plasmó en Nacidos bajo el
signo de Saturno (1963) uno de los mejores tratados sobre la evolución de la
condición social del artista, así como su carácter y conducta social.

De igual manera, Patrones y pintores (1963) de Francis Haskell es referencia

obligada sobre el patronazgo artístico.

Uno de los más recientes terrenos de estudio de la sociología del arte es el de

la cultura de masas, vinculada a la apertura actual del concepto del arte y a la
atomización de estilos y de materiales presente en el arte contemporáneo, con
utilización de nuevos soportes y nuevas tecnologías: la fotografía, el cine, el video,
el cartel, el cómic, el diseño, la publicidad, el graffiti, la moda, la utilización del
cuerpo (body-art) o la naturaleza (land-art) como soporte artístico, o
la performance y el happening, suponen un nuevo abanico de posibilidades para el
arte contemporáneo, y un nuevo objeto de estudio para la sociología del arte.

En La era neobarroca (1987), Omar Calabrese pretende aglutinar todas estas

manifestaciones en una “estética social” basada en el gusto común presente en la
expresión y comunicación de estas nuevas tipologías, i

ndependientemente de su función y cualidad.

-LA SOCIOLOGÍA DEL ARTE es una metodología

de la Historia del Arte que trata de explicar las
creaciones como resultado de unas circunstancias
sociales determinadas.

-El origen y fundamento ideológico de esta

metodología se encuentra en el pensamiento marxista

Karl Marx (1818-1883)

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 PLAN DE TRABAJO TEORICO T.P.: 39P

1. RELEVAMIENTO Y ANÁLISIS de las secciones de arte y espectáculo de

diarios o revistas actuales o de años pasados, nacional o internacional. 8P

Ejemplos

De las siguientes ramas del arte:

 Danza
 Teatro
 Plástica Visual
 Música

Emite una opinión acerca de estas publicaciones que hayas elegido

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2- INVESTIGO LA BIOGRAFÍA DE KARL MARX 1818-1883 2P

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3- CONTESTO ESTAS PREGUNTAS 12P

3.1. Que es sociología?

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3.2. Que es sociología del arte?

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3.4. Durante qué siglo la sociología del arte se desarrolla como disciplina?

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3.5. En los inicios la sociología. A que estuvo ligado estrechamente?

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3.6. Cuáles son los temas de la sociología del arte?

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3.7. Que son las arte?

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4. OPINO ESTOS TEMAS 12P

4.1. Creación artística

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4.2. Marxismo

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4.3. Individualidad y sociedad en la creación artística

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4.4. La Sociología del arte en el siglo XX

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5. Analizo desde mi punto de Vista la Perceptiva artística y escribo mi opinión

personal de la Obra “La última cena” de Leonardo Da Vinci, y la utilización de
esta obra universal, en un montaje fotográfico con fines publicitarios de la moda
actual. 5P

Leonardo Da Vinci, autor de este conocido cuadro, utiliza un estilo renacentista.

Trata un tema muy importante como es la sagrada cena donde Cristo junto a sus
apóstoles toma lo que va a ser su última cena. El momento es en el que Jesús
explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos
responde de una forma distinta, dando mucho movimiento y expresión a la
representación.

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Está fotografía también sería una simulación de la última cena pero con un estilo
más moderno que la anterior. Destaca sobre todo que la persona que representaría
a Jesús en el centro de la mesa es un mujer en vez de un hombre, aunque ésta
también tiene las manos igual que las tenía él, otra diferencia es que no aparece
comida y los personajes que representarían a los discípulos están en contacto
pendientes unos de otros, no de la mesa y algunos de ellos exhiben su cuerpo.
Hablamos de un estilo más moderno porque se podría tratar de un anuncio de moda
publicitario. Este anuncio de ropa (Marithé Francois Girbáud) causó polémica en
toda Europa.

Opinión Personal:
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